Saisir l’histoire de la mode, c’est observer la manière dont la coupe, l’organisation des ateliers, le rapport au corps et à l’image se reconfigurent à chaque époque. Quatre expositions offrent actuellement une approche limpide de la question : Worth (acte de naissance de la haute couture), Paul Poiret (révolution moderne et mise en scène), Coco Chanel (les Années folles et l’invention d’un style de vie), Rick Owens (rituels et minimalisme monumental). Ensemble, elles dessinent un siècle et demi d’inventions, d’industries et d’imaginaires.

Worth, inventer la haute couture – Petit Palais : le prototype du système

La rétrospective Worth. Inventer la haute couture déploie plus de 400 œuvres sur 1 100 m² pour raconter comment Charles Frederick Worth structure un écosystème : maison, mannequins, collections saisonnières, étiquettes, clientèle internationale — bref, la méthode qui fait encore autorité aujourd’hui. Dates, ampleur, et enjeux d’atelier (fournisseurs, commandes, photographies) sont articulés avec clarté.
Au-delà de la robe, le propos insiste sur l’infrastructure (du négoce des tissus aux liens avec d’autres maisons de luxe) et sur l’héritage multigénérationnel de la maison Worth, souvent qualifié de “père de la haute couture”. Un panorama rare, jugé difficilement reproductible par la presse spécialisée tant les prêts et restaurations ont été importants.

Paul Poiret, la mode est une fête – MAD Paris : la modernité spectaculaire

Le MAD consacre à Paul Poiret une exposition d’envergure (environ 550 œuvres, du vêtement aux arts décoratifs) qui restitue son double geste : libérer le corps (déconstruire le corset, repenser la ligne) et mettre en scène la mode comme expérience totale (parfums, fêtes, collaborations artistiques, marketing avant l’heure).
Le parcours rappelle aussi les paradoxes d’un créateur visionnaire, passé par la maison Worth, dont la flamboyance aura autant construit son mythe que fragilisé son entreprise — un récit utile pour comprendre la tension durable entre création et économie dans la mode.

Les Années folles de Coco Chanel – NMNM – Monaco : le style comme art de vivre

À la Villa Paloma, Coco Chanel est lue à l’aune de trois axes des années 1920 : l’outdoor (plages, sports, Riviera), l’influence slavophile (Ballets russes, cultures d’Europe de l’Est) et le dialogue mode/arts. Plus de 200 pièces (modèles, accessoires, photographies) entrent en conversation avec des œuvres modernes (de Van Dongen à Picasso), soulignant l’invention d’un style de vie autant que d’une coupe.

La mode est ici abordée comme une culture visuelle et une pratique sociale (corps sportif, plein air, médias). Maillots, ensembles fluides, iconographie photographique, la Riviera se décline en laboratoire du chic moderne.

Rick Owens, Temple of Love – Palais Galliera : le rituel et l’architecture du vêtement

Le Palais Galliera signe la première grande exposition parisienne dédiée à Rick Owens : un itinéraire des débuts à Los Angeles aux collections récentes, où la coupe radicale rencontre la spiritualité du rituel, le minimalisme sculptural et des références littéraires/cinématographiques (de Huysmans au Hollywood du début du XXᵉ).

La mode contemporaine se veut expérience (corps, son, scénographie) et langage critique.
Manteaux-monolithes, drapés lourds, bottes-totems : l’exposition orchestre le silence et la ferveur autour de pièces devenues iconiques.

Que retenir de ces quatre expositions ?

1. Worth institutionnalise : la mode se dote d’une organisation reproductible (atelier, saison, clientèles), qui lui donne puissance et visibilité.
2. Poiret théâtralise : le couturier devient metteur en scène de son univers, entre arts, parfum, événement.
3. Chanel civilise le quotidien : le vêtement épouse les usages (sport, plein air), dessine une modernité vivable.
4. Owens spiritualise et radicalise à la fois : le vêtement devient architecture et rite, explorant les limites du corps, du genre, de la beauté.

A chaque étape, la mode réécrit le contrat social du vêtement (qui le porte, où, comment, avec quel récit).

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Oxygène, obsession, ordalie : la couture fut la raison de vivre de Cristóbal Balenciaga. Le styliste espagnol a, par ses créations, redéfini l’élégance et la silhouette au XXe siècle, mais à quel prix ? C’est ce que raconte la minisérie Cristobal Balenciaga.

Quelques roses et beaucoup d’épines

Aux commandes de ce programme, un quatuor ibérique : Lourdes Iglesias, Aitor Arregi, Jon Garaño, Jose Mari Goenaga. Objectif : raconter en six épisodes le parcours de Balenciaga, les origines de sa vocation, le succès de sa maison de couture madrilène, son arrivée à Paris en 1937 pour prendre ancrage dans l’univers de la mode française, son combat pour s’imposer face à Dior, sa course à l’innovation, les temps forts de sa carrière que furent la réalisation de la robe de mariée de Fabiola, la future reine des Belges, ou la signature des uniformes d’hôtesses d’Air France.

Un chemin semé de quelques roses et de beaucoup d’épines. L’impossibilité d’afficher au grand jour ses amours homosexuelles avec Władzio Jaworowski d’Attainville, puis, après le décès de ce dernier, avec Ramon Esparza. La période du franquisme, l’Occupation en France, la concurrence forcenée des couturiers parisiens au lendemain de la guerre… L’arrivée du prêt-à-porter, de l’industrialisation du secteur de la mode, l’avènement du marketing, la starisation des grands stylistes…

La couture comme une ascèse

Pour un introverti comme Balenciaga, la modernisation de sa discipline fut un enfer. Et la série le monte très bien : c’est un véritable cours de couture filmé avec beaucoup de grâce, reflétant l’amour du couturier pour le geste sûr, l’observation acérée du tombé et de la forme, l’art de la coupe juste et équilibrée, la maîtrise des étoffes de leurs singularités, la patience et l’exigence d’un travail pensé comme une ascèse. Car Balenciaga aborde son art comme un moine le ferait de son sacerdoce. Discret, pour ne pas dire timide, il s’enferme dans son atelier, refuse de parler aux journalistes.

Rétif à la médiatisation, il n’aime guère le côté « business » qu’il délègue à d’autres. Pour autant, juste dans son approche, plein de bon sens, rigoureux, il sait imposer son style, en faire une référence. Quitte à demander le conseil de sa chère Chanel (excellente Anouk Grimberg), de s’appuyer sur l’ensemble de sa famille pour tenir les rênes de sa filiale espagnole tandis qu’il développe sa maison à l’international. Une croissance qui parfois est freinée par les coups du destin ; mais quand il décidera de se retirer, Balenciaga le fera au sommet de son art, de par sa propre décision et non pas acculé par la faillite.

