Il y a peu, nous plongions tête dans le baroque et très très secouant M. L’enfant du siècle. Grosse claque, très grosse claque que cette série déjantée évoquant sans complaisance aucune la montée au pouvoir de Mussolini dans une Italie incendiaire. On a tendu l’autre joue en visionnant Vincere qui évoque la relation destructrice du même Mussolini avec Ida Adler. Autre gifle. Et puis on a remonté le temps jusqu’à 1977 et Une journée particulière d’Ettore Scola. La fessée originelle, le film fondateur en terme de récit et d’esthétique, un brûlot anti fasciste inégalé.

Antonietta et Gabriele

6 mai 1938 : tout Rome se précipite pour ovationner Mussolini et son célèbre invité Hitler. Tout Rome ? Non. Tandis que les deux dictateurs sillonnent la Ville éternelle en se pavanant, Antonietta est restée au bercail. Mariée à un petit chef fasciste, elle a pondu une ribambelle de gamins et passe sa journée à s’en occuper. En d’autres termes, c’est la bonne de la maison. Prématurément usée par les grossesses en série et le mépris grossier d’un époux qui la trompe, cette femme mal coiffée, habillée en souillon, passe son temps à ranger, nettoyer, faire à manger et écarter les cuisses pour accoucher d’autres petits fascistes.

Dans le calme du labyrinthique immeuble où se niche son petit appartement, Antonietta, abandonnée par les siens partis assister à l’événement, va croiser la route de son voisin Gabriele. Lui est homosexuel, et parce qu’il est homosexuel, il a été licencié de son poste d’animateur radio, mis au banc de la société. Lui aussi range son appartement, mais pas pour les mêmes raisons. Il attend qu’on vienne l’arrêter pour l’emmener en déportation. Cela, Antonietta ne le sait pas encore, quand elle déboule pour récupérer son oiseau qui s’est échappé de sa cage et a atterri dans les jardinière de Gabriele.

Le monde mis à distance

Un oiseau qui s’échappe : symbolique de l’escapade que ces deux laissés pour compte de la société fasciste vont savourer le temps d’une journée particulière. En toile de fond, les acclamations de la populace, les commentaires des présentateurs radio, des bruits de fond qui rappellent que le monde autour est hostile, écrasant. Mais ici, dans ces intérieurs bordéliques et feutrés, sur les terrasses désertées où sèchent les draps immaculés, dans les escaliers tortueux reliant les façades, très brièvement, le monde est mis à distance. Le temps de boire un café, de réparer une lampe, de manger une omelette, de se découvrir des points communs, des parcours de vie semblables. Et de s’aimer, chacun à sa façon.

Que restera-t-il de tout cela une fois la famille d’Antonietta revenue, une fois Gabriele déporté ? Un souvenir ancré au plus profond de soi ? Un peu de chaleur humaine au milieu de la tourmente de l’isolement ? En terminant son récit sur une Antonietta épuisée qui se couche auprès d’un mari détesté et éteint la lumière, Ettore Scola laisse planer le doute. Autre symbole que cette lampe éteinte avec lassitude. Renoncer ? Lutter ? La mémoire de cette giornata particolare demeurera-t-elle intacte ? Sur quoi débouchera-t-elle ? Quelle marge d’action pour un Gabriele emprisonné et promis à la mort ? Pour une Antonietta inculte et enfermée dans la soumission ?

Un acte de résistance

Scola n’apporte aucune réponse. Son récit déroulé en images sépia taillées comme des clichés d’art de toute beauté préfère capter l’intensité fugace d’une complicité amicale-amoureuse, faite de petits riens qui en disent long. Pour servir son propos, deux monstres du cinéma italien : Sophia Loren et Marcello Mastroianni. A contre emploi mais complices (ils ont beaucoup tourné ensemble), les deux acteurs s’enlaidissent, cassent volontairement et avec une humilité confondante leurs auréoles de sex-symbol afin d’apparaître dans la simplicité d’une humanité en souffrance. Il fallait ce tour de force pour donner corps à ce huis-clos, apporter l’épaisseur, la vibration nécessaires pour rendre touchants les échanges de deux personnages à bout de souffle.

Si la violence fasciste n’est pas directement représentée, elle transparaît dans la manière dont se noue la relation entre ces deux personnages. Chacun à sa manière est victime d’un système qui écrase les faibles et les marginaux. La brutalité machiste d’un Mussolini, partagée par l’ensemble de ses sbires, dont le mari d’Antonietta et ses enfants, nous saute au visage via les effets pervers qu’elle nourrit, le secret qu’elle engendre. Mais qu’Antonietta et Gabriele, malgré les interdits et les menaces, le gouffre intellectuel et social qui les sépare, se rencontrent et s’aiment, constitue déjà un acte de résistance, une manière de dire non.

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Publié en 2017 chez Dargaud, Comédie française : Voyages dans l’antichambre du pouvoir de Mathieu Sapin plonge le lecteur dans les coulisses du pouvoir politique français, à l’époque du mandat de François Hollande. Fort de son talent de dessinateur-reporter, Sapin livre ici une bande dessinée originale et décalée, à la croisée du journalisme et de l’humour, offrant un accès inédit aux rouages de la présidence française.

Un quinquennat au quotidien

Mathieu Sapin cultive depuis longtemps un intérêt marqué pour les territoires délicats, ceux qu’on préfère habituellement laisser hors champ. Avec son trait faussement naïf et son regard curieux, il s’aventure là où peu de dessinateurs osent aller : les confidences feutrées, les conversations privées, les figures controversées. C’est ce qui l’a conduit par exemple à évoquer le parcours de Gérard Depardieu avec Gérard. Cinq années dans les pattes de Depardieu (2017) ou la vie d’un quotidien régional avec Feuille de chou (2010).

Rien d’étonnant donc à ce qu’il s’intéresse aux sujets politiques, auxquels il a consacré nombre d’ouvrages. Il s’est ainsi fait remarquer avec Campagne présidentielle (2012), qui relate la campagne de François Hollande ou Le Château (2015), où il suit le quotidien de l’Élysée. Avec Comédie française : Voyages dans l’antichambre du pouvoir, le dessinateur passe au crible tout le quinquennat de Hollande et de son équipe qu’il documente au jour le jour, évoquant aussi bien les événements diplomatiques majeurs que les réunions de cabinet.

Entre journalisme et bande dessinée

De fait, Comédie française est conçu comme un véritable reportage graphique. À travers ses dessins et dialogues, Mathieu Sapin dévoile le visage invisible du pouvoir, les dessous de la cuisine politique, autant de détails ignorés du grand public. L’Élysée apparaît au fil des pages comme un lieu de tension constante, où les décisions importantes se prennent dans l’urgence, où les situations décalées, voire cocasse sont nombreuses.

