Frankenstein n’est pas un monstre du passé. C’est un revenant. Depuis plus de deux siècles, la créature imaginée par Mary Shelley n’a cessé de ressurgir, de se transformer, de muter. Du roman gothique aux adaptations cinématographiques, des séries télévisées aux relectures queer, du glam rock à l’horreur nihiliste, Frankenstein traverse les époques sans jamais se figer.

Pourquoi ce mythe nous obsède-t-il autant ? Parce qu’il parle moins de science que de responsabilité.
Moins de monstruosité que de regard. Moins de créature que de société.

Ce dossier rassemble l’ensemble des articles publiés sur Frankenstein au sein de The ARTchemists. Films cultes ou maudits, détournements pop, lectures politiques, sociales ou esthétiques : autant de variations autour d’un même noyau inquiet. Frankenstein n’est pas seulement une figure de fiction. Il est un miroir.
Et chaque époque y projette ses propres peurs.

Cet article Dossier Frankenstein : un mythe, mille métamorphoses est apparu en premier sur The ARTchemists.

Ou comment un mythe littéraire du XIXᵉ s’est transformé en icône punk, marketing, gothique, techno, bioéthique, Halloween-friendly et même philosophique.

Clairement, Frankenstein est increvable. Pour preuve le nouvel opus (très réussi) de Guillermo Del Toro). Je ne reviendrai pas sur cette enième version, du reste très bien chroniquée par notre rédac chef. Par contre je vais me pencher sur la fascination engendrée par ce mythe. Depuis son accouchement, la créature enfantée par Mary Shelley en 1818 n’a pas cessé de muter : cinéma, BD, rock, pop culture, jeux vidéo, débats bioéthiques, memes, tatouages, logos punk… on l’a vu partout, dans toutes les postures, tous les maquillages, toutes les récupérations.

Pourquoi lui ? Peut-être parce que Frankenstein, c’est notre reflet. En scrutant ce monstre couturé, capable d’amour comme de férocité, l’humanité se prend en pleine face ses expériences ratées, ses rêves de puissance et ses gamelles morales. Bienvenue dans le freakshow culturel du fils abandonné le plus célèbre de la littérature.

James Whale (1931) : l’accident industriel devenu Bible visuelle

Avant d’être un mythe global, Frankenstein a été… une erreur d’interprétation. Mary Shelley parlait d’un être sensible, tragique, philosophe malgré lui. Hollywood a préféré miser sur le spectaculaire, le « monstrueux ». Résultat : le film Frankenstein (1931), réalisé par James Whale, produit par Universal, avec Boris Karloff figé sous les couches de maquillage de Jack Pierce. De quoi pétrifier l’iconographie pour des décennies : les boulons au cou (absents du roman), la tête plate, les semelles compensées, la démarche mécanique, les bras tendus, le laboratoire, le regard fou-furieux de Victor contemplant sa création.
On repassera pour le respect du texte initial. Whale façonne une brute, un mort vivant gigantesque et destructeur. La pop culture ne s’en remettra jamais : Frankenstein devient la mascotte d’Halloween, l’icône du cinéma d’horreur, l’image imprimée sur t-shirts, comics, jouets et boîtes de céréales. Le mythe littéraire disparaît au profit de ce qui va devenir un véritable phénomène de la culture pop.

De la tragédie romantique au produit dérivé : naissance d’un empire monstrueux

Et un incontestable succès marketing. Le Frankenstein de Karloff engendre une lignée de monstres Universal : Bride of Frankenstein (1935), chef-d’œuvre à la frontière du queer et du gothique, toujours de James Whale ; Son of Frankenstein (1939) et tous les croisements improbables avec Dracula, le Loup-Garou, Abbott & Costello… Hollywood a créé le premier univers partagé avant Marvel.

Pendant ce temps-là, la créature inspire toute une kyrielle de produits dérivés : comics (Marvel lance The Monster of Frankenstein en 1973), dessins animés (Les Pierrafeu l’utilisent souvent en gag), publicités, pin’s, animations de parc d’attractions, mascottes de conventions. La pop culture s’est emparée du monstre de Frankenstein (vous noterez que le docteur, lui, disparaît de l’horizon, car peu vendeur), le cuisine à toutes les sauces, le tourne parfois en dérision mais le rend omniprésent, incontournable.

Deux adaptations qui font date

Dans la longue lignée de productions cinématographiques inspirées du livre de Mary Shelley, citons deux cas, deux adaptations qui bouleversent les codes.

Mel Brooks, le punk burlesque : Young Frankenstein (1974)

Puis survient Young Frankenstein en 1974. Spécialiste des parodies drolatiques, Mel Brooks retourne le mythe comme un gant. Sa version burlesque en noir et blanc respecte tellement Whale qu’elle en devient hommage officiel.