Une élégance sobre

Pour donner vie à ce personnage réservé, à la limite de l’insaisissable, Alberto San Juan joue la carte de la concentration, de la perfection, de la méticulosité, trahissant sous un calme convenu la nervosité du démiurge rongé de doute. Élégant et posé, d’une beauté sévère, l’acteur façonne un Balenciaga attachant bien que détaché, qui tente comme il peut de neutraliser les émotions qui le submergent, mais dont il a tant besoin pour innover, renouveler les codes sans les bouleverser de fond en comble. Un Balenciaga qui, vieillissant et retiré, accepte d’évoquer le passé devant une journaliste bien décidée à explorer ce mystère que personne jusqu’alors n’a réussi à percer.

Pas de révélations fracassantes à la clé pourtant : la série joue la carte de la pondération, préférant mettre en évidence ce pur plaisir de l’acte créateur, une élévation presque mystique, régulièrement heurtée par la dureté de la réalité économique, financière et sociale, du rapport aux autres. Cette retenue du styliste couturier précis, recueilli lorsqu’il plie et assemble, se reflète dans la mise en valeur de ses œuvres, des pièces d’une élégance sobre, où la coupe et la structure priment les ornements. Cette distance presque monastique maintenue avec un monde extérieur perçu comme corrupteur et dangereux est résumée en une tournure épurée et authentique : « moi, je veux coudre, c’est tout. »

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Impossible d’évoquer l’univers de la mode sans citer Karl Lagefeld. Énigmatique par-delà la mort, ce touche-à-tout de génie a hypnotisé les podiums des années durant, laissant dans son sillage un parfum de talent, de succès et de mystère. Rien d’étonnant donc à ce qu’on lui consacre moult biographies… et une série télévisée intitulée Becoming Karl Lagerfeld.

Survivre dans la fashion jungle

Inspiré du livre Kaiser Karl de Raphaëlle Bacqué (qui a rejoint l’équipe de scénaristes Jennifer Have et Isaure Pisani-Ferry), Becoming Karl Lagerfeld revient sur l’émergence du couturier depuis ses débuts chez Chloé jusqu’à son recrutement par Chanel. Objectif : autopsier une trajectoire pas si fulgurante que cela. Car il fallut beaucoup de patience à Karl pour devenir Lagerfeld. Beaucoup de patience, de flair, de sens des affaires et de la manipulation. Talentueux ô combien, Lagerfeld va devoir trouver sa place, tracer sa route, imposer sa vision.

Face à lui, la main mise esthétique et économique de l’empire Yves Saint Laurent, cornaqué par un Pierre Bergé retors et sans pitié, qui a la main mise sur le monde de la haute couture et compte bien en régir les règles. Tous les coups sont donc permis. Les six épisodes de la minisérie donnent à voir les efforts considérables déployés par Lagerfeld pour se frayer un chemin vers la réussite, la reconnaissance puis la célébrité, des efforts souvent doublés de ruse et de rouerie. Condition sine qua non pour survivre dans la fashion jungle d’alors.

Récit d’une lente initiation

Becoming Karl Lagerfeld porte bien son titre ; il s’agit de raconter une lente initiation, une adaptation complexe, ponctuée d’entreprises, réussies ou avortées, autant de coups de communication orchestrés avec brio souvent, décevants parfois, pédagogiques à coup sûr. Si l’on voit Lagerfeld en train de créer, dessinant modèle sur modèle, organisant les défilés, habillant les modèles, on l’observe surtout en train d’expliquer, de négocier, de convaincre. Et d’apprendre. De tirer des enseignements de ces échecs qu’il s’efforce de transformer en victoires.

Malgré une fortune familiale conséquente qui le met à l’abri du besoin, l’appui d’une mère aimante bien que sévère, Lagerfeld galère. Souvent. S’entête. Toujours. S’impose au final. Élégant, racé, détaché, lisse en apparence, fortement secoué au tréfonds de son être par les coups du sort. Pour incarner ce personnage hors normes, Daniel Brühl. Exceptionnel. Un choix parfait pour une interprétation au scalpel, nuancée, précise, et qui jamais ne sombre dans le grotesque ni le ridicule, encore moins l’invraisemblable. L’acteur allemand propose une prestation d’une justesse sidérante.

Jacques de Bascher et Yves Saint Laurent

Et cela sert grandement la série, jusque dans l’évocation d’une vie privée qui demeure à ce jour une énigme. La relation avec Jacques de Bascher continue d’interpeler. Amour platonique ? Jeu de domination ? Becoming Karl Lagerfeld laisse sous-entendre que le couturier eut un regard ambigu sur ce protégé qu’il adore, qu’il pousse à évoluer, mais que dans l’ombre, il jalouse. Jacques de Bascher apparaît ici fragile et autodestructeur, déstabilisé par une passion qui demeure de l’ordre du sentiment. Théodore Pellerin prête sa grâce, sa nonchalance, sa finesse au personnage, crevant littéralement l’écran à chacune de ses scènes.

Idem pour Arnaud Valois, Yves Saint Laurent dépravé et explosif, qui poursuit Bascher de ses assiduités, qui envie la rigueur prolifique de Lagerfeld, ancien ami devenu rival. Alex Lutz plante un Pierre Bergé féroce, qui est prêt à tout pour protéger son génial amant et la maison de couture qu’ils ont créé ensemble. Tâche complexe menacée par un Lagerfeld qui doucement, mais sûrement déploie son génie, prend son envol, gagne en puissance et en visibilité.

Un monstre sacré en devenir

Sens du look et de la performance, mise en scène de son identité, Lagerfeld apparaît ici comme un monstre sacré en devenir, qui manipule le style et l’élégance comme les esprits et les attirances. Le travail de reconstitution des créations et des tenues, le souci apporté aux costumes, aux gestes, aux dialogues, la volonté de recréer l’atmosphère toute particulière des années 70/80 qui ont contribué à l’émergence de ce mythe, tout dans Becoming Karl Lagerfeld participe à en faire une série de qualité, juste dans sa vision d’une carrière, d’une époque, d’un milieu.

Et sans faire l’économie des sentiments. Car Lagerfeld eut aussi une vie affective, avec ses joies et ses chagrins : la perte de la mère, l’amour qu’on ne peut pleinement vivre. Tout cela est évoqué avec beaucoup de pudeur, y compris la soif absolue de reconnaissance, le besoin quasi organique d’imposer une conception du vêtement et de la mode qui allait se révéler visionnaire et durable, car ancrée dans le vivant.