Sapin se met lui-même en scène dans l’ouvrage, avec beaucoup d’autodérision. En observateur privilégié, il incarne le regard du citoyen curieux qui se faufile dans les recoins du pouvoir, souvent impressionné, parfois amusé ou perdu face à la complexité de l’appareil politique.

Un humour décalé au service de la politique

L’une des forces de Comédie française demeure son ton léger et humoristique. Mathieu Sapin traite de sujets sérieux – la diplomatie, la gestion de crise, les relations internationales – avec un recul amusé, permettant ainsi de rendre l’univers politique accessible. Il n’hésite pas à pointer les absurdités du quotidien à l’Élysée ou à souligner les moments de tension avec un humour subtil.

Cet humour rend l’ouvrage particulièrement accessible à ceux qui ne sont pas familiers avec les méandres de la politique française. Sapin parvient ainsi à démystifier l’Élysée et ses acteurs, les humanisant tout en exposant l’ampleur de leurs responsabilités.

Une critique douce-amère de la politique contemporaine

Si l’humour et la légèreté sont omniprésents, Comédie française n’en demeure pas moins une critique réfléchie du pouvoir contemporain. Derrière les scènes légères, Sapin montre aussi la solitude du pouvoir, les pressions et les compromis inévitables. François Hollande, qui au départ semble souvent détendu et proche, apparaît progressivement comme un homme marqué par les exigences et les difficultés de la présidence.

L’ouvrage souligne également les limites d’un système politique parfois rigide, où l’image publique et la gestion des crises priment souvent sur les convictions personnelles. À travers les yeux de Sapin, on perçoit la complexité des relations internationales, les négociations permanentes, et les interactions avec les autres figures politiques européennes et mondiales.

Un regard unique sur le pouvoir français

Comédie française se démarque par son approche singulière et innovante de la bande dessinée politique. Mathieu Sapin utilise le dessin pour offrir une lecture critique, mais jamais acerbe, des dynamiques de pouvoir. Son style graphique, simple et expressif, ajoute une touche d’authenticité au récit. Le lecteur est ainsi immergé dans un quotidien peu visible, entre comédie humaine et machinerie politique.

L’ouvrage s’inscrit dans la lignée d’autres bandes dessinées politiques, telles que La Présidente de François Durpaire et Farid Boudjellal, mais adopte une approche plus intime et personnelle. Sapin ne cherche pas à dramatiser ou à politiser son récit, mais à observer et à comprendre, avec humour et bienveillance.

Une approche inédite et humaine

Comédie française : Voyages dans l’antichambre du pouvoir est une œuvre incontournable pour ceux qui s’intéressent à la politique française, mais aussi pour les amateurs de récits documentaires originaux. En alliant humour, reportage et bande dessinée, Mathieu Sapin offre un regard inédit sur les coulisses du pouvoir, tout en humanisant ses acteurs.

Loin d’une simple satire, cette BD propose une réflexion douce-amère sur la nature du pouvoir et ses réalités, tout en conservant un ton accessible et divertissant. Un voyage fascinant pour comprendre les rouages de l’Élysée et, au-delà, les défis auxquels sont confrontés les dirigeants politiques.

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1986 : Oliver Stone, avec Platoon, s’impose comme le cinéaste qui ose raconter la guerre autrement. Pourtant, en parallèle ce succès planétaire, il livre Salvador, un film poisseux, brutal, presque documentaire, qui plonge dans l’enfer de la guerre civile salvadorienne. Et comme à son habitude, Stone, en tournant cette histoire, secoue des cocotiers politiques. Car personne notamment aux USA n’avait envie de réveiller ces fantômes. Et pour cause.

Une guerre sale au plus près de la vérité

Début des années 80. Le Salvador s’enfonce dans la guerre civile. Le gouvernement militaire, appuyé par les États-Unis de Reagan, mène une répression sanglante. Les escadrons de la mort assassinent syndicalistes, prêtres, paysans, opposants. On enlève, on torture, on jette les corps dans les fossés, dans les décharges. Mais à l’international, le sujet reste tabou. Trop sale, trop compromettant. Personne n’en parle ou alors en termes choisis.

Oliver Stone décide de s’y coller. Et il le fait à travers les yeux de Richard Boyle, journaliste freelance sur le déclin, cynique, alcoolique, mais encore capable de flairer l’histoire là où elle brûle. Richard Boyle n’est pas un personnage fictif. Ce reporter américain né en 1942 s’est spécialisé dans les zones de guerre et les régimes autoritaires. Ayant couvert le conflit salvadorien, il partage ses souvenirs dans le scénario qu’il co-écrit.

Boyle n’était pas un modèle de droiture : marginal, rebelle, en perpétuelle dérive, il possède cette énergie chaotique des reporters gonzo à la Hunter S. Thompson. C’est précisément cette position d’outsider qui lui permet de s’approcher au plus près de la vérité. Notes, souvenirs, contacts, anecdotes de terrain : le scénario de Salvador est nourri d’expériences directes. Même la scène des missionnaires assassinées s’inspire d’un massacre authentique qui avait bouleversé l’opinion internationale.

Une mise en scène frontale

Le propos même interdit le glamour, la fantaisie. Pas d’héroïsme hollywoodien. Stone filme la boue, la peur, la misère. La violence la plus crue, la bêtise de l’extrêmisme, de l’ignorance, de la misère. La caméra colle aux visages, aux cadavres, aux ruelles ensanglantées. On a presque l’impression d’un reportage de terrain. La fiction devient témoignage.

À travers Boyle et son pote photographe (John Savage), on suit l’engrenage : la barbarie systémique, les pressions militaires, la complicité américaine, la population écrasée entre guérilla et répression. La scène des missionnaires violées et assassinées demeure l’un des chocs les plus durs du film.

Véritable chien enragé, James Woods incarne Boyle, creusant cette figure de journaliste borderline, arrogant et déchu, qui se retrouve malgré lui face à une vérité trop énorme pour être tue. Il n’est pas un héros : il est lâche, contradictoire, paumé. Mais c’est précisément cette faiblesse qui donne au film sa force. Par lui, on comprend l’horreur et la compromission : quand tout s’effondre, que peut-on sauver ?

Un film politique, contre le déni

Sorti en pleine ère Reagan, Salvador est une gifle. Le film reste l’une des rares représentations cinématographiques des escadrons de la mort en Amérique latine, à une époque où les médias mainstream détournaient le regard. Stone dénonce clairement : la CIA, l’armée américaine, la diplomatie complice. Il montre un pays sacrifié sur l’autel de la lutte anti-communiste. En cela, Salvador rejoint les films d’investigation journalistique comme Missing de Costa-Gavras. Sauf qu’ici, l’angle est plus cru, plus viscéral. Insupportable.

