Ouais, je sais, c’est très con comme titre, mais franchement, c’est ce qui m’est venu à l’esprit en bouclant le binge watching des trois saisons de The White Lotus. Et quel binge watching, mes aïeuls  ! Je l’ai dévorée, cette série, les trois saisons en enfilade. L’anti Camping, rien à voir avec Les Flots bleus chers à Onteniente, où on s’aime, on s’engueule, on se réconcilie autour d’un apéro et de bonnes valeurs de partage et d’égalité devant l’adversité. Non, avec The White Lotus, on plonge direct dans une piscine de venin. Un venin doux, perfide, mais d’une redoutable efficacité. La série ne porte pas ce nom par hasard. Un personnage de la première saison fait justement allusion aux Lotophages, ce peuple cité dans l’Odyssée et qui sombre dans l’oubli à force d’ingérer une boisson à base de lotus. Le showrunner Mike White ne faisant jamais rien pour rien, la référence est loin d’être un accident, elle offre même une grille de lecture mordante de cette comédie humaine 5.0. Mordante jusqu’à l’absurdité la plus totale.

Cadre paradisiaque et satire sociale

On connaît l’origine covidienne de la série. En pleine pandémie, HBO sollicite Mike White pour créer une série à tourner dans un lieu confiné. Quoi de mieux qu’un hôtel, où de par le monde s’entassent alors des centaines de touristes mis en quarantaine ? Inspiré par la cocasserie de la chose, White prend sa plus belle plume (la plus acérée du reste) pour accoucher de la première saison de The White Lotus. The White Lotus : un palace de très très grand luxe, à Maui, où débarquent plusieurs clients issus de la jet set américaine. Richissimes, insupportables, paumés. Des gosses mal élevés et capricieux.

Un couple de jeunes mariés qui sont loin d’être en osmose pour leur lune de miel, une famille en pleine déliquescence, une célibataire quinquagénaire, bardée de millions et dépressive. Tout ce petit monde compte bien savourer une semaine de repos dans un cadre paradisiaque. Mais White va faire en sorte que cela tourne au cauchemar, avec en perspective une satire sociale féroce qui décortique les dynamiques de pouvoir et les tensions sociales de ces clients fortunés avec un personnel hôtelier pour le moins exploité.​

Success stories à vomir

Le cadre est posé, le schéma se décline sur les trois saisons avec une régularité de métronome et le plein de péripéties et de frissons. Pas de surprise sur l’issue du séjour ; à chaque fois, on débute par la résultante du désastre : cercueil, cadavres, fusillade. D’emblée, White annonce la couleur, funèbre. Reste à savoir comment le paradis se transforme en enfer. C’est l’objet des épisodes que d’opérer un méticuleux flashback, tissant ainsi la chronique pour le moins corrosive d’un cataclysme annoncé.

Shakespearien n’est-ce pas ? Surtout très balzacien. Ce curieux mélange, cru et sans complexe, est saupoudré de sexe, de stress, d’anxiolytiques, de cocktails et de fruits (observez les assiettes, ces carnassiers sociaux se gavent de fruits à longueur de repas, dans la plus totale ignorance de la gastronomie propre aux restaurants de ces palaces étoilés). Beaucoup de promesses, beaucoup de mensonges, de l’égoïsme à la pelle, pour un portrait sans concession de millionnaires incarnant des success stories modernes à vomir. Et cela monte en puissance sur les saisons 2 et 3, qui ont lieu en Sicile puis en Thaïlande.

Une jungle cernée par la mer

Il n’y en a pas un pour rattraper l’autre. Les personnages façonnés par White sont imbuvables, pitoyables, trop vaches, trop naïfs et vides, incroyablement vides. Antipathiques au possible pour certains, empathiques jusqu’à la nausée pour d’autres. C’est à celui qui bouffera l’autre, dans cette atmosphère faussement cossue où les coups bas se font en douce et dans le dos. Ignoble et difficile à avaler, poignant parfois, désolant toujours. Une jungle cernée par la mer, symbole du cycle inexorable de la vie et de la mort, de la nature toute-puissante.

Certains s’en sortiront, d’autres pas. Chacun.e repart de son séjour avec quelque chose en plus ou en moins, c’est selon. L’amour, le deuil, la liberté, la misère, la richesse, la sagesse, la folie, le détachement, l’inquiétude… En tout cas, les valeurs de base en ressortent ébranlées, fissurées, dynamitées. Séjourner dans un palace White Lotus, c’est à coup sûr se soumettre à une initiation qui ne dit pas son nom, mais qui sera cinglante et laissera des traces.

Profils à couteaux tirés

Et les stars d’abonder dans ce décor de rêve pour prêter leur visage à ces profils à couteaux tirés : impossible de tous les citer, les castings de chaque saison sont monumentaux. On gardera en tête Jennifer Coolidge, odieuse et touchante, Aimee Lou Wood et Walton Coggins, couple improbable et fusionnel, Jason Isaacs bourré de tranquillisants, Sam Rockwell parti en free style dans un couloir d’hôtel, Murray Bartlett en petite tenue et coquine compagnie dans son bureau, Natasha Rothwell corsetée dans ses principes…

Toutes et tous apportent leur personal touch à cette fresque déjantée, parfaite expression de l’ironie de la vie. Un équilibre délicat, une construction improbable, mais solide, où les plans de toute beauté dialoguent avec les séquences les plus scabreuses en parfaite harmonie. Comme si le retour à un paradis sublimé déchaînait la bête qui sommeille en chacun.e de nous. Tel un avertissement, le générique prend aux tripes, ponctué par une musique qui vous bouffe les méninges. Cristóbal Tapia de Veer signe là une compo unique en son genre, qui s’enroule autour de vous comme un boa constrictor et ne va pas vous lâcher les synapses de si tôt.

Incroyable contradiction

Tout comme le souvenir de ces histoires aussi sordides que magnifiques, ces instants d’héroïsme ou de lâcheté, ces éclairs de bonté, ces secondes d’orgueil. Hautement philosophique… et trompeur. Tout le monde ne percevra pas la saveur piquante de ces contes morbides. Incroyable contradiction qui reflète l’aveuglement ambiant à l’ère de l’instagrammable way of life : critique acerbe du tourisme de luxe et des privilèges des élites, The White Lotus s’est paradoxalement imposée comme une vitrine de choix pour les marques de luxe, suscitant ainsi le débat sur la cohérence entre son message et sa présentation.​

Comme l’explique le site Dans ta pub, les hôtels accueillant chaque saison ont fait le plein suite à la diffusion des épisodes, ainsi le San Domenico Palace à Taormine qui affiche désormais complet pour de longs mois. La robe Dolce & Gabbana portée par Jennifer Coolidge dans la saison 2 a vu ses recherches en ligne augmenter de 150 % après la diffusion de l’épisode correspondant. De même, des marques comme Gucci et Jacquemus ont bénéficié d’une exposition significative grâce aux tenues arborées par les acteurs.

Foutage de gueule ? Cynisme assumé ?

Bref, le placement produit dans The White Lotus a le vent en poupe, relayé avec fracas dans les magazines comme Vogue. Et que dire des produits dérivés ! Les collaborations commerciales se succèdent : ainsi, Bloomingdale’s a lancé une collection capsule de 34 pièces en partenariat avec la série, comprenant des vêtements et accessoires inspirés de son esthétique.​ On imagine les profits réalisés par les producteurs qui ont monnayé ces placements produits, ces partenariats trop nombreux pour être ici répertoriés sans tomber dans l’inventaire à la Prévert.

Pourtant, cette mise en avant du luxe a de quoi interroger, non ? Le message de la série, qui dénonce clairement les excès liés à la richesse, ce déversement de luxe presque grotesque, contredisent cette politique publicitaire intense. D’un côté, critiquer avec virulence le consumérisme et les privilèges, de l’autre, les promouvoir de la façon la plus dynamique qui soit. Contradiction ? Foutage de gueule ? Cynisme assumé ? Selon certains analystes, cette dualité refléterait le caractère paradoxal de la société contemporaine piégée entre adulation et critique du monde du luxe, dixit le Los Angeles Times.​ A moins que White, malicieux, joue la carte de l’absurde à la Ionesco, histoire de piéger même son public.

Étonnant, pour ne pas dire inquiétant. Car, à moins d’être complètement décérébré, on ressort des trois saisons de The White Lotus avec un goût particulièrement ignoble en bouche, le sentiment d’être face à une fin de règne, l’écroulement d’un monde. Et on n’a pas envie d’en faire partie, de participer à ce jeu de massacre sur fond de luxe tapageur et rance. Surtout, surtout pas.

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Il y a des gens faits pour se rencontrer et d’autres non : en parcourant Carolyn et John, on se demande à chaque page dans quelle catégorie classer Carolyn Bessette et John F. Kennedy Jr. Origines familiales, coup de foudre, mariage, Stéphanie des Horts dissèque cette tragédie moderne avec une plume prenante, évoluant entre le style de Vogue et celui de Brontë. En toile de fond, la malédiction des Kennedy et l’Amérique de Reagan.

Au top du top de la jet set américaine

D’un côté, le fils de JFK, de l’autre une gamine ambitieuse issue de la middle class. D’un côté, un playboy richissime, éduqué dans la mémoire d’un père martyre, porteur des ambitions politiques de son clan, couvé par une mère possessive et traumatisée ; de l’autre une beauté aussi froide que blonde, consciente de son aura et de son charme, bien décidée à grimper les échelons depuis les salons de Calvin Klein où elle officie jusqu’au top du top de la jet set américaine.

Lorsque le séducteur croise le chemin de la dévoreuse d’hommes, c’est le coup de foudre… à sens unique. Il faudra un certain temps pour que Carolyn s’investisse dans une relation qu’elle veut faire durer par opportunisme. Or n’épouse par JFK Junior qui veut et qui peut. Nombreuses furent les candidates délaissées assez rapidement : le jeune homme s’ennuie vite, et ces demoiselles ne sont jamais assez bien pour une Jackie Onassis obsédée par le rang à tenir au sein du gotha new-yorkais.