Gene Wilder, œil brillant et cheveux version permanente électrostatique, incarne le descendant du savant. Créature géante et simplette, danse sur « Puttin’ On the Ritz » Peter Boyle est un monstre loufoque. Teri Garr plante une assistante ultra sexy, Marty Feldman est irrésistible en serviteur bossu aux allures de gargouille.

Ce film fait office de vaccin : il empêche qu’on prenne Frankenstein trop au sérieux. Il rappelle aussi que les monstres survivent à tout — même à la comédie.

La version 1994 de Kenneth Branagh : grand opéra, sueur et romantisme gothique

Retour aux sources avec Mary Shelley’s Frankenstein. En 1994, Branagh fait exploser l’amidon victorien, propulse le roman dans une flamboyance baroque, redonne à la Créature (Robert De Niro) son humanité douloureuse. Ce film réhabilite l’esprit de Shelley : la créature parle, pense, souffre.
Le créateur est l’unique vrai monstre. La pop culture découvre alors que Frankenstein, derrière ses boulons de cartoon, possède un cœur noir, tragique et intelligent.

Les comics et les monstres augmentés : Frankenstein devient super-héros, cyborg ou soldat

J’évoque le cinéma, mais n’oublions pas que les comics se sont aussi jetés sur la créature comme la pauvreté sur le monde : Marvel lui rend hommage avec The Monster of Frankenstein (1973) avant de l’intégrer dans d’autres séries ; DC Comics lui consacre Frankenstein, Agent of S.H.A.D.E., version pulp où la créature combat des menaces surnaturelles façon Hellboy en plus carré.

Au fil des pages, des vignettes et des bulles, la créature devient soldat gouvernemental, anti-héros mélancolique, machine augmentée, golem cyberpunk. Chaque époque réécrit Frankenstein selon ses angoisses technologiques : plus on devient machine, plus on humanise le monstre.

Jeux vidéo : le corps recomposé comme avatar

Au niveau gaming, même histoire d’amour, même travail de récupération, assimilation. L’influence est partout : Castlevania fait de Frankenstein un boss récurrent. The Binding of Isaac, Bloodborne, Darkest Dungeon multiplient les hommages à l’être fabriqué. The Witcher présente des monstres hybrides à la Shelley.

Le jeu vidéo adore Frankenstein, car il pose la question la plus moderne qui soit : qu’est-ce qu’un corps “fabriqué” peut faire que le corps “naturel” ne peut pas ? On est en plein dans le transhumanisme, sans les conférences TED.

Frankenstein à l’ère cyborg : du symbole gothique au capitalisme techno

Aujourd’hui, la créature s’invite/s’infiltre partout : dans les débats sur l’IA, dans les discussions sur la robotique sociale, dans les essais sur l’éthique biomédicale (Donna Haraway revisite le mythe dans A Cyborg Manifesto, 1985). Même la Silicon Valley utilise parfois Frankenstein comme métaphore des inventions qu’elle ne maîtrise pas totalement.

Le monstre sert à pointer du doigt ce que nous refusons de regarder : les conséquences de la création. Mary Shelley avait prévenu : créer un être, ce n’est pas jouer à Dieu — c’est assumer la responsabilité de ne pas être Dieu. Le XXIᵉ siècle a transformé Frankenstein en panneau d’avertissement moral. Pas étonnant qu’il ressurgisse dès qu’on parle d’IA générative, de bébés génétiquement modifiés ou de robots humanoïdes : c’est le mythe de l’apprenti-sorcier, version open-source.

Halloween, marketing, merchandising : le monstre domestiqué

Et puis il y a le business du produit dérivé. Aujourd’hui, Frankenstein est à la fois mascotte, emoji, décoration de jardin… un totem kawaii. C’est le destin de toutes les icônes pop : on les vide de leur drame pour les recycler en chewing-gum visuel.

Mais sous les paillettes, l’archétype demeure : un corps bricolé, une âme en quête d’amour, un créateur absent. Le combo parfait pour hanter une civilisation entière.

Cet article Frankenstein dans la culture pop : un freakshow à notre image est apparu en premier sur The ARTchemists.

Cela arrive malheureusement : certains films, parce qu’ils sont trop ambitieux, trop hors norme, trop excessifs échappent à un public hermétique car formaté. Le Frankenstein de Kenneth Branagh appartient à cette catégorie et c’est misère : le film, flamboyant, baroque, incandescent, est souvent caricaturé pour son énergie romantique ; en vérité, c’est l’une des plus respectueuses et profondes adaptations du chef-d’œuvre de Mary Shelley.

