Révélations et cadavres

Nous sommes en 1955 : Harold S. Angel est un petit détective privé new-yorkais sans grande envergure. Il est engagé par le très élégant et mystérieux Louis Cyphre pour retrouver le crooner Johnny Favorite qui a une dette envers lui. Crooner qui a disparu des radars en pleine seconde guerre mondiale puis qui remonte à la surface blessé, défiguré et amnésique.

Enfin ça c’est la version officielle. Plus Angel avance dans son enquête, plus cette version s’étiole. Et les rencontres étranges de se multiplier, les révélations de s’accumuler. Les cadavres aussi : chaque témoin qu’Angel débusque est mis à mort dans la seconde, et de manière aussi brutale que sanglante.

Rouler le Diable dans la farine

D’abord à New-York puis à la Nouvelle-Orléans où Angel infiltre à son corps défendant les milieux du vaudou et de la magie noire. Favorite flirtait décidément avec des gens peu fréquentables, pour ne pas dire maléfiques. A moins que ce soit lui qui soit allé trop loin, vendant son âme au Diable ? Et Angel dans tout ça ? A quel point est-il impliqué dans cette histoire ?

Je n’en dis pas plus sinon qu’il ne faut surtout pas chercher à rouler le Diable dans la farine, c’est perdu d’avance. Et que le récit concocté par Alan Parker est démoniaque à plus d’un titre. Le réalisateur de Midnight Express, Pink Floyd The Wall, Birdy, Fame, Mississippi Burning ou The Commitments pour ne citer qu’une infime partie de ce flamboyant palmarès, accouche ici d’un scénario aussi alambiqué qu’efficace.

Chemin de croix à rebours

Il y ajoute une réal nerveuse, pesante, oppressante, poisseuse. Chaleur et pluie diluvienne, odeur du sang éclaboussant les murs lépreux, gorgeant les parquets sales, silhouettes ténébreuses, ombres démesurées, images récurrentes de cages d’escaliers, d’ascenseurs, de grilles et de ventilateurs, le tout sur une musique désespérante dévoilant une plainte de saxo : tout dit le chemin de croix à rebours d’un Angel victime et bourreau.

Les plans rapprochés détaillent les mains, les bijoux, les pentacles ornant les bagues ou les colliers, les autels vaudous, les statues des saints dans des églises étouffantes et poussiéreuses. Les détails nous sautent au yeux comme autant d’indices perdus dans une masse en décomposition. La violence est partout, cernant cet anti-héros merveilleusement porté par un Mickey Rourke à contre-emploi et cela lui va si bien.

Un film à scruter

Pleutre, charmeur, paumé, terrorisé, ambivalent : au cœur de cette Louisiane ancrée dans les croyances ancestrales, bercée par le blues et les lourds parfums de fleurs pourries, assommée de chaleur, où la sueur ronge les peaux et les âmes, Angel retisse le tracé de son destin contraire. Et ce n’est rien de dire qu’il est funeste.

Que dire de plus sinon que ce film est à voir, à revoir. Qu’il est à scruter dans ses moindres détails, que Robert de Niro y fait une apparition mémorable complétant ainsi sa déjà très large palette de rôles d’une touche luciférienne très appréciable. Chaque cadrage, chaque plan, chaque mot est à prendre en considération dans ce rébus nocif où les tabous sont transgressés, où l’humain flirte avec le surnaturel en permanence, où les mondes se frôlent, où la Mort et le Mal règnent en maître sur la vie.

Virtuose de l’écran, Parker explose les codes du film d’horreur et du polar, allant au delà du tolérable dans ce conte de terreur. Il réalise là l’un de ses films les plus puissants, les plus marquants. Peut-être le plus sombre.

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Le grand écran comme passerelle vers la célébrité : un thème usé jusqu’à la corde. Ti West s’en empare pour accoucher d’une trilogie sanglante qui dynamite le rêve américain. X- Pearl – MaXXXine : menée bille en tête par une Mia Goth sidérante à bien des égards, le triptyque a tout pour devenir aussi culture que les genres cinématographiques auxquels il rend talentueusement hommage.

X (2022) : quand le rêve pornographique vire au cauchemar

Situé en 1979, X, le premier volet de cette goresque saga,suit une équipe de tournage de films pour adultes qui déboule dans une ferme isolée au Texas. Maxine Minx (Mia Goth) compte bien s’y tailler la part du lion et propulser sa carrière. C’est sans compter sur Pearl, la propriétaire des lieux et son époux, vieillards isolés aux mœurs étranges et malsaines, avec une certaine tendance au massacre de masse.

Classique : le tournage tourne au carnage dans la plus pure tradition du slasher. Vendredi 13, Halloween et consort servent de socle à l’extermination particulièrement énergique de ces acteurs porno trop libérés au goût de leurs hôtes. Hôtes qui vont cependant se casser les dents sur Maxine qui n’a pas du tout l’intention de se laisser buter. Naissance d’une héroïne doublée d’une prédatrice ?

