Attention titre trompeur : Jane Austen a gâché ma vie peut sembler un pamphlet grinçant et amer contre l’idéal romantique. Il n’en est rien. Au contraire, ce premier long-métrage signé Laura Piani est une comédie romantique, aussi délicate et intelligente que drôle, jouant habilement avec l’héritage austenien tout en racontant une quête personnelle plus universelle.

Un voyage intérieur aussi farfelu que poétique

Agathe (Camille Rutherford), trentenaire maladroite, passionnée de Jane Austen, est libraire chez Shakespeare & Co. à Paris. Comme les héroïnes austeniennes qu’elle adore, elle s’embourbe dans une routine sans surprise — professionnelle, personnelle, affective, convaincue qu’elle est que la vie réelle ne peut être aussi riche que les récits de ses romans préférés. Elle s’essaye à l’écriture. Mais cela l’angoisse plus que cela ne l’inspire : aucun mot, ni amour, ne s’anime sous sa plume.

Blocage dans le sillage d’un deuil douloureux dont elle ne s’est jamais remise, Agathe, comme elle l’explique elle-même « passe consciencieusement à côté de son existence ». Jusqu’au jour où son mailleur ami, Félix (Pablo Pauly) envoie en secret son manuscrit à la Jane Austen Writers Residency en Angleterre. Contre toute attente, Agathe est acceptée. Ce départ marque le début d’un voyage intérieur aussi farfelu que poétique.

Entre quiproquos et rapprochements

L’arrivée dans cette demeure austère perdue au milieu de la campagne britannique, ne s’opère pas dans le calme. Remarques malhabiles, panne de voiture, l’ambiance se fait vitre romantique avec un grand R. Accueillie par Oliver (Charlie Anson), petit neveu de la célèbre romancière et lui-même en crise existentielle, Agathe se perd dans ce manoir aux salons feutrés, entre discussions avec d’autres auteurs et bal costumé.

Le décor, l’atmosphère, tout est rassemblé pour qu’une idylle se tisse, quand surgit le meilleur ami, transi lui-aussi d’amour pour la maladroite mais si attachante Agathe. Il va falloir choisir entre ces deux figures masculines, dans une tension romantique qui rappelle les meilleurs passages d’Austen, entre quiproquos et doux rapprochements.

Blocage créatif

Ce qui distingue Jane Austen a gâché ma vie, c’est la véritable importance accordée au blocage créatif de l’héroïne. Le film donne à voir le courage de celle qui doit se battre contre elle-même avant de trouver les mots, surtout de les dire aux autres. Ne plus se cacher, ne plus se détester : le dilemme est là.

Le récit fait rimer la question de l’amour avec celle de la création : pour s’aimer et aimer, Agathe doit s’écrire. Comme Emma Woodhouse ou Elizabeth Bennet avant elle, elle découvre que le roman de sa vie peut exister, à condition de se départir des injonctions extérieures : Oliver ne lui suggère-t-il pas de « retourner à ses ruines » pour se reconstruire et enfin écrire ?

Une belle histoire simple

Camaraderie littéraire d’une résidence d’artistes en pleine créativité, douce folie d’un papa à la dérive mentale, intensité des regards, du « langage des yeux » comme dirait Étienne Daho : le film de Laura Piani nous rappelle que le cinéma peut aussi raconter des belles histoires simples mais profondément émouvantes. Car quelque part, nous sommes toutes et tous un peu Agathe, un peu Oliver, un peu Félix.

Camille Rutherford est unanimement saluée pour sa prestation, et c’est mérité tant cette grande jeune femme au charme subtil touche par sa solitude, ses angoisses, Charlie Anson a cette retenue toute britannique à la Hugh Grant, une pointe d’humour parfois acerbe, une franchise désarmante, un regard éclatant qui dit tout. Pablo Pauly incarne un Félix protecteur et débonnaire.

Passant du français à l’anglais, les répliques font mouche, l’écriture des dialogues est d’une grande finesse, l’humour subtil. La musique composée par Peter von Poehl accompagne cette fable amoureuse par sa tendresse. Bref, Jane Austen a gâché ma vie n’a rien d’un raté, bien au contraire.

Cet article Jane Austen a gâché ma vie : « passer consciencieusement à côté de son existence » est apparu en premier sur The ARTchemists.

