L’intelligence de la main plutôt que l’éclat du podium

Premier volet d’une trilogie que le musée consacrera aux métiers d’art de la mode tout au long de l’année 2026, cette rétrospective déploie un panorama qui traverse les siècles, du XVIIIe à nos jours. Plus de 350 pièces y dialoguent : vêtements de haute couture, accessoires, échantillons de tissus, outils d’atelier et photographies rares composent un parcours aussi didactique que sensoriel, où l’on apprend à lire un vêtement comme on lirait une partition, fil par fil, geste par geste.

Le tissage y est décortiqué depuis la sélection des fibres jusqu’aux motifs les plus complexes, révélant la part d’ingénierie silencieuse que recèle toute étoffe. La broderie, elle, occupe une place de choix : perles, paillettes et fils d’or y sont cousus avec une minutie qui confine à l’orfèvrerie, jusqu’à faire d’un simple tissu une sculpture à même le corps.

Des maisons légendaires aux talents de demain

L’exposition convoque les grands noms qui ont façonné l’histoire de la broderie et du tissage (la maison Lesage, la maison Hurel) sans jamais négliger les artisans restés dans l’ombre des défilés, ni les jeunes générations, à l’image de la maison Baqué Molinié.

Brodeurs, plumassiers, pariniers floraux : tous ont travaillé, un jour, pour les plus grands noms de la couture, de Chanel à Balenciaga en passant par Comme des Garçons. Le parcours leur rend enfin ce qui leur revient : la signature. Car c’est bien là le geste le plus politique de cette exposition : redonner un nom, un visage, une histoire à ceux que l’étiquette « Fait main » a trop longtemps laissés dans l’anonymat.

Rendre hommage, questionner l’avenir

Au-delà de la rétrospective, Tisser, broder, sublimer interroge frontalement la place de ces savoir-faire face aux logiques de l’industrialisation : comment préserver un geste qui se transmet de main à main, à l’heure où tout s’accélère ? Le Palais Galliera ne tranche pas — il donne à voir, à comprendre, à respecter.

À travers verrières et vitrines, l’exposition invite à prendre le temps, à ressentir la patience nécessaire à la création de l’exception. On découvre un fil d’or comme on contemplerait une relique. On réalise que derrière chacune de ces tenues extraordinaires, il y a eu des heures de travail, des gestes d’une précision d’horloge, une vie d’atelier exigeante.

Pour en savoir plus et préparer voter visite, consultez le site du Palais Galliera.

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Versailles ou la nature soumise : le jardin comme manifeste absolutiste

Pour comprendre ce que le jardin peut signifier comme acte de résistance, il faut d’abord comprendre ce qu’il peut signifier comme acte de domination. Versailles est, à cet égard, un cas d’école d’une limpidité absolue.

André Le Nôtre commence les grands travaux des jardins de Versailles en 1661, à la demande de Louis XIV qui souhaite transformer le modeste pavillon de chasse de son père en la résidence royale la plus fastueuse d’Europe. Ce que Le Nôtre conçoit n’est pas un jardin au sens ordinaire du terme : c’est une démonstration géométrique. Les allées rayonnent depuis le château selon une perspective centrale qui écrase la nature sous la logique du regard royal. Les ifs sont taillés en cônes, les buis en figures, les arbres en murs végétaux. Rien ne dépasse, rien ne déborde, rien n’ose la digression. La nature, ici, obéit, constituant des salons à ciel ouvert qui complètent ceux du château.

L’historien de l’art Michel Conan, dans ses travaux sur l’histoire des jardins européens, a montré comment le jardin à la française du XVIIe siècle fonctionnait comme une projection spatiale de la théorie politique absolutiste : la raison souveraine ordonne le monde naturel comme le roi ordonne ses sujets. Les visiteurs qui déambulaient dans les allées de Versailles ne se promenaient pas : ils étaient mis en scène dans un décor qui leur enseignait, à chaque pas, la supériorité de l’ordre sur le désordre, de la volonté humaine sur la croissance spontanée, du centre sur la périphérie.

Cette vision va se diffuser dans toute l’Europe aristocratique du XVIIe siècle finissant pour devenir, très littéralement, un modèle d’exportation du pouvoir français. Planter un jardin à la française dans un palais étranger, c’est se placer dans la filiation symbolique de Louis XIV. La nature taillée est une langue diplomatique.

Le jardin anglais ou la première dissidence végétale

La réaction ne tarde pas. Dès le début du XVIIIe siècle, en Angleterre, une contre-esthétique émerge qui va constituer la première grande dissidence dans l’histoire politique du jardin. Le jardin dit à l’anglaise — ou jardin paysager — refuse explicitement la symétrie française. Les allées se courbent, les plans d’eau imitent les lacs naturels, les arbres sont laissés à leur forme propre, les vues sont ménagées pour simuler la découverte spontanée plutôt que la perspective calculée.

William Kent, Capability Brown et Humphry Repton sont les grands architectes de cette révolution végétale. Ils ne construisent pas seulement une préférence esthétique mais une argumentation politique. Le philosophe Anthony Ashley Cooper, troisième comte de Shaftesbury, avait théorisé dès 1709 dans ses Characteristicks of Men, Manners, Opinions, Times, que la nature non contrainte était moralement supérieure à la nature domestiquée — un argument qui, transposé en termes politiques, revenait à dire que la liberté naturelle valait mieux que l’absolutisme ordonné.

Alexander Pope, dans son Épître à Burlington (1731), formule le premier manifeste du jardin comme acte politique : il raille les jardins à la française, leurs axes interminables, leur prétention à corriger la nature, et plaide pour un art du jardin qui « consulte le génie du lieu ». L’expression genius loci va faire fortune. Elle signifie que chaque espace a une vocation propre que l’architecte doit révéler plutôt qu’écraser.

Les jardins ouvriers : nourrir sa famille, résister à l’ordre industriel

Au XIXe siècle, la question du jardin glisse des demeures aristocratiques vers les faubourgs industriels, et sa dimension politique s’en trouve radicalement transformée. Les jardins ouvriers — que l’on appelle aussi jardins familiaux, et que les Britanniques nomment allotments — naissent dans le contexte de la révolution industrielle et de l’exode rural massif qui jette des populations paysannes dans des villes qui n’ont ni espace ni verdure à leur offrir.

En France, l’abbé Lemire, curé d’Hazebrouck dans le Nord, fonde en 1896 la Ligue française du coin de terre et du foyer, qui va essaimer des centaines de jardins ouvriers dans les banlieues industrielles. L’intention de l’abbé Lemire est explicitement sociale et politique : il s’agit de donner aux familles ouvrières un espace de dignité, d’autonomie alimentaire partielle, et — argument qu’il répète inlassablement — d’éloignement des cabarets. Le jardin, chez Lemire, est un instrument de moralisation autant que de subsistance.

