Réchauffement climatique : un empêchement structurel qui s’installe

Commençons par le plus visible : la canicule. Fin juin, un épisode de chaleur extrême a placé jusqu’à 45 départements en vigilance orange et rouge, avec des pointes frôlant les 42 degrés. Résultat des courses météorologiques :

• le festival Solidays, rendez-vous musical et militant parisien incontournable, a été annulé à quelques heures de son ouverture sur demande de la préfecture de police, saturation hospitalière oblige, avec à la clé, un manque à gagner mortifère pour l’event et les nombreuses assos de prévention du SIDA qui bénéficient habituellement de ses retombées financières.
• Garorock n’a tenu qu’une seule journée sur plusieurs prévues. La Fête de la musique a été purement et simplement supprimée dans des villes comme Brive-la-Gaillarde, Nanterre ou Écommoy, quand d’autres municipalités ont dû l’encadrer par arrêté, interdisant toute manifestation extérieure entre midi et 19 heures. Même la Marche des Fiertés parisienne a été annulée le même week-end.
• Le directeur des Eurockéennes de Belfort a lui-même alerté le ministère de la Culture, redoutant que ces annulations de dernière minute ne deviennent la norme plutôt que l’exception climatique.

Un simple aléa météo ? Arrêtons de nous coller la tête dans le sable. C’est un empêchement structurel qui s’installe. Et il ne touche pas que les grands festivals : les randonnées, les gîtes d’étape, les kermesses, les bals populaires, toute une économie de la sortie culturelle estivale a dû, cet été, se replier — littéralement se confiner — derrière ses volets fermés.

Restrictions budgétaires pour les structures comme pour les particuliers

Mais la canicule n’est que la partie la plus spectaculaire d’un empêchement plus sourd, plus continu : celui de l’argent.

• Une enquête Ifop menée pour la fondation Art Explora et publiée en avril 2026 le confirme noir sur blanc : si 86 % des Français jugent la culture essentielle à leur qualité de vie, un Français sur cinq n’a effectué aucune sortie culturelle au cours des douze derniers mois. Le manque d’argent est cité comme frein direct par près d’un tiers des sondés pour le cinéma ou les concerts.
• Les chiffres de l’Insee racontent la même histoire sous un autre angle : en 2023, 64 % des cadres sont allés au cinéma dans l’année, contre seulement 30 % des ouvriers — un écart qui explose encore davantage sur les spectacles vivants et les visites de sites culturels.
• Et ce n’est pas près de s’arranger. Le Pass Culture, dispositif censé démocratiser l’accès des jeunes à la culture, a vu sa part collective — celle qui finance les sorties scolaires — amputée de 25 millions d’euros en 2026, passant de 97 à 72 millions. Les montants individuels attribués aux jeunes de 17 ans ont été divisés par deux, et les 15-16 ans ont purement perdu leur crédit individuel.
• Pendant ce temps, le budget 2026 du ministère de la Culture encaisse une coupe de 200 millions d’euros, quand la mission cohésion des territoires en perd 900 millions supplémentaires — et les collectivités locales, déjà exsangues, sont sommées de trouver 5,3 milliards d’euros d’économies. Le Syndeac, syndicat des employeurs du secteur, ne mâche pas ses mots sur ce budget qu’il qualifie de funeste pour la création.

Territoires : la carte de la désertification s’agrandit

Ce repli budgétaire n’est pas uniforme — il frappe d’abord loin de Paris. La même enquête Ifop-Art Explora citée précédemment révèle un fossé vertigineux : 78 % des habitants de l’agglomération parisienne jugent l’accès à la culture facile, contre seulement 51 % en zone rurale.

Début 2026, la liquidation en urgence d’agences culturelles régionales historiques en Nouvelle-Aquitaine et dans le Grand Est est venue illustrer le désengagement brutal de collectivités territoriales prises en étau par les contraintes budgétaires. Des zones entières du territoire sont aujourd’hui identifiées comme des « zones blanches culturelles » par les parlementaires eux-mêmes. Là où le tissu associatif maintenait une vitalité locale, les coupes de subventions condamnent désormais les structures de proximité : écoles de musique intercommunales réduisant leurs antennes, compagnies de théâtre amateur contraintes de jeter l’éponge et chorales associatives privées de salles.

Les réseaux de diffusion de proximité ne sont pas non plus épargnés. Pris en tenaille entre l’envolée des coûts de fonctionnement et le tarissement des aides publiques, les cinémas itinérants réduisent leurs tournées, tandis que les bibliothèques rurales, faute de personnel, réduisent leurs horaires d’ouverture ou gèlent leurs achats de livres.

Censure ouverte

À cette double peine climatique et budgétaire s’ajoute, depuis les municipales de mars 2026, une troisième pression, plus directement politique. Dans plusieurs communes désormais dirigées par l’extrême droite, les coupes budgétaires ciblent spécifiquement des structures culturelles jugées trop critiques ou trop éloignées de la ligne municipale.

• À Castres, la pièce Passeport d’Alexis Michalik, qui retrace le parcours d’un exilé, a été déprogrammée.
• À Carpentras, la subvention du festival de courts-métrages a été supprimée, mettant fin à sept ans d’existence.
• Le festival de jazz de Vauvert a dû s’exiler dans la commune voisine après la suppression de son financement municipal.
• À La Flèche, la scène conventionnée Le Carroi a perdu 71 000 euros sur un budget de fonctionnement de 253 000 euros.
• À Beaucaire, l’enveloppe globale des subventions aux associations a chuté de plus de 15 % depuis le changement de majorité — non sans quelques largesses ciblées vers des structures proches des nouveaux élus.

Empêchés de fait

Soyons directs, puisque c’est bien de ça qu’il s’agit : cet été, nombre d’entre nous — festivaliers, familles, habitants de zones rurales, publics des structures menacées — se sont retrouvés contraints, à des degrés divers, de renoncer à la culture. Ils ne sont ni hospitalisés, ni détenus ni en situation de handicap lourd, les critères historiques des « publics empêchés ». Mais parce que le thermomètre grimpe trop haut, parce que le porte-monnaie est trop plat, parce que la salle municipale la plus proche a fermé faute de subvention, parce qu’une programmation a été retoquée sur décision politique, ils n’ont plus accès à la culture.

Le terme de « publics empêchés » a été pensé, dans les années 1980, pour une minorité clairement identifiée. Il devient aujourd’hui dangereusement extensible. Et c’est peut-être ça, le vrai sujet de cette rentrée : non pas se demander comment mieux desservir des publics empêchés à la marge, mais se demander ce qui, structurellement, transforme des pans entiers de la population — climatiques, économiques, territoriaux, politiques — en empêchés de fait, sans qu’aucune convention officielle ne les protège.

La culture ne meurt jamais d’un seul coup. Elle s’éteint par petites annulations, par petites coupes, par petits renoncements qu’on additionne trop rarement. Cette rentrée, il serait temps de faire ce calcul-là.

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« Mais pourquoi vous touchez à tout ? » La question revient sans cesse, de la part d’amis, de connaissances, parfois de lecteurs. Certains voudraient que nous nous cantonnions au cinéma, d’autres à la musique, d’autres encore à la littérature. Comme si la culture se découpait en parts de pizza bien nettes, avec un couteau marketing en guise de trancheuse. Désolé, mais non : la culture ne fonctionne pas ainsi. Et qu’on se le dise une fois pour toutes : la culture est transversale, ou n’est pas.

Tout est lié, bordel !

On ne regarde pas une série comme The Wire sans penser aux polars américains de Chandler ou Ellroy. On ne comprend pas Akira si l’on n’a jamais entendu parler de la bombe atomique, ni de Kurosawa. On n’écoute pas Joy Division sans croiser la philosophie de Bataille, l’architecture brutaliste et l’aliénation industrielle de Manchester.
C’est ça la culture : des échos, des résonances, des dialogues. De la transversalité.

Transversalité culturelle : pas un mot savant pour briller en société, mais une manière de considérer les œuvres et les idées en réseau, pas en silo. Concrètement, ça veut dire qu’un tableau n’est jamais seulement un tableau, mais qu’il dialogue avec la musique de son époque, avec les débats philosophiques, avec les bouleversements politiques. C’est comprendre que la BD Maus de Spiegelman n’existe pas sans l’histoire de la Shoah, que Black Mirror n’est pas seulement une série mais une réflexion sur la technologie, héritière directe d’Orwell et d’Huxley.