Titre à la con. Comme tous les titres que j’ai pu pondre dès que je chronique Eudeline. Eudeline est-il chroniquable, d’ailleurs ? Si j’avais un peu de guts, je bouclerais cet article ici même d’un tonitruant : « Vous voulez en savoir plus ? Ne me lisez pas, moi, lisez-le, lui ». Mais bon, faut bien que je justifie mon taff de rédactrice. Et puis, je suis amoureuse de P.Eudeline depuis que j’ai mis le piff dans Vénéneuse. Écrire sur ses écrits, c’est un peu m’en rapprocher. Et flirter avec le diable. Vous en doutez ? Pourtant Perdu pour la France le prouve, encore une fois. Ce type a un ange gardien, et pas dit que l’ange en question vienne du paradis.

Les souvenirs d’un dandy rock

Etienne Daho s’était contenté de tomber ; Eudeline, entier comme à son habitude et convaincu du tracé sans faille de sa course à l’abîme, se revendique « perdu pour la France » au point de griffer ce titre sur un récit autobiographique aussi flamboyant que morcelé. Un fourre-tout de souvenirs rédigé avec cette plume de dandy rock qu’on lui connaît, simple et travaillée à la fois, impeccable de justesse et d’élégance, d’amertume et de nostalgie.

Émergeant au terme des Swinging 60’s, Eudeline s’est gorgé de la contre-culture hippie avant de foncer tête baissée dans la tornade punk. Asphalt Jungle, Actuel, Siouxsie devant le Chalet du lac juste avant le concert des Sex Pistols, Anita Pallenberg écumant les rades de Pigalle, les débuts des Rita Mitsouko, Virginie Despentes lui sauvant la mise, l’ambiance du Gibus et des Halles avant qu’elles ne deviennent le cirque marketing qu’on sait… Eudeline en a vécus, des moments forts, inscrits au fer rouge dans sa mémoire.

Des petits trucs qui en disent long

Et il raconte, en 31 chapitres courts et incisifs, des anecdotes, des souvenirs, des instants de vie uniques. La came, le rock, les potes bien sûr, les gonzesses aussi. Les fights (le passage sur Pete Doherty vaut son pesant de cacahuètes), les opportunités, les gâchis, les périodes de gloire, les périodes de loose. L’amour des fringues, de la musique, du talent, la rencontre avec les grands artistes de ces Trente Glorieuses si riches et si décevantes à la fois. Et puis il y a l’introspection ; Eudeline, au détour de certains paragraphes, de certaines phrases, se lâche, fait tomber le masque, balance des petits trucs qu’on ignorait sur lui.

Des petits trucs qui en disent long, comme tous les petits trucs bien évidemment. Histoire qu’on tente de comprendre avec lui comment petit Patrick est devenu Eudeline le Maudit. Un Maudit qui s’accroche, toujours là malgré les nombreux aléas de la vie de rocker dilettante qu’il s’est choisie et à laquelle, pour rien au monde, il ne renoncerait. Effet dinosaure ? Ou gardien du temple ? Je vote pour la deuxième. Véritable puits de science, Eudeline évoque un nombre incalculable de références culturelles, nous poussant malicieusement à aller vérifier/regarder/écouter.

Dire merde au conformisme

Ainsi sa petite escapade dans le Sud, à Saint-Tropez version 2018, afin de vérifier si un guitariste peut encore y gagner un peu de thune en faisant la manche devant les bars. Dans son sillage et comme chauffeur (Eudeline n’a pas le permis et je le comprends), Alex Horn, photographe et illustrateur de son état, venu immortaliser le périple. Et le désastre. Devant la jetée du Portalet, Eudeline évoque :

« Trintignant, Vian, Buffet ou Hockney, Marie Laforêt et B.B., les Pretty Things accompagnant Philippe DeBarge pendant que Twink faisait le fou. Tous dansant la ronde.

Oui, tout cela avait eu lieu.