Mais les jardiniers ouvriers eux-mêmes vont rapidement subvertir cette rhétorique paternaliste. Dans les jardins des corons du Nord, des banlieues lyonnaises ou des faubourgs parisiens, se développe une culture populaire de l’autosuffisance qui contient, en germe, une critique du salariat et de la dépendance économique. Cultiver ses propres légumes, c’est ne pas avoir entièrement besoin de l’employeur pour se nourrir. C’est un geste d’indépendance minuscule et concret, répété des millions de fois.

Cette dimension est aujourd’hui bien documentée par les historiens. L’ouvrage collectif Les Jardins ouvriers en France, des origines à nos jours, coordonné par Jean-Paul Thibault, montre comment ces espaces ont constitué, tout au long du XXe siècle, des lieux de sociabilité ouvrière soustraits au contrôle de l’employeur et de l’État : on s’y retrouvait, on y discutait politique, on y organisait parfois des solidarités informelles que les structures syndicales officielles ne couvraient pas.

Derek Jarman à Dungeness : le jardin comme testament

Il est difficile de penser à un acte de jardinage plus radicalement politique que celui de Derek Jarman à Dungeness, sur la côte du Kent, dans les années 1986 à 1994. Jarman, cinéaste britannique d’avant-garde — à qui l’on doit Sebastiane (1976), Jubilee (1978) et Caravaggio (1986) —, apprend en 1986 qu’il est séropositif. Il achète Prospect Cottage, une ancienne cabane de pêcheur peinte en noir, construite face à la centrale nucléaire de Dungeness, sur un paysage de galets et de vent.

Ce qu’il va créer autour de cette cabane dans les huit années qui lui restent à vivre est un jardin d’une nature absolument inédite. Pas de terre : les galets de la plage, le sable, les fragments de métal et de verre polis par la mer. Pas de clôture : le jardin se confond avec le paysage environnant. Des plantes choisies pour leur capacité à survivre sans irrigation dans un sol quasiment inexistant — coquelicots, fenouil, valérianes, chardons maritimes. Des sculptures bricolées avec des galets percés, des crochets de pêche, des bois flottants.

Jarman documente ce travail dans son journal Modern Nature, publié en 1992 par Century Press. Ce livre — à la fois journal intime, méditation sur la maladie et le corps, traité de botanique amateur et manifeste esthétique — est l’un des documents les plus bouleversants de la culture britannique des années sida. Le jardin de Dungeness y apparaît explicitement comme un acte de résistance : à la mort qui approche, certes, mais aussi aux politiques de Margaret Thatcher (que Jarman abhorre), à la criminalisation de l’homosexualité que la Section 28 de 1988 réactualise, à l’idée même qu’un homme mourant n’aurait rien à créer, rien à planter, rien à laisser pousser.

Prospect Cottage et son jardin existent toujours. En 2020, une campagne de financement participatif menée par l’Art Fund a permis de réunir trois millions et demi de livres sterling pour racheter la propriété et en assurer la préservation. Des milliers de personnes ont contribué : la dimension politique du geste de Jarman n’a pas vieilli d’une saison.

Les squats verts urbains : jardiner comme occupation

Depuis le début des années 2000, une nouvelle forme de jardin politique est apparue dans les villes européennes et nord-américaines : le jardin partagé sur terrain occupé, ou squat vert. Ces espaces, qui occupent des friches industrielles, des parkings abandonnés, des terrains vagues en attente de promotion immobilière, constituent l’une des formes les plus directes de résistance à la spéculation foncière urbaine.

Le cas le plus célèbre et le plus documenté est celui du community garden de Liz Christy, créé en 1973 dans le quartier de Houston Street à Manhattan, sur un terrain vague appartenant à la ville de New York. Christy et son collectif, les Green Guerrillas, commencent par lancer des seed bombs — des boules d’argile contenant des graines de fleurs — par-dessus les grillages des terrains abandonnés, avant d’occuper physiquement le terrain de Houston Street pour y planter des légumes et des arbres fruitiers. Sous la pression du mouvement, la ville de New York finit par concéder des baux à des dizaines de community gardens dans les années 1970 et 1980. Le mouvement des guerrilla gardeners était né.

En France, le mouvement des incroyables comestibles — traduction de l’initiative britannique Incredible Edible lancée à Todmorden dans le Yorkshire en 2008 par Pamela Warhurst et Mary Clear — propose de planter des légumes et des herbes aromatiques dans tous les espaces publics disponibles : bords de trottoirs, pieds d’arbres, jardinières de mairie, rebords de fenêtres. L’idée centrale est aussi simple que subversive : rendre la nourriture gratuite et accessible à tous, désobéir au partage dominant entre espace public (décoratif) et espace privé (productif).

Ces initiatives rejoignent, sur un autre plan, les réflexions de l’écrivain et militant américain Michael Pollan, dont le livre The Botany of Desire (2001, traduit en français sous le titre La Botanique du désir) explore les relations de pouvoir et de co-évolution entre les plantes et les humains. Pollan y soutient que jardiner n’est jamais un acte neutre : c’est toujours choisir quelles formes de vie on favorise, quelles autres on combat, quelle conception du monde on inscrit dans la terre.

Le jardin aujourd’hui : entre injonction au bien-être et radicalité retrouvée

Il serait naïf de ne pas noter la tension qui traverse le jardin contemporain. D’un côté, une esthétisation généralisée du végétal urbain — les murs végétaux des façades de bureaux, les toits-terrasses aménagés des immeubles de bureaux, les jardins partagés labellisés par les mairies comme outils de cohésion sociale — qui récupère le lexique de la résistance pour en faire un argument marketing. Le jardin sauvage est devenu une tendance de décoration intérieure. Derek Jarman est exposé dans les musées.

De l’autre, des pratiques qui maintiennent, envers et contre tout, la charge politique originelle du geste. Les ZAD — Zones à Défendre, comme celle de Notre-Dame-des-Landes en Loire-Atlantique, dont l’occupation durait depuis 2009 avant l’abandon du projet d’aéroport en 2018 — ont produit des formes de jardinage collectif et expérimental qui constituent un chapitre à part entière dans l’histoire de l’agriculture politique. On y a cultivé des légumes anciens, expérimenté des techniques de permaculture, organisé des semenceries collectives : autant de gestes qui affirmaient la possibilité d’un autre rapport à la terre.

