Les Guerres de Religion, mais encore ? De 1562 à 1598, elles s’enchaînent pour noyer le royaume de France dans le sang. Huit conflits, qui opposent les clans ultra-catholique et huguenot dans une lutte fratricide et meurtrière. À l’arrière-plan, les puissances étrangères, Espagne et Angleterre, financent chaque parti. Objectifs :

• bousiller le clan adverse ;
• terrasser le régime des Valois ;
• leur prendre la couronne ;
• régner.

Un programme shakespearien, non ? Et tant pis pour les victimes, qu’on a encore aujourd’hui du mal à évaluer : entre 16 et 18 millions de morts ? Quant à la santé économique du pays, après quarante ans de combats, il est en ruines, au propre et au figuré. Il faut tout reconstruire, relancer agriculture, commerce, finance… Une catastrophe qui laissera de multiples cicatrices dans les corps, les corps et les âmes. Moins dans les cours d’Histoire : progressivement, l’évocation de ces années funestes est réduite à néant. Pourtant, la mémoire demeure, sur grand écran notamment.

Films et séries traitent du sujet, pas toujours avec exactitude, loin de là. Dans toute cette production, souvent adaptée de romans (ainsi La princesse de Montpensier de Bertrand tavernier d’après Mme de Lafayette), il faut savoir faire le tri, pour conserver ce qui s’avère le plus véridique, le plus juste, le mieux joué. Voici notre petite sélection, non exhaustive bien sûr, mais déjà très éclairante, que nous tentons de classer en fonction de la chronologie des événements. Ou comment le 7^e art se souvient des Guerres de religion.

Le serment d’Amboise, Agrippa D’Aubigné – 1967

Le serment d’Amboise n’aurait pas eu lieu sans la conjuration du même nom, encore moins sans sa terrible répression. Tous les membres de ce complot, protestants, furent soit décapités, soit pendus aux balcons du château du même nom. C’est en passant sous ces grappes de corps en décomposition qu’un seigneur huguenot dit jurer à son fils de venger ces gens. Ce petit garçon s’appelait Agrippa d’Aubigné, et il allait devenir l’un des proches d’Henri de Navarre, futur Henri IV, mais aussi un combattant protestant acharné, par le fer et par la plume. Nous lui devons notamment Les Tragiques, où ce poète incontournable de la littérature française, revient sur l’horreur des guerres de religion, la folie fratricide à l’œuvre.

C’est cette lente gestation de l’homme de lettres au travers de l’homme de guerre que raconte le film Le serment d’Amboise, Agrippa D’Aubigné réalisé par Olivier Ricard en 1967 avec Jean-Pierre Kalfon dans le rôle titre. Outre une interprétation sans faute, ce téléfilm en noir et blanc a plusieurs mérites :

• Poser un cadre précis sans être trop strict
• Mettre en évidence les enjeux alors à l’œuvre dans ces luttes intestines ;
• Donner à voir les conflits intérieurs, les consciences déchirées, les passions qui animaient ces gens pris dans une tourmente qui les dépasse.
• C’est aussi l’occasion de découvrir que les Guerres de religion ne se résument pas au massacre de la Saint-Barthélémy.

Saint Germain ou la négociation – Gérard Corbiau – 2003

Autre pépite à savourer sans aucune modération tant elle est remarquablement façonnée et interprétée, Saint Germain ou la négociation de Gérard Corbiau, adaptée du livre de Francis Walder, nous entraîne dans les coulisses des tractations diplomatiques entre protestants et catholiques pour mettre un terme à la 3^e guerre de religion. Nous sommes en 1572, les caisses sont vides, l’ennemi étranger menace les frontières, il faut arrêter le conflit. Mais comment ? Hors de question de lâcher quoi que ce soit aux protestants, la reine Catherine de Médicis, qui gouverne via son fils Charles IX, est formelle. Malassise, son négociateur, a des ordres ; fin stratège, excellent diplomate, il va obéir et aboutir. Donner l’impression de céder quand en fait, il ne donne rien. Gagner du temps. Et pendant ce temps gagné, on ourdit le prochain massacre dans l’ombre.

Cette heure et demie de récit passionnant sonne comme une véritable leçon de politique… et d’humanité. Car Malassise, magnifiquement interprété par un Jean Rochefort maniant à la perfection l’ironie et l’émotion, petit à petit, découvre ceux avec qui il dialogue, notamment Mr de Melynes, Didier Sandre suave et précieux. Tenu d’obéir à son roi, Malassises va pourtant se découvrir des affinités avec ces protestants qui ne sont pas forcément des ennemis. Ce film est une réussite, quant à l’évocation du climat régnant alors, des mentalités. On notera la prestation éclatante de Marie-Christine Barraud en Catherine de Médicis froide, calculatrice et cynique.

Catherine de Médicis – Yves-André Hubert – 1989

Catherine de Médicis, justement. Incontournable, ancrée dans ces guerres qu’elle cherche à éviter. Le film d’Yves-André Hubert, inspiré par l’exemplaire biographie de Jean Orieux, évoque le rôle de cette souveraine particulièrement manipulatrice, principalement à partir de la Saint-Barthélémy. Lettrée, rusée, pleine d’humour, psychologue, c’est Alice Sapritch qui prête ses traits et sa voix à la Florentine. Et son interprétation est magistrale.