Il n’en restait rien. Des fantômes. Aujourd’hui, tout était circonscrit, réglementé, interdit, impossible. Les gens n’avaient qu’un droit : sortir leur carte bleue et se prendre en selfie. Bienvenue au XXIᵉ siècle. »

Tout est dit. Pourtant, Eudeline n’est pas en mode « Ouin ouin, c’était mieux avant où sont mes vertes années ? » En témoignant, en racontant, en transmettant, il ne cherche pas tant à comprendre qui il est devenu et en quoi il est en décalage avec le présent. Il lutte pour préserver ce qui vaut le coup d’être préservé : le talent, la curiosité, la diversité, la liberté, la douce folie, la légèreté, l’insouciance, la fierté d’être soi, d’oser. Et l’intrinsèque obligation de dire merde au conformisme sous toutes ses formes. Car le conformisme, c’est la mort de l’être et de l’âme.

Cet article Perdu pour la France : quand Patrick Eudeline éveille ses fantômes… est apparu en premier sur The ARTchemists.

Je viens de relire l’article sur le livre de Mirwais. L’épopée de Taxi-Girl prend décidément racine dans un terreau fertile : la période post-punk. 1978-1981 : la précision chronologique n’a rien d’un hasard. Ces trois années marquent un tournant pour la scène musicale hexagonale. Outre Taxi-Gril, c’est l’acte de naissance des Rita Mitsouko, Eli et Jacno, Marquis de Sade, Asphalt Jungle, Kas Product, Marie et les Garçons, Etienne Daho… Certains feront la carrière que l’on sait, d’autres n’y survivront pas. Tous passent à la postérité grâce au documentaire Des jeunes gens modernes de Jean-François Sanz et Jérôme de Missolz.

Les jeunes gens mödernes sont dark

Sorti en 2012 pour explorer cette épopée artistique hors normes, Des jeunes gens modernes tire son titred’un article d’Actuel daté de 1980 et signé Patric Zerbi : « Les jeunes gens modernes aiment leurs mamans » assorti d’une photo des membres du groupe Marquis de Sade posant avec leurs génitrices. Costumes cravates étriqués, mines sombres : le ton est donné, les jeunes gens modernes sont dark. Héritiers du nihilisme punk, ils interrogent la vacuité de l’existence. Rebelles, créatifs, les jeunes gens modernes vont réinventer la musique à grand renfort de synthétiseur. Le son s’en ressent, froid, désincarné, irrésistible cependant.

</p>

Visionnaire absolument

Les textes aussi, qui flirtent avec le romantisme noir, Baudelaire, Rimbaud et compagnie. Expérimental pour sûr, innovant sans conteste, visionnaire absolument : à tel point que l’industrie musicale s’en détournera, les forçant pour certains à se tourner vers la pop, tandis que d’autres s’éteindront à petit feu dans l’oubli et la came. C’est sans compter sur le travail de mémoire de Jean-François Sanz, filmé par Jérôme de Missolz. Leur démarche commune croise témoignages et archives pour donner à voir et à saisir la singularité de cet esprit, de cette esthétique trop avant-gardiste.

Les compromissions de la maturité

Devant sa caméra, les rescapés (Daho, Edwige, Lio, Jacno … ) nous racontent, avec force souvenirs et anecdotes, mais aussi un sens aigu de l’analyse, comme si, depuis longtemps ils passaient au crible le pourquoi du comment d’une ascension aussi spectaculaire qu’éphémère baptisée « culture növö ». Qu’est-ce qui a fait que les jeunes gens mödernes n’ont pas pu passer à l’âge adulte ? Ce statut était-il incompatible avec les compromissions de la maturité ? Une maturité bien morose, tissée de quelques regrets et de beaucoup de nostalgie. Nostalgie que d’aucuns goutteront en visionnant ces images… et en écoutant la compilation qui la devance.

Le son de la culture növö

Edités en 2008 et 2015 chez Born Bad Records, les deux volumes de cette saga rendent hommage aux groupes qui ont animé cette constellation de la culture növö. Une écoute riche d’enseignements : l’actuelle déferlante électronique s’enracine de bien des manières dans ces sons des années 80, où régnaient boites à rythmes, Farsifa et voix monocordes. Un retour aux sources qui en dit long sur l’incroyable inventivité d’alors, dans un temps où les moyens manquaient cruellement, mais où tout semblait possible.

Cet article Des jeunes gens mödernes : un temps où tout semblait possible est apparu en premier sur The ARTchemists.