Pearl (2022) : aux sources d’une psychose meurtrière

Préquelle de X, Pearl se déroule en 1918 et retrace la jeunesse de la vieille dame évoquée plus haut. Et sa mutation en meurtrière psychopathe. Son jeune époux étant mobilisé en France, Pearl est coincée dans la ferme parentale et elle s’y ennuie. Père handicapé, mère autoritaire, Pearl étouffe dans cet univers confiné. Elle n’a qu’une envie : devenir danseuse et partir, loin. L’envie tourne à l’obsession, et Pearl va tout faire pour réaliser son rêve. TOUT. Y compris l’inimaginable, l’insupportable.

Mia Goth endosse le rôle de cette jeune femme aussi fragile que cruelle. Elle y explose littéralement, occupant l’espace, l’écran, l’esprit. Épouvantable. On ne sait ce qui terrorise le plus : ses accès de violence, ses crises de larmes ou sa froideur. Un mélange de tout cela en mode technicolor, exprimé en un ultime sourire qui laisse le spectateur figé, offrant la clé du film précédent dans une retournement de situation proprement génial.

MaXXXine (2024) : Hollywood, entre rêve et cauchemar

Dernier opus de la trilogie, MaXXXine revient sur le parcours de Maxine Minx. Nous sommes en 1985 : elle a survécu au premier opus, est installée à Los Angeles et tente de percer à Hollywood. Engagée dans un film d’horreur, elle se retrouve confrontée à un tueur en série inspiré du « Night Stalker« , et qui menace de révéler son passé.

Connaissant les méthodes et la volonté de Maxine, on imagine bien qu’elle ne va pas se laisser faire. Ici encore, le prédateur ne sera pas celui qu’on croit. Il faut préciser que Maxine la survivante évolue dans un milieu de requins. Les dessous de l’industrie cinématographique ne sont guère reluisants et les sacrifices consentis par l’héroïne trop importants pour qu’elle se laisse assassiner sans rien faire.

Eros/Thanatos version trash

À travers cette trilogie, Ti West interroge bien évidemment le mythe du rêve américain et les moyens employés pour y parvenir. Ses héroïnes sont en quête de reconnaissance, prêtes à tout pour devenir célèbres. Si elles s’adonnent au pire, c’est en toute connaissance de cause, volontairement. La société du spectacle en prend un sacré coup : pour sortir de l’anonymat, il y a la danse ou le porno.

Toutes ne sont pas forcément nées du bon côté de la barrière. Pour être reconnues, elles doivent employer la manière forte. C’est un peu la logique à l’œuvre dans la trilogie. Et Ti West fait en sorte de nous faire tanguer entre horreur et empathie face à ces jeunes filles acculées au pire pour réussir, et qui vont s’y adonner avec une forme évidente de délectation. Eros/Thanatos ? Oui mais version trash.

Au centre de l’objectif, Mia Goth

Un trash teinté d’atmosphères, de tonalités différentes. Ti West connaît ses classiques, il les aime : Massacre à la tronçonneuse, Psychose, Freddy, Ténèbres se mêlent à Gorge Profonde ou Le Magicien d’Oz pour offrir un regard profondément dérangeant, malsain, alimenté par la bande originale, les cadrages, les couleurs, le grain de l’image. Au centre de l’objectif, Mia Goth.

Elle porte les trois films à bout de bras, tissant le lien entre les intrigues. Maxine, c’est Pearl avec 40 ans de plus. Dans une Amérique en train de se libérer. Si Pearl avait vécu dans les années 70, elle aurait plus facilement pu s’imposer. C’est ce qui ressort de l’interprétation de Goth, qui fait planer le doute avec un rare subtilité, cache une puissance incroyable derrière un visage insouciant ou candide parfois, dur aussi quand il s’agit de frapper.

Pour comprendre La trilogie X – Pearl – MaXXXine de Ti West, il faut faire le parallèle avec Marilyn Manson. Chaque membre du groupe a forgé son nom de scène en associant le prénom d’une grande actrice et le nom d’un tueur en série. Histoire de mettre en exergue ce qui motive la société américaine : le sexe et la mort violente. Les deux pôles du cinéma hollywoodien en général et des films d’horreur en particulier. Et une synthèse rock de l’humanité obsédée par la reproduction et l’anéantissement. Pour échapper à l’oubli, la célébrité via la caméra ou le meurtre.

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Drag queen : l’expression évoque des créatures superbes, tirées à quatre épingles, corsetées dans des robes de couturiers, chevelure impeccable et maquillage millimétré. Un charme fou, de l’allure, du chien… Prince S Jeanne joue résolument dans une autre cour : celle du drag monster assumé, émanation un brin fellinienne, créature échappée d’un film d’horreur, baignant dans le sang et le bon sens pour nous faire un peu frémir, beaucoup rire, et réfléchir en profondeur.

