Publié en 2017 chez Dargaud, Comédie française : Voyages dans l’antichambre du pouvoir de Mathieu Sapin plonge le lecteur dans les coulisses du pouvoir politique français, à l’époque du mandat de François Hollande. Fort de son talent de dessinateur-reporter, Sapin livre ici une bande dessinée originale et décalée, à la croisée du journalisme et de l’humour, offrant un accès inédit aux rouages de la présidence française.

Un quinquennat au quotidien

Mathieu Sapin cultive depuis longtemps un intérêt marqué pour les territoires délicats, ceux qu’on préfère habituellement laisser hors champ. Avec son trait faussement naïf et son regard curieux, il s’aventure là où peu de dessinateurs osent aller : les confidences feutrées, les conversations privées, les figures controversées. C’est ce qui l’a conduit par exemple à évoquer le parcours de Gérard Depardieu avec Gérard. Cinq années dans les pattes de Depardieu (2017) ou la vie d’un quotidien régional avec Feuille de chou (2010).

Rien d’étonnant donc à ce qu’il s’intéresse aux sujets politiques, auxquels il a consacré nombre d’ouvrages. Il s’est ainsi fait remarquer avec Campagne présidentielle (2012), qui relate la campagne de François Hollande ou Le Château (2015), où il suit le quotidien de l’Élysée. Avec Comédie française : Voyages dans l’antichambre du pouvoir, le dessinateur passe au crible tout le quinquennat de Hollande et de son équipe qu’il documente au jour le jour, évoquant aussi bien les événements diplomatiques majeurs que les réunions de cabinet.

Entre journalisme et bande dessinée

De fait, Comédie française est conçu comme un véritable reportage graphique. À travers ses dessins et dialogues, Mathieu Sapin dévoile le visage invisible du pouvoir, les dessous de la cuisine politique, autant de détails ignorés du grand public. L’Élysée apparaît au fil des pages comme un lieu de tension constante, où les décisions importantes se prennent dans l’urgence, où les situations décalées, voire cocasse sont nombreuses.

Sapin se met lui-même en scène dans l’ouvrage, avec beaucoup d’autodérision. En observateur privilégié, il incarne le regard du citoyen curieux qui se faufile dans les recoins du pouvoir, souvent impressionné, parfois amusé ou perdu face à la complexité de l’appareil politique.

Un humour décalé au service de la politique

L’une des forces de Comédie française demeure son ton léger et humoristique. Mathieu Sapin traite de sujets sérieux – la diplomatie, la gestion de crise, les relations internationales – avec un recul amusé, permettant ainsi de rendre l’univers politique accessible. Il n’hésite pas à pointer les absurdités du quotidien à l’Élysée ou à souligner les moments de tension avec un humour subtil.

Cet humour rend l’ouvrage particulièrement accessible à ceux qui ne sont pas familiers avec les méandres de la politique française. Sapin parvient ainsi à démystifier l’Élysée et ses acteurs, les humanisant tout en exposant l’ampleur de leurs responsabilités.

Une critique douce-amère de la politique contemporaine

Si l’humour et la légèreté sont omniprésents, Comédie française n’en demeure pas moins une critique réfléchie du pouvoir contemporain. Derrière les scènes légères, Sapin montre aussi la solitude du pouvoir, les pressions et les compromis inévitables. François Hollande, qui au départ semble souvent détendu et proche, apparaît progressivement comme un homme marqué par les exigences et les difficultés de la présidence.

L’ouvrage souligne également les limites d’un système politique parfois rigide, où l’image publique et la gestion des crises priment souvent sur les convictions personnelles. À travers les yeux de Sapin, on perçoit la complexité des relations internationales, les négociations permanentes, et les interactions avec les autres figures politiques européennes et mondiales.

Un regard unique sur le pouvoir français

Comédie française se démarque par son approche singulière et innovante de la bande dessinée politique. Mathieu Sapin utilise le dessin pour offrir une lecture critique, mais jamais acerbe, des dynamiques de pouvoir. Son style graphique, simple et expressif, ajoute une touche d’authenticité au récit. Le lecteur est ainsi immergé dans un quotidien peu visible, entre comédie humaine et machinerie politique.

L’ouvrage s’inscrit dans la lignée d’autres bandes dessinées politiques, telles que La Présidente de François Durpaire et Farid Boudjellal, mais adopte une approche plus intime et personnelle. Sapin ne cherche pas à dramatiser ou à politiser son récit, mais à observer et à comprendre, avec humour et bienveillance.

Une approche inédite et humaine

Comédie française : Voyages dans l’antichambre du pouvoir est une œuvre incontournable pour ceux qui s’intéressent à la politique française, mais aussi pour les amateurs de récits documentaires originaux. En alliant humour, reportage et bande dessinée, Mathieu Sapin offre un regard inédit sur les coulisses du pouvoir, tout en humanisant ses acteurs.

Loin d’une simple satire, cette BD propose une réflexion douce-amère sur la nature du pouvoir et ses réalités, tout en conservant un ton accessible et divertissant. Un voyage fascinant pour comprendre les rouages de l’Élysée et, au-delà, les défis auxquels sont confrontés les dirigeants politiques.

