« On ressort de Vincennes beaucoup moins bête, et surtout très autonome »

Nous avons déjà évoqué cette histoire via notre article consacré au remarquable documentaire de Virginie Linhart Vincennes, l’université perdue, avec à la clé ce constat : « on ressort de Vincennes beaucoup moins bête, et surtout très autonome ». Ce constat, les réalisateurs Benjamin Charbit et Dominique Baumard vont le placer au cœur de la série Camarades, soit huit épisodes qui nous racontent les aventures de plusieurs personnages clés au sein de cette fac expérimentale aux allures d’utopie : Gérard le prof maoïste, Françoise l’étudiante révolutionnaire, Amadéo l’activiste homosexuel, Jimmy l’agent de surface en grève ; ajoutons à ce quatuor, Merloux, philosophe bombardé président de cette université ingérable, Nino secrétaire administrative et militante PCF enragée et quelques autres figures de cet esprit libertaire en ébullition.

Psychose autoritaire et années de plomb

Et pour observer tout ça, Jacques, flic gaulliste et nervis des Renseignements généraux bien décidé à foutre en l’air ce nid de gauchiasses (le terme n’est alors pas usité mais l’intention est déjà là) ; pour y parvenir, cet espion raté, ne trouve rien de mieux, que d’envoyer une taupe au cœur du vivier gauchiste, histoire de flairer un potentiel projet d’attentat (eh oui on est dans les années de plomb, avec leur lot de Brigades rouges, Action Directe, Fraction Armée Rouge et autre bande à Baader, autant d’organisations promptes à l’enlèvement et à l’assassinat de personnalités politiques et économiques jugées réactionnaires, du coup les autorités ont tendance à psychoter pas mal et à surveiller beaucoup).

Ensemencer les consciences

La taupe en question ? Claudine, prostituée dont la caravane est située en plein bois à quelques encablures de la fac, et dont Jacques est l’amant. Claudine, un brin cruche, inéduquée, sans diplôme, la prolo parfaite. Seulement voilà : Claudine, en pénétrant les locaux de la Berkeley française, va se découvrir une vocation/passion pour les études, la lutte des classe et l’émancipation féministe et humaniste. Et le projet de torpillage de cette maudite université de prendre une tournure aussi inattendue que loufoque … et intellectuelle. Et les images de nos héros en quête de révolution de se mêler aux archives d’époque pour mettre en avant et illustrer les courants de pensée qui irriguent ce projet, s’y déploient et ensemencent les consciences fertiles.

Vincennes vs la grande casse sociale

C’est un pur régal, doublé d’un festival d’idées, d’échanges, de débats, d’argumentations, de contre-argumentations … En toile de fond, des revendications d’égalité, de partage, de liberté d’expression … L’épisode évoquant comment les étudiantes, privées d’espace à elles, se barrent dans les clairières pour y monter un campement féministe, laissant en rade l’effectif masculin bien en peine de taper des tracts politiques sans faute d’orthographe est à se tordre. L’ensemble du récit est de cette facture, drôle, romantique, incisive et, il faut bien le reconnaître, d’une actualité troublante. Droits des femmes, des LGBT, des personnes racisées, accès à l’éducation, à la pensée peu importe l’origine, le sexe, le métier, la formation initiale, l’appartenance sociale … à l’heure de la grande casse sociale opérée par le centre et la droite, ce propos est plein d’espoir.

« Je préfère une révolution de gauche ratée, à une révolution de droite réussie »

Et la série de sensibiliser le spectateur avec subtilité à cette perspective d’ouverture. Car l’esprit de Vincennes n’est pas mort, loin s’en faut, les livres restent, les enregistrements, les films … Camarades en diffuse l’essence par bribes, chaque épisode proposant l’exploration d’une citation qui de Derrida, qui de Deleuze, quand il ne s’agit pas de dialoguer avec Lacan ou d’écouter Foucault … L’ensemble aboutit à un point de bascule d’une rare lucidité avec notre actualité quand Claudine, au bord des larmes, explique la folie du capitalisme à venir, la gauche, privée de laboratoire de réflexion, réduite à ses petits arrangements, l’émergence d’un fascisme d’autant plus dangereux qu’il se voudra « joyeux », propulsé par des capitalistes rendus fous par leur enrichissement, leur seul plaisir. Et de conclure « je préfère une révolution de gauche ratée, à une révolution de droite réussie ».

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Méfiance sociétale vs déploiement industriel

Avec les lunettes connectées, le débat sur la présence des caméras dans notre espace public franchit clairement un cap irréversible. Si les smartphones imposent un geste visible pour filmer (lever le bras, pointer l’écran), les lunettes intelligentes abolissent cette frontière, en rendant la prise de vue indécelable et parfaitement intégrée au regard. La chose ne laisse personne insensible. Une polarisation pour le moins musclée est en train de s’installer tandis que les offres se multiplient.

La CNIL veille au grain, car ce type d’appareil est propice aux captations illégales et non consenties de tout poil. L’inquiétude règne par ailleurs dans certains espaces culturels, établissements bancaires, écoles, casinos, boîtes de nuit, salles de spectacle et autres lieux où la captation illicite pourrait occasionner pas mal de dégâts en terme de piratage, d’atteinte à la vie privée, de vol de données ou de triche.

Exagération ? Comme un fait exprès, les géants de la Big Tech n’y vont pas de main morte pour imposer ce nouvel objet connecté/augmenté dans nos existences, déployant au passage une stratégie de normalisation à marche forcée pour le moins vicelarde.

Cas d’école : les lunettes connectées Ray-Ban Meta

Exemple type : les lunettes connectées Ray-Ban Meta. En dissimulant sa technologie dans le design iconique du modèle Wayfarer, Meta tape fort pour différentes raisons.

• Le modèle Wayfarer est l’une des paires de lunettes de soleil les plus vendues au monde depuis les années 1950 (cela se chiffre en centaines de millions de vente selon Wikipedia). La monture Ray-Ban Meta reprend exactement ce design mythique ; il est impossible de la distinguer à l’œil nu et à plus d’un mètre d’une paire de Wayfarer classiques.
• Interdire les lunettes connectées est un vœu pieux difficile à mettre en application. Cela supposerait de contraindre toutes les personnes portant des lunettes de ce style à retirer leur monture pour une inspection minutieuse (vérifier la présence de la micro-caméra dans la charnière, le bouton de capture ou la LED). On imagine les files d’attente interminables générées à l’entrée desm usées ou des banques, la friction constante avec la clientèle et lecoût humain ingérable pour les établissements.
• Si la monture est équipée de verres correcteurs, ce que permet Meta, demander à quelqu’un de retirer ses lunettes revient à lui retirer la vue. Les responsables de lieux publics vont bien évidemment hésiter à imposer une mesure perçue comme discriminatoire ou intrusive envers un accessoire de santé ou de confort visuel banalisé.

Quand je vous disais que Meta avait bien calculé le coup … En camouflant sa technologie dans un modèle iconique au point de la rendre indétectable, la firme de Zuckerberg joue sur plusieurs tableaux. Elle équipe un outil de santé qu’on ne peut pas facilement interdire dans l’espace public. Elle s’offre un partenariat avec une marque de luxe, histoire de légitimer son offre. Et ça marche : on a vendu 7 millions de Ray-Ban Meta en 2025.