La transversalité, c’est cette capacité à relier des formes différentes, des disciplines éloignées, des époques distinctes pour en faire jaillir du sens. C’est l’art du contrechamp, du détour, du télescopage : là où d’autres se contentent de consommer une œuvre, le regard transversal l’inscrit dans une constellation plus large.

L’hyperspécialisation, poison pour l’esprit

Or c’est essentiel, pour ne pas dire vital. Rester bloqué dans une case, c’est se condamner à la myopie intellectuelle.

• Le spectateur Netflix qui enchaîne des séries sans jamais ouvrir un livre finit par bouffer du scénario prémâché : il s’habitue à des structures narratives répétitives, il perd le goût de l’effort, il avale des intrigues calibrées comme des plats surgelés. À force, sa capacité à comparer, à nuancer, à se décentrer se réduit comme peau de chagrin.
• Le lecteur qui se gargarise de “grande littérature” sans jamais aller voir un concert ou une expo, c’est du snobisme sec : il finit enfermé dans une bulle élitiste, incapable de comprendre que la création vit aussi dans la rue, dans la pop culture, dans l’expérimental. Il lit mais il ne vibre pas, il devient un esthète stérile.
• L’amateur d’art contemporain qui ne se coltine jamais un roman graphique ou un film d’horreur rate la moitié du paysage : il oublie que l’imaginaire se nourrit aussi des marges, des formes populaires, des monstres. À force de mépriser certains médiums, il réduit son champ de vision et se prive des clés pour comprendre les obsessions collectives.

Bref : l’hyperspécialisation, c’est une atrophie cognitive. Elle coupe les synapses entre disciplines, elle éteint la curiosité, elle sclérose le jugement. Au lieu d’entraîner l’esprit critique, elle le met sous perfusion. Et qu’est-ce qu’on obtient ? Des consommateurs dociles, faciles à manipuler, incapables de voir les fils qui relient les images aux idées, les œuvres aux idéologies. C’est exactement ce que cherchent les industries culturelles de masse : un public captif, qui ne sort jamais de l’enclos.

Atrophie cognitive : à qui le crime profite-t-il ?

Bonne question. Parce qu’on ne réduit pas les esprits par hasard : cette myopie culturelle, elle profite à certains.

D’abord aux industries culturelles de masse. Plus ton horizon est limité, plus tu consommes en boucle la même soupe réchauffée. Séries formatées, blockbusters interchangeables, hits calibrés par algorithmes : en te maintenant dans un couloir étroit, on t’évite la tentation d’aller voir ailleurs. Résultat : tu restes captif, accroché à une plateforme, gavé comme une oie.

Ensuite, aux pouvoirs politiques et économiques. Un citoyen qui ne lit pas, qui ne croise pas les points de vue, qui ne confronte pas un film à un essai ou une pièce de théâtre à un fait d’actu, c’est un citoyen plus facile à manipuler. L’histoire le montre : les régimes autoritaires adorent les publics simplifiés, privés de recul, abreuvés d’un seul discours. La transversalité, elle, fait surgir les contradictions, les comparaisons, les analogies – bref, tout ce qui gêne la propagande.

Enfin, ça profite à notre paresse collective. On nous a dressés à aimer la facilité, le prêt-à-penser, l’immédiateté. Les plateformes encouragent le binge-watching, les réseaux sociaux favorisent le scroll sans fin, l’école parfois elle-même cloisonne au lieu de relier. Résultat : moins on croise, moins on confronte, plus on se repose. Et ce confort est une prison dorée.

En clair : l’atrophie cognitive, ce n’est pas un bug, c’est un système. Un système qui produit des spectateurs dociles, des électeurs dociles, des consommateurs dociles. Et si nous refusons l’hyperspécialisation, c’est précisément pour saboter cette machine.

Le passé n’est pas mort, il nous regarde

Chez The ARTchemists, nous sabotons la machine de l’atrophie cognitive au quotidien :

• En chroniquant La Mythomane du Bataclan, nous parlons autant de littérature que de mémoire collective, de trauma et de manipulation médiatique.
• Quand on évoque The Mist de Frank Darabont, on ne fait pas juste du ciné : on convoque Stephen King, Lovecraft, la sociologie des foules et l’effondrement du lien social.
• Notre plongée dans l’univers de Minuit Machine ? C’est de la musique certes, mais aussi de l’histoire des contre-cultures, du goth, de la techno industrielle, du désespoir urbain des années 80 à nos jours.
• Même un sujet a priori léger comme les festivals d’été devient un carrefour quand on le place dans la perspective du réchauffement climatique : écologie, politique, économie, sociologie, musique, tout va dans le même sens.

Bref, impossible d’analyser une œuvre ou un phénomène sans ouvrir grand les portes du contexte, du passé, de la société.

Refuser l’amnésie

La transversalité, c’est aussi refuser l’amnésie. Nous allons fouiller dans les archives de l’INA, exhumer des vieux films, relire des bouquins oubliés. Pourquoi ? Parce que ce passé éclaire le présent et prépare l’avenir.

• Les opéras perdus de Rameau qu’on reconstitue au XXIe siècle disent quelque chose de notre rapport à la mémoire et à la recréation.
• Les body horror japonais de Junji Ito dialoguent avec les films de Cronenberg et avec nos angoisses post-Covid.
• Un reportage des années 70 sur les luttes ouvrières résonne avec les Gilets jaunes et les débats actuels sur le travail.

Ne regarder que les sorties du mois, c’est se condamner au zapping. Nous, on préfère les grands fils rouges de la culture, les sédiments, les strates.

Notre credo : relier, pas enfermer. Oui, notre webmag parle de cinéma, de danse, de BD, de philosophie, de patrimoine. Oui, on peut enchaîner une chronique sur un shark movie et une autre sur Takato Yamamoto, puis une playlist électro goth et une réflexion sur la psychologie du travail. Et alors ? C’est précisément ça, la richesse culturelle : la mise en tension des disciplines, l’ouverture, le frottement.

Conclusion ? Ouvrir sa gueule et ses horizons

Se spécialiser, c’est facile. Ça rassure. Mais ça limite.
Nous, on préfère la complexité, l’inconfort, les chemins de traverse. Parce que c’est là que ça pense, que ça vit, que ça brûle.

Nous ne sommes pas des influenceurs lifestyle. Nous sommes des passeurs, des agitateurs, des décloisonneurs. Et si ça dérange les esprits qui aiment les cases toutes faites, tant mieux.

Alors, la prochaine fois qu’on nous demandera pourquoi on touche à tout, on répondra simplement :
Parce que tout est lié. Parce que c’est ça, la culture.

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Ouais, je sais, c’est très con comme titre, mais franchement, c’est ce qui m’est venu à l’esprit en bouclant le binge watching des trois saisons de The White Lotus. Et quel binge watching, mes aïeuls  ! Je l’ai dévorée, cette série, les trois saisons en enfilade. L’anti Camping, rien à voir avec Les Flots bleus chers à Onteniente, où on s’aime, on s’engueule, on se réconcilie autour d’un apéro et de bonnes valeurs de partage et d’égalité devant l’adversité. Non, avec The White Lotus, on plonge direct dans une piscine de venin. Un venin doux, perfide, mais d’une redoutable efficacité. La série ne porte pas ce nom par hasard. Un personnage de la première saison fait justement allusion aux Lotophages, ce peuple cité dans l’Odyssée et qui sombre dans l’oubli à force d’ingérer une boisson à base de lotus. Le showrunner Mike White ne faisant jamais rien pour rien, la référence est loin d’être un accident, elle offre même une grille de lecture mordante de cette comédie humaine 5.0. Mordante jusqu’à l’absurdité la plus totale.

Cadre paradisiaque et satire sociale

On connaît l’origine covidienne de la série. En pleine pandémie, HBO sollicite Mike White pour créer une série à tourner dans un lieu confiné. Quoi de mieux qu’un hôtel, où de par le monde s’entassent alors des centaines de touristes mis en quarantaine ? Inspiré par la cocasserie de la chose, White prend sa plus belle plume (la plus acérée du reste) pour accoucher de la première saison de The White Lotus. The White Lotus : un palace de très très grand luxe, à Maui, où débarquent plusieurs clients issus de la jet set américaine. Richissimes, insupportables, paumés. Des gosses mal élevés et capricieux.

