Longtemps relégué aux confins des secrets de famille et des silences institutionnels, l’inceste trouve aujourd’hui dans l’espace littéraire un écho d’une force inédite. Loin de se cantonner au simple statut de catharsis personnelle, le récit de l’abus est devenu un acte éminemment politique et démocratique. En s’emparant des mots pour nommer l’innommable, les autrices et auteurs contemporains brisent l’omertà, subvertissent le déni des élites et contraignent la société à regarder en face ses propres structures de domination.

Qu’il s’agisse de témoignages intimes, d’enquêtes journalistiques ou d’essais théoriques, ces œuvres ne se contentent pas de documenter le traumatisme : elles restaurent la dignité des victimes, éclairent les failles de notre système judiciaire et redéfinissent les contours de la vigilance collective. Ce dossier explore la manière dont les livres se font aujourd’hui les armes indispensables d’une prise de conscience historique, à travers l’analyse de quatre ouvrages majeurs et de ceux qui ouvrent la voie à ce changement de paradigme.

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Salué par la critique et couronné par de nombreux prix littéraires (dont le prix Femina et le prix Goncourt des lycéens), Triste Tigre de Neige Sinno (2023) affronte l’innommable : les viols répétés subis par l’autrice de la part de son beau-père durant son enfance et son adolescence. Pourtant, réduire ce texte à un simple témoignage serait une erreur majeure. Si vous ouvrez ce livre, vous n’y trouverez ni misérabilisme ni complaisance, mais une tentative littéraire et philosophique d’une honnêteté absolue pour cerner la figure du bourreau et l’anatomie de l’abus.

Au-delà du témoignage : une autopsie littéraire

L’histoire factuelle est tragiquement universelle, mais le traitement que lui inflige Neige Sinno est inédit. De ses 7 ans à ses 14 ans, dans les Hautes-Alpes, l’autrice est victime des agressions sexuelles et des viols de son beau-père. À l’âge adulte, elle choisit de porter plainte avec sa mère ; l’homme sera condamné à neuf ans de prison.

Là où d’autres récits s’arrêteraient au verdict, Triste Tigre commence. Neige Sinno, universitaire et spécialiste de littérature, utilise les outils de la fiction, de l’essai et de la critique pour disséquer le pouvoir destructeur du criminel. Elle refuse de faire de son agresseur un monstre mythologique ou une simple anomalie : elle le décrit dans toute sa médiocrité quotidienne, celle d’un homme ordinaire qui choisit délibérément d’exercer une domination absolue sur un être sans défense.

La mise en question du pouvoir des mots

Le point fort de Triste Tigre réside dans sa réflexion métatextuelle. L’autrice interroge constamment sa propre démarche et le pouvoir de la littérature. Les mots peuvent-ils réparer ? Peuvent-ils consoler ? La réponse de Neige Sinno est d’une lucidité implacable : non, l’art ne guérit pas l’irréparable.

À travers des références constantes à de grands auteurs qui ont exploré la noirceur humaine ou la pédocriminalité – de Nabokov et sa Lolita à Christine Angot, en passant par Virginie Despentes – l’autrice analyse comment la culture a parfois esthétisé ou mal compris la réalité clinique du traumatisme. Elle démonte le mythe de la victime idéale et montre comment l’abus colonise l’esprit de l’enfant pour y installer le doute, la honte et la confusion des sentiments.

Une exigence stylistique remarquable

Le style de Neige Sinno frappe par sa rigueur et son refus de la métaphore adoucissante. Le ton est direct, parfois clinique, souvent traversé par des fulgurances théoriques d’une grande hauteur de vue.

L’autrice tutoie parfois le lecteur, l’interpelle sur ses propres voyeurismes ou ses propres certitudes, créant un espace de réflexion partagé d’une rare intensité. Ce refus du spectaculaire et cette exigence de vérité font de la lecture de Triste Tigre une expérience intellectuelle et émotionnelle bouleversante. Le livre ne cherche pas à plaire, il cherche à être juste.

Triste Tigre s’impose comme un monument de la littérature contemporaine parce qu’il refuse de laisser le dernier mot au bourreau. En transformant le chaos de l’abus en un objet d’analyse littéraire d’une précision chirurgicale, Neige Sinno reprend le contrôle du récit. Cet ouvrage est une lecture indispensable pour quiconque souhaite comprendre la mécanique fine de l’emprise et la capacité de l’esprit humain à survivre par l’intelligence.

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La Familia grande de Camille Kouchner ? Une déflagration. En choisissant de briser un secret de famille lourd de plus de trente ans, l’autrice a non seulement exposé les dérives d’une lignée, mais a également forcé la société française à regarder en face la réalité de l’inceste et les mécanismes de protection qui régissent les cercles de pouvoir. Si cet ouvrage publié en 2021 a déclenché une onde de choc sans précédent, c’est parce qu’il lève le voile sur l’impunité dont a longtemps bénéficié une certaine élite intellectuelle et politique.

Les coulisses d’une utopie destructrice

Le titre de l’ouvrage, La Familia grande, désigne le clan qui gravitait dans les années 1970 et 1980 autour du couple formé par la politologue Évelyne Pisier et le constitutionnaliste de renom Olivier Duhamel. Ce cercle réunissait la crème de l’intelligentsia de gauche : figures politiques, avocats, éditeurs et artistes se retrouvaient lors d’étés rituels à Sanary-sur-Mer.

Camille Kouchner décrit avec une grande finesse l’atmosphère de cette époque, marquée par une injonction permanente à la liberté, à la fête, à la transgression des normes et à la parole décomplexée. Cependant, derrière cette façade d’émancipation absolue, l’autrice démontre comment cette absence de règles a piégé les enfants du clan, les privant de la protection d’un cadre adulte et de frontières morales indispensables.