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Bénie soit la captation qui a gardé souvenir de cette mise en scène pour le moins inédite. Car la lecture du chef-d’œuvre de Molière par feu Claude Stratz dépoussière largement Le Malade imaginaire, atténuant le côté farce et ballet pour souligner le drame intérieur d’un homme confronté avec ses angoisses de mort. Une comédie crépusculaire menée bille en tête par la troupe de la Comédie-Française, qui, comme à son habitude, réalise ici un sans-faute.

De la peur à l’anxiété

Le Malade imaginaire, nous avons déjà eu l’occasion d’en parler précédemment : « Satire décapante et un brin scatologique des pratiques médicales de l’époque, la pièce est aussi une exploration des peurs et des obsessions humaines, comme seul Molière est capable d’en écrire une » expliquions-nous dans l’article « Le Malade imaginaire de Molière : autopsie d’un mythe dramaturgique ».

Ce sont justement ces peurs qui prennent possession du plateau dans la mise en scène emblématique de Stratz, datée de 2001, depuis jouée plus de 500 fois, inscrite dans les tablettes de la Comédie-Française. Ces peurs tournent à l’anxiété latente pour un Argan persuadé qu’il porte la mort en lui, au point de se détourner de son entourage, de le violenter constamment.

Une pure émanation de Beckett ou Ionesco

Dans un décor rongé qui laisse entrevoir des splendeurs passées, ce anti-héros absolu de l’hypocondrie portée au rang d’art de vivre, se complaît dans un laisser-aller qu’entrecoupent ses crises de colère. Colère qui l’amène à porter la main sur sa petite Louison et d’être persuadé de l’avoir gravement blessée alors que la petite feint un évanouissement, d’où un désespoir notable.

Seul dans sa chaise de malade vermoulue, Argan semble ici échappé d’une comédie sociale de Goldoni à moins qu’il ne se soit évadé du théâtre de l’absurde. Une pure émanation de Beckett ou Ionesco, Hamm de Fin de partie, Bérenger Ier dans Le Roi se meurt. Terriblement fragile, perdu, riche certes, mais faible et manipulable : par ses médecins, par sa femme.

Une biche au milieu des fauves ?

Une biche au milieu des fauves ? Il faudra le traitement de choc de Toinette, la servante fidèle et ingénieuse qui veille au grain sur les intérêts de cette petite famille qu’elle considère sienne, pour remettre un peu d’ordre dans la cervelle de notre malade imaginaire. Les enjeux sont énormes.

Il s’agit de l’empêcher de ruiner l’avenir sentimental de sa fille aînée Angélique par un mariage inapproprié avec Diafoirus junior, d’éviter la dilapidation de sa fortune par don à une épouse ingrate, des médecins avides et un brin escrocs. Et cela, la mise en scène de Stratz le met particulièrement en évidence au point d’en gêner le spectateur qui rit jaune aux facéties de toute cette smala.

Le spectre de la Covid

Car plane au-dessus de la version 2020 le spectre de la Covid qui s’invite bien évidemment à la fête. Et donne une coloration encore plus morbide à la pièce. Masqués, les acteurs jonglent avec le virus, l’atmosphère de panique et d’incrédulité qui règne alors. Qui des politiques, des médecins, des influenceurs a raison ? Qui faut-il croire ? Que faire ? Comment se protéger ? Comment se soigner ?

À la lumière de la pandémie, le discours moliéresque se tente d’autres nuances : les tentatives de Béralde, l’honnête homme équilibré par excellence, pour raisonner son frère, résonnent par moment comme une sorte de théorie complotiste, un discours antivax déplacé. Le régime prescrit initialement à Argan par Purgon s’avère somme toute équilibré et sage (viandes blanches, moins de vin), alors que Toinette lui propose bœuf, gras et alcool.

Devenir médecin soi-même ?

Argan n’en est que plus perdu et nous avec. Manipulé, trompé, Argan, magistralement interprété par Guillaume Gallienne qui lui prête sa douceur, sa vibration intérieure, son émotivité, fait écho à notre propre perplexité. Qui croire, vers qui se tourner, quand on est noyé dans les injonctions contradictoires, les informations douteuses, les contre-vérités, diffusées en continu par les médias, les réseaux sociaux ?

Devenir médecin soi-même ? Même l’intronisation burlesque d’Argan au terme de la pièce perd ici son caractère grotesque, soulignant l’atrocité de la situation. Dépourvus que nous sommes d’interlocuteurs fiables, c’est à nous d’aller chercher le savoir comme nous le pouvons, avec les moyens du bord. Faire acte d’esprit critique sera-t-il possible ? Cela reste à voir. Mais pour sûr, après avoir vu ce spectacle, vous l’aurez compris : nous sommes aujourd’hui tous susceptibles d’être des malades imaginaires.

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Gargantua : ce nom évoque des festins énormes, des rivières de vin, des farces scatologiques à se rouler par terre. Mais derrière ces scènes de réjouissances à la saveur orgiaque se cache une œuvre riche en satire et en critique sociale, un pur fleuron de l’esprit humaniste. Rabelais forge là une stratégie argumentative d’exception où le rire et la réflexion vont de pair pour inviter le spectateur à changer son regard sur le monde. Explications.