Stratégies de séduction et effets de banalisation

Meta n’est pas le seul à caracoler dans ce marché décidément séduisant. D’autres ont aussi développé des stratégies de séduction et de banalisation visant à présenter des dispositifs potentiellement intrusifs comme d’inoffensifs accessoires tendance.

• Esthétique rassurante, précision médicale, architecture de luxe … en adoptant une monture ultra-fine en titane, en éliminant tout capteur visuel externe ou objectif grand angle au profit de guides d’ondes invisibles gravés dans le verre, la marque Even Realities fait passer les modèles de sa collection Even Realities G1 pour de simples lunettes de vue de designer ; l’outil d’affichage tête haute (téléprompteur invisible, IA d’assistance discrète) ajoute une touche intellectuelle, chic à un objet qui facilité l’espionnage et la triche.
• D’autres acteurs neutralisent le contrôle à l’entrée par la fragmentation de l’appareil et son intégration dans la mode interchangeable. Avec le modèle Solos AirGo 3 produit par Solos Technology, microphones multidirectionnels, capteurs d’analyse et IA sont entièrement dissimulés dans les seules branches de la monture. Celles-ci s’intègrent et se clipsent à volonté sur n’importe quel devant de lunettes traditionnel, du modèle de vue classique aux montures de soleil tendance. En présentant ce produit comme une simple expérience de « personnalisation du style », l’industrie dilue la perception du danger. La technologie n’est plus un objet identifiable qu’on peut filtrer, mais un composant modulaire totalement banalisé.
• Enfin, la stratégie de séduction passe par l’association avec l’esthétique du bien-être, du sport extrême, de la culture festive. En intégrant des micro-haut-parleurs à conduction et des capteurs au cœur de marques emblématiques de l’outdoor comme Oakley (en partenariat avec Meta) ou du son lifestyle type Bose Frames, les géants de la tech opèrent un véritable détournement de l’image de marque. L’appareil n’est plus vendu comme un outil de captation de données ou d’enregistrement clandestin, mais comme l’équipement branché du sportif ou du festivalier. En rendant la monture désirable, tendance et intrinsèquement liée aux loisirs, l’industrie désarme la vigilance collective : interdire la caméra ou le micro semble alors absurde pour des utilisateurs qui n’y voient plus qu’une simple paire de lunettes de soleil de marque.

Des war rooms aux laboratoires de la Silicon Valley : genèse express d’une technologie

Quand je vous disais que c’était vicelard … et surtout très bien pensé au niveau marketing … L’entourloupe est d’autant plus pointue qu’à la base, cette technologie n’a rien de glamour. L’affichage tête haute ( le Head-Up Display ou HUD projette des informations visuelles directement dans le champ de vision de l’utilisateur, lui permettant ainsi d’accéder aux données sans avoir à baisser le regard) et la vision embarquée ( l’intégration directe de capteurs optiques et de modules de traitement d’images au sein d’un appareil autonome type lunettes connectées ou drone afin de capturer, d’analyser et de comprendre son environnement visuel en temps réel sans dépendre d’un ordinateur externe) n’ont pas été initialement conçus pour alimenter les réseaux sociaux en vidéos immersives. Leurs origines s’enracinent dans des impératifs stratégiques et militaires. Un petit historique pour éclairer la chose ?

• Années 1960 : Les premiers systèmes HUD apparaissent dans les avions de chasse pour projeter les informations de vol et de ciblage directement dans le champ de vision du pilote, lui évitant d’abaisser le regard vers son tableau de bord.
• 1968 : Ivan Sutherland développe au MIT le premier casque de réalité augmentée baptisé du doux nom « The Sword of Damocles », un dispositif si lourd qu’il devait être suspendu au plafond par une structure mécanique.
• Années 1990-2000 : La technologie s’oriente vers la maintenance aéronautique (Boeing) et la chirurgie assistée pour afficher des données anatomiques et des schémas en temps réel durant des opérations complexes.
• 2013 : Google tente une première démocratisation grand public avec le programme « Explorer ». L’appareil suscite un rejet sociétal immédiat. Qualifiés de « Glassholes », leurs porteurs sont bannis des bars et des espaces publics, contraignant Google à retirer le produit du marché grand public dès 2015 pour se replier sur le secteur strictement industriel (comme quoi, le boycotte, ça marche, et cela vous explique pourquoi Meta et ses petits compétiteurs s’efforcent tant de rendre le produit trendy).

Un marché en pleine expansion

Il faut bien l’admettre : après une décennie de tâtonnements, le marché de la lunette connectée est sorti de sa phase d’expérimentation pour basculer dans une production de masse (dixit les ventes de Ray-Ban Meta évoquées plus haut).

• Ces ventes faramineuses interviennent dans le sillage d’un partenariat de prestige finement pensé entre Meta et le géant de l’optique EssilorLuxottica. Cette alliance a enclenché la métamorphose du marché en boostant les ventes. Avec la vente de 7 millions d’unités de lunettes intelligentes en 2025, EssilorLuxottica a triplé ses résultats par rapport aux années précédentes. Les deux groupes misent désormais sur des capacités de production de 20 millions d’unités par an, ce qui est conséquent.

• Parallèlement aux initiatives de Meta, on assiste à une réorganisation stratégique des grands acteurs de la Big Tech, bien décidés eux aussi à se tailler la part du lion. D’un côté, Google orchestre un retour offensif en abandonnant sa démarche isolée au profit d’un écosystème partenarial puissant (association avec Samsung pour le matériel, collaboration avec Qualcomm pour les puces informatiques dédiées, afin de créer un environnement Android spatial unifié). De l’autre, Apple adopte une trajectoire de miniaturisation progressive ; fort des avancées logicielles et optiques développées pour son casque Vision Pro, le géant de Cupertino adapte désormais ses technologies de calcul spatial à des formats de montures nettement plus légères, élégantes et adaptées au quotidien.
• Cette convergence des géants industriels confirme que la lunette connectée s’impose comme le nouveau terrain d’affrontement prioritaire de l’informatique personnelle. En d’autres termes, vous n’avez pas fini d’en bouffer de la lunette connectée. Il faut dire que les projections financières sont alléchantes. Le marché mondial est estimé à plus de 13 milliards de dollars en 2026, avec des projections prévoyant un dépassement des 60 milliards de dollars à l’horizon 2034.

Usages légitimes et promesses fonctionnelles

Ok donc un marché juteux doublé d’un terrain d’affrontement pour les grands noms des Big Tech par l’odeur du fric alléchés. Mais encore ? Quid de l’objet en lui-même, de ses avantages éventuels, hormis briller devant les potes en affichant ce nouveau symbole de la réussite sociale cool et branchée en mode « si t’as pas des Ray Ban connectées à 30 c’est que t’as raté ta vie » ? Reconnaissons-le, si le dispositif suscite la polémique, c’est aussi parce qu’il apporte de réelles révolutions d’usage dans plusieurs secteurs d’activité (vous allez voir c’est assez étonnant).