Un couple de jeunes mariés qui sont loin d’être en osmose pour leur lune de miel, une famille en pleine déliquescence, une célibataire quinquagénaire, bardée de millions et dépressive. Tout ce petit monde compte bien savourer une semaine de repos dans un cadre paradisiaque. Mais White va faire en sorte que cela tourne au cauchemar, avec en perspective une satire sociale féroce qui décortique les dynamiques de pouvoir et les tensions sociales de ces clients fortunés avec un personnel hôtelier pour le moins exploité.​

Success stories à vomir

Le cadre est posé, le schéma se décline sur les trois saisons avec une régularité de métronome et le plein de péripéties et de frissons. Pas de surprise sur l’issue du séjour ; à chaque fois, on débute par la résultante du désastre : cercueil, cadavres, fusillade. D’emblée, White annonce la couleur, funèbre. Reste à savoir comment le paradis se transforme en enfer. C’est l’objet des épisodes que d’opérer un méticuleux flashback, tissant ainsi la chronique pour le moins corrosive d’un cataclysme annoncé.

Shakespearien n’est-ce pas ? Surtout très balzacien. Ce curieux mélange, cru et sans complexe, est saupoudré de sexe, de stress, d’anxiolytiques, de cocktails et de fruits (observez les assiettes, ces carnassiers sociaux se gavent de fruits à longueur de repas, dans la plus totale ignorance de la gastronomie propre aux restaurants de ces palaces étoilés). Beaucoup de promesses, beaucoup de mensonges, de l’égoïsme à la pelle, pour un portrait sans concession de millionnaires incarnant des success stories modernes à vomir. Et cela monte en puissance sur les saisons 2 et 3, qui ont lieu en Sicile puis en Thaïlande.

Une jungle cernée par la mer

Il n’y en a pas un pour rattraper l’autre. Les personnages façonnés par White sont imbuvables, pitoyables, trop vaches, trop naïfs et vides, incroyablement vides. Antipathiques au possible pour certains, empathiques jusqu’à la nausée pour d’autres. C’est à celui qui bouffera l’autre, dans cette atmosphère faussement cossue où les coups bas se font en douce et dans le dos. Ignoble et difficile à avaler, poignant parfois, désolant toujours. Une jungle cernée par la mer, symbole du cycle inexorable de la vie et de la mort, de la nature toute-puissante.

Certains s’en sortiront, d’autres pas. Chacun.e repart de son séjour avec quelque chose en plus ou en moins, c’est selon. L’amour, le deuil, la liberté, la misère, la richesse, la sagesse, la folie, le détachement, l’inquiétude… En tout cas, les valeurs de base en ressortent ébranlées, fissurées, dynamitées. Séjourner dans un palace White Lotus, c’est à coup sûr se soumettre à une initiation qui ne dit pas son nom, mais qui sera cinglante et laissera des traces.

Profils à couteaux tirés

Et les stars d’abonder dans ce décor de rêve pour prêter leur visage à ces profils à couteaux tirés : impossible de tous les citer, les castings de chaque saison sont monumentaux. On gardera en tête Jennifer Coolidge, odieuse et touchante, Aimee Lou Wood et Walton Coggins, couple improbable et fusionnel, Jason Isaacs bourré de tranquillisants, Sam Rockwell parti en free style dans un couloir d’hôtel, Murray Bartlett en petite tenue et coquine compagnie dans son bureau, Natasha Rothwell corsetée dans ses principes…

Toutes et tous apportent leur personal touch à cette fresque déjantée, parfaite expression de l’ironie de la vie. Un équilibre délicat, une construction improbable, mais solide, où les plans de toute beauté dialoguent avec les séquences les plus scabreuses en parfaite harmonie. Comme si le retour à un paradis sublimé déchaînait la bête qui sommeille en chacun.e de nous. Tel un avertissement, le générique prend aux tripes, ponctué par une musique qui vous bouffe les méninges. Cristóbal Tapia de Veer signe là une compo unique en son genre, qui s’enroule autour de vous comme un boa constrictor et ne va pas vous lâcher les synapses de si tôt.

Incroyable contradiction

Tout comme le souvenir de ces histoires aussi sordides que magnifiques, ces instants d’héroïsme ou de lâcheté, ces éclairs de bonté, ces secondes d’orgueil. Hautement philosophique… et trompeur. Tout le monde ne percevra pas la saveur piquante de ces contes morbides. Incroyable contradiction qui reflète l’aveuglement ambiant à l’ère de l’instagrammable way of life : critique acerbe du tourisme de luxe et des privilèges des élites, The White Lotus s’est paradoxalement imposée comme une vitrine de choix pour les marques de luxe, suscitant ainsi le débat sur la cohérence entre son message et sa présentation.​

Comme l’explique le site Dans ta pub, les hôtels accueillant chaque saison ont fait le plein suite à la diffusion des épisodes, ainsi le San Domenico Palace à Taormine qui affiche désormais complet pour de longs mois. La robe Dolce & Gabbana portée par Jennifer Coolidge dans la saison 2 a vu ses recherches en ligne augmenter de 150 % après la diffusion de l’épisode correspondant. De même, des marques comme Gucci et Jacquemus ont bénéficié d’une exposition significative grâce aux tenues arborées par les acteurs.

Foutage de gueule ? Cynisme assumé ?

Bref, le placement produit dans The White Lotus a le vent en poupe, relayé avec fracas dans les magazines comme Vogue. Et que dire des produits dérivés ! Les collaborations commerciales se succèdent : ainsi, Bloomingdale’s a lancé une collection capsule de 34 pièces en partenariat avec la série, comprenant des vêtements et accessoires inspirés de son esthétique.​ On imagine les profits réalisés par les producteurs qui ont monnayé ces placements produits, ces partenariats trop nombreux pour être ici répertoriés sans tomber dans l’inventaire à la Prévert.

Pourtant, cette mise en avant du luxe a de quoi interroger, non ? Le message de la série, qui dénonce clairement les excès liés à la richesse, ce déversement de luxe presque grotesque, contredisent cette politique publicitaire intense. D’un côté, critiquer avec virulence le consumérisme et les privilèges, de l’autre, les promouvoir de la façon la plus dynamique qui soit. Contradiction ? Foutage de gueule ? Cynisme assumé ? Selon certains analystes, cette dualité refléterait le caractère paradoxal de la société contemporaine piégée entre adulation et critique du monde du luxe, dixit le Los Angeles Times.​ A moins que White, malicieux, joue la carte de l’absurde à la Ionesco, histoire de piéger même son public.

Étonnant, pour ne pas dire inquiétant. Car, à moins d’être complètement décérébré, on ressort des trois saisons de The White Lotus avec un goût particulièrement ignoble en bouche, le sentiment d’être face à une fin de règne, l’écroulement d’un monde. Et on n’a pas envie d’en faire partie, de participer à ce jeu de massacre sur fond de luxe tapageur et rance. Surtout, surtout pas.

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Le moins qu’on puisse dire, c’est qu’elle a du talent. Un talent fou ! Il en faut pour évoquer pêle-mêle le génocide du Rwanda, l’homosexualité, la dépression et l’internement psychiatrique sans voir le public fuir à tire-d’aile. Seulement voilà : Mamari Munezero a un don : elle sait rire et faire rire. Avec intelligence et bon sens. Ce qui n’est pas donné à tout le monde.

Sur scène comme un poisson dans l’eau

Un rire éclatant, solaire, une voix de gamine, des yeux qui pétillent de malice : Mamari Munezero évolue sur scène comme un poisson dans l’eau. Aucun doute : c’est son élément. Et son champ d’action. Objectif de sa mission : nous rendre un peu moins cons. Et plus tolérants.

En nous parlant d’homosexualité, de maladie mentale. Sans fard ni chichi, avec un humour décapant. Il faut dire qu’elle connaît le sujet, elle qui a vécu le génocide au Rwanda dont elle est originaire, l’inceste, la dépression, l’internement en hôpital psychiatrique.

La question de la souffrance mentale

D’aucuns se seraient fichus en l’air. Mamari, quant à elle, a opté pour le rire. Maniant la plume depuis son enfance, elle découvre au fil de ses expériences de vie qu’elle a des choses à dire et à partager. Et du talent. Donc, elle plaque ses études de pharmacie pour devenir humoriste. À la veille de la pandémide de COVID.