Oui, je sais, on vous parle beaucoup de Feydeau. Que voulez-vous ? Le regard acerbe que porte le vaudevilliste sur ses contemporains nous fait hurler de rire, ce qui n’est pas un luxe par les temps qui courent. Du coup, c’est en toute innocence et avec un gros besoin de rigolade que nous avons visionné On purge bébé sur la plateforme de nos petits camarades d’Opsis. Et là, grosse surprise au rendez-vous avec une lecture freudienne bien décapante et pas si farfelue que ça.

On purge bébé : du Feydeau pur jus

On purge bébé, donc, pièce en un acte où Feydeau met une fois de plus en scène une dispute de couple qui dégénère. Objet du fight : Bébé, aka Toto, aka Hervé. Constipé, le fils des Folavoine, du haut de ses sept ans, refuse de prendre la purge qui délivrera ses entrailles. Paniquée, sa mère, Julie, déboule en robe de chambre et bigoudis, son seau de toilette à la main, dans le bureau de son époux, Bastien, négociant en porcelaine incassable. À partir de là, c’est le chaos ! C’est que Bastien attend la visite d’un potentiel client, Mr Chouilloux, qui officie au Ministère des Armées. Objectif du rendez-vous : équiper les soldats français en ports de chambre ! Un gros contrat en vue que Julie et son sale môme vont faire capoter de belle façon !

Du Feydeau pur jus, dont nous avions apprécié la version télévisée réalisée par Marcel Bluwal en 1961 avec Jacqueline Maillan, Jean Poiret, Michel Serrault, Pierre Tchernia et Françoise Dorin. Un casting explosif qui délivrait une lecture ultra-dynamique et fichtrement cocasse de ce texte absolument délicieux, où les jeux de mots et les gags s’enchaînent avec une régularité de métronome. Fous rires garantis donc, avec en prime la satire sans pitié d’une bourgeoisie pas si propre sur elle, que seul l’auteur de La dame de chez Maxim et Le fil à la patte était capable de trousser sans tomber dans l’inconvenance et le ridicule absolus. Changement radical de ton avec la lecture beaucoup plus moderne de Frédéric Jessua.

On purge bébé : une tragédie du couple

Ce dernier prend possession des planches du théâtre du Lucernaire pour dérouler ce qui se révèle une tragédie du couple : une mère manipulatrice autant qu’hystérique, virago compulsive et fouteuse de merde, à l’hygiène douteuse, irrespectueuse du business de son mari qu’elle va pulvériser sans pitié, en profitant au passage pour lui rappeler combien il est un zéro pointé doublé d’un sale type préférant faire du fric plutôt que de protéger épouse et descendance. Quant à la descendance, elle incarne l’archétype de l’enfant tyran, gâté, pourri, rendu idiot et infect par l’adulation d’une mère aux accents incestueux. Un voyou en devenir, qui se croit tout permis. Le père dans tout ça ? Évincé, écarté, fuyant devant cet amour dont il est exclus.

Freudien, non ? Ou quand la satire sociale accouche d’un monstre œdipien au son du langoureux « Comme un boomerang » de Daho et Dani. Pour tout dire, cette approche nous a surpris, agréablement. Les mises en scène modernes de Feydeau ont un peu tendance à jouer la caricature, le grotesque, à appuyer le trait de manière clownesque. Pour le coup, Jessua propose une version contemporaine tout à fait plausible, portée par les acteurs de la compagnie Siparka qui manient l’ambiguïté avec un rare talent : Isabelle Jeanbrau, Etienne Coquereau, Julia Mével, Nicolas Struve … Pas une fausse note dans cette partition implosive où la psyché de chacun se révèle dans la déflagration d’une cellule familiale visiblement pourrie depuis longtemps, à moins que cette perversité ne soit le ciment relationnel d’un couple déviant ?

Et plus si affinités 

Cet article On purge bébé : Feydeau et Freud, le couple comme un boomerang est apparu en premier sur The ARTchemists.

Oh le bel ouvrage que voilà ! Avec Disquaires – Une histoire, Francis Dordor signe ici une longue déclaration d’amour à un métier essentiel, pour ne pas dire fondateur, dans l’industrie musicale, 380 pages d’une richesse infinie, dont le sous-titre « La passion du vinyle » est tout à fait justifiée.

Disquaire au gré des tendances

Disquaire : un métier qui s’est construit au fur et à mesure que la technique accouchait du microsillon pour graver, conserver, diffuser la musique. Et la vendre. Donc la promouvoir mais aussi la découvrir, la valoriser. Le disquaire intervient sur tous ces fronts. Connaisseur averti, il ne fait pas que négocier un produit, il repère les artistes, les soutient, les produit au besoin.