Le mécanisme de l’emprise et du secret

Le cœur du récit repose sur l’accusation portée contre Olivier Duhamel, coupable d’abus sexuels répétés sur le frère jumeau de l’autrice à la fin des années 1980, alors que ce dernier n’avait que 14 ans. Au-delà de la matérialité des faits, le livre décortique de manière clinique le poison du secret. Camille Kouchner raconte comment la culpabilité est déplacée sur les épaules des victimes et des témoins, condamnés au silence pour préserver la cohésion du groupe et la réputation des adultes.

L’un des passages les plus douloureux et les plus éclairants de l’ouvrage concerne la réaction de l’entourage lorsque la vérité finit par émerger des années plus tard. Le déni maternel et la solidarité de classe des membres de cette « familia grande » illustrent une omertà systémique. Protéger le puissant, sauvegarder l’institution et étouffer le scandale sont devenus les priorités, au détriment de la justice et de la reconnaissance de la souffrance des enfants.

Une écriture pudique pour une portée universelle

Malgré la gravité du sujet, La Familia grande évite l’écueil du voyeurisme ou du règlement de comptes stérile. Le style de Camille Kouchner, maîtresse de conférences en droit, reste d’une grande pudeur. L’écriture est fluide, sensible et d’une précision remarquable lorsqu’il s’agit d’analyser les rouages psychologiques de l’emprise familiale.

Ce texte dépasse le cadre du simple témoignage autobiographique pour devenir une étude sociologique sur l’impunité des dominants. Il met en lumière la façon dont le prestige intellectuel et le réseau social peuvent servir de bouclier contre la loi.

Un impact sociétal historique

La publication de ce livre a provoqué un séisme dont les répliques ont transformé le paysage législatif et libéré la parole à travers le mouvement social #MeTooIncest. En refermant cet ouvrage, vous comprendrez à quel point la littérature et le courage de témoigner demeurent des armes indispensables pour briser les structures de domination et protéger les plus vulnérables. Un document historique et humain fondamental.

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Avec Les Hommes de la rue du Bac (2026), le journaliste d’investigation Willy Le Devin signe un ouvrage majeur qui s’inscrit dans la lignée des grands récits de salubrité publique. Prolongement direct de sa série d’articles chocs parus dans le quotidien Libération, ce livre-enquête lève le voile sur l’un des secrets les mieux gardés de l’intelligentsia parisienne des décennies 1970 et 1980 : l’existence d’un réseau pédocriminel installé au cœur de Saint-Germain-des-Prés. Si vous cherchez une lecture confortable, passez votre chemin. Ces lignes ne sont pas faites pour vous rassurer. Mais si vous cherchez la vérité historique et journalistique face à l’omertà, vous êtes à la bonne page ; cet ouvrage s’impose comme une lecture essentielle.

Du fait divers au système : l’affaire Inès Chatin

Pour comprendre la genèse de ce livre, il faut revenir au début de l’année 2024, lorsque Willy Le Devin recueille le témoignage d’Inès Chatin. Cette femme d’une cinquantaine d’années brise alors un silence de plusieurs décennies pour raconter l’horreur de son enfance. Elle affirme avoir été livrée par son père adoptif à un groupe d’hommes issus de la haute bourgeoisie, de la haute fonction publique et des milieux culturels parisiens.

Le titre de l’ouvrage, Les Hommes de la rue du Bac, fait directement référence au lieu de ralliement de cette clique d’intouchables. Mais la force du travail de Willy Le Devin est de ne pas s’être arrêté à un seul récit. En recoupant les archives, en traquant les preuves et en libérant la parole d’autres victimes oubliées, le journaliste démontre que l’histoire d’Inès Chatin n’était pas un cas isolé, mais le rouage d’un système criminel orchestré par une élite intellectuelle.

L’autopsie d’une complaisance de l’élite

Au-delà de la description des faits, le livre propose une analyse sociologique et historique vertigineuse. Willy Le Devin décortique avec une précision chirurgicale la complaisance d’une certaine époque – l’après-Mai 68 – où la transgression des tabous moraux les plus absolus a parfois été intellectualisée, voire tolérée par une partie de la sphère culturelle parisienne.

L’auteur met en lumière les mécanismes de protection, le jeu des influences et le mépris de classe qui ont permis à ces criminels de traverser les époques sans jamais être inquiétés par la justice, protégés par une omertà institutionnelle révoltante. « Votre travail est une bombe politique pour notre milieu » lui confiera une éditrice qui ajoutera « la question centrale est celle du pouvoir et de la domination, la sexualité n’étant pour certains qu’un moyen comme un autre de l’exercer » (p.103). Tout est dit et cela fait très peur.

Le grand morceau de bravoure : le récit de l’enquête

Les Hommes de la rue du Bac se distingue également par sa construction. Ce n’est pas seulement le récit des victimes qui est ici mis en avant, c’est aussi le journal de bord d’un grand reporter confronté à la noirceur absolue. Willy Le Devin y livre les coulisses de son investigation : les doutes qui l’assaillent, la rigueur méthodologique obsessionnelle indispensable pour bétonner un tel dossier, mais aussi le coût psychologique d’une telle immersion.

Le style est précis, factuel, dénué de tout sensationnalisme morbide. C’est précisément cette retenue et cette rigueur journalistique qui rendent la lecture si percutante et implacable. En parcourant cet ouvrage, on mesure l’importance cruciale du journalisme d’investigation dans notre démocratie. Les Hommes de la rue du Bac redonne une voix, une dignité et une place dans l’Histoire à des victimes longtemps condamnées au silence. C’est là sa force.