Pandémie à laquelle elle va survivre pour imposer son approche et son style, avec notamment le spectacle Trop drôle pour mourir. Réseaux sociaux, podcasts, émissions de radio, participation à des festivals, des tables rondes, des conférences, Mamari utilise tous les canaux pour communiquer sur la question de la souffrance mentale, entre autres.

Humilité et autodérision

Et en démystifier la nature. Avec autant d’humilité et d’authenticité que de brio. Avec beaucoup d’autodérision également, une ironie gentiment mordante mais mordante quand même. Phrasé mélodieux, sens du rythme, elle module ses blagues, joue sur les sonorités, les images également. Et nous fait rire. Aux éclats. Résiliente. Brisant les tabous. Nous invitant à utiliser les termes directement plutôt que les figures de style qui édulcorent.

Écornant au passage nos certitudes d’être bien normaux, équilibrés. Riant gentiment de tout son corps, gestuelle, visage, regard, mais sans tomber dans la guimauve ou le grotesque. Exercice périlleux mais la demoiselle est virtuose, dotée de l’élégance discrète et détachée des survivants. Avec cela un sens de la tournure, de l’a-propos, de la réplique qui fait mouche, du dialogue avec autrui.

Bref un très gros coup de coeur pour cette jeune femme surdouée, qui apporte autant de fraîcheur que d’espoir avec ses sketches hautement thérapeutiques.

Pour en savoir plus sur Mamari Munezero, son univers et son actualité, consultez son linktr.ee.

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Du rock, du rock, du rock ? Où, quand, comment ? Dans les grosses usines que sont devenues les Arenas ou les Zenith ? Dans les SMAC ? Ne serait-ce pas plutôt dans les petites salles indés et underground que se joue l’avenir d’un genre pas si mourant que ça ? Chroniqueur chez Rock & Folk, Sacha Rosenberg a roulé sa bosse dans nombre de ces clubs qui égayent le paysage musical français. Il en connaît le quotidien, les coulisses, les équipes, les valeurs. C’est tout naturellement qu’il échange avec les directeurs, les programmateurs de ces lieux. Publié en 2022 en pleine pandémie, Derrière le bruit : l’âme des scènes rock en France coule de source, donnant la parole à ces passionnés.

Entretenir la flamme du rock hexagonal

Dans un climat covidien mortifère pour le secteur de l’industrie des spectacles et du divertissement, ces scènes locales entretiennent la flamme du rock hexagonal quoi qu’il advienne. Bus Palladium, Trockson, Fotomat, à Paris, à Bordeaux, à Lyon, partout sur le territoire, ces petites salles portent la bonne paroles rock, en mettant en avant les groupes et artistes locaux. Les responsables de ces salles, leurs programmateurs, possèdent une connaissance approfondie du rock et de ses évolutions.

Amateurs éclairés, véritables encyclopédies, aficionados enragés pour certains, tous se positionnent en véritables dénicheurs de talents : ils proposent aux jeunes musicos qui leur ont tapé dans l’oeil et dans le tympan un plateau où faire leurs premières armes, où lancer leur carrière. Parce qu’ils en ont marre d’entendre toujours la même soupe, pour ne pas utiliser un autre vocable plus fécal.

Une irrépressible pulsion de créativité

C’est eux que Rosenberg cite dans ces 192 pages illustrées de photos black and white magnifiques, gorgées d’énergie comme un énorme et irrépressible pulsion de vie et de créativité. Des croisés ? Il y a de ça. Chacun.e porte la bonne parole rock dans son lopin de terre, aux quatre coins de l’Hexagone. Avec le verbe haut, et une vision directe et sans filtre du secteur. C’est que chaque cité de France et de Navarre apporte sa propre couleur musicale, ses influences, ses spécificités, privilégiées par ces lieux culturels souvent méconnus du grand public, mais essentiels à la vitalité d’un genre qui prolifère dans nos vertes provinces.

Accueillir des artistes de renom, offrir une scène aux talents émergents : dignes héritières des CBGB et autres Whiskey a Go Go, les petites salles gauloises fonctionnent dans les deux sens, pour initier divers publics, connaisseurs et néophytes. Sans elles, ce serait le désert. Avec la fonte des subventions accordées aux assos et autres institutions officielles dédiés à la culture, ces safe spaces culturels seront bientôt les seuls bastions debout pour mettre en orbite les jeunes talents rock dont notre pays ne manque guère, qui végètent au fin fond de villages et ne demandent qu’à exploser à la face du monde.

Raison de plus pour valoriser, diffuser et encourager leur mission qui a tout d’un sacerdoce.

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Bénie soit la captation qui a gardé souvenir de cette mise en scène pour le moins inédite. Car la lecture du chef-d’œuvre de Molière par feu Claude Stratz dépoussière largement Le Malade imaginaire, atténuant le côté farce et ballet pour souligner le drame intérieur d’un homme confronté avec ses angoisses de mort. Une comédie crépusculaire menée bille en tête par la troupe de la Comédie-Française, qui, comme à son habitude, réalise ici un sans-faute.

De la peur à l’anxiété

Le Malade imaginaire, nous avons déjà eu l’occasion d’en parler précédemment : « Satire décapante et un brin scatologique des pratiques médicales de l’époque, la pièce est aussi une exploration des peurs et des obsessions humaines, comme seul Molière est capable d’en écrire une » expliquions-nous dans l’article « Le Malade imaginaire de Molière : autopsie d’un mythe dramaturgique ».

Ce sont justement ces peurs qui prennent possession du plateau dans la mise en scène emblématique de Stratz, datée de 2001, depuis jouée plus de 500 fois, inscrite dans les tablettes de la Comédie-Française. Ces peurs tournent à l’anxiété latente pour un Argan persuadé qu’il porte la mort en lui, au point de se détourner de son entourage, de le violenter constamment.

Une pure émanation de Beckett ou Ionesco

Dans un décor rongé qui laisse entrevoir des splendeurs passées, ce anti-héros absolu de l’hypocondrie portée au rang d’art de vivre, se complaît dans un laisser-aller qu’entrecoupent ses crises de colère. Colère qui l’amène à porter la main sur sa petite Louison et d’être persuadé de l’avoir gravement blessée alors que la petite feint un évanouissement, d’où un désespoir notable.

Seul dans sa chaise de malade vermoulue, Argan semble ici échappé d’une comédie sociale de Goldoni à moins qu’il ne se soit évadé du théâtre de l’absurde. Une pure émanation de Beckett ou Ionesco, Hamm de Fin de partie, Bérenger Ier dans Le Roi se meurt. Terriblement fragile, perdu, riche certes, mais faible et manipulable : par ses médecins, par sa femme.

Une biche au milieu des fauves ?

Une biche au milieu des fauves ? Il faudra le traitement de choc de Toinette, la servante fidèle et ingénieuse qui veille au grain sur les intérêts de cette petite famille qu’elle considère sienne, pour remettre un peu d’ordre dans la cervelle de notre malade imaginaire. Les enjeux sont énormes.

Il s’agit de l’empêcher de ruiner l’avenir sentimental de sa fille aînée Angélique par un mariage inapproprié avec Diafoirus junior, d’éviter la dilapidation de sa fortune par don à une épouse ingrate, des médecins avides et un brin escrocs. Et cela, la mise en scène de Stratz le met particulièrement en évidence au point d’en gêner le spectateur qui rit jaune aux facéties de toute cette smala.

Le spectre de la Covid

Car plane au-dessus de la version 2020 le spectre de la Covid qui s’invite bien évidemment à la fête. Et donne une coloration encore plus morbide à la pièce. Masqués, les acteurs jonglent avec le virus, l’atmosphère de panique et d’incrédulité qui règne alors. Qui des politiques, des médecins, des influenceurs a raison ? Qui faut-il croire ? Que faire ? Comment se protéger ? Comment se soigner ?

À la lumière de la pandémie, le discours moliéresque se tente d’autres nuances : les tentatives de Béralde, l’honnête homme équilibré par excellence, pour raisonner son frère, résonnent par moment comme une sorte de théorie complotiste, un discours antivax déplacé. Le régime prescrit initialement à Argan par Purgon s’avère somme toute équilibré et sage (viandes blanches, moins de vin), alors que Toinette lui propose bœuf, gras et alcool.