Dans le domaine de l’accessibilité, ces montures représentent une avancée majeure pour les personnes déficientes visuelles grâce à la lecture vocale instantanée de panneaux, de menus ou de documents, couplée à une description synthétique de l’environnement par l’intelligence artificielle. L’intégration d’applications d’assistance comme Be My Eyes sur les paires grand public ou le déploiement de dispositifs dédiés comme les Envision Glasses permettent désormais aux usagers d’obtenir une description vocale complète de leur environnement, la lecture d’une étiquette de médicament ou d’une recette de cuisine en gardant les mains libres.

Dans le monde du travail, elles facilitent l’assistance à distance pour les techniciens de maintenance sur les lignes de production, la téléchirurgie et la formation professionnelle. Dans le secteur logistique, le géant DHL a généralisé le « Vision Picking » : les préparateurs de commandes reçoivent leurs instructions de prélèvement directement incrustées dans leur champ de vision, réduisant les erreurs de manipulation tout en optimisant les temps de parcours. Côté santé, des plateformes comme Augmedix utilisent ces montures pour retranscrire automatiquement les consultations médicales en temps réel, restituant ainsi du temps médical précieux aux praticiens.

Dans la vie quotidienne,les usagers bénéficient de la traduction simultanée s’affichant en incrustation ou diffusée à l’oreille, ainsi que d’une navigation GPS piétonne fluide sans qu’il soit nécessaire de consulter un écran de smartphone. Dans le domaine culturel, elles offrent des fonctionnalités de sous-titrage en direct au théâtre (la Comédie Française en propose à ses spectateurs, idem pour le théâtre de l’Odéon avec le dispositif Panthea) ou de reconstitution archéologique enrichie. Quant à la pratique du sport, des marques spécialisées type Engo intègrent l’affichage de métriques de performance (vitesse, rythme cardiaque, tracé) en surimpression transparente sur le verre pour éviter toute perte de concentration sur la route.

Espionnage, voyeurisme, piratage et vol de données : la face sombre du dispositif

Bref, les usages bénéfiques sont au rendez-vous dans plusieurs secteurs. Mais ce n’est pas une nouveauté : toute médaille a son revers. C’est dans ses dérivations intimes et sécuritaires que la lunette connectée révèle son potentiel le plus toxique. Et « toxique » tient ici de l’euphémisme.

• Atteinte à l’intimité corporelle et captations sauvages – Le port de lunettes caméras dans des lieux semi-privés ou intimes (soirées, bars, vestiaires, lieux nocturnes) permet la prise de vue à l’insu des victimes. Le risque de captation de rapports sexuels ou de moments de nudité sans consentement s’en trouve démultiplié, alimentant les réseaux de revenge porn, de chantage et la création de deepfakes intimes. Le voyeurisme devient ici techniquement invisible.
• Espionnage industriel et vol de données d’accès – Portées dans un cadre professionnel ou institutionnel, ces montures transforment n’importe quel individu en vecteur de fuite de données. Un simple regard posé sur un clavier permet d’enregistrer la saisie d’un mot de passe ou d’un code PIN au distributeur. De même, la consultation de documents confidentiels sur un bureau, l’inspection de prototypes dans un salon professionnel ou la captation de réunions à huis clos s’effectuent sans laisser de trace.
• Pillage de la propriété intellectuelle et captation d’œuvres d’art – Dans le domaine culturel, la possibilité de filmer en continu sans lever les mains menace le droit d’auteur. Des salles de cinéma aux théâtres, en passant par les galeries et les musées, les œuvres d’art et les représentations peuvent être piratées et numérisées en haute définition à des fins de revente ou de diffusion illégale.
• Piratage et captations clandestines – En déplaçant l’informatique directement sur le visage de l’usager, les géants de la tech ont créé des capteurs ambulants braqués en permanence sur notre environnement. Là où le piratage d’un objet connecté ordinaire menace la confidentialité de données statiques, la compromission d’une paire de lunettes intelligentes (par faille micrologicielle, détournement d’applications compagnons ou interférence avec les flux d’IA embarqués) transforme l’appareil en un outil d’espionnage total à l’insu même de son porteur. Captation clandestine d’images et d’échanges oraux, vol de mots de passe ou de données bancaires saisis à portée de vue, aspiration de flux biométriques constituent désormais la face sombre d’un dispositif où la frontière entre assistant personnel et cheval de Troie n’a jamais été aussi ténue.
• Le doxxing physique par la reconnaissance faciale – L’association de ces lunettes à des outils de recherche faciale en temps réel constitue la dérive la plus critique pour les libertés publiques. Des expérimentations (comme le projet I-XRAY mené à Harvard) ont démontré qu’il est techniquement possible de coupler des lunettes Ray-Ban Meta à des bases de données publiques et à des moteurs comme PimEyes. Résultat : en croisant un inconnu dans la rue, le porteur de lunettes peut voir s’afficher instantanément le nom, l’adresse, le numéro de téléphone et les profils familiaux de la personne filmée à son insu.

Écologie, santé et colonisation de l’attention : l’envers du décor matériel

Ok je sens votre fascination pour les lunettes connectées faiblir d’un coup. J’enfonce le clou ? Outre les risques sur la vie privée, le modèle industriel des lunettes intelligentes pose aussi un problème écologique et sanitaire aigu.

• Pour conserver un design fin et élégant, les fabricants intègrent des micro-batteries lithium-ion scellées directement dans les branches en plastique ou en acétate. La durée de vie de ces batteries dépasse rarement deux à trois ans de cycles de charge quotidiens. Une fois la batterie dégradée, la monture entière devient inutilisable. IFixit sur Mac4ever et les organismes de réparabilité attribuent à ces objets des notes désastreuses : collées et moulées, ces lunettes ne se démontent pas. Le mélange indissociable de métaux rares, de circuits intégrés, de résines et de verre rend leur recyclage industriel extrêmement difficile et coûteux, générant une montagne de déchets électroniques complexes.
• Une lunette connectée n’est pas un système autonome : elle fonctionne en envoyant en continu des flux audio et des images haute définition vers des serveurs distants. L’analyse de l’environnement par des modèles d’intelligence artificielle générative requiert une puissance de calcul massive dans des data centers, engendrant une consommation énergétique et hydrique accrue (pour le refroidissement) totalement disproportionnée par rapport au service rendu (dixit Balkan Green Energy News).
• L’exposition prolongée à des micro-écrans situés à quelques millimètres de la rétine soulève des inquiétudes chez les ophtalmologistes (cf l’ANSES). La perturbation de l’accommodation visuelle, la sécheresse oculaire sévère et le risque de sursollicitation cognitive sont documentés. De plus, l’incrustation constante d’informations dans le champ de vision produit une fragmentation de l’attention, coupant l’utilisateur de toute présence au monde réel.

Régulation et cadre juridique : l’impasse française et européenne

Ok le rapport bénéfiques/risques commence à largement pencher du côté dangers multiples. Là aussi j’enfonce le clou ; en France comme à l’échelle de l’Union européenne, l’arsenal réglementaire est faiblard, le cadre législatif manque pour endiguer la prolifération et les usagers problématiques de ces capteurs ambulants. Face à des dispositifs qui ancrent la captation dans le quotidien, le droit positif se heurte à d’importantes limites d’application.