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Démoniaque, angélique

Trash : portable en main en mode rappeur pour ne pas perdre le fil de sa démonstration, Prince S Jeanne déroule son stand up avec un calme malicieux que contredit son maquillage outrancier de vieille pute au visage défoncé par un mac indélicat. Victime ou tueuse ? Douce ou sauvage ? Démoniaque ou angélique ? Tout simplement humain.e, fièr.e de l’être et nullement prêt.e à baisser la garde devant les trop nombreux empêcheurs de vivre/s’aimer en rond.

Qu’on se le dise, Prince S Jeanne (Étienne Jeannot dans le civil) est engagé.e (c’est de famille, me dira-t-iel). Les donneurs de leçon, les moralistes, iel n’aime pas ça. Depuis ses premières prises de parole aux alentours de 2019, iel démolit la bien-pensance à grand coup de punchline dans la tronche. Docs aux pieds, make-up foutraque, pupilles noircies, bave sanglante aux lèvres (on sent le passage en étude de ciné tendance horror movie), cette virago tout droit sortie des enfers est là pour nous secouer les miches.

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Political drag queen

Et nous rappeler au passage que le drag queen originel est engagé, combattant. Revendicatif. Impliqué. En un mot, politique. Une sorte de guerrière du verbe, qui cingle l’hypocrisie et le conformisme d’une société en décomposition. Entre Grand Guignol et Shakespeare, Prince S Jeanne aborde les sujets qui fâchent : intolérance, racisme, fascisme, homophobie, capitalisme et autres cancers mentaux qui rongent les consciences trop fragiles, dépourvues d’empathie et de tolérance.

Qui est le monstre, au final ? Originaire de Franche-Comté, Prince S Jeanne a vite compris que la prétendue normalité peut s’avérer prédatrice. D’où son approche du drag, qui explore de manière volontairement outrancière, mais finalement très pertinente, la notion de queer, pour donner à réfléchir et à se réfléchir. Démarche stratégique, militante et pédagogique à la fois : stand-up sans pitié, performances symboliques, ses interventions sont énergiques en diable, rageuses et incisives. Cathartiques.

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En mode missionnaire

Un mot d’ordre : « faire du drag là où on ne l’attend pas » : scène ouverte Guillotine, Trans Day of Rememberance, Pride Besançon, Queerale, Queer sur l’herbe, tout est bon pour porter la bonne parole de la bienveillance en dehors de la communauté LGBT, afin d’informer, de démythifier, de faire tomber les préjugés, les tabous. Un sacerdoce que cette opération de décoinçage à géométrie variable. Prince S Jeanne en première ligne, en mode missionnaire ? C’est un peu l’idée.

Il y a urgence. À l’heure où la Bête immonde s’avance (Brecht, sors de ce corps !), il faut impérativement redresser la tête, sortir du cadre, créer le dialogue, susciter l’échange. S’interposer. Aller interpeller Monsieur/Madame Tout le Monde. C’est notamment le propos de Queer sur l’herbe, des performances en extérieur, aux Buttes Chaumont durant les beaux jours. Un bébé que Prince S Jeanne chouchoute, qu’iel défend bec et ongles, à raison, car c’est une synthèse de son action, de sa manière de voir et de concevoir son art, son rôle, sa mission.

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Que dire d’autre sinon que Prince S Jeanne fait un boulot formidable et nécessaire, pour ne pas dire crucial. Qu’il faut encourager cette démarche, la promouvoir, la porter. Que sa créativité est à la jonction du théâtre, du cabaret, de l’acte militant. Qu’il est dans la continuité d’une véritable tradition queer héritée des années 70, quand le combat pour la reconnaissance débutait. Qu’il nous faudrait beaucoup d’autres political drag monsters du même acabit pour changer les choses et les gens. Que vu l’aura, le dynamisme, le charisme qu’iel dégage, Prince S Jeanne, devrait pour sûr faire rapidement école.

Merci à Etienne Jeannot / prince S Jeanne pour son temps, ses réponses, ce très bel échange.

Pour en savoir plus et suivre l’actu de Prince S Jeanne, consultez son compte Instagram.

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Fans d’horreur, adeptes de cinéma d’épouvante, si vous n’avez pas encore vu la saga REC, eh bien vous êtes VRAIMENT à la ramasse ! Débutée en 2007 sous la direction de Jaume Balagueró et Paco Plaza, cette série de films espagnols (je ne parle évidemment pas de la récupération opérée par les studios américains) a littéralement dynamité les codes du genre, par une approche radicale, immersive, déroutante, franchement flippante, et qui ne prend pas une ride.

Un mal mystérieux

Partons du début : .Rec premier du nom nous entraîne à la remorque d’une jeune journaliste, Angela Vidal et de son cameraman Pablo, missionnés pour réaliser un reportage en nocturne dans une caserne de pompiers. Tout se déroule bien jusqu’à ce qu’ils soient appelés pour une intervention dans un immeuble : une vieille femme, prise de démence, agresse ses voisins. À partir de là, c’est la MIERDAAAA en très grosses majuscules.

