Il y a des artistes dont on comprend immédiatement, dès les premières images, qu’elles n’appartiennent à aucune école, aucun mouvement, aucune géographie fixe. Romero Pasin est de celles-là. Hispano-argentine, formée au théâtre, rodée au cirque, installée au Canada, elle pratique le collage comme d’autres écrivent des journaux intimes : pour assembler ce qui n’aurait jamais dû se retrouver ensemble, et laisser la rencontre faire sens.

Un itinéraire en forme de carte du monde

Née en Argentine, Romero Pasin grandit au Mexique, en Colombie et en Suisse — une enfance déjà nomade qui façonne un regard naturellement pluriel. À quinze ans, c’est le théâtre qui la saisit. Elle y consacre ses vingt ans en Espagne, où elle produit, dirige et écrit plusieurs pièces avec sa propre compagnie. Puis vient le cirque itinérant — des années à confectionner et réparer costumes, accessoires et décors de scène, à naviguer entre les rôles de conteuse, de clown-habilleuse, de médecin des marionnettes, toujours les mains dans la peinture et les poches pleines d’outils.

Ce parcours en zigzag, elle en fait la matière première de son art. Car c’est dans cette longue fréquentation des constructeurs de décors, des peintres, des costumiers, que se constitue une pratique artistique qui refuse catégoriquement les frontières entre disciplines. Pasin se définit elle-même comme une artiste en médiums mixtes qui n’est pas entièrement autodidacte — la nuance est précieuse, et rare.

La magie du quotidien comme programme esthétique

Ce que cherche Romero Pasin dans son atelier canadien, c’est quelque chose d’aussi simple et d’aussi insaisissable que la magie dans l’ordinaire. Ses matériaux de prédilection : des objets anciens, des images vintage, des souvenirs, des photographies trouvées, des pellicules périmées. Tout ce que le temps a rendu légèrement irréel, tout ce qui porte en soi une histoire à moitié effacée.

Son processus créatif a quelque chose de méditatif. Elle commence avec une idée, puis se perd volontairement, se détache du mental pour laisser l’intuition prendre la main. Ce qu’elle décrit ressemble au jeu du Cadavre Exquis cher aux surréalistes : des fragments déconnectés qu’on assemble jusqu’à ce qu’ils trouvent un nouveau sens et racontent une nouvelle histoire. Ce n’est pas de l’improvisation, c’est de la confiance.

Collages, poupées, numérique : un vocabulaire à trois voix

Son œuvre se déploie en trois registres distincts, chacun habité par la même sensibilité. Les collages d’abord : des assemblages d’images anciennes aux compositions délicatement surréalistes, où une silhouette victorienne côtoie un élément botanique ou une texture de papier vieilli. Les titres — The Games We Used to Play, The One Who Followed His Heart, Little Healers — donnent le ton : narratif, poétique, légèrement énigmatique.

Les art dolls ensuite : des poupées d’artiste confectionnées à la main, qui prolongent directement son expérience de costumière et de créatrice de scène. Chaque pièce est unique, habitée, avec ce quelque chose d’inquiétant et de tendre propre aux objets qui semblent avoir une vie intérieure.

Le numérique enfin : une série de compositions — The Bath, Fauna, Don’t Forget to Look Behind, Together, Sailing into the Wind — qui transportent l’esthétique du collage physique dans un espace dématérialisé sans rien perdre de la poésie de l’analogique.

Une présence internationale croissante

Depuis 2020, Romero Pasin expose régulièrement dans des cadres collectifs qui confirment l’ancrage de sa pratique au coeur de réseaux d’art indépendants et alternatifs. Outsider Art Magazine lui consacre une place en 2020. Elle participe à des expositions collectives organisées par Québec Collage, par la galerie Start à Varsovie, par Vayo Collage Gallery à Rochester (New York). En 2024, son travail est projeté dans le cadre d’une exposition virtuelle et physique à la Holy Art Gallery de Londres. En avril 2025, elle expose au sein du collectif Éveil d’avril à la Galerie Ambigu de Montréal. La même année, Assembla Magazine — publication dédiée à l’art du collage — lui consacre une place dans son numéro inaugural.

Elle a également signé la pochette d’album pour Carmine Ioanna Music Company en 2021, et participé à l’exposition El privilegio de vivir, organisée par le collectif Mujeres que cortan y pegan dans le cadre du festival de poésie NUDO à Barcelone — une belle métaphore pour une artiste qui découpe, assemble et noue des récits depuis des continents et des matières.

Son travail est à découvrir sur romeropasin.com et sur Instagram @romero_pasin.

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Le deuil est devenu viral. Les traumas font l’objet de podcasts primés. Les catastrophes s’archivent en stories. Nous vivons dans une époque qui consomme le malheur des autres avec une voracité inédite — non pas par sadisme, mais parce que le tragique est devenu, structurellement, le principal carburant de l’attention collective. Ce glissement soulève une question qui excède les sphères morale et esthétique pour toucher à l’anthropologique. Que fait une société qui transforme la souffrance en contenu ? L’honore-t-elle, ou la digère-t-elle simplement ?

La spectacularisation du réel : quand le choc devient langage

L’esthétique de l’urgence traumatique s’est imposée comme le registre dominant de l’information contemporaine. Attentats, catastrophes naturelles, féminicides — la couverture médiatique de ces événements obéit désormais à une grammaire reconnaissable : musique stressante sur les plateaux, images répétées en boucle, bandeaux alarmistes, témoins filmés à chaud. Il ne s’agit plus d’informer ; l’objectif est de produire une expérience émotionnelle partagée.

Les réseaux sociaux ont radicalisé cette logique. Le direct permanent, la géolocalisation des drames, la viralité des images de détresse : chaque catastrophe devient un feuilleton avec ses épisodes, ses retournements, ses personnages récurrents. La médiation disparaît au profit d’une illusion de présence immédiate. Or, comme le note le sociologue David Le Breton dans La Sociologie du risque, la surexposition à l’image de la souffrance, si elle génère de l’empathie, peut tout autant alimenter un émoussement du regard, une désensibilisation progressive.

Ce paradoxe est au cœur de notre rapport contemporain au tragique : nous y sommes exposés comme jamais, et peut-être moins touchés qu’on ne le croit.