Rabelais : un humaniste réjoui ?

Difficile d’aborder les aventures de Gargantua sans dire un mot sur son créateur, François Rabelais. Né vers 1494 à Chinon, ce dernier était un homme aux multiples talents : moine, médecin, érudit et écrivain. S’il a étudié le droit et la médecine, c’est surtout par ses écrits qu’il a laissé une empreinte indélébile sur la littérature française.

C’est que Rabelais était un fervent défenseur des idées humanistes de la Renaissance. Pour mémoire, l’humanisme mettait l’accent sur le potentiel humain, l’éducation et la redécouverte des textes classiques. En bon humaniste qu’il était, Rabelais croyait en la capacité de l’homme à progresser par le savoir et la raison, et il voyait l’éducation comme un moyen d’atteindre la liberté intellectuelle et morale. Et pour prouver ses dires, il a façonné Gargantua.

Naissance tonitruante et aventures burlesques

Gargantua est un géant. Fils de Grandgousier et de Gargamelle, il montre une intelligence telle que son papa décide de lui apporter une éducation digne d’un roi. Direction Paris pour y recevoir une éducation traditionnelle… qui s’avère un véritable désastre. Un changement de méthode s’impose : entre en scène le sage et savant Ponocrates, qui va réformer l’éducation de Gargantua avec autant de dynamisme que d’inventivité. Exit les méthodes arides et obsolètes, place à un enseignement humaniste où le savoir se mêle à la pratique. Gargantua apprend en jouant, en observant la nature et en discutant avec des érudits.

Une véritable révolution pédagogique qui fait écho aux idées de la Renaissance. Ce début de vie tonitruant annonce d’autres aventures, toutes plus truculentes les unes que les autres, parsemées de péripéties drolatiques, de personnages forts en gueule : on pense bien évidemment à Frère Jean des Entommeures, grand amateur de vin et qui anéantira les soldats ennemis imprudemment venus piller sa vigne, accouchant ainsi d’un des épisodes les plus fous des guerres picrocholines. Le rire est toujours au rendez-vous. Un comique qui n’a rien de hasardeux : rire est le propre de l’homme, et Rabelais tient à ce que son lecteur s’en souvienne.

Développer une pensée critique

À travers son personnage de géant, l’auteur, fin renard, défend l’idée d’une éducation libérale et diversifiée, qui place l’homme au centre des préoccupations. Quitte à faire rire son lecteur aux éclats, pour le mettre en condition de vivre l’expérience humaniste de l’intérieur. Expérimenter : c’est le principe, le but du livre. À l’image du héros, Gargantua, qui ne se contente pas d’apprendre par cœur ; il développe une pensée critique, explore différents domaines du savoir et apprend à vivre en harmonie avec les autres et avec la nature. Communauté utopique où règne la liberté individuelle, l’abbaye de Thélème, guidée par la maxime « Fais ce que voudras », constitue l’apothéose de cette vision humaniste.

Édité entre 1533 et 1535, on ne sait dater la chose exactement, ce deuxième roman suit de près la publication de Pantagruel. Œuvrant une nouvelle fois sous le pseudonyme Alcofribas Nasier (ingénieux et cocasse anagramme), Rabelais multiplie parodies, hyperboles et jeux de mots pour construire un récit surréaliste où il étrille les travers de son temps. Descriptions exagérées, moqueries des institutions et des figures de l’autorité, situations grotesques, langage inventif et picaresque, rien ne l’arrête tandis qu’il déroule le parcours totalement fou de son héros avec une verve digne d’un Frédéric Dard du XVIe siècle.

Une mise en voix révélatrice

Bref Gargantua est un monument. Et un monument à lire à voix haute, à mettre en bouche, comme un plat littéraire délicieux. Dixit la mise en voix exceptionnelle réalisée par la troupe de la Comédie-Française pour Le Théâtre à la table. Éclairés par une farandole de bougies qui métamorphosent le plateau en taverne, Thierry Hancisse et ses compagnons nous convient à un festin littéraire d’une folle gaîté, qui éclaire la grande modernité d’un récit bien plus subtil qu’il y paraît de prime abord.

Car combiner rire et réflexion est ardu, cela demande beaucoup de talent, d’intelligence, de la ruse et une certaine forme de folie. Cette lecture fait ressortir les astuces narratives à l’œuvre sous les excès et les pitreries. Elle dévoile le travail des phrases, la mécanique des énumérations, la rythmique infernale des descriptions, le cocktail improbable des lexiques. On ne peut en faire l’économie, car elle donne à voir un ouvrage précurseur, qui ouvre la voie à une littérature mêlant les genres et les émotions pour notre plus grande édification.