Sorti en 1994, interprété par Branagh lui-même dans le rôle de Victor et par Robert De Niro dans celui de la Créature, le film est parfois surnommé Mary Shelley’s Frankenstein : non un geste marketing, mais une revendication esthétique. Ici, il ne s’agit ni de revisiter le mythe hollywoodien inauguré par James Whale, ni de rejouer l’imagerie gothique figée dans le culte de Boris Karloff. Il s’agit d’adapter le roman, le vrai, dans toute sa sensualité, sa douleur, sa fièvre, sa dimension romantique et philosophique.

Une fidélité littéraire rare

Le scénario, coécrit avec Frank Darabont (un ponte de l’adaptation cinématographique avec à son actif les scénarios de La Ligne verte ou The Mist), reprend scrupuleusement les grandes lignes du roman de Mary Shelley : structure en récits enchâssés, ouverte sur l’expédition de Walton, jeunesse de Victor, ses lectures, son orgueil, fièvre créatrice qui le consume, naissance de la Créature comme événement traumatique, apprentissage du langage, de la morale et de la solitude, demande d’une compagne, cascade de tragédies qui en découle, poursuite terminale dans les glaces de l’Arctique.

Le film rétablit ce que tant d’adaptations avaient gommé : le cœur moral du récit. Victor Frankenstein n’est pas un savant fou : il est un jeune homme brillant, idéaliste, aveuglé par la promesse d’une science sans limites. La Créature n’est pas un monstre : elle est un être hypersensible, faillible, rejeté, qui expérimente le monde avec une intensité bouleversante.

Branagh rend justice au projet de Shelley : un drame sur la responsabilité, l’orgueil et la création du vivant.

L’esthétique de Branagh : fièvre romantique et baroque organique

Le film a parfois été critiqué pour sa flamboyance visuelle ; c’est méconnaître l’essence même du roman. Mary Shelley écrit un texte profondément romantique, traversé d’orages, de fièvres, de montagnes, de tempêtes intérieures. Branagh traduit cette intensité en une esthétique baroque, presque opératique.

La naissance de la Créature est une scène inoubliable. Le laboratoire, immense cathédrale mécanique faite de fluides, pulpes, pistons, liquides amniotiques, électricité et gestes frénétiques, n’a rien du cabinet minimaliste de James Whale. Il s’inspire davantage des expérimentations électriques de Galvani, de l’imagerie prolifique des anatomistes du XVIIIᵉ siècle, du chaos organique décrit par Shelley.

Cette scène est souvent moquée pour son exubérance, mais elle est en vérité l’une des plus fidèles adaptations visuelles du texte : Victor est décrit par Shelley comme fiévreux, exalté, hors de lui, presque possédé par l’idée de donner la vie. Branagh comprend que Frankenstein n’est pas un mythe de laboratoire calme : c’est un accouchement fiévreux, une transgression physique autant qu’intellectuelle.

La Créature de De Niro, loin de la caricature à la Karloff, est reconstruite avec des sutures, des cicatrices, des asymétries — une esthétique réaliste inspirée des dissections médicales.
Là encore : fidélité absolue à Shelley, qui décrit un être “misérablement imparfait”, trop grand, trop visible, trop vulnérable.

Créature enfant et Frankenstein shakespearien

On pourrait croire que De Niro, massif, rugueux, ferait un monstre de plus. Il fait tout le contraire : il joue un enfant. Ses premières scènes, muettes, maladroites, pleines de gestes hésitants, rappellent que la Créature n’a pas de langage, qu’elle découvre le monde par les sens, qu’elle ne comprend pas sa propre solitude.

Lorsque De Niro parle enfin — lentement, douloureusement, avec une diction marquée par la reconstruction de ses muscles faciaux — il devient l’un des plus bouleversants personnages du film.
Son monologue chez les De Lacey, notamment, est une réussite absolue : humble, affamé d’amour, affamé de reconnaissance. Branagh restitue ce que tant d’adaptations avaient oublié : ce n’est pas la Créature qui est inhumaine, c’est la société qui l’est envers elle.

Quant à Victor, Branagh fidèle au théâtre dont il est issu, en fait un personnage shakespearien : orgueilleux, magnétique, magnifique et insupportable, sublime et aveuglé. Il ne s’agit pas de moraliser : il s’agit de montrer l’arc tragique d’un homme qui veut trop. Branagh comprend que Frankenstein n’est pas un génie maléfique : c’est un jeune homme brillant qui ne supporte pas la limite. Son Victor court, crie, se jette au sol, embrasse la vie avec un enthousiasme fiévreux. Cette énergie excessive est précisément le moteur du drame.

Un film sur la création, la responsabilité et la tendresse impossible

Si Mary Shelley’s Frankenstein fonctionne, c’est parce qu’il ne réduit pas le roman à un conflit.
Il met en scène une relation. Victor et la Créature ne sont pas ennemis : ils sont parent et enfant, miroir et reflet, bourreau et victime dans un ballet complexe où chacun cherche l’amour de l’autre tout en le détruisant.