Car, on s’en doute, la dame en question n’est pas atteinte d’Alzheimer. Un mal plus mystérieux la ronge. Rage ? Virus inconnu ? Confinés dans l’enceinte du bâtiment par militaires et scientifiques, Angela et ses petits camarades de jeu vont devoir lutter pour survivre, échapper à cette contamination qui se répand et dont on ne sait trop d’où elle vient, mais on comprend assez vite que ça va être l’enfer, au pas propre du tout et au figuré complètement.

La vérité est au grenier

Un classique, me direz-vous. Oui, mais non : car l’invasion va trouver ses origines quelque part dans le grenier. Là où la plupart des films d’horreur nous entraînent dans les caves, là, la vérité est en hauteur (comment ne pas évoquer La sentinelle des maudits de Michael Winner) et ce n’est pas la seule singularité de cette histoire déroulée sur quatre chapitres dont un s’échappe du côté d’une noce qui va tourner au cauchemar sanglant.

Brut, viscéral, incroyablement réaliste, .Rec, du moins sur ses deux premiers volets et demi, tire sa force du format found footage, popularisé par des films comme Le Projet Blair Witch. Tout est filmé à la manière d’un reportage télé, en temps réel, caméra à l’épaule. On ne fait pas que regarder le film, on baigne dedans. Courses poursuites, respirations oppressées, montées de stress, l’horreur en direct, insoutenable, claustrophobique.

Mélange des genres

Impossible avec ce genre de format de rater les effets. On donne donc dans le gore à fond et sans fioriture, capté par un objectif tremblant et imprécis dans une cadence infernale. Le sentiment d’être piégé dans un labyrinthe sinistre et sans issue n’en est que plus puissant, la panique réelle et invasive. Les personnages ne savent pas à quelle sauce ils vont être bouffés et nous avec. Ce qui est certain, c’est que les chances de s’en tirer sont minimalistes, pour ne pas dire inexistantes.

Aucun espoir, pire même. On pense maladie, on pense zombie, mais la vérité sera bien plus dure à encaisser. Si REC marque autant, c’est aussi par son habileté à mélanger les genres. Les éléments surnaturels s’y infiltrent petit à petit sans qu’on s’en rende compte, ajoutant une couche supplémentaire de mystère et d’angoisse. Cette hybridation entre l’horreur virale et le paranormal donne à la saga une identité propre. .REC ne se contente pas de nous montrer des monstres ; il joue avec nos nerfs, nos croyances, notre perception de la réalité.

Résumons : d’un ultra-réalisme brutal, .Rec tisse une ambiance de chaos total, où tout peut arriver, où la mort n’est qu’un élément parmi d’autres d’une atroce danse macabre. On a l’impression que tout cela pourrait arriver pour de vrai. Ce n’est plus une fiction, c’est une immersion complète dans une expérience cauchemardesque aux racines démoniaques. Du grand cinéma, à n’en pas douter !

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Il fut un temps où, pour frissonner d’horreur, on n’allait pas au cinéma, mais au théâtre. A Paris, les amateurs de sensations fortes se rendaient dans une petite salle de théâtre nichée dans le quartier de Pigalle, où l’on jouait des pièces qui repoussaient les limites du macabre et du sanguinolent. Ce lieu culte, c’était le Théâtre du Grand Guignol, véritable temple de l’épouvante scénique. Entre 1897 et 1962, il a régné en maître absolu sur l’horreur théâtrale, proposant des spectacles d’une intensité rarement égalée, où le sang, la peur, et la folie prenaient littéralement vie sur scène.

Qu’est-ce que le Grand Guignol ?

Le Grand Guignol n’est pas seulement un théâtre, c’est aussi un genre à part entière. Ce théâtre parisien, fondé par Oscar Méténier en 1897 dans une petite chapelle de la rue Chaptal, se spécialise dans des pièces horrifiques, macabres, voire perverses, où la cruauté et la violence sont au cœur de l’intrigue. À une époque où les spectacles parisiens se disputent un public avide de sensations nouvelles, le Grand Guignol va se distinguer en offrant à ses spectateurs ce que personne d’autre n’osait : des scènes de terreur viscérale, des meurtres sanglants, des personnages torturés par la folie ou la vengeance.

Le concept remonte aux traditions du théâtre populaire et forain. Le terme lui-même fait référence à Guignol, une marionnette lyonnaise célèbre, utilisée pour des spectacles de satire sociale. Mais là où Guignol vise à faire rire des enfants, le Grand Guignol s’oriente vers des récits beaucoup plus sombres. Oscar Méténier, dramaturge et ancien secrétaire de police, fonde ce théâtre avec l’intention de montrer sur scène la réalité sordide des bas-fonds parisiens, mais très vite, sous la direction de Max Maurey, les pièces se tournent vers l’horreur pure et le surnaturel, attirant un mélange éclectique d’intellectuels, de curieux, et d’amateurs de sensations fortes, fascinés par les histoires de fantômes, de psychopathes et de meurtres brutaux.

Les règles du genre : terreur, cruauté et réalisme

Hautement cathartique, Le Grand Guignol suit des règles bien précises qui le distinguent du théâtre classique.