Aujourd’hui encore, Salvador résonne. Parce qu’il documente une guerre oubliée, parce qu’il met en lumière la mécanique universelle de la terreur d’État. Les escadrons de la mort ne sont pas une relique : on les retrouve au Brésil, aux Philippines, en Syrie, partout où un pouvoir préfère la terreur au dialogue. Revoir Salvador, c’est donc se rappeler que le cinéma peut être une arme politique. Pas un divertissement, mais une alarme. Une mémoire qui refuse l’oubli.Conclusion

Film charnière dans l’œuvre de Stone, Salvador reste une œuvre inconfortable, rugueuse, indispensable. En filmant les charniers que l’Amérique voulait cacher, Stone rappelait une vérité simple : ce qui n’est pas montré n’en existe pas moins. Et c’est bien pour ça qu’il fallait le montrer.

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La géopolitique fait peur. Elle semble complexe, truffée de cartes, de conflits, de stratégies nébuleuses, réservée aux experts. Pourtant, elle s’infiltre partout : dans nos vies, dans nos débats, dans nos écrans. Et de plus en plus, dans nos séries. Deux ouvrages parus à quelques années d’écart en offrent la preuve éclatante : La géopolitique des séries ou le triomphe de la peur de Dominique Moïsi (Flammarion, 2017) et J’assure en géopolitique grâce aux séries de Virginie Martin et Anne-Lise Melquiond (De Boeck Supérieur, 2023). Deux approches différentes, deux tonalités distinctes, mais un même constat : les séries ne racontent pas seulement des histoires, elles cartographient nos angoisses, nos tensions, nos fractures.

Quand la fiction capte l’air du temps

Dominique Moïsi ne s’embarrasse pas de définitions académiques. Il observe. Il analyse. Il décortique. Et ce qu’il voit dans les séries post-11 septembre, c’est une montée brutale de la peur. Peur du chaos (Game of Thrones), peur du terrorisme (Homeland), peur de la fin de la démocratie (House of Cards), peur de l’autre (Occupied). Peur d’un ordre ancien qui vacille (Downton Abbey).

Pour Moïsi, les séries sont les sismographes émotionnels de notre temps. Le propos est limpide : les séries nous parlent du monde tel qu’il est… ou tel que nous le percevons. Elles ne se contentent pas de refléter l’actualité. Elles façonnent notre compréhension des événements, de l’histoire, des puissances. En cela, elles sont politiques. Et donc géopolitiques. Avec une bonne touche de soft power ?

Pédagogie pop : apprendre la géopolitique avec Netflix

Côté De Boeck, le ton est plus didactique, mais tout aussi percutant. Dans J’assure en géopolitique grâce aux séries, Martin et Melquiond partent des séries que tout le monde connaît (ou presque) pour enseigner les grandes notions géopolitiques contemporaines. Ici, The Crown devient une leçon sur la décolonisation, Fauda un décryptage du conflit israélo-palestinien, Borgen un miroir des enjeux écologiques, Narcos une plongée dans la géoéconomie des cartels.

Le tout est organisé en 15 chapitres clairs, assortis de définitions, cartes, dates clés. Ce n’est pas un gadget pédagogique, mais un outil sérieux, bien structuré, qui permettra aux étudiants comme aux curieux de s’approprier un savoir qui peut sembler aride. Grâce à la familiarité des séries, la géopolitique devient ainsi accessible. Et surtout, elle prend du sens, de la consistance.

Deux visions, un même objectif : rendre le monde lisible

Ces deux livres se complètent admirablement. Moïsi livre une lecture émotionnelle du monde à travers le prisme des récits télévisés. Martin et Melquiond offrent une grille de lecture analytique, avec rigueur et méthode. Ensemble, ils montrent que :

• Les séries sont des instruments de compréhension du monde.
• Elles reflètent les rapports de force, les fractures culturelles, les dynamiques géostratégiques.
• Elles véhiculent aussi des idéologies, des peurs, des récits d’identité ou de puissance.

Pourquoi c’est crucial aujourd’hui

Dans un monde en mutation rapide, où les conflits se multiplient, où les alliances changent, où l’info se dilue dans les réseaux, maîtriser la géopolitique n’est plus une option. C’est une nécessité.

Non pour devenir expert en stratégie militaire, mais pour :

• comprendre ce qui se joue entre les lignes des journaux (ou des tweets),
• repérer les dynamiques de pouvoir derrière les discours,
• décrypter les récits géopolitiques cachés dans nos divertissements.

Et si les séries peuvent nous y aider, pourquoi s’en priver ? À condition de garder un œil critique, de ne pas confondre fiction et réalité, et de croiser les regards. Ce que font, chacun à leur manière, Moïsi, Martin et Melquiond.

En conclusion : binge-watcher le monde ?

Oui, on peut apprendre en regardant des séries. À condition de savoir ce qu’on regarde, et pourquoi. Les séries ne sont pas neutres. Elles racontent le monde – ou du moins, une vision du monde. Les décrypter, c’est apprendre à penser, à questionner, à résister aussi.

Alors, que vous soyez fan de Narcos, de The Handmaid’s Tale, de Fauda ou de Succession, ces deux livres sont là pour vous tendre une boussole. Et vous rappeler que dans chaque épisode, il y a bien plus qu’un rebondissement : il y a un morceau du réel à déchiffrer.

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Italie fin des années 80 : après les années de plomb, la patrie de Dante et Machiavel va-t-elle retrouver un peu de sérénité ? Selon vous ? Non bien sûr. Car ces années 80 vont voir l’avènement politique d’un certain Berlusconi, qui de fil en aiguille va conquérir le pouvoir. Dans un climat de chaos marqué. C’est l’histoire de cet avènement que raconte la série 1992 – 1993 – 1994, sur fond de corruption et de mutation sociale. Avec des accents de tragédie.

Une conquête vécue depuis les coulisses du pouvoir

Cette conquête, nous allons la vivre depuis les coulisses. Devant nous, plusieurs personnages :

• Leonardo Notte, publicitaire cynique et sans scrupules, qui va tirer profit du chaos politico-judiciaire italien pour faire gagner SON candidat, un Berlusconi dont il va façonner la légende.
• Pietro Bosco, ancien soldat au tempérament emporté, adeptes des actions musclées et spectaculaires ; propulsé de la très populiste et (un brin d’extrême-droite) Lega Nord, il se trouve piégé entre ses convictions, sa probité et les compromis qu’il faut immanquablement faire en politique.
• Veronica Castello, prostituée de luxe, maîtresse de ces deux messieurs, et qui va s’engouffrer dans le show-biz et la télé réalité de l’empire médiatique berlusconien pour y faire carrière.

Trois visages, trois tempéraments qui se croisent, s’aiment, se quittent, sur fond de transformation du paysage politique italien en trois actes : état des lieux, effondrement, prise de pouvoir. Autour de ces trois héros, de vieux députés corrompus, des millionnaires corrompus véreux, une héritière camée, une journaliste arriviste, des enquêteurs prêts à tout pour démanteler ce système pourri jusqu’à la moelle. Et bien sûr des mafieux, parce que la mafia est incontournable dans cette mécanique ancestrale.