• Le Droit à l’image et l’article 9 du Code civil (France) : Fixer, enregistrer ou diffuser l’image d’une personne sans son consentement explicite dans un lieu privé ou public constitue une atteinte à la vie privée réprimée par l’article 9 du Code civil et l’article 226-1 du Code pénal. Dans les faits, le caractère indécelable de la prise de vue par lunettes connectées rend l’infraction quasiment impossible à prouver et à poursuivre sur le plan individuel.
• Le RGPD et le traitement illicite de données biométriques (UE) : La captation continue et passive du visage des passants par un porteur de lunettes constitue un traitement massif de données personnelles et biométriques sans base légale ni consentement préalable, en violation directe des articles 6 et 9 du RGPD. Le Comité européen de la protection des données (EDPB) et le Contrôleur européen de la protection des données (EDPS) soulignent que le porteur de la monture dépasse le cadre de « l’exception pour activité purement personnelle ou domestique » dès lors que les données sont analysées ou stockées par les serveurs d’un tiers industriel.
• L’IA Act européen face à l’analyse en temps réel (UE) : Adopté par l’Union européenne pour encadrer l’intelligence artificielle, le Règlement sur l’IA (AI Act) interdit l’usage de systèmes d’identification biométrique à distance en temps réel dans l’espace public, sauf exceptions sécuritaires très strictes. Or, les fonctionnalités d’analyse visuelle de scène embarquées dans ces lunettes (reconnaissance de visages, d’objets ou de texte par IA générative) frôlent en permanence ces interdictions, créant une zone grise réglementaire quant à la responsabilité des fabricants.
• L’inefficacité structurelle des témoins lumineux (CNIL et CEPD) : Pour avertir l’entourage qu’un enregistrement est en cours, les constructeurs intègrent un voyant lumineux (LED) sur la face avant de la monture. La CNIL ainsi que le Comité européen de la protection des données ont alerté sur le fait que ce mécanisme de réassurance est notoirement inopérant : il reste trop discret dans un environnement lumineux, méconnu du grand public et très facile à neutraliser matériellement (à l’aide d’un morceau de ruban adhésif, d’une pointe de peinture ou d’une altération du circuit imprimé). .

Quel devenir pour les montures connectées ?

Récapitulons : si elles possèdent nombre d’avantages indéniables notamment dans le domaine de l’inclusivité, les lunettes connectées engendrent moult dérives, difficiles à stopper.

La polémique qu’elles suscitent s’enracine dans un objectif sociétal plus vaste : quitte à passer en force et sans notre consentement, les pontes de la Big Tech veulent clore l’ère déjà très invasive du smartphone pour imposer celle de l’intelligence artificielle comme filtre permanent entre l’humain et son environnement. Cette dynamique unilatérale rejoint l’analyse du « capitalisme de surveillance » développée par Shoshana Zuboff dans son ouvrage L’Âge du capitalisme de surveillance. Les lunettes connectées s’inscrivent dans une volonté affirmée de développer des infrastructures incontournables de la perception humaine qui remplaceront la spontanéité sociale par des algorithmes d’évaluation en temps réel (dixit Evgeny Morozov dans Pour tout résoudre, cliquez ici : L’aberration du solutionnisme technologique).

Passons sur les recherches actuellement menées pour développer des verres d’affichage reflétant l’information directement sur la rétine et autres micro-OLED transparents, transformant chaque monture en une interface spatiale invisible. Ces projets amplifient la portée de l’homme augmenté, déjà en marche. Un homme augmenté, colonisé, dépendant toujours plus d’une technologie qui l’exploite. L’appropriation par les entreprises de notre champ de vision pose la question de la souveraineté : en cartographiant en temps réel l’intérieur de nos logements, nos espaces de travail et nos rues, des multinationales privées se constituent un jumeau numérique 3D exhaustif du monde réel aux dépens de notre vie privée.

La viabilité de cette technologie ne résidera donc pas dans ses seules prouesses techniques, mais dans sa capacité à respecter un pacte social qu’elle est en train de dynamiter phase par phase et dans l’aveuglement général (un comble quand il s’agit de lunettes). A moins que faute d’un cadre éthique strict, d’une réparabilité réelle, d’un respect absolu du droit à l’intimité, les lunettes connectées alimentent un rejet populaire massif et fassent l’objet d’interdictions systématiques dans l’espace public avec le cortège de problème que cela déclenchera pour 75 % de la population française obligée de porter des verres correcteurs.

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Dépecer la bête républicaine

Prenant la suite quasi immédiate de La débâcle, Un été de trahison se déroule sur une semaine, du 3 au 10 juillet 1940, date à laquelle le gouvernement de Pétain et Laval liquide officiellement la IIIe République. Le vote tristement célèbre d’une Assemblée nationale réunie en urgence dans la salle de l’Opéra de Vichy accouchera de la Révolution Nationale, régime autoritaire et collaborationniste sans fard. Le récit, jour après jour, scrute la mise à mort de la Gueuse, surnom péjoratif de cette République que vomissait le journaliste Paul de Cassagnac, plume bonapartise qui forgera l’insulte au XIXe siècle, insulte reprise en écho par les plus farouches opposants de la démocratie.

« Nous vivons une journée qui restera dans l’Histoire et je tenais à ce que vous y assistiez. Voilà comment, ma chère amie, on liquide opportunément une république … Ce n’est pas moi, soyez-en certaine, qui marcherait derrière le corbillard en pleurant ! » C’est un futur cadre du gouvernement Laval qui exprime ici sa joie à la perspective de la curée politique annoncée, ravi par ailleurs de voir des technocrates reprendre la France occupée en main. Jour après jour, Slocombe détaille comment les charognards de la droite extrême, pro nazis pour la plupart, vont dépecer la bête républicaine affaiblie par la victoire allemande et la présence des troupes d’Occupation.

Quatre points de vue de femmes

Pas de grand discours, ni de cours d’Histoire ; nous observons la mécanique mortifère via le point de vue de quatre femmes : « ma chère amie » Marie-Louise Guirlange, jeune et élégante veuve (son mari a été déchiqueté par une explosion pendant l’Exode, cf La débâcle) est en quête d’un nouvel époux qu’elle chasse à Vichy parmi les caciques du nouveau pouvoir pétainiste ; Gabrielle Charnay, célèbre aviatrice et profasciste assumée, mariée à un journaliste admirateur des nazis, opiomane et séducteur, souffre le martyre au fin fond de son lit d’hôpital tandis qu’un cancer lui ronge les os ; Gisèle Rollin, infirmière et militante communiste, observe avec méfiance et incompréhension les directives pour le moins contradictoires du parti et de l’URSS ; Jacqueline Perret, lycéenne issue de la haute-bourgeoisie parisienne (et nièce de Marie-Louise) rêve de rejoindre la résistance gaulliste et de combattre les Boches par tous les moyens.

Quatre femmes (dont deux réapparaîtront dans la série Sadorski), quatre points de vue, quatre profils en quête d’émancipation dans un monde d’hommes qui ne leur laissent guère de place, sinon pour jouer les faire-valoir, les potiches, les petites mains … Chacune nous entraîne à sa manière dans la psyché d’une population sous le choc de la défaite, confrontée aux premiers temps d’une occupation dont elle pressent et redoute la barbarie. A quoi se raccrocher ? Comment survivre ? Comment lutter ? C’est sur ce terreau de profonde incertitude que les séides de l’extrême droite française fomentent la mise à mort du régime républicain, avortant ainsi toute possibilité de combattre l’envahisseur avec lequel industriels et banquiers vont travailler pour se débarrasser des gauchistes toutes tendances confondues et des avancées sociales de 36 et du Front Populaire, avancées qu’ils exècrent.