Le trauma comme produit culturel : le vrai crime en question

En octobre 2022, Netflix mettait en ligne la série Dahmer : Monstre — L’histoire de Jeffrey Dahmer. En quelques jours, le parcours criminel du Cannibale de Milwaukee raconté par Ryan Murphy s’impose comme la deuxième série en langue anglaise la plus regardée de l’histoire de la plateforme. Le succès est massif, le scandale aussi.

Les familles des victimes découvrent l’existence du programme en même temps que le reste du monde. Eric Perry, cousin d’Errol Lindsey — la onzième victime du tueur, assassinée en 1991 — publie sur Twitter une réaction qui résume la blessure infligée : « C’est traumatisant encore et encore, et pour quoi faire ? De combien de films, de séries, de documentaires avons-nous besoin ? » Rita Isbell, sœur d’Errol Lindsey, explique que Netflix a reconstitué sa crise de rage au procès sans jamais la consulter, ajoutant que la plateforme faisait « de l’argent sur cette tragédie ».

La série Dahmer n’est qu’un exemple parmi d’autres d’un genre devenu dominant : le true crime à haute valeur de production, où le soin apporté à la reconstitution esthétique de l’horreur coexiste avec l’absence quasi systématique de consentement des survivants et des proches. La question n’est pas celle de la représentation en soi — l’histoire du crime fascine depuis Dostoïevski. Elle est celle du protocole éthique : à qui appartient la douleur d’autrui, et qui décide de la mettre en scène ?

Mémoriaux et musées : entre transmission et mise en scène

La muséographie contemporaine des grandes tragédies historiques s’est profondément transformée depuis les années 1990. L’United States Holocaust Memorial Museum de Washington (1993) fait figure de pionnier en inaugurant un parcours narratif immersif, où l’architecture elle-même — plafonds abaissés, éclairages crus, matériaux industriels — participe de la transmission. Les musées-mémoriaux qui ont suivi, de Yad Vashem à Jérusalem jusqu’au Mémorial de la Shoah à Paris, intègrent cette dimension sensorielle : objets ayant appartenu aux victimes, témoignages enregistrés, lumières tamisées, salles étroites.

Au Mémorial de la Shoah, rue Geoffroy-l’Asnier, le Mur des Noms porte les noms de 76 000 déportés. La crypte abrite des cendres de victimes d’Auschwitz et du ghetto de Varsovie. Le dispositif est sobre, silencieux, efficace. Il se distingue radicalement des expériences immersives à vocation commerciale qui se multiplient dans le même temps, expositions Van Gogh « vivantes », reconstitutions en réalité virtuelle et autres parcours sensoriels dans les musées d’histoire naturelle.

La frontière tient à l’intention et à l’éthique de la forme. Un mémorial qui fait ressentir pour mieux comprendre n’opère pas sur le même registre qu’un dispositif qui fait ressentir pour en mettre plein les yeux. Mais la ligne est poreuse, et chaque nouvelle technologie d’immersion la repousse un peu plus.

L’art contemporain face au tragique : dénonciation ou complicité ?

Certains artistes travaillent la douleur comme une matière politique, avec une rigueur qui interdit la confusion avec le sensationnalisme. Sophie Calle, dans l’installation Rachel, Monique présentée au Palais de Tokyo en 2010, fait du deuil de sa mère le matériau d’une œuvre radicalement intime. Vidéos des derniers instants, objets déposés dans le cercueil, photographies de stèles — Calle reconstitue un mausolée vivant, traversé par une tension entre la perte personnelle et sa mise en visibilité. Ce n’est pas la mort qui est donnée à voir, mais le travail du deuil lui-même.

Santiago Sierra procède autrement, avec une froideur clinique qui est en elle-même le propos. L’artiste espagnol paie des individus en situation de grande précarité — sans-papiers, toxicomanes, travailleurs sans emploi — pour accomplir des tâches dégradantes ou douloureuses. En 1999, à La Havane, il rémunère six jeunes hommes sans emploi 30 dollars pour se faire tatouer une ligne de 250 cm dans le dos. En 2000, il paye une femme travailleuse du sexe le prix d’une dose d’héroïne pour subir le même traitement devant un public de galerie. L’œuvre, intitulée 160 cm Line Tattooed on 4 People, est documentée et exposée. La question qu’elle pose est insoluble : Sierra dénonce-t-il l’exploitation capitaliste des corps précaires, ou en use-t-il à son bénéfice ? La polémique déclenchée est peut-être la réponse la plus honnête.

Dans les deux cas, l’art se pose comme miroir, un miroir qui n’a rien de neutre. Il choisit l’angle, la distance, la lumière. La question éthique pour tout artiste travaillant sur le tragique n’est pas « est-ce que je représente ? » mais « comment est-ce que je représente, et au bénéfice de qui ? »

Une société saturée d’émotions fortes : désensibilisation ou dépendance ?

Notre époque présente un paradoxe que les spécialistes de la communication ont commencé à documenter : elle est à la fois saturée d’images de souffrance et de moins en moins capable d’en être durablement affectée. L’image du petit Alan Kurdi, noyé et échoué sur une plage turque en 2015 avait provoqué une onde de choc mondiale, relançant brièvement le débat sur l’accueil des réfugiés. Quelques semaines après, le flux d’actualité avait perdu ce cliché terrible dans un flot d’autres images. L’émotion forte, sans ancrage narratif ni espace de médiation, ne dure pas.

L’économiste de l’attention Tim Wu, dans The Attention Merchants (2016), décrit comment l’espace mental humain est devenu un terrain de compétition économique. L’émotion — notamment la peur et la tristesse — s’est révélée l’une des ressources les plus efficaces pour capter et retenir l’attention. Ce que Wu nomme la « marchandisation de l’attention » implique une logique d’escalade : si l’ordinaire ne suffit plus à capter le regard, il faut l’extraordinaire. Si l’extraordinaire s’est banalisé, il faut l’insupportable.

Cette mécanique d’escalade explique en partie pourquoi le true crime, les documentaires sur les génocides et les séries sur les tueurs en série constituent désormais un genre florissant sur toutes les plateformes. L’horreur calibrée, rendue digeste par la fiction ou le documentaire, produit une émotion forte sans risque réel. Elle permet de « ressentir » sans s’engager.