Histoire d’un effondrement

Tout ce petit monde évolue initialement en pleine affaire Mani Pulite (mains propres). Un brin d’histoire italienne moderne : au début des années 90, cette enquête d’envergure met à jour un système généralisé de détournements de fonds et de pots-de-vin. Résultat des courses : débâcle des partis traditionnels (Démocratie chrétienne, Parti socialiste), recomposition du paysage politique. Un « Nouvel Âge » se dessine progressivement qui s’avérera aussi gangrené que le précédent.

Déclinée sur ces trois années clés que sont 1992, 1993 et 1994, la montée en puissance de Berlusconi s’opère sur fond de procès (le fameux procès Enimont qui va entraîner le naufrage du PS de Craxi), d’attentats mafieux de Florence, Rome et Milan, de campagne électorale ultra-marketée. L’atmosphère, qui n’est pas à la confiance, déséquilibre les alliances, met en péril les relations ; les individus, passionnés, extrêmes, font écho à cette instabilité institutionnelle et sociale.

Une trilogie réaliste et ambitieuse

D’où la mise en valeur de la valse hésitation amoureuse entre Veronica, Leonardo et Pietro, trouple qui ne dit pas son nom et dont chacun.e à sa façon érige le monde de demain, qui avec son cynisme et son sens de la manipulation, qui avec son charme et ses atouts féminins, qui avec sa brutalité et son virilisme. L’occasion pour les créateurs/réalisateur de la série Alessandro Fabbri, Ludovica Rampoldi, Stefano Sardo, Giuseppe Gagliardi de mettre en évidence l’importance du marketing et des médias dans cette transformation qui ne fait que rebattre les cartes sans rien changer fondamentalement. Car la corruption demeure, financière, sexuelle, morale.

Esthétique soignée, interprétation d’excellence ( Stefano Accorsi qui a eu l’idée de la série, Miriam Leone, Guido Caprino, Domenico Diele, Tea Falco, Giovanni Ludeno…), la trilogie a fait mouche dès la première saison. Parce qu’elle est ambitieuse, parce qu’elle est réaliste, parce qu’elle propose un cours de politique d’une rare finesse. Parce qu’elle ne juge pas : chacun.e ici évolue comme il peut dans cette course au pouvoir, avec ses moyens, sa volonté de survie. Jusqu’à la dernière seconde et au retournement final, on suite ces personnages attachants car humains, pris dans une spirale qu’ils ne contrôlent pas ou si peu.

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23 mai 1992 : le juge Giovanni Falcone, son épouse ainsi que trois de leurs gardes du corps périssent dans l’explosion de leurs voitures. Le principal initiateur du maxi-procès contre la mafia sicilienne n’est plus, assassiné sur ordre du parrain Toto Riina. Mais mort, il accède au rang de martyr. Un martyr dont Roberto Saviano relate le long et pénible cheminement judiciaire.

De la patience, des preuves, une méthode

Né à Palerme, Giovanni Falcone entre dans la magistrature dans les années 70, alors que la Cosa Nostra s’est infiltrée dans toutes les strates de la société, politique, finance, institutions. Ce jeune juge comprend rapidement que pour vaincre cet ennemi, il va falloir de la patience, des preuves, une méthode. Et il va le prouver. Son travail minutieux, notamment avec le juge Paolo Borsellino, mène à l’instruction du Maxi-procès de Palerme (1986-87), où 475 mafieux seront jugés, 19 condamnés à perpétuité.

Une première historique, qui met à mal l’organisation de Cosa Nostra. Mais Falcone dérange. Menacé, critiqué. Isolé. Mis à l’index par la magistrature, écarté de Palerme, il s’apprête à monter un pôle de juges spécialisés à Rome quand une bombe placée sous l’autoroute près de Capaci le tue ainsi que son épouse et son escorte. L’attentat, d’une violence spectaculaire, fera la Une des journaux, marquera à jamais les esprits d’une population écœurée par la corruption régnant dans l’île.

Des pages semées de cadavres

Saviano ne livre pas ici une biographie classique. D’une écriture tendue, douloureuse, il décrit la solitude grandissante d’un magistrat intègre confronté aux lâchetés du pouvoir, à la barbarie des parrains, à la mort brutale de ses collègues. Ces pages sont semées de cadavres, ceux des mafieux qui s’entre-tuent pour prendre le pouvoir, mais aussi et surtout ceux des malheureux qui leur déplaisent et qu’ils liquident sans pitié. Ceux des juges qui s’interposent.

On apprend ainsi que Falcone est un martyr parmi tant d’autres, un nom sur une longue liste d’hommes à abattre, policiers, avocats, politiciens. Son combat aboutit parce que d’autres avant, ont posé les bases, un socle. C’est une course de relai, un marathon où celui qui tombe sous les balles passe le témoin à ceux qui vivent encore. Tous se savent en sursis. Falcone comme les autres. Ils échappent aux tentatives de meurtres, aux exécutions, jusqu’au jour où un tueur plus futé, plus rapide, mieux renseigné met un terme à leur existence dans un flot de sang.

L’angoisse au jour le jour

Intelligent, fin, observateur, plein d’humour, Falcone sait qu’il joue avec sa vie. Il en a conscience et cela le taraude, le dévore. Il sait qu’il est un « mort-vivant ». Et Roberto Saviano lui prête cette émotion, ce détachement spécifique… car il vit cela au quotidien. Un homme traqué par ses mots parle dans ces pages d’un homme traqué pour ses actes. L’auteur de Gomorra, sous protection policière permanente, vit au jour le jour l’angoisse qu’a ressenti Falcone.

La mort est partout, face à la vie, le plaisir de la mer, les repas succulents entre amis, les nuits d’amour, la fièvre de la traque aussi, car Falcone est un très bon juge, organisé, logique, qui développe sa stratégie avec bon sens. Et qui veut faire déraciner ce mal qui ronge son pays, sa ville, sa société. Un homme droit dans ses bottes, pétri de valeurs de justice, d’égalité. Et qui va jusqu’au bout, trouvant toujours des solutions, s’adaptant, rebondissant. Malgré l’épuisement, le désespoir, le sentiment de combattre dans le vide des ennemis qui se dérobent.

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C’est probablement pour cela qu’on l’a tué. Parce qu’il réussissait. Un modèle à suivre ? A l’heure où le crime organisé s’est globalisé, dans l’indifférence générale, au moment où les personnages de mafieux font l’objet d’une adulation cinématographique dérangeante, Giovanni Falcone ne fait pas que rendre hommage à un très grand homme devenu une figure mythique de l’Italie contemporaine ; véritable arme littéraire, le livre de Saviano remet aussi et sans ménagement l’église au milieu d’un village qu’il conviendrait d’expurger, enfin et avec la plus grande rigueur.