Devenir médecin soi-même ?

Argan n’en est que plus perdu et nous avec. Manipulé, trompé, Argan, magistralement interprété par Guillaume Gallienne qui lui prête sa douceur, sa vibration intérieure, son émotivité, fait écho à notre propre perplexité. Qui croire, vers qui se tourner, quand on est noyé dans les injonctions contradictoires, les informations douteuses, les contre-vérités, diffusées en continu par les médias, les réseaux sociaux ?

Devenir médecin soi-même ? Même l’intronisation burlesque d’Argan au terme de la pièce perd ici son caractère grotesque, soulignant l’atrocité de la situation. Dépourvus que nous sommes d’interlocuteurs fiables, c’est à nous d’aller chercher le savoir comme nous le pouvons, avec les moyens du bord. Faire acte d’esprit critique sera-t-il possible ? Cela reste à voir. Mais pour sûr, après avoir vu ce spectacle, vous l’aurez compris : nous sommes aujourd’hui tous susceptibles d’être des malades imaginaires.

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Christine Hassid revisite avec intensité et sensibilité une pièce chorégraphique inspirée de l’œuvre de Frédéric Chopin, dont la résonance trouve un écho profond dans son histoire familiale. En associant la puissance du piano à la liberté des corps en mouvement, la chorégraphe bordelaise signe avec CHoPin – actuellement en tournée – une œuvre émouvante et lumineuse. Rencontre avec une artiste aussi déterminée que passionnée.

Quelle a été votre source d’inspiration pour créer le projet initial Chopin. Carte blanche ?

Chopin est un compositeur romantique dont les œuvres pour piano sont célèbres pour leur expressivité et leur complexité émotionnelle. La musique de Chopin, avec ses nuances et sa richesse harmonique, se prête bien à la danse contemporaine, offrant une toile de fond émotionnelle intense pour l’exploration du mouvement. Le rapport à la musique est essentiel dans mon travail. Ce sont des itinéraires de corps humains qui dictent la musique, qui la jouent, et non la musique qui est à l’origine de leur apparition. Je suis musicienne, j’ai fait 15 ans de piano et je jouais les Nocturnes de Chopin à 10 ans. Je connais la complexité de cette musique et sa structure. Tout mon travail réside à construire un dialogue entre la musique de Chopin et la musicalité des corps.  

Chopin. Carte blanche fut recréé pour devenir CHoPin. Qu’est-ce qui vous a poussé à ramener ce projet en Europe, et pourquoi souhaitez-vous le retravailler maintenant ?

Chopin. Carte blanche m’a permis d’avoir une double nomination. Deux nominations aux Golden Mask Awards ; fait exceptionnel puisque je suis la première chorégraphe française à avoir été nommée à ce prestigieux festival depuis sa création. La première nomination étant dans la catégorie « meilleur spectacle de danse contemporaine de la saison » et la seconde, dans la catégorie « Meilleure chorégraphe de la saison ». Je me suis ainsi retrouvée sur la liste des nominations aux côtés d’Angelin Preljocaj et de William Forsythe.

La terrible actualité de la guerre en Ukraine fait que ce projet ne joue plus pour des raisons politiques. Avec la compagnie CHP en France, nous avons dû travailler hors des murs des théâtres pour contrer la crise Covid. Cela faisait quatre ans que la compagnie n’avait pas pu jouer dans les murs des théâtres. J’ai donc échangé avec nos partenaires sur la volonté ardente de réamorcer cette création, de développer la dramaturgie, de peaufiner l’écriture et d’avoir une réelle création lumière. Pour toutes ces raisons, CHoPin a été créé en 2024.

Quelles émotions ou thèmes cherchez-vous à transmettre à travers l’œuvre de Chopin, sa nostalgie notamment ?

J’ai utilisé Chopin pour créer une pièce qui résonne à un niveau émotionnel profond, en utilisant la musique comme point de départ pour des explorations chorégraphiques qui vont au-delà du simple accompagnement musical. Je m’inspire par exemple de la mélancolie ou de la passion présentes dans les œuvres de Chopin pour créer une pièce qui interroge les relations humaines, les états d’âme, les luttes intérieures.

Ainsi, mon travail avec la musique de Chopin montre comment la danse contemporaine peut dialoguer avec des œuvres classiques en réinterprétant leur signification ou en offrant aux spectateurs une nouvelle manière de ressentir et de comprendre à la fois la musique et la danse. 

En tant que petite-fille d’un rescapé de la Shoah, comment votre histoire familiale a-t-elle façonné votre travail artistique et vos engagements ? Comment l’exil de votre famille a-t-il influencé la création de CHoPin ?

Les histoires de souffrance, de perte et de courage ont été transmises de génération en génération, et je ressens profondément la responsabilité de rappeler leur mémoire. Les génocides et les atrocités sont souvent minimisés ou ignorés, laissant les victimes et leurs descendants sans voix. C’est pourquoi il est si important de rappeler l’Histoire. Après quatre générations, il était temps de faire le voyage à l’envers… avec une troublante résonance à notre époque.

Comme le disait Jean d’Ormesson : « Il y a quelque chose de plus fort que la mort, c’est la présence des absents, dans la mémoire des vivants ». L’histoire de ma famille est dans mon ADN. Dans toutes mes créations, il y a son empreinte. Mon écriture chorégraphique est physique, énergique, sensible, fluide, dense et demande beaucoup de précision. Je suis une personne qui a une certaine étanchéité à la survie. Cette force, j’en ai besoin au quotidien, car être une femme dans ce milieu de la danse demande des sacrifices et une détermination sans faille.

Comment la situation actuelle en Ukraine et en Russie a-t-elle affecté la diffusion de votre œuvre et votre vision du projet ?

Chopin, carte blanche s’est arrêté de jouer dès le début de la guerre. Les images en Ukraine ont d’autant plus appuyé le besoin de lutter contre l’antisémitisme, le racisme, la haine, la dictature, la propagande. En tant qu’artiste, il me semble qu’il est de mon devoir de témoigner à ma façon, de lutter à mon niveau contre la montée actuelle des extrêmes et des discours de haine. La musique, la poésie et l’ironie ont toujours été mes remèdes pour donner du corps à l’immatériel et pour essayer de fédérer.

Vous avez mentionné l’importance de la musique dans votre travail. Comment voyez-vous le rapport entre la musique de Chopin et la chorégraphie ?

Associant dans mon corps la danse classique et contemporaine, je conserve cette union dans mes œuvres. Montrer au spectateur, non l’opposition du classique et du contemporain, mais le dialogue étonnant qui se noue entre eux. Il existerait une tension permanente entre le classique et le contemporain, tension par moments dépassée dans le ballet néoclassique. 
Pour moi, cette contradiction est tout sauf insoluble. Je l’abolis dans mes spectacles. Je réduis la distance entre ces deux mondes. 

La musique de Chopin peut avoir une incarnation physique dans le corps des danseurs, non seulement elle sonne, mais devient aussi visible. On peut l’appeler un opéra du corps, où la voix est remplacée par une danse. Ce sentiment de la « chair » de la musique surgit inconsciemment et se manifeste même chez un spectateur inexpérimenté, car celui-ci n’a besoin de connaitre ni la théorie de la musique ni l’histoire du compositeur.  Non seulement pour l’entendre, mais aussi pour le ressentir à l’intérieur de vous-même. 

Vous parlez de la musique qui amène au « repos des choses ». Pouvez-vous expliquer ce concept dans le cadre de votre travail chorégraphique ?

Tchaïkovski, Bach, Chopin… Qu’est-ce qui les unit ? Probablement, une série de pertes vécues, qui ont donné lieu à une perception aiguë de chaque instant, à un sentiment de la fugacité de la vie, au désir de la remplir au maximum à chaque instant – si vous ne pouvez pas le faire dans votre vie, alors du moins en musique.

C’est dans cette philosophie de vie que j’avance, que je me réalise, que je donne un sens à ma vie. La danse et la musique sont mes remèdes à la vie. Et je pense sincèrement, avec mon expérience, que la musique classique et la musique baroque fédèrent et parlent à tous.

Vous l’avez dit, Chopin. Carte blanche a remporté notamment vos deux nominations aux Golden Mask Awards suivies d’une vaste tournée en Russie et en Ukraine ? Comment avez-vous vécu ce succès ?