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Que vous dire ? Le titre est d’une simplicité déconcertante, presqu’une évidence désormais, il faut en tout cas l’espérer, le souhaiter de toutes nos forces. Mais dans les années 80, quand elle croise le chemin de Gabriel Matzneff, Vanessa Springora, du haut de ses 14 ans, n’a aucunement notion de ce que représente la notion de consentement, encore moins, et c’est cela qui fait frémir, son entourage. Il faudra attendre l’année 2020 pour que la gamine devenue femme témoigne de l’enfer qu’elle a vécu dans un récit de 216 pages dont l’ironie mordante dissimule mal la détresse.

L’ironie et la colère

Cette ironie n’est pas perceptible dans l’adaptation cinématographique que je regarde initialement. Signé Vanessa Filho, remarquablement interprété par Kim Higelin et Jean-Paul Rouve, le film prend déjà à la gorge. Mais comme toute adaptation de livre à l’écran, il manque forcément quelque chose du témoignage originel. Confirmation en plongeant dans ces pages : l’ironie, la colère y sont constantes, irriguant l’écriture, assurant la vibration du souvenir, de la détresse, de la déchirure subie. Le récit débute là où le film finit, avec la volonté de « prendre le chasseur à son propre piège, l’enfermer dans un livre ».

L’autrice commence par planter le décor. Famille éclatée, père absent et violent (le héros de Patronyme édité en 2025, qui creuse le sillon ébauché dans la première œuvre), mère paumée, enfant en quête de sens qui se réfugie dans la littérature et l’écriture. Comme le précise Vanessa avec beaucoup de lucidité et un sens consommé de la synthèse qui fait mal : « Un père aux abonnés absent qui a laissé dans mon existence un vide insondable. Un goût prononcé pour la lecture. Une certaine précocité sexuelle. Et surtout, un immense besoin d’être regardée. Toutes les conditions sont maintenant réunies ».

Un prédateur au visage de bonze

L’héroïne de ce conte qui tourne au cauchemar va rejoindre la trop longue cohorte de Lolitas que Gabriel Matzneff a inscrites sur son tableau de chasse à l’adolescente (où figurent également et en bonne place les petits garçons de Manille poussés à la prostitution par la misère). Autant de victimes sacrifiées sur l’autel des fantasmes et caprices d’un auteur sulfureux alors adulé par les intellectuels du monde entier. Le prédateur au visage de bonze impassible enjôle les ingénues pour mieux les vampiriser sexuellement, affectivement, émotionnellement et littérairement. Toutes finissent abandonnées quand elles s’avèrent trop âgées (16 ans en moyenne) et/ou trop collantes. Un abandon qui les disloque, les démolit.

Vanessa aura l’occasion de découvrir cette sororité dans la destruction. Une destruction dont elle ne se remettra jamais mais qu’elle dissèque néanmoins avec acuité au fil des paragraphes, faisant au passage référence à la littérature, Nabokov en tête, pour cerner le piège tendu, le modus operandi de G.M. Elle réduit son agresseur à ses initiales, lui rendant ainsi la monnaie de sa pièce, lui qui l’a baptisée V. dans son journal. Un anonymat de façade, on reconnaît vite qui est cette jeune fille dépeinte comme une véritable harpie, dont la photographie apparaît de loin en loin au fil des confidences du romancier qui se lamente de sa perversité, lui qui cherchait dans cette idylle la rédemption.

Car supplice il y eut

Photographies, lettres, anecdotes… des pans entiers de vie ont ainsi été exposés, sans jamais demander le consentement de Vanessa. Littéralement aveuglée par un prédateur qui sait utiliser les bons leviers psychologiques pour la mettre sous sa coupe et tout obtenir d’elle, Vanessa a servi d’objet sexuel (la question même de son plaisir n’est jamais prise en compte par son « amant »), de poubelle émotionnelle, de faire valoir, de réceptacle à la colère et à la frustration de son bourreau. Car supplice il y eut. Nous voyons sombrer cette adolescente abandonnée de tous. Déscolarisation, drogue, crise psychotique : c’est un miracle qu’elle s’en soit sortie. Son témoignage, comme celui d’Eva Ionesco, victime, elle, de sa mère, et à laquelle Vanessa fait référence, met en évidence une souffrance atroce, qui marque au fer rouge, dont on ne revient jamais tout à fait.

La souffrance qu’on n’entend jamais, parce qu’on ne veut pas, parce que tout est fait pour taire la chose, parce que les victimes n’osent pas parler, rongées qu’elles sont de honte, de culpabilité, de solitude. De terreur quasi épidermique quand leur agresseur les harcèle, ce que Matzneff fait régulièrement, noyant de lettres, de coups de fil, de mails, une Vanessa qui l’a enfin fui comme on fuit la peste, quand elle comprend qu’il viole des gamins de huit ans à chaque voyage en Orient. Et que personne ne trouve rien à y redire.

Dénoncer l’acceptation

C’est l’un des points forts du livre Le consentement : la dénonciation de l’acceptation, du consentement de la société. Tout le monde a l’air de trouver ça normal, charmant, drôle même. La seule à dénoncer la chose publiquement ? Denise Bombardier, autrice québecoise qui monte au créneau en pleine émission littéraire pour dénoncer les attirances pédophiles de Matzneff. L’émission s’appelle « Apostrophes », elle est cornaquée par Bernard Pivot, vue par des milliers de spectateurs. Nous sommes en 1990 et Bombardier sera raillée par les invités, critiquée pour son manque d’ouverture d’esprit, conspuée pour avoir attaqué une auteur de génie.