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Cela va peut-être étonner les plus candides d’enter vous, mais le monde de la géopolitique n’est pas uniquement peuplé de tanks, de missiles, de discours onusiens et de négociations barbouziennes. Non, non, non, dans cette histoire il faut aussi compter avec le soft power. Vous avez peut-être déjà entendu le mot, sans trop capter de quoi il s’agit vu que la notion est assez retorse. Dommage car la logique est vraiment efficace, et que nous sommes tous.tes touché.es. Attachez vos ceintures, on plonge dans le monde fascinant du pouvoir doux !

Qu’est-ce que le Soft Power ?

Déjà une petite définition la plus claire possible : le soft power, c’est l’art de séduire et d’influencer sans recourir à la force brute. Concrètement ça donne quoi ? Imaginez une soirée où vous devez convaincre quelqu’un de choisir votre série préférée. Plutôt que de crier et de menacer, vous sortez vos arguments les plus subtils : les critiques élogieuses, les scènes marquantes, le charisme des acteurs. Eh bien, c’’est exactement ce que font les pays sur la scène internationale avec le soft power : ils utilisent la culture, les valeurs et les politiques attractives pour gagner des alliés, diffuser leur point de vue et influencer l’opinion mondiale pour aller dans leur sens.

Le terme a été forgé à la fin des années 1980 par le politologue américain Joseph Nye, professeur à Harvard, dans son ouvrage Bound to Lead: The Changing Nature of American Power (1990). Nye y conteste le déclin annoncé de la puissance américaine après la Guerre froide, en proposant une nouvelle grille de lecture du pouvoir : selon lui, la capacité d’un pays à influencer les autres sans contrainte, par l’attraction plutôt que par la coercition, constitue une forme de puissance à part entière. Nye oppose ainsi le hard power, fondé sur la force militaire et les pressions économiques, au soft power, qui repose sur la culture, les valeurs politiques (liberté, démocratie, droits humains) et la légitimité de la politique étrangère. C’est une puissance plus diffuse, souvent moins visible, mais redoutablement efficace dans un monde interconnecté où l’image et la narration jouent un rôle crucial.

Dans ses ouvrages ultérieurs, notamment Soft Power: The Means to Success in World Politics (2004) et The Future of Power (2011), Nye affine sa pensée et introduit l’idée de smart power : une combinaison stratégique du hard et du soft power. D’autres chercheurs, politistes et spécialistes des relations internationales ont enrichi le concept :

• Pierre Bourdieu, sans utiliser le terme « soft power », a largement exploré la notion de violence symbolique et de domination culturelle, qui préfigure certaines réflexions sur l’influence douce dans un cadre global.
• Le sociologue Manuel Castells a travaillé sur le pouvoir des réseaux et l’économie de l’image dans la société de l’information, en lien avec l’idée d’une influence par la communication.
• Dans une perspective critique, des auteurs comme Edward Saïd (avec le concept d’orientalisme) ont souligné que le soft power peut aussi masquer des dynamiques néocoloniales, lorsque la séduction culturelle sert des objectifs de domination.

Soft power in real life

Ok mais sur le terrain, in real life, ça donne quoi ? Comment se décline le soft power ? Quelle tournure ? Quelle logique ? Voici quelques exemples géographiques pour mieux cerner la chose (vous allez voir, en fait vous connaissez bien le concept sauf que vous ne le saviez pas mais heureusement The ARTchemists sont là).

Les États-Unis : Hollywood et McDonald’s

Ah, les États-Unis ! Pas pour rien que l’idée vient de là. Les Américains ont compris depuis longtemps l’importance du soft power. Hollywood, c’est un peu la machine à rêves mondiale. Les blockbusters américains envahissent les écrans de la planète, façonnant les imaginaires et les aspirations de millions de personnes. Ajoutez à cela des marques comme McDonald’s et Coca-Cola, des réseaux sociaux comme Facebook ou X et vous avez un cocktail explosif de soft power. Ces éléments véhiculent une image de liberté, de succès et de prospérité, mais au finish il s’agit d’implanter les valeurs made in USA un peu partout dans nos petits crânes.

La Corée du Sud : K-pop et K-dramas

Qui aurait cru il y a vingt ans que la Corée du Sud deviendrait une superpuissance culturelle ? Avec la montée en puissance de la K-pop (merci BTS !) et des dramas coréens, le pays a su s’imposer comme une référence mondiale en matière de divertissement. En 2020, par exemple, le film Parasite a remporté l’Oscar du meilleur film, une première pour un film non anglophone, illustrant parfaitement cette ascension fulgurante.

La Chine : les routes de la soie culturelles

La Chine n’est pas en reste, au contraire. Elle utilise le soft power pour améliorer son image sur la scène internationale, notamment à travers des initiatives comme les Instituts Confucius, présents dans le monde entier afin de promouvoir la langue et la culture chinoises. De plus, elle investit massivement dans des productions cinématographiques internationales,organise des événements culturels de grande envergure, comme les Jeux olympiques de Pékin en 2008, et prête des pandas en leasing aux zoos les plus célèbres de la planète.

Soft power : facettes stratégiques

Les avantages du soft power ? Innombrables et bien pratiques. Tout principalement, cette méthode d’influence :

• évite les coûts humains et financiers des conflits armés,
• crée des alliances durables fondées sur l’admiration et le respect mutuel plutôt que sur la peur ou la coercition.

Bref c’est juste génial, ça évite de s’égorger. Et ça donne une excellente image du pays qui soft powerise. Ainsi, la France s’est imposée au fil des années comme un modèle de culture et de sophistication grâce à son cinéma, sa cuisine, son art de vivre, ce qui renforce son influence mondiale sans un seul coup de fusil.

Allons un peu plus loin dans cette analyse. Quelles sont les composantes d’un soft power abouti ?

La diplomatie culturelle

Les musées, les expositions et les festivals internationaux sont autant d’outils de diplomatie culturelle. Les pays organisent et sponsorisent ces événements pour partager leur culture et renforcer leurs liens avec d’autres nations. Par exemple, l’Inde organise à Paris depuis 2010 le festival Namasté France — une initiative de diplomatie culturelle portée par l’Ambassade d’Inde et l’ICCR, en partenariat avec l’Institut français. Ce festival pluridisciplinaire (musique, danse, artisanat, ateliers, gastronomie) a rassemblé plus de 20 000 visiteurs en 2023, illustrant un engagement durable dans le dialogue interculturel.

L’éducation et les échanges académiques

Les bourses d’études et les programmes d’échange académique sont des moyens puissants de soft power. Les étudiants étrangers sont exposés à la culture du pays d’accueil où ils partent faire leur cursus ; ils peuvent ainsi devenir des ambassadeurs culturels lorsqu’ils rentrent chez eux. Exemple type et particulièrement abouti, le DAAD, service allemand d’échanges universitaires, est l’un des plus puissants programmes de soft power éducatif au monde. Il finance des milliers de mobilités d’étudiants, d’enseignants et de chercheurs chaque année, dans une logique de coopération scientifique et culturelle. L’Allemagne s’affiche ainsi comme un pays ouvert, rigoureux, moderne, cultivant une image de partenaire fiable, particulièrement dans le monde universitaire.

