La géopolitique fait peur. Elle semble complexe, truffée de cartes, de conflits, de stratégies nébuleuses, réservée aux experts. Pourtant, elle s’infiltre partout : dans nos vies, dans nos débats, dans nos écrans. Et de plus en plus, dans nos séries. Deux ouvrages parus à quelques années d’écart en offrent la preuve éclatante : La géopolitique des séries ou le triomphe de la peur de Dominique Moïsi (Flammarion, 2017) et J’assure en géopolitique grâce aux séries de Virginie Martin et Anne-Lise Melquiond (De Boeck Supérieur, 2023). Deux approches différentes, deux tonalités distinctes, mais un même constat : les séries ne racontent pas seulement des histoires, elles cartographient nos angoisses, nos tensions, nos fractures.

Quand la fiction capte l’air du temps

Dominique Moïsi ne s’embarrasse pas de définitions académiques. Il observe. Il analyse. Il décortique. Et ce qu’il voit dans les séries post-11 septembre, c’est une montée brutale de la peur. Peur du chaos (Game of Thrones), peur du terrorisme (Homeland), peur de la fin de la démocratie (House of Cards), peur de l’autre (Occupied). Peur d’un ordre ancien qui vacille (Downton Abbey).

Pour Moïsi, les séries sont les sismographes émotionnels de notre temps. Le propos est limpide : les séries nous parlent du monde tel qu’il est… ou tel que nous le percevons. Elles ne se contentent pas de refléter l’actualité. Elles façonnent notre compréhension des événements, de l’histoire, des puissances. En cela, elles sont politiques. Et donc géopolitiques. Avec une bonne touche de soft power ?

Pédagogie pop : apprendre la géopolitique avec Netflix

Côté De Boeck, le ton est plus didactique, mais tout aussi percutant. Dans J’assure en géopolitique grâce aux séries, Martin et Melquiond partent des séries que tout le monde connaît (ou presque) pour enseigner les grandes notions géopolitiques contemporaines. Ici, The Crown devient une leçon sur la décolonisation, Fauda un décryptage du conflit israélo-palestinien, Borgen un miroir des enjeux écologiques, Narcos une plongée dans la géoéconomie des cartels.

Le tout est organisé en 15 chapitres clairs, assortis de définitions, cartes, dates clés. Ce n’est pas un gadget pédagogique, mais un outil sérieux, bien structuré, qui permettra aux étudiants comme aux curieux de s’approprier un savoir qui peut sembler aride. Grâce à la familiarité des séries, la géopolitique devient ainsi accessible. Et surtout, elle prend du sens, de la consistance.

Deux visions, un même objectif : rendre le monde lisible

Ces deux livres se complètent admirablement. Moïsi livre une lecture émotionnelle du monde à travers le prisme des récits télévisés. Martin et Melquiond offrent une grille de lecture analytique, avec rigueur et méthode. Ensemble, ils montrent que :

• Les séries sont des instruments de compréhension du monde.
• Elles reflètent les rapports de force, les fractures culturelles, les dynamiques géostratégiques.
• Elles véhiculent aussi des idéologies, des peurs, des récits d’identité ou de puissance.

Pourquoi c’est crucial aujourd’hui

Dans un monde en mutation rapide, où les conflits se multiplient, où les alliances changent, où l’info se dilue dans les réseaux, maîtriser la géopolitique n’est plus une option. C’est une nécessité.

Non pour devenir expert en stratégie militaire, mais pour :

• comprendre ce qui se joue entre les lignes des journaux (ou des tweets),
• repérer les dynamiques de pouvoir derrière les discours,
• décrypter les récits géopolitiques cachés dans nos divertissements.

Et si les séries peuvent nous y aider, pourquoi s’en priver ? À condition de garder un œil critique, de ne pas confondre fiction et réalité, et de croiser les regards. Ce que font, chacun à leur manière, Moïsi, Martin et Melquiond.

En conclusion : binge-watcher le monde ?

Oui, on peut apprendre en regardant des séries. À condition de savoir ce qu’on regarde, et pourquoi. Les séries ne sont pas neutres. Elles racontent le monde – ou du moins, une vision du monde. Les décrypter, c’est apprendre à penser, à questionner, à résister aussi.

Alors, que vous soyez fan de Narcos, de The Handmaid’s Tale, de Fauda ou de Succession, ces deux livres sont là pour vous tendre une boussole. Et vous rappeler que dans chaque épisode, il y a bien plus qu’un rebondissement : il y a un morceau du réel à déchiffrer.

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Documentariste et autrice, Sandrine Lucchini signe avec Charlotte Chérie un polar incisif qui explore les méandres de la haine féminicide contemporaine. À travers une enquête pour le moins haletante, la romancière met en lumière les mécanismes insidieux de la radicalisation misogyne, offrant une réflexion profonde sur les violences faites aux femmes et l’instrumentalisation des frustrations masculines par des idéologies extrémistes.

Un polar au service d’une dénonciation sociale

Charlotte Chérie s’ouvre sur l’enlèvement de Charlotte qui se retrouve pieds et poings liés dans le coffre d’une voiture. Ce rapt coïncide avec la découverte d’un corps de femme violée et massacrée. Un féminicide ? L’enquête, menée par un inspecteur déterminé et son groupe, dévoile progressivement l’implication de communautés en ligne où se développent des discours haineux envers les femmes. Lucchini utilise ainsi les codes du polar pour immerger le lecteur dans une réalité glaçante, où la fiction rejoint des faits bien réels.