Passant de la complaisance à la dureté, l’actrice donne à voir une logique de gouvernement, un bon sens pratique, une perception hors normes des passions humaines. Tandis qu’elle marche inéluctablement à la mort, nous la voyons s’accrocher au pouvoir, tenter de ménager les deux camps, pour sauvegarder la place de sa lignée sur le trône. Face à elle, d’abord Coligny (Simon Eine) et ses huguenots obsédés par la guerre contre l’Espagne, puis les Guise, princes lorrains assoiffés de pouvoir, enfin son propre fils, Henri III, bien décidé à gouverner sans elle. Et comme un fil directeur, la peur de Saint-Germain, où on lui a prédit qu’elle mourrait.

La reine Margot – Patrice Chéreau -1994

Une époque pareille, Alexandre Dumas père ne pouvait passer à côté. C’est ainsi que le romancier écrit La reine Margot en 1845. Il y évoque les amours tumultueuses d’une des filles de Catherine de Médicis, Marguerite de Valois. Incestueuse, volage, collectionnant les amants, elle est mariée de force avec Henri de Navarre en 1572, dans le cadre d’une enième réconciliation qui va engendrer le massacre de la Saint-Barthélémy. Plusieurs cinéastes se sont emparés de ce récit, mais Patrice Chéreau lui va en faire un chef-d’œuvre magistral.

Isabelle Adjani, Vincent Pérez, Dominique Blanc, Jean-Hugues Anglade, Daniel Auteuil, Pascal Greggory, Virna Lisi, Jean-Claude Brialy, Miguel Bosé, le casting est aussi glorieux que les costumes, les décors, la musique, le travail de la photographie et des lumières, le rythme des séquences. Décrivant ni plus ni moins qu’une famille de mafieux corrompus et perverse dirigée d’une main de fer par une Catherine de Médicis aux allures de vampire, Chéreau donne à percevoir une atmosphère tisée d’horreur, d’angoisse et de suspicion. Sa vision du massacre, cette sensation d’enfermement, cette violence larvée, même si ce fut romancé par Dumas, tout cela sonne très juste, exhale l’esprit cannibale de cette période.

L’assassinat du Duc de Guise – La Caméra explore le temps – 1960

Trop avide, trop nonchalant, le Duc de Guise, grand chef de la Ligue catholique, va progressivement s’imposer comme le principal opposant au pouvoir en place. En 1588, il menace directement Henri III, reclus dans le château de Blois. Henri III qui, sous son apparente mollesse, est bien décidé à en finir. Nous sommes le 23 décembre 1588, et Henri de Guise n’a plus que quelques heures à vivre.

Ce sont les différentes étapes de son exécution que relate Guy Lessertisseur dans L’assassinat du duc de Guise, avec un sens du tempo assez prenant. Au scénario, comme il se doit pour La caméra expore le temps, les historiens André Castellot et Alain Decaux ainsi que le producteur Stellio Lorenzi. Devant la caméra, dans des décors somptueux refaits à l’identique, nous voyons jouter Georges Descrières en Guise et François Maistre en Henri III. Il faut bien admettre que la confrontation, collant au plus juste du timing établi par le roi pour mettre son dangereux rival à mort, fait frémir. Elle est aussi pertinente qui éclaire le concept de nation : Henri III veut à tout prix préserver la France des influences étrangères, en préserver la souveraineté qu’il sait menacée par les accointances de Guise avec l’Espagne. C’est un point absolument essentiel.

L’assassinat d’Henri IV

C’est le dernier acte de cette tragédie qui n’en finit plus d’endeuiller la France. Nous sommes en 1610, le royaume est en paix depuis 1598 et l’avènement d’Henri de Navarre. Henri IV s’est marié, a eu des enfants ; le pays va mieux, l’Édit de Nantes a ramené la concorde enter les partis religieux. Le roi, pourtant, s’apprête à partir en guerre contre l’Espagne, quand, le 14 mai 1610, il est poignardé par François Ravaillac. Le geste fou d’un fanatique isolé… ou un enième complot ?

Pour en savoir plus, on peut visionner « Qui a tué Henri IV ? » par Stellio Lorenzi, un épisode de La caméra explore le temps daté de 1960 ainsi que le plus récent Ce jour-là, tout a changé – L’assassinat d’Henri IV tourné par de Jacques Malaterre en 2009. Le premier se concentre sur cette ultime journée avec ses signes, ses revirements, son suspense. Le second intercale les différents épisodes de cette montée à la mort avec des flashbacks sur la prise de pouvoir d’Henri IV, ses enjeux diplomatiques, politiques, religieux. Les deux versions se complètent harmonieusement avec en prime des distributions soignées, une réalisation d’excellence.

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On ne présente plus le roman Le Comte de Monte-Cristo, le chef d’oeuvre d’Alexandre Dumas, encore moins ses nombreuses adaptations dramatiques, radiophoniques, cinématographiques. Dans cet ensemble particulièrement fourni, la série télévisée réalisée en 1979 par Denys de La Patellière se distingue en soulignant un aspect inédit d’Edmond Dantès : son côté super-héros.

Le destin funeste d’un jeune marin

C’est ce qui ressort du visionnage pour le moins prenant de ces quatre épisodes menés tambour battant afin de raconter le destin funeste d’un jeune marin qui n’avait rien demandé, à qui on va tout voler, et qui va se venger sans pitié aucune. Sans pitié mais avec une élégance raffinée, une noblesse innée qui justifie de loin le titre factice dont il se pare, bien plus que ces aristocrates malfaisants, ces parvenus ignobles qui ont démoli sa vie.