Et nous, qu’aurions-nous fait ?

C’est là la trahison évoquée dans le titre du livre, et elle fait écho de pertinente façon avec notre temps. Slocombe explique que l’idée du livre lui est venue après la dissolution de l’Assemblée nationale annoncée par Macron le 9 juin 2024. La peur était alors grande (elle l’est toujours du reste) que le RN rafle suffisamment de sièges pour constituer une majorité. Fin connaisseur de la période 39-45, Slocombe a voulu rafraîchir les mémoires en rappelant comment fut liquidée la IIIeme République, liquidation qui accouchera d’un régime d’extrême droite d’une violence absolue. Une manière de bien faire comprendre à celles et ceux qui prônent le fameux « On n’a jamais essayé » que si, on a déjà essayé durant l’Occupation, que cela s’appelait le régime de Vichy, régime répressif qui, entre la déportation des Juifs, la chasse aux résistants et l’extermination des malades mentaux a laissé sur le carreau 116 000 morts.

Et pour enfoncer le clou, Slocombe d’encadrer ce récit dans un calendrier strict : une semaine, jour après jour, où les actualités, les décisions politiques, administratives, viennent percuter le destin social et amoureux de quatre femmes perdues dans une tempête qui va secouer leurs vision du monde. La stratégie adoptée par l’auteur est redoutable qui nous piège, nous contraint à nous identifier, nous questionner : et nous, qu’aurions-nous fait ? Que pourrions-nous faire face à ce tsunami, cette déflagration ? C’est la grande force de Slocombe que de réaliser ce tour de mentaliste, à l’image d’un James Ellroy aux grandes heures de la trilogie Underworld USA.

Nous avons tous, à un moment ou à un autre, interroger nos grands-parents sur la période de l’Occupation. Très souvent, les souvenirs restaient coincés dans les gosiers, les regards se voilaient, se détournaient, le secret pesait comme une chape de plomb. On comprend mieux pourquoi en parcourant les ouvrages de Romain Slocombe. Ces pages donnent à ressentir la sidération, la terreur, la perdition, la précarité qui régnèrent durant cette période pour le moins complexe et dangereuse. Difficile de ne pas y voir le reflet de notre époque. Cela suffira-t-il à empêcher la catastrophe ? Rien n’est moins sûr comme le démontre Un été de trahison. Car les charognards ont toujours veillé au grain, prêts à toutes les compromissions même les pires, pour mettre à bas les règles démocratiques. Ce livre constitue un avertissement de plus, dans un monde en voie de fascisation et à l’orée d’une élection présidentielle cruciale.

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Hitler revenu d’entre les morts

Il est de retour : tout comme le bouquin de Timur Vermes, l’adaptation cinématographique signée David Wnendt a choqué en son temps. Il faut dire que le pitch est abrasif. Imaginez qu’un beau matin de 2011, Hitler se réveille dans le terrain vague berlinois où se situait jadis son bunker. On ne sait trop comment il est revenu d’entre les morts ; ce qui est certain, c’est qu’il n’a aucune connaissance de ce qui s’est passé depuis avril 45, et qu’il a bien vite la ferme intention de reprendre l’Allemagne en main. Et le pire, c’est qu’il va y parvenir.

Comédie noire, ricanements garantis au fil de ces pérégrinations dans une Allemagne moderne et cosmopolite pas si dénazifiée que ça. Certes on se marre quand on observe le Führer découvrir les barres de céréales, le GPS ou Angela Merkel … et engueuler les militants néonazis qui lui tombent sous la patte et leur manque d’ardeur ; on rigole beaucoup moins quand on voit comment réagit la population (la vraie population, pas des figurants mais Mr Tout le Monde) face à l’acteur Oliver Masucci travesti en Hitler arpentant les rues, moustache et mèche au vent.

Une indifférence goguenarde

Il faut avouer que la prestation est juste incroyable, jusque dans les intonations de voix, les attitudes, la manière de poser le regard, l’acteur est stupéfiant. Beaucoup sont étonnés, sidérés même, incapables de réagir, se demandant si c’est du lard ou du cochon. Certains se bidonnent franchement, demandent à faire un selfie, quelques-uns même expriment leur approbation … Sur les 116 minutes du film, seulement deux personnes auront l’audace de dénoncer le dictateur et de le virer manu militari en le traitant de tous les noms. Deux.

Les autres laissent faire, trouvent cela cocasse, une bonne blague. Ils applaudissent tandis qu’Hitler se pavane devant les caméras d’une émission de télé réalité façonnée pour lui seul par des producteurs avides de faire de l’audience. Pas de foule hurlant « Heil », pas de bras tendus, de croix gammées : la peur jaillit de la volonté médiatique d’exploiter une opportunité de succès couplée avec l’indifférence goguenarde d’un pays qui a oublié, ne veut pas se souvenir.

Ne pas rire avec le monstre

Il est de retour devrait tous nous faire trembler car il met en lumière l’effritement d’un réflexe de préservation, l’émoussement du dégoût. Gavée d’ironie et de distance critique, notre société a visiblement perdu sa capacité à désigner l’ennemi pour ce qu’il est, à savoir un danger ; elle préfère le trouver « clivant », « drôle malgré lui », « pas si faux sur certains points ». C’est très exactement le vocabulaire aujourd’hui utilisé dans les éditos qui essaient de « comprendre » le vote d’extrême droite plutôt que de le dénoncer. Le film, en creux, décrivait déjà cette périlleuse rhétorique de la normalisation.

Au travers de cette fable, on comprend que le nazisme 5.0 n’a plus besoin des uniformes, des défilés, de la propagande frontale pour séduire. Il lui suffit de miser sur notre incapacité collective à réagir à temps, paumés que nous sommes entre infobésité, fatigue démocratique et confortable conviction que « ça n’ira pas plus loin ». Or ça va plus loin, le vote de la Saxe-Anhalt le prouve grandeur nature ; les USA aussi. Et nous regardons, passifs. Sidérés, incrédules … déjà vaincus ?

Il est de retour n’est pas « juste » une comédie satirique allemande à recommander pour une soirée ciné borderline ; c’est un signal d’alarme dont on n’a visiblement pas tenu compte. A l’heure où l’Alternative für Deutschland, après la Saxe-Anhalt, compte bien remporter le prochain scrutin en Mecklembourg-Poméranie-Occidentale, ces images nous rappellent que rire avec le monstre, c’est le laisser nous apprivoiser. La question est de savoir s’il est déjà trop tard, s’il a déjà commencé à nous dévorer.