• Tout d’abord, les intrigues sont résolument sadiques, d’une rare violence. Les personnages subissent des tortures physiques ou mentales innommables, souvent dans un contexte réaliste et morbide. Les victimes sont fréquemment des innocents, les bourreaux, des figures d’une cruauté extrême, parfois motivées par la folie, parfois par la vengeance ou la volonté de détruire.
• Les pièces du Grand Guignol sont courtes, souvent en un seul acte, et alternent entre horreur et comédie noire pour maintenir le public en tension permanente. Cette juxtaposition de moments de légèreté et de terreur brutale suscite un effet de choc encore plus intense.
• Le réalisme des scènes d’horreur est primordial. Pour simuler des meurtres, des éviscérations, ou des mutilations, des effets spéciaux rudimentaires mais ingénieux sont utilisés. Le sang, omniprésent sur scène, est simulé avec des mixtures soigneusement préparées ; les cris, les gémissements et les râles de douleur résonnent dans la salle exiguë, créant une atmosphère presque insoutenable.

Une expérience sensorielle totale

La mise en scène au Grand Guignol ne se contente pas d’exhiber des horreurs visuelles. C’est une expérience sensorielle complète ; le public est immergé dans un univers de peur. L’éclairage joue un rôle clé, avec des jeux d’ombre et de lumière qui accentuent les moments d’angoisse. Les décors, souvent minimalistes, mettent en valeur les scènes d’horreur qui se jouent sur le devant de la scène.

L’espace confiné du théâtre ajoute à cette ambiance oppressante. Le public, assis près de la scène, distingue chaque goutte de sang, entend chaque cri. Cette proximité avec l’action happe littéralement les spectateurs, emportés dans le cauchemar qui se déroule devant eux. Des vomissements, des évanouissements, et des cris de panique sont fréquents dans l’audience. Certaines soirées sont d’ailleurs interrompues pour secourir des spectateurs trop affectés par l’horreur.

Les pièces phares du Grand Guignol

Plusieurs pièces ont marqué l’histoire du Grand Guignol et sont devenues emblématiques du genre horrifique. Citons :

• « Le Laboratoire des Hallucinations » (1916) de André de Lorde : Un chirurgien fou se livre à des expériences effroyables sur des patients, explorant les tréfonds de la douleur humaine. André de Lorde, connu comme « le Prince de la Terreur », est l’un des auteurs les plus prolifiques du Grand Guignol, ayant écrit de nombreuses pièces jouant sur la folie et les cauchemars éveillés.
• « Au Téléphone » (1901) de André de Lorde et Charles Foley : Cette pièce met en scène une femme assassinée tandis qu’elle est en ligne avec son mari. L’horreur est amplifiée par l’impuissance de l’homme, qui entend les cris de sa femme sans pouvoir intervenir. C’est un chef-d’œuvre de tension psychologique.
• « Le Baiser dans la Nuit » (1923) de Maurice Level : Une histoire où la vengeance atteint un niveau de cruauté insupportable, et où l’amour devient le prétexte à une violence inouïe. Ce genre de pièce, où l’intime se transforme en terreur, était l’une des spécialités du Grand Guignol.

Le legs du Grand Guignol

Le Grand Guignol a disparu en 1962, mais son influence se fait encore sentir aujourd’hui, notamment dans le cinéma d’horreur. Les effets de choc, les twists macabres, l’exploitation de la peur psychologique sont des éléments que l’on retrouve dans de nombreux films d’épouvante modernes. Le splatter et le gore, des sous-genres du cinéma d’horreur, doivent beaucoup au Grand Guignol, avec leurs scènes de violence extrême et de corps mutilés.

Le Grand Guignol reste une expérience théâtrale unique, un lieu où l’horreur est à la fois un spectacle et une catharsis collective. Ses pièces, aussi effrayantes qu’innovantes, ont marqué des générations de spectateurs, laissant une empreinte indélébile et beaucoup de regrets. Aujourd’hui, on ne joue guère plus ce répertoire que de manière anecdotique comme ce fut le cas pour le cinquantenaire de la fermeture du théâtre. Il y aurait pourtant beaucoup à apprendre de ces textes, de cette atmosphère. Peut-être un jour ?

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Déjà le téléfilm Conspiration avait abordé le sujet, suscitant la nausée chez le spectateur. La Conférence reprend le même sujet, à savoir le déroulement de la tristement célèbre conférence de Wansee, soit deux heures en tout et pour tout pour planifier la mise à mort de millions de Juifs européens. Même sentiment d’horreur, plus poussé encore : tourné en allemand avec un casting allemand, Die Wannseekonferenz de Matti Geschonneck est d’une dureté impressionnante, intolérable. C’est d’ailleurs l’effet recherché.

Participer à la « Solution finale »

La froideur et pas seulement dans l’atmosphère glaciale qui transforme la somptueuse villa de Marlier et ses alentours en palais des neiges. Tandis que les préparatifs s’accélèrent dans le plus grand secret, les pontes du pouvoir nazis arrivent dans ce lieu enchanteur. Et déjà, on sent les tensions, les rivalités, les frictions latentes.