Plus récemment, des artistes comme l’Américain Theaster Gates, avec ses interventions dans les quartiers abandonnés de Chicago, ou le collectif britannique Assemble — Prix Turner 2015 — travaillent à la jonction du jardinage, de l’architecture participative et de la politique du quotidien. Ce qu’ils ont en commun avec l’abbé Lemire, avec les Green Guerrillas et avec Derek Jarman plantant ses chardons sur les galets de Dungeness, c’est la conviction que l’espace où quelque chose pousse est un espace où quelque chose se décide. Que le jardin, depuis toujours, est une façon de dire : ici, c’est nous qui choisissons.

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Certains matériaux ne se laissent pas facilement domestiquer, le textile notamment. Longtemps relégué aux marges de l’histoire de l’art, enfermé dans les cases trop étroites de l’artisanat, du folklore ou des travaux dits « domestiques », le fil trouve pourtant son expression la plus souveraine là où on ne l’attendait pas : dans les territoires indomptés de l’Art Brut. Jusqu’au 31 juillet 2026, la Halle Saint Pierre déploie une exposition magistrale intitulée L’Étoffe des rêves. Cette traversée poignante et subversive met en lumière trente-six artistes internationaux issus de l’art brut, de l’art singulier et des lisières du surréalisme. Chacun à sa façon y métamorphose la trame en un langage de résistance et d’absolue liberté.

Le fil comme écriture de l’urgence et de l’intime

Dans l’Art Brut, le recours au textile naît presque toujours d’une urgence. Privés de canaux d’expression traditionnels, souvent confinés ou en rupture avec le corps social, les créateurs et créatrices se saisissent de ce qui leur tombe sous la main : des draps d’hôpitaux, des chiffons usés, des fils tirés de couvertures ou des vêtements délaissés. Le tissu devient alors le parchemin des analphabètes de l’art officiel. Broder, tricoter ou tresser s’apparente à un rituel de réappropriation identitaire.

Là où la peinture exige un outillage spécifique et un espace dédié, le textile s’infiltre partout, se travaille dans le secret d’un lit d’asile ou d’une solitude recluse. À travers les œuvres présentées, on mesure à quel point le fil agit comme un cordon ombilical reliant l’artiste à son propre imaginaire. Chaque point de couture est une affirmation de soi, une manière de réparer un monde intérieur fragmenté. Le tissu recueille les stigmates du temps et les obsessions de l’esprit, se muant en une matière organique vibrante.

Une subversion sauvage des savoir-faire traditionnels

Soulignons l’absence totale et fascinante de révérence envers les règles académiques du point de croix ou du tissage d’ornement. Les artistes invités à la Halle Saint Pierre – à l’instar des visions de Stéphane Blanquet, de la ferveur de Barbara d’Antuono, des architectures textiles de Nicole Bayle ou des fables populaires de Jacques Trovic – ne cherchent pas à faire « beau » selon les canons bourgeois. Ils retournent la technique contre elle-même.

La broderie se fait sauvage, les nœuds deviennent des excroissances sculpturales, le macramé ou la dentelle se distordent pour donner naissance à des paysages hallucinés ou des figures totémiques. On scrute des œuvres monumentales ou d’une minutie extrême où la laine tuftée (comme chez Brankiça Žilovič) s’approprie l’espace pour dessiner des cartographies souterraines. En déviant les usages utilitaires ou décoratifs de l’étoffe, ces créateurs abolissent la frontière obsolète entre l’art et l’artisanat. Le textile n’habille plus le corps ; il devient le corps lui-même, un volume anthropomorphe, une excroissance de chair et de cris.

Matières modestes, récits grandioses : l’esthétique du rebut

L’ADN de l’Art Brut réside dans sa capacité à sublimer le rien. L’Étoffe des rêves en est la preuve éclatante par son recours massif aux matériaux recyclés et pauvres. Des débris de dentelles usagées, des loques suspendues, des fibres synthétiques ou naturelles s’entrelacent pour échapper à leur condition première. Les artistes de l’art singulier et de l’art outsider redonnent une noblesse métaphysique à ce que la société de consommation a rejeté.

Chaque fragment de tissu exposé porte en lui une charge mémorielle, une histoire invisible que le créateur vient réactiver. En assemblant ces morceaux d’étoffes disparates, les artistes tissent des récits collectifs autant qu’intimes. Les fils ne servent plus à coudre un vêtement, mais à suturer des blessures historiques, politiques ou spirituelles. C’est un médium de transmission pure, brut, qui s’adresse directement aux sens et à l’inconscient du visiteur, sans nécessiter de clé de lecture théorique.

Une déambulation au cœur du territoire onirique

La scénographie envoûtante de la Halle Saint Pierre invite à une véritable dérive mentale. Les œuvres textiles se déploient en suspensions narratives, en tentures imposantes ou en reliquaires secrets. Le titre même de l’exposition, emprunté à Shakespeare, résume admirablement l’expérience : l’étoffe est la structure physique, le fil conducteur, tandis que le rêve est le souffle brut qui vient l’habiter pour l’arracher à sa pesanteur matérielle.

On ressort de cette exposition avec la certitude que le textile possède une puissance d’émotion et de subversion plastique inégalée. En se libérant des cadres de la toile traditionnelle, l’Art Brut a trouvé dans le fil le plus parfait vecteur de sa liberté inconditionnelle. Une invitation à perdre le fil de vos propres certitudes pour mieux vous laisser capturer par la trame de ces songes sauvages.

Pour en savoir plus consultez le site de la Halle Saint-Pierre.

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Entre 1974 et 1979, l’artiste américaine Judy Chicago entreprend ce qui deviendra l’œuvre emblématique de l’art féministe du XXᵉ siècle : The Dinner Party. La scène est impressionnante : une table monumentale, triangulaire, dressée pour trente-neuf femmes que l’histoire a rendues invisibles, effacées, mal racontées ou simplement reléguées à la marge. Cette installation totale mêle sculpture, textile, céramique, broderie et architecture symbolique, elle mobilise cinq années durant un vaste collectif majoritairement féminin — artistes, artisanes, céramistes, brodeuses. Objectif : construire une œuvre qui affirme haut et fort que les femmes ont toujours fait l’histoire, même si on l’ignore. Cette immense tablée vide n’a pas pour vocation d’accueillir des convives réels, mais des fantômes. Il ne s’agit pas ici de festoyer mais de réparer.

Une architecture symbolique

La table, de forme triangulaire, mesure près de 15 mètres de côté. Ce triangle renvoie à un symbole féminin ancien, le triangle pubien. Il incarne la parité (aucune hiérarchie, aucune tête de table), renvoie à l’idée de communauté circulaire, en rupture avec la longue tradition patriarcale des banquets historiques où seules les voix masculines se répondent. Chaque côté accueille 13 convives, écho volontaire aux douze apôtres et au Christ — structure sacralisée que Chicago détourne pour en faire une “cène féministe”.