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Mélodies frénétiques et tourisme sexuel

La metteuse en scène, à qui l’on doit par ailleurs des lectures particulièrement réussies de 20 000 lieux sous les mers et de la comédie Le Bourgeois gentilhomme, n’a pas tort. Vitrine du Second Empire, la capitale dans laquelle prospère le compositeur de La Belle Hélène est clairement un phare assumé du tourisme sexuel. Dames de petite vertu et grandes horizontales y pullulent qui permettent à ces nobles messieurs, aristocrates ou richissimes banquiers, de « s’en fourrer jusque là ». Tandis que les expositions universelles servent de show room aux avancées technologiques d’une révolution industrielle au top de sa forme, restaurants à la mode et bordels de luxe accueillent les visiteurs venus s’encanailler au bras de magnifiques courtisanes avant de les trousser dans d’improbables alcôves.

Nana de Zola confirme la chose de manière certes moins cocasse que le livret de Meilhac et Halévy, livret électrisé par les mélodies frénétiques d’un Offenbach survolté vantant les douceurs parisiennes avec bien plus d’efficacité que toutes les réclames d’alors. Passons sur le nombre de hits, cancan final inclus, qui parsèment les mésaventures du baron de Gondremarck, débarqué de sa Suède natale avec la ferme intention de trousser petites danseuses et actrices tandis que le beau Gardefeu tente de lui souffler son épouse.

Un esprit basse-cour

C’est cet aspect que souligne Valérie Lesort … qui décide d’aborder la chose pour ce qu’elle est : une gigantesque partie de jambes en l’air en devenir. De jambons, devrais-je dire … Gros porcs, petites cocottes … les acteurs déboulent sur scène avec groin, oreilles retroussées, queue en tir-bouchon, les actrices, serties de plumes, arborent crânement crête et bec et en jouent à merveille. Et tout ce petit monde de grogner, caqueter, se renifler, se dandiner, se courir après dans un esprit basse-cour dont on se demande quand il tournera à la bacchanale.

Redoutable équation burlesque qui démolit d’une pichenette la vision paillarde/égrillarde qu’on avait jusqu’alors de la chose pour dire clairement les choses : Paris made in 1860 est une basse cour où l’orgie bat son plein, ramenant les dignes représentants du patriarcat occidental à ce qu’ils sont en vérité, un ramassis de bouffeurs/buveurs/baiseurs impénitents qui envoient balader leurs grands principes pour se vautrer dans le sturpe avec une volupté bestiale. Et ces dames d’en profiter également, quitte à s’abandonner aux joies du triolisme (dixit la courtisane Metella qui réglera le conflit Bobinet/Gardefeu en instituant un plan à trois des plus pratico-jouissifs).

Des plumes, des groins

Des plumes, des groins, des croupions, de la fange … on a compris le propos, qui rejoint la célèbre phrase de Zola décrivant les clients de Nana tels une « meute derrière une chienne, qui n’est pas en chaleur et qui se moque des chiens qui la suivent » ; quant à la célèbre demi-mondaine, elle incarne cette « mouche d’or » lâchée sur la société du Second empire pour en saper les fondations tout en dévoilant la corruption à l’œuvre. Quand je vous disais que l’approche zolienne était moins marrante que la lecture d’Offenbach revisité par dame Lesort …

Impossible de porter cette version #balancetonporc de La Vie parisienne sans un casting de haut vol capable de pousser la chansonnette sur la scène du théâtre du Châtelet, historiquement temple de l’opérette française et partenaire de la maison de Molière dans le cadre d’un programme « hors les murs » décidément prometteur. Je cite Christian Hecq, Benjamin Lavernhe, Elsa Lepoivre, Véronique Vella, Nicolas Lormeau, Jéméry Lopez, Yoann Gasiorowski (baronne de Gondremarck, il fallait y penser, le rôle étant habituellement endossée par d’accortes actrices dont une certaine Madeleine Renaud dans la version historique de 1958 drivée par la Compagnie Renaud-Barreau), Sefa Yeboah, Baptiste Chabauty, Melissa Polonie … et Marie Oppert, délicieuse Gabrielle, gantière le jour, veuve de colonel la nuit, voix superbe en toutes occasions.

Une production ambitieuse

Pour les décors, Eric Ruff, pour les costumes Vanessa Sannino, sur les planches le choeur Ensemble la Marquise et une ribambelle de danseurs/danseuses menés par le chorégraphe Rémi Boissy, dans la fosse Alexandra Cravero dirigeant avec autant d’humour que de virtuosité Les Frivolités Parisiennes. Petit plus pour Cyril Casmèze de la Compagnie Singe Debout qui a initié tout le casting aux joie du mouvement animal. Bref une belle production, originale, ambitieuse et surtout très juste par delà le côté burlesque de la chose.

Preuve une fois de plus des talents conjugués d’une troupe qui retrouve là les racines moliéresques de la farce, puise dans sa maîtrise du vaudeville à la Feydeau et dévoile ses compétences dans le domaine du chant. Le cocktail est explosif, les crises de fou rire au rendez-vous, la surprise marque la conclusion de ce morceau de bravoure, avec une approche pour le moins inattendue du cancan final et une traduction bien en chair du célébrissime « Feu partout ! Lâchez-tout ! ». Cerise sur le gâteau : la mise en scène est visionnable en replay ICI … et gratuitement ! N’en faits donc pas l’économie. Offenbach aurait tellement aimé …

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Yayoi Kusama, ou la santé mentale sortie du silence

Kusama n’a jamais caché ce que la plupart des artistes de sa génération auraient dissimulé à tout prix. Dès l’enfance, elle a été traversée par des hallucinations envahissantes — des champs de pois qui recouvraient les murs, le sol, son propre corps, jusqu’à la sensation de disparaître dans le motif lui-même. Plutôt que de taire ce vécu, elle en a fait la matière première de toute son œuvre : filets infinis, citrouilles à pois, chambres de miroirs où le visiteur se perd dans une répétition sans fin. Elle expliquera plus tard avoir cherché, par la peinture, à soigner ce qu’elle appelait elle-même sa maladie.

En 1977, après des années de fragilité et une tentative de suicide, elle entre volontairement dans un hôpital psychiatrique de Tokyo — et n’en ressortira jamais, continuant pendant près d’un demi-siècle à rejoindre chaque matin son atelier voisin sous escorte. Ce choix, rendu public sans fard, a fait d’elle l’une des premières artistes mondialement célèbres à normaliser l’idée qu’on puisse créer une œuvre majeure tout en vivant, ouvertement, avec une maladie psychique. Longtemps avant que la parole sur la santé mentale ne se libère dans l’espace public, Kusama en avait déjà fait un sujet d’exposition, visité par des millions de personnes qui n’imaginaient pas toujours ce que ces points de couleur recouvraient.

Son legs dépasse largement l’histoire et le marché de l’art : elle a contribué à déplacer le regard porté sur la vulnérabilité psychique, en la présentant non comme un défaut à cacher, mais comme une source de création aussi légitime qu’une autre.

Dolly Parton, l’émancipation par le contrôle

Dolly Parton a construit sa carrière dans un milieu — la country, puis l’industrie du divertissement dans son ensemble — historiquement verrouillé par des hommes. Sa réponse n’a jamais été le discours frontal, mais la maîtrise totale de son image et de son patrimoine artistique : elle a très tôt repris possession des droits de ses propres chansons, y compris de celles qu’elle avait laissé partir à d’autres artistes, refusant au passage une fortune que lui proposait un géant de l’industrie musicale pour racheter l’un de ses titres les plus célèbres, préférant en garder la propriété.