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Gestes gracieux, œillades suggestives, l’éventail, longtemps fit partie du vestiaire féminin. Traversant l’Histoire et les continents, il apparaît dans les représentations picturales comme un accessoire incontournable, avant de se perdre, du moins dans notre société. Mais il fait peu à peu son come-back à la faveur du réchauffement climatique. Qu’en est-il de cet accessoire fascinant, de ses origines antiques à son utilisation contemporaine, en passant par sa fabrication artisanale, son rôle dans la haute couture et les grands fabricants actuels ? Et tant qu’à s’équiper, où trouver un éventail de qualité, en écho avec vos goûts, vos attentes ?

Diversité esthétique, usages multiples

L’éventail ? Des formes, des couleurs, des matériaux multiples pour des usages diversifiés : l’objet par sa variété d’aspect et d’usages est fascinant. Mais encore ?

• L’éventail pliant, ou à charnière, est sans doute le plus connu et le plus utilisé. Composé de lames en bois, en bambou ou en ivoire qui pivotent autour d’un point central, il se plie et se déplie aisément, dans un geste de la main d’une rare élégance. La feuille qui revêt ces lames peut être en papier, en soie, en dentelle, en plumes, unie ou ornée de peintures délicates, de motifs imprimés ou de broderies. Certains éventails sont même ornés de pierres précieuses et de perles. Très populaires en Europe depuis le XVIIe siècle, ils sont utilisés aussi bien pour se rafraîchir que pour accessoiriser des tenues élégantes.
• L’éventail rigide, plus robuste et plus simple d’aspect, peut être fabriqué en bois, en bambou ou en métal, comme les éventails japonais ou tessen. Moins décoratif que les éventails pliants, il peut néanmoins être peint ou gravé de motifs traditionnels. En Asie, il a souvent des usages cérémoniels ou martiaux.
• L’éventail en plumes est l’accessoire glamour par excellence. Composé de plumes naturelles ou teintes (comme des plumes d’autruche, de paon ou de faisan) fixées sur une monture souvent en bois ou en métal, il peut être orné de gemmes ou de rubans. Très prisé des spectacles de cabaret, c’est l’atout sophistiqué des effeuilleuses burlesques notamment.
• Moins glamour, l’éventail publicitaire intervient dans les campagnes marketing comme un outil de promotion inédit et surprenant. Souvent fabriqué en plastique ou en carton pour des coûts de production réduits, il est personnalisé avec des logos, des slogans et des images de marque, et conçu pour être distribué en grande quantité lors d’événements. Utilisé lors de concerts, de festivals, de foires commerciales et d’autres événements publics, il combine utilité et visibilité.

Tour du monde de l’éventail

Bref, l’éventail ne sert pas seulement à s’éventer. Pour preuve, ce petit tour du monde qui met en évidence les cultures qui ont adopté et décliné l’objet à leur manière.

• L’éventail espagnol, ou abanico, est un symbole de la culture ibérique, souvent associé à la danse flamenco. Fabriqué principalement en bois et en tissu, très coloré, souvent décoré de motifs floraux et de dentelle, il sert bien évidemment à se rafraîchir mais aussi comme un accessoire de danse, ajoutant du charme et du drame aux performances de flamenco.
• L’éventail chinois, ou shan, est l’un des plus anciens types d’éventails, riche en symbolisme et en histoire.Traditionnellement fabriqué en bambou et en papier de riz, souvent orné de calligraphie et de peintures de paysages, de scènes mythologiques, de poèmes ou de motifs naturels, il intervient durant les cérémonies, signe d’appartenance à la haute société, symbole de culture et de sagesse.
• Outre le tessen meurtrier, l‘éventail japonais, ou uchiwa, rigide et plat, est typiquement utilisé lors des festivals d’été. Fait de bambou et de papier washi, décoré de motifs traditionnels japonais comme les fleurs de cerisier, les poissons koi et les scènes de la vie quotidienne, il est célèbre pour sa légèreté et sa durabilité.
• Artisanal, l‘éventail africain est un élément culturel essentiel , à la fois utilitaire et décoratif. Souvent tissé à la main à partir de matériaux naturels comme les feuilles de palmier, le rotin, le cuir., il est orné de motifs géométriques ou symboliques, agrémenté de perles ou de coquillages, symbolise l’hospitalité et la convivialité.

Chaque type d’éventail a sa propre histoire et son utilité, du glamour des éventails en plumes aux pratiques éventails publicitaires, en passant par les riches éventails africains. Ces objets charmants et variés captivent par leur beauté, leur fonctionnalité et leur capacité à transcender les cultures… et les époques. Car l’aventure de l’éventail ne date pas d’hier.

Une aventure ancestrale

L’éventail possède en effet une histoire riche et complexe qui s’étend sur plusieurs millénaires et traverse les civilisations. De l’Antiquité à nos jours, il a évolué en termes de forme, de fonction et de signification culturelle, se réinventant au fil des âges.

Les origines

L’éventail est né dans l’Antiquité, il y a plus de 3 000 ans. On en détecte les premières traces tangibles en Égypte et en Chine.

• En Égypte, il symbolisait le pouvoir et le statut social. Fabriqué en plumes d’autruche montées sur des manches en ivoire ou en or, on en usait durant les cérémonies politiques et religieuses.
• En Chine, il apparaît dès le IIe siècle avant notre ère. Rigide et faits de feuilles de palmier, c’est un accessoire symbolique dans les rituels religieux.

Moyen Âge et Renaissance : cap sur l’Europe

L’éventail survient en Europe au Moyen Âge, probablement introduit par les échanges commerciaux avec l’Orient et les croisades. La Renaissance va le rendre célèbre , notamment en Italie et en France. L’Italie des Médicis en fait un symbole de raffinement et de sophistication. Les éventails d’alors sont souvent ornés de motifs artistiques, inspirés par les œuvres des grands maîtres de l’époque. En France, il gagne en popularité au XVIIe siècle, particulièrement sous le règne de Louis XIV. La cour du Roi-Soleil l’érige en accessoire de mode incontournable. Réalisé dans des matériaux précieux comme l’ivoire, la nacre et la soie, cet objet de luxe est rehaussé de peintures miniatures et de broderies délicates.

Époque moderne : l’éventail enter mode et communication

Aux XVIIIe et XIXe siècles, l’éventail continue d’évoluer, s’adaptant aux tendances de l’époque. Il devient un moyen de communication subtil et un accessoire de mode indispensable.

• Les éventails de conversation font leur apparition dans les cercles aristocratiques. Des « langages de l’éventail » complexes sont développés, permettant aux utilisateurs de transmettre des messages en utilisant des gestes spécifiques.
• Avec l’avènement de la Révolution industrielle, la production d’éventails se mécanise, d’où une diversité accrue et une plus grande accessibilité pour les classes moyennes : l’éventail devient un objet populaire.