Derrière les sourires convenus, les politesses d’usage, la courtoisie prussienne, les couteaux sont tirés. Le sort des onze millions d’innocents que Heydrich, adjoint et conseil redouté d’Himmler, se propose de liquider importe peu aux participants de cette conférence de l’horreur ; ce que chacun veut, c’est participer à la « Solution finale » pour protéger son territoire, en tirer de la gloriole, un peu plus de pouvoir.

La main mise sur l’Europe

Geschonneck donne à voir cette soif de puissance que chacun de ces purs produits du régime nazi entend assouvir à la hauteur de ses moyens et selon sa position. L’occasion est offerte, en passant au crible ces individus, de mesurer l’étendue du Reich au mois de janvier 1942. L’Allemagne nazie a alors la main mise sur l’ensemble de l’Europe, qu’elle a segmenté à sa manière.

Différentes sphères de contrôle assurent la gestion de cet immense territoire qu’il faut tenir d’une main de fer. Tous s’y consacrent au quotidien avec des méthodes pour le moins atroces et absolument aucun scrupule. Les SS qui entourent Heydrich « le boucher de Prague » excellent en la matière et ont clairement l’intention de prendre les choses en main, renvoyant les « intellectuels » au placard.

Statistiques et rendement

De fait, la conférence de Wansee telle que la décrit Geschonneck se révèle comme une prise de pouvoir de la SS, une manière de dire « maintenant, c’est nous qui décidons, et gare à celui qui se mettra en travers de notre route ». Des fanatiques, il n’y a pas d’autres mots. Qui se restaurent de cognac et de saumon tandis qu’ils discutent mise à mort et disparition des corps, gestion de ghettos surpeuplés et stérilisation forcée des demi-juifs. Chiffres et statistiques à l’appui.

Pas de pitié, pas de compassion : ils parlent là non pas d’êtres humains, mais d’une menace à neutraliser au plus vite, d’un péril pour l’ensemble de la population aryenne qu’il convient de protéger à tout prix, d’un process à mettre en place avec objectifs à atteindre, rendement industriel à privilégier. Le discours, technocratique, est dément, prononcé avec quiétude par les uns, exaltation par les autres. Tous, convaincus de leur bon droit, pensent œuvrer pour l’Histoire et le bien de la race supérieure, c’est ça le plus abject.

Un discours de secte, des décideurs dénués d’empathie, monstrueux, qui évoquent la souffrance comme une variable d’ajustement. C’est peut-être ce qui fait le plus peur, ce calcul froid et distancé, où les pires atrocités sont énoncées comme des banalités, où l’homme est ravalé au rang de chiffre à inscrire dans une case. Quand on en arrive à ce stade, le pire est déjà là.

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Parachutons-nous aujourd’hui à la Nouvelle-Orléans pour découvrir Curious Adornments, les broderies hallucinatoires de Maggie Donovan.

Cauchemars et fantasmes

Au premier regard, on reste saisi par la brutalité de chaque scène. Têtes tranchées, guillotine, église en flamme, pluie de pierres en fusion, chats noirs, spectres, banshee immergée dans une baignoire de sang, Grand Cornu… c’est un musée des horreurs, une collection macabre que Maggie se plaît à enrichir depuis une petite décennie. Art naïf, art brut, dark art, du bout de son aiguille, Maggie étale ses cauchemars. Ou ses fantasmes.

Des fantasmes tout droit sortis des contes horrifiques d’Ambrose Bierce et d’Edgar Allan Poe, que l’artiste cite avec respect et pertinence : « There is no exquisite beauty…without some strangeness in the proportion. » Pas de beauté sans étrangeté… et sans angoisse. Chacun de ses dessins ferait frémir un pédopsychiatre… et hurler de rire la très cynique Wenesday Addams, qui pourrait avoir imaginé et réalisé ces médaillons.

Art médiumnique ?

À moins qu’il ne s’agisse d’une des sorcières de Salem, de Vanessa Ives, ou de la sorcière de Blair ? Poétique en diable, l’univers de Curious Adornments évoque aussi bien la série Penny Dreadful que la saga American Horror Story, les Contes de la crypte que les portraits funèbres de l’ère victorienne, les charmes vénéneux du paranormal, de la médiumnité et du spiritisme, les monstres de la littérature gothique la plus noire.

Sur chaque pièce brodée patiemment plane cette hydre de l’hystérie que la psychanalyse vagissante du fond de son berceau tentera de juguler en une période ultra-puritaine, qui accoucha de Jack l’Éventreur, H.H.Holmes, Lizzie Borden, Delphine Lalaurie et consort. Autodidacte, Maggie Donovan tiendrait plus de la voyante, une sorte de Madge Gill qui évacue ses visions alimentées par une surconsommation de films d’horreur au fil de ses créations. Art thérapie, art médiumnique…

Le B.A.BA de toute sorcière

Ou simplement l’envie de faire hurler les bien pensants qui considèrent qu’une fille doit être gentille, sage et soumise, habillée en rose et ne penser qu’au prince charmant en faisant la cuisine. De ce point de vue, Maggie Donovan et ses Curious Adornments règlent la question définitivement, à la manière d’une Mariel Clayton. Gare aux tasses de thé servies par cette demoiselle : nous ne serions pas étonnés qu’elle classe Arsenic et vieilles dentelles parmi ses films fétiches.