La manosphère : un terreau fertile pour la haine

Le roman met en lumière la « manosphère », un ensemble de communautés en ligne où se côtoient incels, masculinistes et autres groupes prônant une vision anti-féministe du monde. Ces espaces virtuels, souvent présents sur des forums ou des réseaux sociaux, servent de caisses de résonance à des propos venimeux, banalisant la violence envers les femmes. Des études ont montré que ces communautés pèsent dans la radicalisation de certains individus, les poussant à commettre des actes violents, ce que l’autrice décrit avec beaucoup de finesse.

L’instrumentalisation des frustrations masculines par l’extrême droite

Lucchini souligne également comment des mouvements d’extrême droite exploitent les frustrations de ces hommes pétris de complexes pour les rallier à leur cause et en faire des machines à broyer les femmes. En offrant des boucs émissaires, en diffusant des idéologies simplistes, ces groupes parviennent à canaliser la colère de certains vers des actions d’une violence inouïe. Le roman illustre cette instrumentalisation, montrant comment des individus isolés peuvent être embrigadés dans des réseaux extrémistes qui relèvent du terrorisme.

Une œuvre nécessaire et percutante

Charlotte Chérie n’est pas qu’un simple thriller ; c’est une œuvre engagée qui interroge notre société sur les dérives de certaines communautés en ligne et sur la banalisation de la détestation des femmes. En mêlant fiction et réalité, Lucchini offre une lecture essentielle pour comprendre les mécanismes de cette radicalisation misogyne et les dangers qu’elle représente pour l’ensemble de la communauté.

En somme, Charlotte Chérie est un roman percutant qui, sous couvert d’une enquête policière, offre une analyse profonde des violences antiféministes contemporaines. Sandrine Lucchini réussit à allier suspense et réflexion sociale, faisant de son œuvre une lecture incontournable pour quiconque s’intéresse aux enjeux de genre et aux dérives idéologiques de notre époque.

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Avec 5 septembre, le réalisateur suisse Tim Fehlbaum évoque la prise d’otages survenue lors des Jeux olympiques de Munich en 1972, mais du point de vue des journalistes d’ABC Sports, présents sur place. Ce choix narratif semblait de prime abord risqué ; il offre pourtant une immersion aussi saisissante qu’édifiante dans les coulisses d’un événement tragique devenu temps fort médiatique. Le récit met ainsi en lumière les défis éthiques et professionnels auxquels ces journalistes sont soudainement confrontés. Des défis alors inédits, aujourd’hui quotidiens.

Une situation tragique et inédite

Munich 1972 : alors que les JO de la paix se déroulent tranquillement, l’équipe d’ABC Sports se concentre sur la couverture des compétitions sportives. Soudain des coups de feu, répétés déchirent la nuit. En bons professionnels, les journalistes de la chaîne flairent la catastrophe. Très vite l’info tombe : des membres de l’équipe sportive israélienne sont retenus en otages par un groupe de « terroristes », ainsi que les appellent les autorités allemandes, dont une assistante épie les conversations radiophoniques.

Réalisant la gravité de la situation et son caractère tragiquement inédit, l’ensemble du staff se mobilise. Témoins des faits, ils en deviennent le relai en direct, diffusant l’information à l’écran, captant les images, commentant chaque événement. Calmes devant la caméra, fiévreux et en alerte en coulisse. Ne disposant que de moyens analogiques (la pointe de la technologie de l’époque), ils vont devoir redoubler d’agilité, d’inventivité et d’audace pour rester en ligne et informer le public, envers et contre tout.

Date historique, question éthique

Pour nous, coutumiers du smartphone, de l’IA, des autoroutes numériques de l’info, cela semble désuet, pour ne pas dire risible. Mais Tim Fehlbaum se charge de nous rappeler énergiquement que ce 5 septembre 1972 est une date historique, un véritable tournant de civilisation, qui accouche à la fois du terrorisme moderne et d’une nouvelle approche médiatique, les deux se percutant avec une brutalité sans nom. Car l’intérêt journalistique offre aux preneurs d’otage exactement ce qu’ils veulent : un porte-voix, une audience internationale. Un bien pour un mal ? Un mal pour un bien ?

A peine enclenché le processus informatif, les questions éthiques pleuvent, que la team d’ABC Sports doit résoudre sur le tas. Par exemple la diffusion en direct de scènes potentiellement violentes, fusillades, exécutions ou autres. Les journalistes sont confrontés à des décisions cruciales : partager des images choquantes qui pourraient affecter le public ou préserver la dignité des otages et de leurs familles ? Des dilemmes, il va y en avoir d’autres, que le film explore avec une intensité palpable, mettant en lumière les tensions entre le devoir d’informer et la responsabilité morale.

Authenticité maximale, immersion totale

5 septembre est avant tout un film sur l’histoire du journalisme, la manière dont subitement ce secteur bascule dans une modernité sanglante dont elle saisit l’essence au vol, presque par accident. Raconter une histoire dont on ne connaît pas encore la fin, traquer la vérité, la dire avant les autres, mieux que les autres, faire un scoop : Fehlbaum met particulièrement en exergue et avec un rythme trépidant cette chasse au fait d’exception. Pour faire de l’audience bien sûr, mais aussi pour informer au mieux, quitte à prendre des risques.