Avec 9 to 5, elle a donné un hymne aux travailleuses de bureau exploitées et sous-payées ; avec la Dollywood Foundation et l’Imagination Library, elle a construit un empire philanthropique qui a distribué des dizaines de millions de livres à des enfants à travers le monde. Femme d’affaires autant qu’artiste, elle a démontré qu’on pouvait cultiver une image hyper-féminine, presque outrancière, sans jamais céder le pouvoir sur sa propre carrière — beaucoup d’artistes féminines lui sont encore redevables de cette avancée.

Il faut aussi mentionner ce que les hommages ont parfois glissé sous le tapis : sans jamais s’afficher comme militante, Parton est devenue au fil des décennies une icône queer à part entière, adoptée par un public qui trouvait dans sa générosité et son refus du jugement un espace rare de bienveillance.

Tim Curry, le désordre assumé des identités

Il suffit parfois d’un rôle pour impacter une culture entière. En 1975, Tim Curry enfile le corset, les bas résille et le rouge à lèvres du Docteur Frank-N-Furter dans The Rocky Horror Picture Show — un savant fou extraterrestre, ouvertement séducteur, qui ne se soucie ni de genre ni de norme. D’abord accueilli tièdement, ce film va devenir un rituel de minuit où des générations de spectateurs queer, mal à l’aise ailleurs, vont pouvoir afficher leur travestissement ; le désir fluide et l’excès ny sont plus punis mais célébrés.

Curry a porté ce rôle avec une conviction totale, sans ironie ni distance protectrice, à une époque où l’interprète d’un personnage aussi ouvertement transgressif pouvait payer cher ce choix de carrière. Frank-N-Furter est devenu, bien au-delà du film culte, l’un des symboles les plus durables de la culture camp et de la libération sexuelle au cinéma — un personnage cité, réinterprété et célébré par des décennies de communauté queer.

Le carrefour : trois combats, un même geste

A lire ces trois trajectoires ensemble, on réalise qu’aucune de ces batailles n’a été menée selon le discours militant classique. Kusama n’a pas manifesté pour la santé mentale : elle a peint son hôpital. Parton n’a pas théorisé le féminisme : elle a gardé ses droits d’auteur. Curry n’a pas revendiqué la fluidité des genres : il a arboré un corset avec un aplomb total et ce sourire ravageur qui jamais ne s’effacera de nos mémoires. Tous trois ont fait avancer ces causes en les rendant simplement visibles, désirables, impossible à ignorer — la stratégie la plus efficace qui soit.

Quel héritage ? Celui d’avoir montré, chacun à sa manière, qu’on ne change forcément les lignes en les combattant de front, mais en les habitant si pleinement qu’elles finissent par se déplacer d’elles-mêmes.

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Disséquer le pouvoir et ses dérives

Vétéran polytraumatisé du Vietnam devenu scénariste puis réalisateur sur le tard, Stone rattrape dans les années 1986-1995 le temps perdu avec une urgence rare, enchaînant les œuvres engagées à contre-courant d’un Hollywood alors dominé par le cinéma d’action décomplexé. Et je ne pense pas spoiler quoi que ce soit en affirmant que l’étude pathologique de l’autorité et de ses dérives traverse toute son œuvre.

Conan (son premier scénario, largement retoqué par le réalisateur John Milius, pour accoucher du film culte que l’on sait en 1982), Scarface (son second opus scénaristique, dont on sait tous le caractère désormais mythique), Alexandre, Snowden … (je ne vais pas tous les énoncer vu la filmo du Monsieur), pas un de ses récits n’ignore la problématique du pouvoir, entre conquête et dérives. Nixon, sorti en décembre 1995, couronne cette période de créativité avec ce que d’aucuns considèrent comme son oeuvre la plus aboutie, voire son Citizen Kane cf le point de vue du journaliste Roger Ebert à l’époque de la sortie).

Portrait d’un animal politique

Ici pas de biopic linéaire : le film prend racine dans les réflexions pour le moins tourmentées d’un Nixon post Watergate, isolé dans la Maison Blanche, écoutant ses propres bandes magnétiques pour multiplier les souvenirs en mode flashback. Cette temporalité éclatée, Stone la travaille comme il l’avait fait pour JFK : montage nerveux, mélange de formats pellicule et de fausses images d’actualités, angles qui ne cessent de changer, … tout est fait pour mêler faits historiques et drame intime sans jamais paumer le spectateur.

A la clé, le portrait d’un animal politique aussi féroce que fragile, rongé de culpabilités multiples, obligé de combattre pour gravir chaque marche du pouvoir, depuis des origines on ne peut plus humbles jusqu’au Bureau ovale. Cette ascension s’opère dans une Amérique en pleine mutation, entre Guerre du Vietnam, explosion sociale, combat pour les droit civiques, Guerre froide à bout de souffle … Une situation implosive que Nixon tente de gérer comme il peut, avec parfois des éclairs de génie et des initiatives réussies, mais aussi des penchants beaucoup plus brutaux et ténébreux.

Casting d’exception et tournage express

Porté par un Anthony Hopkins magistral, secondé par une galerie de seconds rôles impressionnante — Joan Allen, Powers Boothe, Ed Harris, Bob Hoskins, James Woods, Paul Sorvino, Mary Steenburgen, David Hyde Pierce et j’en passe, le film doit une partie de sa légende à un casting d’excellence aux allures de chaises musicales. Ainsi, James Woods, qui avait déjà tourné avec Stone sur Salvador, a lui-même demandé à incarner Haldeman, rôle initialement destiné à Ed Harris, qui héritera finalement du personnage de Howard Hunt.

Au niveau technique, la photographie est signée Robert Richardson, fidèle collaborateur de Stone parmi les fidèles ; la partition est confiée à John Williams qui a déjà signé les B.O. de Né un 4 juillet et JFK. Le tournage, rapide, s’est déroulé de mai à juillet 1995, principalement en Californie ainsi qu’à Washington. Au finish ? Une fresque oppressante de 192 minutes, avec à la clé un échec commercial cuisant (le film ne ramènera que 13,7 millions de dollars quand il en a coûté 44), mais un accueil critique largement favorable, couronné de plusieurs nominations aux Oscars, dont celles d’Anthony Hopkins et de Joan Allen.

Une œuvre polémique, entre tragédie et réquisitoire

Clairement le film ne peut que diviser. Si certains saluent une tragédie humaine universelle portée par une mise en scène et un jeu d’acteurs hors normes, d’autres reprochent à Stone son absence d’objectivité, allant jusqu’à qualifier le film de pamphlet plus que d’œuvre historique. Le portrait dressé par Stone a été vivement contesté par la fille de Richard Nixon ainsi que par l’ancien secrétaire d’État Henry Kissinger. Du côté des historiens, Stephen E. Ambrose, auteur d’une biographie en trois volumes de Nixon, a lui aussi dénoncé plusieurs inexactitudes, tandis que Ray Price, proche de longue date de l’ancien président, jugeait que le portrait dressé par Stone ne correspondait pas à l’homme qu’il avait connu.