Et soudain son univers prend une autre couleur, symbolique d’une révolte silencieuse en gestation, d’un affranchissement par l’art. Une femme capable de produire ce type d’œuvre a une imagination féconde et sans a priori, qui se risque à explorer les coins les plus noirs de l’âme. Gothique, pour sûr, en majesté et avec un talent qui laisse sans voix. Cela ne plaira pas à tout le monde, c’est l’objectif du reste : n’attirer à soi que les curieux, les fasciner, les retenir. Le B.A.BA de toute sorcière qui se respecte.

Et plus si affinités

Pour découvrir l’univers de Maggie Donovan, consultez son site Curious Adornments ainsi que son compte Instagram.

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Ce n’est pas moi qui le dis, mais l’intéressé lui-même qui qualifie cette monographie de « carnets, collections et autres obsessions« . James Cameron en remet une couche dans les premières lignes de la préface avec les termes « artefact » et « portail ». Ainsi lecteur, que tu sois féru de culture cinématographique, adepte de fantastique ou simple curieux désireux d’enrichir tes connaissances, ces 265 pages vont t’ouvrir les portes du monde intérieur du réalisateur Guillermo Del Toro. Et tu ne vas pas être déçu !

Au cœur de la Bleak House

En effet, ce très beau livre édité en 2013 chez Huggin & Huggin a le mérite de croiser les propos du cinéaste recueillis par le journaliste Marc Scott Zicree et la somme impressionnante de documents, croquis, carnets de notes, synopsis et autres storyboards produits par l’artiste en amont de chacun de ses films. Sans compter les clichés pris au cœur de la Bleak House, ce bureau-musée où Del Toro se rend quotidiennement pour travailler et trouver l’inspiration au milieu des centaines d’œuvres, de livres, de documents amassés comme un trésor.

Baignant dans le fantastique, le merveilleux, les légendes, les films d’horreur, Lovecraft et consort, del Toro tisse ici une passerelle entre ces influences littéraires, picturales, filmiques prestigieuses et son propre monde, travaillé avec une minutie d’horloger. Ce n’est pour rien que les thèmes du temps, de la montre, du mécanisme et de l’automate reviennent en boucle dans des œuvres cinématographiques et sérielles qu’il façonne avec l’exigence maniaque d’un orfèvre.

À lire également : 

•  The Strain : Guillermo del Toro aux commandes de l’Apocalypse vampirique
• La Forme de l’eau : une fable touchante et rare
• Nightmare Alley : quand Guillermo del Toro raconte l’aventure cauchemardesque de Stanton Carlisle

Visionnaire et poète

Attentif aux moindres détails, soucieux de la forme comme du fond, visionnaire et poète à la fois, le réalisateur mexicain explore avec nous certains de ses films les plus marquants, tels Chronos, la série Hellboy, le magnifique Labyrinthe de Pan, Blade II … on découvre alors des constantes qui émergent aussi dans les projets avortés. Cette approche permet de mesurer l’évolution du créateur depuis son enfance jusqu’à aujourd’hui, sa volonté d’autonomie, son indépendance, le refus des concessions…

Le livre est également à regarder comme une analyse particulièrement pertinente du processus de création, depuis l’idée jusqu’à sa mise en application, souvent castratrice, car concrétiser un rêve, c’est l’enfermer infailliblement dans la dimension réelle. À ce titre, le Cabinet de curiosités de Guillermo Del Toro est édifiant, qui dévoile la profondeur et la richesse d’une filmographie hors normes.

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Le Don Giovanni de Mozart entre une comédie de Federico Fellini et un film d’horreur de Lucio Fulci : voici l’étonnant croisement opéré par le metteur en scène Jonathan Kent. Et très sincèrement ça se goupille à la perfection ou presque.

Don Giovanni ou Marcello Mastroianni ?

Chose rare, car Dieu sait si on lui en a fait voir, au héros de Molière revisité par le compositeur de La Flûte enchantée. Toutes les audaces, toutes les permissivités imaginatives sont de mise pour relire les exploits du célèbre séducteur. Malheureusement cela ne fait pas mouche à tous les coups, loin s’en faut.

C’est donc avec un bonheur décuplé que votre humble servante découvre la version que Kent a élaboré pour le festival de Glyndenbourne en 2010. La Dolce Vita, Le Pigeon, Le Voleur de Bicyclette, … selon le livret nous sommes en Espagne mais le décor suggère une rue de Rome, les murs d’un palazzo, ses portes cochères, ses salles décorées de fresques, envahies d’une foule de fêtards parmi lequel Don Giovanni évolue tel Marcello Mastroianni dans 8 et demi.