Éthique de la forme : une responsabilité collective

Représenter le tragique n’est pas un mal en soi. L’art, la littérature, le cinéma ont toujours travaillé sur la mort, la douleur, la perte — et cette traversée peut produire de la connaissance, de l’empathie, voire de la catharsis. Ce qui pose désormais question, c’est l’éthique de la forme, les conditions dans lesquelles la représentation s’effectue, ce qu’elle donne à voir et à qui elle profite.

Plusieurs critères permettent de distinguer une représentation qui honore le tragique d’une mise en spectacle qui l’instrumentalise.

• Le consentement des personnes concernées — victimes, survivants, familles — est le premier d’entre eux, comme l’a illustré la polémique Dahmer.
• La présence d’une intention critique lisible, qui ne soit pas un simple alibi, en est un autre.
• La conscience du contexte de réception — où est diffusée l’œuvre, dans quel espace, avec quel public ? — en est un troisième.

Nous sommes tous, en tant que spectateurs, parties prenantes de cette économie de l’émotion. Regarder n’est plus un acte neutre. Il engage une responsabilité — celle de savoir pourquoi on regarde, ce qu’on cherche dans ce qui nous est montré, et si ce que nous regardons sert à comprendre ou simplement à consommer. La douleur des autres n’est pas un contenu comme un autre. Elle mérite, au minimum, qu’on lui pose la question de sa mise en scène.

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De Galilée à la réalité virtuelle, l’art a toujours cherché à multiplier les fenêtres par lesquelles le monde entre en nous. L’art immersif, quant à lui, nous propose non plus de regarder à travers une fenêtre, mais d’entrer dans une chambre d’écho, dans un périmètre où l’on est entouré. Mais derrière cette promesse de totalité, se cachent des enjeux esthétiques, économiques et philosophiques majeurs. Et la question qu’on doit se poser : est-ce une vraie révolution ou un mirage superficiel ?

On n’est plus devant l’œuvre, on y séjourne

L’art immersif désigne des œuvres ou des installations dans lesquelles le spectateur ne se contente pas de regarder : il entre, il circule, il est enveloppé, parfois même manipulé par l’espace, le son, la lumière, la technologie. On n’est plus devant l’œuvre, on y séjourne. Parfois l’interactivité entre en jeu : ce que fait le spectateur (se déplacer, bouger, toucher, intervenir) modifie parfois ce qu’il voit, ce qu’il entend.

Selon Wikipedia, l’art immersif contemporain compterait parmi ses précurseurs le cinéma. Dans les années 1960-70, la notion émerge avec des artistes qui veulent dépasser le tableau, l’objet, pour investir l’espace tout entier. Ainsi, Gustav Metzger en 1965 conçoit Liquid Crystal Environment, des œuvres qui sortent de la toile pour envelopper le spectateur. Quant aux environnements immersifs de Lucio Fontana, ils manipulent l’espace, la lumière, la perception pour casser les murs traditionnels du tableau ou de l’œuvre statique.

Une proposition muséale spectaculaire

Il s’agissait alors d’art expérimental : l’immersion était le fait de l’artiste, sa volonté et l’œuvre allait dans ce sens. Aujourd’hui, l’immersif est surtout une proposition muséale. Les grandes rétrospectives immersives des œuvres de Van Gogh, Monet, Klimt, les expositions type Atelier des Lumières à Paris, Frameless à Londres, Superblue à Miami, Hall des Lumières à New-York utilisent la projection numérique pour immerger le visiteur dans des peintures.

Les avancées technologiques permettent ce genre de manifestation : mapping vidéo, projections panoramiques, écrans ou surfaces à 360°, réalité virtuelle ou réalité augmentée, installations sonores immersives, environnements physiques recomposés (maquettes, miroirs, brouillard, modulation de lumière), usage de technologies numériques, LED, électronique interactive. On ne manque guère de moyens pour plonger le visiteur dans l’oeuvre, avec un effet spectaculaire indéniable.

Promesses et forces de l’immersion

C’est que l’art immersif a tout pour séduire :

• Cette expérience sensorielle forte possède une très forte attractivité de par les émotions procurées, grandeur, perte de repères, enveloppement.
• Pour beaucoup, c’est une façon d’entrer dans l’art de façon “moins intimidante” qu’avec une toile dans un musée silencieux. On peut toucher, marcher, se perdre. L’art devient accessible.
• L’art immersif propose un renouveau esthétique, en inventant de nouveaux langages visuels et sensoriels, en croisant les disciplines et en hybridant l’art avec la technologie.
• L’immersion permet de questionner notre rapport au réel, à la virtualité, à la surveillance, à la représentation. Un film ou une peinture vous montrent une image, mais l’immersion vous met dans la peau d’un espace, vous rend plus actif, plus conscient.

Les dérives, les critiques : où est l’escroquerie ?

Mais là où beaucoup applaudissent, d’autres crient au spectacle creux. Les critiques ne manquent guère qui ciblent des risques très réels.

• Le show avant l’idée : on transforme Van Gogh, Monet ou d’autres grands maîtres en background lumineux, en décor Instagram. Ce qui prime, c’est le visuel spectaculaire, la photo souvenir, pas la compréhension de l’œuvre, de sa matière, de son contexte. Beaucoup d’expos profitent simplement d’un nom prestigieux pour attirer les foules, sans investir dans la profondeur ou dans la réflexion critique.
• Le rapport qualité-prix : les billets coûtent souvent cher pour ce que c’est : une heure ou moins d’expérience dans un espace digital, souvent très peu interactif ou très “guidé”. On paye l’effet “grandiose” plus que l’intensité artistique. Pour beaucoup de visiteurs, l’expérience est jolie, plaisante, mais ne laisse pas de trace ou ne pousse pas à penser.
• L’uniformisation esthétique et le phénomène de mode : la mode des expositions immersives a donné naissance à un “copié-collé” décoratif : projections XXL sur murs, musique immersive, brouillard, etc. Très peu d’innovation dans la narration ou le fond, effet de saturation garanti : partout les mêmes expériences, les mêmes recettes technologiques, les mêmes produits d’appel basés sur des artistes “classiques” que le public “reconnaît”.
• Une dévalorisation de l’expérience traditionnelle, de l’objet physique, de la matière : l’expérience immersive demande presque toujours que l’on sacrifie le contact direct avec l’œuvre (la toile, le médium, la texture). On perd ce “ce qui fait œuvre” dans sa matérialité. Les musées, pour attirer, s’adaptent, mais risquent de transformer leur mission (préservation, éducation, critique) en une simple attraction.
• Une inégalité flagrante : qui peut y accéder vraiment ? Prix souvent élevés, lieux urbains, installations temporaires – l’expérience immersive élitiste devient un luxe. Le public est souvent déjà “sensibilisé” : amateur d’art contemporain, curieux technophile. Ceux qui n’ont pas de culture visuelle ou ceux éloignés des milieux branchés peuvent se sentir exclus ou dépassés.