À sa sortie, le film divise. Certains critiques apprécient sa fidélité ; d’autres rejettent son excès romantique. Le public, habitué au mythe hollywoodien du savant fou, ne sait pas reconnaître la profondeur du projet. Aujourd’hui, le film est peu à peu réhabilité comme la plus fidèle adaptation du roman de Mary Shelley, l’une des plus belles créations visuelles de Branagh, une interprétation magistrale de De Niro, un sommet du gothique romantique des années 1990.

Là où tant d’adaptations trahissent Shelley, Branagh la respecte profondément — en traduisant non seulement son intrigue, mais surtout son âme.

Une œuvre-fleuve, excessive, magnifique

Le Frankenstein de Kenneth Branagh n’est pas un film sage. Il ne cherche pas la retenue ni la sobriété. Il embrasse la fièvre du roman, son lyrisme, sa douleur, sa passion, son vertige moral. Il rétablit ce que Shelley avait écrit : un drame humain, un mythe de la responsabilité, une tragédie de la création, une méditation sur la solitude et l’orgueil.

À l’heure où nos obsessions technologiques redonnent au mythe toute son actualité, l’adaptation de Branagh nous rappelle que Frankenstein n’est pas un conte d’horreur : c’est un roman d’amour impossible entre un créateur et sa création. Une histoire d’éthique, de tendresse brisée, de démesure — telle que Mary Shelley l’avait rêvée lors d’une nuit d’orage.

Branagh lui rend justice. Et c’est un privilège rare.

Cet article Kenneth Branagh — Mary Shelley’s Frankenstein (1994) : la plus fidèle et la plus lyrique des adaptations cinématographiques est apparu en premier sur The ARTchemists.

1818 : une jeune femme de dix-neuf ans publie un roman qui n’est pas seulement un chef-d’œuvre précoce, mais un texte-origine. Un texte-matrice. Un texte qui, bien avant la biologie moderne, les greffes, la robotique, l’intelligence artificielle ou la quête de post-humanité, interroge déjà l’axe central de notre modernité : qu’arrive-t-il quand l’homme prétend créer à la place de la Nature ?

Avec Frankenstein ou le Prométhée moderne, Mary Shelley explose le cadre du récit d’horreur et du roman gothique pour développer une réflexion d’une rare justesse sur la responsabilité, la solitude, la filiation, la fabrication du vivant, l’ambition scientifique, la dérive de l’ego, et l’éternelle question du « cœur humain ». Ce roman de science-fiction avant la lettre accouche d’un mythe tellement fécond qu’il irrigue encore nos débats sur le transhumanisme, la bioéthique et les technologies de l’IA.

Naissance d’un mythe : une nuit d’orage, une compétition littéraire, un cauchemar

L’histoire est connue, presque trop : en 1816, Mary Godwin — future Mary Shelley — séjourne à Genève avec Percy Shelley, Lord Byron et John Polidori. À cause du « year without a summer », conséquence de l’éruption du Tambora, les orages succèdent aux averses : on lit, on s’ennuie, on se défie. Byron lance l’idée d’écrire chacun une histoire de fantômes.

Mary Shelley, incapable d’écrire pendant plusieurs jours, fait un cauchemar : une silhouette éveillée par une « étincelle de vie », un corps inerte rendu vivant par un savant dont les ambitions dépassent le cadre moral. La vision est si intense qu’elle devient le cœur du roman. Pourtant Mary ne raconte pas la vengeance d’un monstre. Elle relate la chute d’un homme.

Victor Frankenstein : le rêveur devenu démiurge

Victor Frankenstein n’est pas un sorcier. C’est un scientifique prometteur, pétri de lectures anciennes, fasciné par les alchimistes autant que par la science naissante de Galvani.
Le roman repose sur un paradoxe magnifique : Frankenstein croit que l’homme peut devenir créateur ; Mary Shelley démontre qu’il n’en a pas la stature morale. Ses motivations ne sont pas maléfiques — elles sont narcissiques : désir de gloire, volonté de transcender les limites humaines, refus de la mortalité, ambition d’inscrire son nom dans l’histoire.

La créature n’est pas le fruit d’une science exacte : elle résulte d’une obsession qui dévore le savant. Mary Shelley ne décrit jamais précisément le procédé scientifique : elle crée un flou volontaire, un espace symbolique. Ce silence technique fait du mythe une parabole universelle. Ce n’est pas la méthode qui importe, mais la transgression.

La Créature : premier être post-humain de la littérature

On l’appelle « monstre », alors qu’elle est l’un des personnages les plus émouvants du XIXᵉ siècle. Dotée d’une sensibilité extrême, d’un esprit vif, d’un profond besoin d’amour et d’éducation, la Créature n’est initialement pas un être maléfique. C’est parce qu’elle est abandonnée, rejetée, traquée, incomprise qu’elle tombe dans la violence la plus destructrice.