Un personal branding démentiel

Carolyn aura bien du mal à s’imposer, à perdurer, sombrant dans la dépression et les conduites addictives tandis que son bel époux enchaîne les business désastreux. Jusqu’au soir du 16 juillet 1999 où tous deux montent dans un petit avion qui sera leur cercueil. La malédiction des Kennedy va de nouveau frapper, malgré toutes les tentatives pour déjouer ce sort funeste. Ou à cause d’elles ? Dès les premières lignes, Stéphanie des Horts entretient le doute, soulignant combien l’éducation de ce gamin en fit un enfant gâté, têtu, orgueilleux.

Autant d’éléments qui pesèrent dans la balance des Parques, conduisant à l’instant fatal. La colère des dieux est un prétexte, un élément de narration pour faire pleurer les foules. Dans ce livre ô combien fascinant, on voit une autre facette transparaître : celle d’égos disproportionnés, façonnés dès le berceau comme une marque de fabrique, un personal branding démentiel qui ne peut déboucher que sur des catastrophes. En d’autres termes, JFK Jr a forgé sa chute, entraînant avec lui une épouse malheureuse et détruite par le poids d’une célébrité que cette névrosée ne sut pas gérer.

Une intrigue à la Bret Easton Ellis

Comme je le disais en introduction, l’Amérique de Reagan sert de toile de fond à cette légende moderne qui a tout d’une intrigue à la Bret Easton Ellis. Les deux amants seraient à leur aise dans les pages de Glamorama. Trop beaux, trop riches, trop suffisants de vanité, trop avides de reconnaissance et de succès… trop de comptes à régler avec la fatalité peut-être. Un Icare, une Électre, forcément le mélange est explosif.

Dans cet univers dont les excès évoquent Le Loup de Wall Street, c’est le portrait des 90’s version USA qui s’impose, entre respect presque ridicule des traditions et quête effrénée de modernité et de réussite. Seulement voilà : toutes les success stories ne sont pas bonnes à prendre, et le rêve américain possède une face cachée, sombre, dévoratrice. C’est cette face cachée que Stéphanie des Horts explore avec un certain cynisme, un regard à la fois critique et fasciné.

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Capturer le souvenir de la vie dans le visage de la mort : Dead Still, série télévisée irlando-canadienne créée en 2020 par John Morton, aborde la pratique étrange et méconnue de la photographie post-mortem. Toute l’intrigue repose sur un photographe spécialisé dans ce rituel victorien en diable ; entre macabre, mystère, humour noir et enquête policière, nous découvrons son quotidien, un univers déconcertant où la mort est mise en scène avec une minutie d’esthète.

Enquête criminelle et photographie funéraire

Dead Still se déroule dans les années 1880, à Dublin ; la photographie post-mortem y est en vogue, surtout au sein de la classe bourgeoise. Brock Blennerhasset (interprété avec beaucoup de finesse par Michael Smiley) est un photographe reconnu dans ce domaine morbide. Son talent : effacer les signes de la mort qui stigmatisent les cadavres qu’il photographie, afin d’offrir à leurs proches une dernière image tangible.

Pour le moins insolite, sa routine professionnelle va prendre une tournure beaucoup plus sombre quand débute une série de meurtres qui imitent son style, ses mises en scène. Aux côtés de sa nièce Nancy Vickers (Eileen O’Higgins) et de Conall Molloy (Kerr Logan), son assistant dévoué, Blennerhasset va devoir enquêter, traquer ce mystérieux copieur. Chacun des six épisodes de la première et unique saison évolue ainsi entre intrigue policière prenante et comédie noire délicieusement grinçante.

Réussite sociale et pratique artistique

L’un des éléments les plus fascinants de Dead Still réside dans sa capacité à dépeindre avec justesse la mentalité très particulière de l’ère victorienne, entre respect des traditions, attitudes puritaines, pratiques tabous et modernité technologique en marche. La photographie post-mortem synthétise ces facettes contradictoires. Face à la mortalité élevée, notamment chez les enfants, les familles d’alors veulent immortaliser leurs chers défunts dans des poses qui donnent l’illusion de la vie.

Ces clichés permettent de surmonter le deuil, préservent la mémoire des disparus… et marquent une forme d’aisance sociale ; tout le monde n’y a pas accès financièrement. C’est donc affirmer son succès et sa modernité que d’y avoir recours. De quoi flatter les egos dissimulés derrière le chagrin, réel ou factice. Tout cela, Blennerhasset le sait et en joue, déférent, recueilli, diplomate, ferme cependant. Et désireux d’être reconnu et respecté pour ce qu’il est : un artiste.

Beauté funèbre et humour noir

Un artiste de l’étrange et du macabre, certes, mais un artiste tout de même. Un maître même, doté d’une patte, d’une griffe. Blennerhasset prépare les corps avec une attention quasi religieuse, jouant sur les détails, la lumière, la scénographie. Orchestrateur d’un rituel délicat, il s’impose comme un démiurge, un magicien qui réveille les morts le temps d’une séance de pause. Le contraste entre la beauté solennelle des portraits qu’il réalise et l’horreur des meurtres qui s’accumulent n’en est que plus frappant, renforçant l’atmosphère sombre et oppressante d’un récit aux accents gothiques.

Un drame gothique donc, en apparence du moins, car l’humour noir y triomphe. Si l’atmosphère victorienne est parfaitement rendue à travers les décors et les costumes, la série ne sombre jamais dans un excès de gravité, au contraire. Les dialogues ciselés, les situations cocasses à la limite de l’absurde viennent alléger une ambiance faussement funèbre. Michael Smiley, Blennerhasset secret et pudique, incarne à merveille cet équilibre fragile entre cynisme et mélancolie.

Ton décalé et modernité cannibale

Son personnage, à la fois distant et profondément humain, donne vie à une intrigue qui aurait pu, sous une plume, sombrer dans le cliché, le grotesque. Les scènes de deuil poignantes alternent avec des passages surprenants et drôles à la limite de l’absurde parfois. La série n’hésite pas à jouer avec les tabous entourant la mort, tout en respectant la douleur des personnages qui, eux, la vivent de plein fouet. Ce ton décalé renforce l’aspect surréaliste d’une investigation qui évoque aussi bien l’atmosphère de Sherlock Holmes que celle de L’Aliéniste.

Au-delà de l’enquête policière, Dead Still interroge profondément le passage du temps, la fin d’une époque, la naissance d’une autre. Si la photographie post-mortem est une tentative désespérée de figer l’instant, elle est en passe de disparaître. Comme sa nièce, suffragette en devenir et avide d’émancipation, le lui assènera crûment, Blennerhasset représente un monde en voie de disparition. Un artisan de la mémoire qui observe une société doucement s’effondrer sur elle-même pour accoucher d’une modernité cannibale, sans pitié.

On l’aura compris, Dead Still n’est pas une simple série policière victorienne. Ce récit brille par son originalité, son ton décalé et son univers singulier, où la photographie post-mortem devient le prisme à travers lequel nous observons la vie, la mort et tout ce qu’il y a entre les deux. Les performances des acteurs, la richesse visuelle et la subtilité de l’écriture en font une œuvre qui, tout en explorant des thématiques sombres, ne perd jamais de vue l’humain derrière le macabre.

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Sur The ARTchemists, nous évoquons régulièrement les jeunes artistes et talents émergents. Pour vous les faire découvrir, mais pas seulement. L’idée est de réconcilier notre lectorat avec l’art contemporain et ses différentes expressions, mais aussi, pourquoi pas, de susciter des vocations de collectionneurs passionnés et avisés. Car collectionner des œuvres d’art, c’est aussi investir. Ce qui implique, il faut bien le reconnaître, une certaine gymnastique intellectuelle, de la pratique, le respect de certaines procédures. Avec à la clé une problématique : comment déterminer la cote d’un artiste ? Cela ne s’improvise. Pour y parvenir, il faut suivre plusieurs étapes.

Examiner l’œuvre d’art

Tous les professionnels du marché de l’art s’accordent sur ce point. Première étape pour déterminer la cote d’un artiste, il faut évaluer l’œuvre qu’on désire acheter ou vendre. Si l’on en croit le site Estimon’objet, cette tâche, complexe, nécessite de prendre en compte plusieurs aspects.

La taille de l’œuvre

Petite et intimiste, grande et monumentale ? La taille joue un rôle déterminant dans le pouvoir d’attraction sur le spectateur ; elle influence la manière dont on perçoit l’œuvre, dont on la reçoit dans un espace donné, en interaction avec d’autres œuvres.

Les matériaux utilisés

Traditionnels comme la toile et la peinture à l’huile ? Contemporains comme le plastique, le métal ? Des matériaux recyclés ? Les composantes de l’œuvre contribuent à l’expression artistique, en créant des textures, des couleurs ou des contrastes spécifiques. Elles influencent ainsi l’esthétique et la durabilité de la création.

L’état de conservation

L’état de conservation d’une œuvre d’art est essentiel pour sa valeur à long terme. Les œuvres anciennes nécessitent souvent une restauration pour préserver leur intégrité ; les œuvres contemporaines doivent être entretenues pour éviter leur détérioration. N’oubliez jamais cette règle : une pièce en mauvais état a moins de valeur, elle s’avère moins précieuse.

La qualité de l’œuvre d’art

C’est le critère le plus subjectif, le plus glissant, car il dépend des préférences personnelles de l’observateur. Comment apprécier la qualité d’une œuvre avec objectivité ? En examinant la maîtrise technique de l’artiste, par exemple, sa créativité, son originalité, l’expression émotionnelle et la pertinence par rapport à son contexte culturel et artistique. On peut aussi prendre en compte la capacité de l’œuvre à susciter une réaction émotionnelle ou intellectuelle chez le spectateur.

Comparer l’œuvre d’art avec d’autres

C’est une étape cruciale lors de l’acquisition ou de l’appréciation d’une pièce artistique. Il s’agit de mieux comprendre l’objet d’art en question, de l’apprécier davantage et de prendre des décisions éclairées, que ce soit en tant qu’acheteur potentiel, collectionneur ou simplement amateur d’art. Là aussi, plusieurs angles.

Comparer le style est l’une des premières étapes pour comprendre une œuvre d’art. Chaque artiste a un style unique qui se manifeste à travers des choix de couleurs, de techniques, de composition et de thèmes. En comparant le style d’une œuvre avec d’autres du même artiste, de la même période, on peut en apprendre beaucoup sur son contexte et son évolution artistique. On établit ainsi des liens, des influences, ce qui enrichit notre compréhension de l’art.