XXe Siècle : l’éventail entre tradition et modernité

Le XXe siècle voit l’esthétique de l’éventail osciller entre ces deux tendances. Alors que les avancées technologiques introduisent de nouvelles façons de se rafraîchir, comme les ventilateurs électriques et la climatisation, l’objet conserve son charme et sa pertinence culturelle.

• Durant la période 1920-1930, l’éventail inspire les artistes du mouvement Art déco. Les designs deviennent plus géométriques et stylisés, des matériaux modernes comme le celluloïd et le plastique s’imposent.
• L’éventail fait également son apparition dans la culture populaire, notamment dans le cinéma et le théâtre. Des stars de cinéma comme Marilyn Monroe contribuent à populariser l’éventail comme accessoire glamour.

XXIe Siècle : L’éventail sur le devant de la scène

L’éventail connaît aujourd’hui une renaissance porté par des tendances écologiques et un renouveau de l’artisanat traditionnel. Exfiltré des salons royaux et des geishas, il a su se démocratiser et trouver sa place dans notre quotidien.

• Les grandes maisons de couture, telles que Chanel, Dior et Valentino, réintègrent l’éventail dans leurs collections, le réinventant avec des matériaux luxueux et des designs avant-gardistes.

• Les artisans perpétuent les techniques traditionnelles tout en innovant avec des designs modernes. Alors que les étés deviennent de plus en plus chauds, l’éventail réapparaît comme une solution simple et efficace, une alternative écologique aux dispositifs de climatisation : il ne consomme pas d’électricité, est léger, portable, silencieux. De plus, il incarne une élégance et une durabilité qui manquent cruellement à nos gadgets modernes. Dans un monde où chaque geste compte pour protéger notre planète, l’éventail offre une alternative charmante et respectueuse de l’environnement.
• L’éventail trouve une nouvelle popularité dans les festivals de musique et les événements en plein air, devenant un accessoire à la fois pratique et tendance.

Pour en savoir plus, nous vous conseillons de faire un petit tour au musée de l’Eventail à Paris. Tenu par l’association « Les Amis du Musée de l’evential Hervé HOGUET », l’endroit regorge de trésors, de pièces uniques, d’éventails bijoux.

Fabriquer un éventail aujourd’hui : tradition artisanale et grandes maisons

La création d’un éventail de qualité comprend plusieurs étapes clés :

• La sélection des matériaux : bois de santal, bambou, soie, papier… les matériaux sont choisis pour leur qualité et leur beauté.
• La découpe et l’assemblage des lames : ces dernières, qui forment la structure de l’éventail, sont découpées et poncées à la main pour garantir leur finesse et leur solidité.
• La fixation de la feuille : Souvent décorée à la main, la feuille est fixée aux lames. C’est ici que l’éventail prend vie, chaque pli ajoutant à sa beauté et à sa fonctionnalité.
• Finitions et personnalisation : Les détails font toute la différence. Broderies, peintures, perles, pampilles et autres ornements sont ajoutés pour créer des pièces uniques et élégantes. Certains modèles sont présentés dans des écrins ou des pochettes de protection. On peut y ajouter une chaîne afin de le suspendre à son cou.

Bref, la fabrication d’un éventail ne s’improvise pas. Il convient donc d’investir dans un produit qualitatif façonné par un artisan spécialisé. On peut bien sûr se tourner vers un site de ecommerce spécialisé comme L’Eventail rouge ou Eventail-boutique.com. Mais il faut savoir qu’il existe encore de très grandes maisons expertes dans la création d’éventails depuis des décenies ; ces dernières perpétuent la tradition tout en innovant avec des designs modernes.

Citons quelques grands noms du secteur :

• Duvelleroy : Fondée en 1827 à Paris, cette maison est l’une des plus anciennes et des plus prestigieuses. Duvelleroy collabore avec des artistes contemporains pour créer des éventails uniques, de véritables pièces de collection, agrémentées de pampilles, présentées dans des boites comme des objets précieux.
• Casa de Diego : Installée à Madrid, cette entreprise familiale fabrique des éventails artisanaux depuis 1823, alliant savoir-faire traditionnel et modernité.
• Vera Pilo : cet atelier lyonnais créé en 2003 est spécialisé dans la fabrication d’éventails depuis les modèles les plus élégants jusqu’aux spécimen les plus extravagants. Formes, couleurs, motifs, difficile de ne pas y trouver son bonheur et des modèles d’une très grande qualité !
• Revolvair éventails : installé à Saint-Paul de Vence, cet atelier provençal propose une impressionnante gamme de modèles réalisés à la main, et qui vous séduiront tant au niveau des formes que des tissus, des motifs, des couleurs. Impossible de ne pas y trouver son bonheur, sachant qu’en plus, chaque saison révèle de nouvelles créations.
• Nani Makani : cette formule hawaïenne désigne « le beau vent ». Une jolie tournure pour désigner des éventails pliants au design ovale original, aux ornements variés et fantaisistes. La marque Nani Makani, dans un souci d’exigence et de qualité, fait fabriquer ses modèles en Allemagne.

Et puis il y a les artistes. Héritiers de Fragonard ou Manet, des créateurs contemporains se sont emparés de l’éventail comme support de leur imagination.

• Olivier Bernoux : ce designer a su s’imposer comme une véritable référence en matière d’éventails ; du reste il collabore avec les maisons de haute couture les plus célèbres, initiant des modèles raffinés et inédits pour des stars comme Rossy de Palma (sa Muse), Madonna .
• Valérie B Cartier : cette dessinatrice textile de talent, collagiste experte par ailleurs, crée des éventails rigides d’inspiration exotique qu’elle décline comme de véritables mosaïques. Elle y mêle motifs géométriques, calligraphies, photographies d’un autre âge, chromos et étoffes dans une conjugaison charmante où dialoguent les inspirations.
• Susana Salvo : cette peintre espagnole orne des éventails aux formes variées comme autant de fresques où le floral échange avec les figures sacrées, le visages des stars, la figure de proches. L’éventail devient ainsi un objet personnalisé au possible, souvenir d’un être aimé ou ex-voto sacré.
• Mathilde Lecrouerour : ses éventails mettent en valeur les tissus et les papiers de soie qu’elle teint elle-même dans des tonalités indigo du plus bel effet. Motifs végétaux ou animaux, ombres et jeux de lumière, l’éventail devient un support de son univers au même titre qu’une toile ou une photographie.