Sa vie, Edmond Dantès était censé la passer à naviguer comme capitaine sur des bateaux de commerce, à vivre au côté de son vieux père et de la belle Mercédès, son amour. Tout semblait clair, établi, une marche réglée vers un bonheur simple, car honnête. Mais la jalousie va perdre ce garçon trop intègre, qui se retrouve dénoncé comme agent bonapartiste. Nous sommes au temps de la Restauration et il ne fait pas bon soutenir l’empereur déchu.

Une intrigue complexe

Même s’il n’a en rien trempé dans une tentative de putsch, Dantès est incarcéré au secret au château d’If. Il lui faudra des années pour s’en évader, avec l’aide d’un compagnon de captivité, des années encore pour retrouver ceux qui l’ont perdu. Puis, il frappera, froid et méthodique, en véritable ange vengeur, bras armé de l’équité divine. C’est du moins ce qu’il pense être. Ce qui ne l’empêche guère du reste de se montrer aussi retors et manipulateur dans cette vendetta sublime.

Cette adaptation portée par un Jacques Weber totalement habité par son personnage, qui combine à la perfection émotion, intériorité et froideur, est très fidèle au texte de Dumas. Elle met en évidence la complexité de l’intrigue, les détours tortueux empruntés par le héros pour arriver à ses fins, sa volonté de fer, cette obsession de châtier ses bourreaux à hauteur de leurs méfaits et de récompenser les justes qui ont tenté de le protéger.

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Alambiquée, implacable et spectaculaire, la vengeance de Dantès, comte de Monte-Cristo, prend des allures de purge : outre la punition de malfaisants, c’est un monde corrompu et destructeur qu’il convient de purifier. Capable de séduire ses ennemis comme de les terroriser, se cachant sous de multiples identités, apparaissant et disparaissent comme par magie, Dantès, revenu d’entre les morts, donne l’impression de posséder des dons surnaturels. Cela parachève ce profil hors du commun, probablement le premier super-héros moderne.

Et plus si affinités :

La série Le Comte de Monte-Cristo est disponible :

En VOD sur

Madelen, la plateforme VoD de l’INA

En DVD sur 

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27 juillet : gong de fin pour le festival d’Avignon 2022, et signal du retour sur Paris pour la team d’Opsis TV. Nous étions partis pour faire un point sur les spectacles captés durant ces deux semaines de théâtre intensément vivant  assorti d’interviews et autres rencontres… sauf qu’en visitant la plateforme, nous sommes tombés sur Signé Dumas. Que nous avons visionné. Que nous avons adoré ! Et pour cause !

Dumas et Maquet

Écrite par Cyril Gely et Eric Rouquette, mise en scène par Tristan Petitgirard, la pièce Signé Dumas se situe dans le bureau d’Alexandre Dumas, niché dans cet adorable château d’If que nous avons tant admiré en visitant le parc du château de Monte-Cristo. D’un coup, d’un seul, nous avons vu Dumas prendre corps devant nous, s’animer dans ce décor qu’il avait tout spécialement conçu pour y écrire. Pour y écrire ? C’est justement là la question et le problème.

Car dans cette salle d’inspiration gothique et orientaliste, on trouve aussi Auguste Maquet. Le secrétaire de Dumas ? Son bras-droit ? Son collaborateur ? Ou celui qui rédige à sa place pendant que le célèbre auteur se roule dans le foin avec de complaisantes femmes d’aubergistes ? Jusque-là, le binôme fonctionnait à merveille, mais quand tombe la première réplique de ce spectacle particulièrement prenant, nous sommes en 1848 et Louis-Philippe vient de fuir face à la colère de la populace.

Un affrontement d’une violence incroyable

Reclus dans son havre de paix rédactionnel, Dumas l’éclatant, le bon vivant, le sanguin, apprend la nouvelle avec effarement, avant de décider d’en être. Il dicte alors un message à Maquet : une lettre adressée à tous les Français où il soutient ouvertement la duchesse d’Orléans, potentielle repreneuse de la couronne déchue, avec dans l’idée d’hériter d’un portefeuille de ministre. Et là, un fait incroyable : Maquet refuse de finir cette missive, dont il redoute les funestes retombées dans ce climat insurrectionnel.

Maquet, jusqu’à présent obéissant, docile sous les moqueries et les critiques de son imposant patron, lui prêtant de l’argent, même s’il sait le caractère dépensier de ce panier percé… Maquet se rebelle. Et Dumas se prend ce refus en pleine face, tel un soufflet. Commence alors un affrontement d’une violence incroyable, où la question de la propriété intellectuelle d’une œuvre s’impose comme un moyen de pression, où chacun va tenter de déstabiliser l’autre, par le bon sens, par l’affect, par la menace. Aucun n’en sortira grandi et le répertoire du grand Dumas nous apparaît progressivement sous un jour nouveau beaucoup moins chevaleresque.

Un face à face drôle mais cruel

Car l’histoire ici racontée est vraie, et aujourd’hui encore, on ne sait lequel des deux a enfanté tous ces titres emblématiques de la littérature française. La passe d’arme verbale entre ces deux duellistes révèle des visages peu amènes, un grand auteur en perte de vitesse qui veut continuer à briller malgré tout, un rédacteur de l’ombre qui mise sur un nom fameux pour enraciner sa carrière dans son ombre et s’y enrichir en secret. Lequel des deux est le père de tous ces ouvrages ? Celui qui pense le schéma global ou celui qui le couche sur le papier ? Celui qui signe ou celui qui rédige ? Les deux peut-être, qui ne font qu’un ? Mais quand ils se désolidarisent, qu’en est-il de l’avenir ?