Alors : modernité ou escroquerie ?

L’art immersif est une arme double. Il peut être radicalement libérateur : repenser l’espace, reconnecter le spectateur, réveiller la curiosité sensorielle et critique. Mais il peut aussi devenir une marchandise étincelante, un mirage tech pour touristes urbains, une offre branding+marketing déguisée en œuvre.

Ce qui compte au final, ce n’est pas la technologie en soi, mais l’intention derrière elle. Il convient alors de se poser les bonnes questions :

• Est-ce que l’œuvre permet de penser quelque chose ?
• Est-ce qu’elle interroge, perturbe, trouble, secoue ?
• Est-ce qu’elle dialogue avec le contexte, l’histoire, la matière, la politique ?
• Est-ce qu’elle engage le corps, mais aussi l’esprit, la mémoire, la critique ?

Si l’immersion est simplement un décor spectaculaire, un lieu où l’on passe sans penser, alors oui, c’est de l’arnaque. Mais dans ses meilleures formes, l’art immersif peut être une mutinerie poétique contre l’aliénation visuelle, contre la superficialité du scroll, contre la culture-clip.

Résumons …

L’art immersif n’a rien d’un sauveur culturel, mais il peut avoir ses avantages. Symptôme d’une époque en quête de sensation directe et d’évasion, il possède le potentiel pour éveiller le spectateur endormi. Le tout est de ne pas se laisser capturer par le mirage : rester exigeant, exiger du fond, de la pensée. Ne pas accepter la simple beauté lumineuse comme substitut de la profondeur.

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Exposition CLUBBING : ça pulse, ça clignote, le sol parle, les murs renvoient l’histoire collective de nos nuits. Le Grand Palais Immersif revendique la nuit comme un langage politique, un safe space bricolé contre le conformisme, la flicaille morale et la grisaille du quotidien. Danser, c’est écrire son corps à l’encre stroboscopique.

Des cavernes disco aux cathédrales techno

CLUBBING ? Un voyage à 360° dans la culture club, des cavernes disco aux cathédrales techno : The Loft, Studio 54, Haçienda, Le Palace, Bains Douches, Pulp, Trésor, Berghain… Conçue par Pierre Giner avec le collectif graphique Trafik et le média électronique Poptronics, l’exposition vous invite à créer votre avatar, vous habiller façon Andrea Crews / Maroussia Debeck, vous lâche sur un dancefloor numérique où ça voggue, gabberise, club-kidise, pendant que défilent témoignages et figures (Étienne de Crécy, Dave Haslam, etc.).

La fête comme archive sensible

Manifeste immersif XXL : CLUBBING ne momifie pas la nuit, elle la magnifie. On y parle identités, émancipation, contre-cultures et créolisation esthétique : la piste s’incarne comme le lieu de négociation entre intimes et politiques, entre minorités et mainstream. L’exposition assume la fête comme archive sensible — un montage de sons, d’images, de corps, de styles, d’utopies bricolées entre néons et fumée.

Énergies contradictoires

On passe par la parade des styles, notre double se perd dans la foule virtuelle, on se frotte aux mix historiques de FG, on traverse couloirs d’images et slogans typographiés, zones de danse et récits se mêlent. Énergies contradictoires : le parcours est calibré pour tous publics, sans renier la part d’insolence qui a fait des clubs des laboratoires d’autodétermination.

Concrètement, on y va pour :

• La traversée des lieux mythiques, rejoués comme ambiances et mythologies partagées.
• Le dispositif avatar (costumes, styles, défilé, dancefloor) qui désacralise la visite.
• Le regard politique assumé : la nuit comme espace d’expérimentation, de résistance et d’émancipation.

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Une fois de plus, soyez les bienvenu.es dans le dark side des paillettes virtuelles. Inspirée du roman de Delphine Le Vigan, la mini-série Les Enfants sont rois décrit les effets pour le moins pervers de l’exposition médiatique infantile. Ou quand le combo chasse aux likes/fascination des abonnés dévoile des consciences perturbées, un rapport néfaste à l’identité, un amour filial dénaturé.

Poule aux œufs d’or numérique

Kimmy Diore, une adorable petite fille de six ans, est la star de la chaîne YouTube « Happy Récré » qu’elle anime aux côtés de sa mère, la charmante, souriante, éclatante Mélanie. Problème : une après-midi, la gamine, partie jouer avec son frère au pied de son immeuble, disparaît. Panique à bord : perdue ? Accidentée ? Enlevée ? Pire encore ? Qu’a-t-il bien pu arriver à la petite ?

Dépêchée sur site ainsi que son équipe, l’enquêtrice Sara Roussel (excellente Géraldine Nakache) sait qu’elle doit agir vite pour trouver la trace de Kimmy. Mais elle se heurte très vite à une réalité déroutante. Derrière l’amour et la complicité affichés sur les écrans en rose fluo, elle découvre un climat délétère, une enfant exploitée, une mère obsédée par la célébrité, un père passif, un couple qui a fait de sa fille une poule aux œufs d’or numérique.

Les diktats du social media

Qui a bien pu vouloir mettre à mal ce conte de fées aux allures de petite entreprise très rentable en s’en prenant à cette fillette adorable au demeurant ? Un prédateur pédophile ? Un tueur psychopathe ? Un rançonneur ? Un concurrent ? À moins que les géniteurs de la star n’aient dérapé ? De révélation en découverte, les policiers se perdent en conjectures… et tombent toujours un plus haut de leur chaise et nous avec.

Car le scénario de ce polar de haut vol décortique à belles dents la réalité du star-système numérique des enfants. Influenceurs précoces, parents exploiteurs, public qui consomme tout ça comme des sucreries : le tableau est effrayant. À l’heure où les gamins se battent plus pour des abonnés Insta que pour des bonnes notes, Les Enfants sont rois est le miroir trash et brutal d’une époque soumise aux diktats du social media.