Au centre, un sol en porcelaine, la Heritage Floor, porte les noms de 999 autres femmes gravés en lettres d’or : écrivaines, scientifiques, souveraines, philosophes, mystiques, inventrices. Ce sol est un second monument, invisible si l’on ne se penche pas : une métaphore parfaite de l’Histoire elle-même — ce qu’on oublie, ce qu’on efface, ce qu’on marche dessus.

Une iconographie assumée

Chaque place intègre un napperon brodé, un gobelet, des couverts, et surtout une assiette en céramique sculptée et colorée. Ces assiettes sont devenues célèbres pour leur iconographie florale, labiale, vulvaire, revendiquée par Chicago comme une réappropriation visuelle du corps féminin — longtemps réduit, censuré ou stylisé selon les critères masculins de représentation.

L’œuvre explore des figures très diverses : Hatshepsout, pharaonne oubliée, Hildegarde de Bingen, abbesse et compositrice, Christine de Pizan, pionnière littéraire et philosophique, Artemisia Gentileschi, peintre baroque marquée par la violence et la résilience, Élisabeth Iʳᵉ, souveraine iconique, Sojourner Truth, militante pour les droits civiques et abolitionniste, Virginia Woolf, figure de la modernité littéraire ou encore Georgia O’Keeffe, artiste dont la profondeur symbolique résonne particulièrement avec les formes sculptées de l’installation.

Chaque assiette est pensée comme un portrait métaphorique de ces personnalités, non une description physique, mais une traduction visuelle de l’apport intellectuel, spirituel ou politique de toutes ces figures féminines.

Une œuvre collective

The Dinner Party n’aurait pas vu le jour sans ces centaines de femmes qui ont travaillé aux broderies, aux textiles et à la céramique. Un véritable réseau, une sororité. Chicago insiste sur ce point : l’œuvre rend hommage non seulement aux femmes célèbres, mais aussi aux traditions artisanales féminines longtemps reléguées au rang d’arts “mineurs”.

Broderie, tissage, céramique, patine, ornementation — ces pratiques historiquement associées à la sphère domestique deviennent ici les vecteurs d’un geste monumental. Le domestique se révèle politique, le savoir-faire sert de socle à l’histoire de l’art. Cette dimension collective a marqué la mémoire des années 1970, où l’art féministe cherchait précisément à revendiquer les techniques héritées des femmes : une manière d’effacer la frontière entre “beaux-arts” et “arts appliqués”, souvent érigée dans une logique patriarcale.

The Dinner Party, les femmes et l’histoire

L’œuvre articule de manière spectaculaire plusieurs thèmes majeurs et c’est cette mise en relation qui fait sa valeur.

L’invisibilisation historique : comme je l’explique plus haut,les 999 noms du Heritage Floor rappellent que les femmes ont été systématiquement omises des récits historiques. Chicago matérialise ainsi une question simple : qui décide de l’Histoire ?

Le corps comme territoire de représentation : les assiettes sculptées affirment le droit des femmes à représenter leur propre corps — en dehors du regard masculin. C’est un geste fondateur du féminisme artistique.

La solidarité et la transmission : les femmes représentées sont issues de cultures, d’époques et de classes sociales différentes. La table triangulaire tisse le lien entre toutes ces figures, par delà les époques.

Le travail artisanal comme acte politique : en célébrant la broderie, le textile, la céramique, Chicago restitue au travail des femmes la dignité esthétique et symbolique qui lui a été refusée.

La monumentalité comme revendication : il fallait une œuvre gigantesque pour rendre visible ce qui fut caché. Une œuvre lourde, complexe, envahissante — à l’image du poids des siècles d’omission.

Un accueil mouvementé

À sa première exposition (San Francisco Museum of Modern Art, 1979), The Dinner Party déclenche autant d’enthousiasme que de polémique. On lui reproche sa représentation explicite des formes vulvaires, son esthétique jugée trop décorative par le mainstream de l’époque, son discours féministe frontal, sa dimension collective, perçue comme une rupture avec le mythe de l’artiste génial et solitaire.

Certaines critiques accusent même Chicago d’essentialiser le féminin. L’œuvre exigeait — et exige encore — une lecture moins simpliste : il ne s’agit pas d’un “féminin biologique”, mais d’un féminin culturel, symbolique, politique, tissé par l’histoire et les représentations.

La consécration arrivera avec le XXIe siècle. Depuis 2007, l’œuvre est installée en permanence au Brooklyn Museum, au cœur du Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art. Elle est aujourd’hui enseignée dans les écoles d’art, analysée dans les universités, revisitée dans des publications de référence. L’installation est devenue un chapitre de l’histoire de l’art.

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On ne présente plus Christian Lacroix : ses costumes chamarrés inspirés de ses origines arlésiennes, son goût pour les étoffes soyeuses, les broderies éclatantes… Depuis qu’il a déserté les catwalks, c’est entre autres sur scène que Lacroix s’épanouit : c’est cette facette de sa carrière qu’explore l’exposition du CNCS. Théâtre, opéra, danse : le parcours revient sur cette histoire d’amour et d’inspiration aussi baroque que fertile.

Une impressionnante énergie

150 costumes sont ici répartis selon deux axes, chronologique et thématique. Les motifs, les textures, les influences dialoguent ainsi avec les différentes périodes créatives d’un Lacroix fortement attiré par l’esthétique des XVIII et XIXe siècles. Provence, Camargue, Espagne, Venise, les inspirations sont ancrées dans le Sud, la culture méditerranéenne. Mais l’énergie, elle est contemporaine, joyeuse, élégante et audacieuse à la fois, spectaculaire, impressionnante.

Un cérémonial visuel

Ainsi le costume de scène selon Lacroix s’avère un pont jeté entre l’Histoire, la fantaisie, l’architecture du vêtement et la dramaturgie. Le couturier emprunte aux archives, s’inspire des vêtements d’autrefois. Si l’exposition dévoile des pièces remarquables, des « beaux objets », elle en révèle par ailleurs les étapes « fabrique » – croquis, découpes, textile brut, retouches ; chaque création apparaît ainsi comme un acte unique, un cérémonial visuel.

Costumes et magie théâtrale

En ce sens, l’exposition se veut manifeste : le costume comme moyen de dramaturgie, la couture comme forme de pensée, l’artisanat comme vision. La scénographie de Véronique Dollfus prête vie à ces tenues, les éclairages du musée subliment les reflets satinés, les jeux d’ombre font vibrer les volants, sa disposition apporte une atmosphère dramatique à l’ensemble. On saisit alors en quoi le costume joue véritablement un rôle dans la mise en scène, en quoi il constitue un apport crucial, en quoi il participe de la magie théâtrale.
Avec Christian Lacroix en scène, le CNCS justifie une fois de plus son travail de préservation et de mise en valeur du costume de scène. La focale effectuée sur le travail de ce très grand styliste met en évidence un style, une vision, une exigence aussi bien intellectuelle que technique. On ressort de cette visite ébloui.e et rêveur.se. Et qui sait parmi les visiteurs, des vocations de fleurir, les costumiers du futur de doucement prendre leur envol créatif ?