Vous pouvez ensuite apprécier son âge par rapport à d’autres œuvres. Le but est de saisir l’importance historique de l’œuvre et son évolution artistique. Il est important de la situer dans son contexte chronologique : est-ce une pièce de la Renaissance, du Baroque, du Romantisme, de l’Art moderne ? On va par ailleurs apprécier les innovations artistiques de l’époque, les mouvements artistiques dominants et les réactions à des événements historiques.

Enfin, il faut comparer les prix des différentes œuvres. Que vous envisagiez d’acheter ou que vous souhaitiez simplement apprécier leur valeur, c’est impératif : en effet, le prix peut varier énormément selon la renommée de l’artiste, la rareté de l’œuvre, son état de conservation, la demande du marché. Comparer les prix d’œuvres similaires, c’est évaluer si le coût d’une œuvre spécifique est raisonnable, surévalué ou sous-évalué.

Scruter les ventes aux enchères

C’est un autre temps de cette fascinante investigation : décrypter les résultats de ventes aux enchères d’œuvres d’art du même artiste, c’est avoir un aperçu précieux de l’évolution de sa valeur artistique et financière. Cette analyse des ventes aux enchères peut être abordée sous plusieurs angles.

L’évolution des prix au fil du temps

Il s’agit d’examiner les résultats de ventes aux enchères d’œuvres d’art d’un artiste sur une période étendue ; on peut alors observer comment la valeur de son travail a évolué. On notera les tendances de croissance ou de décroissance des prix, les moments clés où la valeur de l’artiste a atteint de nouveaux sommets.

Les facteurs influençant la valeur

Cette même analyse révélera les facteurs qui ont influencé la valeur des œuvres d’art : des facteurs intrinsèques, tels que des évolutions stylistiques, des innovations techniques ; des facteurs extrinsèques, comme des expositions majeures, des critiques élogieuses, voire la renommée personnelle de l’artiste.

Les variations entre différents types d’œuvres

Il faut aussi tenir compte de la diversité des œuvres d’art créées par l’artiste. Certaines catégories, comme les peintures, les sculptures, les estampes ou les photographies, peuvent connaître des variations de prix significatives. L’analyse comparative entre ces différentes catégories fournit des informations essentielles sur les préférences des acheteurs.

Le marché géographique

Les résultats des ventes aux enchères peuvent également varier en fonction de la région où elles ont lieu. Les œuvres d’un artiste peuvent se vendre à des prix différents à New York, Paris ou Hong Kong. Comprendre ces variations géographiques aide à cibler efficacement le marché de l’art.

Le contexte historique et social

Il ne faut surtout pas le négliger : les mouvements artistiques, les changements de goût, ou les événements historiques peuvent avoir un impact sur la demande et la valeur des œuvres d’art.

L’investissement artistique

L’analyse des résultats des ventes aux enchères peut également être utilisée pour évaluer la viabilité d’un investissement dans l’art de cet artiste. Les tendances passées peuvent donner des indications sur la potentialité de croissance future de la valeur de ses œuvres.

Tenir compte des tendances du marché de l’art

C’est un véritable baromètre pour les créateurs, les collectionneurs, les galeristes et les investisseurs. Il reflète non seulement les goûts et les préoccupations de la société tout en offrant des opportunités financières significatives. Bref, on ne peut pas évaluer la côte d’un artiste sans inclure ce paramètre crucial… et en constante évolution. Voici quelques points clés à considérer pour en déchiffrer les mutations, les tendances phares qui se détachent.

• L’art contemporain : Il est en vogue, avec de nombreuses galeries et musées mettant en avant de jeunes artistes. L’expérimentation et la transgression des normes artistiques sont encouragées. Les artistes issus de différentes cultures et régions du monde gagnent en visibilité. Les œuvres d’art contemporaines reflètent la richesse de la diversité culturelle, et cela se traduit par une plus grande variété de styles, de médiums et de sujets artistiques.
• L’art numérique et l’innovation technologique : Les avancées technologiques, telles que l’IA et la réalité virtuelle, sont de plus en plus utilisées dans l’art pour créer des expériences immersives uniques. Les œuvres d’art numérique, y compris les NFT (jetons non fongibles), sont de plus en plus populaires. Cette technologie permet aux artistes de vendre leurs créations en ligne et aux collectionneurs d’investir dans des œuvres numériques uniques. Quant aux plateformes en ligne, elles se multiplient, permettant aux amateurs d’art d’acheter, de vendre et de découvrir des œuvres sans avoir à se rendre dans une galerie physique. La pandémie de COVID-19 a accéléré cette tendance qui ne cesse de croître.
• La durabilité et la conscience sociale : L’art écoresponsable gagne en importance, avec des artistes utilisant des matériaux recyclés ou issus de sources durables. L’art engagé politiquement ou socialement est de plus en plus courant, reflétant les préoccupations de la société.
• L’expansion des marchés asiatique et africain : Les acheteurs asiatiques, en particulier chinois, ont un impact de plus en plus important sur le marché de l’art. Les œuvres d’art asiatiques, anciennes et contemporaines, sont très demandées. Idem pour les artistes originaires d’Afrique qui, de plus en plus, captent l’attention des collectionneurs, des galeries, des musées.
• L’éducation et la sensibilisation : Les amateurs d’art veulent se former, ils recherchent de plus en plus d’informations sur les artistes, les techniques et les courants artistiques. L’éducation et la sensibilisation sont donc des éléments clés du marché. Par ailleurs, la traçabilité et l’authenticité des œuvres d’art sont devenues des préoccupations majeures, en particulier dans le contexte croissant des contrefaçons.

Examiner l’œuvre d’art, la comparer avec d’autres, scruter les ventes aux enchères, observer les tendances du marché de l’art : voici les quatre piliers qui déterminent la cotation d’un artiste, la valeur d’une œuvre. C’est un véritable apprentissage, qui prend du temps, qui exige de la rigueur, de la passion également.

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A l’heure où j’écris ces lignes, la fièvre monte dans les couloirs des maisons d’édition et chez les auteurs français. On attaque la dernière ligne droite pour la sélection des Prix littéraires. Le Prix Goncourt bien sûr, le Prix des prix, le plus convoité, le plus prestigieux, mais beaucoup d’autres également, 2000 environ qui se concurrencent, avec une centaine de nouveaux titres par an et à peu près le même nombre de disparus corps et biens. Bref, il y a un véritable business du prix littéraire dans la patrie de Voltaire, Hugo et Zola. Avec à la clé, quelques questions de fond qu’il convient d’explorer pour mettre en évidence les dessous de ce marché.

Une tradition venue de l’Antiquité… pour casser les codes

Le prix littéraire donc : une récompense attribuée à un écrivain ou à une œuvre en reconnaissance de sa qualité, de son mérite artistique, avec la volonté plus générale de promouvoir le renouvellement de la littérature, ses jeunes talents, tout en stimulant l’intérêt du public pour la lecture. Une volonté qui n’a rien d’une nouveauté.

Déjà dans l’Antiquité, les Grecs anciens organisaient des compétitions littéraires, de véritables Jeux Olympiques de l’esprit où poètes et dramaturges s’affrontaient, revendiquant les lauriers de la gloire. La tradition va perdurer au fil des siècles, durant le Moyen-Age, la Renaissance :

• Au XVIIIe siècle, J.B. de Montyon initie le prix qu’il baptise de son nom : l’un des premiers prix de l’ère moderne voit le jour en 1782, pour récompenser des ouvrages considérés comme moralement exemplaires.
• Créé en 1903, le prix Goncourt donne quant à lui corps aux volontés testamentaires des deux frères et auteurs naturalistes ainsi que l’académie du même nom. Il récompense de jeunes auteurs avec une dotation financière, aujourd’hui synthétisée dans un chèque symbolique de 10 euros.

Derrière cette coutume se cache une contestation, une lutte âpre entre les Classiques et les Modernes. Au XIXe siècle, créer un prix littéraire, c’est donner un grand coup de pied dans le monopole détenu jusqu’alors par l’Académie française qui régnait en maîtresse sur le royaume des lettres hexagonales, y faisant la pluie et le beau temps en matière de livres à lire, de textes à honnir, d’auteurs à révérer ou à dénoncer. Et si le genre du roman était en vogue durant la Révolution industrielle, il ne plaisait guère aux Immortels qui y voyaient là une sous-littérature.

Instituer un Prix littéraire, c’est donc forcément entrer dans le game pour contre-balancer la toute puissance d’une autorité intellectuelle et élargir le cercle des chanceux autorisés à se vêtir du titre d’auteur… ou d’autrice. Comme l’identifie très bien Sylvie Ducas dans l’article «  Prix littéraires crées par les médias : Pour une nouvelle voie d’accès à la consécration littéraire ? » paru dans le n°117 de la revue Réseaux 2003, « le prix Femina est né en réaction aux mécanismes d’exclusion dont les femmes sont habituellement victimes au sein de l’institution littéraire. L’enjeu de cet aréopage exclusivement féminin, mais qui fonde son autorité sur la mixité littéraire de ses choix en n’accordant pas son prix qu’à des femmes, consiste à investir des lieux de consécration ordinairement réservés aux hommes ».

2000 prix littéraire en France… à la louche !

Le prix Fémina justement : un des nombreux prix made in France, un pays prolixe en la matière comme nous l’avancions das l’introduction de notre dossier. Les prix littéraires ont muté progressivement, se répandant à la surface du globe pour s’imposer comme une reconnaissance littéraire essentielle, une distinction nécessaire, un événement culturel incontournable. On pense immédiatement au Nobel de littérature, mais il en existe beaucoup d’autres à l’échelle de la planète. Dans la patrie de Molière, c’est même un sport national puisqu’on en dénombre 2000 environ dont voici les plus connus. Une liste non exhaustive, qui vaut le coup d’être parcourue car elle est révélatrice en matière de calendrier et de thématiques.

Le Prix Goncourt :

1. Date de remise : chaque année, le premier mardi de novembre.
2. Spécificités : il est considéré comme l’un des prix les plus prestigieux en France. Il récompense un roman écrit en français publié dans l’année en cours.