Mary Shelley construit une figure d’une modernité stupéfiante : cet être façonné par les mains d’un humain, sans mère, sans langage, sans insertion sociale, doit apprendre seul la morale, la sensibilité, la compassion ; face au rejet, il développe une colère tragique. La Créature est un fil migratoire vers notre présent : elle préfigure les dilemmes contemporains autour des intelligences artificielles sensibles, des chimères génétiques, des clones, de tous ces êtres que nous pourrions créer un jour sans être capables de leur offrir un cadre éthique ou affectif.

Le cœur du roman : la responsabilité du créateur

Dans ces pages, Mary Shelley jamais ne juge la science. Ce qu’elle accuse, c’est le détournement moral de la science. Frankenstein crée la vie, mais refuse la charge qui l’accompagne. Il ne nomme pas sa créature. Il la fuit. Il l’abandonne avant de tout faire pour l’éradiquer.

Le roman devient alors une méditation d’une rare profondeur sur la responsabilité : responsabilité du savant envers sa création, responsabilité du parent envers l’enfant, responsabilité de la société envers les marginalisés. Tout ce que devient la Créature découle du refus de son créateur d’assumer.

Nous sommes loin du mythe pop-culturel du savant fou. Nous sommes dans l’éthique crue : Qu’arrive-t-il lorsqu’un être humain produit un être qu’il refuse immédiatement ? C’est une question qui, aujourd’hui, irrigue les débats sur les robots autonomes, les IA conscientes, les manipulations génétiques, les biotechnologies de la reproduction ou les interfaces neuronales.

La modernité du mythe à l’ère du transhumanisme

Le XXIᵉ siècle fait de Frankenstein une allégorie brûlante.

• Le roman met en garde contre le fantasme du dépassement absolu : l’idée que l’homme pourrait outrepasser la mort, perfectionner le vivant, augmenter l’humain jusqu’à l’effacement des limites. Victor Frankenstein est le premier transhumaniste tragique de la littérature.
• La Créature pose la question fondamentale aujourd’hui agitée par les philosophes de l’IA :
  Si nous créons une intelligence, sommes-nous prêts à répondre à ses besoins affectifs, sociaux, émotionnels ? Mary Shelley répond : non, pas encore.
• Dans un monde où l’on fabrique, modifie, optimise, la Créature nous rappelle que les relations entre créateur et créé ne sont jamais purement fonctionnelles.
  Elles deviennent vite éthiques, affectives, politiques.
• Mary Shelley illustre comment une société rejette ce qu’elle ne comprend pas. La Créature devient le symbole poignant des corps non normés, des identités marginalisées, des êtres que la société refuse d’intégrer.

Un roman polyphonique, élégant, déchirant

Au-delà des thématiques, Frankenstein est un chef-d’œuvre formel. Le roman adopte une architecture en poupées russes — lettres, récits enchâssés, confessions croisées — qui renforcent sa dimension introspective. Il est traversé par les paysages sublimes des Alpes, par le romantisme noir, par la solitude, par la quête impossible d’un foyer.

Il est écrit avec une maturité déconcertante pour une autrice de dix-neuf ans. Shelley y mêle la philosophie, le lyrisme poétique, la critique sociale, le gothique, la spéculation scientifique.
C’est un roman total.

Une œuvre plus vivante que jamais

Deux siècles plus tard, Frankenstein n’a rien perdu de sa puissance.
Il ne parle pas seulement d’un cadavre animé par une étincelle scientifique : il parle de nous.

De nos peurs.
De notre désir de grandeur.
De notre incapacité à prendre soin de ce que nous créons.
De notre fascination pour le dépassement du corps.
De notre difficulté à accepter l’altérité.

Mary Shelley, sans le savoir, nous tend un miroir moral dont nous n’avons toujours pas appris à détourner les yeux.

Son roman n’est pas un avertissement :
c’est une prophétie douce-amère, une légende fondatrice que chaque génération relit à la lumière de ses propres inventions.

Aujourd’hui, à l’heure du transhumanisme, de la bio-ingénierie, de l’IA générative et des chimères de laboratoire, Frankenstein a plus que jamais valeur de mythe.
Non pour nous effrayer, mais pour nous rappeler que créer ne suffit pas : il faut aussi aimer, nommer, accueillir et protéger.

Cet article Mary Shelley — Frankenstein ou le Prométhée moderne : un mythe fondateur à l’heure du transhumanisme est apparu en premier sur The ARTchemists.

Wolf Hall : on en était resté à l’éblouissement d’une première saison somptueuse et juste à tous les égards. Pour tout dire, j’attendais le second volet des aventures de Thomas Cromwell au pays du pouvoir avec une impatience à peine contenue. Autant dire que mon cri de joie, en voyant les premières images de la saison 2 poindre sur le compte Instagram de la BBC, fut claironnant. À juste titre ! Ce second volet est à la hauteur du premier, pour évoquer l’ascension du célèbre ministre… et sa chute.