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Associer collage et broderie est toujours affaire délicate. À ce jeu tout en nuances et subtilités, Marjolein Burbank est passée maîtresse, s’imposant comme une référence du genre. Son univers ? Entre merveilleux, féminisme et critique sociale, il joue sur la finesse, la transparence, la poésie. une artiste textile néerlandaise dont le travail explore des thèmes tels que le féminisme, le genre et la discrimination. elle se décrit comme une conteuse, utilisant ses œuvres pour aborder des questions sociétales contemporaines.

Expériences multiculturelles

Née en 1957 à Eindhoven, Marjolein Burbank est thérapeute de formation. Elle s’est tournée progressivement vers l’art textile, comme une passion, au fil de ses voyages. Au côté d’un époux contraint à l’expatriation de par ses occupations professionnelles, elle a vécu dans divers pays, dont le Panama, le Pérou, la Bolivie, l’Autriche et la Thaïlande.

Elle a rapporté de chacun de ces séjours, une vision enrichie du monde, une perspective artistique élargie. Ces expériences multiculturelles ont enrichi sa perspective artistique, l’incitant à développer son propre style. Initialement adepte du patchwork, elle va profiter de ses séjours en Asie pour développer des œuvres plus personnelles.

Des inspirations sans limite

Au cœur de sa créativité, on trouve un savant mélange de textiles, de photographies vintage, de vieux textes imprimés auxquels elle associe divers matériaux susceptibles d’être cousus : clés, feuilles mortes, éclats de céramique… Ses inspirations sont sans limite, ses créations variées.

Elle évolue de la surface plane à la sculpture au gré de ses humeurs, de ses rêveries. Les matériaux se superposent, légers ou épais, papier glacé ou carton, autant de couches de sens à décrypter pour le regard du spectateur.

Une oeuvre comme un conte

Les textes jouent un rôle central dans ce processus : actualités, faits historiques, lettres, notes personnelles. Avec comme fil directeur (souvent de couleur rouge) la question de la place de la femme dans notre société.

Ainsi dans la série « Under/Over Wear », Burbank recycle de vieux sous-vêtements sur lesquels elle brode des messages tels que « WE ALL BLEED THE SAME ». Une artiste engagée ? Burbank se considère comme telle, usant des mécanismes de l’apologue et du conte pour secouer les consciences, enclencher la réflexion.

Elle a exposé ses travaux dans divers pays, continue de présenter ses créations aux Pays-Bas. Prolixe, elle créée en continu, des pièces tout en discrétion, qu’il faut observer un temps pour en savourer la composition, la pertinence, la justesse.

Pour en savoir plus sur l’univers de Marjolein Burbank, consultez son site web ainsi que son compte Instagram.

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Gestes gracieux, œillades suggestives, l’éventail, longtemps fit partie du vestiaire féminin. Traversant l’Histoire et les continents, il apparaît dans les représentations picturales comme un accessoire incontournable, avant de se perdre, du moins dans notre société. Mais il fait peu à peu son come-back à la faveur du réchauffement climatique. Qu’en est-il de cet accessoire fascinant, de ses origines antiques à son utilisation contemporaine, en passant par sa fabrication artisanale, son rôle dans la haute couture et les grands fabricants actuels ? Et tant qu’à s’équiper, où trouver un éventail de qualité, en écho avec vos goûts, vos attentes ?

Diversité esthétique, usages multiples

L’éventail ? Des formes, des couleurs, des matériaux multiples pour des usages diversifiés : l’objet par sa variété d’aspect et d’usages est fascinant. Mais encore ?

• L’éventail pliant, ou à charnière, est sans doute le plus connu et le plus utilisé. Composé de lames en bois, en bambou ou en ivoire qui pivotent autour d’un point central, il se plie et se déplie aisément, dans un geste de la main d’une rare élégance. La feuille qui revêt ces lames peut être en papier, en soie, en dentelle, en plumes, unie ou ornée de peintures délicates, de motifs imprimés ou de broderies. Certains éventails sont même ornés de pierres précieuses et de perles. Très populaires en Europe depuis le XVIIe siècle, ils sont utilisés aussi bien pour se rafraîchir que pour accessoiriser des tenues élégantes.
• L’éventail rigide, plus robuste et plus simple d’aspect, peut être fabriqué en bois, en bambou ou en métal, comme les éventails japonais ou tessen. Moins décoratif que les éventails pliants, il peut néanmoins être peint ou gravé de motifs traditionnels. En Asie, il a souvent des usages cérémoniels ou martiaux.
• L’éventail en plumes est l’accessoire glamour par excellence. Composé de plumes naturelles ou teintes (comme des plumes d’autruche, de paon ou de faisan) fixées sur une monture souvent en bois ou en métal, il peut être orné de gemmes ou de rubans. Très prisé des spectacles de cabaret, c’est l’atout sophistiqué des effeuilleuses burlesques notamment.
• Moins glamour, l’éventail publicitaire intervient dans les campagnes marketing comme un outil de promotion inédit et surprenant. Souvent fabriqué en plastique ou en carton pour des coûts de production réduits, il est personnalisé avec des logos, des slogans et des images de marque, et conçu pour être distribué en grande quantité lors d’événements. Utilisé lors de concerts, de festivals, de foires commerciales et d’autres événements publics, il combine utilité et visibilité.

Tour du monde de l’éventail

Bref, l’éventail ne sert pas seulement à s’éventer. Pour preuve, ce petit tour du monde qui met en évidence les cultures qui ont adopté et décliné l’objet à leur manière.