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Le Malade imaginaire : une simple pièce de théâtre ? Une comédie classique dans l’esprit du XVIIᵉ siècle ? Oui bien sûr… mais pas seulement, et c’est heureux. L’ultime chef-d’œuvre de Molière frappe par encore et toujours par sa justesse, son mordant. Il continue de résonner avec le public plus de trois siècles après sa première représentation. Écrite en 1673, la dernière comédie-ballet de J.B. Poquelin demeure une critique acerbe et hilarante de la médecine et des travers humains, tout en offrant une réflexion profonde sur la condition humaine.

Une pièce légendaire

Le Malade Imaginaire s’appelle Argan et c’est un hypocondriaque pur jus, obsédé par sa santé, s’entourant de médecins plus charlatans les uns que les autres qui s’ingénient à le soigner par tous les orifices à grand coup de potions absolument ignobles. Des médecins qu’il écoute comme le Messie, et à qui il est prêt à sacrifier la quiétude et le bonheur de ses proches. Satire décapante et un brin scatologique des pratiques médicales de l’époque, la pièce est aussi une exploration des peurs et des obsessions humaines, comme seul Molière est capable d’en écrire une.

Ce qui rend pourtant ce Malade imaginaire si légendaire, c’est son contexte historique. Quand Molière termine son texte, il est affaibli par la maladie. Il meurt d’ailleurs au soir de la quatrième représentation, quelques heures après avoir joué le rôle d’Argan qu’il s’était octroyé, en star de sa troupe. Le fauteuil dans lequel il aurait agonisé sur scène trône d’ailleurs toujours dans l’enceinte de La Comédie-Française, objet de toutes les attentions, de tous les respects. L’anecdote a largement servi de socle à la dimension mythique de l’œuvre.

L’intelligence du texte

Mais au-delà de cette histoire du reste poignante, c’est la pertinence et l’intelligence du texte qui en font une œuvre éternelle. La dernière pièce de Molière se singularise de multiples façons, constituant une somme de son art, de son talent, de la finesse propre à ce bel esprit, témoin de son temps. Bien sûr, Argan s’impose d’entrée de jeu avec ses peurs et ses caprices, ses colères et ses lubies, ses illusions et ses affections : la scène d’exposition où il règle les factures de ses médecins et apothicaires est en soi un moment d’anthologie que tout acteur rêve d’interpréter (Jacques Charon, Michel Bouquet, Guillaume Gallienne… la liste est longue de ceux qui s’y sont illustrés) ; celle où il s’amuse avec sa petite Louison, un sommet de tendresse.

Mais ce héros à plusieurs facettes est également entouré de figures mémorables comme Toinette, la servante rusée et dévouée qui a tout d’un Scapin en jupons, ou encore Béline, la seconde épouse particulièrement intéressée par la fortune de cet époux qu’elle exècre en secret. Et que dire de Diafoirus père et fils ou de M. Purgon dont la tirade en forme de malédiction est un monument littéraire en soi ? Chacun, à sa manière, incarne une facette de la société et de la nature humaine, rendant la pièce aussi diverse qu’amusante, vivifiant une structure par ailleurs rigoureusement façonnée. Car Molière est un magicien qui sait y faire en architecture dramaturgique, alliant comédie, danse et musique pour offrir une expérience théâtrale complète, typique des divertissements qu’on appréciait à l’époque, et qui mêlaient les différents arts, littérature, théâtre, musique, danse, peinture. Les dialogues, vifs, les situations, cocasses, les répliques, ciselées, l’ensemble fait mouche à chaque scène, avec un sens aigu de l’observation et de la satire propre à cette époque de moralistes.

Hypocondrie universelle

Hypocondrie, manipulation, amour, critique sociale sont autant de thèmes abordés avec une grande pertinence, une ironie grinçante et tendre à la fois. Molière se plaît ici à dépeindre une humanité vulnérable et inconstante, comique autant que pitoyable par l’étalage de ses passions et de ses excès. Argan complète une galerie déjà fournie de portraits pittoresques et un peu inquiétants par leur démence : le Bourgeois gentilhomme, l’Avare, Tartuffe… son style inspira à n’en pas douter La Bruyère et ses Caractères. Il y a de quoi : derrière le rire, il y a la violence. Des pères autoritaires et méchants, aveuglés par leur folie au point de sacrifier le bonheur de leurs enfants.

Difficile en contemplant Argan ruiner l’avenir de sa fille pour assurer sa sécurité sanitaire, de ne pas se projeter au présent, tant ces personnages mettent en lumière des vérités intemporelles sur nos comportements et nos croyances. Le Malade imaginaire continue de nous captiver parce qu’il parle de nous tous. La peur de la maladie, la méfiance envers la médecine et les relations familiales compliquées sont des sujets toujours pertinents. La capacité de Molière à rendre ces thèmes universels, à travers le prisme de l’humour et de la critique sociale, fait la modernité inconditionnelle de cette œuvre incomparable.

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C’est une des belles choses que nous a laissées la pandémie : conçu en 2020 pour compenser la fermeture des théâtres de France et de Navarre, Le théâtre à la table continue d’éditer avec une régularité de métronome ses vidéos sur le compte Youtube de la Comédie-Française qui en est l’initiatrice. preuve que malgré son grand âge, la maison de Molière sait rester dans le vent, s’emparant de l’outil numérique avec grâce et sans brader sa créativité.