Pour assurer une authenticité maximale, le réalisateur a consulté les archives d’ABC Sports et a tourné certaines scènes dans des lieux réels ou similaires à ceux des événements de 1972. Les acteurs ont été formés aux techniques de production télévisuelle des années 1970, utilisant des équipements analogiques pour recréer l’atmosphère de l’époque. Le grain même de l’image, les cadrages, les couleurs évoquent la texture particulière des images télévisées d’alors. Cette attention aux détails accentue l’impression d’immersion totale, la tension et l’urgence propre à cet événement.

Thriller historique, 5 septembre offre une réflexion profonde sur le rôle des médias en période de crise. Désir d’informer, de diffuser la vérité, captation d’un moment historique, risque de choquer, d’exploiter la souffrance, de racoler le public : la situation de l’équipe d’ABC Sports synthétise cette ambiguïté. Ces problématiques médiatiques, ces choix éthiques sont toujours d’actualité, de même les conflits qui les génèrent. À travers une reconstitution minutieuse et une narration tendue, ce film coup de poing invite le spectateur à explorer ce qui relève d’un choix cornélien.

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Certes, la série Esterno Notte et le film Buongiorno Notte nous ont beaucoup impressionnés. Mais force est de constater que, si un Italien va immédiatement tilter sur ce sujet qui fait partie de son patrimoine, un Français n’a pas forcément les clés pour saisir la portée sismique de la marche au martyre d’Aldo Moro. En conséquence, nous avons voulu rassembler d’autres sources afin d’éclairer la lanterne de ceux qui voudraient en savoir plus et comprendre les enjeux, les forces) l’œuvre dans cet affrontement macabre. Voici les documentaires et les films que nous vous conseillons de regarder pour vous y retrouver… et mesurer l’ampleur de cette crise, son impact profond, ce qu’elle dit du pouvoir.

L’affaire Aldo Moro

Première étape : zoomons sur l’affaire Aldo Moro en elle-même. Enlevé le 16 mars 1978 en plein Rome, le président de la démocratie chrétienne est retrouvé mort 55 jours plus tard, tué de douze balles, dans le coffre d’une Renault 4 rouge. Les images sanglantes des cadavres de ses gardes du corps, celles de sa dépouille ont traumatisé la population italienne, l’opinion internationale. Questions : comment a-t-on pu en arriver là ? Pourquoi cet homme, partisan du dialogue, prêt à dialoguer avec le PCF, a-t-il été abandonné à son destin ?

Car c’est ce qui ressort des différentes approches historiques. Ses amis politiques, son parti l’ont abandonné, refusant de négocier avec des terroristes rapidement piégés, acculés à l’obligation soit de relâcher Moro sans contrepartie, soit de l’exécuter. Une manœuvre délibérée visant à en faire un martyre, avec à la clé la désintégration des Brigades rouges et l’avortement de l’alliance avec les partis de gauche ? Il semblerait, et c’est absolument atroce à envisager. Pour vous en convaincre, consultez ces deux sources, aussi passionnantes que construites et étayées de documents, d’archives et de références.

Les derniers jours d’Aldo Moro – Emmanuel Amara – 2006

Avec ce documentaire d’une heure environ, Emmanel Amara évoque la chronologie de l’affaire Moro, en y insérant le témoignage des différents acteurs de cette tragédie moderne : plusieurs figures politiques, une des filles de Moro, deux des terroristes impliqués… et un ancien agent de la CIA qui détaille son rôle de consultant et comment il est intervenu pour contrer les Brigades rouges et les acculer au meurtre afin de les discréditer. Le tout vaut une leçon de stratégie effrayante, où la vie d’un homme est sacrifiée aux intérêts d’une caste.

L’affaire Aldo Moro – Philippe Foro – 2021

Historien spécialisé dans l’histoire moderne de l’Italie, auteur d’ouvrages dédié à la question, Philippe Foro est par ailleurs maître de conférences d’histoire contemporaine à l’Université Jean-Jaurès de Toulouse. C’est dans ce cadre qu’il a édité une conférence sur la chaîne Youtube de la faculté, conférence consacrée à l’affaire Aldo Moro, son contexte, ses origines, son déroulement, ses implications, ses retombées. Son propos est illustré, appuyé d’exemples et d’archives ; il est surtout structuré selon un plan qui permet de s’extraire de l’horreur de la situation pour en embrasser les ramifications et les enjeux avec une vision rationnelle.

Les Années de plomb

Impossible de parler de l’affaire Moro et d’en comprendre la nature sans évoquer le contexte plus large des Années de plomb. Durant les années 70, l’Italie est le théâtre de luttes sociales particulièrement violentes. D’un côté, la Démocratie chrétienne tient le pouvoir depuis 30 ans, de l’autre, la gauche, Parti Communiste en tête, veut intervenir dans la gestion du pays. Grèves et manifestations s’enchaînent, violemment réprimées. Dans le même temps, les attentats se multiplient, orchestrés par l’extrême-droite afin de discréditer la gauche, jugée responsable. La stratégie de la tension s’installe, dont Moro fera les frais, tandis qu’une faction de l’extrême gauche se radicalise, passant dans la clandestinité afin d’accoucher des Brigades Rouges.

Les Années de plomb, une tragédie italienne – Nicolas Glimois – 2016

Depuis l’attentat de Piazza Fontana à Milan en 1969 jusqu’au massacre de la gare de Bologne en août 1980 en passant par l’enlèvement et le meurtre d’Aldo Moro en 1978, Nicolas Glimois, avec le documentaire Les Années de plomb, une tragédie italienne met en exergue le traumatisme profond que constitue cette décenie dans l’inconscient collectif italien. Menace de coup d’État, opération « Gladio », loge P2, assassinat de Passolini, ce récit atroce met en évidence les manœuvres mises en place par un régime inique pour garder le contrôle, coûte que coûte. Quitte à sciemment mettre en danger la sécurité des citoyens, car la stratégie adoptée est : « déstabiliser l’ordre public pour stabiliser l’ordre politique ».

