Quand l’art rencontre le sport, il se passe parfois des choses inattendues. La rencontre entre Andy Warhol et Muhammad Ali fait partie de ces moments où deux géants de leur discipline se croisent pour donner naissance à une image devenue iconique. D’un côté, Warhol, pape du Pop Art, obsessionnel des célébrités et des médias. De l’autre, Ali, boxeur flamboyant, poète provocateur, militant charismatique. Ensemble, ils vont transformer un simple portrait en manifeste culturel.

Deux icônes, deux mondes… une même scène

Andy Warhol, c’est l’enfant terrible de l’art américain des années 60-70. Avec ses sérigraphies de Marilyn Monroe, ses boîtes de soupe Campbell et ses autoportraits en série, il a redéfini le rapport entre l’art, la consommation, et la célébrité. Warhol ne peignait pas des visages, il les reproduisait, les industrialisait, les vendait comme des marques.

Muhammad Ali, lui, c’est une légende du sport. Triple champion du monde des poids lourds, il électrise les foules, aussi agile avec ses poings qu’avec ses mots. Mais Ali est plus qu’un boxeur. Il refuse la guerre du Vietnam, se convertit à l’islam, devient une figure de résistance noire. Il est controversé, adulé, détesté, vénéré. En un mot : inarrêtable.

Une rencontre explosive

En 1977, Warhol entreprend une série de portraits intitulée Athletes. À l’époque, le sport n’est pas encore un sujet majeur dans l’art contemporain. Warhol, flairant l’air du temps, décide de peindre des figures emblématiques : Pelé, O.J. Simpson, Chris Evert… et bien sûr, Muhammad Ali. Le projet est commandité par le collectionneur Richard Weisman, dans l’idée de réunir les stars du sport comme on réunirait des dieux sur l’Olympe.

Mais Ali n’est pas un modèle facile. Lors de leur rencontre à Chicago, Warhol se heurte à la méfiance du champion. Ali est tendu, silencieux. Ce n’est qu’après avoir discuté avec l’assistante de Warhol, qui lui parle des engagements du peintre en faveur de la différence et des marginaux, qu’il accepte. Warhol prend des polaroïds du boxeur : visage fermé, poings levés. Une posture qui rappelle autant la garde d’un pugiliste que la posture d’un résistant.

Un portrait devenu manifeste

Le résultat est saisissant. Warhol ne cherche pas la ressemblance, il cherche la force du symbole. Le visage d’Ali, cadré en gros plan, flotte sur un fond coloré. Les traits sont soulignés de noir, les couleurs saturées : on dirait une affiche, un poster de propagande ou une couverture de magazine. Mais au lieu d’un dictateur ou d’une star de cinéma, c’est un boxeur noir américain, en pleine ascension, qui devient icône.

Ce portrait bouleverse. Car Warhol, en élevant Ali au rang d’icône pop, reconnaît dans le sport une force esthétique, politique et sociale. Il fait d’Ali un héros de la culture visuelle, au même titre qu’Elvis ou Mao. Et ce faisant, il brouille les frontières entre art élitiste et culture populaire, entre galerie et salle de sport.

Ce que ça nous dit de notre époque

La série Athletes de Warhol est un tournant. Elle anticipe ce que deviendront les sportifs dans les années 80 et 90 : des figures médiatiques, des marques à part entière, des symboles culturels. Elle montre aussi que l’art peut parler du sport sans condescendance, avec respect, et même admiration.

Aujourd’hui encore, ce portrait de Muhammad Ali résonne. Il nous parle d’engagement, de puissance, de lutte — mais aussi de beauté, d’attitude, d’image. Il nous rappelle que les champions ne sont pas que des corps performants : ce sont aussi des esprits, des consciences, des figures à interpréter.

Et en tant que coach sport santé, c’est ce message que je retiens : le sport n’est pas qu’une affaire de performance. C’est une culture, un langage, un miroir de la société. Ali, par sa présence, sa parole, ses combats sur et hors du ring, incarne tout cela. Warhol, par son regard, l’a figé pour l’éternité.

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Pourquoi ce soudain intérêt pour le ukulélé ? Peut-être parce que je viens de revoir Certains l’aiment chaud de Billy Wilder ? Et que Marilyn Monroe grattant frénétiquement son ukulélé en entonnant « Runnin’ wild » m’a donné envie de m’y mettre ? En tout cas, de m’y intéresser ? Who knows ? En tout cas, force est de constater que ce petit instrument, qu’on a désormais tendance à trouver au rayon « Jouets » ou « Musique » des enseignes culturelles comme  Bax Music , en a pourtant sous le capot. On l’associe aux plages ensoleillées d’Hawaï, ce qui n’est pas faux, mais c’est ignorer le potentiel et le parcours d’un élément iconique de la culture pop.

Du Portugal à Hawaï

Qui dit « ukulélé » dit Hawaï. Le terme signifie littéralement « puce sautillante ». Une manière pour le moins poétique de désigner l’agile vivacité des doigts des musiciens sur les cordes. Une autre interprétation culturelle existe : « uku » signifie « cadeau » ou « récompense », et « lele » signifie « voler » ou « sauter ». Certains Hawaïens voient donc le ukulélé comme un « cadeau qui vole », en référence à sa capacité à transmettre des émotions et à voyager d’une âme à l’autre. Bref, étymologiquement, le ukulélé est empreint de joie, de liberté, de malice… et de croisement patrimonial ?

Sa naissance a en effet tout du conte de fées exotique. À la fin du XIXᵉ siècle, des immigrants portugais originaires de l’île de Madère débarquent à Hawaï. Dans leurs valises, un petit instrument à cordes appelé « braguinha », proche du cavaquinho portugais. Les Hawaïens sont immédiatement séduits par le son de cet instrument ; ils l’adoptent et le rebaptisent « ukulélé », probablement fascinés par le jeu des doigts sur les cordes.

Un symbole culturel

Le ukulélé ne va pas se contenter de son île. Très vite, il sort d’Hawaï au gré des échanges maritimes qui s’y déroulent, franchit les mers et les océans pour venir animer San Francisco et son Exposition universelle de 1915 ; le pavillon hawaïen a en effet eu l’idée pour le moins ingénieuse de lui donner la vedette. Succès au rendez-vous : le ukulélé s’impose comme le porte-étendard et le symbole de la culture hawaïenne. Et devient une source d’inspiration pour les artistes américains.

Durant les Années folles, Cliff “Ukulele Ike” Edwards, Roy Smeck, Laurel et Hardy, Buster Keaton, les ukulélistes prolifèrent aux USA, certains fondant l’ensemble de leur carrière et de leur succès sur l’usage du petit instrument si riche en effets mélodiques et comiques. Le ukulélé va aussi s’exporter en Europe : ainsi Maurice Chevalier va carrément promouvoir une méthode d’initiation en dix minutes.