Minimalisme et ferveur

Le théâtre à table donc : soit cinq jours de préparation pour orchestrer la mise en voix d’un grand texte du répertoire dramatique par certains acteurs de la Comédie-Française. Initiée en pleine pandémie pour continuer à charmer son audience privée de représentations et faire culturellement front face à l’adversité, cette formule avait aussi pour but de faire découvrir l’écriture dramaturgique au commun des mortels via le prisme du Net.

Pas de décors, pas de costumes, pas de maquillage ni de perruques. Une table, des sièges, des textes, des surligneurs, des caméras. Minimalisme. Epure. Et des acteurs au quotidien que nous voyons s’emparer de l’intrigue, des répliques, lisant chaque ligne avec une profondeur incroyable, une ferveur d’autant plus perceptible que les gros plans sont légion durant ces captations d’une très grande qualité. Aucune mise en scène donc, juste la parole écrite d’un auteur, lue, scandée par un comédien qui se glisse dans son personnage avec une aisance qui ne doit pas gommer la difficulté du défi.

Processus alchimique

Les Fausses confidences de Marivaux, Gargantua de Rabelais, Tartuffe de Molière, La Mouette de Tchekhov, Le Soulier de satin de Claudel, les oeuvres s’enchaînent , mettant en évidence la jubilation d’interprètes chevronnés qui s’amusent ensemble, quitte à jongler avec des émotions d’une rare puissance. On se souviendra longtemps de l’accès de rage qui saisit Arnolphe/Thierry Ancisse face à une Agnès/Adeline d’Hermy aussi frêle qu’impassible, plus Antigone qu’Agnès du reste dans sa tranquille détermination. Et que dire de l’éclat qui illumine les yeux de Danielle Lebrun tandis qu’elle scrute Laurent Lafitte prononçant les répliques de Louis dans Juste la fin du monde de Lagarce ?

Faire jaillir la beauté du texte, laisser le champ libre au verbe est savoureux : c’est la première étincelle de l’acte théâtral que nous découvrons ici, un processus alchimique qui repose sur une complicité, un partage, une émulation qu’on ne peut saisir une fois le spectacle sur scène. Le Théâtre à table nous donne l’occasion rarissime d’observer la magie de cette possession qui saisit chaque comédien quand il s’ouvre initialement à son rôle. la chose est d’autant plus touchante qu’elle se révèle à tous comme un partage, une émancipation intellectuelle.

Et plus si affinités

Pour découvrir les différentes éditions du Théâtre à table, consultez la chaîne Youtube de la Comédie-Française.

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Une plage ou peut-être une loge ? Belle île en mer ou bien le théâtre de l’Odéon ? Les USA ou bien Paris ? Au soir de sa vie, l’inoubliable Sarah Bernhardt nous raconte son incroyable existence. Femme d’exception surnommée à raison « La Divine », c’est l’histoire d’une passion qu’évoque Geneviève Casile sous la plume de Joëlle Fossier et sous la direction de Pascal Vitiello.

Une ferveur mystique

Un seul en scène donc, mais un dialogue imaginaire avec une journaliste, à moins qu’il s’agisse d’une admiratrice, ou d’Edmond Rostand… les interlocuteurs se succèdent devant les yeux d’une Sarah Bernhardt toujours majestueuse et libre, malgré les ravages du temps, la mort qui s’avance. Cette superstar avant l’heure déroule une vie d’aventurière, qui embrasse la carrière d’actrice avec une ferveur mystique. Et le répertoire théâtral universel de résonner à nos oreilles envoûtées.

Drôle, espiègle, fantasque, exigeante, courageuse, indomptable, séductrice, cette ogresse au visage de fée, à la voix de sirène, au panache de condottiere, traverse les époques, les règnes, les conflits, la maternité (son fils, le seul homme qui a compté dans sa vie), la maladie, sans jamais plier l’échine, perdre du terrain. Avec prestance, avec grandeur, elle tisse sa légende, consciente de construire son panthéon, incarnant tous les grands rôles du répertoire, même masculins. Follement attirante, fascinant hommes et femmes, transgressive et initiatrice. Adulée, idolâtrée.

Quand c’est non, c’est non

Pour incarner cette légende, il fallait une très grande comédienne. C’est ainsi que Geneviève Casile, prête ses traits et sa voix à cette invocation presque magique. À quatre-vingts ans passés, cette figure de proue de la Comédie-Française, passée dans les mémoires grâce entre autres à son rôle d’Isabelle de France dans la saga des Rois Maudits, n’a rien perdu de sa prestance, de son éclat. Cachant sa blondeur sous une perruque rousse, la voix moins métallique, plus chaleureuse, Casile teinte ses répliques de malice : souvenirs de certaines nuits amoureuses, émotions fortes quand arrivent la mémoire des guerres, des combats, des morts, l’émerveillement face à la beauté des textes…

Son interprétation est comme toujours d’exception, superposant l’ego de Sarah (il en faut beaucoup pour établir pareille renommée) et sa fragilité (la douloureuse enfance). Et puis il y a la volonté : ferme, convaincue, Sarah Bernhardt sait s’affirmer. Avec elle, quand c’est non, c’est non. Et c’est sur ses refus qu’elle établit ses succès, autant que sur son incroyable talent, ses audaces. La dame, pour sûr, ne s’en laisse pas compter. Casile, avec un sens incroyable des nuances, mise en valeur par la direction de Pascal Vitiello, prête vie à l’écriture précieuse de Joëlle Fossier pour ranimer ce monstre de volonté.