• L’éventail espagnol, ou abanico, est un symbole de la culture ibérique, souvent associé à la danse flamenco. Fabriqué principalement en bois et en tissu, très coloré, souvent décoré de motifs floraux et de dentelle, il sert bien évidemment à se rafraîchir mais aussi comme un accessoire de danse, ajoutant du charme et du drame aux performances de flamenco.
• L’éventail chinois, ou shan, est l’un des plus anciens types d’éventails, riche en symbolisme et en histoire.Traditionnellement fabriqué en bambou et en papier de riz, souvent orné de calligraphie et de peintures de paysages, de scènes mythologiques, de poèmes ou de motifs naturels, il intervient durant les cérémonies, signe d’appartenance à la haute société, symbole de culture et de sagesse.
• Outre le tessen meurtrier, l‘éventail japonais, ou uchiwa, rigide et plat, est typiquement utilisé lors des festivals d’été. Fait de bambou et de papier washi, décoré de motifs traditionnels japonais comme les fleurs de cerisier, les poissons koi et les scènes de la vie quotidienne, il est célèbre pour sa légèreté et sa durabilité.
• Artisanal, l‘éventail africain est un élément culturel essentiel , à la fois utilitaire et décoratif. Souvent tissé à la main à partir de matériaux naturels comme les feuilles de palmier, le rotin, le cuir., il est orné de motifs géométriques ou symboliques, agrémenté de perles ou de coquillages, symbolise l’hospitalité et la convivialité.

Chaque type d’éventail a sa propre histoire et son utilité, du glamour des éventails en plumes aux pratiques éventails publicitaires, en passant par les riches éventails africains. Ces objets charmants et variés captivent par leur beauté, leur fonctionnalité et leur capacité à transcender les cultures… et les époques. Car l’aventure de l’éventail ne date pas d’hier.

Une aventure ancestrale

L’éventail possède en effet une histoire riche et complexe qui s’étend sur plusieurs millénaires et traverse les civilisations. De l’Antiquité à nos jours, il a évolué en termes de forme, de fonction et de signification culturelle, se réinventant au fil des âges.

Les origines

L’éventail est né dans l’Antiquité, il y a plus de 3 000 ans. On en détecte les premières traces tangibles en Égypte et en Chine.

• En Égypte, il symbolisait le pouvoir et le statut social. Fabriqué en plumes d’autruche montées sur des manches en ivoire ou en or, on en usait durant les cérémonies politiques et religieuses.
• En Chine, il apparaît dès le IIe siècle avant notre ère. Rigide et faits de feuilles de palmier, c’est un accessoire symbolique dans les rituels religieux.

Moyen Âge et Renaissance : cap sur l’Europe

L’éventail survient en Europe au Moyen Âge, probablement introduit par les échanges commerciaux avec l’Orient et les croisades. La Renaissance va le rendre célèbre , notamment en Italie et en France. L’Italie des Médicis en fait un symbole de raffinement et de sophistication. Les éventails d’alors sont souvent ornés de motifs artistiques, inspirés par les œuvres des grands maîtres de l’époque. En France, il gagne en popularité au XVIIe siècle, particulièrement sous le règne de Louis XIV. La cour du Roi-Soleil l’érige en accessoire de mode incontournable. Réalisé dans des matériaux précieux comme l’ivoire, la nacre et la soie, cet objet de luxe est rehaussé de peintures miniatures et de broderies délicates.

Époque moderne : l’éventail enter mode et communication

Aux XVIIIe et XIXe siècles, l’éventail continue d’évoluer, s’adaptant aux tendances de l’époque. Il devient un moyen de communication subtil et un accessoire de mode indispensable.

• Les éventails de conversation font leur apparition dans les cercles aristocratiques. Des « langages de l’éventail » complexes sont développés, permettant aux utilisateurs de transmettre des messages en utilisant des gestes spécifiques.
• Avec l’avènement de la Révolution industrielle, la production d’éventails se mécanise, d’où une diversité accrue et une plus grande accessibilité pour les classes moyennes : l’éventail devient un objet populaire.

XXe Siècle : l’éventail entre tradition et modernité

Le XXe siècle voit l’esthétique de l’éventail osciller entre ces deux tendances. Alors que les avancées technologiques introduisent de nouvelles façons de se rafraîchir, comme les ventilateurs électriques et la climatisation, l’objet conserve son charme et sa pertinence culturelle.

• Durant la période 1920-1930, l’éventail inspire les artistes du mouvement Art déco. Les designs deviennent plus géométriques et stylisés, des matériaux modernes comme le celluloïd et le plastique s’imposent.
• L’éventail fait également son apparition dans la culture populaire, notamment dans le cinéma et le théâtre. Des stars de cinéma comme Marilyn Monroe contribuent à populariser l’éventail comme accessoire glamour.

XXIe Siècle : L’éventail sur le devant de la scène

L’éventail connaît aujourd’hui une renaissance porté par des tendances écologiques et un renouveau de l’artisanat traditionnel. Exfiltré des salons royaux et des geishas, il a su se démocratiser et trouver sa place dans notre quotidien.

• Les grandes maisons de couture, telles que Chanel, Dior et Valentino, réintègrent l’éventail dans leurs collections, le réinventant avec des matériaux luxueux et des designs avant-gardistes.

• Les artisans perpétuent les techniques traditionnelles tout en innovant avec des designs modernes. Alors que les étés deviennent de plus en plus chauds, l’éventail réapparaît comme une solution simple et efficace, une alternative écologique aux dispositifs de climatisation : il ne consomme pas d’électricité, est léger, portable, silencieux. De plus, il incarne une élégance et une durabilité qui manquent cruellement à nos gadgets modernes. Dans un monde où chaque geste compte pour protéger notre planète, l’éventail offre une alternative charmante et respectueuse de l’environnement.
• L’éventail trouve une nouvelle popularité dans les festivals de musique et les événements en plein air, devenant un accessoire à la fois pratique et tendance.

Pour en savoir plus, nous vous conseillons de faire un petit tour au musée de l’Eventail à Paris. Tenu par l’association « Les Amis du Musée de l’evential Hervé HOGUET », l’endroit regorge de trésors, de pièces uniques, d’éventails bijoux.

Fabriquer un éventail aujourd’hui : tradition artisanale et grandes maisons

La création d’un éventail de qualité comprend plusieurs étapes clés :

• La sélection des matériaux : bois de santal, bambou, soie, papier… les matériaux sont choisis pour leur qualité et leur beauté.
• La découpe et l’assemblage des lames : ces dernières, qui forment la structure de l’éventail, sont découpées et poncées à la main pour garantir leur finesse et leur solidité.
• La fixation de la feuille : Souvent décorée à la main, la feuille est fixée aux lames. C’est ici que l’éventail prend vie, chaque pli ajoutant à sa beauté et à sa fonctionnalité.
• Finitions et personnalisation : Les détails font toute la différence. Broderies, peintures, perles, pampilles et autres ornements sont ajoutés pour créer des pièces uniques et élégantes. Certains modèles sont présentés dans des écrins ou des pochettes de protection. On peut y ajouter une chaîne afin de le suspendre à son cou.