Je n’ai pas vécu les tournées, car, après la première, je suis rentrée en France avec mon assistant. Les Golden Mask Awards ont été pour moi une renaissance. J’étais dans une période où je songeais à fermer la compagnie (c’était au moment de la COVID)… Le Ministère des Affaires étrangères français m’a contactée pour m’annoncer la très bonne nouvelle et pour organiser ma venue à la cérémonie. Je devais partir en « mission » pour représenter la France à Moscou. 

Malheureusement, la COVID a fait que je n’ai pas pu me rendre à la cérémonie (comme tous mes collègues) car nous n’avions pas encore le droit de quitter nos pays respectifs vu l’évolution de la crise sanitaire. Ce qui a été compliqué, c’est de me rendre compte, lors de mes nombreux rendez-vous en France, que mes interlocuteurs (pour la plupart) ne connaissaient pas les Golden Mask Awards …  

Quelles sont vos attentes en réamorçant, en France, ce projet aujourd’hui, en particulier dans le contexte actuel de tensions géopolitiques ?

Je dirai qu’ensemble, nous pouvons bâtir un avenir où la paix et la justice prévalent ; où les rêves des générations passées sont enfin réalisés. N’oublions jamais les vies perdues, les rêves brisés. C’est notre devoir de rappeler leur mémoire, de lutter contre l’oubli et de travailler inlassablement pour un monde où chaque être humain est respecté et protégé. Et j’ai toujours pensé à toutes les minorités opprimées en écrivant CHoPin. Ensemble, nous pouvons faire la différence. 

Pour en savoir plus sur le projet et la tournée, consultez le site Christine Hassid Project.

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Dernier challenge culturel en date : le binge reading de la geste romantico-policière du flic Franck Sharko et de sa douce Lucie Hennebelle by Franck Thilliez. Soit 13 romans où ce couple maudit traque le Mal sous toutes ses formes. S’enfiler cette saga d’un coup, d’un seul, (trois semaines de lecture intense, si, si !) ne relève peut-être pas du masochisme profond et incurable, mais à coup sûr, on en ressort éprouvé.e. Il faut dire que le romancier sait y faire pour jouer avec le mental de ses personnages et le nôtre. De manière quasi sadique et avec des ficelles narratives d’une rare efficacité. Explications.

Une recette bétonnée au fil des intrigues

Train d’enfer pour Ange rouge, La chambre des morts, Deuils de miel, La mémoire fantôme, Le syndrome E, Gataca, Atomka, Angor, Pandemia, Sharko, Luca, 1991, La Faille. À ce jour, la saga Sharko/Hennebelle débutée en 2004 compte 13 tomes, tous d’une rare violence, d’une virulence extrême. Et cela plaît : 7 millions de romans vendus, 750 000 rien qu’en 2021, 4ᵉ au classement des meilleures ventes de bouquins en 2020, à 50 ans, Thilliez s’est hissé au sommet du hit parade de ce genre si spécifique du polar à la française. Avec une recette bien rodée, bétonnée au fil des pages et des intrigues :

• un couple de flics qui se constitue au fil des intrigues, dont le destin est plus que tragique, frappés qu’ils sont par des deuils cruels, la maladie mentale, la souffrance morale, la perte au quotidien, le sentiment d’impuissance face à la folie du monde ;
• pour incarner cette folie, des assassins d’une perversité rare, particulièrement inventifs quand il s’agit de trucider autrui, d’en faire de juteux business et qui en prime s’acharnent avec une volupté évidente sur nos deux héros et leur entourage ;
• la volonté de l’auteur d’explorer les facettes du Mal moderne, aka le versant sombre de la science et du progrès, entre mutations génétiques, trafic d’organes, réanimation des tissus, expérimentations sur les comportements, IA destructrice, réseaux sociaux ténébreux, nucléaire meurtrier et autres formes de vampirisme propres au XXIᵉ siècle.

La hargne du chasseur

À chaque volume sa démence qui parachute nos héros aux quatre coins de la planète (Amazonie, Canada, Égypte, Tchernobyl et j’en passe) quand elle ne les entraîne pas profondément dans les entrailles de la terre (les séquences souterraines sont légion) et de l’humanité. Marchés clandestins, trafics illicites, exploration de toutes les perversions, ces commerces de l’infâme ont lieu à couvert dans le secret des catacombes et du darknet, avec à la clé des tueurs certes totalement déviants, mais la tête sur les épaules quand il s’agit de faire du fric.

Pour révéler et vaincre ce catalogue d’atrocités, le duo Sharko/Hennebelle va devoir compter sur l’intelligence, l’intuition, un brin de chance, l’expertise du métier et la fièvre de la traque. À ce titre, ces superflics ont, eux aussi, leur côté dingo, cette hargne typique du chasseur qui jamais ne lâchera sa proie et n’hésitera pas à faire justice lui-même selon les circonstances. Ce qui les amène à faire pas mal de conneries et à jouer constamment avec les limites. En mode Braquo. Une thématique récurrente chez tous les réalisateurs/auteurs spécialisés, Olivier Marchal, Jean-Christophe Grangé, Thierry Jonquet, Arthur Conan Doyle, voire Stephen King, des références auxquelles Thilliez n’échappe guère, voire qu’il cite comme autant d’hommages sincères.

Un propos documenté… et prophétique ?

On pourrait même voir les références constantes à une météo extrême (orages, crues, canicules, tempêtes de neige ou de sable et autres déviances climatiques) comme des discrets clins d’œil à Tennessee Williams et son univers dramaturgique tissé d’échanges féroces, de jeux de pouvoirs psychiques et de sursauts atmosphériques. Personnages complexes piégés dans des situations extrêmes, urgences des émotions ravageuses, mécaniques infernales vouées à la destruction des plus faibles au profit des plus forts, on pourrait penser que Thilliez exagère.

Que nenni, de roman en roman, son propos est argumenté, construit, documenté. Vampyres, transhumanisme, euthanasie, et j’en passe, chaque champ que l’auteur explore est fortement ancré dans une réalité vérifiable. Avec Pandémia, Thilliez s’offre même le luxe d’être prophétique : son récit, publié en 2015, prédit le chaos de la COVID. Chaos à l’œuvre dans le dernier tome en date, La Faille qui évoque le détournement de la pensée par l’informatique. Je n’en dis pas plus pour ne pas spolier, mais la chose percute violemment les travaux d’Elon Musk sur le cerveau augmenté.

Violence récurrente et maltraitance narrative

Pas étonnant que la lecture en continu de tous ces ouvrages, outre un malaise généralisé, donne l’impression d’un schéma répété. La violence est récurrente depuis l’aube des temps (Thilliez fait d’ailleurs allusion à un moment de cette saga au massacre fondateur de l’humanité). En étudier les méandres, c’est mettre à jour des boucles qui se déroulent à l’infini. Les méthodes, les outils changent, le résultat est toujours le même : la souffrance, la mort, la destruction. Et pour bien faire comprendre le message au lecteur, Thilliez n’y va pas par quatre chemins.

Il n’hésite pas à flinguer ses personnages, de la plus horrible des manières. “Choix terrible pour un auteur, vous l’imaginez, qui doit interrompre la destinée d’un être de papier auquel il a apporté un grand soin à insuffler la vie, comme le docteur Frankenstein avec sa créature” explique-t-il en conclusion de La Faille. Choix terrible certes, mais qu’il fait plusieurs fois au fil de ce cycle Sharko/Hennebelle, soumettant ses héros à une torture physique et mentale intolérable, les embarquant de fait par-delà les limites de la folie. Un cas de maltraitance narrative ? En tout cas, un moyen aussi infaillible que percutant pour impliquer le lecteur au niveau émotionnel et lui faire perdre les pédales dans ce grand-huit orchestré de main de maître.

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Sur The ARTchemists, nous évoquons régulièrement les jeunes artistes et talents émergents. Pour vous les faire découvrir, mais pas seulement. L’idée est de réconcilier notre lectorat avec l’art contemporain et ses différentes expressions, mais aussi, pourquoi pas, de susciter des vocations de collectionneurs passionnés et avisés. Car collectionner des œuvres d’art, c’est aussi investir. Ce qui implique, il faut bien le reconnaître, une certaine gymnastique intellectuelle, de la pratique, le respect de certaines procédures. Avec à la clé une problématique : comment déterminer la cote d’un artiste ? Cela ne s’improvise. Pour y parvenir, il faut suivre plusieurs étapes.