L’ensemble captive l’attention, touche le cœur et l’âme, fait rire et rêver. Inoubliable Sarah Bernhardt offre un hommage vibrant particulièrement réussi à la fois à une comédienne mythique et au monde du théâtre

Et plus si affinités

Vous pouvez visionner la pièce Inoubliable Sarah Bernhardt sur la plateforme Opsis TV.

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Vous désirez ardemment devenir manager d’un groupe de rock et autre formation musicale/chanteur.se/musicien/artiste tout court ? Avant de vous lancer dans l’aventure, je vous conseille de regarder avec beaucoup d’attention l’excellente comédie de Goldoni L’Imprésario de Smyrne. Elle date peut-être de 1759, elle est d’une actualité criante et vaut toutes les initiations.

Créer un opéra à Smyrne

Posons le cadre. Nous sommes donc à Venise, en plein cœur du XVIIIe siècle. Un riche marchand turc vient d’arriver en ville et déjà tout le milieu de l’opéra s’affole de rumeurs. C’est que le négociant, flairant de juteux dividendes, a décidé de recruter une troupe afin de divertir le public de Smyrne, port florissant où transitent bon nombre d’Occidentaux qui s’ennuient ferme et aimeraient profiter des charmes d’une salle de spectacles. C’est l’objectif d’Ali. Et sur le papier, cela semble futé et prometteur

Le problème (parce que s’il n’y a pas de problème, il n’y a pas d’intrigue, donc pas de pièce) : Ali n’y connaît absolument rien de rien, le milieu lui est pour le moins étranger (le clash culturel va d’ailleurs être de taille), encore moins le fonctionnement, les mœurs, les codes qui régimentent une troupe. Pour parvenir à ses fins, Ali demande donc conseil au comte Lasca, fin connaisseur de cette faune très particulière. Il faudra au moins ça pour gérer le bordel incroyable que cette entreprise va susciter.

Casse-tête managérial

Si former une troupe est déjà compliqué en soi (la logistique implique pas mal de techniciens spécialisés, en dehors des artistes proprement dit ; il y a aussi la question juridique des contrats, la problématique du choix des œuvres, leur adaptation, les costumes et les décors, la gestion au quotidien de la salle…), former une troupe à Venise au siècle des Lumières relève du défi, du marathon et du casse-tête managérial.

Car le principal écueil à franchir, la grosse épine dans le pied des impresarios, c’est l’égo des chanteurs. Ego ? Le mot est trop faible. Vanité, fatuité, outrecuidance… Entre les cantatrices qui se chamaillent pour obtenir le statut de prima donna (première chanteuse, autant dire l’étoile de la troupe), les castrats et leurs caprices de gamins, les régisseurs qui cherchent à faire du profit, Ali est vite décontenancé, submergé puis dégoûté. Arrivera-t-il à former cette troupe ? C’est toute la question.

Un réalisme saisissant à la Longui

Et Goldoni en explore les méandres avec un sens aigu du comique et de l’ironie. A la manière du peintre Pietro Longhi, il imagine des saynètes aussi cocasses que cruelles où nous découvrons tous ces artistes du reste talentueux s’entre-égorger verbalement au fil de remarques acides et de sourires hypocrites. C’est d’un réalisme saisissant et pour cause : auteur de théâtre, librettiste, Goldoni connaît cet univers par cœur, encore plus le microcosme artistique vénitien, ville dédiée aux plaisirs, plongée dans les joies du Carnaval six mois sur douze, qui a vu la naissance du premier opéra payant au XVIIeme siècle.

Quand Goldoni commence sa carrière, on dénombre une dizaine de salles dans la cité des Doges, sans compter les théâtres ambulants ou privés. C’est déjà beaucoup pour une ville de 8 kilomètres carrés, et cela va aller grandissant avec l’afflux de négociants et de touristes (eh oui, déjà au temps de Voltaire, la ville est saturée de visiteurs étrangers). Goldoni qui est né, qui a grandi dans cette atmosphère, la connaît sur le bout des doigts. Il en restitue les nuances, les subtilités, la légèreté, la fausseté avec un talent sans pareil.

Une mise en scène succulente

Car le monde des artistes vénitiens est aussi celui des apparences ; on veut briller mais soit on manque d’argent pour financer un train de vie princier, soit on s’est mis à dos toute la communauté avec ses caprices de diva. En 1987, Jean-Luc Boutté s’empare du sujet et accouche d’une mise en scène brillante menée bille en tête par la troupe de la Comédie-Française : Jacques Sereys, Christine fersen, Simon Eine, Richard Fontana, Claude Mathieu, Catherine Hiegel, Marcel Bozonnet,Yves Gasc, Jean-Paul Moulinot… le casting est fabuleux, particulièrement à l’aise dans cette histoire farfelue mais si juste, dont les répliques ont été adaptées par un certain Dominique Fernandez.