Le Prix Renaudot :

1. Date de remise : le même jour que le Prix Goncourt (une véritable concurrence au niveau médiatique donc).
2. Spécificités : comme le Prix Goncourt, il récompense un roman en français. Il est également très prisé.

Le Prix Femina :

1. Date de remise : chaque année, le premier mercredi de novembre.
2. Spécificités : il récompense un roman écrit en français, souvent en mettant en avant des auteures féminines.

Le Prix Médicis :

1. Date de remise : chaque année, le premier jeudi de novembre.
2. Spécificités : il récompense un roman, mais aussi des essais et des œuvres de non-fiction. Il est souvent attribué à des œuvres moins conventionnelles.

Le Prix Interallié :

1. Date de remise : chaque année, le deuxième mercredi de novembre.
2. Spécificités : il récompense un roman écrit en français, et il est parfois considéré comme un prix « littéraire d’opinion ».

Le Prix des Deux Magots :

1. Date de remise : chaque année, le premier samedi de janvier.
2. Spécificités : il récompense des œuvres de fiction, des essais, ou des ouvrages autobiographiques. Il a pour tradition de mettre en avant des écrivains prometteurs.

Le Prix du Livre Inter :

1. Date de remise : chaque année, en juin.
2. Spécificités : il est décerné par les auditeurs de l’émission de radio « Le Masque et la Plume » sur France Inter. Il récompense un roman français ou étranger.

On aurait pu également citer le prix de Flore, le prix littéraire du Monde, le prix Goncourt des lycéens, le prix du roman Fnac, le Grand prix du roman de l’Académie française… bref il y a de quoi faire, les plus impactants en matière de prestige, de visibilité et de ventes dopées demeurant le Goncourt, le Renaudot, le Femina.

Processus de sélection : parcours officiel étape par étape

Cela peut varier d’un prix à l’autre, mais il existe généralement quelques étapes communes dans ce processus.

Sélection des ouvrages éligibles :

Chaque prix littéraire a ses propres critères. Généralement, seuls les livres publiés dans une certaine période (par exemple, durant l’année en cours) et rédigés dans la langue spécifiée par le prix (le français pour les prix littéraires français) sont pris en considération.

A titre d’exemple, voici les conditions prônées par l’Académie française pour concourir à son prix : « Pour pouvoir prendre part aux concours, les ouvrages doivent être envoyés par l’éditeur ou par l’auteur, en deux exemplaires, accompagnés d’une lettre faisant acte de candidature, au Secrétariat des Commissions littéraires (23, quai de Conti – 75270 Paris cedex 06 – CS 90618), avant le 31 janvier ».

• Comme vous pouvez le constater, ça ne rigole pas, le règlement est très clair, il y a des dates butoirs, et un encadrement légal. Bref, on ne part pas en free style.
• Autre point essentiel, l’auteur peut envoyer son livre, son éditeur aussi et cela est très important. Il y a toute une pré-selection opérée au sein des états-majors des grandes maisons pour mettre en avant les romans les plus à même de remporter les précieux trophées.

Constitution d’un jury :

Un jury composé de membres qualifiés est constitué ; certains sont permanents, d’autres occasionnels, renouvelés d’année en année. Les membres du jury peuvent être des écrivains, des critiques littéraires, des éditeurs, des universitaires, d’autres personnalités du monde littéraire. Le nombre de membres et leur composition varient selon le prix. Mais il vaut mieux toujours tabler sur des figures représentatives, avec une aura médiatique et/ou une expertise reconnue.

• Pour son édition 2023, le jury du prix Femina est composé de « Évelyne Bloch-Dano (présidente), Paula Jacques (vice-présidente), Claire Gallois, Nathalie Azoulai, Christine Jordis, Scholastique Mukasonga, Mona Ozouf, Josyane Savigneau, Patricia Reznikov, et, depuis mars dernier, le Prix Goncourt 2022 Brigitte Giraud, Jeanne Benameur et Julie Wolkenstein », dixit le site Actuallite.com.
• Le même média évoque par ailleurs la composition du jury du prix de Flore 2023 à savoir « Frédéric Beigbeder, Jacques Braunstein, Manuel Carcassonne, Carole Chrétiennot, Michèle Fitoussi, Jean-René van der Plaetsen, François Reynaert, Jean-Pierre Saccani, Bertrand de Saint-Vincent, Christophe Tison, Philippe Vandel, et Arnaud Viviant ».

On ne va pas tous les faire, mais l’idée est là, et l’annonce des jurés est presque aussi importante que celles des candidats en lisse.

Réception, lecture et évaluation des ouvrages :

Les éditeurs soumettent les livres qu’ils estiment éligibles pour le prix. Ces ouvrages sont généralement envoyés aux membres du jury pour examen. Ces derniers lisent les livres soumis avec soin et attention. Ils évaluent chaque livre en fonction de critères spécifiques, tels que la qualité littéraire, l’originalité, la créativité, la pertinence thématique, et d’autres critères définis par le prix. Chaque membre du jury peut avoir sa propre méthodologie d’évaluation.

Délibérations :

Une fois les lectures effectuées, les membres du jury se réunissent pour discuter des livres qu’ils ont lus. Ils partagent leurs opinions, argumentent en faveur ou en défaveur des ouvrages, et votent pour sélectionner les finalistes ou le lauréat. Les délibérations peuvent être animées, nécessiter plusieurs réunions pour parvenir à un consensus.

Annonce des finalistes et du lauréat, remise de prix :

Une fois que le jury a pris sa décision, les finalistes et le lauréat du prix sont annoncés publiquement. Parfois, les finalistes sont révélés avant le lauréat, créant ainsi une anticipation dans le public littéraire, via des campagnes médiatiques souvent échevelées.

Une cérémonie est organisée pour honorer le lauréat et les finalistes, souvent dans un établissement gastronomique réputé ; ainsi, le Drouant a l’heur de recevoir dans ses salles les jurys des prix concurrents Goncourt et Renaudot depuis 1914. Et il l’annonce avec fierté sur son site, car c’est une véritable référence.

Avantages multiples et visibilité accrue

Pour un auteur, être récompensé par un prix littéraire offre de nombreux avantages, la reconnaissance et la visibilité, la crédibilité également, mais pas seulement. Être lauréat d’un prix littéraire peut avoir un impact très concret.

Récompense financière :

Ce n’est toujours le cas mais certains prix sont confortablement dotés. Ainsi les lauréats du prix de littérature Paul-Morand touchent 45 000 euros. Mais ceux du Goncourt se contenteront d’un chèque de 10 euros. Les prix portés par des marques proposent des récompenses en espèces sonnantes et trébuchantes comme l’évoque Ouest France :

• le prix Landernau, lancé en 2008 par Michel-Édouard Leclerc et ses Espaces culturels = 6 000 €
• le prix de Flore = 6 100 €, en plus d’un verre de Pouilly par jour pendant un an dans le café du même nom
• le prix Wepler/Fondation La Poste = 10 000 €
• le prix Décembre (ex-prix Novembre) = 30 000 €.

Augmentation des ventes :

Gagner un prix littéraire, c’est voir les ventes de son livre exploser.

• Les lecteurs sont souvent plus enclins à acheter et à lire un livre qui a été récompensé par un prix : « Spécialiste des statistiques des prix littéraires avec des moyennes lissées sur plusieurs années, l’Institut d’études marketing GFK, qui collecte et classe l’ensemble des données de vente du marché du livre, estime le Goncourt à 320 000 ventes en moyennes devant le Renaudot à 194 000 et 131 000 pour le Prix des Lycéens » explique le Forbes dans l’article «Dans les coulisses de la guerre des prix littéraires » en 2022.
• Financièrement, cela se traduit par un chiffre d’affaire d’environ 6 millions d’euros pour un livre à 15 euros, selon Ouest-France, qui cite de nouveau Paul-Antoine Jeanton, consultant du panel livres pour l’institut GfK : « Depuis 2015, le volume de ventes de la totalité des livres primés est passé d’un million à 700 000. Générant un chiffre d’affaires passé de 20 millions à 15 millions d’euros entre 2015 et 2018. ».

Traductions et droits d’adaptation :

Les œuvres d’auteurs primés sont souvent traduites en d’autres langues pour être diffusées à l’international. Elles peuvent également susciter l’intérêt des producteurs de films, de séries télévisées, et de théâtre pour des adaptations. Cela peut considérablement augmenter les revenus de l’auteur et de l’éditeur. Ainsi Capitaine Conan de Roger Vercel, Prix Goncourt 1996, adapté à l’écran par Bertrand Tavernier, film lui-même récompensé par un César du meilleur réalisateur.

Opportunités de carrière :

Les auteurs récompensés par un prix littéraire sont plus susceptibles de recevoir des offres pour de nouveaux contrats d’édition. Ils peuvent également être invités à participer à des événements littéraires, des conférences, et des festivals, ce qui peut élargir leurs horizons et leurs opportunités professionnelles.

Éditeurs rayonnants et hydre magouilleuse

Il n’y a pas que l’auteur qui profite de cette manne. Son éditeur a aussi sa part de lauriers, et pas seulement en terme de revenus de vente, de droits de traduction. Les éditeurs qui publient des lauréats de prix littéraires renforcent leur réputation et leur image dans l’industrie littéraire. En exergue, leur flair, leur capacité à détecter des romanciers hors pair, de véritables talents. Cela ne peut qu’attirer de nouvelles pépites, tout en captant durablement l’attention des médias, des libraires et des lecteurs, ce qui va rejaillir sur l’ensemble du catalogue de l’éditeur, et permettre de vendre d’autres publications, de l’auteur primé mais aussi des autres plumes.

Et c’est là qu’entre en lisse l’hydre « Galligrasseuil ». Un monstre échappé du bestiaire fantastique antique ? Il y a de ça ; pour sûr Daumier le caricaturiste aurait représenté la chose de cette façon. Ce terme aux consonances barbares mêle le nom de trois grands maisons d’édition : Gallimard, Grasset, Seuil. Ce trio est resté dans les mémoires pour la qualité de ses publications certes, mais aussi pour sa capacité répétée à rafler les prix Goncourt, Renaudot, Médicis et autre Interallié. Une habitude que d’aucuns considérent comme fâcheuse et contestable, car elle prive les enseignes de moindre portée de la mise en lumière octroyée par les fameux prix, alors qu’elles en auraient grand besoin.