Médias et divertissement

Les films, les séries télévisées, la musique, les jeux vidéo, mais aussi les formats courts ou les webtoons, sont aujourd’hui parmi les vecteurs les plus puissants du soft power culturel. Ils façonnent les représentations, véhiculent des styles de vie, font rayonner des langues, des esthétiques, des récits nationaux. Grâce aux plateformes de streaming comme Netflix, YouTube, Spotify ou TikTok, les contenus culturels circulent à une vitesse inédite et touchent des publics mondiaux — souvent bien au-delà des intentions initiales. La cinématographie indienne, avec ses codes visuels, ses récits mélodramatiques et son ancrage dans les mythologies locales, s’est imposée comme un pôle culturel majeur en Asie, en Afrique et au Moyen-Orient. Bollywood ne vend pas seulement des films, mais aussi une certaine image de l’Inde : festive, colorée, spirituelle, moderne et profondément enracinée dans ses traditions.

Soft power : un atout pour l’art et la culture… ou une menace ?

L’art et la culture ont toujours circulé, inspiré, ému au-delà des frontières. Mais dans un monde où l’image d’un pays constitue un levier stratégique, ils sont de plus en plus perçus comme des outils d’influence. Le soft power s’infiltre désormais dans les logiques de production culturelle. Est-ce une chance pour les artistes et les institutions ? Ou un risque d’instrumentalisation, voire de formatage ?

Un levier de rayonnement… et de soutien

Le soft power a indéniablement ouvert des portes à la création artistique. Dans certains pays, les politiques culturelles intègrent cette dimension stratégique pour mieux soutenir leurs artistes à l’international. La Turquie, par exemple, a misé massivement sur l’exportation de ses séries télévisées (« dizi »), devenues des succès populaires dans les Balkans, au Moyen-Orient, en Afrique et jusqu’en Amérique latine.
Des productions comme Diriliş: Ertuğrul, épopée néo-ottomane portée par des valeurs traditionnelles et une imagerie nationale forte, participent à façonner une image valorisante et influente de la Turquie contemporaine. Ce succès, aussi sincère soit-il sur le plan artistique, incarne une forme de soft power parfaitement orchestrée, mêlant récit national, nostalgie impériale et stratégie culturelle régionale.

En France, l’action culturelle extérieure repose sur un écosystème d’aides, de festivals, d’instituts et de subventions, qui favorise le rayonnement international d’une culture diverse et plurielle. Ce soutien permet à des cinéastes, des auteurs, des musiciens de faire entendre leur voix bien au-delà de l’espace francophone.

Quel est le prix culturel du soft power ?

Lorsque la culture devient un vecteur stratégique, elle risque de s’aligner sur des critères de visibilité, de désirabilité ou de conformité à une image souhaitée. Certains projets sont favorisés parce qu’ils « représentent bien » une esthétique ou un récit national, tandis que d’autres sont relégués car jugés trop critiques, trop dérangeants.

C’est le cas du cinéaste iranien Jafar Panahi, plusieurs fois emprisonné, censuré, puis interdit de tourner dans son propre pays. À l’international, ses films sont célébrés, primés à Berlin, Cannes ou Venise. Ils participent à l’image d’un Iran culturellement raffiné et intellectuel, tout en étant condamnés par les autorités qu’ils dérangent. Cette récupération paradoxale témoigne de la manière dont une œuvre dissidente peut renforcer le prestige culturel d’un pays malgré lui.

De façon inverse, certains artistes critiques sont progressivement neutralisés par la reconnaissance institutionnelle. C’est ce qu’a connu le musicien nigérian Fela Kuti, dont la musique radicale et militante a longtemps été rejetée par le pouvoir, avant d’être célébrée comme symbole de fierté nationale, une fois sa figure iconique stabilisée.

Les artistes, des ambassadeurs malgré eux ?

Beaucoup de créateurs ne se pensent pas comme des instruments diplomatiques. Leur œuvre naît d’une démarche intime, esthétique, politique. Mais dès qu’ils rencontrent le succès à l’international, ils deviennent, volontairement ou non, des symboles de leur culture d’origine.
C’est le cas de Studio Ghibli, au Japon, dont les films porteurs d’univers oniriques, d’écologie douce et de spiritualité subtile ont projeté dans le monde une vision apaisée, poétique et positive de la culture japonaise. À l’opposé, des figures comme Ai Weiwei (Chine), dont l’art est frontalement politique, sont érigées comme icônes de la liberté d’expression à l’étranger, alors qu’elles sont effacées de l’espace public national.

Une tension féconde ?

La relation entre soft power et création artistique est donc profondément ambivalente. Elle peut être fertile, lorsqu’elle offre aux artistes des moyens, une visibilité, une reconnaissance. Mais elle peut aussi être limitante, lorsqu’elle oriente les productions vers ce qui est « exportable », « positif », « non dérangeant ».

Pour préserver la vitalité artistique, il est essentiel de maintenir des espaces de création autonomes, à l’abri des impératifs diplomatiques ou des logiques d’image. Car le rôle profond de l’art n’est pas seulement de séduire ou de représenter : c’est aussi de troubler, de questionner, de résister — et c’est en cela qu’il reste, paradoxalement, l’un des vecteurs les plus puissants du soft power véritable.

Le soft power n’est ni bon ni mauvais en soi. C’est un outil, une stratégie, une énergie culturelle en mouvement. Reste à savoir qui l’emploie, dans quel but, et avec quelles limites. Car derrière la séduction douce se joue parfois une partie d’échecs bien plus rude.
Alors la prochaine fois que vous chantez un tube de BTS, regardez une série turque ou écoutez un auteur exilé à la radio, demandez-vous : suis-je juste un public ? Ou déjà un pion sur l’échiquier du pouvoir ?

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Trois expositions, trois lieux, un même fil rouge qui questionne la place du geste artistique par temps de conflit, plus spécifiquement dans la Seconde Guerre mondiale. Sujets, acteurs, témoins, victimes ou survivants : entre engagement, mémoire et devoir d’histoire, ces artistes, professionnels ou amateurs, ont fait le choix de créer dans des contextes antagonistes. Le Musée de l’Armée, le Mémorial de la Shoah et les musées de la Ville de Paris conjuguent leurs regards sur cette époque noire dont l’art se fait le témoin.