Le besoin maladif d’être reconnu.e

Les questions s’enchaînent tandis que ce récit grinçant nous secoue profondément : jusqu’où peut-on exposer ses gosses ? Comment la société peut-elle cautionner ce genre d’exhibition qui a tout de l’exploitation infantile ? Le personnage de la mère, interprété par une Doria Tillier sur le fil du rasoir, illustre une dérive ô combien malsaine et insupportable, le besoin viscéral, maladif d’être reconnue, adulée, quitte à la faire via sa fille, excroissance d’elle-même et qu’elle maltraite quand elle refuse de tourner.

Manipulatrice, colérique, violente, déséquilibrée mentalement, le personnage de Mélanie est au cœur du processus, prête à tout pour réussir, accumuler une fortune, être célèbre. En roue libre. Elle n’est pas la seule, c’est bien le problème. D’autres parents font de même, ses concurrents, dans un climat de rivalité féroce, où les enfants stars sont contraints de tourner toujours plus, soumis à des challenges qui en font des animaux de foire, des freaks digitaux.

Que reste-t-il quand les lumières s’éteignent ?

Insupportable et d’une tristesse suffocante. Des Thénardier, il n’y a pas d’autres mots. Le réalisateur Sébastien Marnier enfonce le clou, tissant une atmosphère froide et angoissante : chaque scène capte le désenchantement de cette quête de visibilité. La caméra est sans filtre, capture l’intimité exposée, la pression subie par chacun, comme un clin d’œil à l’absurdité de notre ère numérique. Prise de conscience en marche ?

Cette série ne parle pas seulement de la vie de quelques influenceurs perdus dans leur propre reflet ; elle parle de nous, de notre obsession à tout documenter, à tout partager, à monétiser même les moments les plus intimes. Elle pose une question féroce : que reste-t-il quand les lumières s’éteignent ? Uppercut médiatique, critique qui laisse groggy : si vous n’avez pas encore ouvert les yeux sur les dérives de notre monde hyperconnecté, Les Enfants sont rois va s’en charger en mode électrochoc. Et cela devrait vous passer l’envie de devenir influenceur.

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La question peut sembler complètement stupide. Et pourtant. Depuis quelques jours, dès que j’envisage de visiter/chroniquer un musée, je me heurte à : « Fermé pour travaux ». Ma chronique sur le Musée de la vie romantique ? Poubelle because travaux. Celle sur le Musée de Port-Royal ? Idem. Visiter la maison de Mallarmé ? Travaux. Une véritable épidémie, derrière laquelle se cache une réalité muséale complexe. Gardiens de notre patrimoine culturel et artistique, espaces de conservation et d’exposition, les musées sont par la force des choses soumis aux lois de la dégradation et de l’évolution. Des travaux s’imposent régulièrement, et pas seulement pour entretenir/réparer les locaux. D’autres problématiques sont en jeu. On ne prend pas la décision de fermer un musée pour travaux sur un claquement de doigts. Plusieurs raisons vont justifier de mettre l’établissement hors course pendant un temps certain. Des raisons qu’il est passionnant de passer au crible.

Une meilleure préservation du lieu et des œuvres

Les bâtiments muséaux, souvent d’origine historique et labellisés comme tels, nécessitent des mises à jour régulières de leurs infrastructures, ne serait-ce que pour répondre aux normes de sécurité, qui, elles aussi, mutent constamment.

• Les musées doivent s’y conformer, qu’il s’agisse de la protection incendie, de l’évacuation des visiteurs, ou de la sécurité des œuvres. Des travaux sont parfois indispensables pour garantir que ces normes sont respectées. Cela va de l’installation de caméras de surveillance et de systèmes d’alarme à la mise en place d’issues de secours convenablement signalées et accessibles en passant par des systèmes de détection incendie efficaces, d’usage de matériaux ignifugés, de protections anti-inondation, de portiques de détection…
• Et puis il y a l’amélioration des systèmes électriques, de chauffage, de ventilation. Importantes pour le confort des visiteurs et des personnels, ces modifications jouent aussi sur la qualité de conservation des collections. Les œuvres d’art et les artefacts, exposés en salle ou conservés dans les réserves sont extrêmement sensibles aux conditions environnementales. Un contrôle précis de l’humidité, de la température, et de la lumière est essentiel pour éviter la détérioration des pièces. Les travaux peuvent donc viser à installer des systèmes de climatisation ou d’éclairage plus performants pour mieux préserver les collections.
• Les musées situés dans des bâtiments historiques vont devoir effectuer des travaux de restauration en continu pour conserver ou mettre en valeur l’architecture du lieu. Il s’agit alors d’orchestrer des interventions minutieuses réalisées par des artisans d’art, qui vont respecter l’authenticité du bâtiment tout en permettant sa modernisation.

S’adapter aux impératifs du public et de l’époque

Autre facteur qui va influencer l’orientation des travaux : le public. Ce dernier change, évolue, dans ses pratiques, ses attentes. Un parcours plus vivant et interactif, des espaces de loisirs, des boutiques éventuellement, une scénographie attractive : on mise désormais sur l’expérience vécue, le ressenti. Il faut donc équiper les espaces muséaux dans ce sens.

• Point important : la hausse de fréquentation, l’évolution des attentes du public, l’augmentation des collections. Ces différents facteurs peuvent amener un musée à agrandir et à repenser ses espaces d’exposition et de stockage. Cela inclut souvent la construction de nouvelles galeries, l’amélioration des installations existantes, la création d’espaces dédiés à des activités éducatives et interactives.
• Il s’agit aussi d’améliorer l’accessibilité pour les personnes à mobilité réduite : portes automatiques, rampes d’accès, sols antidérapants, bancs et chaises, panneaux en braille, guidage au sol, œuvres tactiles, audioguides et vidéos en langues des signes, il y a de quoi faire en la matière.
• On misera aussi sur le participatif en aménageant des espaces modulables, pour y accueillir ateliers, conférences, performances artistiques. Ces lieux doivent prendre racine dans l’espace muséal sans en briser la cohérence, tout en proposant une esthétique spécifique, des équipements adaptés qu’on peut transformer selon les manifestations. Cela implique des travaux d’architecture intérieure exigeants.
• Numérisation oblige, l’espace muséal doit s’ouvrir aux joies des nouvelles technologies. Applications mobiles et audioguides sont une chose, mais il faut aussi intégrer réalité virtuelle et réalité augmentée, écrans tactiles, bref tout un attirail digital qui suppose des aménagements adéquats, ne serait qu’un excellent réseau wifi, des serveurs locaux et des systèmes de stockage dignes de ce nom, des salles de réalité virtuelle insonorisées, des cabines interactives pour s’immerger dans les œuvres, des murs numériques, une signalétique adaptée pour les parcours en AR…
• Dans un contexte de chaos climatique, le musée doit aussi prendre en compte la question du développement durable. Cap sur l’éco-conception ! Amélioration énergétique, réduction de l’empreinte écologique, éclairage LED, création de jardins extérieurs.