Humour grinçant et Mariage à l’italienne

Costumes fin 50’s, actrices coiffées à la Mangano, Leporello pareil à Vittorio Gassman dans Le Fanfaron, nous évoluons dans un humour grinçant digne de Mariage à l’italienne … Jusqu’à ce que le destin rattrape l’impénitent séducteur arraché au monde par les bras puissants et impitoyables du Commandeur, revenu d’entre les morts comme l’un des zombis de Lucio Fulci.

Le basculement s’opère au moment où Don Giovanni est démasqué : son monde s’écroule, même s’il demeure un Don jusqu’au bout, dans une allusion évidente au monde mafieux. C’est un véritable régal à voir, à écouter, dans un ensemble drôle et angoissant à la fois qui éclaire l’opéra de Mozart d’un jour nouveau, démontrant une fois de plus son universalité. N’en faites pas l’impasse, car cette lecture intelligente est d’une rare fraîcheur.

Et plus si affinités

https://www.medici.tv/fr/operas/don-giovanni-vladimir-jurowski-glyndebourne/

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Une fois n’est pas coutume, notre film de la semaine est un film d’horreur … ou presque. Si Ava’s Possessions se distingue, ce n’est pas tant par le caractère gore et réaliste de ses effets spéciaux que par l’originalité de son scénario.

https://www.youtube.com/watch?v=FrtT9ZuInfU

Possédée malgré elle, Ava Dopkins reprend conscience d’elle-même après plusieurs semaines de folie et une séance d’exorcisme musclé. Elle retrouve son appart et sa vie dévastés, a cassé la figure à ses parents, a perdu son mec, ses potes ne lui parlent plus, elle se fait virer de son job de DA, bref la cata complète. D’autant qu’elle ne se souvient de rien. Contrainte de suivre des séances de rehab pour anciens possédés anonymes, elle comprend la gravité de la situation quand elle découvre une tache de sang planquée sous son tapis.

A ce stade il faut très vite reconstruire le puzzle de sa mémoire : car il se pourrait bien qu’elle ait commis un crime, à son corps défendant. Prise à la gorge par la justice, isolée, considérée comme une folle par ses proches qui voudraient bien la faire interner, elle va de plus devoir composer avec le démon qui la harcèle constamment à coups de tambours. Et très vite elle va comprendre que sa possession n’est pas qu’un accident et a finalement servi les mauvais desseins de bien d’autres personnes.

Entendons-nous bien : Ava’s possessions n’est pas un chef d’oeuvre et se situe loin derrière les indétrônables classiques que sont L’Exorciste et Evil dead. Mais l’intrigue tissée par le scénariste et réalisateur Jordan Galland a l’avantage d’aborder un sujet resté dans l’ombre : quid du possédé après qu’il ait été purgé du démon ? Y a-t-il une vie après l’exorcisme ? Comment faire pour 1. réintégrer sa vie ? 2. se protéger ? 3. trouver les racines du Mal ? Ces questions sont toujours demeurées dans l’ombre, les cinéastes préférant miser sur le suspens des phases progressives de l »emprise diabolique et leur dénouement spectaculaire.

Galland choisit d’explorer l’après avec des lendemains qui ne chantent pas forcément car ils impliquent de questionner le pourquoi : pourquoi ai-je été choisie ? Est-ce mon démon qui a accompli tous ces méfaits … ou cela sommeillait-il en moi ? Comment puis-je lutter face à cette addiction ? Car la possession est similaire à une drogue et l’addiction n’est pas loin. On peut même apprécier son démon, en tout cas composer avec pour en faire un allié, voire un complice, peut-être même un ami.

Jonglant avec ces hypothèses pour le moins glissantes, Galland compose un film équilibré, qui accroche l’attention du spectateur sans l’engloutir sous des flots d’hémoglobine. Ava de plus n’a rien de ces ados hystériques qu’on nous exhibe à longueur de séries Z : c’est une jeune fille indépendante qui travaille, a une vie amoureuse, est socialement insérée, et compte bien ne pas se laisser emmerder par qui que ce soit, encore moins un diablotin de seconde zone. Difficile de ne pas s’identifier. Le tout est tourné avec des images très colorées, qui évoque le travail de Dario Argento dans Suspiria ou Inferno ou Le Jour de la Bête d’Alex de la Iglesia.

Ce côté kitch, très claquant de l’image tire le film du côté de la vie, de la fantaisie, de la fête. L’ombre y est rare, marque le côté négatif de l’héroïne. C’est simple pour ne pas dire manichéen mais ça fait son effet. En bref Ava’s possessions a le mérite de proposer un divertissement inattendu, bien interprété, troussé très honorablement avec un angle d’attaque surprenant et intelligent. A voir donc, car cela tranche avec la litanie des histoires de zombis et autres films horrifiques qui ressassent toujours les mêmes thèmes, les mêmes rebondissements, les mêmes personnages.

Et plus si affinités
http://avaspossessions.com/

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