Ou quand l’agresseur devient victime, par la grâce d’une société complice où la femme qui se plaint est une mégère, les gamines des allumeuses hystériques qui n’ont de valeur que parce qu’elles alimentent une œuvre littéraire. La prise de conscience opérée via l’écriture de Springora est brutale et sans concession. Devenue éditrice, elle dénonce la complicité de ceux qui ont publié la prose pédopornographique de Matzneff. Ils savaient, ils n’ont rien fait, pire, ils ont encouragé ces propos. Aujourd’hui, ce genre d’écrit n’ayant plus la faveur du public, il n’intéresse plus les maisons d’édition. La douleur profonde et irréversible des victimes, elle, demeure.

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Après Innocence et Les Enfants de la nuit, Eva Ionesco accouche d’un magnifique Grand Amour qui clôt le triptyque consacré à son enfance martyre. Au cœur de ce récit aux accents poétiques poignants, Charles, apparu dans les dernières lignes de l’opus précédent, un ange posé sur les marches du Palace.

Une voie vers l’émancipation

C’est là qu’on le retrouve, au début de ce conte amoureux d’une grande fraîcheur. Fraîcheur qui tranche avec le cynisme des romans précédents, comme une preuve littéraire de rédemption en marche. Car c’est ce que Charles Serruya fut et fit : un ange œuvrant sans répit et avec une loyauté sans faille à la rédemption de la petite Eve souillée depuis le berceau par la folie d’une mère ogresse.

Cette dernière ici s’estompe, distancée, écartée par la lumière de cet amour si pur, si vrai, si fort. Un amour qui se déploie dans un Paris nocturne voué à la fête et aux excès ; malgré la drogue, malgré les passages en centre de placement pour mineurs de la DDASS, cet amour tient, se renforce, se construit. Non comme un avenir mais comme une voie vers l’émancipation.

Paul et Virginie à l’heure du clubbing triomphant

Une passerelle vers la liberté, une parenthèse enchantée, éphémère mais durable, immuable. De page en page, Eva, adolescente de treize ans, cautérise ses plaies d’enfance sous l’oeil attendri d’Eva adulte. Un œil attendri certes mais toujours aussi précis : les souvenirs s’enchaînent qui racontent cette passion lumineuse et donnent à voir l’univers si particulier des fiestas d’alors.

Christian Louboutin, Edwige, Alain Pacadis, Pierre et Gilles, Lagerfeld, Paquita… tous se croisent, échangent, créent, se disputent, se cament, font les fous, tandis qu’au premier plan Eva et Charles s’aiment. Rien de sordide dans leur relation, ce ne sont pas des doublons de Sid et Nancy, mais leurs opposés. Quelque chose de Paul et Virginie à l’heure du clubbing triomphant.

Faire patte de velours

Deux ovnis qui se rencontrent et fusionnent, avec en partage le goût pour la poésie, la grande littérature, le cinéma d’auteurs, la musique rock et les folles soirées sur les dancefloors. Une fois de plus, on est frappé par la maturité de cette gamine grandie trop vite et qui galope après une pureté enfantine qu’elle ne retrouvera jamais, parce qu’on l’en a privée à peine venue au monde.

Mature, lucide, femme dans un corps d’adolescente pulpeuse, Eva face à Charles perd de sa brutalité, son langage s’adoucit, la petite harpie qui crachait son venin pour se protéger de sa mère et du monde fait ici patte de velours, se love contre ce garçon qu’elle considère comme son homme, et découvre les merveilles du monde, Venise, New-York, l’Égypte … et puis Paris.

Zones de protection

L’autre grand amour d’Eva. Paris, ses rues, ses nuits, son souffle, son rythme, sa respiration. Eva Ionesco a une manière unique de décrire ce Paris qu’elle adore, dont elle connaît chaque rue, chaque quartier et qui pourtant n’a jamais cessé de la surprendre, de l’émerveiller, aujourd’hui encore. L’amant et la ville ici se confondent, comme deux zones de protection, deux safe spaces.

Des espaces de vie, où évolue la femme adulte et la petite fille blessée qui sommeille toujours en elle. Des espaces de résilience également, que l’autrice chérit avec tendresse, sacralise. Charles, toujours demeurera ce grand amour salvateur, cet ange protecteur, ce regard qui sécurise, encourage. Aujourd’hui encore, en dépit du temps qui passe, des séparations, il est là, présent. Complice.

Cette complicité amoureuse qui perdure quand les sentiments se transforment, c’est ce qu’Eva Ionesco arrive à transmettre à demi mot, subtilement. Après la violence à l’oeuvre dans les deux premiers tomes de son autobiographie, Grand Amour s’impose comme un moment de très grande douceur, de réconciliation, un instant de grâce simple et magique à la fois, qui échappe à la niaiserie des faux sentiments, des attirances factices pour interroger ce qui fait la puissance d’un attachement sincère.

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Ouais, je sais, c’est très con comme titre, mais franchement, c’est ce qui m’est venu à l’esprit en bouclant le binge watching des trois saisons de The White Lotus. Et quel binge watching, mes aïeuls  ! Je l’ai dévorée, cette série, les trois saisons en enfilade. L’anti Camping, rien à voir avec Les Flots bleus chers à Onteniente, où on s’aime, on s’engueule, on se réconcilie autour d’un apéro et de bonnes valeurs de partage et d’égalité devant l’adversité. Non, avec The White Lotus, on plonge direct dans une piscine de venin. Un venin doux, perfide, mais d’une redoutable efficacité. La série ne porte pas ce nom par hasard. Un personnage de la première saison fait justement allusion aux Lotophages, ce peuple cité dans l’Odyssée et qui sombre dans l’oubli à force d’ingérer une boisson à base de lotus. Le showrunner Mike White ne faisant jamais rien pour rien, la référence est loin d’être un accident, elle offre même une grille de lecture mordante de cette comédie humaine 5.0. Mordante jusqu’à l’absurdité la plus totale.