Le sens de l’adaptation

Elvis Presley, John Lennon, Joni Mitchell, Eric Clapton, Brian May… le ukulélé va perdurer dans le temps en s’infiltrant notamment dans la sphère du rock et de la pop musique. Aujourd’hui encore, il continue d’inspirer des pointures comm Israel Kamakawiwo’ole et son célèbre medley « Over the Rainbow/What a Wonderful World » ou Jake Shimabukuro (dont l’interprétation de « While My Guitar Gently Weeps » prouve que le ukulélé peut rivaliser avec les guitares électriques les plus hurlantes). Eddie Vedder de Pearl Jam, lui consacre même un album entier en 2011 : Ukulele Songs élève alors l’instrument au rang d’icône indie.

Un beau parcours, n’est-ce pas ? Pas un hasard du reste si le ukulélé plaît tant. Compact, facile à prendre en main avec ses quatre cordes, orné parfois de couleurs acidulées, il attire les débutants qui veulent apprendre la musique sans y laisser leur compte en banque ni envahir leur séjour. C’est que ce petit instrument est facile à apprendre. Et puis il a su s’adapter remarquablement. S’il est initialement fabriqué en bois de koa, une essence locale hawaïenne, on trouve des versions en plastique dès les années 1950, ce qui le rend accessible aux petits budgets.

Un monde sonore

Un jouet ? Que nenni. Sous cette apparente simplicité se cache un monde sonore infiniment riche, capable de mêler la mélancolie des ballades à l’énergie brute du rock’n’roll. Nul besoin d’être un virtuose pour s’en emparer : quelques accords suffisent à transformer un dimanche pluvieux en fiesta improvisée. Le ukulélé apporte une légèreté bienvenue dans un monde souvent lourd et bruyant. À la fois intime et universel, il peut être mélodieux ou dissonant, acoustique ou amplifié. Il ne se contente pas d’être un simple instrument : il devient un prolongement de celui qui le joue, un moyen d’exprimer sa créativité sans limites.

Récapitulons : le parcours du ukulélé, de ses racines modestes à son statut d’icône musicale mondiale, illustre sa capacité à transcender les cultures et les époques. Plus qu’un simple instrument, il est le symbole d’une fusion réussie entre tradition et modernité. Revenons à Marilyn et son ukulélé, dans Certains l’aiment chaud : le ukulélé y apparaît drôle, charmant, déroutant, terriblement efficace quand il s’agit de capter l’attention, de transmettre une émotion. Que vous soyez fan de punk rock, de jazz, de pop acidulée, attrapez un ukulélé et laissez-vous emporter. Car comme le prouve Marilyn, parfois, il suffit de quatre cordes pour donner le ton !

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Gestes gracieux, œillades suggestives, l’éventail, longtemps fit partie du vestiaire féminin. Traversant l’Histoire et les continents, il apparaît dans les représentations picturales comme un accessoire incontournable, avant de se perdre, du moins dans notre société. Mais il fait peu à peu son come-back à la faveur du réchauffement climatique. Qu’en est-il de cet accessoire fascinant, de ses origines antiques à son utilisation contemporaine, en passant par sa fabrication artisanale, son rôle dans la haute couture et les grands fabricants actuels ? Et tant qu’à s’équiper, où trouver un éventail de qualité, en écho avec vos goûts, vos attentes ?

Diversité esthétique, usages multiples

L’éventail ? Des formes, des couleurs, des matériaux multiples pour des usages diversifiés : l’objet par sa variété d’aspect et d’usages est fascinant. Mais encore ?

• L’éventail pliant, ou à charnière, est sans doute le plus connu et le plus utilisé. Composé de lames en bois, en bambou ou en ivoire qui pivotent autour d’un point central, il se plie et se déplie aisément, dans un geste de la main d’une rare élégance. La feuille qui revêt ces lames peut être en papier, en soie, en dentelle, en plumes, unie ou ornée de peintures délicates, de motifs imprimés ou de broderies. Certains éventails sont même ornés de pierres précieuses et de perles. Très populaires en Europe depuis le XVIIe siècle, ils sont utilisés aussi bien pour se rafraîchir que pour accessoiriser des tenues élégantes.
• L’éventail rigide, plus robuste et plus simple d’aspect, peut être fabriqué en bois, en bambou ou en métal, comme les éventails japonais ou tessen. Moins décoratif que les éventails pliants, il peut néanmoins être peint ou gravé de motifs traditionnels. En Asie, il a souvent des usages cérémoniels ou martiaux.
• L’éventail en plumes est l’accessoire glamour par excellence. Composé de plumes naturelles ou teintes (comme des plumes d’autruche, de paon ou de faisan) fixées sur une monture souvent en bois ou en métal, il peut être orné de gemmes ou de rubans. Très prisé des spectacles de cabaret, c’est l’atout sophistiqué des effeuilleuses burlesques notamment.
• Moins glamour, l’éventail publicitaire intervient dans les campagnes marketing comme un outil de promotion inédit et surprenant. Souvent fabriqué en plastique ou en carton pour des coûts de production réduits, il est personnalisé avec des logos, des slogans et des images de marque, et conçu pour être distribué en grande quantité lors d’événements. Utilisé lors de concerts, de festivals, de foires commerciales et d’autres événements publics, il combine utilité et visibilité.

Tour du monde de l’éventail

Bref, l’éventail ne sert pas seulement à s’éventer. Pour preuve, ce petit tour du monde qui met en évidence les cultures qui ont adopté et décliné l’objet à leur manière.

• L’éventail espagnol, ou abanico, est un symbole de la culture ibérique, souvent associé à la danse flamenco. Fabriqué principalement en bois et en tissu, très coloré, souvent décoré de motifs floraux et de dentelle, il sert bien évidemment à se rafraîchir mais aussi comme un accessoire de danse, ajoutant du charme et du drame aux performances de flamenco.
• L’éventail chinois, ou shan, est l’un des plus anciens types d’éventails, riche en symbolisme et en histoire.Traditionnellement fabriqué en bambou et en papier de riz, souvent orné de calligraphie et de peintures de paysages, de scènes mythologiques, de poèmes ou de motifs naturels, il intervient durant les cérémonies, signe d’appartenance à la haute société, symbole de culture et de sagesse.
• Outre le tessen meurtrier, l‘éventail japonais, ou uchiwa, rigide et plat, est typiquement utilisé lors des festivals d’été. Fait de bambou et de papier washi, décoré de motifs traditionnels japonais comme les fleurs de cerisier, les poissons koi et les scènes de la vie quotidienne, il est célèbre pour sa légèreté et sa durabilité.
• Artisanal, l‘éventail africain est un élément culturel essentiel , à la fois utilitaire et décoratif. Souvent tissé à la main à partir de matériaux naturels comme les feuilles de palmier, le rotin, le cuir., il est orné de motifs géométriques ou symboliques, agrémenté de perles ou de coquillages, symbolise l’hospitalité et la convivialité.