Les Années de plomb en Italie – Philippe Foro – 2021

Toujours dans le cadre de ses interventions en tant que maître de conférences d’histoire contemporaine à l’Université Jean-Jaurès de Toulouse, Philippe Foro a dédié une conférence complète à ces Années de plomb meurtrières. Très détaillé, son exposé met en avant une chronologie très précise, un nombre de faits incroyables qu’il exhume des colonnes des journaux et des documents officiels pour éclairer le chaos qui régnait alors, la logique d’escalade qui se met en place.

Les Brigades rouges

On ne peut comprendre l’enlèvement d’Aldo Moro et les Années de plomb sans prendre en compte la position des Brigades rouges avec une question cruciale : pourquoi embrasse-t-on la lutte armée ? dans quel cadre ? Comment en arrive-t-on là ? Voici quelques éléments de réponse, qui dépassent de loin le cadre de l’Italie.

Ils étaient les Brigades rouges – Mosco Levi Boucault – 2011

Construit en deux parties, « Le vote ne paie pas » et « La révolution n’est pas un dîner mondain », le documentaire Ils étaient les Brigades rouges donne la parole aux membres du commando qui a enlevé, jugé et exécuté Aldo Moro. Arrêtés, jugés, condamnés, tous ont purgé leur peine, certains sont encore en semi-détention. Devant la caméra de Mosco Levi Boucault, ils racontent comment ils orchestré le rapt, le climat de cette période, le pourquoi du comment de leur décision. Ils relatent aussi leur progressive radicalisation. L’ensemble offre un regard particulièrement éclairant sur une lutte des classes acharnée, en interrogeant sans parti pris ce qui peut pousser un individu à embrasser ce type de combat extrême.

Enlèvement à l’italienne – Marine Vlahovic – 2022

ARTE Radio propose ici un podcast absolument passionnant, qui offre un éclairage inattendu mais essentiel sur le climat qui régnait en Italie quand Aldo Moro a été enlevé. Marine Vlahovic a recueilli le récit de Daniel Nieto, qui dans les années 70 s’est spécialisé dans le kidnapping. Le marché de l’enlèvement était alors particulièrement florissant. Cet ancien gangster repenti revient notamment sur le dernier enlèvement qu’il a effectué, « l’enlèvement de trop ». Son témoignage, vibrant, parfois même truculent, évoque une véritable culture du rapt, ses règles, ses réalités, sa logistique, ses enjeux. C’est aussi l’occasion de mesurer le chaos qui régnait à l’époque dans les consciences, les limites poreuses entre Brigades rouges, extrême droite et mafia.

Après 68, la radicalisation de l’extrême gauche – Kristel Le Pollotec – 2018

Avec cet autre podcast, Kristel Le Pollotec propose de replacer l’émergence des Brigades rouges dans un mouvement international de radicalisation. Japon, Allemagne, France, après les événements de 68, partout le terrorisme d’extrême gauche se développe : changement de stratégie, passage de l’engagement politique à la lutte armée, coups d’éclats, enlèvements, attentats… là aussi, on a une vision panoramique d’un durcissement idéologique débouchant sur une lutte armée acharnée et sans pitié, sur fond de guerre froide et de confrontation entre deux blocs politiques, deux modèles de scoiét antagonistes.

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Quand l’ensemble des livres/ films/séries/jeux vidéos et autres produits culturels se focalisent sur la gestion de l’apocalypse zombi avec moult effets gore, la série britannique In the flesh se concentre sur les lendemains de la catastrophe. Et ce n’est pas forcément plus tranquille et conciliant, bien au contraire.

Zombi en rémission

Le pitch ? Kieren Walker fait partie des 140 000 décédés qui sont revenus à la vie durant « La Résurrection ». Et comme tout bon zombi qui se respecte, il a agressé/tué/mangé des gens. Jusque-là, rien que de très normal pour un mort-vivant, sauf que Kieren, épargné par les massacres opérés par les milices armées, est désormais guéri. Suivi par le corps médical, contrôlé par les autorités, on accepte que ce zombi en rémission réintègre sa famille pour peu qu’il subisse une injection quotidienne afin de maîtriser son appétit, qu’il se maquille et porte des lentilles quand il sort, afin de cacher son état et ne gêne pas les vivants.

Car, qu’il le veuille ou non, Kieren est un Survivant du Syndrome de la Mort Partielle, et il le porte au physique et au mental. Poursuivi par le souvenir des meurtres qu’il a commis, il est assailli de cauchemars, dévoré de culpabilité, soumis à un stress chronique. C’est dans cet état précaire qu’il retrouve les siens, pas forcément si contents que ça de récupérer ce garçon dont ils ne savent plus rien. Ses parents ne savent comment l’aborder, alors qu’ils n’ont pas encore digéré sa mort ni fait leur deuil, sa sœur, héroïne respectée des milices, tueuse de zombis experte et adolescente en crise, refuse de lui adresser la parole.