Musée de l’Armée – Invalides : Un exil combattant – Les artistes et la France 1939-1945

Ils s’appelaient Ossip Zadkine, Wifredo Lam, Julio González, Jean Gabin et ils ont fui les persécutions, les pogroms, la guerre. Mais pas question de rester silencieux : en exil, ces artistes, venus d’Europe ou d’ailleurs, ont rejoint la France libre, les réseaux de la Résistance ou les salons engagés. Leurs œuvres – sculptures, peintures, affiches – témoignent d’une lutte culturelle aussi bien que politique. Leurs créations disent la fracture du monde, l’exil intérieur et la foi en une liberté qu’il fallait défendre, pinceau ou burin à la main.

L’exposition du Musée de l’Armée propose un parcours saisissant à la croisée des arts plastiques, de l’histoire et de l’engagement. En révélant les trajectoires singulières de ces artistes contraints à l’exil, elle éclaire une mémoire souvent oubliée : celle de ceux qui, tout en perdant une patrie, ont trouvé dans l’acte de création un territoire de résistance. C’est aussi une réflexion sur l’accueil de la France aux talents venus d’ailleurs, sur l’exil comme moteur de création, et sur la capacité de l’art à dépasser les frontières, les dictatures et les douleurs. Une leçon d’humanité autant qu’un hommage à l’art en temps de guerre.

Pour en savoir plus, consultez le site du Musée de l’Armée.

Musée de la Libération de Paris : Daniel Cordier (1920-2020) – L’espion amateur d’art

Résistant de la première heure, secrétaire de Jean Moulin, Daniel Cordier a incarné l’engagement total. Jeune homme issu d’une droite monarchiste, il bascule dans l’action clandestine dès 1940, puis devient une figure clé du réseau de la France libre. Après la guerre, il trouve dans l’art une autre forme de combat : celle de l’expression, de la liberté, de la rupture. Collectionneur audacieux, défenseur de la modernité, il s’entoure d’artistes comme Henri Michaux, Jean Dubuffet ou Dado, bien loin de l’académisme rassurant.

L’exposition présentée au Musée de la Libération de Paris retrace cette double vie, entre ombre et lumière, clandestinité et éclat esthétique. Plus qu’un portrait, elle interroge la manière dont l’expérience de la Résistance a façonné un regard — celui d’un homme qui, après avoir risqué sa vie pour la liberté, a défendu avec la même ferveur une liberté de création radicale. C’est aussi un voyage au cœur de l’avant-garde, une plongée dans une époque où collectionner relevait d’une vision, presque d’une mission. Un témoignage rare sur l’alliage subtil entre engagement politique et engagement artistique.

Pour en savoir plus, consultez le site du musée de la Libération de Paris – musée du général Leclerc – musée Jean Moulin.

Mémorial de la Shoah : Comment les nazis ont photographié leurs crimes – Auschwitz 1944

À Auschwitz, en 1944, certains SS ont, malgré les interdictions de leur hiérarchie, documenté l’indicible. Des officiers ont photographié l’arrivée des convois, la sélection, les gestes répétés de l’extermination industrialisée. Ces images, glaçantes, administratives, ont été retrouvées après-guerre. En face, d’autres clichés : pris clandestinement par des déportés résistants, ces photos volées montrent les corps brûlés, les cendres, l’horreur à nu. Deux regards, deux usages de l’image, deux mémoires irréconciliables.

L’exposition du Mémorial de la Shoah confronte ces documents comme des preuves — mais aussi comme des objets de réflexion. Comment représenter l’immontrable ? Comment faire face à l’archive produite par les bourreaux ? En exposant sans voyeurisme ces photographies, l’exposition ouvre un espace de pensée vertigineux sur le rôle de l’image : arme de propagande, outil judiciaire, trace d’une mémoire fragile. Un parcours bouleversant, nécessaire, qui replace la photographie dans sa fonction la plus grave : témoigner pour ne pas oublier.

Pour en savoir plus, consultez le site du Mémorial de la Shoah.

Trois expositions, une même urgence : ne pas laisser l’art au silence

Des ateliers d’exilés aux archives de l’horreur, des pinceaux engagés aux clichés du crime, ces trois expositions explorent une question fondamentale : que peut l’art face à la guerre, face à la barbarie, face à l’effacement ? À travers des formes diverses — peinture, photographie, engagement personnel ou collection militante —, c’est toujours une même nécessité qui s’exprime : celle de témoigner, de transmettre, de résister.

Dans une époque où la mémoire vacille, où les extrêmes séduisent à nouveau, où les réfugiés sont rejetés et les artistes censurés, ces parcours historiques résonnent comme des avertissements. Mais aussi comme des leçons de courage et de dignité. Car ces œuvres, ces gestes, ces images nous rappellent une chose essentielle : même au cœur de la nuit, l’art peut rester debout. Et faire front.

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Difficile d’aborder les dessous du scandale Watergate sans faire écho à la trilogie Underworld USA. Il faut bien reconnaître qu’avec cette série de romans, James Ellroy a posé une pierre fondatrice en matière de thriller politique et d’analyse désabusée de la corruption made in America. Si l’on veut comprendre l’ampleur du fiasco Nixon, la logique qui en a été le déclencheur et la toile de fond, parcourir ces trois pavés est indispensable. Car les micros planqués, les enregistrements pirates, les chantages, les pressions, les menaces, les coups fourrés ne sont pas l’apanage de Dirty Dick, d’autres avant lui se sont distingués dans cet exercice périlleux. Hommes de l’ombre, barbouzes extrémistes, agents doubles, politiciens véreux : James Ellroy, avec sa plume corrosive de « Demon Dog » nous plonge avec autant de délice que de dégoût dans les spectres de cette Amérique souterraine.

Une tragédie politique en trois temps

Underwold USA est constituée de trois romans pensés comme trois actes d’une tragédie politique d’envergure.

American Tabloïd (1995) : Les fondations du chaos

Dans ce premier volet, Ellroy nous transporte de 1958 à 1963, période charnière où l’Amérique vacille entre espoir et désillusion. On y suit les trajectoires de Pete Bondurant, Kemper Boyd et Ward Littell, trois hommes aux allégeances floues, naviguant entre le FBI, la CIA, la mafia et les Kennedy. L’auteur expose les liens troubles entre le pouvoir politique et le crime organisé, suggérant que l’assassinat de JFK n’était pas un acte isolé, mais le résultat d’un enchevêtrement de trahisons et de manipulations.

American Death Trip (2001) : L’Amérique en déliquescence

Poursuivant American Tabloïd, ce second tome s’ouvre sur l’assassinat de JFK en 1963 et se clôt sur ceux de Martin Luther King Jr. et Robert F. Kennedy en 1968. Ellroy y adopte un style plus dépouillé encore, plus organique et primaire, reflétant la brutalité, la crudité de l’époque. La guerre du Vietnam, les tensions raciales, les manipulations politiques irriguent ce récit cauchemardesque, offrant une vision sombre et désabusée d’une nation en perte de repères.