Chaque type d’éventail a sa propre histoire et son utilité, du glamour des éventails en plumes aux pratiques éventails publicitaires, en passant par les riches éventails africains. Ces objets charmants et variés captivent par leur beauté, leur fonctionnalité et leur capacité à transcender les cultures… et les époques. Car l’aventure de l’éventail ne date pas d’hier.

Une aventure ancestrale

L’éventail possède en effet une histoire riche et complexe qui s’étend sur plusieurs millénaires et traverse les civilisations. De l’Antiquité à nos jours, il a évolué en termes de forme, de fonction et de signification culturelle, se réinventant au fil des âges.

Les origines

L’éventail est né dans l’Antiquité, il y a plus de 3 000 ans. On en détecte les premières traces tangibles en Égypte et en Chine.

• En Égypte, il symbolisait le pouvoir et le statut social. Fabriqué en plumes d’autruche montées sur des manches en ivoire ou en or, on en usait durant les cérémonies politiques et religieuses.
• En Chine, il apparaît dès le IIe siècle avant notre ère. Rigide et faits de feuilles de palmier, c’est un accessoire symbolique dans les rituels religieux.

Moyen Âge et Renaissance : cap sur l’Europe

L’éventail survient en Europe au Moyen Âge, probablement introduit par les échanges commerciaux avec l’Orient et les croisades. La Renaissance va le rendre célèbre , notamment en Italie et en France. L’Italie des Médicis en fait un symbole de raffinement et de sophistication. Les éventails d’alors sont souvent ornés de motifs artistiques, inspirés par les œuvres des grands maîtres de l’époque. En France, il gagne en popularité au XVIIe siècle, particulièrement sous le règne de Louis XIV. La cour du Roi-Soleil l’érige en accessoire de mode incontournable. Réalisé dans des matériaux précieux comme l’ivoire, la nacre et la soie, cet objet de luxe est rehaussé de peintures miniatures et de broderies délicates.

Époque moderne : l’éventail enter mode et communication

Aux XVIIIe et XIXe siècles, l’éventail continue d’évoluer, s’adaptant aux tendances de l’époque. Il devient un moyen de communication subtil et un accessoire de mode indispensable.

• Les éventails de conversation font leur apparition dans les cercles aristocratiques. Des « langages de l’éventail » complexes sont développés, permettant aux utilisateurs de transmettre des messages en utilisant des gestes spécifiques.
• Avec l’avènement de la Révolution industrielle, la production d’éventails se mécanise, d’où une diversité accrue et une plus grande accessibilité pour les classes moyennes : l’éventail devient un objet populaire.

XXe Siècle : l’éventail entre tradition et modernité

Le XXe siècle voit l’esthétique de l’éventail osciller entre ces deux tendances. Alors que les avancées technologiques introduisent de nouvelles façons de se rafraîchir, comme les ventilateurs électriques et la climatisation, l’objet conserve son charme et sa pertinence culturelle.

• Durant la période 1920-1930, l’éventail inspire les artistes du mouvement Art déco. Les designs deviennent plus géométriques et stylisés, des matériaux modernes comme le celluloïd et le plastique s’imposent.
• L’éventail fait également son apparition dans la culture populaire, notamment dans le cinéma et le théâtre. Des stars de cinéma comme Marilyn Monroe contribuent à populariser l’éventail comme accessoire glamour.

XXIe Siècle : L’éventail sur le devant de la scène

L’éventail connaît aujourd’hui une renaissance porté par des tendances écologiques et un renouveau de l’artisanat traditionnel. Exfiltré des salons royaux et des geishas, il a su se démocratiser et trouver sa place dans notre quotidien.

• Les grandes maisons de couture, telles que Chanel, Dior et Valentino, réintègrent l’éventail dans leurs collections, le réinventant avec des matériaux luxueux et des designs avant-gardistes.

• Les artisans perpétuent les techniques traditionnelles tout en innovant avec des designs modernes. Alors que les étés deviennent de plus en plus chauds, l’éventail réapparaît comme une solution simple et efficace, une alternative écologique aux dispositifs de climatisation : il ne consomme pas d’électricité, est léger, portable, silencieux. De plus, il incarne une élégance et une durabilité qui manquent cruellement à nos gadgets modernes. Dans un monde où chaque geste compte pour protéger notre planète, l’éventail offre une alternative charmante et respectueuse de l’environnement.
• L’éventail trouve une nouvelle popularité dans les festivals de musique et les événements en plein air, devenant un accessoire à la fois pratique et tendance.

Pour en savoir plus, nous vous conseillons de faire un petit tour au musée de l’Eventail à Paris. Tenu par l’association « Les Amis du Musée de l’evential Hervé HOGUET », l’endroit regorge de trésors, de pièces uniques, d’éventails bijoux.

Fabriquer un éventail aujourd’hui : tradition artisanale et grandes maisons

La création d’un éventail de qualité comprend plusieurs étapes clés :

• La sélection des matériaux : bois de santal, bambou, soie, papier… les matériaux sont choisis pour leur qualité et leur beauté.
• La découpe et l’assemblage des lames : ces dernières, qui forment la structure de l’éventail, sont découpées et poncées à la main pour garantir leur finesse et leur solidité.
• La fixation de la feuille : Souvent décorée à la main, la feuille est fixée aux lames. C’est ici que l’éventail prend vie, chaque pli ajoutant à sa beauté et à sa fonctionnalité.
• Finitions et personnalisation : Les détails font toute la différence. Broderies, peintures, perles, pampilles et autres ornements sont ajoutés pour créer des pièces uniques et élégantes. Certains modèles sont présentés dans des écrins ou des pochettes de protection. On peut y ajouter une chaîne afin de le suspendre à son cou.

Bref, la fabrication d’un éventail ne s’improvise pas. Il convient donc d’investir dans un produit qualitatif façonné par un artisan spécialisé. On peut bien sûr se tourner vers un site de ecommerce spécialisé comme L’Eventail rouge ou Eventail-boutique.com. Mais il faut savoir qu’il existe encore de très grandes maisons expertes dans la création d’éventails depuis des décenies ; ces dernières perpétuent la tradition tout en innovant avec des designs modernes.

Citons quelques grands noms du secteur :

• Duvelleroy : Fondée en 1827 à Paris, cette maison est l’une des plus anciennes et des plus prestigieuses. Duvelleroy collabore avec des artistes contemporains pour créer des éventails uniques, de véritables pièces de collection, agrémentées de pampilles, présentées dans des boites comme des objets précieux.
• Casa de Diego : Installée à Madrid, cette entreprise familiale fabrique des éventails artisanaux depuis 1823, alliant savoir-faire traditionnel et modernité.
• Vera Pilo : cet atelier lyonnais créé en 2003 est spécialisé dans la fabrication d’éventails depuis les modèles les plus élégants jusqu’aux spécimen les plus extravagants. Formes, couleurs, motifs, difficile de ne pas y trouver son bonheur et des modèles d’une très grande qualité !
• Revolvair éventails : installé à Saint-Paul de Vence, cet atelier provençal propose une impressionnante gamme de modèles réalisés à la main, et qui vous séduiront tant au niveau des formes que des tissus, des motifs, des couleurs. Impossible de ne pas y trouver son bonheur, sachant qu’en plus, chaque saison révèle de nouvelles créations.
• Nani Makani : cette formule hawaïenne désigne « le beau vent ». Une jolie tournure pour désigner des éventails pliants au design ovale original, aux ornements variés et fantaisistes. La marque Nani Makani, dans un souci d’exigence et de qualité, fait fabriquer ses modèles en Allemagne.