Bref, la fabrication d’un éventail ne s’improvise pas. Il convient donc d’investir dans un produit qualitatif façonné par un artisan spécialisé. On peut bien sûr se tourner vers un site de ecommerce spécialisé comme L’Eventail rouge ou Eventail-boutique.com. Mais il faut savoir qu’il existe encore de très grandes maisons expertes dans la création d’éventails depuis des décenies ; ces dernières perpétuent la tradition tout en innovant avec des designs modernes.

Citons quelques grands noms du secteur :

• Duvelleroy : Fondée en 1827 à Paris, cette maison est l’une des plus anciennes et des plus prestigieuses. Duvelleroy collabore avec des artistes contemporains pour créer des éventails uniques, de véritables pièces de collection, agrémentées de pampilles, présentées dans des boites comme des objets précieux.
• Casa de Diego : Installée à Madrid, cette entreprise familiale fabrique des éventails artisanaux depuis 1823, alliant savoir-faire traditionnel et modernité.
• Vera Pilo : cet atelier lyonnais créé en 2003 est spécialisé dans la fabrication d’éventails depuis les modèles les plus élégants jusqu’aux spécimen les plus extravagants. Formes, couleurs, motifs, difficile de ne pas y trouver son bonheur et des modèles d’une très grande qualité !
• Revolvair éventails : installé à Saint-Paul de Vence, cet atelier provençal propose une impressionnante gamme de modèles réalisés à la main, et qui vous séduiront tant au niveau des formes que des tissus, des motifs, des couleurs. Impossible de ne pas y trouver son bonheur, sachant qu’en plus, chaque saison révèle de nouvelles créations.
• Nani Makani : cette formule hawaïenne désigne « le beau vent ». Une jolie tournure pour désigner des éventails pliants au design ovale original, aux ornements variés et fantaisistes. La marque Nani Makani, dans un souci d’exigence et de qualité, fait fabriquer ses modèles en Allemagne.

Et puis il y a les artistes. Héritiers de Fragonard ou Manet, des créateurs contemporains se sont emparés de l’éventail comme support de leur imagination.

• Olivier Bernoux : ce designer a su s’imposer comme une véritable référence en matière d’éventails ; du reste il collabore avec les maisons de haute couture les plus célèbres, initiant des modèles raffinés et inédits pour des stars comme Rossy de Palma (sa Muse), Madonna .
• Valérie B Cartier : cette dessinatrice textile de talent, collagiste experte par ailleurs, crée des éventails rigides d’inspiration exotique qu’elle décline comme de véritables mosaïques. Elle y mêle motifs géométriques, calligraphies, photographies d’un autre âge, chromos et étoffes dans une conjugaison charmante où dialoguent les inspirations.
• Susana Salvo : cette peintre espagnole orne des éventails aux formes variées comme autant de fresques où le floral échange avec les figures sacrées, le visages des stars, la figure de proches. L’éventail devient ainsi un objet personnalisé au possible, souvenir d’un être aimé ou ex-voto sacré.
• Mathilde Lecrouerour : ses éventails mettent en valeur les tissus et les papiers de soie qu’elle teint elle-même dans des tonalités indigo du plus bel effet. Motifs végétaux ou animaux, ombres et jeux de lumière, l’éventail devient un support de son univers au même titre qu’une toile ou une photographie.

C’est un tour de piste pour le moins rapide et incomplet que nous vous avons proposé dans ces lignes. Il y aurait encore beaucoup à dire sur ce vaste sujet. mais vous avez ici des grandes lignes qui vous permettront de vous orienter vers l’éventail le plus adapté à vos besoins. Et qui sait, allez-vous vous prendre d’amour pour cet accessoire si charmant, et débuter une collection ?

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Est-il encore possible de s’offrir un peu de rêverie dans ce monde de brutes ? Oui si l’on en croit les créations d’Ana Falceta, ambassadrice d’un paysagisme abstrait fait pour réconforter les yeux, les esprits et les sens.

Ferveur et poésie

Installée au Canada, l’artiste brésilienne a commencé sa carrière dans l’univers du design textile. Est-ce pour cette raison que ses œuvres évoquent avec tant de ferveur et de poésie les motifs des élégantes soieries orientales, les jeux de couleurs et de lumières des étoffes perses, la magnificence des tapisseries de la Renaissance ? Douce passion, tranquille élan, chaque dessin possède sa respiration, son rythme rehaussé de détails infimes.

Paysage aux mille facettes

Ocre, rouille, turquoise, melon, vert d’eau, bleu nuit, corail… sa peinture rehaussée de broderies dorées, d’effets pointillistes, de calligraphies mystérieuses, évoque des terres vues d’oiseau, plaines, monts, océans, un paysage aux mille facettes décrypté depuis les étoiles afin de composer une géographie étrange, racée, rassurante. À moins qu’il ne s’agisse d’élaborer un nuancier infini dans lequel tailler un somptueux kimono, un sari merveilleux, un caftan de sultane ?

Patchwork ensorcelé

Abstraction relative : plus on scrute cette topographie où aquarelle, encre, papier et fil s’entremêlent, plus elle s’anime, au gré des imaginaires et des humeurs, comme un patchwork ensorcelé qui ne demande qu’à fuir le cadre qui le retient pour se métamorphoser en papillon, en oiseau, en fée Clochette, en génie, en elfe… Habiller Titania, Shéhérazade ou Circé ? Saisir l’éclat des voiles d’Alcina, le parfum des robes de Madame Butterfly ? Scruter les robes de la Dame à la Licorne, de Lucrèce Borgia ?

Ou simplement, réveiller votre esprit et votre fantaisie en stimulant votre intérieur d’une touche exquise et surprenante, faite pour ravir les esprits en mal de bien-être ?

Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur l’univers d’Ana Falceta, n’hésitez pas à consulter son compte Instagram ainsi que son site web.

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Figurez-vous que, quand ils ne sont pas en train de produire de la soirée type Velu.e, Beautiful Skin et autres DIRRRTY et Chaton des Enfers, nos petits camarades de Bragi Pufferfish vont poser leurs valoches chez Tsugi Radio du côté de La Villette. Cela fait trois ans que ça dure, et ça vaut largement, largement le détour si vous aimez la bonne musique !

Rappeler l’ADN électro du collectif

Une fois par mois donc, le collectif Bragi Pufferfish entre en résidence chez Tsugi Radio, histoire de mixer du bon son pour faire du bien aux oreilles des auditeurs. L’occasion d’accroître la visibilité bragienne, de rappeler l’ADN électro du groupe et de mettre en avant le talent de ses différents DJ. C’est ainsi que Loki Starfish, Lucifer des Enfers, Morgan Ivy, Fabisounours, Fenouil 2000 et consort vont mixer en direct live, parfois avec des anciens membres comme Nannä Volta et Markus Chaak, ou des DJ invités proches de la constellation Bragi comme Jean Remi ou Wakanda.