Examiner l’œuvre d’art

Tous les professionnels du marché de l’art s’accordent sur ce point. Première étape pour déterminer la cote d’un artiste, il faut évaluer l’œuvre qu’on désire acheter ou vendre. Si l’on en croit le site Estimon’objet, cette tâche, complexe, nécessite de prendre en compte plusieurs aspects.

La taille de l’œuvre

Petite et intimiste, grande et monumentale ? La taille joue un rôle déterminant dans le pouvoir d’attraction sur le spectateur ; elle influence la manière dont on perçoit l’œuvre, dont on la reçoit dans un espace donné, en interaction avec d’autres œuvres.

Les matériaux utilisés

Traditionnels comme la toile et la peinture à l’huile ? Contemporains comme le plastique, le métal ? Des matériaux recyclés ? Les composantes de l’œuvre contribuent à l’expression artistique, en créant des textures, des couleurs ou des contrastes spécifiques. Elles influencent ainsi l’esthétique et la durabilité de la création.

L’état de conservation

L’état de conservation d’une œuvre d’art est essentiel pour sa valeur à long terme. Les œuvres anciennes nécessitent souvent une restauration pour préserver leur intégrité ; les œuvres contemporaines doivent être entretenues pour éviter leur détérioration. N’oubliez jamais cette règle : une pièce en mauvais état a moins de valeur, elle s’avère moins précieuse.

La qualité de l’œuvre d’art

C’est le critère le plus subjectif, le plus glissant, car il dépend des préférences personnelles de l’observateur. Comment apprécier la qualité d’une œuvre avec objectivité ? En examinant la maîtrise technique de l’artiste, par exemple, sa créativité, son originalité, l’expression émotionnelle et la pertinence par rapport à son contexte culturel et artistique. On peut aussi prendre en compte la capacité de l’œuvre à susciter une réaction émotionnelle ou intellectuelle chez le spectateur.

Comparer l’œuvre d’art avec d’autres

C’est une étape cruciale lors de l’acquisition ou de l’appréciation d’une pièce artistique. Il s’agit de mieux comprendre l’objet d’art en question, de l’apprécier davantage et de prendre des décisions éclairées, que ce soit en tant qu’acheteur potentiel, collectionneur ou simplement amateur d’art. Là aussi, plusieurs angles.

Comparer le style est l’une des premières étapes pour comprendre une œuvre d’art. Chaque artiste a un style unique qui se manifeste à travers des choix de couleurs, de techniques, de composition et de thèmes. En comparant le style d’une œuvre avec d’autres du même artiste, de la même période, on peut en apprendre beaucoup sur son contexte et son évolution artistique. On établit ainsi des liens, des influences, ce qui enrichit notre compréhension de l’art.

Vous pouvez ensuite apprécier son âge par rapport à d’autres œuvres. Le but est de saisir l’importance historique de l’œuvre et son évolution artistique. Il est important de la situer dans son contexte chronologique : est-ce une pièce de la Renaissance, du Baroque, du Romantisme, de l’Art moderne ? On va par ailleurs apprécier les innovations artistiques de l’époque, les mouvements artistiques dominants et les réactions à des événements historiques.

Enfin, il faut comparer les prix des différentes œuvres. Que vous envisagiez d’acheter ou que vous souhaitiez simplement apprécier leur valeur, c’est impératif : en effet, le prix peut varier énormément selon la renommée de l’artiste, la rareté de l’œuvre, son état de conservation, la demande du marché. Comparer les prix d’œuvres similaires, c’est évaluer si le coût d’une œuvre spécifique est raisonnable, surévalué ou sous-évalué.

Scruter les ventes aux enchères

C’est un autre temps de cette fascinante investigation : décrypter les résultats de ventes aux enchères d’œuvres d’art du même artiste, c’est avoir un aperçu précieux de l’évolution de sa valeur artistique et financière. Cette analyse des ventes aux enchères peut être abordée sous plusieurs angles.

L’évolution des prix au fil du temps

Il s’agit d’examiner les résultats de ventes aux enchères d’œuvres d’art d’un artiste sur une période étendue ; on peut alors observer comment la valeur de son travail a évolué. On notera les tendances de croissance ou de décroissance des prix, les moments clés où la valeur de l’artiste a atteint de nouveaux sommets.

Les facteurs influençant la valeur

Cette même analyse révélera les facteurs qui ont influencé la valeur des œuvres d’art : des facteurs intrinsèques, tels que des évolutions stylistiques, des innovations techniques ; des facteurs extrinsèques, comme des expositions majeures, des critiques élogieuses, voire la renommée personnelle de l’artiste.

Les variations entre différents types d’œuvres

Il faut aussi tenir compte de la diversité des œuvres d’art créées par l’artiste. Certaines catégories, comme les peintures, les sculptures, les estampes ou les photographies, peuvent connaître des variations de prix significatives. L’analyse comparative entre ces différentes catégories fournit des informations essentielles sur les préférences des acheteurs.

Le marché géographique

Les résultats des ventes aux enchères peuvent également varier en fonction de la région où elles ont lieu. Les œuvres d’un artiste peuvent se vendre à des prix différents à New York, Paris ou Hong Kong. Comprendre ces variations géographiques aide à cibler efficacement le marché de l’art.

Le contexte historique et social

Il ne faut surtout pas le négliger : les mouvements artistiques, les changements de goût, ou les événements historiques peuvent avoir un impact sur la demande et la valeur des œuvres d’art.

L’investissement artistique

L’analyse des résultats des ventes aux enchères peut également être utilisée pour évaluer la viabilité d’un investissement dans l’art de cet artiste. Les tendances passées peuvent donner des indications sur la potentialité de croissance future de la valeur de ses œuvres.

Tenir compte des tendances du marché de l’art

C’est un véritable baromètre pour les créateurs, les collectionneurs, les galeristes et les investisseurs. Il reflète non seulement les goûts et les préoccupations de la société tout en offrant des opportunités financières significatives. Bref, on ne peut pas évaluer la côte d’un artiste sans inclure ce paramètre crucial… et en constante évolution. Voici quelques points clés à considérer pour en déchiffrer les mutations, les tendances phares qui se détachent.

• L’art contemporain : Il est en vogue, avec de nombreuses galeries et musées mettant en avant de jeunes artistes. L’expérimentation et la transgression des normes artistiques sont encouragées. Les artistes issus de différentes cultures et régions du monde gagnent en visibilité. Les œuvres d’art contemporaines reflètent la richesse de la diversité culturelle, et cela se traduit par une plus grande variété de styles, de médiums et de sujets artistiques.
• L’art numérique et l’innovation technologique : Les avancées technologiques, telles que l’IA et la réalité virtuelle, sont de plus en plus utilisées dans l’art pour créer des expériences immersives uniques. Les œuvres d’art numérique, y compris les NFT (jetons non fongibles), sont de plus en plus populaires. Cette technologie permet aux artistes de vendre leurs créations en ligne et aux collectionneurs d’investir dans des œuvres numériques uniques. Quant aux plateformes en ligne, elles se multiplient, permettant aux amateurs d’art d’acheter, de vendre et de découvrir des œuvres sans avoir à se rendre dans une galerie physique. La pandémie de COVID-19 a accéléré cette tendance qui ne cesse de croître.
• La durabilité et la conscience sociale : L’art écoresponsable gagne en importance, avec des artistes utilisant des matériaux recyclés ou issus de sources durables. L’art engagé politiquement ou socialement est de plus en plus courant, reflétant les préoccupations de la société.
• L’expansion des marchés asiatique et africain : Les acheteurs asiatiques, en particulier chinois, ont un impact de plus en plus important sur le marché de l’art. Les œuvres d’art asiatiques, anciennes et contemporaines, sont très demandées. Idem pour les artistes originaires d’Afrique qui, de plus en plus, captent l’attention des collectionneurs, des galeries, des musées.
• L’éducation et la sensibilisation : Les amateurs d’art veulent se former, ils recherchent de plus en plus d’informations sur les artistes, les techniques et les courants artistiques. L’éducation et la sensibilisation sont donc des éléments clés du marché. Par ailleurs, la traçabilité et l’authenticité des œuvres d’art sont devenues des préoccupations majeures, en particulier dans le contexte croissant des contrefaçons.