Préserver le pouvoir

Reprenant le format de son prédécesseur, ce deuxième volet évoque en six épisodes le parcours de Cromwell au lendemain de l’exécution d’Ann Boleyn. Apprécié d’Henry VIII dont il sait gérer le caractère pour le moins retors, proche de la nouvelle reine Jane Seymour, Cromwell n’est pourtant pas ce qu’il y a de plus serein. Il faut dire que la période est pour le moins complexe, secouée par les vents changeants de l’Humanisme, la Renaissance qui rebat les cartes politiques. Pétri de savoir, adepte de Machiavel, formé par feu le cardinal Wolsey, la puissance de Cromwell en gêne plus d’un, de même ses méthodes.

On n’aime guère ce parvenu éduqué et discret, froid et calculateur, humain et bienveillant pourtant. Issu du ruisseau, il est particulièrement mal vu parmi les rangs d’une haute noblesse jalouse de ses privilèges et désireuse d’avoir l’oreille d’un monarque pour le moins imprévisible. Accusé de vouloir s’emparer de la couronne en courtisant Mary Tudor, fille d’Henry VIII et de Catherine d’Aragon, ex souveraine répudiée de la plus odieuse des façons, Cromwell fait des pieds et des mains pour préserver le pouvoir aux mains d’une dynastie qui peine à se construire.

Une marche à l’abîme

Cela lui sera fatal (non, je ne spoile pas, ceux qui connaissent un peu l’histoire de la Grande Bretagne savent le destin de Cromwell, porté au plus haut rang avant de tomber en disgrâce et d’être exécuté comme traître). Toujours inspirés des romans d’Hilary Mantel, les épisodes de la seconde saison évoquent cette marche à l’abîme, la solitude, le remord, la culpabilité. Profondément épris de justice et de vérité, Cromwell se heurte à la bassesse, aux complots, à la bêtise. Seul contre tous, il fait fi des signes, des avertissements.

Mais se battra comme un lion jusqu’à la dernière seconde, avant d’embrasser son destin. Exceptionnel, Mark Rylance reprend ce rôle difficile auquel il apporte nuances et finesses. Face à lui, Damian Lewis, Henry VIII hypocrite et manipulateur, impitoyable. La tension est palpable, les rapports de force appuyés. Les scènes de confrontation brutale alternent avec les moments tragiques, la mort de Jane notamment, un effondrement pour Cromwell pour qui elle était bien plus qu’une proche.

Vulnérabilité et duplicité

Dans ces décors splendides, saturés de richesses, presque étouffants, le coût humain et moral des ambitions politiques s’accroît. Si les séquences de cour sont flamboyantes, affichant la splendeur du pouvoir royal, l’ombre des couloirs est beaucoup plus oppressante. Les figures historiques, souverain, reine, conseillers, s’éloignent des stéréotypes habituels pour exprimer une ambiguïté morale problématique où l’émotionnel est toujours confronté au politique.

Les confrontations verbales, les stratégies de manipulation sont minutieusement orchestrées, presque chorégraphiées, rappelant que le pouvoir, dans cet univers, n’est jamais acquis sans compromis. C’est cette dimension humaine – la vulnérabilité et la duplicité qui cohabitent en chacun – qui rend la série particulièrement captivante.

Cet article Wolf Hall saison 2 : plus foudroyante sera la chute est apparu en premier sur The ARTchemists.

À peine sorti, déjà bingewatché : nous n’aurons fait qu’une bouchée de Silo saison 2. Il faut dire que cette seconde saison, adaptée du roman de Hugh Howey, tient largement ses promesses, sans réduire la voilure par rapport à son premier chapitre.

Silo et hiver nucléaire

Bon, on va éviter de trop spolier mais il faut bien poser le contexte pour celles/ceux qui ne suivaient pas au fond de la classe (ou qui n’ont pas vu les premiers épisodes de cette saga). On va donc faire un petit récap. Le Silo : 144 étages de bétons enfoncés dans la terre, où survivent 10 000 personnes réparties en castes, qui ignorent pourquoi elles sont là. Plus on descend les niveaux, plus le statut social se délite, plus la haine s’accumule. « Snowpiercer à la verticale » avions-nous titré notre chronique du chapitre 1. À raison.

Au milieu de cette poudrière, l’élément qui va tout faire péter (ou pas ?) : Juliette Nichols, jeune mécanicienne surdouée et pour le moins indépendante, qui par la force des choses, va être amenée à enquêter sur les origines du Silo, en questionnant par la même occasion la réalité d’un extérieur dont on ne sait s’il est apocalyptique ou paradisiaque. Pour le coup, Juliette, condamnée à aller nettoyer dehors (je traduis, fichue à la porte avec à la clé une mort par asphyxie comme ses prédécesseurs), va découvrir la réalité d’un environnement complètement dévasté en mode hiver nucléaire.