Et puis il y a les artistes. Héritiers de Fragonard ou Manet, des créateurs contemporains se sont emparés de l’éventail comme support de leur imagination.

• Olivier Bernoux : ce designer a su s’imposer comme une véritable référence en matière d’éventails ; du reste il collabore avec les maisons de haute couture les plus célèbres, initiant des modèles raffinés et inédits pour des stars comme Rossy de Palma (sa Muse), Madonna .
• Valérie B Cartier : cette dessinatrice textile de talent, collagiste experte par ailleurs, crée des éventails rigides d’inspiration exotique qu’elle décline comme de véritables mosaïques. Elle y mêle motifs géométriques, calligraphies, photographies d’un autre âge, chromos et étoffes dans une conjugaison charmante où dialoguent les inspirations.
• Susana Salvo : cette peintre espagnole orne des éventails aux formes variées comme autant de fresques où le floral échange avec les figures sacrées, le visages des stars, la figure de proches. L’éventail devient ainsi un objet personnalisé au possible, souvenir d’un être aimé ou ex-voto sacré.
• Mathilde Lecrouerour : ses éventails mettent en valeur les tissus et les papiers de soie qu’elle teint elle-même dans des tonalités indigo du plus bel effet. Motifs végétaux ou animaux, ombres et jeux de lumière, l’éventail devient un support de son univers au même titre qu’une toile ou une photographie.

C’est un tour de piste pour le moins rapide et incomplet que nous vous avons proposé dans ces lignes. Il y aurait encore beaucoup à dire sur ce vaste sujet. mais vous avez ici des grandes lignes qui vous permettront de vous orienter vers l’éventail le plus adapté à vos besoins. Et qui sait, allez-vous vous prendre d’amour pour cet accessoire si charmant, et débuter une collection ?

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Complete crush ce jour pour l’univers scintillant de Sara Shakeel, ou comment une dentiste a lâché fraise, bagues et appareils dentaires pour se reconvertir dans l’art avec un goût prononcé pour tout ce qui brille.

L’appel du glitter way of life

« Diamonds are a girl’s best friends » chantait une certaine Marilyn Monroe, toute de rose shocking vêtue. La scène mythique du film culte Les hommes préfèrent les blondes a marqué des générations de jeunes spectatrices (et très certainement beaucoup de jeunes spectateurs), convertissant nombre d’entre iels au culte du kitch et du clinquant. Sara Shakeel a un temps résisté, mais il faut croire que l’appel du glitter way of life a été le plus fort. Quittant sa blouse de dentiste, la donzelle a plongé tête la première dans l’univers artistique, façonnant un univers onirique pavé de pierres précieuses et de poussière d’étoile.

Travail d’enchanteresse

Amoureux.ses de contes de fées, adeptes du culte de Shéhérazade et/ou de la période disco (ah les boules à facettes et les robes en lamé), ces images ont été créées pour vous, à n’en pas douter. Lustres majestueux éclairant des fonds marins pensés comme des palais, cimetières couverts de perles, bibliothèques converties en trésor… enchanteresse qu’elle est, Sarah transforme tout en corne d’abondance, même les cornets de frites et le papier toilette. Ne lui laissez surtout pas vos lieux d’aisance à décorer, elle les convertirait en caverne d’Ali Baba. Quant à votre chat, elle le métamorphoserait volontiers en sirène étincelant au soleil.

Magie de l’IA, de la retouche photo ? Qu’importe, le résultat est là, qui invite au rêve, à la démesure, au féerique. Une touche de fantaisie lumineuse n’a jamais fait de mal à personne, les illustrations de Sara Shakeel sont là pour faire du bien à celles et ceux qui les regardent.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur le travail de Sara Shakeel, consultez son compte Instagram et son site web.

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On la surnommait « La Blonde explosive » ou « Le Buste ». Façonnée par la Twentieth Century Fox pour remplacer une Marilyn Monroe mise à la porte car ingérable, cette blonde peroxydée au QI de surdouée va terminer sa carrière le 29 juin 1967, sa Buick Electra bleue encastrée sous un camion. Une fin spectaculaire qui la fait entrer dans la légende. C’est cette légende que Simon Liberati autopsie dans le magnifique et sanglant Jayne Mansfield 1967.

« Créature de Frankenstein »

En 208 pages d’une écriture rigoureuse et possédée, l’auteur d’Anthologies des apparitions et Eva, entre autres faits d’armes littéraires, évoque le destin hors normes de ce « symbole de l’ancien Hollywood ». Une « créature de Frankenstein », un monstre comme seul le star system à l’américaine pouvait en inventer, célébrissime plus pour sa plastique et ses frasques que pour sa trop mince et insignifiante filmographie.

Actrice douteuse, chanteuse sans envergure, adepte du scandale, Jayne Mansfield, au soir de sa courte vie, s’est convertie dans le striptease, le porno et le satanisme. C’est du moins ce que donne à penser le décryptage de ses derniers mois sur terre, dont Liberati remonte le fil tortueux, document après document, article après article. Un travail de fourmi qui dépasse celui du journaliste pour toucher au domaine du mentaliste ou du médium.

Voluptueuse autodestruction

Incontestablement fasciné par ce personnage exceptionnel qui a tout de la Circé ou de la Gorgone, Liberati fouille les entrailles de l’Histoire, grande et petite, non pour comprendre, mais pour étoffer le mystère. Racontant par le menu les circonstances d’un banal accident de la route transformé en « force du destin » via une presse sensationnaliste à souhait, l’auteur dissèque une existence vouée à une lente et voluptueuse autodestruction.

Sexe, alcool, drogue, Jayne Mansfield a beau adorer le rose, elle y cache une tendance très nette à la mutilation. Suicidaire ou maudite ? Pas de réponse et c’est justement là la grandeur macabre de la chose. La starlette sans envergure conquiert son aura dans les ténèbres montantes des années 70 à venir, sa mort a tout de l’échéance à payer au terme d’un pacte diabolique signé sur un coup de tête… ou pas ? L’énigme demeure, avec, en arrière-plan, pour en cultiver l’opacité, les anges noirs tutélaires Kenneth Anger et Aleister Crowley.