Rapports de force et discriminations

Ambiance d’autant plus détestable que Kieren habite dans un village paumé au milieu de la lande, une petite communauté où le groupe prime sur l’individu, où on a la rancune facile, où les victimes, nombreuses, laissent beaucoup de regret, de chagrin et de rage, où on juge les « pourris » comme dangereux et tout juste bons à être exterminés. Dans ce contexte, la réintégration de Kieren va être délicate pour ne pas dire chaotique. Car la politique et les égos s’en mêlent. Durant la « guerre pâle », des clans se sont formés, certains ont gagné en visibilité, en importance, en pouvoir… et ils n’ont pas l’intention d’abandonner cette puissance ni ce statut de supériorité.

Durant deux saisons prenantes, Dominic Mitchell, créateur de la série, autopsie les interactions et les rapports de force qui déchirent ce microcosme incapable de panser ses plaies. Et cela fait mal, très mal. Car bien avant la Résurrection, les discriminations étaient déjà quotidiennes. Racisme, homophobie, harcèlement, handicap, il ne fait pas bon être différent dans cette communauté où la moindre remarque, la moindre objection est écrasée dans l’œuf d’une bienséance hypocrite et autrement plus moisie que les zombis sortis de leur tombe. Brimades, insultes, violences, exploitation, ce retour à la vie normale s’accompagne de mesures intolérables pour les agresseurs d’hier à qui l’on refuse toute excuse, toute miséricorde.

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Passivité ou provocation ?

En résumé, on est toujours le zombi de quelqu’un. Les choses s’enveniment quand ces derniers se radicalisent, revendiquant progressivement leur différence, quitte à tomber dans le terrorisme. La réconciliation est-elle envisageable ? Qu’en est-il de la vie, de l’acceptation, de l’amour, amour de soi et amour d’autrui ? Dans ces décombres, le personnage d’Ami rayonne. Terrassée par la maladie, la jeune fille conçoit la résurrection comme une opportunité de vivre qu’elle ne veut céder pour rien au monde. Vêtue de robes vintage, refusant de se maquiller, le verbe et la réplique facile, elle sait s’imposer à la limite de la provocation, quand Kieren, lui, intériorisé et timide, se veut obéissant et passif.

Lequel a raison, lequel a tort ? Mitchell ne donne pas de réponse et c’est toute l’intelligence de la chose. Ici, personne n’a la prévalence, encore moins la solution. Et d’épisode en épisode, on se prend au jeu de l’identification, à se demander ce qu’on ferait dans pareille situation. Le talent, la spontanéité, la fraîcheur des acteurs y est pour beaucoup, qui met en relief ces passions dévorantes, colère, attachement, chagrin, terreur… tous ces mécanismes, ces biais cognitifs qui impactent la raison de chacun, le vivre ensemble. Réaliste et lucide, on regrettera que In the flesh se contente de deux saisons qui en appelait une troisième.

Et plus si affinités

La série In the flesh est actuellement disponible sur la chaîne Youtube d’ARTE.

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Des amis qu’on cherche à contacter, l’écoute des médias en boucle, la tension qui monte, l’inquiétude pour des proches, la nouvelle d’une connaissance blessée ou décédée, nous avons tous un souvenir spécifique de cette nuit du 13 novembre, un souvenir forcément tragique, rattaché à une émotion forte, un vécu négatif. Un moment de ténèbres. Difficile de ne pas s’enliser dans ses sentiments les plus sombres quand on évoque ces attentats, quand on tente d’en raconter le cours. C’est ce piège que Cédric Jimenez devait éviter à tout prix en réalisant Novembre. Et il y parvient avec brio. Jusqu’au malaise.

Le quotidien de la SDAT

Car ne vous leurrez pas, vous risquez fort de ressentir une angoisse croissante en visionnant ces 100 minutes en mode urgence absolue. Un contre-la-montre où le récit des attentats proprement dits, anecdotique, ne prend que quelques instants. Le réalisateur de Bac Nord ne voulait pas en parler, jugeant toute restitution impossible car obscène ; il ne voulait pas non plus évoquer le sort des victimes, un sujet beaucoup trop délicat. Finalement c’est le côté investigation qui va le séduire dans le scénario d’Olivier Demangel. Novembre va donc se concentrer sur la traque des terroristes, avec en ligne de mire le quotidien de la SDAT, la sous-direction anti-terroriste.

Coller au calendrier

Un quotidien déjà très énergique, ici complètement bouleversé par l’ampleur des attaques, l’urgence de neutraliser des tueurs fanatiques perdus dans la nature et bien décidés à recommencer au plus vite. Collant au calendrier des événements, Jimenez filme la fébrilité d’enquêteurs poussés au bout de leurs forces, soumis à un stress incroyable, acculés à l’obligation de réussir. Coordination entre les équipes, suivi administratif, observation des réseaux sociaux, arrestations et interrogations express de possibles complices, recherche de témoignages, la tâche est énorme et rude. Coupés de leurs familles, plongés en apnée dans un marathon délirant, ces policiers de l’impossible n’ont pas d’autre choix que de réussir.

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Un côté documentaire saisissant

Tous ces personnages sont inventés, protection oblige : les membres de l’anti-terrorisme sont toujours menacés, on ne peut donc citer personne. Les protagonistes ont néanmoins été façonnés d’après un travail de documentation poussé qui donne au film de Jimenez un côté documentaire saisissant. Jean Dujardin, Sandrine Kiberlain, Jérémie Rénier, Anaïs Demoustier, voici quelques-uns des acteurs composant l’affiche de ce film choral où personne ne s’impose comme leader. Parce que c’est aussi un travail d’équipe qui est décrit, avec ses forces, ses faiblesses, ses erreurs, ses victoires. Et ses obligations, notamment laisser ses émotions et son égo au vestiaire tout en respectant scrupuleusement les procédures.