Le conflit était pourtant latent ; mais c’est la déraison grandiloquente de Dumas qui met le feu aux poudres. Pour interpréter cet ouragan, Xavier Lemaire, incroyable de présence, de vibration, glorieux par les mots, charmeur, manipulateur, insultant, égocentrique, écrasant, parfait dans ce rôle d’idole menacée, outragée, dévoratrice. Face à lui, Dany Sardou, son antithèse complète, discret, effacé, inféodé en apparence, mais pétri de bon sens, raisonnable, logique, visionnaire, décidé, ne reculant pas d’un pouce. Un bourreau de travail, un excellent stratège, homme d’affaires redoutable sous ses airs de timide. Le face à face sera mémorable, drôle parfois, cruel et sans pitié, inexorable.

Et plus si affinités

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Direction Port Marly pour y découvrir ce jour le château de Monte-Cristo, la superbe demeure d’Alexandre Dumas. Kean, Les Trois mousquetaires, Alexandre Dumas est au sommet de sa gloire et de sa fortune quand il décide de faire construire un havre de paix à sa dé-mesure. Inspiré par le style Renaissance, le château de Monte-Cristo est pensé pour accueillir famille et amis dans un cadre à la fois confortable, intimiste et romanesque. Un cadre à l’image du propriétaire des lieux, bon vivant par nature et fantasque par goût. Un cadre qui reflète son univers littéraire comme l’atmosphère de ses œuvres.

Une merveille qui a failli disparaître

Autour de la bâtisse aux allures de palais du XVIe siècle, un parc à l’anglaise où grottes et fontaines permettent de se rafraîchir dans l’ombre des frondaisons. Un théâtre de verdure, un jardin à l’orientale et un peu plus haut, le château d’If, où Dumas s’enferme pour écrire, car il faut produire du texte pour faire rentrer l’argent afin de payer cette merveille. Or cette merveille coûte cher, et Dumas y engloutit un peu plus ce qui lui reste de finances, déjà dilapidée en multiples projets (salle de théâtre, journaux…).

C’est ainsi que le célèbre romancier fera banqueroute. Et le château de Monte-Cristo a bien failli disparaître dans la catastrophe. Racheté, ses propriétaires peineront à entretenir l’ensemble du domaine qui était à deux doigts d’être rasé, quand, dans les années 70, les adeptes de Dumas s’insurgèrent, avec à leur tête un Alain Decaux particulièrement motivé. Le permis de construction convoité par les promoteurs immobilier fut suspendu à temps, ce qui restait du château sauvé in extremis de la démolition.

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Dumas présent dans chaque recoin

Aujourd’hui restauré, le château de Monte-Cristo donne à voir ce que fut la carrière de Dumas père, dont la présence règne toujours sur ces lieux enchantés où il fait bon se promener. Certes, le mobilier superbe, les objets d’art, les collections de l’écrivain sont perdus, disséminés au gré des ventes aux enchères, mais les pièces, les volumes, l’agencement global sont là, de même le somptueux salon oriental où le maître de maison aimait à rêver. Présent dans chaque recoin, Dumas imperceptiblement, nous communique sa fougue.

Difficile de parcourir l’endroit sans avoir soudain envie de relire les ouvrages de cet aventurier de la littérature, de replonger dans les pages de La reine Margot, Joseph Balsamo ou Les Quarante-Cinq. Difficile de contempler la salle de travail du château d’If sans vouloir en savoir plus sur ce personnage hors normes, incarnation de l’homme de lettres à succès, porté par la passion du romantisme à la française afin d’accoucher d’œuvres qui deviendront incontournables à l’échelle internationale, et qui aujourd’hui encore font le bonheur des lecteurs de tout âge.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site du château de Monte-Cristo.

Et n’hésitez pas à feuilleter notre album de photos souvenirs.

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C’est dit, annoncé, relayé, encensé : le 30 novembre 2021, Joséphine Baker entrera au Panthéon … et par la grande porte. Hommage plus que mérité pour cette femme combative et investie, qui s’impliquera dans la résistance avec courage et abnégation, luttera contre le racisme, la tyrannie, l’intolérance sa vie durant. Un honneur amplement mérité, une reconnaissance nationale riche de significations à différents points de vue. Et de questionnements multiples. Explications.

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La première femme de couleur à entrer au Panthéon

La décision a été prise durant l’été par le président Macron : Joséphine Baker sera la première femme noire à rejoindre la crypte des Grands Hommes (il était temps), histoire de grossir le groupe des 5 dames qui y reposent déjà, j’ai nommé Sophie Berthelot, Marie Curie, Germaine Tillion, Geneviève de Gaulle – Anthonioz, Simone Veil. Et de compléter  parmi les 75 membres masculins de cette prestigieuse assemblée, la maigre délégation des personnes de couleur, Alexandre Dumas, Félix Eboué, et les mannes de Toussaint Louverture, général franco-haïtien qui combattit l’esclavage, ou Aimé Césaire, poète de la négritude (dont les restes sont demeurés à sa demande aux Antilles), honorés par des plaques commémoratives (eh oui, on peut intégrer le Panthéon par inscription interposée, en témoignent les quelque mille noms gravés sur les murs, auteurs morts au combat, Justes, généraux prestigieux …).