Fatalité démoniaque

Deux noms qui sentent le souffre et la messe noire, l’anathème à la longue traîne. La damnation de Jayne Mansfield est-elle contagieuse ? Le livre de Liberati, sorti en 2011 chez Grasset dans la collection « Ceci n’est pas un fait divers » est sacré lauréat du prix Fémina au premier tour de scrutin par neuf voix contre trois. Un succès, un adoubement, un avènement même et pourtant… Promis à des records de ventes (155 000 ventes en moyenne), le livre, exceptionnel, ne s’écoulera qu’à 35 000 exemplaires, englobant son auteur dans la fatalité démoniaque qui frappa jadis sa faustienne héroïne. Une fatalité dont il se glorifiera à raison.

En évoquant les derniers jours de la « Blonde explosive », Liberati s’échappe du récit autobiographique et du fait divers pour explorer d’un œil sciemment envoûté la fin d’une époque et la naissance d’une autre. Une période transitoire d’une violence physique et mentale extrême. Deux ans après la mort sanglante et tragique de Jayne Mansfield, la secte de Charles Manson massacre Sharon Tate et ses amis. Un autre récit épique dont Liberati disséquera les méandres dans California Girls, des filles californiennes et meurtrières qui pourraient bien être les petites sœurs d’une Jayne Mansfield putréfiée mais toujours rayonnante du fond de sa tombe de roses recouverte.

Et plus si affinités

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Mouthe, Franche-Comté, le Doubs : 1200 habitants, la ville la plus froide de France. C’est dans ce bourg enneigé coincé au creux d’un vallon du Haut-Jura que le scénariste et réalisateur Gérald Hustache-Mathieu parachute l’action de son film Poupoupidou puis de Polar Park, la série qui en développe l’atmosphère. Deux sans faute attachants, ô combien, par les intrigues qu’ils racontent avec humour et émotion, les personnages décalés qu’ils campent.

Poupoupidou – 2011

Par un jour d’hiver, David Rousseau déboule à Mouthe au volant de son cabriolet Peugeot 504 blanc (le même que celui de Nestor Burma). Venu assister à l’ouverture du testament d’une parente décédée, il s’apprête à repartir quand il assiste à la découverte d’un corps enseveli sous la neige, celui de Candice Lecoeur, une star locale qui a tout d’une Marilyn Monroe franche-comtoise. Le look, les rêves, les aspirations, la vie sentimentale de merde, et le suicide ?

Quand on sait les mystères qui entourent la mort de l’iconique actrice, on ne peut que douter. Et David Rousseau, le doute, il connaît bien, vu qu’il est un auteur de polars à succès et que c’est son fond de commerce. Décidément, cette mort étrange pose beaucoup de questions ; du coup il va mener l’enquête, avec dans son sillage un jeune gendarme et le fantôme de la disparue qui lui parle par journal intime interposé. Qu’a-t-il pu arrive à la lumineuse et trop désirable Candice ? Jusqu’où l’identification avec son célèbre modèle va-t-elle ? Hasard ? Réincarnation ?

En une heure trente de récit prenant, Gérald Hustache-Mathieu mêle et démêle les fils d’une intrigue complexe sur fond de village paumé où tout le monde connaît tout le monde, mais où chacun est en lien avec la grande histoire d’une icône fauchée au faîte de la gloire. Chaque détail importe, de même le caractère de ces protagonistes haut en couleur, qui jonglent avec l’au-delà, entre répulsion, humour et fascination.

Polar Park – 2023

On reprend les mêmes et on repart pour un tour. Par un jour d’hiver, David Rousseau déboule à Mouthe au volant de son cabriolet Peugeot 504 blanc (le même que celui de Nestor Burma). Convié par un vieux moine qui veut lui parler des confessions de sa défunte mère, Rousseau arrive trop tard, le moine n’est plus. Rousseau prend le chemin très enneigé du retour quand il croise la marée-chaussée occupée à exhumer des congères une oreille tranchée. Ce qui fait bondir l’imaginaire d’un Rousseau toujours occupé à rédiger des polars, mais en large panne d’inspiration.

L’auteur s’installe donc à Mouthe pour enquêter sur ce qui devient une affaire meurtres en série inspirés par les grands tableaux de l’histoire de l’art. Pas franchement le bienvenu, il fait pourtant alliance avec l’adjudant Louvetot pour traquer le tueur particulièrement complexe qui décime la ville, et par la même occasion en savoir plus sur ses propres origines, avec comme point central de son enquête le fameux Polar Park où les bisons vivent en parfait voisinage avec le mystérieux Indien, dans des pâturages enneigés d’une beauté calme et menaçante.

En six épisodes d’une cinquantaine de minutes chacun, Gérald Hustache-Mathieucreuse le sillon tracé il y a dix ans dans son film. Mêmes personnages, mêmes acteurs, même déclaration d’amour fou pour l’univers du polar à l’américaine, à la canadienne, à la suédoise, à la française ; les clins d’œil s’enchaînent, se croisent, se recoupent qui font le bonheur des amateurs, tandis que la psyché un brin torturée des deux héros tente de trouver des réponses et des solutions au mystère de la vie, de l’amour.

La pertinence d’un travail de réécriture

Les deux sont indépendants l’un de l’autre, pourtant il s’avère intéressant de visionner film et série pour différentes raisons :

• Polar Park s’avère un exercice de réécriture très pertinent de Poupoupidou, les passerelles entre les deux fictions sont nombreuses, l’arrivée de Rousseau au volant de sa voiture, la Marilyn du film évoqué dans la série, une situation et une image finales similaires, des décors et des objets communs, une manière de réfléchir les meurtres en écho, d’élargir le propos sans perdre le fil, l’humour décalé ainsi que la poésie et la folie propres aux deux récits, la cadence également ainsi que le travail de la B.O.
• La réflexion sur le travail de l’auteur s’affine depuis le film jusqu’à la série, ainsi que le questionnement sur le lent processus d’inspiration, la quête de l’adrénaline nécessaire à l’imaginaire, mais aussi à la restitution des émotions
• La confrontation entre écriture fictive et écriture de soi, le soi de la victime ou le soi du criminel, interroge la faculté d’identification de l’auteur extérieur qui cherche à pénétrer l’intériorité tortueuse de personnages qu’il cerne dans le réel pour les transposer sur la page.

Et puis il y a les acteurs. Le tandem Jean-Paul Rouve et Guillaume Gouix, déjà excellent dans le film Poupoupidou, revient dans Polar Park avec 10 ans de plus, et un relationnel beaucoup plus difficile à gérer quant à leurs personnages respectifs. Ils relèvent le défi avec un détachement savoureux, beaucoup d’ironie et de vérité. À leurs côtés, un casting d’envergure aussi bien dans le film que dans la série où l’on distingue notamment Sophie Quinton, Soliane Moisset et surtout India Hair qui crève littéralement l’écran dans Polar Park, confirmant ainsi ce talent qui transperce dans tous ses autres rôles et la venue d’une actrice d’exception dans le paysage audiovisuel francophone.