De l’importance de l’équilibre

Le tout, particulièrement factuel, s’avère captivant, même s’il se regarde sans aucun plaisir. Car les coulisses de cette battue où les enquêteurs doivent demeurer dans l’ombre pour arriver à stopper d’insalissables fantômes en dit long sur la menace terroriste, la difficulté du combat à mener, un combat de chaque instant, qui nécessite de demeurer en équilibre, de rester focus, vigilant et en accord avec les principes démocratiques, les valeurs républicaines. Ne céder ni à la colère ni à la fatigue, ne pas tenter de faire justice soi-même, constamment faire corps, agir froidement, agir vite. C’est un réel enjeu pour contrer l’horreur et la folie, et le film de Jimenez le montre sans ambiguïté.

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Graffiti selon le Larousse : « Inscription ou dessin griffonné par des passants sur un mur, un monument, etc ». Donc dans l’espace public, comme un grand cri poussé dans l’anonymat des villes pour accrocher la rétine des passants. Et parmi eux, le photographe Claude Abron, qui a choisi d’immortaliser ces déclarations au fil du temps dans le livre La Parole est aux Murs.

L’expression de nos états d’âme

Cris de haine, revendications sociales, déclarations d’amour, pensées philosophiques, les parois de nos métropoles recueillent l’expression de nos états d’âmes depuis des siècles. Une véritable tradition qui remonte à l’Antiquité, voire même avant l’invention de l’écriture si l’on prend en compte les peintures rupestres dont nos lointains ancêtres ornaient leurs grottes. Au fil de ses nombreuses missions aux quatre coins du globe, Claude Abron s’est pris d’affections pour ces aveux crachés à la face d’une humanité qui passe son chemin dans l’indifférence absolue… ou pas.

Une documentation exceptionnelle

De cliché en cliché, ce sont 50 ans de photos qu’il accumule, une documentation exceptionnelle qui illustre le passage du temps et des modes, l’évolution des comportements, la persistance des combats. Le très beau livre La parole est aux murs est né de la volonté de donner à voir cette continuité qui oscille enter rage, insulte et poésie. Aux côtés du photographe, Yves Uro analyse ces images parfois drôles, parfois poignantes. Messages rédigés sur un coup de tête à la pointe d’une craie ou d’un feutre, dessins ouvragés, préméditation du pochoir, il y en a pour tous les goûts.

Liberté de ton et sens des mots

Et toutes les influences, toutes les thématiques : création artistique, homosexualité, publicité, terrorisme, féminisme, croyance, police, amour, poésie, justice, guerre, animaux, éducation, on reste confondu par l’extrême variété des sujets abordés sur ce grand journal de la vie que sont les murs de nos cités. Et par la liberté de ton, le sens des mots, les tournures. Slogans synthétiques qui claquent aux yeux, textes élaborés à décrypter avec patience, c’est une véritable littérature qui s’affiche sur des parois urbaines qu’on ne regarde que trop peu.

En quelque 200 pages, Abron et Uro nous rouvrent les yeux. Pour sûr, après avoir parcouru La Parole est aux Murs, vous serez beaucoup plus attentifs à votre environnement, prendre quelques instants pour lire ces propos et en méditer la réelle portée et la très profonde liberté.

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21 février 1944 : l’ensemble du groupe Manouchian est liquidé par les nazis au Mont-Valérien. Ce destin tragique restera dans les mémoires via la tristement célèbre affiche rouge immortalisée par Aragon : les Allemands la placardent dans tout Paris au moment du massacre pour dénoncer les actes de terrorisme commis par ces résistants. S’inspirant d’une des expressions imprimées sur cette affiche, Robert Guediguian tourne L’Armée du crime en 2009 pour raconter le parcours de Missak Manouchian et ses amis.

Défendre ses convictions et sa terre d’accueil

Car c’est une histoire d’amitié que le réalisateur déroule en deux heures dix de récit. D’amitié, d’amour, de valeurs, de rigueur. Comment devient-on résistant ? En 1969, Melville s’était penché sur le quotidien de L’Armée des ombres, dans une œuvre absolument sidérante de justesse et de profondeur. Ici, c’est l’émergence du sentiment de résistance qui est approché, la prise de conscience, le désir d’agir, par la violence au besoin, la colère qu’il faut dompter si l’on veut devenir efficace tout en restant juste.

Investi progressivement dans les FTP-MOI, Francs-tireurs et partisans – Main-d’œuvre immigrée de Paris, Manouchian, d’origine arménienne, fédère autour de lui des Italiens, des Espagnols qui ont fui le régime de Franco, des juifs, des Roumains, des Hongrois, communistes et d’origine étrangère, mais qui veulent défendre leurs convictions et leur terre d’accueil face à l’envahisseur. Il en canalise l’énergie, cadre les rancœurs, et mène ainsi une trentaine d’opérations, avant que tous soient raflés, torturés puis finalement condamnés à mort.

S’improviser guerrier

Construisant son film autour de l’interprétation d’un Simon Abkarian charismatique et humain, Guédiguian convoque ses acteurs fétiches, Jean-Pierre Daroussin ou Ariane Askaride, en plus de Robinson Stevenin ou Virginie Ledoyen, pour évoquer cette douloureuse et belle histoire, avec la simplicité, la clarté qu’on lui connaît. Pas de grands passages d’éloquence, ni de séquences spectaculaires, le propos est concentré sur la manière dont ces individus vont harmoniser banalité et combat au quotidien.