Et il innove, il transforme, au gré des tendances qu’il sent émerger parmi sa clientèle. C’est un levier, un moteur. Pour en témoigner, des aventures spécifiques comme celle de New Rose ou de la FNAC, à l’heure où émergèrent les ogres du marché, des anecdotes en pagaille, racontées par Lenny Kaye, Étienne Daho, Lionel Limiñana, Jean-Baptiste Mondino …

À lire également :

• Rockfield, le rock’n’roll est dans le pré : une certaine conception de la prise de son
• Rock’n’roll animals : en quel instant devient-on une star du rock ?
• Les Sept péchés capitaux du rock : for those about to ROCK and SIN we salute you !

Le retour en grâce du vinyle

Histoire de confronter un âge d’or incroyablement prolixe et l’ère plus sombre du digital, de la musique dématérialisée, des plateformes de streaming, qui faillirent avoir la peau des disquaires. Disquaires qui renaissent de leurs cendres avec le retour en grâce du vinyle, objet vintage au con incomparable, enrobé d’une pochette conçue comme une œuvre d’art.

Un artefact sonore, visuel et tactile : voici ce qu’est le disque. Le fruit d’une création en chaîne, qu’il faut défendre désormais comme la preuve d’un art de vivre nullement dépassé, un luxe d’audition, un slowlistening de qualité. Comme l’explique Emmanuel de Buretel, fondateur du label Because, « le streaming, c’est la barbarie, le disquaire la civilisation. » Tout est dit.

Cet article Disquaires – Une histoire : « le streaming c’est la barbarie, le disquaire la civilisation. » est apparu en premier sur The ARTchemists.

Quel est le point commun entre Sylvie Vartan, Marylin Manson, Stromae, Nina Hagen, Étienne Daho, Indochine, Madonna, Marc Almond, Siouxsie Sioux ? Outre qu’ils sont tous chanteurs et musiciens, ils ont eu l’heur d’être immortalisés par Pierre et Gilles. Ce qui vaut pour sanctification ou presque. Et l’exposition que consacre la Philharmonie au travail de ce duo artistique d’exception le prouve en majesté.

Art religieux et vignette Panini

Son titre n’est pas usurpé : Pierre et Gilles – La fabrique des idoles revient en 110 portraits (complétés de vidéos, de chansons et d’objets) sur ce miracle perpétuel, cette magie esthétique que les deux complices distillent avec ténacité depuis leur rencontre en 1976. L’un est photographe, l’autre peintre. Ils devraient rivaliser, ils vont se compléter, inventant ainsi un style spécifique qui tient à la fois de l’art religieux et de la vignette Panini, dans un déluge de paillettes et de couleurs acidulées.

Et c’est par la musique qu’ils vont s’imposer, car leur ADN matche parfaitement avec l’esprit mélodique des 80’s, boite à rythmes et synthé, paroles candides, mélange de fausse insouciance, d’onirisme adolescent, une sensualité émerveillée et sans complexe, auquel les deux compères vont ajouter une note d’humour, beaucoup de tendresse, un penchant pour le scabreux mêlé d’élégance, l’outrance naïve de deux gamins néo-baroques et heureux de l’être.

https://youtu.be/entgMBICk3Q

Instant de grâce

Et en coulisses, une méthode faussement fantaisiste, en fait aussi rigoureuse que bien rodée : une composition story-boardée en amont, avec force costumes chamarrés, accessoires théâtraux et décors patchworks, le tout alimenté par un goût certain pour la récup d’objets hétéroclites et de fripes déjantées. La photo obtenue est ensuite retouchée à la peinture, avec une minutie maniaque, un sens du détail chirurgical, une volonté de perspective marquée … bref un instant de grâce figé sur pellicule et dont les stars vont peiner à se défaire ensuite.

Car le style de Pierre et Gilles est d’une rare puissance, au point d’enfermer le musicien portraituré dans une perception iconique qu’il faut pouvoir assumer. On ne ressort pas indemne d’une séance avec ces deux coquins, leur confier une pochette d’album, une photo de promo, c’est forcément s’engager, passer un cap, se confronter à une facette de soi dont on ignorait tout (ou qu’on ne voulait pas voir), qui surgit soudain, par surprise et avec éclat dans une surenchère ô combien sensuelle.