Cela faisait déjà un certain temps que l’idée courait, défendue par des fans inconditionnels : une première pétition drivée par Régis Debray en 2013 avait rassemblé 38 000 signatures, reprise en 2019 par celle de Laurent Kupferman. Le “conseiller mémoire” du président Macron,  Bruno Roger-Petit, a remis le sujet sur le tapis par la grâce du collectif “Osez Joséphine Baker !” avec à l’appui des voix célèbres comme celle du fils adoptif de l’artiste, Brian Bouillon-Baker, ou du chanteur Laurent Voulzy. Un forcing productif qui tient du lobbying : l’assentiment du chef d’état a été assorti d’un gracieux “ ça a de la gueule » (cf Libération) qui n’aurait pas forcément déplu à la meneuse de revue dont le côté direct était proverbial. Panthéonisation validée donc, avec son lot de significations fortes, inscrites dans une tradition républicaine bien spécifique.

Le Panthéon : un symbole patriotique fort

Pour bien comprendre la chose, il faut une grille de lecture … qui s’enracine dans l’histoire du monument. Commanditée par Louis XV, l’église construite par Germain Soufflot dans un style néo-classique très prisé à l’époque (et un brin inspiré par le Panthéon de Rome) était initialement vouée à accueillir les restes de Sainte Geneviève, protectrice attitrée de la capitale, et éventuellement les dépouilles de la famille des Bourbons, d’où la superficie de la crypte, dont les trois quarts sont toujours inoccupés (ce qui laisse de la place pour accueillir bien d’autres héros, on pense par exemple aux membres du groupe Manouchian assassinés par les nazis). Nous sommes en 1764 ; arrivent 1789, la Révolution française, la chute progressive de la monarchie, l’An I de la République qui se profile.

Un régime politique en pleine mutation, qui a besoin de symboles patriotiques forts pour fédérer la population et marquer sa légitimité. Il faut bien proposer une alternative au profil du monarque absolu, décrété de droit divin. 1791 : l’Assemblée décrète en fanfare le changement de statut de l’église Sainte Geneviève, dorénavant destinée à accueillir la dépouille des grands chantres et héros de l’esprit révolutionnaire dans un véritable processus de déification républicaine : Mirabeau, Voltaire, Rousseau, Marat …. Finalité : créer un pendant à la grande nécropole royale de Saint Denis, qui sera du reste saccagée en 1792, pour récupérer le métal des cercueils et en faire des canons (les restes seront vidés dans une fosse commune). Le pli est pris, le Panthéon continuera d’accueillir les Grands Hommes sous Napoléon Ier qui récompense ainsi feu ses serviteurs les plus dévoués.

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Panthéoniser n’est jamais neutre

La Restauration monarchique conserve le principe tout en l’atténuant, restituant au monument sa fonction religieuse initiale. Idem sous Napoléon III. La IIIeme République relance le processus en 1885 avec l’intronisation magistrale de Victor Hugo (grand opposant du Second Empire, dixit Les Châtiments et le vers célèbre « Et s’il n’en reste qu’un, je serai celui-là« ) et un décret officiel des plus clairs, stipulant noir sur blanc que “les restes des grands hommes qui ont mérité la reconnaissance nationale” reposeront de facto dans les souterrains du Panthéon. Les grands hommes : politiciens, militaires, auteurs, scientifiques, résistants, des figures exemplaires qui incarnent les valeurs inscrites dans la Constitution, qui ont servi la France par leurs actions, leurs combats, parfois jusqu’à la mort (dixit Jean Jaurès, Jean Moulin ou Pierre Brossolette). Panthéoniser n’est donc jamais futile, encore moins neutre. 

Fait du prince, qu’il soit roi, empereur ou président, la décision est porteuse de sens, puisqu’il s’agit de mettre en lumière ce qui fait l’exception des valeurs françaises … et l’orientation du pouvoir en place. A ce titre, il est intéressant de considérer ceux qui ont été exclus du Temple de la Nation après y avoir été installés en grandes pompes : Mirabeau, viré du saint des saints quand on découvrit combien il était corrompu … ou Marat, dépanthéonisé le 8 février 1795 après avoir été installé six mois auparavant dans un des blancs sépulcres le 21 septembre 1794. Prétexte officiellement invoqué : un citoyen ne peut rallier le club sélect du Panthéon que dix ans après son décès. Officieusement, la violence extrême du révolutionnaire, ses incessants appels au massacre, son influence sur le peuple … autant de facteurs devenus embarrassants.

Panthéon médiatique : y entrer … ou pas ?

C’est que se sont enchaînées coup sur coup la chute de Robespierre, la fin de la Terreur, la Convention thermidorienne. Marat n’est plus en odeur de sainteté patriotique dans un pays en quête de réconciliation, sinon d’oubli. Traduction : on panthéonise ou pas pour le service de l’Etat, afin de porter une ligne politique définie. Car la cérémonie est ultra-codifiée. Validé par un décret, organisé par le ministre de la culture, le rituel implique la remontée de la rue Soufflot, le discours du président, l’entrée du corps dans le bâtiment, la mise au tombeau … sans compter des préparatifs étalés sur deux mois ou plus, avec la paperasse nécessaire à l’exhumation du corps, son transport, le marquage et la sécurisation du parcours, la gestion des invitations, la couverture presse … bref un instant hautement protocolaire dont la portée médiatique est incontournable.

Événementiel, relations publiques, stratégie de communication : aucun cynisme dans ces mots. Le général De Gaulle a toujours fermement refusé d’être panthéonisé (il l’a même stipulé dans son testament), le fils d’Albert Camus a également écarté les offres concernant son illustre père ; en question : la peur d’une récupération politique, qui plane forcément sur ce type de décision officielle que seul le président peut entériner. Et en filigrane, une certaine conception de la société, du bien commun. En témoignent également les nombreux dossiers en souffrance, dont la presse se fait régulièrement le relais : La Fayette par exemple ou Descartes … Et puis il y a les suggestions défendues avec rage par des personnalités et/ou des associations promptes aux techniques d’influence les plus pointues pour privilégier leur poulain. 