D’aucuns ont reproché au réalisateur son manque d’exactitude historique, la liberté prise avec les faits. Mais ce n’est pas la vocation première de L’Armée du crime, dont le titre, ironiquement, confronte la volonté nazie de noircir ces hommes et le point de vue d’être humain de Manouchian et son entourage, obligés par les circonstances de s’improviser guerriers et tueurs en dépit de leur conscience, sachant pertinemment ce qui les attend s’ils se font arrêter, mais prêts à en subir les circonstances malgré tout, et le sourire aux lèvres s’il le faut.

De ce point de vue, L’Armée du crime est à rapprocher du très bon film Anthropoïd, dédié à l’histoire du commando qui exécuta le général SS Heydrich, à la source de l’extermination des juifs. Il interroge par ailleurs la marge d’action de l’artiste par rapport au récit de l’Histoire. L’exactitude scientifique doit-elle primer par rapport à la restitution de l’émotion, du positionnement de l’homme face à des événements exceptionnels avec lesquels il doit composer ? Ou bien l’art a-t-il pour objectif de s’approprier cette part de sensibilité et d’affect que la science doit laisser à l’écart ? La problématique demeure, sans réponse, hormis celle de garder la mémoire de ces individus, héros malgré eux, par les livres, les documentaires, la fiction.

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Ceux qui doutent encore que les Anglais excellent dans la série TV, sortez ! Tout de suite ! Bande de mécréants, n’avez-vous pas visionné Bodyguard ? Eh bien vous devriez, et en urgence !!! En six épisodes, Jed Mercurio accouche d’une intrigue à vous tordre les boyaux, un suspens ultra haletant, une mécanique hautement addictive. Bref, un petit chef-d’œuvre du genre.

Syndrome posttraumatique et complot politique

Oubliez donc le film de 1992, cette bluette guimauve purement 90’s entre Kevin Costner et feu Whitney Houston. Là, on ne rigole plus. Bodyguard 2018 pénètre direct dans le dur dès les premières minutes avec une séquence d’anthologie qui renvoie le déplorable 15h17 pour Paris à ce qu’il est : un dérapage niaiseux. On est d’entrée plongé dans le bain, avec la tête maintenue longtemps sous l’eau. Torture psychologique et focale immédiate sur le héros de la série, David Budd, ancien de l’armée, rescapé de l’Afghanistan, courageux, efficace, doté d’un solide syndrome posttraumatique qu’il refuse de gérer.

Propulsé garde du corps de la Secrétaire d’État à l’Intérieur, David pénètre soudain les clivages politiques et les querelles de palais, les manips politiques sur fond de terrorisme. Bref une ambiance de merde pure. Au centre de cette tourmente nauséabonde, une stratégie nébuleuse qui a tout du complot politique visant à mettre en péril la démocratie ? On s’interroge avec David qui observe les mutations à l’œuvre depuis son point de vue de sous-fifre. Sous-fifre, mais pas con. Le pauvre garçon se retrouve au cœur du cyclone et va devoir batailler pour survivre au sens premier du terme.

Kalifat : une série qui fait froid dans le dos

Histoire rocambolesque et rythme suffocant

Avec Richard Madden échappé de Game of thrones pour endosser le premier rôle, Thomas Vincent et John Strickland comme réalisateurs, la BBC s’offre ici un plein succès avec une pointe d’audience à 11 millions de spectateurs pour regarder les cinq dernières minutes de cette saga qui hybride La Mémoire dans la peau (Budd a tout d’un Jason Bourne britannique), Le Bureau des légendes (oui, nous aussi, on est bon dans le genre quand on veut), Black Mirror et Occupied. Le tout immanquablement évoque les intrigues de Ian Fleming … ou Shakespeare. Carrément. Et embrasse la question sécuritaire d’un œil assez surprenant, mais pour le moins pertinent.

Et particulièrement dangereux. Les protagonistes de Bodyguard en prennent plein la tête, au propre et au figuré, et le spectateur de suivre ce jeu de massacre d’un air effaré, proprement conquis par les péripéties qui s’enchaînent, le rythme suffocant qui se dégage de cette histoire rocambolesque, mais finalement assez plausible, filmée dans une atmosphère bleutée et froide, où la chaleur n’a pas de prise. Que dire de plus ? Faites du bien à vos yeux et vos cerveaux, visionnez ce petit bijou et prenez une leçon de narration.

Et plus si affinités

Vous pouvez visionner la série Bodyguard en DVD ou en VoD.

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La diffusion de la première saison avait fait un tabac avec des résultats d’audience assez impressionnante qui avaient fait la joie de France 2 ; c’était en 2012 et les aventures de Simon Kapita, conseiller en communication évoluant dans les coulisses du pouvoir, allaient inspirer deux saisons supplémentaires, captant les suffrages des téléspectateurs jusqu’en 2016. À raison, car la série Les hommes de l’ombre offre une plongée aussi haletante que pédagogique dans la matrice de la communication politique, et même si elle célèbre ses 10 ans, elle demeure d’une actualité troublante.