Chantiers muséaux : enjeux, défis et objectifs

Comme vous venez de le constater, les raisons de moderniser l’espace muséal ne manquent guère. Problème : il n’y a pas de baguette magique. Les travaux effectués dans un musée ne sont jamais anodins. On ne se lance pas dans l’aventure comme ça ; cela demande une organisation minutieuse.

• Les décisions concernant les travaux sont généralement prises par la direction du musée, en concertation avec les pouvoirs publics, les conservateurs, et parfois des architectes spécialisés dans la rénovation de bâtiments culturels. L’initiative repose sur des études approfondies de l’état du bâtiment, des collections, des besoins futurs du musée.
• Qui dit travaux dit sous. Ces chantiers sont souvent coûteux. Le financement peut provenir de fonds publics, de subventions, de mécénats, ou de campagnes de financement participatif. Le budget alloué doit couvrir à la fois les coûts de construction et les frais de conservation des œuvres pendant la période de travaux.
• Les chantiers dans les musées nécessitent des compétences spécifiques. Les entreprises recrutées doivent être expertes dans la restauration de bâtiments historiques ou dans la manipulation d’œuvres d’art. Le processus de sélection peut inclure des appels d’offres et la vérification des qualifications des ouvriers.
• La supervision est assurée par un chef de chantier, en collaboration avec des conservateurs de musée et des experts en restauration. Ces derniers veillent à ce que les travaux respectent les exigences patrimoniales et muséologiques. Les architectes, ingénieurs et artisans doivent travailler de concert pour assurer la qualité des interventions.
• Pendant les travaux, les œuvres doivent être soigneusement emballées, stockées ou même temporairement relocalisées. Cette opération, qui doit se faire dans le respect de normes strictes, est souvent supervisée par des conservateurs spécialisés.

Perturbateurs à court terme (surtout quand il faut fermer l’établissement), les travaux ont pour objectif d’améliorer l’expérience des visiteurs, de protéger les collections et de valoriser le patrimoine architectural. Ils permettent également au musée de s’adapter aux évolutions technologiques et sociétales, assurant ainsi sa pérennité.

À la réouverture, les visiteurs peuvent s’attendre à un espace plus moderne, plus sûr, et plus engageant, où les œuvres sont présentées dans des conditions optimales. Pour le musée, c’est l’occasion de renouveler son attractivité, d’accroître sa fréquentation, et de renforcer sa mission éducative et culturelle. En somme, les travaux dans un musée sont le fruit d’une volonté de conserver le passé tout en se tournant résolument vers l’avenir, garantissant ainsi que ces institutions continuent d’inspirer et d’éduquer les générations futures.

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Aujourd’hui, direction le musée de la Renaissance à Écouen pour découvrir les fastes et les misères de la Renaissance. Situé dans un splendide château du XVIe siècle, ce parcours muséographique constitue une authentique perle rare pour tous les amateurs d’histoire et d’art, qui offre une immersion à la fois riche, scientifique et élégante dans un univers aussi somptueux que brutal.

Refléter l’esprit de la Renaissance

Aucun hasard dans le choix du lieu : le château d’Écouen, pur joyau de l’architecture Renaissance, a été érigé dans les années 1530 par Anne de Montmorency. Célèbre connétable de France, ce personnage ô combien influent, proche des rois François Iᵉʳ et Henri II, souhaitait construire un édifice reflétant le prestige et la magnificence de son rang. Ce bâtiment majestueux, témoin des audaces architecturales et esthétiques de l’époque, était donc fait pour abriter le Musée National de la Renaissance.

Inauguré en 1977, ce dernier a pour but de préserver et de mettre en valeur les trésors artistiques et historiques de cette période chargée d’Histoire. Ce siècle charnière a en effet vu l’émergence d’un souffle créatif inédit en Europe, entre renouveau des arts, des sciences et de la pensée humaniste ; mais il a également accouché de l’horreur des Guerres de religion, d’affrontements politiques terribles, de conflits meurtriers, d’une barbarie fanatique impitoyable.

Des collections exceptionnelles

S’étendant du XIVe au XVIIe siècle, la Renaissance fut une époque de profonds bouleversements culturels, intellectuels, politiques, diplomatiques. S’inspirant des œuvres de l’Antiquité, les artistes et penseurs humanistes ont redéfini les canons de la beauté, de l’harmonie et du savoir. L’Italie, berceau de ce mouvement, a vu naître des génies tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël, dont l’influence s’est étendue à travers toute l’Europe.

À travers ses collections, le château d’Écouen nous permet de plonger dans cette époque foisonnante, d’en apprécier les subtilités et d’en comprendre les innovations. Le musée abrite œuvres d’art, pièces de mobilier, tapisseries, objets décoratifs, armes et autres artefacts témoignant de l’extraordinaire créativité et de l’ingéniosité artisanale de ce temps. Parmi les pièces maîtresses, on trouve notamment un somptueux cabinet vénitien, la série de tentures illustrant l’épisode biblique des amours de David et Bethsabée, une statuette en argent et corail représentant Daphné, une des héroïnes des Métamorphoses d’Ovide…

Un musée vivant

Le musée de la Renaissance propose par ailleurs des expositions temporaires dont nous nous faisons souvent l’écho dans nos rubriques, explorant divers aspects de cette période fascinante. Parmi les expositions passées, notons Pathelin, Cléopâtre, Arlequin – Le théâtre dans la France de la Renaissance, LA FRANCE DES FONDEURS – Art et usage du bronze aux XVIe et XVIIe siècles ou FRANCOIS 1er ET SOLIMAN LE MAGNIFIQUE – Les voies de la diplomatie à la Renaissance.