C’est un tour de piste pour le moins rapide et incomplet que nous vous avons proposé dans ces lignes. Il y aurait encore beaucoup à dire sur ce vaste sujet. mais vous avez ici des grandes lignes qui vous permettront de vous orienter vers l’éventail le plus adapté à vos besoins. Et qui sait, allez-vous vous prendre d’amour pour cet accessoire si charmant, et débuter une collection ?

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Quand un grand film accouche d’une série = catastrophe en vue ? Pas avec Guy Ritchie. Le réalisateur de Snatch, Sherlock Holmes et autres Arnaques, crimes et botanique, en déclinant l’univers cinématographique du très appréciable The Gentlemen selon la grammaire sérielle, s’offre une plongée particulièrement jubilatoire dans cet underground mafieux british qu’il affectionne tant. Cela nous vaut 8 épisodes d’un récit survolté où la vieille aristocratie anglaise revient aux fondamentaux de son ascension : des méthodes de truands.

Ducs 100 % british vs pègre londonienne

Le pitch ? Eddie Horniman est le digne rejeton d’une longue lignée de ducs 100 % british. Officier dans l’armée, il est rappelé séance tenante de sa mission de casque bleu quelque part vers la Turquie pour reprendre le flambeau d’un titre et d’une terre que Papa a su rentabiliser de manière subtile avant de casser sa pipe : en accueillant sur le domaine une des fermes de beuh cultivée par le très respecté, car redoutable clan Glass.

Seulement voilà : Papa étant décédé, c’est à Eddie, son puîné, qu’il confie l’héritage et les problèmes qui vont avec, notamment, la gestion de l’aîné Freddy, infernal rejeton qui cumule les emmerdes et les conneries. Une des multiples facettes du bordel dont Eddie va tenter de reprendre les rênes, avec une certaine maestria, mais aussi son lot de périlleux rebondissements. Il faut dire que les différents spécimens de la pègre londonienne qu’il vient à croiser ne sont guère des enfants de chœur, surtout quand, à la clé, il y a l’empire des Glass à conquérir.

Humour et flaques de sang

Question : qui gagnera ce juteux cocotier ? Vous le saurez en visionnant, probablement en mode bingewatching tellement la série est accrocheuse, les huit épisodes de The Gentlemen. épisodes aux titres prometteurs :

1. Raffinement et agressivité
2. Tackle Tommy woo woo
3. Ma beuh, où elle est ?
4. Un homme antipathique
5. J’ai des centaines de cousins
6. Toute éventualité
7. Non sans péril
8. L’Évangile selon Bobby Glass

Mélangeant avec délectation et une verve au top de sa forme les univers de The Gentlemen, Snatch et Rocknrolla, Ritchie s’offre le luxe d’une galerie de personnages détonants où ces dames s’affirment, à coup de machette au besoin. L’humour est au rendez-vous, les situations rocambolesques et les flaques de sang aussi. Un certain sens de l’intrigue et du sac de nœuds, de la trahison d’alliances foireuses où chacun cherche à égorger l’autre, le sourire aux lèvres et avec élégance, car après tout, nous parlons ici de gentlemen.

Downtown Abbey sous acide

Le tout évoque un Downtown Abbey sous acide, les romans de Thom Sharpe sous perfusion cocaïnée. Avec son ironie coutumière, son sens du tempo et de la bande son qui remue les tripes, Ritchie se fait clairement plaisir, profitant du format long offert par la série pour s’amuser à camper des personnages forts en gueule, des caractères retors, des ambitions plus que douteuses. Avec des moments de grâce bien évidemment : une danse du poulet qui mériterait d’être primée, une exploration de la Hitler mania assez surprenante, Vinnie Jones touchant en vieux garde chasse plein de sagesse, de malice…

Autour de l’acteur fétiche de Ritchie, Theo James, Kaya Scodelario, Daniel Ings, Joely Richardson, Ray Winstone, Giancarlo Esposito, Chanel Cresswell, Michael Vu, Freddie Fox, sans compter tous les auters, un casting au charisme en béton armé qui s’éclate visiblement à rebondir d’une situation merdique à une autre avec une aisance remarquable et un sens de l’autodérision savoureux. Petit plus : les belles bagnoles à la pelle et l’élégance vestimentaires de ces messieurs. En résumé et pour conclure, The Gentlemen version série se laisse regarder comme on savourerait un excellent whisky. Un plaisir à ne pas bouder.

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Le titre est un peu simpliste, je vous l’accorde, mais il exprime parfaitement mon ressenti post visionnage. Pour tout dire, la série The New Look diffusée par Apple TV+ s’impose comme une ode à l’inventeur de la femme fleur, Dior, grand enchanteur de la mode française post Occupation, résurrectionniste de la haute couture parisienne moribonde après quatre années de vampirisme nazi. Avec, en parallèle, un regard assez juste sur l’industrie du textile et ses déboires durant la Seconde Guerre mondiale.

Une consécration précédée de déboires

En dix épisodes taillés dans la masse, Todd A. Kessler (à qui l’on doit par ailleurs les sagas Bloodline et Damages) revient sur l’avènement du New Look de Dior, intronisé en 1947 par la papesse de la mode et très respectée/redoutée rédactrice en chef du Harper’s Bazaar Carmel Snow (Glenn Close). Une consécration précédée de bien des déboires. Car l’ascension de Christian Dior ( Ben Mendelsohn) prend racine dans les décombres d’un Paris sous domination nazie, où le tissu manque autant que les clientes, où pour survivre, il faut créer pour les épouses des dignitaires allemands, une sorte de collaboration stylistique qui ne plaît pas à tout le monde.

Dans ce climat de disette et de terreur, la sœur de Christian, Catherine (Maisie Williams), est arrêtée, torturée, déportée en camp de concentration pour faits de résistance. Christian fait des pieds et des mains afin de faire libérer cette sœur qu’il adore et qui lui servira de muse. Il ira jusqu’à supplier Coco Chanel (Juliette Binoche) dont les amours avec Spatz, un espion nazi (Claes Bang) sont notoires. Cette dernière lui refusera son soutien, préférant s’acoquiner avec l’ennemi pour récupérer la propriété du N°5, son célébrissime parfum, que ses associés juifs continuent d’exploiter sans son consentement, prétend-elle. Chanel, c’est le visage sombre de ces années.

Coller à la réalité de l’époque

Face à un Dior introverti et droit, l’initiatrice de la petite robe noire apparaît comme une femme sans empathie, manipulatrice, trompeuse, terrorisée à l’idée de tout perdre. Si, au fil de cette histoire, on coud bien peu, on se trahit beaucoup. L’époque est dangereuse, féroce, elle autorise tout. L’image de Mademoiselle Chanel, magnifiquement interprétée par Juliette Binoche, en sort très écornée. A raison, comme en témoignent ses biographies. Celle de Dior, au contraire, apparaît nimbée de fragilité et de tendresse, d’humanité. Et d’une vision totalement novatrice de la mode.