Bref, cette réécriture est passionnante à décrypter, riche d’enseignements, et savoureusement intelligente. Subtilement, le réalisateur invite le spectateur à suivre son propre jeu de pistes, questionnant ainsi la fascination exercée par des détectives héros auxquels on s’attache puissamment pour leurs grandes forces, mais aussi leurs petites faiblesses. Leur humanité.

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Oui, c’est ainsi qu’on la surnommait dans les studios de la MGM. Elle était alors une enfant, projetée sur les planches dès son plus jeune âge par une mère bien décidée à exploiter le filon de cette voix d’or. Et tant pis si ça bousille la gamine psychiquement : elle n’est pas encore Judy Garland que Frances Ethel Gumm doit rapporter de l’argent. Elle est au début d’une carrière grandiose doublée d’un chemin de croix. Une vision contradictoire que relate Bertrand Tessier dans Judy Garland, splendeur et chute d’une légende, une biographie ô combien prenante.

Triomphes et catastrophes

Prenante, fascinante et navrante. Les 47 années de vie de l’interprète iconique d’« Over the rainbow » sont jalonnés de triomphes et de catastrophes, de dérives et de ruptures, d’amours ardentes et d’échecs sentimentaux. Pas facile d’être une baby star durant cet âge d’or du cinéma américain. Coupe-faim, tranquillisants, on drogue la gamine pour qu’elle perde du poids, qu’elle tienne le choc face aux cadences infernales de tournages. Enfermée dans l’image d’une éternelle ado, « la petite fiancée de l’Amérique » va peiner à s’imposer à la fois comme une femme épanouie, une actrice accomplie, une mère. Se battre pour des rôles d’envergure, tenter d’échapper à la spirale de la came, de l’alcool, de l’automutilation, du manque de fric…

Vibrante, mais ô combien malheureuse

Un véritable enfer qui se termine très souvent à l’hôpital en cure de désintoxication. Le corps prend cher, Judy grossit, s’épaissit avant de s’étioler, rongée par les excès. La voix, le talent, le charisme, eux, demeurent intacts. Quand elle arrive à l’heure sur les plateaux où on n’en finit plus de comptabiliser ses retards, ses absences, sa fuite en avant, elle boucle les scènes rapidement, irradiant de maîtrise, d’intensité. Vibrante, mais ô combien malheureuse. On dira d’elle qu’elle est le « Elvis Presley » de la communauté homosexuelle. Ce n’est pas faux. Mais en parcourant ce récit frénétique, on pense aussi à Marilyn Monroe, à Bette Davis, à toutes ces actrices que Hollywood a modelées d’une main de fer dans un gant de béton, avec des contraintes inimaginables.

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Le prix de la légende

Des diktats esthétiques, professionnels et moraux inacceptables. Contrainte à l’avortement pour ne pas gâcher sa carrière, Judy Garland va payer un prix bien trop élevé pour devenir une légende. Comme beaucoup d’autres. Au fil de son parcours, on découvre les coulisses de tournages complexes et épuisants, les dessous d’une industrie vorace et sans pitié, surtout pour les femmes, des grandes figures de l’histoire du cinéma et de la musique, mythiques certes, mais finalement terriblement humaines, dans leurs fragilités comme dans leur brutalité. De quoi nuancer très largement l’effet bling-bling du rêve américain, et s’interroger sur le terreau éminemment corrosif d’un univers qui ne devrait pas tant faire rêver.

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Mercredi 3 mai 2023 : depuis ce lundi 1er mai, les réseaux sociaux sont inondés de clichés, de vidéos illustrant la nouvelle édition du MET Gala. Cela tourne en boucle, avec des taux incroyables d’ouverture, de relais, de commentaires. Ce n’est pas un hasard. Au fil des ans, le MET Ball s’est imposé comme une date clé du calendrier people à l’international, à l’égal de la Nuit des Oscars ou de la montée des marches au festival de Cannes. Mais encore ? Qui y a-t-il derrière cette soirée ? En quoi constitue-t-elle une référence en matière de communication ?

Qu’est-ce que le MET Gala ?

Surnommé « the party of the year », le MET gala ou MET ball, désigne le gala de charité annuel organisé chaque premier lundi du mois de mai pour inaugurer la nouvelle exposition du Anna Wintour Costume Institute. On ne peut en effet évoquer cet événement phare du calendrier fashion sans faire la focale sur l’institution qui l’héberge. Créé en 1937 à l’initiative de Irene Lewisohn, le Costume Institute abrite plus de 35 000 vêtements et accessoires témoignant de l’évolution de la mode depuis le Moyen-Age à aujourd’hui. Il a d’abord fusionné avec le Metropolitan Museum of Art de New-York avant d’intégrer les collections du Brooklyn Museum.

Initialement conçu comme un banquet, le MET Gala, baptisé à l’origine « Costume Institue gala », a progressivement pris la tournure d’une grande soirée à thème avec dress code obligatoire en lien avec le sujet de chaque nouvelle exposition. Des expositions aux thématiques particulièrement inspirantes et dont Wikipedia garde la trace ainsi que les magazines de mode, avides de saisir les total looks exhibés par les invités. On se souvient tout particulièrement de Heavenly Bodies : Fashion & Catholic imagination en 2018, Camp : notes on Fashion en 2019, Gilded glamour, white tie en 2022.

Pour l’édition 2023, c’est Karl Lagerfeld qui est à l’honneur avec Karl Lagerfeld : A Line of Beauty. Ce qui nous vaut un dress code baptisé  “En l’honneur de Karl”, avec à la clé des pièces iconiques de Chanel dessinées par le maître, du blanc et du noir à profusion, des catogans, des lunettes de soleil, des éventails et des chats Choupette. Quelque 600 invités se sont succédé sur le tapis rouge déroulé à l’entrée du musée, converti en salle de réception, pour gravir les marches du bâtiment sous les flashes des photographes et les cris enthousiastes des fans. Objectif : rivaliser d’inventivité, d’imagination et d’audace pour illustrer la thématique de l’année.

MET Gala : des objectifs multiples

Mais encore ? Les objectifs du MET Gala sont multiples :

• Il s’agit bien sûr de faire la promotion de chaque exposition de manière spectaculaire avec à la clé un véritable catwalk illuminé de tenues complètement folles, qu’il s’agisse de tenues historiques (Kim Kardashian arborant la célèbre robe de Marilyn Monroe, portée lors de l’anniversaire de JFK) ou de panoplies complètes créées spécifiquement pour la soirée par les grands couturiers.