Un silo, des silos

Seulement voilà, Juliette n’est pas du genre à y rester (sinon y a plus d’intrigue). Elle va survivre, et réussir à se traîner jusqu’à un autre Silo. Car il semblerait qu’il n’y en ait pas qu’un. Questions : y a-t-il d’autres survivants ? Pourquoi ces Silos ? Qui les supervise ? À quelle fin ? Tandis qu’elle tente de revenir chez elle pour éviter que ses 10 000 petits compagnons y restent, Juliette va de nouveau fouiller le passé, tenter de comprendre. Et ce qu’elle découvre n’est pas joli-joli. Car les fondateurs du Pacte ont prévu des solutions plus qu’expéditives pour mater les révoltes.

Je passe sur les détails, que vous savourerez vous-même, le côté « suspense » de l’histoire étant au rendez-vous (et je ne vais pas vous gâcher le plaisir quand même). Silo 2 creuse le sillon du premier opus avec une réflexion toujours plus poussée (et effrayante) sur le fonctionnement de nos sociétés et la facilité avec laquelle elle peut glisser dans le totalitarisme. Je n’exagérerai pas en disant que le propos, servi par le casting initial avec toujours autant de brio, prend à la gorge, surtout en cette période d’exacerbation des antagonismes internationaux.

Derrière le divertissement, l’analyse, l’avertissement, une invitation à méditer sur l’importance du savoir, de la mémoire. Car comme disait avec raison un certain Churchill, « un peuple qui oublie son passé se condamne à le revivre ». Et met en péril son avenir, quitte à flirter avec sa fin.

Cet article Silo 2 : flirter avec la fin ? est apparu en premier sur The ARTchemists.

Flashback : la semaine dernière, nous éditions une chronique du livre Algérie-Une histoire millénaire paru aux éditions Géorama. Un magnifique livre mêlant textes et photographies en une exploration de l’Algérie méconnue. Paysages majestueux, villes féériques, digne héritier des récits de voyage de la fin du XIXeme siècle, le travail de Frédéric Soreau nous a beaucoup impressionnés. Suffisamment en tout cas pour que nous nous intéressions à ce Monsieur de plus près.

Photographe professionnel, guide et conférencier, auteur et reporter, professeur de langues étrangères et de FLE (Français Langue Etrangère) : Soreau cultive un profil en apparence atypique mais finalement d’une rare cohérence. Trait d’union de ces différentes disciplines qu’il pratique de front : l’amour de l’Ailleurs. L’échange également entre les cultures, les êtres humains. A l’heure du tout numérique, de l’automatisation échevelée, Soreau s’enracine dans le concret, la vérité du dialogue, le travail de terrain.

Le partage In Real Life, loin des sirènes du social media (il y opère depuis peu, il faut bien se tenir à la page, mais avec autant de discrétion que d’élégance), c’est son ambition : qu’il s’agisse de faire découvrir le monde à des voyageurs, de partager les beautés de la langue françaises avec des amateurs venus des quatre coins du monde, de raconter en texte et en images ses périples à la surface de la planète.

Un OVNI ? Il y a de ça. Et surtout une sacrée rencontre, pour une personnalité d’une rare richesse, aussi inspirée que rigoureuse et pertinente, qu’il s’agisse de prendre la plume ou l’objectif. On vous relate le tout dans cette interview.

« L’amour de l’Ailleurs, l’ouverture aux autres »

• Pouvez-vous vous présenter et nous parler de votre parcours professionnel ?

J’ai plusieurs casquettes, je suis photographe professionnel, j’écris des livres et des guides de voyage. Je suis également guide-accompagnateur. Parallèlement à ces activités, je donne des cours de français langue étrangère et je suis examinateur-correcteur pour les tests de langue. Plusieurs activités donc, complémentaires avec un thème commun : l’amour de l’Ailleurs.

• Qu’est-ce qui vous a initialement amené à vous lancer dans tous ces domaines ?

En ce qui concerne la photographie, j’ai commencé très jeune. Je faisais en amateur des stages photos et j’étais inscrit dans un club photos dans le 18eme à Paris. On faisait du noir et blanc, on développait les tirages argentiques. C’était magique de voir la photo apparaître dans le bac du révélateur. Avec l’argentique, on faisait très attention à la prise de vue, au cadrage, avant d’appuyer sur le bouton. Les pellicules photos coûtaient chers et je pense qu’on faisait plus attention qu’aujourd’hui ; avec le numérique, on a juste à appuyer sur le bouton.