On se souviendra longtemps de l’entrée fracassante de Fontana habillé de pied en cap en héros de mythologie et de la tête effarée de Simon Eine devant cet ouragan de métal et de plume monté sur cothurne qui déboule dans son salon. Idem pour la séance de domptage de cantatrices en furie, menée par un Jacques Sereys d’un détachement olympien face aux jérémiades de Fersen, Mathieu et Hiegel. C’est succulent, édifiant sur la question de l’égo artistique et toujours d’actualité : les échanges de ces personnages hauts en couleur ressemblent beaucoup aux dialogues qu’on entend aujourd’hui dans les backstages des concerts, les couloirs des maisons de disques.

Bref, rien n’a changé et L’Impresario de Smyrne le démontre de flagrante façon… en concluant l’aventure sur une morale dont nombre d’agents artistiques devraient aujourd’hui encore s’inspirer pour driver leurs ouailles et les conduire sur le chemin du succès.

Et plus si affinités

La mise en scène de la comédie L’Imprésario de Smyrne par la Comédie-Française en 1987 est disponible sur Madelen.

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« Les Liaisons scandaleuses » ? Un chapitre de plus à ajouter à la série documentaire d’ARTE, Les grands romans du scandale. Après Sagan, Brontë, Vian, Nabokov et Ellis (pour ne citer que quelques exemples d’une liste sulfureuse), c’est au tour de Choderlos de Laclos d’être déshabillé par Priscilla Pizzato. En ligne de mire : Les Liaisons dangereuses. « Un livre qui brûle comme de la glace » disait Baudelaire. À raison.

Succès et indignation

Les Liaisons dangereuses, donc. Ou les aventures de Mme de Merteuil et Mr de Valmont, deux libertins épris de puissance psychologiques et qui n’ont pour autres ambitions dans la vie que d’assoier leur pouvoir en séduisant les autres, puis en les abandonnant. Un jeu pervers qui laisse bien des cadavres sur le terrain. Les leurs y compris car à trop jouer, ils vont se brûler.

Le roman épistolaire de Laclos va connaître un succès immédiat alimenté par l’indignation générale. Un succès qui ne s’est pas démenti depuis, au vu des nombreuses adaptations théâtrales et cinématographiques engendrées par ce récit féroce. Mais encore ? Où se situe le scandale ? Et l’incroyable nouveauté de ce livre particulièrement moderne et qui, aujourd’hui encore, a bien des leçons à nous donner ?

Analyse d’une Kriegsspiel sentimentale

Pour nous expliquer, des experts, historiens de la littérature, sociologues, philosophes, entre autres les spécialistes Catriona Seth et Michel Delon, la romancière Cécile Guilbert, dont le regard commun est particulièrement acéré pour décrypter la question du consentement, du viol comme outil de supériorité, de la manipulation mentale, les différentes facettes de cette Kriegsspiel sentimentale qui annonce la fin d’un monde.

Citations à l’appui. Et pour illustrer ce cours de littérature passionnant, outre des extraits de films, des illustrations, une documentation très riches, les comédiens Elsa Lepoivre et Eric Génovèse de la Comédie-Française, interprétant avec une acuité incisive certains passages de ces lettres au sein des alcôves du musée Lambinet. Une atmosphère intimiste, rehaussée de gros plans sur un lit d’époque, une robe, des feuilles et une plume, bref les différentes armes en jeu dans ce combat à mort.

Le tout compose une mise en voix de très belle facture, dont Laclos n’aurait certes pas eu à rougir. Un documentaire intelligent et prenant à voir pour se réconcilier avec la littérature ou de nouveau en tomber amoureux.

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Lucienne Vatelin est une femme du monde, mariée à un notaire, éprise de son mari, fidèle. Mais si ce dernier avait le malheur de la tromper, la loi du Talion ! Elle se vengera illico… en prenant un amant ! Plusieurs prétendants à ce titre : Rédillon, un vieil ami de la famille, célibataire convaincu secrètement épris d’elle, et Pontagnac, séducteur forcené qui a poursuivi la pauvre Lucienne jusque chez elle et qui s’avère d’ailleurs un ami de Vatelin. Vatelin qui a d’ailleurs eu la mauvaise idée jadis de trahir sa foi conjugale avec une Anglaise, Anglaise qui débarque justement et obtient un rendez-vous galant à grand renfort de chantage au suicide, sans savoir que son époux compte bien la pincer en flagrant délit d’adultère. Et tout ce petit monde va se retrouver embarqué dans une histoire de fou intitulée Le Dindon, signée Georges Feydeau.