Ce véritable lieu de vie et d’échanges culturels propose par ailleurs nombre d’événements variés, accueillant certains concerts du festival baroque de Pontoise, la Nuit européenne des musées ou les Journées du patrimoine, organisant des visites théâtralisées. Les conférences, souvent animées par des historiens de l’art, offrent un éclairage approfondi sur les collections et les expositions du musée.

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Dans notre effort de repérage d’outils culturels efficaces et porteurs, l’étape que constitue le site de la BNF est essentielle, pour ne pas dire vitale. En effet, cette interface propose un volet complet composé d’expositions virtuelles particulièrement pertinentes par les sujets qu’elles traitent, le propos qu’elles développent, les parcours qu’elles suivent.

Six sections, six secteurs

Réparties en six sections, ces explorations couvrent les secteurs suivants :

• Galerie du livre et l’écrit
• Galerie des écrivains et conteurs
• Galerie d’histoire des représentations
• Galerie des arts et de l’architecture
• Galerie de la photographie
• Galerie des cartes et globes

De véritables expositions

Ce tour d’horizon ambitieux parle aussi bien de l’histoire de la presse que de cartographie, de Zola ou des philosophes des Lumières, des enluminures comme des utopies, … Claires et colorées, les interfaces sont agréablement mises en images, pensées comme de véritables expositions confrontant documents et témoignages, le tout assorti de cartels précis et aisés à retenir.

Facilités mnémotechniques

Ludique et accrocheur, ce média s’adresse à tous, lycéens, étudiants, adultes désireux de compléter leurs connaissances. Chacun, qu’il soit visuel ou kinesthésique, s’y retrouvera sans problème. Tout est en effet agencé pour multiplier les facilités mnémotechniques tout en proposant un contenu à la fois élaboré et simple. Un réel bonheur qui repense tout le processus d’acquisition des savoirs.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus, n’hésitez pas à consulter les pages du site de la BNF consacrées à ces expositions en ligne.

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Sur The ARTchemists, nous évoquons régulièrement les jeunes artistes et talents émergents. Pour vous les faire découvrir, mais pas seulement. L’idée est de réconcilier notre lectorat avec l’art contemporain et ses différentes expressions, mais aussi, pourquoi pas, de susciter des vocations de collectionneurs passionnés et avisés. Car collectionner des œuvres d’art, c’est aussi investir. Ce qui implique, il faut bien le reconnaître, une certaine gymnastique intellectuelle, de la pratique, le respect de certaines procédures. Avec à la clé une problématique : comment déterminer la cote d’un artiste ? Cela ne s’improvise. Pour y parvenir, il faut suivre plusieurs étapes.

Examiner l’œuvre d’art

Tous les professionnels du marché de l’art s’accordent sur ce point. Première étape pour déterminer la cote d’un artiste, il faut évaluer l’œuvre qu’on désire acheter ou vendre. Si l’on en croit le site Estimon’objet, cette tâche, complexe, nécessite de prendre en compte plusieurs aspects.

La taille de l’œuvre

Petite et intimiste, grande et monumentale ? La taille joue un rôle déterminant dans le pouvoir d’attraction sur le spectateur ; elle influence la manière dont on perçoit l’œuvre, dont on la reçoit dans un espace donné, en interaction avec d’autres œuvres.

Les matériaux utilisés

Traditionnels comme la toile et la peinture à l’huile ? Contemporains comme le plastique, le métal ? Des matériaux recyclés ? Les composantes de l’œuvre contribuent à l’expression artistique, en créant des textures, des couleurs ou des contrastes spécifiques. Elles influencent ainsi l’esthétique et la durabilité de la création.

L’état de conservation

L’état de conservation d’une œuvre d’art est essentiel pour sa valeur à long terme. Les œuvres anciennes nécessitent souvent une restauration pour préserver leur intégrité ; les œuvres contemporaines doivent être entretenues pour éviter leur détérioration. N’oubliez jamais cette règle : une pièce en mauvais état a moins de valeur, elle s’avère moins précieuse.

La qualité de l’œuvre d’art

C’est le critère le plus subjectif, le plus glissant, car il dépend des préférences personnelles de l’observateur. Comment apprécier la qualité d’une œuvre avec objectivité ? En examinant la maîtrise technique de l’artiste, par exemple, sa créativité, son originalité, l’expression émotionnelle et la pertinence par rapport à son contexte culturel et artistique. On peut aussi prendre en compte la capacité de l’œuvre à susciter une réaction émotionnelle ou intellectuelle chez le spectateur.

Comparer l’œuvre d’art avec d’autres

C’est une étape cruciale lors de l’acquisition ou de l’appréciation d’une pièce artistique. Il s’agit de mieux comprendre l’objet d’art en question, de l’apprécier davantage et de prendre des décisions éclairées, que ce soit en tant qu’acheteur potentiel, collectionneur ou simplement amateur d’art. Là aussi, plusieurs angles.

Comparer le style est l’une des premières étapes pour comprendre une œuvre d’art. Chaque artiste a un style unique qui se manifeste à travers des choix de couleurs, de techniques, de composition et de thèmes. En comparant le style d’une œuvre avec d’autres du même artiste, de la même période, on peut en apprendre beaucoup sur son contexte et son évolution artistique. On établit ainsi des liens, des influences, ce qui enrichit notre compréhension de l’art.

Vous pouvez ensuite apprécier son âge par rapport à d’autres œuvres. Le but est de saisir l’importance historique de l’œuvre et son évolution artistique. Il est important de la situer dans son contexte chronologique : est-ce une pièce de la Renaissance, du Baroque, du Romantisme, de l’Art moderne ? On va par ailleurs apprécier les innovations artistiques de l’époque, les mouvements artistiques dominants et les réactions à des événements historiques.

Enfin, il faut comparer les prix des différentes œuvres. Que vous envisagiez d’acheter ou que vous souhaitiez simplement apprécier leur valeur, c’est impératif : en effet, le prix peut varier énormément selon la renommée de l’artiste, la rareté de l’œuvre, son état de conservation, la demande du marché. Comparer les prix d’œuvres similaires, c’est évaluer si le coût d’une œuvre spécifique est raisonnable, surévalué ou sous-évalué.

Scruter les ventes aux enchères

C’est un autre temps de cette fascinante investigation : décrypter les résultats de ventes aux enchères d’œuvres d’art du même artiste, c’est avoir un aperçu précieux de l’évolution de sa valeur artistique et financière. Cette analyse des ventes aux enchères peut être abordée sous plusieurs angles.