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Panthéonisation et tendances sociales

Olympe de Gouges, Louise Michel, Denis Diderot … les options ont chacune leurs adeptes, convaincus du bien-fondé de leur choix. Problème : il faut que la sélection corresponde aux tendances de l’opinion publique. Ce n’est pas pour rien qu’en 2013, une consultation participative a été lancée sous la houlette du président Hollande afin de recueillir les avis des Français sur les personnalités à panthéoniser. Ceux qui franchissent le seuil de la nécropole doivent rallier les suffrages, et ne surtout pas froisser les consciences. Ainsi, le président Macron a retoqué la potentielle panthéonisation de Gisèle Halimi, pourtant réclamée par les associations féministes (34 000 signatures, ce n’est pas rien) ; en cause l’engagement de l’avocate contre la guerre d’Algérie, un facteur de clivage selon le chef de l’Etat, comme l’évoque L’Express. 

Quant à Rimbaud, la proposition fut rejetée en début d’année comme l’évoque 7sur7 au grand soulagement de la famille qui voulait éviter le rapprochement avec la dépouille de Verlaine (qui a quand même tenté de flinguer Rimbaud) et le risque de réduire le parcours du jeune poète à cette seule relation homosexuelle. Une féministe et anti-colonialiste convaincue, un homosexuel libertaire devenu marchand d’armes … deux potentielles pommes de discorde, qui pourraient fâcher les prudes et les réactionnaires, dont les votes sont pourtant bien précieux en période de réélection ? Tant qu’à rassembler, autant le faire avec une personnalité moins “clivante” pour reprendre le terme à la mode, plus fédératrice et représentative d’une intégration réussie à l’heure où les gosses de banlieue sont en quête de reconnaissance. Médisante, je suis ? Ou lectrice intriguée du très marquant Propaganda d’Edward Bernays ? Tout simplement au fait de l’importance des rituels dans une société en manque de repères, surmédiatisée et oublieuse de son Histoire ?

L’hypocrite caution des puissants

Revenons-en à Joséphine Baker, son sourire éclatant en toutes circonstances, qu’elle porte une ceinture de bananes ou son uniforme et ses décorations, quelle pose pour les cubistes ou Harcourt, qu’elle s’échappe des ghettos américains ou qu’elle s’occupe de ses gosses adoptés aux quatre coins du monde, sa tribu arc-en-ciel, dans un château dont elle peine à payer l’entretien (peut-être aurait-on pu alors l’aider financièrement pour la dédommager de ce qu’elle a fait pour la liberté et la justice, et on ne remerciera jamais assez Grace de Monaco, son amie, de l’avoir recueillie pour lui éviter la misère). La dame avait du cran, des valeurs, du courage en plus du talent. Modeste, humble. Avec du cœur, beaucoup, sans compter, jamais. La voir rejoindre Zola et Jaurès n’est que fierté et justice, car Joséphine Baker possède ces principes inscrits au fronton de nos institutions : liberté, égalité et surtout fraternité. Un symbole fort, qu’on aimerait tant être celui de la réconciliation …

Ce qui est plus gênant, c’est le contexte (toujours regarder le contexte dans ces histoires-là) : si panthéoniser Joséphine devenait urgent pour des raisons évidentes de reconnaissance, pour ses engagements et ses luttes, le faire à l’orée d’une bataille électorale clé, au cœur d’une pandémie interminable, après une gestion pour le moins nébuleuse de la crise sanitaire du covid, alors que les hôpitaux sont en déshérence (elle qui servit la Croix-rouge avec tant de dévouement, pas dit qu’elle apprécierait), que les DOM-TOM sont ravagées, que notre territoire, historiquement terre d’asile, a été brutalement fermé aux afghans fuyant le régime taliban (n’oublions pas qu’elle a milité auprès d’un certain Martin Luther King, participant en 1963 à la célèbre marche pour l’émancipation des Afro-Américains où elle prit la parole aux côtés du pasteur) … Cette femme en quête de justice et d’équité aimerait-elle incarner les valeurs de pareille société ? Etre “l’allégorie” de cette nation-là, pour reprendre les termes de Jennifer Guesdon, membre du collectif “Osez Joséphine Baker !” sus-nommé ? 

La question mérite d’être posée. Et méditée. Les morts, jamais, ne doivent être l’hypocrite caution des puissants. 

Et plus si affinités : 

Voici les articles que nous avons consultés pour rédiger ce texte ; n’hésitez pas à les parcourir pour compléter votre approche et affiner votre jugement.

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La dame s’est singularisée par les ouvrages qu’elle a dédiés à l’Histoire de France : portraits des grandes reines, Mazarin, Condé, Fouquet, … c’est habituellement sur le Grand Siècle que Simone Bertière jette son dévolu d’écrivain. Avec Dumas et les Mousquetaires, ce n’est pas tant de sujet qu’elle change que d’angle d’attaque. Car en nous racontant la naissance du chef-d’œuvre que constitue Les Trois Mousquetaires, cette professeure de lettres nous montre comment le milieu littéraire du XIXᵉ siècle va sublimer le sujet. Et pour être honnête, ce récit est aussi passionnant que le roman qui l’inspire.