Vision novatrice encouragée par le couturier Lucien Lelong (John Malkovich), en charge de la chambre syndicale de la couture parisienne, et qu’on voit tenter de préserver ce qui reste du secteur face à l’avidité des occupants. Tout ceci est vrai, il suffit de parcourir le livre La mode sous l’Occupation de Dominique Veillon pour voir à quel point la série recroise la réalité de l’époque. Balmain, Cardin, Balenciaga… chaque incursion donne à voir le quotidien des ateliers dans ces temps troublés, faisant par ailleurs ressortir la singularité d’un Dior pétri de doutes, mais cherchant à s’affirmer.

Marketing élégant vs vertige d’émotion

Avec l’aide de la maison de haute couture, bien sûr, qui a ouvert ses archives aux costumiers de la série, collaborant ardemment à l’élaboration des tenues présentées. Avec à la clé une exposition dédiée proposée par la galerie Dior pour découvrir les merveilles de ce fameux New Look qui ne se résume pas seulement au tailleur Bar (un épisode relate sa gestation, soulignant ainsi une réflexion quasi philosophique sur le combat entre la lumière et les ténèbres, le Bien et le Mal). Une récupération un peu plus élégante et raffinée que le marketing sans nuances d’Emily in Paris ?

Il est évident que la griffe de luxe tire avantage de pareille saga, imposant son caractère historique, son appartenance au patrimoine français. Mais avec l’abattage qu’on lui connaît, Todd A. Kessler évite ce piège en une scène : la séquence sidérante du retour des déportés. Un moment absolument poignant, un véritable coup de poing cinématographique, un vertige d’émotion et d’horreur, la prise de conscience soudaine et irréversible des atrocités commises dont de rares rescapés témoignent, fantômes silencieux et hagards, à peine capables de tenir debout, face à la foule des proches venus les accueillir au son de la Marseillaise.

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Je ne vous ferai pas l’insulte de vous présenter les petits personnages Playmobil dans la mesure où pratiquement tous, enfants, nous avons eu la joie de jouer avec. Noël, anniversaires, c’était le cadeau idéal et plébiscité. Un véritable phénomène de mode devenu iconique au point d’envahir les salles de vente et les expositions. Et de devenir une source d’inspiration pour certains créateurs, par exemple Mademoiselle Louise et les enfants terribles.

Le Playmobil en majesté

Artiste revendiquée, Mademoiselle Louise a commencé comme tout le monde par laisser sa fibre créative s’exprimer dans la sphère familiale. Au centre de son univers, le Playmobil en majesté qu’elle met en scène dans des tableaux inspirés par la pop culture, d’où une galerie particulièrement fournie et bigarrée de scénographies charmantes où Chanel dialogue avec Karl Lagerfeld, Elisabeth II fait de l’oeil aux Daft Punk, Coluche s’amuse avec le petit Prince.

Pour tous les goûts

Stars du cinéma, du rock, du sport ou de la haute couture, personnages de la littérature et de la BD, films célèbres, superhéros, personnages historiques, il y en a pour tous les goûts, toutes les tendances, toutes les fantaisies (on trouve même des licornes qui se glissent dans certaines compositions acidulées). Et toujours en mode Playmobil, jouets chinés avec rigueur, patience et un amour inconditionnel de l’objet dans ce qu’il représente de souvenirs, d’émotions, de nostalgie.

Des compositions sur mesure

« Pour ne rien oublier du bonheur » : le crédo de Mademoiselle Louise est limpide. Si ses saynètes peuvent égayer la chambre des tout petits, elles peuvent aussi réveiller cet enfant terrible qui sommeille en chacun de nous. C’est d’ailleurs dans cet esprit qu’elle propose de créer des compositions sur mesure, selon un process détaillé sur son site. De quoi faire frémir de joie les passionnés et les collectionneurs mais aussi ceux qui veulent retrouver un peu de fantaisie et de légèreté.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur l’univers et les créations de Mademoiselle Louise et les enfants terribles, consultez le site web de l’artiste ainsi que sa page Instagram.

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Direction Turin Italie pour découvrir les bijoux multicolores made in ARKYfly. Des bijoux qui devraient enchanter les passionnés toutes tendances confondues.

L’acrylique comme expertise

Cinéma, animaux, stars de la pop et du rock, fruits, légumes et fleurs, accessoires de mode, grands couturiers, artistes, littérature, décoration… on va être clair : Flavia ne manque guère ni de références ni d’inspiration. Cette architecte turinoise de formation s’est progressivement convertie à la création d’ornements. Aujourd’hui, c’est devenu son terrain de créativité : enfermée dans son atelier, elle s’adonne au travail de l’acrylique, qu’elle taille au laser avec l’expertise et la rigueur d’un artisan joaillier.

Les piliers de la pop culture

Fruits à profusion, fleurs tous azimuts, accessoires du quotidien, maneki neko, elle ne manque guère d’inventivité pour façonner des ensembles qui accrochent le regard et l’imagination. Elle ne se contente d’ailleurs pas de ces motifs classiques. Pendentifs, bracelets, broches, Flavia décline sous toutes les formes les piliers de la pop culture, les héros de Disney, Grease, Pulp Fiction, Retour vers le futur, Wenesday, Harry Potter, Rocky Picture Show, Ring… les personnages de ces films iconiques viendront ainsi danser à votre cou ou au bout de vos oreilles.

Une mine d’or inspirationnelle

Idem pour les célébrités incontournables que sont Agatha Christie et Hercule Poirot, Iris Apfel, Vivienne Westwood, Chanel,Yayoi Kusama, Karl Lagerfeld, Chanel, la reine Elisabeth II, Madonna, David Bowie, Twiggie, Fred astaire et Ginger Rogers… Cet impressionnant florilège s’anime au bout de chaîne et de fermoirs, rutilants, colorés et lumineux. Des bijoux en mouvement, très marqués par le style des 80’s, qui jouent la dissymétrie, sont follement amusants. Une vraie mine d’or pour trouver LE cadeau parfait destiner à combler les passionné.es de comédie musicale, dinosaures, glace en cornet, freddy mercury, chat noir, sapin de Noël et j’en passe. De quoi faire exploser le budget des fashionistas adeptes de bijoux fantaisie et d’ornements uniques.

Et plus si affinités

pour en savoir plus sur l’univers et les créations d’ARKYfly, consultez le compte Instagram de la marque ainsi que son site web.