L’évolution des prix au fil du temps

Il s’agit d’examiner les résultats de ventes aux enchères d’œuvres d’art d’un artiste sur une période étendue ; on peut alors observer comment la valeur de son travail a évolué. On notera les tendances de croissance ou de décroissance des prix, les moments clés où la valeur de l’artiste a atteint de nouveaux sommets.

Les facteurs influençant la valeur

Cette même analyse révélera les facteurs qui ont influencé la valeur des œuvres d’art : des facteurs intrinsèques, tels que des évolutions stylistiques, des innovations techniques ; des facteurs extrinsèques, comme des expositions majeures, des critiques élogieuses, voire la renommée personnelle de l’artiste.

Les variations entre différents types d’œuvres

Il faut aussi tenir compte de la diversité des œuvres d’art créées par l’artiste. Certaines catégories, comme les peintures, les sculptures, les estampes ou les photographies, peuvent connaître des variations de prix significatives. L’analyse comparative entre ces différentes catégories fournit des informations essentielles sur les préférences des acheteurs.

Le marché géographique

Les résultats des ventes aux enchères peuvent également varier en fonction de la région où elles ont lieu. Les œuvres d’un artiste peuvent se vendre à des prix différents à New York, Paris ou Hong Kong. Comprendre ces variations géographiques aide à cibler efficacement le marché de l’art.

Le contexte historique et social

Il ne faut surtout pas le négliger : les mouvements artistiques, les changements de goût, ou les événements historiques peuvent avoir un impact sur la demande et la valeur des œuvres d’art.

L’investissement artistique

L’analyse des résultats des ventes aux enchères peut également être utilisée pour évaluer la viabilité d’un investissement dans l’art de cet artiste. Les tendances passées peuvent donner des indications sur la potentialité de croissance future de la valeur de ses œuvres.

Tenir compte des tendances du marché de l’art

C’est un véritable baromètre pour les créateurs, les collectionneurs, les galeristes et les investisseurs. Il reflète non seulement les goûts et les préoccupations de la société tout en offrant des opportunités financières significatives. Bref, on ne peut pas évaluer la côte d’un artiste sans inclure ce paramètre crucial… et en constante évolution. Voici quelques points clés à considérer pour en déchiffrer les mutations, les tendances phares qui se détachent.

• L’art contemporain : Il est en vogue, avec de nombreuses galeries et musées mettant en avant de jeunes artistes. L’expérimentation et la transgression des normes artistiques sont encouragées. Les artistes issus de différentes cultures et régions du monde gagnent en visibilité. Les œuvres d’art contemporaines reflètent la richesse de la diversité culturelle, et cela se traduit par une plus grande variété de styles, de médiums et de sujets artistiques.
• L’art numérique et l’innovation technologique : Les avancées technologiques, telles que l’IA et la réalité virtuelle, sont de plus en plus utilisées dans l’art pour créer des expériences immersives uniques. Les œuvres d’art numérique, y compris les NFT (jetons non fongibles), sont de plus en plus populaires. Cette technologie permet aux artistes de vendre leurs créations en ligne et aux collectionneurs d’investir dans des œuvres numériques uniques. Quant aux plateformes en ligne, elles se multiplient, permettant aux amateurs d’art d’acheter, de vendre et de découvrir des œuvres sans avoir à se rendre dans une galerie physique. La pandémie de COVID-19 a accéléré cette tendance qui ne cesse de croître.
• La durabilité et la conscience sociale : L’art écoresponsable gagne en importance, avec des artistes utilisant des matériaux recyclés ou issus de sources durables. L’art engagé politiquement ou socialement est de plus en plus courant, reflétant les préoccupations de la société.
• L’expansion des marchés asiatique et africain : Les acheteurs asiatiques, en particulier chinois, ont un impact de plus en plus important sur le marché de l’art. Les œuvres d’art asiatiques, anciennes et contemporaines, sont très demandées. Idem pour les artistes originaires d’Afrique qui, de plus en plus, captent l’attention des collectionneurs, des galeries, des musées.
• L’éducation et la sensibilisation : Les amateurs d’art veulent se former, ils recherchent de plus en plus d’informations sur les artistes, les techniques et les courants artistiques. L’éducation et la sensibilisation sont donc des éléments clés du marché. Par ailleurs, la traçabilité et l’authenticité des œuvres d’art sont devenues des préoccupations majeures, en particulier dans le contexte croissant des contrefaçons.

Examiner l’œuvre d’art, la comparer avec d’autres, scruter les ventes aux enchères, observer les tendances du marché de l’art : voici les quatre piliers qui déterminent la cotation d’un artiste, la valeur d’une œuvre. C’est un véritable apprentissage, qui prend du temps, qui exige de la rigueur, de la passion également.

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Ceux qui lisent Shakespeare le savent : le poison c’est pas top. Dixit Hamlet senior soit disant foudroyé dans son sommeil par un serpent, en fait son frangin qui en profite pour lui piquer sa couronne, son trône et sa bonne femme… un frangin qui forge ce mensonge en toute connaissance de cause. La Nature en la matière est prolixe et inventive. Il suffit de visiter l’exposition Venenum – Un monde empoisonné pour s’en convaincre.

Une multiplicité d’approches fascinante

Désormais accessible virtuellement, cette manifestation d’envergure internationale (elle a tourné à Lyon comme au Québec) décortique l’histoire du poison, sous toutes ses formes et avec une multiplicité d’approches fascinante. Qu’est-ce que la toxicité ? Quels usages possibles du poison, dangereux, mais aussi bienfaisant ?

La peur universelle du poison

Spectaculaire bien évidemment mais aussi très sensé puisqu’il s’agit de cerner le concept de venin dans toutes ses facettes, tout en cherchant à comprendre l’impact de la peur universelle du poison dans nos sociétés. Comment cela a-t-il répandu croyances et mythes, comme la société s’en protège-t-elle… ou ignore-t-elle le poison qu’elle peut générer via la pollution par exemple ?

Une vision immersive à 360°

Scénographie impactante et expérience immersive, ce parcours confronte légendes et réalités, imaginaire et science pour une vision à 360° où les forces naturelles jouent leur rôle tout autant que les humains. Venins naturels, poisons fabriqués, quête des remèdes… tout est ici abordé de cette thématique fascinante qui ne cesse de nous surprendre.

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