• L’événement a aussi une fonction caritative cruciale. Il s’agit de rassembler des fonds pour faire vivre l’institut (achat de nouvelles pièces, restauration des collections existantes, entretien des lieux, salaire des équipes…). Comment ? En imposant un ticket d’entrée considérable. Prix du billet individuel : 25 000 dollars en moyenne, 35 000 en 2022, 50 000 en 2023 ! La location d’une tablée coûte entre 200 et 300 000 dollars. Des chiffres faramineux… et des levées de fonds records : 12 millions de dollars en 2014, 17 millions en 2022. Soit on paie sa place, soit on est invité par un grand couturier qui a retenu une table et pour qui on sert de mannequin, mettant sa notoriété au service et de la maison représentée et de l’institut.
• La visibilité médiatique est tellement important que cette soirée sert de chambre d’écho aux stylistes présents, ainsi qu’aux vedettes invitées… et aux marques dont elles sont les ambassadrices.
  • Avec environ 32 529 674 consultations mensuelles du mot clé rien qu’en France et 835 k followers pour le compte Instagram de l’événement, on a une petite idée de la résonance opérée au niveau des réseaux sociaux. La visibilité est énorme., la viralité incroyable.
  • C’est un marronnier diffusé par les organes de presse spécialisés et mainstream, avec force détails et commentaires.
  • A l’heure où j’écris ces lignes, les vidéos, les photos sont relayées partout via les comptes d’influenceurs mode, qui commentent chaque costume ; les stars invitées ont filmé leur préparation, les selfies ont fusé un peu partout, les memes se déchaînent. Le hashtag #metgala affiche 1 975 643 publications, #metgala2023, 111 341.

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La chasse gardée de Vogue

Le MET Gala constitue donc un levier marketing puissant, une mise en lumière soigneusement orchestrée et dont la logique social media s’enclenche le plus naturellement du monde. Ce n’est pas une nouveauté. L’événement a clairement été créé dans cette perspective. La première édition du «Costume Institute Gala» est organisé en 1948 par l’attachée de presse Eleanor Lambert, par ailleurs initiatrice de la première Fashion Week et fondatrice du Conseil des créateurs de mode américains. Dans un contexte d’après-guerre assez terne, alors que la mode européenne et haute-couture française ont été anéanties par l’occupation nazie et la Seconde Guerre Mondiale, c’est une occasion de relancer le secteur tout en ouvrant une porte pour les créateurs américains.

Dans les années 70, sous l’impulsion de Diana Vreeland, rédactrice en chef de Vogue bombardée directrice de l’institut, le dîner, jusqu’alors organisé dans de très grands palaces comme le Waldorf-Astoria ou au cœur de Central Park, privatisé pour l’occasion, intègre le musée même. Vreeland va oeuvrer pour en faire un événement people incontournable, un « the place to be » ultra-médiatique englobant aussi bien les stylistes et les acteurs, que les politiques, les sportifs, les artistes… c’est elle qui introduit l’idée des thématiques et du dress code, qui en fait un incontournable, qui pose l’idée phare : quand on est célèbre, on se doit d’aller au MET gala.

Aujourd’hui, le Met Ball est présidé très régulièrement par une certaine Anna Wintour, la redoutable et très respectée rédactrice en chef de ce même Vogue. Eh oui, encore lui ! Omniprésent dans l’organisation, le magazine couvre l’événement sous toutes ses coutures. Il suffit de consulter les différents comptes Vogue sur Instagram pour mesurer la main mise du vaisseau amiral de Condé Nast. Depuis sa naissance, Vogue a toujours eu pour vocation de régner sur l’industrie de la mode. C’est chose faite avec la gestion en continu ou presque du MET Gala, devenu une chasse-gardée. À la suite de Vreeland, Anna Wintour, dont le nom complète désormais le titre du célèbre institut devenu le Anna Wintour Costume Center, obtient des résultats assez impressionnants en présidant l’événement, puisqu’elle a rassemblé 145 millions de dollars depuis sa nomination.

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La recette d’un MET Gala réussi

La recette d’un MET gala réussi ? On l’a identifiée au fil de cet article :

• une flopée de superstars ;
• des costumes ouffissimes (souvenir des tenues les plus folles) ;
• des arrivées fracassantes dans la grande tradition des premières hollywoodiennes ;
• un relais frénétique sur les réseaux sociaux, l’occasion de découvrir les relations intimes des vedettes tandis qu’elles se saluent, s’embrassent et se congratulent en sortant des limousines ;
• et puis il y a l’organisation en elle-même.

Précise, rigoureuse, réglée comme une horloge suisse, conçue comme une mécanique haut de gamme, elle s’avère relativement simple : montée des marches, visite de l’exposition, cocktail, dîner de gala agrémenté de plusieurs interventions des artistes invités et différentes after. Pour s’en faire une idée, on peut visionner le film Ocean’s Eight de Gary Ross qui évoque les différents temps d’un vol de bijou pendant le MET Gala. Anna Wintour y apparaît d’ailleurs en caméo, ainsi que plusieurs habitués de cette soirée, on comprend par ailleurs les impératifs logistiques liés à la préparation et au déroulement de l’événement.

Le petit plus pour parfaire ce plat ?

• Le culte du secret imposé par Wintour. On ne sait pas grand-chose de ce qui se passe durant la soirée, les selfies sont interdits, idem pour les cigarettes. C’est une règle tacite, que d’aucuns s’empressent d’enfreindre (ainsi Kylie Jenner postant une photo d’elle dans les toilettes de l’Institut sur ses réseaux réseaux sociaux en 2017) ; en résumé, il s’agit de révéler par petites touches les entrailles de l’event sans l’afficher clairement.
• Une liste d’invités triée sur le volet (et dont on attend la publication avec toujours beaucoup d’impatience, parmi les influenceurs comme dans la presse people). Tout le monde n’entre pas, Anna Wintour y veille jalousement. Recevoir un carton d’invitation constitue donc une véritable reconnaissance sociale, un pas franchi dans la hiérarchie de la jet society, une intronisation.
  • Être convié pour la première fois au MET Gala est un honneur, que les chanceux affichent avec joie. Cette année par exemple, Marion Cotillard et Gwendoline Christie ont été adoubées.
  • A l’inverse, ne pouvoir être présent est source de regrets : l’épouse de Bryan Reynolds, Blake Lively, consacrée reine du MET gala depuis plusieurs années, a été obligée d’annuler sa venue pour cause d’accouchement ; mais elle n’a pu s’empêcher de faire un petit selfie sur Intagram, avec tireuse de lait et un petit commentaire en mode clin d’oeil « Premier lundi de mai ». Preuve que la date de l’événement est inscrite dans l’inconscient collectif.
  • Et puis il y a ceux qu’on écarte. Ainsi la non invitation de Harry et Meghan a fait couler beaucoup d’encre et attiser les rumeurs. Les convier aurait pu mettre le MET gala à mal avec la monarchie britannique, il a donc fallu ruser pour éviter le clash diplomatique.
• Une touche de scandale. Pas de MET Gala réussi sans une revendication. Ainsi en 2021, la politicienne démocrate Alexandria Ocasio-Cortez est arrivée revêtue d’une robe blanche barrée d’un « Tax the rich » résolument provocateur au milieu de tous ces personnages richissimes. Cette année, c’est la figure de Karl Lagerfeld qui fait polémique, certaines personnes invitées lui reprochant sa grossophobie, son regard critique sur le mouvement #metoo.