De là à penser que les jurys des dit Prix sont partie prenante, plus ou moins téléguidés par ces éditeurs leaders, que les concours sont sinon truqués, du moins très influencés, il n’y a qu’un pas, qui perdure du reste, la polémique refaisant surface chaque automne.

La preuve avec :

• l’excellent article « Dans les coulisses des prix littéraires » paru sur le site L’Opinion indépendante, Christian Authier y évoque par le menu les coulisses de sélections où notre petite hydre s’infiltre par jurés interposés, et malheur à celles et ceux qui fronderaient, dénonçant ces turpitudes éditorialo-machiavéliques ;
• idem chez l’INA, vigilante gardienne de notre mémoire audio-visuelle, qui diffuse un reportage de 1979 passé durant le Journal de 20h d’Antenne 2 ; déjà le monopole Galligrasseuil faisait gronder les autres acteurs du marché du livre à la française.

De là à dire que les process de sélection sont complètement fartés ? En tout cas, l’enjeu étant de taille au niveau économique, financier et médiatique, il est évident que les leaders du secteur n’ont pas du tout l’intention de laisser des concurrents moins importants leur voler la vedette. Quitte à influencer le marché… ou à se laisser influencer par lui ? Et orienter le choix des lauréats en fonction des attentes du lectorat, à moins qu’il s’agisse de façonner les goûts de la cible ? Bref mettre en valeur des auteurs qui vont vendre et laisser dans le fossé ceux qu’on considère comme moins rentables ?

De Pierre Bergé à Meetic : pourquoi créer un prix littéraire quand on est une entreprise ?

Résumons : être primé est une excellente chose et pour les auteurs lauréats, et pour les maisons d’édition qui ont parié sur eux. Mais c’est aussi une opération bénéfique pour ceux qui ont créé le prix, notamment les acteurs privés que sont les entreprises, les marques, les patrons de grands groupes. Prix du Roman Fnac, prix littéraire Patrimoines de la banque privée, prix « Bourienne » et autres : 221 prix dotés, recensait LivresHebdo en 2021. Ce n’est pas rien. Et pour les enseignes à l’origine de l’initiative, c’est même une opération plus que rentable en terme d’image.

• Créer un prix littéraire, ce n’est pas que faire la nique à l’Académie. C’est aussi participer au prestige de la littérature et de la culture française, c’est donc se positionner en protecteur des arts et des lettres : on sait l’importance politique et sociale de la chose depuis les rois de la Renaissance et le mécénat de Louis XIV.
• Soigner son image de marque donc, auprès des artistes, du public et des médias : créer un prix littéraire est une manière de faire date, de montrer qu’on est en bonne santé économique, et de bénéficier d’une couverture presse conséquente, ce qui n’est pas rien dans un univers où l’info file à la vitesse d’un cheval au galop.
• Créer un prix littéraire, c’est aussi rassurer et sa clientèle et ses employés. L’effet en interne est toujours bénéfique, fédérateur.
• Et puis c’est modifier son statut, quelque part, c’est côtoyer l’univers du luxe, du haut de gamme, de l’excellence. Monter en grade. Intégrer pour partie un panthéon.

Ainsi que le détaille Slate dans l’article « Comment sont financés les prix littéraires? » paru en 2013, « la dotation du prix Décembre n’a pas diminué depuis sa création en 1999. Né des cendres du prix Novembre et de la volonté de Pierre Bergé, c’est lui qui pourvoit à tout. L’homme d’affaires finance les 30.000 euros reçus par le lauréat –la dotation la plus importante des prix littéraires à l’heure actuelle– la remise du prix à l’hôtel Lutetia et les trois repas de délibération du jury ». On sait combien Bergé se positionnait comme un humaniste, un pur esprit de la Renaissance. En reprenant le Prix Décembre, l’homme d’affaire continue de creuser le sillon qu’il avait tracé dès le début de sa carrière dans le commerce de l’art, puis en créant la maison de couture YSL avec son compagnon Yves Saint Laurent.

Avec le Prix littéraire Meetic de la plus belle histoire d’amour initié en 2021, on change de taquet. La plateforme spécialisée dans les rencontres en ligne vise plutôt à l’opération de communication. Objectif : redorer son blason en investissant sur la littérature romantique. LivresHebdos avait annoncé la chose en ces termes : « Meetic et Fyctia, plateforme communautaire de lecture et d’écriture, s’associent pour la création du Prix littéraire Meetic de la plus belle histoire d’amour. Lancé à l’occasion de la 5e édition du Festival New Romance Youboox, qui se tiendra du 8 au 10 octobre, le concours est ouvert aussi bien aux amateurs qu’à des auteurs plus expérimentés ». 

Traduction : Meetic ne créée rien du tout, il s’associe avec « Fyctia, plateforme communautaire de lecture et d’écriture » et « le festival New Romance Youboox » pour lancer un prix littéraire qui bénéficiera très certainement de l’aura du leader européen des plateformes de rencontres, auto-proclamé « site de rencontre sérieux pour trouver l’amour », et l’un des fleurons de Match group qui possède par ailleurs Tinder, OK Cupid et deux ou trois autres pépites du même secteur au point de peser 10,1 millions d’utilisateurs pour 555 millions de dollars de chiffre d’affaire. Par temps de COVID.

C’est que la fréquentation des sites de rencontres n’a guère dévissé en ces temps de pandémie, au contraire. Il semblerait que confinements et couvre-feu aient affolé les amateurs de rencontres numériques retranchés dans leurs foyers. Quelques chiffres ? Aux alentours du mois de juin 2020, Match Group affichait 1 million supplémentaire d’usagers payants et une hausse de 12 % des rentrées d’argent. Comme quoi tout le monde ne se portait pas si mal à l’heure de la crise sanitaire, notamment Tinder qui caracolait alors en tête du panthéon matchgroupien avec 6,2 millions d’usagers et des bénéfices bondissant de 15 %. Et Meetic dans tout ça ?

En 2019, Le Journal des femmes le considérait comme un peu trop académique. Peut-être parce qu’il ciblait entre autres les plus de 50 ans en solo (soit un tiers des célibataires français, 25 millions de nos concitoyens à la louche) peinant à se réinsérer sur le très concurrentiel marché de la séduction ? Un marché à saisir, mais une cible qui ne se drague pas comme les millennials. D’où ce prix littéraire forgé de toutes pièces en un temps de disette culturelle, sur fond d’annulation des festivals et des salons en physique ? Étrangement, l’aventure s’arrête en 2022. En 2023, nulle trace d’une nouvelle édition alors que le festival New Romance a pourtant les pieds dans les starting blocks pour novembre 2023.

Le sujet est tellement vaste qu’il mériterait un livre. N’ayant que peu de temps et beaucoup d’autres sujets à traiter, j’en resterai là, pour l’instant du moins. Sans être pleinement holistique, ces quelques paragraphes dressent déjà un tableau relativement clair des enjeux à l’œuvre dans la course aux prix littéraires. Un levier puissant dans le business de l’édition, chiffres à l’appui, et une source sans fin de questionnement sur des événements qui captent l’attention du grand public en quête des grands auteurs de demain.

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« Souvenirs d’un infiltré dans le beau monde » : voici le sous-titre choisi par Jean-Pierre de Lucovich pour éclairer la démarche du livre People Bazaar, soit quelques 600 pages d’anecdotes et de souvenirs, puisés dans sa longue et prolifique carrière de journaliste. Et des petites histoires, il en a beaucoup à nous raconter, ce monsieur, qui fit les beaux jours de Paris-Match, Vogue Hommes, Photo, Harper’s Bazaar, L’Express, PlayBoy, et j’en passe.

People en tout genre

Ses cibles ? Le people en tout genre, jet set, noblesse, stars, vedettes, séducteurs et prostituées de haut vol. De 1950 où il débute comme chroniqueur jusqu’aux années 2000, nous voyons ce reporter d’avant le numérique écumer soirées mondaines, fiestas grandioses, tournages et festivals, en quête de scoops et de sujets accrocheurs. Ce qui fait vendre ? Les écarts des grands de ce monde autant que leurs singularités. Du coup la came, le sexe et les facéties de ce microcosme sont à l’honneur. Lucovich nous entraîne à sa suite dans les bordels, les boites de nuit, chez les dominatrices de jadis, les bas-fonds où s’abîment les junkies et les voyous.

Il nous en rapporte le récit de manière concise, vivante, avec ce sens de l’observation et du détail qui fait mouche, un humour évident, une gouaille parisienne à se tordre parfois, tant certains passages sont drôles, inconvenants et légers. D’autres seront plus dramatiques, chargés d’émotions. Car de chronique en reportage, Lucovich va tisser de solides amitiés dans cet univers interlope où il s’ébat tel un saumon au fil de l’onde. Le voici qui évoque Dalio, Castel, Bénichou, Christina Onassis, des potes, avec qui il part en vacances, fait la fête, s’amuse, … qu’il pleurera quand certains partiront vers le firmament, qu’il aime toujours avec autant de sincérité.

Les us et coutumes de la presse à sensations

Au travers de cette galerie de portraits, nous décryptons les us et coutumes de la presse à sensations, nous la regardons évoluer, avec la technique, avec l’actualité, avec le public. Le monde des stars, du spectacle, de la mode, de la nuit aussi se transforme au fil des décennies, à regret, car « c’était mieux avant » quand il n’y avait pas une armée de managers, de communicants et d’attachés de presse pour faire barrage, quand on pouvait emmener Raquel Welch manger un morceau tout en l’interviewant, quand rencontrer Belmondo pour un entretien se transformait en tournée des bars…

Les chapitres de People Bazar se dévorent avec un plaisir gargantuesque et innocent, comme autant de bouchées savoureuses et piquantes, un peu amères parfois, car la vie est une garce, mais elle est aussi très belle, surprenante. Les mémoires de Lucovich au pays des people transmettent cette finesse, cette insouciance véhiculée par les grands noms d’une presse qui se voulait de qualité, même si elle donnait dans le croustillant, dans un esprit gentiment gonzo avant la lettre. On appréciera chaque aventure vécue car elle reflète un temps révolu où tout était plus simple en se disant : « Oh les beaux jours … »

Et plus si affinités

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Mercredi 3 mai 2023 : depuis ce lundi 1er mai, les réseaux sociaux sont inondés de clichés, de vidéos illustrant la nouvelle édition du MET Gala. Cela tourne en boucle, avec des taux incroyables d’ouverture, de relais, de commentaires. Ce n’est pas un hasard. Au fil des ans, le MET Ball s’est imposé comme une date clé du calendrier people à l’international, à l’égal de la Nuit des Oscars ou de la montée des marches au festival de Cannes. Mais encore ? Qui y a-t-il derrière cette soirée ? En quoi constitue-t-elle une référence en matière de communication ?