Ainsi capturé et mis en exergue, l’univers du chanteur, de ses mélodies, de ses textes explose avec une extravagance maniériste, dans l’esprit d’un Caravage qui aurait lâché le pinceau pour l’aérographe. Processus enclenché d’embellissement irréversible, portrait de Dorian Gray à rebours qui sublime le musicien autant que son œuvre. Impossible de revenir en arrière une fois le portrait finalisé et dévoilé au public, l’artiste offert comme un dieu adorable et sans défense.

Et plus si affinités

https://philharmoniedeparis.fr/fr/exposition-pierre-et-gilles/parcours

Cet article Pierre et Gilles – La fabrique des idoles : Dorian Gray à rebours … est apparu en premier sur The ARTchemists.

Le 6 septembre 2015, nous chroniquions le concert d’Etienne Daho à Rock en Seine, comme « une étape de plus vers une forme assumée de plénitude ». Juste perception, que nous confirme le documentaire Etienne Daho – Un itinéraire pop moderne d’Antoine Carlier, découvert en projection presse puis commenté par Daho lui-même accompagné du réalisateur.

A partir d’une masse impressionnante de témoignages, de films, de photos, d’entretiens, Carlier synthétise une carrière de trente ans : l’enjeu était de taille, car le parcours de Daho n’est pas des plus faciles à saisir, étant par essence celui d’un génie particulièrement prolixe et d’une discrétion notable. Nullement voyeuriste, concentré sur ces essentiels qui marquent la spécificité d’un destin artistique, Carlier, en étroite collaboration avec Daho, dessine un portrait d’autant plus juste et vibrant qu’il respecte sa modestie.

Miroir fidèle car sans concession, le documentaire respecte l’univers de l’artiste, sans jamais chercher à le violer, ni le pervertir. Comme un fil directeur entre chaque chapitre de cet itinéraire d’un enfant gâté par les muses mais qui jamais n’en fit caprice, Daho chemine vers les plages de son enfance algérienne, pour contempler les flots aveuglants de soleil. L’Etranger de Camus ? Comment ne pas s’interroger tandis que défile cette vie protégée des fées musicales, fragilisée par les démons de la sensibilité et de la passion ?

Car passionné, Daho l’est, d’une volonté de fer également que l’on perçoit comme socle de chaque projet entrepris, risque calculé, choix esthétique assumé (on pense notamment au Condamné à mort de Genêt, interprété avec Jeanne Moreau à Avignon). Tandis que nous le voyons composer avec les plus grands, chanter avec les meilleurs, enfanter album après album, c’est toute la scène rock, l’industrie musicale des 80’S qui gravite autour de lui, axe scintillant d’une génération inspirée dont il dicte le rythme. Doucement, de star qui pose et inverse les tendances, nous le voyons devenir parrain d’une nouvelle génération qu’il n’hésite pas à convoquer dans ses créations.

Des créations qui semblent autobiographiques certes, comme autant de crises intérieures qu’on transcrit et qu’on exorcise par la musique, le chant, le live. C’est oublier sa poésie, son écriture même qui d’une détresse ou d’une joie personnelle, exprime une respiration universelle. Si le documentaire aborde trop peu cette dimension, on en perçoit l’impact dans Daho stellaire, dispositif interactif consultable sur le site d’ARTE en complément du documentaire et du live au très londonien Koko, également programmés par la chaîne le 21 novembre 2015 dans le cadre d’une soirée hommage.

Pensé comme un complément du documentaire dont il reprend certaines images, Daho stellaire permet d’aborder l’oeuvre du chanteur à partir des mots clés qui éclairent ses textes et qui ont marqué l’imaginaire de son public. Se compose alors différents portraits doublés d’une playlist adaptée. L’ensemble souligne l’extrême richesse thématique et émotionnelle de ce monde intérieur, la manière dont il reflète nos propres psychés, comme un écho fraternel de l’humanité. Se définissant comme un artiste pop, car, confie-t-il, la pop offre une véritable souplesse stylistique, Daho est également populaire dans le choix de son vocabulaire. Populaire mais jamais vulgaire ni simpliste.

C’est l’idée force qui ressort de cette nuit avec Daho ; populaire, émouvant, inspiré, … tous les qualificatifs s’y fondent en un seule terme : sincérité.