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Quid des palaces durant la période de l’Occupation ? À Paris, tous les grands hôtels furent investis par les nazis qui s’y installèrent sans vergogne. Situé place Vendôme, le Ritz fut aussi concerné, devenant ainsi le miroir désenchanté de ces années sombres. C’est ce que dévoilent Tilar Mazzeo dans le livre 15, place Vendôme – Le Ritz sous l’Occupation.

Le Ritz occupé

Revenant un temps sur l’histoire du célèbre palace, l’autrice va ensuite se concentrer sur la vie du Ritz de 1940 à 1945. Véritable point de chute de l’intelligentsia mondiale, le Ritz continue de vibrer durant ces cinq années, accueillant aussi bien Goering que Chanel dans les suites de luxe, tandis que dans les couloirs, les actions de résistance se mettent en place. Partout des espions, des relations sulfureuses, des actes héroïques, des arrestations… Ainsi ce très grand hôtel, symbole de l’art de vivre à la française, va vivre certains des moments clés de la Seconde Guerre Mondiale.

Anecdotes et image de marque

Tilar Mazzeo multiplie les anecdotes, revenant par exemple sur l’obsession d’Hemingway, qui, accompagnant les troupes américaines, se montre déterminé à arriver le premier au Ritz pour en libérer le bar. Une histoire parmi tant d’autres dont les fils tortueux se nouent dans les sous-sols et les étages de cette vénérable institution. On découvre par ailleurs les problématiques de ravitaillement : comment conserver son rang et son image de marque quand on manque de tout et que les clients, pratiquement tous officiers allemands, refusent de payer leur note ?

À lire également :

• La vie mondaine sous le nazisme : analyse d’une hypocrisie de caste
• Transatlantique : the great artistic escape !

En 280 pages trépidantes, on plonge dans les arcanes du Ritz, respirant au passage l’atmosphère d’angoisse et de complots qui y régnait, comme un écho de l’ambiance du Paris occupé.

Et plus si affinités

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Mercredi 3 mai 2023 : depuis ce lundi 1er mai, les réseaux sociaux sont inondés de clichés, de vidéos illustrant la nouvelle édition du MET Gala. Cela tourne en boucle, avec des taux incroyables d’ouverture, de relais, de commentaires. Ce n’est pas un hasard. Au fil des ans, le MET Ball s’est imposé comme une date clé du calendrier people à l’international, à l’égal de la Nuit des Oscars ou de la montée des marches au festival de Cannes. Mais encore ? Qui y a-t-il derrière cette soirée ? En quoi constitue-t-elle une référence en matière de communication ?

Qu’est-ce que le MET Gala ?

Surnommé « the party of the year », le MET gala ou MET ball, désigne le gala de charité annuel organisé chaque premier lundi du mois de mai pour inaugurer la nouvelle exposition du Anna Wintour Costume Institute. On ne peut en effet évoquer cet événement phare du calendrier fashion sans faire la focale sur l’institution qui l’héberge. Créé en 1937 à l’initiative de Irene Lewisohn, le Costume Institute abrite plus de 35 000 vêtements et accessoires témoignant de l’évolution de la mode depuis le Moyen-Age à aujourd’hui. Il a d’abord fusionné avec le Metropolitan Museum of Art de New-York avant d’intégrer les collections du Brooklyn Museum.

Initialement conçu comme un banquet, le MET Gala, baptisé à l’origine « Costume Institue gala », a progressivement pris la tournure d’une grande soirée à thème avec dress code obligatoire en lien avec le sujet de chaque nouvelle exposition. Des expositions aux thématiques particulièrement inspirantes et dont Wikipedia garde la trace ainsi que les magazines de mode, avides de saisir les total looks exhibés par les invités. On se souvient tout particulièrement de Heavenly Bodies : Fashion & Catholic imagination en 2018, Camp : notes on Fashion en 2019, Gilded glamour, white tie en 2022.

Pour l’édition 2023, c’est Karl Lagerfeld qui est à l’honneur avec Karl Lagerfeld : A Line of Beauty. Ce qui nous vaut un dress code baptisé  “En l’honneur de Karl”, avec à la clé des pièces iconiques de Chanel dessinées par le maître, du blanc et du noir à profusion, des catogans, des lunettes de soleil, des éventails et des chats Choupette. Quelque 600 invités se sont succédé sur le tapis rouge déroulé à l’entrée du musée, converti en salle de réception, pour gravir les marches du bâtiment sous les flashes des photographes et les cris enthousiastes des fans. Objectif : rivaliser d’inventivité, d’imagination et d’audace pour illustrer la thématique de l’année.

MET Gala : des objectifs multiples

Mais encore ? Les objectifs du MET Gala sont multiples :

• Il s’agit bien sûr de faire la promotion de chaque exposition de manière spectaculaire avec à la clé un véritable catwalk illuminé de tenues complètement folles, qu’il s’agisse de tenues historiques (Kim Kardashian arborant la célèbre robe de Marilyn Monroe, portée lors de l’anniversaire de JFK) ou de panoplies complètes créées spécifiquement pour la soirée par les grands couturiers.

• L’événement a aussi une fonction caritative cruciale. Il s’agit de rassembler des fonds pour faire vivre l’institut (achat de nouvelles pièces, restauration des collections existantes, entretien des lieux, salaire des équipes…). Comment ? En imposant un ticket d’entrée considérable. Prix du billet individuel : 25 000 dollars en moyenne, 35 000 en 2022, 50 000 en 2023 ! La location d’une tablée coûte entre 200 et 300 000 dollars. Des chiffres faramineux… et des levées de fonds records : 12 millions de dollars en 2014, 17 millions en 2022. Soit on paie sa place, soit on est invité par un grand couturier qui a retenu une table et pour qui on sert de mannequin, mettant sa notoriété au service et de la maison représentée et de l’institut.
• La visibilité médiatique est tellement important que cette soirée sert de chambre d’écho aux stylistes présents, ainsi qu’aux vedettes invitées… et aux marques dont elles sont les ambassadrices.
  • Avec environ 32 529 674 consultations mensuelles du mot clé rien qu’en France et 835 k followers pour le compte Instagram de l’événement, on a une petite idée de la résonance opérée au niveau des réseaux sociaux. La visibilité est énorme., la viralité incroyable.
  • C’est un marronnier diffusé par les organes de presse spécialisés et mainstream, avec force détails et commentaires.
  • A l’heure où j’écris ces lignes, les vidéos, les photos sont relayées partout via les comptes d’influenceurs mode, qui commentent chaque costume ; les stars invitées ont filmé leur préparation, les selfies ont fusé un peu partout, les memes se déchaînent. Le hashtag #metgala affiche 1 975 643 publications, #metgala2023, 111 341.