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Temps fort du calendrier fashion, référence en matière de communication et d’événementiel, espace d’expression et de revendication (il y aurait tant à dire sur la mode masculine telle qu’elle s’affirme en cette occasion), le MET Gala s’est hissé au stade de passage initiatique, de rituel incontournable. La pandémie n’aura pas eu raison de lui ; alors que nombre d’autres manifestations n’ont pas survécu au COVID, « The party of the year » ne cesse de fasciner les foules. Savamment trusté par un média phare du secteur, conçu comme un moment unique et sélect, cette soirée emblématique propose, nous l’avons vu, une stratégie de communication bien rôdée, en s’inscrivant à la fois dans une logique de préservation du patrimoine de la mode et une volonté d’alimenter l’avenir de ce marché du luxe tout en se positionnant comme un divertissement destiné aux « happy few » de la jet set. Un modèle du genre.

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Un peu de soleil, un peu de printemps, entre pandémie, guerre et élections présidentielles, fuyons vers des pays imaginaires aux couleurs acidulées, peuplés de petits cœurs, de créatures mignonnes, de superhéroïnes, d’amants fougueux et de licornes en plastique. Des pays imaginaires contenus dans des bijoux. Bienvenue dans la mignonitude chamarrée et de BordelinParis.

Bijoux et dioramas

BordelinParis ou bordel in Paris ? L’univers créatif de Clarisse Dufour est sans complexe. Celui d’une gamine fouillant avec bonheur dans le grenier de Mamy/Papy pour y dénicher des vieux souvenirs à transformer en déguisement, celui d’une Lolita exprimant ses premiers émois, contradictoires mais sincères, dans la sphère de bagues et de sautoirs dont elle seule déchiffre le code secret.

Barrettes, bracelets, pendentifs, médaillons, chaque création est une scène unique, un diorama saturé d’imaginaire qui déclenche la mémoire, les nostalgies, les rires… ou les envies coquines. S’y côtoient Mickey, Minnie, Wonder Woman, le père Noël, Barbie, Hello Kitty, Marilyn Monroe, Betty Boop, Chanel, Elvis, des M&M’s des insultes, des mots doux, des canards, le drapeau arc-en-ciel, des positions scabreuses…

Le Tampographe : tampon sans filtre, survie par l’insulte et objet rare

Ranimer son âme d’adolescent

Bref tout ce qui passe par la tête de Miss Clarisse, et tout ce qu’elle trouve de plus kitsch et de plus fun dans ses tiroirs bourrés de trésors chinés au fil du temps, dans l’esprit des cornets en papier qu’on achetait jadis chez le boulanger pour y trouver des gadgets rigolos, des cadeaux gagnés au stand de tir des foires, des surprises cachées dans les chocolats Kinder. Une fulgurance alimentée par l’humeur du jour suffit pour enclencher le processus.

On choisit les sujets, on les place dans un moule, on ajoute la résine, on accouche d’une saynète drôle à arborer aux oreilles, au cou, au poignet ou aux oreilles, comme un clin d’œil, une fantaisie. Fille ou garçon, qu’importe ? Ces bijoux racontent des histoires communes, d’amour, d’espoir, de vie, dans une explosion de couleurs vives. De quoi ranimer votre âme d’adolescent, retrouver un peu de douceur et de joie en observant ces grigris pensés comme des contes.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus, consultez le site de BordelinParis, ainsi que le compte Instagram et la page Facebook de la marque.

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2021 : N°5 de Chanel a 100 ans. Un siècle après sa création, le parfum emblématique de la maison Chanel est toujours là, caracolant en tête des ventes, auréolé de toutes les grâces, connu de tous les publics aux quatre coins du monde, un fondamental de la pop culture, symbole d’élégance et de glamour à la française. Pareille longévité méritait bien qu’on en analyse les secrets : c’est le but du très beau livre N°5 Chanel paru aux Éditions de La Martinière.

Une fragrance iconique

« Un parfum de femme à odeur de femme » : évoquer la création et l’histoire du premier parfum de Mademoiselle Chanel… quelle gageure. Comment dévoiler les mystères d’un mythe sans en trahir la magie, sans en amoindrir la fascination ? C’est l’enjeu de cette publication distinguée, articulée en deux volumes, « Anatomie d’un mythe » et « Architecture d’une légende », pour autopsier la genèse de cette fragrance iconique et comment elle est devenue un succès international.

Gravures, photographies, publicités, les archives et les documents inédits se succèdent pour témoigner de cette révolution : raconter l’histoire de N°5, c’est revenir sur la biographie de Mademoiselle, son mode de vie, son éducation mondaine, ses influences et ses inspirations, la manière dont elle a construit sa carrière, ses influences. Car ce parfum légendaire n’aurait jamais vu le jour sans le parcours hors normes de sa créatrice.

Un storytelling puissant

Flacon épuré, couleur ambrée, nuances subtiles, N°5 ouvre la voie à la mutation des grandes maisons de couture, qui diversifient leurs activités, dépassent le cadre de la confection vestimentaire pour toucher à la cosmétique, à la maroquinerie, à la bijouterie. Storytelling puissant, stratégie de communication reposant sur l’art, la photographie, le cinéma, la griffe va utiliser ce fil directeur olfactif pour transformer son image au fil du temps tout en préservant son ADN.

Irvin Penn, Richard Avedon, Helmut Newton, Jean-Paul Goude, Baz Luhrmann, Ridley Scott, Luc Besson… les talents se succèdent derrière l’objectif pour réinventer la perception de ce parfum mythique. Devant la caméra, les visages de stars aussi défilent, égéries incarnant un état d’esprit, une manière de vivre, d’être belle et bien dans sa peau. Parmi ces ambassadrices, Marylin Monroe propulsera N°5 au cœur du marché américain.

Un ouvrage exemplaire

Si incarner N°5 est une consécration pour une artiste, c’est aussi une responsabilité, jamais un hasard. Là aussi, la leçon est riche d’enseignements : N°5 n’est pas un succès commercial pour rien, il a fallu tout réinventer des techniques de vente d’avant-guerre, accoucher de campagnes accrocheuses à la fois efficaces et soignées. Le livre en est une preuve supplémentaire, magnifiquement présenté et rédigé par la romancière Pauline Dreyfus.

N°5 Chanel est un ouvrage exemplaire à plus d’un titre, un beau livre qui ravira les fashionistas comme les curieux de marketing, les amateurs de success story, ceux qui veulent aborder le fil de l’Histoire sous un angle d’autant plus éclairant qu’il est inédit. C’est ici l’occasion de comprendre ce qui se cache derrière un produit de luxe, toute la mécanique de conception, de mise en valeur, de modernisation d’une offre qui doit néanmoins refléter l’identité d’une griffe séculaire.

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