Cadre paradisiaque et satire sociale

On connaît l’origine covidienne de la série. En pleine pandémie, HBO sollicite Mike White pour créer une série à tourner dans un lieu confiné. Quoi de mieux qu’un hôtel, où de par le monde s’entassent alors des centaines de touristes mis en quarantaine ? Inspiré par la cocasserie de la chose, White prend sa plus belle plume (la plus acérée du reste) pour accoucher de la première saison de The White Lotus. The White Lotus : un palace de très très grand luxe, à Maui, où débarquent plusieurs clients issus de la jet set américaine. Richissimes, insupportables, paumés. Des gosses mal élevés et capricieux.

Un couple de jeunes mariés qui sont loin d’être en osmose pour leur lune de miel, une famille en pleine déliquescence, une célibataire quinquagénaire, bardée de millions et dépressive. Tout ce petit monde compte bien savourer une semaine de repos dans un cadre paradisiaque. Mais White va faire en sorte que cela tourne au cauchemar, avec en perspective une satire sociale féroce qui décortique les dynamiques de pouvoir et les tensions sociales de ces clients fortunés avec un personnel hôtelier pour le moins exploité.​

Success stories à vomir

Le cadre est posé, le schéma se décline sur les trois saisons avec une régularité de métronome et le plein de péripéties et de frissons. Pas de surprise sur l’issue du séjour ; à chaque fois, on débute par la résultante du désastre : cercueil, cadavres, fusillade. D’emblée, White annonce la couleur, funèbre. Reste à savoir comment le paradis se transforme en enfer. C’est l’objet des épisodes que d’opérer un méticuleux flashback, tissant ainsi la chronique pour le moins corrosive d’un cataclysme annoncé.

Shakespearien n’est-ce pas ? Surtout très balzacien. Ce curieux mélange, cru et sans complexe, est saupoudré de sexe, de stress, d’anxiolytiques, de cocktails et de fruits (observez les assiettes, ces carnassiers sociaux se gavent de fruits à longueur de repas, dans la plus totale ignorance de la gastronomie propre aux restaurants de ces palaces étoilés). Beaucoup de promesses, beaucoup de mensonges, de l’égoïsme à la pelle, pour un portrait sans concession de millionnaires incarnant des success stories modernes à vomir. Et cela monte en puissance sur les saisons 2 et 3, qui ont lieu en Sicile puis en Thaïlande.

Une jungle cernée par la mer

Il n’y en a pas un pour rattraper l’autre. Les personnages façonnés par White sont imbuvables, pitoyables, trop vaches, trop naïfs et vides, incroyablement vides. Antipathiques au possible pour certains, empathiques jusqu’à la nausée pour d’autres. C’est à celui qui bouffera l’autre, dans cette atmosphère faussement cossue où les coups bas se font en douce et dans le dos. Ignoble et difficile à avaler, poignant parfois, désolant toujours. Une jungle cernée par la mer, symbole du cycle inexorable de la vie et de la mort, de la nature toute-puissante.

Certains s’en sortiront, d’autres pas. Chacun.e repart de son séjour avec quelque chose en plus ou en moins, c’est selon. L’amour, le deuil, la liberté, la misère, la richesse, la sagesse, la folie, le détachement, l’inquiétude… En tout cas, les valeurs de base en ressortent ébranlées, fissurées, dynamitées. Séjourner dans un palace White Lotus, c’est à coup sûr se soumettre à une initiation qui ne dit pas son nom, mais qui sera cinglante et laissera des traces.

Profils à couteaux tirés

Et les stars d’abonder dans ce décor de rêve pour prêter leur visage à ces profils à couteaux tirés : impossible de tous les citer, les castings de chaque saison sont monumentaux. On gardera en tête Jennifer Coolidge, odieuse et touchante, Aimee Lou Wood et Walton Coggins, couple improbable et fusionnel, Jason Isaacs bourré de tranquillisants, Sam Rockwell parti en free style dans un couloir d’hôtel, Murray Bartlett en petite tenue et coquine compagnie dans son bureau, Natasha Rothwell corsetée dans ses principes…

Toutes et tous apportent leur personal touch à cette fresque déjantée, parfaite expression de l’ironie de la vie. Un équilibre délicat, une construction improbable, mais solide, où les plans de toute beauté dialoguent avec les séquences les plus scabreuses en parfaite harmonie. Comme si le retour à un paradis sublimé déchaînait la bête qui sommeille en chacun.e de nous. Tel un avertissement, le générique prend aux tripes, ponctué par une musique qui vous bouffe les méninges. Cristóbal Tapia de Veer signe là une compo unique en son genre, qui s’enroule autour de vous comme un boa constrictor et ne va pas vous lâcher les synapses de si tôt.

Incroyable contradiction

Tout comme le souvenir de ces histoires aussi sordides que magnifiques, ces instants d’héroïsme ou de lâcheté, ces éclairs de bonté, ces secondes d’orgueil. Hautement philosophique… et trompeur. Tout le monde ne percevra pas la saveur piquante de ces contes morbides. Incroyable contradiction qui reflète l’aveuglement ambiant à l’ère de l’instagrammable way of life : critique acerbe du tourisme de luxe et des privilèges des élites, The White Lotus s’est paradoxalement imposée comme une vitrine de choix pour les marques de luxe, suscitant ainsi le débat sur la cohérence entre son message et sa présentation.​

Comme l’explique le site Dans ta pub, les hôtels accueillant chaque saison ont fait le plein suite à la diffusion des épisodes, ainsi le San Domenico Palace à Taormine qui affiche désormais complet pour de longs mois. La robe Dolce & Gabbana portée par Jennifer Coolidge dans la saison 2 a vu ses recherches en ligne augmenter de 150 % après la diffusion de l’épisode correspondant. De même, des marques comme Gucci et Jacquemus ont bénéficié d’une exposition significative grâce aux tenues arborées par les acteurs.