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La chasse gardée de Vogue

Le MET Gala constitue donc un levier marketing puissant, une mise en lumière soigneusement orchestrée et dont la logique social media s’enclenche le plus naturellement du monde. Ce n’est pas une nouveauté. L’événement a clairement été créé dans cette perspective. La première édition du «Costume Institute Gala» est organisé en 1948 par l’attachée de presse Eleanor Lambert, par ailleurs initiatrice de la première Fashion Week et fondatrice du Conseil des créateurs de mode américains. Dans un contexte d’après-guerre assez terne, alors que la mode européenne et haute-couture française ont été anéanties par l’occupation nazie et la Seconde Guerre Mondiale, c’est une occasion de relancer le secteur tout en ouvrant une porte pour les créateurs américains.

Dans les années 70, sous l’impulsion de Diana Vreeland, rédactrice en chef de Vogue bombardée directrice de l’institut, le dîner, jusqu’alors organisé dans de très grands palaces comme le Waldorf-Astoria ou au cœur de Central Park, privatisé pour l’occasion, intègre le musée même. Vreeland va oeuvrer pour en faire un événement people incontournable, un « the place to be » ultra-médiatique englobant aussi bien les stylistes et les acteurs, que les politiques, les sportifs, les artistes… c’est elle qui introduit l’idée des thématiques et du dress code, qui en fait un incontournable, qui pose l’idée phare : quand on est célèbre, on se doit d’aller au MET gala.

Aujourd’hui, le Met Ball est présidé très régulièrement par une certaine Anna Wintour, la redoutable et très respectée rédactrice en chef de ce même Vogue. Eh oui, encore lui ! Omniprésent dans l’organisation, le magazine couvre l’événement sous toutes ses coutures. Il suffit de consulter les différents comptes Vogue sur Instagram pour mesurer la main mise du vaisseau amiral de Condé Nast. Depuis sa naissance, Vogue a toujours eu pour vocation de régner sur l’industrie de la mode. C’est chose faite avec la gestion en continu ou presque du MET Gala, devenu une chasse-gardée. À la suite de Vreeland, Anna Wintour, dont le nom complète désormais le titre du célèbre institut devenu le Anna Wintour Costume Center, obtient des résultats assez impressionnants en présidant l’événement, puisqu’elle a rassemblé 145 millions de dollars depuis sa nomination.

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La recette d’un MET Gala réussi

La recette d’un MET gala réussi ? On l’a identifiée au fil de cet article :

• une flopée de superstars ;
• des costumes ouffissimes (souvenir des tenues les plus folles) ;
• des arrivées fracassantes dans la grande tradition des premières hollywoodiennes ;
• un relais frénétique sur les réseaux sociaux, l’occasion de découvrir les relations intimes des vedettes tandis qu’elles se saluent, s’embrassent et se congratulent en sortant des limousines ;
• et puis il y a l’organisation en elle-même.

Précise, rigoureuse, réglée comme une horloge suisse, conçue comme une mécanique haut de gamme, elle s’avère relativement simple : montée des marches, visite de l’exposition, cocktail, dîner de gala agrémenté de plusieurs interventions des artistes invités et différentes after. Pour s’en faire une idée, on peut visionner le film Ocean’s Eight de Gary Ross qui évoque les différents temps d’un vol de bijou pendant le MET Gala. Anna Wintour y apparaît d’ailleurs en caméo, ainsi que plusieurs habitués de cette soirée, on comprend par ailleurs les impératifs logistiques liés à la préparation et au déroulement de l’événement.

Le petit plus pour parfaire ce plat ?

• Le culte du secret imposé par Wintour. On ne sait pas grand-chose de ce qui se passe durant la soirée, les selfies sont interdits, idem pour les cigarettes. C’est une règle tacite, que d’aucuns s’empressent d’enfreindre (ainsi Kylie Jenner postant une photo d’elle dans les toilettes de l’Institut sur ses réseaux réseaux sociaux en 2017) ; en résumé, il s’agit de révéler par petites touches les entrailles de l’event sans l’afficher clairement.
• Une liste d’invités triée sur le volet (et dont on attend la publication avec toujours beaucoup d’impatience, parmi les influenceurs comme dans la presse people). Tout le monde n’entre pas, Anna Wintour y veille jalousement. Recevoir un carton d’invitation constitue donc une véritable reconnaissance sociale, un pas franchi dans la hiérarchie de la jet society, une intronisation.
  • Être convié pour la première fois au MET Gala est un honneur, que les chanceux affichent avec joie. Cette année par exemple, Marion Cotillard et Gwendoline Christie ont été adoubées.
  • A l’inverse, ne pouvoir être présent est source de regrets : l’épouse de Bryan Reynolds, Blake Lively, consacrée reine du MET gala depuis plusieurs années, a été obligée d’annuler sa venue pour cause d’accouchement ; mais elle n’a pu s’empêcher de faire un petit selfie sur Intagram, avec tireuse de lait et un petit commentaire en mode clin d’oeil « Premier lundi de mai ». Preuve que la date de l’événement est inscrite dans l’inconscient collectif.
  • Et puis il y a ceux qu’on écarte. Ainsi la non invitation de Harry et Meghan a fait couler beaucoup d’encre et attiser les rumeurs. Les convier aurait pu mettre le MET gala à mal avec la monarchie britannique, il a donc fallu ruser pour éviter le clash diplomatique.
• Une touche de scandale. Pas de MET Gala réussi sans une revendication. Ainsi en 2021, la politicienne démocrate Alexandria Ocasio-Cortez est arrivée revêtue d’une robe blanche barrée d’un « Tax the rich » résolument provocateur au milieu de tous ces personnages richissimes. Cette année, c’est la figure de Karl Lagerfeld qui fait polémique, certaines personnes invitées lui reprochant sa grossophobie, son regard critique sur le mouvement #metoo.

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Temps fort du calendrier fashion, référence en matière de communication et d’événementiel, espace d’expression et de revendication (il y aurait tant à dire sur la mode masculine telle qu’elle s’affirme en cette occasion), le MET Gala s’est hissé au stade de passage initiatique, de rituel incontournable. La pandémie n’aura pas eu raison de lui ; alors que nombre d’autres manifestations n’ont pas survécu au COVID, « The party of the year » ne cesse de fasciner les foules. Savamment trusté par un média phare du secteur, conçu comme un moment unique et sélect, cette soirée emblématique propose, nous l’avons vu, une stratégie de communication bien rôdée, en s’inscrivant à la fois dans une logique de préservation du patrimoine de la mode et une volonté d’alimenter l’avenir de ce marché du luxe tout en se positionnant comme un divertissement destiné aux « happy few » de la jet set. Un modèle du genre.

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