Faire parler le style de chacun.e

Un mix préparé avec amour et inspiration en amont, « diggage des sons » et « recherche des remixes » à la clé, mais qui fait parler le style de chacun.e quand il s’agit d’assembler le tout sur site, à l’instant T. Et qui met en avant les compétences, les influences, les tendances, les humeurs du moment. Une manière de prouver qu’un DJ n’est pas seulement qu’un sélectionneur de bons morceaux, à partir de ces éléments, il doit composer un ensemble cohérent et accrocheur avec une identité, une griffe, une émotion. Une histoire à raconter, des émotions à déclencher.

Une saveur de dancefloor

Place au son donc, sans les flonflons de la fête certes, mais ce retour à l’harmonie pure rappelle que sans la musique, sans le rythme, la fête ne serait pas. Depuis trois ans donc, les assemblages s’enchaînent, qui apportent un peu de l’esprit Bragi Pufferfish dans les foyers, un peu de rythme et de poussière d’étoile dans les cœurs, une saveur de dancefloor et de lacher-prise une heure durant. 60 minutes de set ciselé comme une broderie précieuse, un velours auditif, une caresse des tympans. De quoi remonter ses batteries en attendant la prochaine fiesta ?

Pour sûr, mais aussi une petite leçon d’humanisme, de savoir-faire et d’amour. Comme le dit si bien Loki Starfish, « un mix réussi, c’est un subtil équilibre de générosité, de plaisir, de surprise, d’écoute de l’autre, d’intensité, de don de soi… Un peu comme pour un rapport sexuel en somme ».

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Qui se souvient des aspérités de la carte de Tendre, telle que la suivaient scrupuleusement nos jolies Précieuses du XVIIᵉ siècle ? Certes, Dom Juan n’aurait jamais eu l’once d’une chance avec ces dames (il ne s’y frotte guère du reste, trop peureux de se faire piquer par ces jolies guêpes intellectuelles à l’humour corrosif comme l’arsenic). Il n’en aurait pas été de même un siècle plus tard, si Athénaïs et ses petites camarades avaient croisé le chemin d’un certain Casanova, dont nous avons encore aujourd’hui tout à apprendre.

Le fringuant Vénitien et ses atouts

Le fringuant Vénitien aurait plu aux Précieuses, à coup sûr. Et il sut rester dans les mémoires pour le talent certain dont il faisait preuve dans l’approche séductrice de la gent féminine, qui fondait littéralement en pâmoison sans pour autant lui en vouloir de ses coups de canifs dans un contrat amoureux qu’il se refusa toujours à signer. Il faut dire qu’en dehors d’une libido riche et pleine de vigueur sur laquelle se sont d’ailleurs épanchés nombre de réalisateurs très inspirés), Giacomo avait pas mal d’atouts dans son jeu :

• particulièrement charmant même s’il était réputé laid ;
• habillé avec un soin certain pour ne pas parler de raffinement (ces messieurs des Lumières se paraient souvent de façon aussi extravagante que leurs consœurs, privilégiant dentelles, broderies, mouches, perruques poudrées à l’excès, parfums capiteux, bas brodés, boucles de chaussures et talons assortis ; pour ceux qui en doutent, visitez le Musée de la Mode, vous serez édifiés);
• ancien séminariste (un plus certain dans une Venise où les différents couvents se battirent proprement lors de la venue du Nonce du Pape, pour savoir dans lequel ce digne prélat choisirait sa maîtresse du moment, … oui, oui, parmi les bonnes sœurs, vous avez bien lu) ;
• aventurier (s’échappant de la prison des Plombs, espion, charlatan, magicien, franc mac, globe-trotter, un peu escroc au passage …) ;
• parlant italien, français (la langue des libertins), anglais, latin, … ;
• violoniste (d’aucuns prétendent qu’il participa à l’écriture du livret de Don Giovanni, prêtant ainsi main forte à Da Ponte, le librettiste de Mozart, ce qui aurait apporté ce petit cachet accrocheur et proprement fondant au héros de l’opéra ;
• doué pour raconter les histoires ; la tchatche donc, élément essentiel dans le kit de survie en milieu séducteur hostile et qui fera de lui ultérieurement un grand auteur puisque Monsieur écrit, et fichtrement bien en plus…

Se souvenir de Casanova

Un playboy ? Avec un petit plus tout de même : contrairement à son théâtral alter ego moliéresque, l’autoproclamé Chevalier de Seingalt annonce clairement la couleur à ses maîtresses : il n’est pas fait pour rester. Ce qui d’ailleurs ne l’empêche pas de tomber éperdument amoureux, de se faire larguer et d’aller soigner ses chagrins affectifs auprès de prostituées dont il est certain qu’elles lui transmettront la syphilis. Dans le genre remède de cheval, on peut trouver mieux pour oublier ses déboires sentimentaux, vous n’en disconviendrez pas. Et puis il y avait l’intellectuel, la connaissance, la culture et le beau verbe.

Pareil personnage a de fait sa place dans notre série Love Letters. Des lettres, il en a écrit beaucoup, ses mémoires également, une Histoire de ma vie qui rutile des milles lumières de ce siècle en pleine révolution. Il a surtout fait couler beaucoup d’encre, en témoigne une bibliographie conséquente dans laquelle on cible Casanova – Un voyage libertin de Chantal Thomas ou Casanova l’admirable de Philippe Sollers. Les deux ouvrages ont ceci de précieux qu’ils dévoilent l’attachement de deux grandes plumes, l’une du beau sexe, l’autre virile, deux points de vue non négligeables sur un parcours hors normes.

Ajoutons les deux chefs-d’œuvre cinématographiques absolus que sont Casanova de Fellini et Casanova un adolescent à Venise de Comencini. A noter également l’interprétation anthologique de Marcello Mastroianni dans La Nuit de Varennes, où l’acteur italien campe un Casanova vieillissant qui voit son monde s’effondrer. À consulter par ailleurs l’exposition en ligne Casanova – La passion de la liberté proposée par la BNF : un dossier extrêmement complet sur le bel Italien, qui casse avec l’image d’Epinal du séducteur pour dévoiler des visages plus pertinents, plus intellectuels. Et pour les rétifs à la lecture, il existe une édition complète de l’émission Secrets d’Histoire aux frasques casanoviennes avec une ouverture sur la vie vénitienne au XVIIIe siècle.

Autant dire une méthodologie en direct live sur les techniques de séduction par l’intelligence. Pour résumer, vous avez tout à apprendre de ce charmant professeur qui plaçait la parole, l’intelligence et la culture en première ligne de l’acte amoureux et qui fut suffisamment moderne et respectueux pour considérer le consentement de ses partenaires comme une victoire des sens.

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