Foutage de gueule ? Cynisme assumé ?

Bref, le placement produit dans The White Lotus a le vent en poupe, relayé avec fracas dans les magazines comme Vogue. Et que dire des produits dérivés ! Les collaborations commerciales se succèdent : ainsi, Bloomingdale’s a lancé une collection capsule de 34 pièces en partenariat avec la série, comprenant des vêtements et accessoires inspirés de son esthétique.​ On imagine les profits réalisés par les producteurs qui ont monnayé ces placements produits, ces partenariats trop nombreux pour être ici répertoriés sans tomber dans l’inventaire à la Prévert.

Pourtant, cette mise en avant du luxe a de quoi interroger, non ? Le message de la série, qui dénonce clairement les excès liés à la richesse, ce déversement de luxe presque grotesque, contredisent cette politique publicitaire intense. D’un côté, critiquer avec virulence le consumérisme et les privilèges, de l’autre, les promouvoir de la façon la plus dynamique qui soit. Contradiction ? Foutage de gueule ? Cynisme assumé ? Selon certains analystes, cette dualité refléterait le caractère paradoxal de la société contemporaine piégée entre adulation et critique du monde du luxe, dixit le Los Angeles Times.​ A moins que White, malicieux, joue la carte de l’absurde à la Ionesco, histoire de piéger même son public.

Étonnant, pour ne pas dire inquiétant. Car, à moins d’être complètement décérébré, on ressort des trois saisons de The White Lotus avec un goût particulièrement ignoble en bouche, le sentiment d’être face à une fin de règne, l’écroulement d’un monde. Et on n’a pas envie d’en faire partie, de participer à ce jeu de massacre sur fond de luxe tapageur et rance. Surtout, surtout pas.

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Bénie soit la captation qui a gardé souvenir de cette mise en scène pour le moins inédite. Car la lecture du chef-d’œuvre de Molière par feu Claude Stratz dépoussière largement Le Malade imaginaire, atténuant le côté farce et ballet pour souligner le drame intérieur d’un homme confronté avec ses angoisses de mort. Une comédie crépusculaire menée bille en tête par la troupe de la Comédie-Française, qui, comme à son habitude, réalise ici un sans-faute.

De la peur à l’anxiété

Le Malade imaginaire, nous avons déjà eu l’occasion d’en parler précédemment : « Satire décapante et un brin scatologique des pratiques médicales de l’époque, la pièce est aussi une exploration des peurs et des obsessions humaines, comme seul Molière est capable d’en écrire une » expliquions-nous dans l’article « Le Malade imaginaire de Molière : autopsie d’un mythe dramaturgique ».

Ce sont justement ces peurs qui prennent possession du plateau dans la mise en scène emblématique de Stratz, datée de 2001, depuis jouée plus de 500 fois, inscrite dans les tablettes de la Comédie-Française. Ces peurs tournent à l’anxiété latente pour un Argan persuadé qu’il porte la mort en lui, au point de se détourner de son entourage, de le violenter constamment.

Une pure émanation de Beckett ou Ionesco

Dans un décor rongé qui laisse entrevoir des splendeurs passées, ce anti-héros absolu de l’hypocondrie portée au rang d’art de vivre, se complaît dans un laisser-aller qu’entrecoupent ses crises de colère. Colère qui l’amène à porter la main sur sa petite Louison et d’être persuadé de l’avoir gravement blessée alors que la petite feint un évanouissement, d’où un désespoir notable.

Seul dans sa chaise de malade vermoulue, Argan semble ici échappé d’une comédie sociale de Goldoni à moins qu’il ne se soit évadé du théâtre de l’absurde. Une pure émanation de Beckett ou Ionesco, Hamm de Fin de partie, Bérenger Ier dans Le Roi se meurt. Terriblement fragile, perdu, riche certes, mais faible et manipulable : par ses médecins, par sa femme.

Une biche au milieu des fauves ?

Une biche au milieu des fauves ? Il faudra le traitement de choc de Toinette, la servante fidèle et ingénieuse qui veille au grain sur les intérêts de cette petite famille qu’elle considère sienne, pour remettre un peu d’ordre dans la cervelle de notre malade imaginaire. Les enjeux sont énormes.

Il s’agit de l’empêcher de ruiner l’avenir sentimental de sa fille aînée Angélique par un mariage inapproprié avec Diafoirus junior, d’éviter la dilapidation de sa fortune par don à une épouse ingrate, des médecins avides et un brin escrocs. Et cela, la mise en scène de Stratz le met particulièrement en évidence au point d’en gêner le spectateur qui rit jaune aux facéties de toute cette smala.

Le spectre de la Covid

Car plane au-dessus de la version 2020 le spectre de la Covid qui s’invite bien évidemment à la fête. Et donne une coloration encore plus morbide à la pièce. Masqués, les acteurs jonglent avec le virus, l’atmosphère de panique et d’incrédulité qui règne alors. Qui des politiques, des médecins, des influenceurs a raison ? Qui faut-il croire ? Que faire ? Comment se protéger ? Comment se soigner ?