Dumas du théâtre au roman

Nous y découvrons l’existence pour le moins originale d’Alexandre Dumas, le paysage culturel dans lequel il évolue, la scène artistique où il brille, en ces années 1840 qui voient le triomphe du romantisme. En cette période où l’édition devient un véritable marché, il est possible de faire fortune par les lettres. C’est que le secteur est en demande constante, et les auteurs ont toutes leurs chances, pour peu qu’ils possèdent talent, ingéniosité, imagination et rigueur. Bête de théâtre, Dumas produit pour les planches. Mais c’est finalement le roman qui va lui permettre d’inscrire son nom dans les mémoires. Avec Les Trois Mousquetaires, il élabore un véritable monument. Cette aventure créative, Simone Bertière en retrace les péripéties avec une faconde, un plaisir véritable.

Signé Dumas : mais au final qui a écrit “Les Trois mousquetaires” ?

Auteur et star

Son approche permet de découvrir les us et coutumes des littérateurs d’alors, la concurrence effrénée, les modes de production, les collaborations, les antagonismes. On comprend à la lire que messieurs les auteurs étaient alors de véritables stars, brillant dans les soirées comme dans les salons, adulés par les dames, le public et les imprimeurs, censurés largement par le pouvoir qui redoute leur discours ; revers de la médaille, ce sont aussi des bourreaux de travail assujettis à des impératifs de rendement, acculés à l’obligation de pittoresque et de singularité, s’ils veulent continuer à faire du lectorat.

Fonder un mythe

Alexandre Dumas en tissant l’histoire de d’Artagnan et ses camarades d’épée va marquer ce temps de sa patte, imprimant pour toujours son style et son rythme dans les consciences au point de fonder un mythe. Simone Bertière nous raconte comment la légende va prendre corps, les différentes étapes de gestation d’un projet appelé à devenir un classique de la littérature. Elle s’attarde avec beaucoup d’à propos sur les relations organiques qui se développent entre l’auteur et ses héros, tout en resituant cette aventure dans un contexte, une mentalité, une période dont elle est le miroir. À lire donc, car cette fresque est d’une précision d’orfèvre.

Hugo censuré : Anastasie et ses ciseaux

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« Il y a toujours dans un livre, même mauvais, une phrase qui bondit au visage du lecteur comme si elle n’attendait que lui » dit en substance l’auteur Christian Bobin qui ajoute : « un livre dans une brocante, c’est parfois un mort qui me tend la main et qui me dit : ne me laisse pas, s’il te plaît ». Deux citations qui pourraient déterminer l’alpha et l’omega des œuvres de Alexander Korzer-Robinson.

Vieilles reliures et pages froissées

Cet artiste anglais opère depuis des années en première ligne de la scène collagiste internationale. Son medium favori : les livres anciens. Écornés, jaunis, abîmés, désuets, ternis, poussiéreux … vieilles reliures et pages froissées, des volumes oubliés dans des greniers, des caves, que Korzer-Robinson récupère, creuse, sculpte pour les transformer en théâtres de l’imaginaire. Il superpose figures et décors découpés à même les illustrations de vieux ouvrages, gravures surannées de romans d’aventures, d’ouvrages pour dames, planches anatomiques, dessins d’animaux exotiques …

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Jungle d’images

Ces découpes, l’artiste les mélange, les entrelace dans un fouillis savant de formes colorées, comme le ferait l’imaginaire d’un enfant parcourant les lignes d’un récit de voyage. Cette jungle d’images qui viennent à l’esprit quand on parcourt les lignes des romans de Jules Verne ou d’Alexandre Dumas, ces émotions contradictoires qui nous saisissent le ventre au fur et à mesure qu’on s’identifie aux personnages, qu’on découvre leur destin, que quelque part, on ressent leurs émotions, leurs cœurs qui palpitent d’amour, de peur, de chagrin …

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Effets de profondeur

Les créations de Korzer-Robinson donnent également à voir la cascade de connaissances que recèlent les livres, encyclopédiques, scientifiques ou narratifs. Chacun offre un voyage dont le lecteur traduit à sa manière le parcours, dont il retient certains souvenirs, des impressions personnelles fortes. Une mise en perspective du savoir que les effets de profondeur de chaque œuvre expriment de charmante manière, comme le ferait une maquette de décors, un théâtre de marionnettes. Une manière très poétique par ailleurs de signifier que nous faisons tous partie du même univers, réel et mental.

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https://www.alexanderkorzerrobinson.co.uk/

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Tant qu’à être figés devant nos écrans en comptant les heures qui passent, autant en profiter pour redécouvrir les fleurons de notre répertoire dramatique. Entre autres, le drame romantique Marie Tudor, initié par un Victor Hugo encore tout émoustillé d’avoir redécouvert Shakespeare et qui bascule tête baissée et le cœur en flammes dans l’écriture de pièces qui vont passer à la moulinette la règle des unités.

Une histoire de passion et de mort

Bye bye les diktats du théâtre classique. Hugo raconte des histoires de passion et de mort, accumulant douleurs, étreintes et cadavres dans les cris d’abandon et de rage de ses personnages. Il s’offre par ailleurs le luxe de s’amuser avec l’Histoire, lui faisant de beaux enfants avant même Alexandre Dumas. La preuve en est : Marie Tudor voit le jour en 1833 sur les planches du théâtre de la Porte-Saint-Martin… avec plus ou moins de succès. Il viendra bien plus tard en 1955, via la mise en scène de Jean Vilar, sublimée par l’interprétation de Maria Casarès dans le rôle titre.