Un tour de force d’élégance

Une course-poursuite irrésistible, avec notamment l’usage de sonneries pour prendre les amants au piège, en mode pêche au grelot. Sauf que cela ne va pas du tout se passer comme prévu, bien entendu, c’est du Feydeau, ça ne se passe jamais comme prévu, encore moins quand c’est Jean Meyer qui assure la mise en scène avec dans sa troupe Bernard Dhéran, Myriam Colombi, Alain Feydeau, Michel Duchaussoy, Yvonne Gaudeau, Robert Manuel, Catherine Samie, Louis Seigner, Denise Gence, Geogres Chamarat… bref les meilleurs de la Comédie-Française à l’orée des années 70. Avec un tour de force : restituer la démence de la situation sans tomber jamais ni dans l’outrancier ni dans le ridicule ou le vulgaire, et en y ajoutant une forme d’élégance d’autant plus savoureuse qu’elle est inattendue. 

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Un portraitiste machiavélique

On gardera en tête la rythmique frénétique de cette cavalcade improbable où les portes claquent, les sacs se perdent, les amants épuisés sont incapables de venger ces dames outragées. Et puis, il y a les personnages secondaires : un médecin militaire et sa femme sourde comme un pot, une petite bonne à la main leste, un groom en pleine puberté, une cocotte au QI d’oie, un vieux domestique qui protège son jeune maître comme si c’était son propre enfant, un businessman londonien né à Marseille… autant de caractères forts et surprenants qui se retrouvent emmêlés dans cette cascade de quiproquos où les gags s’enchainent frénétiquement ainsi que les jeux de mots. C’est absolument délicieux, et surtout plein de fantaisie. Cette galerie de portraits pris sur le vif confirme le sens de l’observation d’un dramaturge qui apparaît ici redoutable pour ne pas dire machiavélique.

Et plus si affinités

Vous pouvez visionner la pièce Le Dindon mise en scène par Jean Meyer sur la plateforme de streaming de l’INA.

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Dom Juan, séducteur, trompeur, jouisseur, menteur, libertin, apostat, blasphémateur… les qualificatifs ne manquent guère pour désigner le héros de Molière. Avec la mise en scène signée Emmanuel Daumas pour la Comédie-française, un autre visage apparaît : celui de la zizanie instituée comme chaos universel.

La zizanie érigée en mode de vie

Vous vous rappelez La Zizanie ? Un des chapitres des aventures d’Astérix le Gaulois tourne autour d’un personnage doué pour créer la discorde autour de lui. Désireux de liquider ce petit village qui résiste encore et toujours à l’envahisseur, César envoie Tillius Detritus le bien nommé semer le désordre dans la fameuse tribu. Il y réussira presque.

Eh bien, Dom Juan version Daumas, c’est ça : la zizanie érigée en mode de vie, en délectation émotionnelle permanente. Interprété par un Laurent Lafitte en équilibre entre ennui, manipulation et désillusion, ce seigneur séducteur en diable se repaît du chaos qu’il fait naître sur son passage, sous le regard mi-complice mi-navré de son valet Sganarelle.

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Le goût de la dissonance cognitive

Amantes qui s’écharpent, frères qui s’affrontent, personnages en dissonance cognitive, ce Dom Juan sait y faire pour creuser les failles, titiller les blessures de chacun. Son but ? Amener l’autre à faire le contraire de ce qu’il veut, à renier ses engagements, ses valeurs, ses actions. Il n’y parvient pas toujours, la pièce accumule ses échecs récents, signes avant-coureurs de sa perte.

Mais les ravages sont là, et dans cette salle restreinte du Vieux Colombiers, sur ce plateau nu autour duquel se trouve le public, le texte semble limpide. On s’arrête souvent sur l’éloge de l’inconstance ? On oublie la suite, Dom Juan expliquant à Sganarelle qu’il est attiré par une demoiselle qu’il compte enlever puis séduire alors qu’elle forme un couple harmonieux avec son fiancé. C’est là la vérité de ce profil.

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La prose exceptionnelle de Molière

Détruire la concorde entre les êtres, anéantir la paix des consciences : sur cette estrade de bateleur aux allures de ring de boxe ou d’échafaud, c’est la prose exceptionnelle de Molière qui triomphe, son art dramaturgique incomparable, la richesse de son propos. Au final, c’est au match Dom Juan contre lui-même que nous assistons, horrifiés par le détachement de ce personnage sans pitié, sans principes, sans empathie.

Individualiste, narcissique, manipulateur, il court à sa perte. Intemporel. Éternel. Central. Autour de lui et de son valet, confident et souffre-douleur (Stéphane Varupenne, exceptionnel), des ombres qui alimentent son égo d’un vide abyssal et une distribution très ramassée (Alexandre Pavloff, Jennifer Decker, Adrein Simion, tous parfaits) qui endosse tous les autres rôles dans une farandole de démence.

Les Femmes savantes : l’esprit ou la matière ?

Ce dépouillement n’efface ni la beauté des répliques, ni la violence du propos ni l’ironie du ton. Au contraire, ce choix revient aux sources même du théâtre moliéresque, ce qui fait son exception, sa singularité : ce don pour dépeindre les caractères les plus tortueux, les plus dangereux, de manière à ce qu’immanquablement, à un moment ou à un autre, on s’y retrouve. Et cela n’a absolument rien d’agréable.

Et plus si affinités

Vous pouvez voir et revoir la pièce Dom Juan en replay sur le site de France.TV.

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