À la lumière de la pandémie, le discours moliéresque se tente d’autres nuances : les tentatives de Béralde, l’honnête homme équilibré par excellence, pour raisonner son frère, résonnent par moment comme une sorte de théorie complotiste, un discours antivax déplacé. Le régime prescrit initialement à Argan par Purgon s’avère somme toute équilibré et sage (viandes blanches, moins de vin), alors que Toinette lui propose bœuf, gras et alcool.

Devenir médecin soi-même ?

Argan n’en est que plus perdu et nous avec. Manipulé, trompé, Argan, magistralement interprété par Guillaume Gallienne qui lui prête sa douceur, sa vibration intérieure, son émotivité, fait écho à notre propre perplexité. Qui croire, vers qui se tourner, quand on est noyé dans les injonctions contradictoires, les informations douteuses, les contre-vérités, diffusées en continu par les médias, les réseaux sociaux ?

Devenir médecin soi-même ? Même l’intronisation burlesque d’Argan au terme de la pièce perd ici son caractère grotesque, soulignant l’atrocité de la situation. Dépourvus que nous sommes d’interlocuteurs fiables, c’est à nous d’aller chercher le savoir comme nous le pouvons, avec les moyens du bord. Faire acte d’esprit critique sera-t-il possible ? Cela reste à voir. Mais pour sûr, après avoir vu ce spectacle, vous l’aurez compris : nous sommes aujourd’hui tous susceptibles d’être des malades imaginaires.

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#meetoo : un hashtag, une expression, et derrière tant de souffrances tues, de douleurs ravalées, dont on n’imagine guère l’intensité et la profondeur, si soi-même, on n’a pas subi le harcèlement. Et puis il y a le point de vue de l’agresseur : qu’est-ce qui fait vriller, jusqu’où ? Pourquoi dans un cas comme l’autre, est-ce intolérable ? C’est ici que la lecture croisée d’Une affaire très française de Raphaëlle Bacqué et Samuel Blumenfeld, et La Prédation de Caroline Ducey s’avère particulièrement appropriée et évocatrice. D’un côté, le parcours d’un acteur français célèbre pour ses rôles, sa faconde et ses manières pour le moins lestes, de l’autre une actrice violée durant une scène tournée par une réalisatrice et qui jamais ne s’en est remis. Au final : deux perspectives saisissantes sur les abus de pouvoir, les dérives dans le milieu du cinéma français, les traumatismes occasionnés.

Une affaire très française

Publié en mars 2024, ce livre d’enquête retrace l’ascension fulgurante, la carrière solaire et la chute de Gérard Depardieu, figure emblématique, monstre sacré du cinéma français. Raphaëlle Bacqué et Samuel Blumenfeld relatent cette trajectoire par le menu, avec un style enlevé et accrocheur, jamais racoleur cependant. Ils dévoilent des incidents longtemps tus, des scandales étouffés, l’aveuglement complice du milieu cinématographique face aux comportements problématiques d’un comédien qui flirte avec les limites du convenable, n’a que faire du consentement.

Les deux auteurs explorent par ailleurs ses relations controversées avec des figures politiques internationales plus que douteuses, offrant ainsi un tableau sidérant d’une carrière à la fois flamboyante et particulièrement borderline. L’industrie du cinéma n’en sort guère grandie qui tolère, ferme les yeux, tandis que jeunes actrices et petites mains des tournages subissent les assauts et les insultes de la star. C’est cette condescendance notamment qui frappe les esprits, laisse le lecteur abasourdi.

La Prédation

Avec La Prédation, nous changeons de point de vue pour embrasser celui de la victime. Dans cet essai autobiographique publié en août 2024, Caroline Ducey revient sur le tournage du film Romance (1999) de Catherine Breillat. Elle y révèle avoir subi une agression sexuelle lors d’une scène, accusant la réalisatrice d’avoir orchestré cette violence pour le bien de son film, la mise en valeur de son propos. Ducey décrit notamment comment ses préoccupations concernant des scènes explicites ont été minimisées, menant à une expérience traumatisante où des actes non consentis ont été filmés.

Elle souligne également la manipulation et la pression exercées pour la convaincre de participer à des scènes non prévues contractuellement, les conséquences terribles du choc subi, la descente aux enfers de la drogue, la lente remontée vers la lumière. Une carrière d’actrice désormais indissociable de la scène traumatique en question, l’obligation de se tourner vers d’autres activités, l’écriture surtout, salvatrice. Difficile de rester de marbre en parcourant ces lignes, de ne pas penser à Maria Schneider ou Eva Ionesco, deux autres victimes de cette mentalité du « tout pour l’oeuvre » qui écrase les individus comme un rouleau compresseur.

Bien que distincts dans leur approche, ces deux livres mettent en lumière de véritables abus de pouvoir, totalement banalisés au cœur de l’industrie du cinéma français. Analyse journalistique ou témoignage personnel, chaque ouvrage explore la vulnérabilité des femmes au sein de cet univers qui ne protège pas, ne soutient jamais, si ce n’est les agresseurs dont la célébrité sert de bouclier. Une affaire très française et La Prédation donnent à voir les mécanismes qui favorisent les abus dans l’industrie cinématographique ; ce faisant, les deux ouvrages soulignent l’urgence de briser le silence, de changer les comportements et les mentalités, et pas seulement dans ce microcosme spécifique, mais à l’échelle de notre société dans sa globalité.