Examiner l’œuvre d’art, la comparer avec d’autres, scruter les ventes aux enchères, observer les tendances du marché de l’art : voici les quatre piliers qui déterminent la cotation d’un artiste, la valeur d’une œuvre. C’est un véritable apprentissage, qui prend du temps, qui exige de la rigueur, de la passion également.

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Ce n’est pas la première fois que nous abordons ce délicat sujet. Documentaires, ouvrages, la question est vaste : « en quoi réside la valeur d’une œuvre ? » est une préoccupation esthétique, philosophique, émotionnelle … et économique. À la clé, la cotation de l’artiste, à savoir ce que ses œuvres valent financièrement. Mais encore ? De quoi s’agit-il ? Pourquoi est-ce si important ? Qui participe de cette évaluation ? En quoi est-ce si fragile ?

Les avantages d’une cote en hausse

La cote d’un artiste se réfère à la valeur perçue de son travail sur le marché de l’art. Cette valeur est souvent mesurée en termes monétaires : on se fonde sur le prix auquel ses œuvres se vendent. Ce dernier sert de baromètre aussi bien aux artistes qu’aux collectionneurs, galeristes, spécialistes, directeurs de musée et autres professionnels du marché de l’art. Avoir une cote en hausse, c’est profiter de plusieurs avantages non négligeables.

• Cela va permettre à l’artiste de vendre ses œuvres à des prix plus forts. Cela a donc un impact direct sur ses revenus, l’opportunité de gagner sa vie grâce à son art. C’est également une manne pour le galeriste qui a misé sur lui, l’agent qui l’a propulsé sur le devant de la scène ; ces professionnels voient leur commission croître, leur flair en matière de repérage de talent reconnu.
• L’artiste dont la cote est en hausse attire l’intérêt, la curiosité. Pour les collectionneurs et les investisseurs, c’est un indicateur de la rentabilité potentielle de l’achat d’une de ses œuvres, qui pourrait prendre de la valeur au fil du temps (soit une belle plus-value, en cas de revente).
• L’artiste coté est alors invité à des expositions, des résidences artistiques, des collaborations, et d’autres opportunités qui peuvent stimuler sa carrière. Il devient visible, une source d’intérêt, un aimant à public. Les visiteurs se pressent dans ses expositions.
• S’il perdure (attention, les variations de cote sont fluctuantes, au fil des mutations des tendances du marché de l’art, on peut perdre en intérêt) il devient une référence. Cela suscite l’attention prolongée des acteurs du milieu artistique, des biennales, des acheteurs.
• Plus elle monte, plus la cote de l’artiste va contribuer à la préservation de la valeur de ses œuvres sur le marché secondaire. En d’autres termes, ses créations vont conserver leur valeur au fil du temps.
• On considère généralement qu’un artiste dont la cote demeure élevée a produit des œuvres d’une grande valeur artistique et culturelle. Sa cote influence alors la perception de son importance dans l’histoire de l’art, la façon dont son travail est étudié et préservé pour les générations futures.

Attention : la cote d’un artiste n’est pas nécessairement liée à la qualité intrinsèque de son travail, car le monde de l’art est influencé par des éléments subjectifs et changeants. Certaines œuvres d’art peuvent devenir très précieuses avec le temps, tandis que d’autres peuvent gagner très rapidement de la valeur (il suffit d’avoir été repéré et chroniqué par un critique important, un collectionneur réputé) et la perdre tout aussi rapidement.

Cotation et fluctuations du marché de l’art

C’est que le marché de l’art peut s’avérer très changeant, variant d’une région à l’autre, de pays à pays, de période à période. Il faut bien sûr compter avec ces artistes émergents qui gagnent en notoriété, des styles artistiques qui évoluent au fil du temps. Mais ce secteur est aussi influencé par d’autres facteurs, l’économie, les tendances artistiques, les événements culturels, les avancées technologiques, les conflits, les crises sociales et politiques. Voici quelques tendances qui ont été observées dans les années précédentes, et qui vont vous donner une petite idée de sa stabilité et/ou de sa grande volatilité.

• La pandémie de COVID-19 a eu un impact significatif sur le marché de l’art, avec des annulations d’événements et des fermetures de galeries. Cependant, la digitalisation a permis de maintenir une certaine activité.
• Cette digitalisation a eu un impact croissant, avec la montée des ventes en ligne, les NFT (jetons non fongibles) pour les œuvres d’art numériques, et la numérisation des galeries et des musées. Pourtant, on constate récemment une chute du prix des œuvres digitalisées. Leur valeur s’effondre.
• Les foires d’art internationales continuent d’être des plateformes importantes pour la vente d’œuvres d’art. Art Basel, Frieze, et d’autres événements similaires attirent des collectionneurs du monde entier, et constituent des places d’échange particulièrement fructueuses.
• Il faut également tenir compte de l’ouverture de nouveaux horizons. Certains marchés, tels que la Chine et les pays du Moyen-Orient, sont extrêmement actifs sur la scène internationale de l’art. En témoigne la traduction des sites des grandes galeries en chinois et en arabe.
• Les préoccupations environnementales sont de plus en plus importantes. Elles conduisent à une réflexion sur la durabilité dans le marché de l’art, avec un intérêt croissant pour les artistes et les œuvres d’art axés sur ce sujet.

Qui détermine la cote d’un artiste ?

Clairement, la cotation d’un artiste est tributaire de ces paramètres, on ne peut plus changeants. Elle dépend aussi des différents acteurs concrets qui interviennent dans ce processus. Voici quelques-uns des professionnels qui interagissent et jouent un rôle clé dans cette alchimie.

• Les commissaires-priseurs et les maisons aux enchères : les commissaires-priseurs sont souvent impliqués dans la fixation des prix des œuvres d’art lors des ventes aux enchères. Leur expertise contribue donc à déterminer la valeur des œuvres d’un artiste. Les grandes maisons de ventes aux enchères, Sotheby’s et Christie’s en tête, ont également un impact significatif sur le marché de l’art. Être vendu dans un de ces prestigieux établissements, c’est la preuve qu’on est très haut coté.
• Les galeristes : Les galeristes représentent généralement des artistes. Ils jouent un rôle essentiel dans la promotion et la vente des œuvres d’art d’un talent, ce qui peut influencer sa cote sur le marché.
• Les marchands d’art : Les marchands d’art sont des intermédiaires qui achètent et vendent des œuvres d’art au nom des artistes ou des collectionneurs. Leur connaissance du marché de l’art peut influencer la cote d’un artiste.
• Les critiques d’art : Les critiques d’art et les journalistes spécialisés dans l’art peuvent influencer la perception d’un artiste par le public et les collectionneurs. Leurs critiques et leurs articles peuvent aider à façonner la réputation d’un artiste.
• Les historiens de l’art : Les historiens de l’art sont des experts en histoire de l’art qui étudient et analysent le travail des artistes. Leurs recherches et leurs publications peuvent contribuer à la reconnaissance et à la cote d’un artiste.
• Les collectionneurs d’art : Les collectionneurs d’art, en particulier ceux qui ont une grande renommée ou des collections importantes, peuvent influencer la demande et la valeur des œuvres d’un artiste en les acquérant et en les exposant.
• Les experts en authenticité : Les experts en authenticité veillent à ce que les œuvres attribuées à un artiste soient authentiques. Leur certification peut avoir un impact majeur sur la valeur d’une œuvre d’art.
• Le marché de l’art en ligne : Les plateformes en ligne où les œuvres d’art sont vendues et achetées peuvent également avoir un impact sur la cote d’un artiste, en fonction de la demande générée par les collectionneurs en ligne. On cite Artprice qui s’est positionné en leader sur ce marché, France-estimation.fr, Drouot.com, on trouve désormais des outsiders comme Estimon’objet.

C’est un très rapide tour de piste, j’en conviens, une vision express : le sujet est autrement plus complexe, plus riche, détaillé par des médias spécialisés. Aussi, cet article doit être perçu comme une base, un premier contact nécessaire pour ceux qui désirent vendre leurs œuvres (il y en a beaucoup parmi nos lecteurs), vendre des œuvres qu’ils possèdent, ou se lancer dans l’achat d’œuvres. Il convient cependant de toujours se poser cette question fondatrice : achetez-vous une œuvre parce que vous voulez réaliser un investissement ou parce qu’elle vous plait, elle vous parle ?

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