Et plus si affinités
http://creative.arte.tv/fr/article/daho-stellaire-une-exploration-de-lunivers-musical-detienne-daho

Cet article Ma nuit avec Etienne : Daho unlimited ? est apparu en premier sur The ARTchemists.

Bonjour vous !
Si vous lisez ces lignes, c’est que vous venez de découvrir notre webmagazine culturel indépendant.
Bienvenue dans l’univers de The ARTchemists, générateur d’étincelles culturelles depuis 2011.

Et une petite explication sur le pourquoi du comment.

Notre mission : explorer la culture dans toute sa richesse

Depuis plus de 10 ans, nous décryptons l’actualité culturelle, les créations artistiques émergentes et les tendances de fond qui agitent le monde de la culture.

Notre ligne éditoriale ?

• Observer les mutations de la scène artistique et culturelle.
• Mettre en lumière des talents en devenir, des événements atypiques, des croisements audacieux.
• Offrir un espace à ce (et ceux) que les médias mainstream oublient ou ignorent.

Musique, théâtre, arts visuels, littérature, gastronomie, mode…
Chez The ARTchemists, la culture ne se segmente pas, elle se tisse, se croise, se transforme.
Notre approche est transversale : les disciplines dialoguent entre elles et avec la société.

Une critique culturelle ancrée dans le passé, tournée vers l’avenir

Oui, nous chroniquons des actualités.
Mais nous ne faisons pas de la critique culturelle « au kilomètre ».
Nous parlons aussi bien d’un jeune groupe en résidence que d’Étienne Daho, d’un photographe émergent que de Canaletto.

Pourquoi ?
Parce que comprendre le présent et anticiper le futur nécessite de connaître et transmettre la mémoire culturelle.

« Qui sait le passé peut conjecturer l’avenir », écrivait Bossuet.
Et nous adhérons à cette vision.
C’est pourquoi nous publions aussi des articles sur :

• des questions historiques.
• des films oubliés,
• des œuvres cultes,
• des livres passés sous les radars,
• des questions historiques.

Une culture vivante, libre, accessible

Nous pensons que la culture :

• doit rester vivante et en mouvement,
• doit pouvoir s’exprimer hors des formats dominants,
• est un outil de lecture du monde,
• est surtout une aventure collective.

The ARTchemists, c’est donc une équipe de rédacteurs passionnés, aux styles variés, qui s’engagent dans une critique culturelle constructive.

On peut ne pas être d’accord.
Mais jamais gratuitement.
Et surtout, jamais cyniques : si nous parlons d’une œuvre, c’est qu’elle nous a fait vibrer, questionner, penser.

Pourquoi lire The ARTchemists ?

Parce que vous cherchez :

• un webzine culturel qui prend le temps d’analyser,
• une revue artistique engagée,
• une plateforme de découvertes où la jeune création côtoie les grands noms,
• une critique libre et affûtée,
• une voix différente, sincère, sans langue de bois.

Pour conclure…

Depuis 2011, nous poursuivons une idée simple :
créer un espace de réflexion, de transmission et de plaisir autour de la culture.

Nous voulons offrir à notre lectorat :

• des clés pour décrypter le réel,
• des pistes pour nourrir une démarche personnelle,
• des ressources pour construire une vision culturelle indépendante.

Maintenant vous savez tout, il ne vous reste plus qu’à explorer !

Bonne lecture et bonnes découvertes !!!!!

L’équipe de The ARTchemists

Consultez nos rubriques

• A la une (12)
• Beaux-Arts (465)
• Cinéma (502)
• Dossiers thématiques (1)
• Expositions (59)
• Lifestyle (268)
• Livres (446)
• Musique (349)
• Sciences (27)
• Séries (275)
• Société (348)
• Spectacles (232)
• Sports (32)
• Tech (54)

Parcourez nos articles les plus récents

A la une

Beautiful Skin en janvier : vite un peu de peau douce, d’electro et d’amour

A la une

Goldsworthy, Eliasson, Hein : gros plan sur les métamorphoses de la glace

A la une

The Apprentice : Trump mode d’emploi

A la une

Miss Austen : les revers du romantisme

Cet article The ARTchemists : une présentation s’impose ! est apparu en premier sur The ARTchemists.