Qu’est-ce que le MET Gala ?

Surnommé « the party of the year », le MET gala ou MET ball, désigne le gala de charité annuel organisé chaque premier lundi du mois de mai pour inaugurer la nouvelle exposition du Anna Wintour Costume Institute. On ne peut en effet évoquer cet événement phare du calendrier fashion sans faire la focale sur l’institution qui l’héberge. Créé en 1937 à l’initiative de Irene Lewisohn, le Costume Institute abrite plus de 35 000 vêtements et accessoires témoignant de l’évolution de la mode depuis le Moyen-Age à aujourd’hui. Il a d’abord fusionné avec le Metropolitan Museum of Art de New-York avant d’intégrer les collections du Brooklyn Museum.

Initialement conçu comme un banquet, le MET Gala, baptisé à l’origine « Costume Institue gala », a progressivement pris la tournure d’une grande soirée à thème avec dress code obligatoire en lien avec le sujet de chaque nouvelle exposition. Des expositions aux thématiques particulièrement inspirantes et dont Wikipedia garde la trace ainsi que les magazines de mode, avides de saisir les total looks exhibés par les invités. On se souvient tout particulièrement de Heavenly Bodies : Fashion & Catholic imagination en 2018, Camp : notes on Fashion en 2019, Gilded glamour, white tie en 2022.

Pour l’édition 2023, c’est Karl Lagerfeld qui est à l’honneur avec Karl Lagerfeld : A Line of Beauty. Ce qui nous vaut un dress code baptisé  “En l’honneur de Karl”, avec à la clé des pièces iconiques de Chanel dessinées par le maître, du blanc et du noir à profusion, des catogans, des lunettes de soleil, des éventails et des chats Choupette. Quelque 600 invités se sont succédé sur le tapis rouge déroulé à l’entrée du musée, converti en salle de réception, pour gravir les marches du bâtiment sous les flashes des photographes et les cris enthousiastes des fans. Objectif : rivaliser d’inventivité, d’imagination et d’audace pour illustrer la thématique de l’année.

MET Gala : des objectifs multiples

Mais encore ? Les objectifs du MET Gala sont multiples :

• Il s’agit bien sûr de faire la promotion de chaque exposition de manière spectaculaire avec à la clé un véritable catwalk illuminé de tenues complètement folles, qu’il s’agisse de tenues historiques (Kim Kardashian arborant la célèbre robe de Marilyn Monroe, portée lors de l’anniversaire de JFK) ou de panoplies complètes créées spécifiquement pour la soirée par les grands couturiers.

• L’événement a aussi une fonction caritative cruciale. Il s’agit de rassembler des fonds pour faire vivre l’institut (achat de nouvelles pièces, restauration des collections existantes, entretien des lieux, salaire des équipes…). Comment ? En imposant un ticket d’entrée considérable. Prix du billet individuel : 25 000 dollars en moyenne, 35 000 en 2022, 50 000 en 2023 ! La location d’une tablée coûte entre 200 et 300 000 dollars. Des chiffres faramineux… et des levées de fonds records : 12 millions de dollars en 2014, 17 millions en 2022. Soit on paie sa place, soit on est invité par un grand couturier qui a retenu une table et pour qui on sert de mannequin, mettant sa notoriété au service et de la maison représentée et de l’institut.
• La visibilité médiatique est tellement important que cette soirée sert de chambre d’écho aux stylistes présents, ainsi qu’aux vedettes invitées… et aux marques dont elles sont les ambassadrices.
  • Avec environ 32 529 674 consultations mensuelles du mot clé rien qu’en France et 835 k followers pour le compte Instagram de l’événement, on a une petite idée de la résonance opérée au niveau des réseaux sociaux. La visibilité est énorme., la viralité incroyable.
  • C’est un marronnier diffusé par les organes de presse spécialisés et mainstream, avec force détails et commentaires.
  • A l’heure où j’écris ces lignes, les vidéos, les photos sont relayées partout via les comptes d’influenceurs mode, qui commentent chaque costume ; les stars invitées ont filmé leur préparation, les selfies ont fusé un peu partout, les memes se déchaînent. Le hashtag #metgala affiche 1 975 643 publications, #metgala2023, 111 341.

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La chasse gardée de Vogue

Le MET Gala constitue donc un levier marketing puissant, une mise en lumière soigneusement orchestrée et dont la logique social media s’enclenche le plus naturellement du monde. Ce n’est pas une nouveauté. L’événement a clairement été créé dans cette perspective. La première édition du «Costume Institute Gala» est organisé en 1948 par l’attachée de presse Eleanor Lambert, par ailleurs initiatrice de la première Fashion Week et fondatrice du Conseil des créateurs de mode américains. Dans un contexte d’après-guerre assez terne, alors que la mode européenne et haute-couture française ont été anéanties par l’occupation nazie et la Seconde Guerre Mondiale, c’est une occasion de relancer le secteur tout en ouvrant une porte pour les créateurs américains.

Dans les années 70, sous l’impulsion de Diana Vreeland, rédactrice en chef de Vogue bombardée directrice de l’institut, le dîner, jusqu’alors organisé dans de très grands palaces comme le Waldorf-Astoria ou au cœur de Central Park, privatisé pour l’occasion, intègre le musée même. Vreeland va oeuvrer pour en faire un événement people incontournable, un « the place to be » ultra-médiatique englobant aussi bien les stylistes et les acteurs, que les politiques, les sportifs, les artistes… c’est elle qui introduit l’idée des thématiques et du dress code, qui en fait un incontournable, qui pose l’idée phare : quand on est célèbre, on se doit d’aller au MET gala.

Aujourd’hui, le Met Ball est présidé très régulièrement par une certaine Anna Wintour, la redoutable et très respectée rédactrice en chef de ce même Vogue. Eh oui, encore lui ! Omniprésent dans l’organisation, le magazine couvre l’événement sous toutes ses coutures. Il suffit de consulter les différents comptes Vogue sur Instagram pour mesurer la main mise du vaisseau amiral de Condé Nast. Depuis sa naissance, Vogue a toujours eu pour vocation de régner sur l’industrie de la mode. C’est chose faite avec la gestion en continu ou presque du MET Gala, devenu une chasse-gardée. À la suite de Vreeland, Anna Wintour, dont le nom complète désormais le titre du célèbre institut devenu le Anna Wintour Costume Center, obtient des résultats assez impressionnants en présidant l’événement, puisqu’elle a rassemblé 145 millions de dollars depuis sa nomination.

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La recette d’un MET Gala réussi

La recette d’un MET gala réussi ? On l’a identifiée au fil de cet article :

• une flopée de superstars ;
• des costumes ouffissimes (souvenir des tenues les plus folles) ;
• des arrivées fracassantes dans la grande tradition des premières hollywoodiennes ;
• un relais frénétique sur les réseaux sociaux, l’occasion de découvrir les relations intimes des vedettes tandis qu’elles se saluent, s’embrassent et se congratulent en sortant des limousines ;
• et puis il y a l’organisation en elle-même.

Précise, rigoureuse, réglée comme une horloge suisse, conçue comme une mécanique haut de gamme, elle s’avère relativement simple : montée des marches, visite de l’exposition, cocktail, dîner de gala agrémenté de plusieurs interventions des artistes invités et différentes after. Pour s’en faire une idée, on peut visionner le film Ocean’s Eight de Gary Ross qui évoque les différents temps d’un vol de bijou pendant le MET Gala. Anna Wintour y apparaît d’ailleurs en caméo, ainsi que plusieurs habitués de cette soirée, on comprend par ailleurs les impératifs logistiques liés à la préparation et au déroulement de l’événement.

Le petit plus pour parfaire ce plat ?

• Le culte du secret imposé par Wintour. On ne sait pas grand-chose de ce qui se passe durant la soirée, les selfies sont interdits, idem pour les cigarettes. C’est une règle tacite, que d’aucuns s’empressent d’enfreindre (ainsi Kylie Jenner postant une photo d’elle dans les toilettes de l’Institut sur ses réseaux réseaux sociaux en 2017) ; en résumé, il s’agit de révéler par petites touches les entrailles de l’event sans l’afficher clairement.
• Une liste d’invités triée sur le volet (et dont on attend la publication avec toujours beaucoup d’impatience, parmi les influenceurs comme dans la presse people). Tout le monde n’entre pas, Anna Wintour y veille jalousement. Recevoir un carton d’invitation constitue donc une véritable reconnaissance sociale, un pas franchi dans la hiérarchie de la jet society, une intronisation.
  • Être convié pour la première fois au MET Gala est un honneur, que les chanceux affichent avec joie. Cette année par exemple, Marion Cotillard et Gwendoline Christie ont été adoubées.
  • A l’inverse, ne pouvoir être présent est source de regrets : l’épouse de Bryan Reynolds, Blake Lively, consacrée reine du MET gala depuis plusieurs années, a été obligée d’annuler sa venue pour cause d’accouchement ; mais elle n’a pu s’empêcher de faire un petit selfie sur Intagram, avec tireuse de lait et un petit commentaire en mode clin d’oeil « Premier lundi de mai ». Preuve que la date de l’événement est inscrite dans l’inconscient collectif.
  • Et puis il y a ceux qu’on écarte. Ainsi la non invitation de Harry et Meghan a fait couler beaucoup d’encre et attiser les rumeurs. Les convier aurait pu mettre le MET gala à mal avec la monarchie britannique, il a donc fallu ruser pour éviter le clash diplomatique.
• Une touche de scandale. Pas de MET Gala réussi sans une revendication. Ainsi en 2021, la politicienne démocrate Alexandria Ocasio-Cortez est arrivée revêtue d’une robe blanche barrée d’un « Tax the rich » résolument provocateur au milieu de tous ces personnages richissimes. Cette année, c’est la figure de Karl Lagerfeld qui fait polémique, certaines personnes invitées lui reprochant sa grossophobie, son regard critique sur le mouvement #metoo.