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On le croise dans les pages des romans d’Eva Ionesco ou Patrice Eudeline, qui étaient ses amis. On l’aperçoit de loin en loin dans le documentaire Des jeunes gens mödernes. En son temps, Alain « Paca » Pacadis fit plus que défrayer la chronique ; il en rédigea le cours, dans les rubriques de Actuel ou Libé, entre autres, avec une plume inspirée d’adepte du gonzo. Camé jusqu’à l’os, alcoolisé jusqu’aux cheveux, ce proto punk au visage ravagé a traîné sa longue silhouette dégingandée jusque dans les soirées du Palace, s’autodétruisant méthodiquement jusqu’à l’heure d’un trépas aussi tragique que mystérieux. Ce parcours hors normes, deux livres le racontent : Alain Pacadis, itinéraire d’un dandy punk et Alain Pacadis Face B. Deux livres dont il faut croiser la lecture pour une vision plus juste de cette ombre qui n’a rien du passé.

Paca n’est pas synthétisable

Qui était Alain Pacadis ? Punk, dandy, journaliste, chroniqueur, homo, drogué, dépressif, suicidaire, intellectuel, mélomane … Figure incontournable de la scène underground parisienne, Paca n’est pas synthétisable, loin s’en faut. Celui qui en parle le mieux selon moi, c’est Musset : « Regardez-moi ce petit corps maigre, ce lendemain d’orgie ambulant. Regardez-moi ces yeux plombés, ces mains fluettes et maladives, à peine assez fermes pour soutenir un éventail ; ce visage morne, qui sourit quelquefois, mais qui n’a pas la force de rire. C’est là un homme à craindre ? » En décrivant son Lorenzaccio, Musset avait-il en tête qu’il dressait avec un siècle et demi d’avance le portrait craché d’Alain Pacadis ?

Inspiré par William S.Burroughs, Hunter S. Thompson, Lester Bang et autres chantres de la littérature gonzo, Pacadis a fait exploser les codes du journalisme traditionnel à la française pour ne plus relater mais vivre. Chez lui, pas de séparation nette entre l’existence perso et l’écriture. Pacadis vivait ses chroniques de l’intérieur et avec passion, traînant dans les clubs, les squats, les afters, les concerts, tout en écrivant des articles qui mélangeaient reportage, poésie punk et journal intime. Défoncé à l’extrême, jamais il n’a rendu un papier en retard. Lettré, cultivé, curieux, crade, paumé, en quête perpétuelle d’amour, de reconnaissance, il avait tout du grand écrivain maudit, made in 70’s.

Détecteur de pépites, découvreur de talents

Pourquoi s’y intéresser ? S’il ne fut pas au cœur même du générateur, il en observa le cours avec attention, passant le gué des Sixties pour plonger dans le marigot punk avant d’embrasser la folie des nuits disco. Sa route a croisé celle de nombreuses célébrités, des figures de proue de la nuit parisienne dans ce qu’elle avait de plus dingue, de plus créatif, de plus avant-gardiste, de plus jusqu’au-boutiste. Yves Adrien, les Gazolines, Maud Molyneux, Marc Zermati, Jean-François Bizot, les Stinky Toys, Gainsbourg, Fabrice Emaer, on ne les compte plus, ceux qui firent partie de son cercle, qui furent ses proches.

Détecteur de pépites, découvreur de talents : véritable chien truffier musical, Paca va mettre en avant Suicide, Television, les Ramones, porter sur les fonds baptismaux médiatiques une bonne partie de la scène punk française avant de s’adonner corps et âme au nichtclubbing, sillonnant nuit après nuit Bataclan, Bains Douches et autre Privilège. Tout cela et un bouquin plus tard, prometteur Un jeune homme chic édité en 1978, on retrouvera son corps étranglé dans un taudis de la rue de Charonne. En pleine épidémie de SIDA, alors que ses potes tombent comme des mouches, Paca une fois de plus se singularise en se faisant buter par son amant d’alors.

Un héros néo-romantique ?

Pareil personnage méritait bien de devenir un héros littéraire d’envergure néo-romantique. Deux livres lui sont consacrés, qui valent largement le détour, véritables page-turner à compulser en une lecture exaltante et fiévreuse.

• Signé Alexis Bernier et François Bruot, Alain Pacadis, Itinéraire d’un dandy punk est publié en 2018 aux éditions Le Mot et le reste. Objectif : raconter la vie de Paca en le replaçant dans son époque. Biographie précise et prenante, ce bouquin donne à voir, par-delà le destin du journaliste, le Paris underground des années 70-80 avec un luxe de détails, d’anecdotes et de références. Débuts dans Libération, nuits passées à écumer les clubs parisiens et autres repaires de la scène alternative : l’exposé est vivant, électrique, une porte d’entrée idéale dans une époque prolixe où tout était possible.
• Alain Pacadis Face B de Charles Salles sorti en 2023 aux éditions La Table ronde, fait de Paca un héros de roman. Lunettes noires, cheveux collants, maigreur d’échalas, le journaliste est saisi dès les premières lignes en train de danser sur la piste du Palace. A partir de cette transe, Salles déroule le fil d’une vie racontée en mode introspectif, celle d’un homme emporté, détruit par ses doutes, ses culpabilités, ses angoisses, ses excès, ses addictions. Anticonformiste, perdu dans ses contradictions, poursuivi par la mémoire d’une mère vampirique et instable, bref Pacadis from inside, qui embrasse le mouvement punk comme une épiphanie, s’abîmera dans les modanités avant de disparaître de la plus glauque des manières, une nuit de décembre 1986.

Électron libre pour sûr. Damné, c’est certain. Excentrique, au sens premier du terme. Chaotique, volontairement. Pacadis ne doit pas tomber dans l’oubli ; ce serait la misère de trop. Ces deux ouvrages lui rendent hommage sans verser dans l’idolâtrie aveugle. Il s’agit plus d’interroger une énigme, un talent en perdition, alimenté/rongé par les spectres. Et d’ensuite plonger dans ses écrits dont Nightclubbing : Article 1973 – 1986, publication posthume de ses chroniques pour en goutter toute la douceur amère.

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