Underworld USA (2009) : La descente aux enfers

Dernier opus de la trilogie, Underworld USA couvre les années 1968 à 1972, période marquée par la désillusion post-68. Ellroy y introduit de nouveaux personnages, tels que Don Crutchfield, un détective privé, et explore des thèmes comme l’infiltration du FBI dans les mouvements révolutionnaires, la corruption politique et les opérations secrètes à l’étranger. Ces pages sonnent comme une conclusion intense et violente de la trilogie.

Une fresque de la corruption systémique

À travers ces trois romans, Ellroy dresse le portrait implacable d’une Amérique gangrenée par la corruption, où les idéaux sont sacrifiés sur l’autel du pouvoir. Les méthodes des barbouzes Hunt et Liddy, l’aveuglement de Mitchell et sa clique, décrits dans Les Hommes du président, Gaslight et The White House Plumbers trouvent leurs racines dans les pratiques décrites par Ellroy : manipulations médiatiques, assassinats politiques, infiltrations, coups tordus en tout genre.

En revisitant les décennies précédant le Watergate, l’auteur du mythique polar Le Dahlia Noir offre une perspective unique sur les mécanismes qui ont conduit à l’un des plus grands scandales politiques américains. Il va plus loin ; balzacien dans l’âme, il décrypte une mentalité, la psychologie d’une époque, une idéologie mortifère qui dévore les âmes, gangrène les esprits, soumet les volontés, dissout l’esprit de justice et d’égalité. Sa trilogie n’est pas seulement une œuvre de fiction, elle déroule une analyse profonde des dérives du pouvoir et de la fragilité des institutions démocratiques.

En somme, la trilogie Underworld USA est une plongée vertigineuse dans les ténèbres de l’histoire américaine, une lecture indispensable pour quiconque souhaite comprendre les racines profondes du Watergate et les mécanismes de la corruption politique.

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Difficile d’évoquer Les Hommes du président et Gaslit sans ajouter à cette liste déjà prestigieuse la série The White House Plumbers. Sortie en 2023, Les Plombiers de la Maison Blanche, vient compléter la fresque télévisuelle autour du scandale du Watergate de flamboyante et grotesque manière, avec une particularité non négligeable : exit le thriller le drame psychologique, on mise ici sur la satire ! Objectif : raconter comment des hommes convaincus de sauver l’Amérique ont précipité la chute de sa présidence… en accumulant les ratés. Résultat ? Une comédie grinçante, absurde, parfois pathétique et terriblement lucide.

Des “plombiers” pour colmater les fuites

C’est ainsi que Howard Hunt et G. Gordon Liddy se baptisent, allant jusqu’à fièrement afficher cette qualification sur la plaque qui orne l’entrée de leur bureau à la Maison Blanche. Ces deux anciens agents (de la CIA pour l’un, du FBI pour l’autre) ont initialement été recrutés pour éviter les fuites d’informations compromettantes dans les médias. C’est qu’au cœur du pouvoir, on se remet mal de la diffusion des Pentagon papers en une des grands quotidiens nationaux, New-York Times et Washington Post en tête. Et des infos compromettantes, on en a beaucoup, beaucoup en réserve.

Du coup, on prend désormais les devants. Mission pour le binôme Hunt/Liddy : empêcher que d’autres grandes magouilles du gouvernement soient divulguées à la presse par un lanceur d’alerte en quête de justice. Et pour ce faire, les deux barbouzes ont carte blanche. Seulement voilà : ce n’est rien de dire que ce sont des zéros pointés. Obsédés par leur vision d’une Amérique conservatrice et anti-communiste, paranoïaques au possible, patriotes jusqu’au fanatisme, Hunt/Liddy multiplient les opérations clandestines grotesques pour discréditer les opposants à Nixon. Et c’est là qu’on apprend que l’effraction ratée du Watergate, qui fera basculer l’Histoire, n’est que le point d’orgue d’une longue série de ratages.

Ubu roi version USA

Des ratages dignes d’un numéro de clowns. The White House Plumbers se distingue de récits plus sérieux comme All the President’s Men, en prenant carrément le contre-pied de l’approche press movie : ici l’affaire du Watergate apparaît pour ce qu’elle est : une farce. Bévues énormes, égos surdimensionnées, convictions absurdes… c’est Ubu roi version USA ! Avec à la clé une morale mémorable : la chute d’un régime se joue certes dans les hauteurs du pouvoir, les colonnes d’un journal … mais aussi via les décisions incongrues de sous-fifres convaincus d’avoir raison.

Alex Gregory et Peter Huyck à la création, Woody Harrelson en Hunt, Justin Theroux en Liddy, le duo fonctionne à merveille pour camper ce couple improbable et fusionnel. Ajoutons entre autres Lena Headey, Ike Barinholtz, Domhnall Gleeson, Judy Greer à ce casting flamboyant. La série repose sur des bases plus que saines pour donner à voir ce côté burlesque/cartoonesque totalement inattendu mais véridique (chaque épisode se termine par un encart soulignant la véracité des faits relatés, histoire de bien enfoncer le clou, de souligner que si un scénariste avait inventé pareille intrigue, on lui aurait jeté son texte à la figure).

Une caste profondément pourrie

On rit, on rit jaune, mais on rit. Et plus on rit, plus on est mal à l’aise. Parce que les “plombiers” sont ridicules. Parce que leur ridicule va engendrer un séisme politique majeur. Parce qu’avec leur incompétence crasse, ils vont entraîner leurs familles, leur pays dans leur chute. Aveuglement idéologique, radicalisation insidieuse, extrémisme politique, les mécanismes du fanatisme sont ici autopsiés avec beaucoup d’acuité. La corruption également. Le cynisme dirigeant aussi : les cinq épisodes de cette fresque tonitruante mettent en avant une constellation de scandales composant les racines de ce monument de connerie qu’est le Watergate.

On en parle peu ou pas, mais mises bout à bout, ces affaires éclairent le profond pourrissement d’une caste prompte à tous les coups bas pour conserver sa position dominante. Quitte à envoyer au casse-pipe des pauvres gars qui croient en un président qui va les abandonner sans aucun scrupule. Comme l’explique très bien la conclusion de la série, Nixon, s’il démissionne, ne sera jamais poursuivi, ne fera jamais de prison, contrairement à ses hommes de main. Il y a dans ce récit un peu de la morgue de James Ellroy, fin narrateur des trafics secrets propres au pouvoir américain ; il y a aussi un lien intéressant avec la série Gaslit, une approche satirique et un regard complémentaire sur les dommages collatéraux.

Les hommes du président furent eux aussi frappés de plein fouet. Abandonnés à leur sort. Oubliés, méprisés par un président qu’ils adulaient, prêts à tout pour le conserver à sa place alors qu’il était déjà certain de remporter le pouvoir. On les devine dès les premières images incompétents et obtus, on les découvre au fil de leur déchéance naïfs et manipulables. Comme quoi il ne faut jamais vénérer un politique, quel qu’il soit ?

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