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Temps fort du calendrier fashion, référence en matière de communication et d’événementiel, espace d’expression et de revendication (il y aurait tant à dire sur la mode masculine telle qu’elle s’affirme en cette occasion), le MET Gala s’est hissé au stade de passage initiatique, de rituel incontournable. La pandémie n’aura pas eu raison de lui ; alors que nombre d’autres manifestations n’ont pas survécu au COVID, « The party of the year » ne cesse de fasciner les foules. Savamment trusté par un média phare du secteur, conçu comme un moment unique et sélect, cette soirée emblématique propose, nous l’avons vu, une stratégie de communication bien rôdée, en s’inscrivant à la fois dans une logique de préservation du patrimoine de la mode et une volonté d’alimenter l’avenir de ce marché du luxe tout en se positionnant comme un divertissement destiné aux « happy few » de la jet set. Un modèle du genre.

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Dernièrement, j’ai refait mon CV (eh oui, j’ai une vie en dehors de The ARTchemists). Et quelle ne fut pas ma surprise de réaliser que j’avais un bon gros bagage en matière de community management, avec une décennie de posts ARTchemisiens diffusés d’abord sur Facebook puis sur Twitter, Pinterest… sans compter Insta et LinkedIn. Une décennie à voir ces plateformes émerger puis s’imposer dans le paysage culturel, permettant à nombre de ces étincelles artistiques (et autres d’ailleurs), de scintiller au su et au vu de tous, puis de se transformer en énergie créative durable. Un temps béni… mais pas dit que ça dure. Et c’est bien là le problème.

Tout ce boulot pour pas grand-chose ?

Entendons-nous bien : des bugs, des changements d’algorithme, de politique édito, The ARTchemists en ont essuyé plus d’un (et on ne vous parle pas des caprices de Google qui rétrograde le rang d’un article parce que ce dernier ne respecte par pleinement les diktats de la SEO – mon Dieu, si Zola avait dû se plier à pareilles règles, Dreyfus serait encore en train de croupir en détention sur l’Île du Diable). On ne compte plus les coups au cœur en découvrant un matin la courbe de notre lectorat bondir dans les cimes ou dégringoler plus bas que terre. Un truc à devenir dingue, à multiplier les AVC.

Au fil du temps, on s’est habitué, prenant la chose avec plus de philosophie, mais toujours un brin d’amertume. Tout ce boulot pour pas grand-chose ? Et puis nous nous rappelons Sisyphe et Le cercle des poètes disparus et nous repartons à la charge. Ce qui est épuisant, c’est la constante obligation de s’adapter. On a à peine réussi à prendre en main un outil qu’un autre débarque qui fiche tout en l’air. Ne dit-on pas dans le milieu des RH qu’une compétence est désormais caduque au bout de deux ans ? C’est proprement usant pour les nerfs et le mental, sans parler d’épuisement intellectuel. Sentiment de courir comme un poulet sans tête, et de se détourner de l’essentiel, l’analyse, l’argumentation, la prise de recul. La culture, le plaisir d’apprendre, la curiosité… Crevant et débilisant.

Se perdre dans un torrent de conneries

Heureusement, on a les réseaux sociaux. Enfin, on avait. Car depuis bien cinq ou six ans, là aussi, ça rame. Moins de visibilité et d’engagement, moins d’intérêt, toujours plus de contenus pour garder le rythme, contenus à peu près qualitatifs mais qui doivent répondre aux normes dictées par chaque plateforme et qui de toute façon se perdent dans un torrent de conneries boueuses et nauséabonds. Avec en prime ce sentiment d’être pris à la gorge, piégés dans une mécanique diabolique. Il suffit de taper Facebook et actualité sur Google pour s’en convaincre. Voici la pêche de ce 13 mars 2023 , outre la réintégration de Messenger, on trouve :

• « De fausses disparitions d’enfants pour générer des clics et de l’argent », un zoom sur les dernières fake news en vogue sur Fesse de Bouc qui s’avère un terrain de chasse assez fructueux pour les escrocs en tout genre.
• « Pourquoi les vidéos nues d’Emma Watson inondent Facebook et Instagram ? » ou comment une appli de deepfake n’a rien trouvé de mieux que de balancer des vidéos fartées de stars pour vanter ses prestations. La pauvre Emma Watson en fait les frais, son double virtuel étalé dans des positions suggestives un peu partout sur le réseau. 
• « Meta menace de bloquer l’accès aux nouvelles sur Facebook et Instagram » (ça c’est au Canada où la firme de Zuckerberg, refusant le projet de loi C-18 sur le partage des revenus, s’adonne à un chantage assez dégueulasse, prenant les usagers en otage pour faire plier les autorités).

C’est un petit panaché assez sympa, non ? Et c’est à peu près la même chose pour Instagram et Twitter.

Un état des lieux flippant

L’état des lieux est assez flippant. Au finish, les social media qui comptent sont :

• Fragiles ; il suffit d’un bug, d’un serveur qui plante et c’est tout le circuit qui bloque, avec des conséquences graves pour les usagers, principalement les entreprises et les influenceurs qui voient leurs pertes financières se chiffrer en millions.
• Changeantes ; les algorithmes n’en finissent plus d’évoluer, les outils de s’accumuler, également les méthodes, les formats, les trends… bref il y a de quoi avoir la nausée, un bon mal de crâne, le moral dans les chaussettes et un bon socialmedia burnout à la clé.
• Saturées ; 2,958 milliards d’utilisateurs actifs mensuels sur Facebook en 2023, plus de 100 millions de photos et de vidéos partagées quotidiennement sur Instagram, 850 millions de membres sur LinkedIn en 2022, on se bouscule sur le social media dont les principaux acteurs ressemblent de plus en plus à des boites de sardines bourrées jusqu’à la garde… ce qui explique la mutation frénétique des algorithmes afin de mettre les contenus les plus accrocheurs (donc les plus racoleurs) en première ligne.
• Polluantes ; eh oui, qui dit saturation dit un max d’énergie pour stocker toutes ces données (et les exploiter par la même occasion, y a pas de petit profit). Avec des stats alarmantes si l’on en croit Greenly, je cite :
  • « Selon une étude de Greenspector de 2021, poster et consommer du contenu revient à émettre 165,6 gEqCO2 par utilisateur et par jour (soit, 1,4 km effectués en véhicule léger) ».
  • « TikTok arrive une nouvelle fois en tête du classement avec 15,81 mAh/min, suivi cette fois de Facebook et ses 12,36 mAh/min, puis de Snapchat avec 11,48 mAh/min. À titre de comparaison, la consommation électrique annuelle du numérique équivaut à 10 % de la consommation électrique annuelle française ».

Tu veux être visible ? Tu raques.

Surchargés, brouillons, les réseaux sociaux vampirisent, la déconnexion devient impérative si on veut préserver sa santé mentale et son intégrité, pour l’influenceur comme pour l’usager, pour le community manager comme pour l’internaute. Pompe à datas, pompe à contenus (produits gratuitement pas des utilisateurs affolés à l’idée de devenir invisibles et d’en prendre un coup à cet égo titillé par la volonté de récompense, là aussi il y aurait beaucoup à dire sur l’exploitation neurologique d’un public littéralement conditionné comme autant de rats de labo en manque de dopamine – cf voir la websérie d’ARTE, consulter les bouquins sur le sujet, il y a de quoi faire), les réseaux sociaux ne sont pas des antichambres du paradis ; ce sont des entreprises qui doivent ramener de l’argent, et des bénéfices.

Or là aussi, ça coince. Meta/Facebook dévissant en bourse et licenciant en masse après avoir injecté trop de fric dans sa quête du metaverse, Twitter au bord de l’implosion après le rachat by un Elon Musk aux dents aiguisés de prédateur numérique libertarien en diable qui fiche les équipes dehors par tweet interposé, les recettes publicitaires en chute libre, les usagers qui se barrent. Pour tenir la rampe, plus d’autre solution que de faire payer. Tu veux être visible ? Tu raques.

• C’était déjà le cas via les publicités, avec un CPC (coût par clic) moyen de 1,86 euros sur Facebook Ads selon Slice.club, mais cela peut monter beaucoup plus haut avec certains tarifs… à 97 euros !
• Et maintenant, on va avoir droit à « Meta verified », abonnement payant Facebook et Instagram soit 11 euros 20 par mois pour faire authentifier son compte. Et il faudra payer pour chaque page. Ce n’est pas obligatoire mais l’acquisition du badge bleu de certification permet un accès privilégié au service client… et un regain de visibilité ?
• Idem chez Twitter avec la version « Blue » dont voici les tarifs cités par le Blog du modérateur :
  • « L’abonnement mensuel sur la version web : 8 € par mois
  • L’abonnement mensuel sur iOS et Android : 11 € par mois
  • L’abonnement annuel : 7 € par mois (12 % d’économie)
  • À savoir : la TVA s’applique (20 %). Donc pour un abonnement annuel, vous payez en réalité 100,80 € (et non 84 €) ».
• Et pour enfoncer le clou, citons la tarification des API jusqu’ici gratuites de l’oiseau bleu, avec un abonnement de 100 dollars environ au mois, ce qui risque fort d’enquiquiner les community managers de France, de Navarre et d’ailleurs.

Se tirer sur TikTok… et passer à « l’ennemi » sans le savoir ?