Kapita : du pain sur la planche et les nerfs solides

Trois saisons donc, soit 18 épisodes d’une cinquantaine de minutes chacun pour comprendre comment nos dirigeants jonglent avec les médias afin de prendre le pouvoir, le garder et gouverner. Au cœur de ce jeu de dupes, Simon Kapita, communicant de génie qui a beaucoup travaillé dans les sphères politiques avant de raccrocher les crampons pour s’exiler aux USA loin de ce marigot. Marigot où il replonge tête la première quand le président français, par ailleurs un excellent ami, est assassiné pendant un déplacement officiel. Geste d’un désespéré ou attentat terroriste ? Peu importe, la place est libre et les candidats se précipitent pour récupérer le trône dans une campagne sans merci, quitte à multiplier les mensonges d’État. Profondément meurtri par la perte de son ami, Kapita reprend du service pour soutenir Anne Sauvage dans sa course à la présidentielle.

Par la suite, il lui faudra épauler un autre président affublé d’une épouse bipolaire complètement ingérable, confronté à la corruption de ses proches, au terrorisme et à une méningite foudroyante, séduit par une proche collaboratrice qui lui fait un gamin dans le dos tandis qu’une passionaria islamiste extrême joue de la mitrailleuse dans les rues de Paris. Tout cela sans compter avec les coups fourrés de l’opposition, extrême-droite en tête, la presse people, les réseaux sociaux, une ex-femme journaliste, une fille en quête de reconnaissance, un ancien collègue devenu un ennemi juré : bref Kapita a vraiment du pain sur la planche et les nerfs solides pour gérer ce stress permanent. À son crédit, un professionnalisme hors pair, une véritable déontologie, de la psychologie à revendre et beaucoup de flair. De patience aussi.

Les gourous de la comm’ dérapent : avis de tempête sur le marketing politique

Spin doctors à la française

Il va lui en falloir pour traverser sans trop de dommages les crises qu’on lui demande de juguler à la chaîne, parfois à son corps défendant, et sans vraiment tenir compte d’une vie personnelle assez chaotique ni de ses avertissements pourtant avisés. On passera sur les aventures amoureuses de ce héros plein de sagesse et de ses camarades : le véritable intérêt de la série est de mettre en évidence la manière dont on conquiert le pouvoir, non par les idées, mais par l’image. Les situations évoquées dans la première saison par le scénariste Dan Franck, coauteur de Jean Vautrin et de Enki Bilal, également initiateur de l’intrigue, sont inspirées par l’actualité, idem pour les saisons suivantes. Il s’agit ni plus ni moins d’une pièce en trois actes portant sur la montée au pouvoir, sa prise en main, sa continuité. Avec en son sein, la présence permanente et nécessaire des spin doctors.

D’origine anglo-saxonne, l’expression désigne des spécialistes des relations publiques et du marketing qui opèrent auprès d’un homme politique pour l’aider à gérer sa notoriété au quotidien comme en période de crise. Le film Des hommes d’influence de Barry Levinson en dresse un portrait assez mordant : interprété par un Robert de Niro faussement bonhomme, un conseiller occulte spécialisé dans la gestion des scandales liés à la vie privée des célébrités tente de sauver la mise d’un président mouillé dans une affaire de mœurs via un scénario rocambolesque tissé par un producteur hollywoodien joué par Dustin Hoffman. Beaucoup moins ironique, Les hommes de l’ombre donne cependant à voir les méthodes des spin doctors à la française, qui relèvent carrément de la manipulation des foules.

La politique est un sport de combat – Gaspard Gantzer : un communicant à l’Elysée

Ruses de communicants

Manière de s’habiller et de poser devant les journalistes pour avoir l’air d’être un monstre de travail, fautes et lapsus volontairement introduits dans les discours, mise en scène des meetings, utilisation d’une table d’1m55 durant les débats télévisés, fuite orchestrée d’informations auprès des médias, recours à la presse people, les trois saisons regorgent de trucs et de ruses de communicants pour améliorer l’image de clients qui ne veulent pas forcément se plier à ces impératifs. On comprend très vite que la stratégie établie par ces fins psychologues occupe une place centrale dans la gestion d’une campagne, le rythme d’un ministère, la respiration quotidienne de l’Élysée. On réalise également que ces conseillers sont amenés par la force des choses à sortir de leur champ d’action pour intervenir dans le décisionnel même.

Alors qu’ils n’ont aucun mandat, aucune appartenance politique revendiquée, ils se mêlent des tractations avec d’autres partis, de la négociation des ministères, influençant les choix politiques en fonction de l’analyse d’un sondage, des retombées d’une information. Cela signifie-t-il que tout n’est plus que communication, que la politique n’est finalement qu’une coquille vide ? Shakespeare avait déjà évoqué le sujet dans ses tragédies et ses pièces historiques. Se saisir du pouvoir par la manipulation ou le meurtre est une chose, en user avec efficacité en est une autre. Par ailleurs, être élu au plus haut poste de l’État relève de la vocation monacale ; or, un politique n’en demeure pas moins un être humain qui plus est exposé au regard et au jugement de tous.

Des lendemains qui chantent : les années Mitterrand en question

Inspiré par les faits d’actualité marquants qui ont jalonné les présidences précédentes, Les hommes de l’ombre met en évidence cette vérité, et le poids qui pèse sur ces personnages confrontés aux complexités de la real politique. Notons la qualité du casting qui apporte un relief incroyable à ces protagonistes chahutés par des vents contraires : Bruno Wolkowitch, Nathalie Baye, Carole Bouquet, Aure Atika, Philippe Magnan, Nicolas Marié, Yves Pignot, Grégory Fitoussi pour ne citer que les figures récurrentes d’une fresque néo-balzacienne aussi impactante et initiatrice que Baron noir. Preuve que le thriller politique est aussi fécond en matière de suspense et d’émotions forte que riche d’un véritable potentiel pédagogique.

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