En 1966, la télévision s’empare du sujet, avec Abel Gance aux commandes, qui reprend et adapte les répliques du grand poète, flashback au poing. L’intrigue demeure néanmoins : reine brutale et cynique, Marie Tudor a hérité de la cruauté de son père, Henri VIII. Sous son règne catholique, les protestants partent quotidiennement à l’échafaud et au bûcher. Même ses lords n’échappent pas à cette fureur destructrice, pilotée par son jeune amant, Fabiano Fabiani, qu’elle a nommé comte, et qui veille jalousement sur ses prérogatives. Mais Fabiano n’est pas vraiment amoureux de sa royale maîtresse qu’il considère comme un marchepied vers le pouvoir et la fortune.

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Privilégier les coups de théâtre

Ses attirances vont momentanément à Jane, une jeune fille du peuple, qu’il a séduite de force, alors qu’elle est fiancée avec le ciseleur Gilbert. Et ça, Gilbert ne va pas tarder à le découvrir, de même que Marie. Et là, il s’agira de se venger. Mais la reine y parviendra-t-elle ? À partir de là, Hugo brode un canevas à rebondissements, en grande partie fantaisiste, et qui n’a que peu à voir avec l’Histoire. Son but est à la fois de confronter des passions puissantes et létales et de mettre en scène des monstres qui s’entre-dévorent, se noient dans leurs aveuglements. La pudeur, la vertu et la justice triompheront-ils ? L’innocence ? Et le peuple dans tout ça ? l’État ?

Derrière les répliques brûlantes de ses personnages, Hugo veut surtout faire réfléchir son public sur la question du pouvoir. Un thème récurrent chez lui, qui lui vaudra du reste de gros soucis avec la censure de la Restauration. La version filmée par Abel Gance en 1966 néglige ce fil direct pour privilégier les coups de théâtre qui jalonnent cette course poursuite vers l’amour ou la mort. Décors superbes de Raymond Nègre, costumes tout aussi splendides de Christiane Coste, et l’interprétation saisissante de Françoise Christophe qui plante là une Marie Tudor au seuil de la démence héréditaire.

Hugo censuré : Anastasie et ses ciseaux

La réalisation de Gance, en noir et blanc, met en exergue le côté surréaliste de cette course à l’abîme. Si elle n’a que peu à voir avec la vérité historique, cette lecture a un autre mérite : elle trace le lien entre tragique élisabéthain, tragédie classique, drame romantique et théâtre de l’absurde. Car les personnages qui évoluent ici rappellent aussi bien les héros de Shakespeare et de Racine qu’ils annoncent ceux de Ionesco et Beckett. Tous ont ceci de commun qu’ils se débattent avec les contradictions de l’existence. Ils ne sont ni bons ni mauvais, ils essaient de vivre comme ils peuvent, dans un monde toujours hostile.

Et plus si affinités

Vous pouvez visionner cette version de la pièce Marie Tudor sur le site de l’INA.

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C’est quand même fou : si l’on minute l’opéra La Traviata de Verdi, on réalise qu’il faut environ deux heures à l’héroïne Violetta Valery pour tomber amoureuse du bel Alfredo Germont, plaquer sa carrière de demi-mondaine afin de vivre sa passion comme une rédemption, y renoncer pour sauver la réputation de son jeune amant, reprendre sa carrière de courtisane sur un rythme effréné, se faire insulter par le même Alfredo qu’elle a plaqué pour le préserver, se laisser dévorer par la tuberculose et finalement mourir dans les bras de son bel amour venu implorer son pardon.

Un sacrifice express donc, mené tambour battant dans une société où une pute, même de haut vol, doit rester à sa place et ne pas s’acoquiner avec un bourgeois. Pas de mélange, pas de mélange ! S’explosant le crâne sur le plafond de verre de son amour, Violetta part en vrille dans un grand huit de feu qu’elle arrose avec l’essence du désespoir. Un sujet de choix pour un Verdi habitué aux grandes prouesses mélodiques … et pour une Sofia Coppola prompte à se saisir des errances féminines post-modernes pour en faire le sujet de ses films.

Ici c’est pourtant sur la scène du Teatro dell’Opera di Roma qu’elle explore la douleur suicidaire d’une héroïne renonçant un peu trop vite à son bonheur pour faire le jeu d’une société qui lui crache à la gueule mais dont elle veut respecter les codes envers et contre tout. Contradiction qui ressort dans un flot de mousseline noire et blanche, en accord avec les nuances mentales du personnage inspiré par Alexandre Dumas fils. La réalisatrice vient ainsi renouer avec cette tradition qui précipitent les classiques de l’art lyrique dans les bras des grands metteurs en scène.

Luchino Visconti et Franco Zeffirelli, entre autres, avaient fait une chasse gardée du succès de Verdi, au travers de lectures absolument sidérantes de luxe et de beauté. Sofia Coppola reprend le flambeau en s’associant au couturier Valentino qui réalise les costumes du personnage principal. A l’affiche notons l’excellente Francesca Dotto, le talentueux Antonio Poli, à la baguette Jader Bignamini. On appréciera par ailleurs le côté festif de cette première représentation filmée par Francesca Nesler qui capture l’arrivée des guest stars sur un tapis rouge qui évoque celui du festival de Cannes.

Ou quand l’opéra devient people ? Une manière d’attirer un nouveau public plus adepte des tabloïds et des comptes instagram de ces célébrités que mélomanes avertis ? Cette entrée en matière s’avère en tout cas bien ironique en regard du destin d’une call girl qui fait justement tout pour échapper à ce milieu avant d’aller s’y noyer sans retour possible. Violetta lost in translation …

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https://www.arte.tv/fr/videos/068537-000-A/la-traviata-par-sofia-coppola-valentino/

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