Ils nous avaient juré leurs grands dieux qu’ils resteraient gratuits. Et nous les avons crus. En oubliant que le « too big to fail » n’a absolument pas empêché la chute de géants comme Lehman Brothers, avec les dommages collatéraux considérables engendrés, chômage, crise économique et sociale, précarité, appauvrissement… Facebook, Twitter et consort sont-ils en voie de désagrégation ? Où se réfugier pour continuer à être visible ? TikTok ? Là aussi, avis de tempête : la plateforme chinoise est le cul sur un siège éjectable pour différentes raisons résumées dans l’article du Monde « Que reproche-t-on à TikTok ? Soft power, espionnage, données personnelles… ».

En jeu, rien moins que l’interdiction pure et simple par les puissances américaines et occidentales d’un réseau considéré comme un outil d’influence idéologique en sus d’un moyen de récolter des informations logistiques, en d’autres termes un James Bond numérique installé confortablement dans nos poches et nos smartphones. Communiquer sur TikTok, en dehors de la pauvreté affligeante des contenus et du fait que « ça rend con », dixit « Comment TikTok a ba*sé le cerveau d’une génération », l’analyse particulièrement pointue réalisée par le youtubeur Léo Duff, reviendrait à passer à « l’ennemi » sans le savoir ?

Changement d’approche en vue

En tout cas, miser sur une campagne de communication tiktokienne risque à l’avenir de capoter, et les budgets alloués à ce type de stratégie éditoriale de fondre comme neige au soleil. Où alors se réfugier, pauvres exilés social média que nous sommes ? Mastodon ? Diaspora ? Sur les applis indiennes développées en quatrième vitesse quand l’Inde a purement et simplement viré TikTok de son espace numérique en 2020 ? En tout cas, il va falloir changer notre approche. Désormais, deux enjeux se dessinent :

• demeurer visible sur les réseaux où on a déjà un ancrage… et se demander si on a les moyens financiers pour y parvenir… et si cela vaut vraiment le coup au niveau des effets.
• investir d’autres réseaux sur lesquels prospérer, quitte à ce qu’ils soient plus intimistes, moins fonctionnels.

Et sans forcément débourser un budget qui risque fort de croître avec le temps et les besoins financiers de ces géants aux pieds d’argile. La question doit être posée, surtout pour les petits entrepreneurs qui n’ont pas de moyens, les artistes qui n’en ont pas non plus mais sont dépendants de cette mise en lumière et qui passent énormément de temps à y valoriser leur création. Et puis il y a la question environnementale : le fait d’être sur une plateforme énergivore et polluante ne sera-t-il pas bientôt un facteur de mécontentement pour des usagers sensibilisés à la question climatique par la force des choses et la canicule qui frappe ? Pour mémoire, 900 000 recherches ont récemment été effectuées pour savoir comment “supprimer” ou “désactiver” Instagram, selon le Presse-citron, qui place Instagram en tête des applications à supprimer de son portable. Du coup, on ne va peut-être pas inaugurer un Insta spécial The ARTchemists, si ?

Mais, Padmé, pourquoi cet étalage de chiffres et d’infos qu’on connaissait déjà ? Si The ARTchemists ne sont pas contents, pourquoi continuer à publier sur ces mêmes réseaux sociaux que vous conspuez allégrement depuis le début de cet article ?

• Eh bien, parce que la problématique, nous la vivons au même titre que vous. Parce que, comme vous tous, nous nous sentons piégés dans ce labyrinthe. Parce que nous refusons que 10 années de travail acharné soient balayées
• Parce que nous avons conscience que demeurer ou non sur un réseau social va progressivement constituer un geste politique fort, impliquer un engagement, demander une réflexion en amont.
• Parce qu’avec pareil contexte implosif, TikTok impliqué dans la Guerre froide entre USA et Chine, les réseaux américains dévorant l’énergie comme des ogres, la visibilité de tous est mise en péril avec en perspective la santé d’entreprises, d’activités, de créateurs et d’artistes, de journalistes et de médias d’information.
• Parce qu’il va forcément y avoir des conséquences, et qu’il faut s’y préparer.

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Antoinette Poisson : les amateurs d’Histoire auront identifié le nom initial d’une certaine marquise de Pompadour, favorite de Louis XV et protectrice des arts. Les amoureux de belles choses auront quant à eux reconnu le patronyme d’une marque de décoration spécialiste de la dominoterie, un savoir-faire qui ne demandait qu’à revivre pour charmer nos yeux et nos intérieurs.

Faire revivre une tradition

À l’origine d’Antoinette Poisson, il y a deux restaurateurs de patrimoine, experts en papier peint. Un jour qu’ils travaillent à nettoyer les murs d’une vieille demeure auvergnate, ils exhument les vestiges d’un papier ancestral. C’est leur première rencontre avec un spécimen de papier dominoté, et une révélation. Les voici partis sur les traces d’une technique d’impression vieille de deux siècles, et dont on avait perdu et la trace et l’usage.

Savoir-faire en vogue durant le siècle des Lumières, la dominoterie mêle impression d’un motif pressé à partir d’une planche et coloration à la main ou au pochoir. Ornés de fleurs ou de formes géométriques, les dominos ainsi créées servaient à couvrir et à relier les livres, protéger l’intérieur des armoires, des tiroirs, des coffres, orner les murs de petites pièces et d’alcôves. C’est cette tradition que les fondateurs d’Antoinette Poisson ont voulu faire revivre.

Jeu de patience et de rigueur

En en respectant l’essence et l’excellence. Un petit tour dans leur boutique-atelier nichée au fond d’une petite cour près de la Bastille permet d’en juger : tandis que le show-room s’inspire des échoppes du temps jadis et des planches de l’Encyclopédie, l’atelier accueille une presse mécanique et de larges tables où on colore patiemment chaque nouvelle illustration. Les visiteurs peuvent ainsi observer le processus de création, un véritable jeu de patience, de concentration et de rigueur.

Destinées à être encadrées, ces planches peuvent aussi devenir boites, carnets, calepins, cartes, étiquettes, ex-libris, menus, abat-jour, lustre ou papier-peint ; les motifs précieux, initiés spécialement ou tirés d’anciens ouvrages, ornent également de la vaisselle ou des tissus d’ameublement. Le choix, vaste, fait revivre avec sensibilité cet art de vivre spécifique à une époque vouée aux plaisirs et à l’intime.

De très grandes griffes ne s’y sont pas trompées : les collaborations se multiplient avec le temps. Mais les particuliers également sont de plus en plus nombreux à se laisser charmer par cette atmosphère qui marie élégance, raffinement et émotion. Vous laisserez-vous tenter par cette ode à la dominoterie ?

 Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur la marque Antoinette Poisson, consultez son site web.

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28 novembre 1973, 21 heures, théâtre Gabriel dans le château de Louis XIV : la bataille de Versailles commence très officiellement. Pourtant, depuis des mois déjà, le combat a débuté, agitant les coulisses de la mode à l’international. Ce sont les différents actes de ce duel historique que nous raconte Robin Givhan dans un livre captivant paru aux éditions Séguier.

Un duel qui ne dit pas son nom

Un des épisodes de la série Halston évoque ce temps fort de l’histoire de la haute couture mondiale ; le livre La Bataille de Versailles décortique 360 pages durant, avec un luxe de détails et d’anecdotes, ce qui constitue un véritable tournant pour l’industrie planétaire de la mode. Officiellement, il s’agit d’une invitation cordiale afin d’orchestrer un défilé de mode en deux temps, dans un lieu culturellement prestigieux, devant la jet set des cinq continents réunie. La première partie du spectacle mettra en valeur les collections de cinq grands couturiers français, Yves Saint Laurent, Givenchy, Cardin, Marc Bohan pour Dior, Ungaro ; le second acte portera sur les créations de leurs homologues américains, Bill Blass, Oscar de la Renta, Halston, Anne Klein, Stephen Burrows.

Homologues ? C’est bien là le problème. La France se revendique comme la patrie de la haute couture, les stylistes venus de l’autre côté de l’océan ne peuvent prétendre appartenir à ce panthéon. Il va donc leur falloir conquérir ce droit, au travers d’un affrontement sans pitié, où tous les coups sont permis ou presque. Et Robin Givhan de nous raconter avec énergie et précision le pourquoi du comment de cet événement d’anthologie, où s’affrontent deux conceptions de la mode et du style. Deux marchés également, haute couture et prêt à porter, mais aussi industrie à la française, respectueuse des traditions et du décorum versus production à l’américaine, moderne et pleine de fantaisie.

Faire exploser les codes du défilé

Boosté par Eleanor Lambert, première grande marketeuse de la mode USA et fervente supportrice des couturiers américains, la soirée s’organise pas à pas, obstacle après obstacle, sous nos yeux ébahis et amusés. Petite leçon de communication et de réseautage, tandis que les femmes les plus élégantes de la planète deviennent les ambassadrices de cette manifestation présentée comme unique, et qu’il va falloir penser comme un véritable show. Un show que les Américains vont devoir improviser, alors que les imprévus viennent impacter leurs plans, déjà très simples faute de moyens. Pourtant, ce sont eux qui vont marquer les esprits ce soir-là. Eux, leur manière de concevoir les vêtements et l’allure féminine. Et puis, il y a leurs mannequins.

C’est une armada de belles filles dont beaucoup sont issues des minorités ethniques qui déboulent sur la scène du théâtre Gabriel pour faire exploser les codes du défilé bien sage dans les salons des maisons de haute couture. Ces jolies filles ont une véritable présence, du charisme à revendre ; qu’elles marchent ou qu’elles dansent, elles font vibrer les tenues qu’elles portent avec grâce. C’est le cœur même de l’événement, ce qui en fera un tournant majeur : cette manière inédite et révolutionnaire de montrer le vêtement en action. L’auteur en profite par ailleurs pour détailler les attraits sociologiques de la mode dans une Amérique alors déchirée par la guerre du Vietnam et les conflits raciaux.

À lire également :

• Halston : Icare de la mode ?
• Fashion ! : de la haute couture à la globalisation du luxe, 30 ans d’histoire de la mode à la française !
• Condé Nast : La fabrique du chic… et l’aventure de Vogue

De toute évidence, La Bataille de Versailles est un véritable plaisir à lire et une mine d’enseignements et de références. Seule frustration : l’absence d’illustrations. Il reste cependant la précision de descriptions qui aident l’imagination et forcent la curiosité. Par ailleurs, ces pages constituent une véritable initiation à la stratégie marketing propre aux codes du luxe.

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