Oliver Stone s’emploie plan après plan à planter un Nixon rongé de culpabilité, oscillant entre vanité et perte de confiance, hanté par l’assassinat de JFK qui a permis sa propre élection, empêtré par ses douteuses amitiés avec les grands patrons texans, les pontes de la CIA et du FBI, obsédé par l’échec de la Baie des Cochons. En quête perpétuelle de rédemption, cette figure shakespearienne certes s’écarte de la vérité historique. Mais elle permet d’illustrer de manière spectaculaire comment le pouvoir peut fasciner puis ronger ceux qui s’en approchent.

À l’occasion de son trentième anniversaire, plusieurs rétrospectives sont revenues sur le film. Avec le recul, on peut aujourd’hui apprécier à sa juste valeur ce portrait d’un homme brillant et brisé, dont la trajectoire continue d’interpeller par ce qu’elle dit du pouvoir, de la solitude et de l’auto-destruction.

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Inspectrice du fisc vs superstar de la pop latino

Un petit pitch s’impose. La très zélée Sara Santano (Carmen Machi, monumentale tout comme dans La Mesias) boucle une carrière de trente ans au service du fisc espagnol. Dernier jour de boulot, dernier dossier — et pas n’importe lequel : prouver que Celeste, superstar mondiale de la pop latino (Andrea Bayardo), a passé plus de la moitié de l’année sur le sol espagnol et doit donc payer ses impôts. À la clé : vingt millions d’euros pour les caisses de l’État. Autant d’argent que Sara n’a pas du tout l’intention de laisser filer.

Si l’intrigue s’inspire ouvertement des déboires fiscaux qui ont frappé Shakira en Espagne, Celeste n’a rien d’un biopic déguisé. Le showrunner Diego San José se saisit de cette affaire pour raconter autre chose, de plus fin, de plus mordant. S’il construit son récit comme un thriller (tension, rebondissements, jeu du chat et de la souris entre Sara et l’entourage de la star), il l’alimente d’une ironie savoureuse sur le pouvoir, la célébrité et la mécanique absurde de l’administration.

Entre comédie sociale et drame intime

Le ton oscille en permanence entre comédie sociale et drame intime, sans jamais que l’un écrase l’autre. Si la traque fiscale de Celeste a ses côtés cocasses, elle repose sur des portraits de femme en souffrance. D’un côté la vedette rongée par une célébrité qu’elle assume difficilement, de l’autre une contrôleuse fiscale sévère qui ne se remet pas de la perte de son défunt mari. Carmen Machi campe magistralement cette héroïne à la fois rigide et fissurée, obsédée par l’éthique professionnelle jusqu’à l’absurde, rattrapée en coulisses par une vie personnelle qui déraille.

Dans un paysage saturé de thrillers scandinaves et de sagas criminelles sans fin, Celeste ose l’antihéroïsme du quotidien — une femme, un dossier, une administration — et en tire une série aussi drôle que touchante sur l’Espagne d’aujourd’hui, ses stars et ses anonymes. La presse ibérique n’a d’ailleurs pas manqué de saluer cet équilibre rare entre sobriété narrative et ton tragicomique assumé. Six épisodes, un format court et resserré, où chaque scène compte. Pas de remplissage, pas de sous-intrigue qui traîne : Celeste va droit au but, et c’est aussi ça qui la rend redoutablement efficace.

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Une intelligence collective survoltée

Pour celleux qui en sont restés au zombie made in Romero, un petit point d’info s’impose. Oubliez le zombie décérébré qui se dandine en grognant. Dans Colony, la contamination va bon train, boostant les infectés pour en faire de véritables armes de combat. Une conférence biotech dans un immeuble huppé de Séoul, un scientifique floué décidé à se venger tout en affirmant aux yeux du monde la véracité de ses recherches : ces deux éléments clés vont se percuter pour accoucher de la propagation puissance 1000 d’un petit virus bien vicelard.

Les malheureux contaminés par morsure tournent au zombi, certes, mais avec une particularité. Là où le mort-vivant lambda se voit privé de conscience, ceux de Colony bénéficient d’une intelligence collective survoltée. Sanguinolents, dégoulinant de bave, ils apprennent, partagent l’information nouvellement recueillie, s’organisent. Bref ils communiquent, et leur évolution commune de s’en porter comme un charme tandis que les victimes s’accumulent, augmentant un troupeau qui en vient à menacer la population au complet.

De la contamination à l’atomisation

Confinée dans le centre commercial où a débuté l’épidémie, une poignée de quidams tente de survivre, qui illustrent la dureté de la société coréenne où être handicapé, vieux ou harcelé n’est guère un gage de réussite … excepté dans ce genre de situation extrême. Parmi tout ce petit monde, le professeur Se-jeong, interprétée par Jun Ji-hyun, héroïne indomptable qui se singularise par sa marginalité intellectuelle, son refus obstiné de faire parti d’un troupeau, quel qu’il soit. Autant dire que l’idée d’être colonisée par un virus pour participer à une gigantesque expérience d’intelligence partagée ne la réjouit pas. Et nous non plus.

Car la vision du réseau collectif à la Yeon Sang-ho a de quoi faire largement flipper. L’unité mortifère des infectés qui ingèrent l’info, la traitent puis la mettent en application manu militari et d’un seul élan met en exergue l’incapacité des humains encore intacts à faire bloc. Le sous-texte est clair : la vraie menace, ce n’est pas la contamination, c’est l’atomisation. Chacun pour soi face au danger, ça ne peut aboutir qu’à la catastrophe. Quant à l’intelligence commune des zombis, ma foi, elle n’est guère enviable, car téléguidée par un porteur initial qui l’instrumentalise pour son seul bénéfice.

Filmer le chaos

Techniquement, Yeon Sang-ho prouve une fois de plus qu’il sait filmer le chaos et en restituer le caractère oppressant : scènes de fuite effrénée dans des couloirs obscurs couverts de mucus, ascenseurs en mode piège fatal, effets gore démultipliés, je ne vais pas vous faire l’injure d’évoquer l’ensemble des péripéties qui jalonnent ce type de récit. Pour l’heure, on est dans du classique et ça fonctionne très bien.

On retiendra notamment :

• la plastique des monstres et leur gestuelle pour le moins acrobatique, chorégraphiée avec maestria par le street dancer Jeon Young déjà à l’oeuvre sur Dernier train pour Busan, Peninsula ou Kingdom 1 et 2.
• des figures féminines qui gardent la tête froide quand ces messieurs pour la plupart s’effondrent, paniquent, trahissent ou font juste profil bas.

Et une critique féroce du tout collectif qui éradique les individualités sous prétexte de les valoriser. Pour le coup, le précepte « Tous pour un … » sonne particulièrement faux.

Colony s’inscrit dans ce qu’on appelle désormais, un peu par facilité mais pas complètement à tort, la trilogie officieuse des zombies signée Yeon Sang-ho. Si ce troisième opus n’a pas la fulmination nerveuse du premier ni les excès numériques un brin bancals, reconnaissons-le, du second, il creuse son propre sillon : plus claustrophobe, plus cérébral dans son postulat, mais tout aussi viscéral dans son exécution. Bien sûr, Colony ne réinvente pas le genre, mais il refuse de s’y larver confortablement. Et dans cette industrie du remake permanent, cela force le respect.

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