J’ai aussi toujours été attiré par les cultures étrangères. Lorsque j’étais étudiant à l’École du Louvre, les cours d’histoire de l’Art sur les civilisations orientales m’ont vraiment ouvert l’esprit, c’était un sujet passionnant. J’étais fasciné par ces cultures si différentes de la nôtre.

A la même période, j’ai eu l’opportunité d’accompagner des groupes de voyageurs pour une association, la FUAJ (Fédération Union des Auberges de Jeunesse) ; ils organisaient des voyages/aventures à travers le monde et m’ont proposé d’accompagner un circuit en Indonésie et en Malaisie. Le voyage s’est très bien passé et ils m’ont proposé par la suite d’accompagner d’autres groupes dans différents pays. A l’époque, il n’y avait pas internet, les accompagnateurs devaient réserver les hôtels sur place et s’occupaient des transports, de la gestion du groupe. Il fallait être débrouillard et parler les langues étrangères.

• Comment ces différentes activités s’articulent-elles ?

Toutes ces activités, que ce soient l’accompagnement de voyage, la photographie, l’écriture de livres de voyage, l’enseignement du français langue étrangère ont un point commun : l’ouverture aux autres.

« Le voyage et la photographie ? Un prétexte pour aborder l’autre, mieux comprendre l’autre ».

• Qu’est-ce qui vous attire le plus dans la photographie de voyage ?

La photo de voyage permet d’explorer de nombreux domaines, c’est très diversifié. Je fais des photos de paysages, de portraits, des scènes de rue, de l’animalier, des photos de fêtes, d’événements et de festivals. L’objectif est de donner un aperçu du pays, sans tomber dans les clichés (rires).

• La photographie de voyage demande une sensibilité particulière. Comment parvenez-vous à capturer l’âme d’un lieu ou d’une culture à travers l’objectif ?

Je n’ai pas de processus créatif à proprement parler. Mais je suis particulièrement sensible à la lumière. En général, j’essaye de faire beaucoup de photos tôt le matin et en fin d’après-midi. La lumière dorée est plus belle, elle sublime les espaces, les sites, les êtres.

• Quels sont les défis particuliers que vous rencontrez en tant que photographe de voyage ?

J’essaye toujours de photographier le plus possible les habitants du pays dans lequel je me rends, parce que je m’intéresse à l’humain, dans son quotidien. Or qui n’est pas toujours facile. Cela dépend du pays et du rapport que les habitants ont avec la photographie. Je fais toujours attention à me fondre dans la masse pour pouvoir photographier les gens de façon plus naturelle. Plus que les paysages, ce sont les visages qui m’attirent. C’est important de respecter l’autre, s’il ne veut pas être photographié pour des raisons religieuses ou par superstition ; certains peuples croient qu’en les photographiant on leur vole leur âme : dans ces cas-là, je n’insiste pas. Parfois c’est le contraire ; les gens sont heureux et fiers d’être pris en photo. Je me rappelle qu’en Inde, un habitant du Rajasthan m’a suivi à vélo dans le village pour que je le photographie. Après l’avoir photographié, son visage s’est illuminé et j’ai vu la joie que cela lui procurait ; c’est à ce moment-là que j’ai réalisé un deuxième cliché et c’était la bonne photo.

• Comment choisissez-vous les sujets et les lieux que vous souhaitez photographier ?

Lorsque je réalise un reportage photos dans un pays que je ne connais pas, je me renseigne beaucoup avant de partir. Je lis beaucoup de livres sur le pays, je regarde des documentaires. Arrivé sur place, le premier jour, je ne fais pas de photos. Je me promène dans les rues de la ville, j’observe, je fais des repérages, je regarde comment les gens réagissent. Pour certaines photos, il m’arrive de faire des croquis sur un carnet, de repérer des endroits susceptibles d’être intéressant comme angle de prises de vue. Par exemple à Cuba à La Havane, il y a un quartier avec beaucoup de murs peints représentant des héros de la révolution. Lorsque j’y suis allé il y a 1O ans, j’avais fait des repérages la veille puis j’étais revenu le lendemain matin pour réaliser les photos.

J’essaye aussi de faire des photos de fêtes et de festivals. Je pense que c’est important car cela reflète l’âme d’un pays. Cela peut être une fête religieuse comme la Semaine Sainte au Guatemala à Antigua ou des carnavals comme à Rio au Brésil. Là-bas justement, le carnaval a lieu chaque année au Sambodrom ; j’avais préparé mon voyage en amont et j’avais fait une demande d’accréditation pour pouvoir avoir accès à certains lieux.

• Quel rôle la photographie joue-t-elle dans votre manière d’explorer et de comprendre d’autres cultures ?

Pour moi, le voyage et la photographie sont un prétexte pour aborder l’autre, mieux comprendre l’autre. Heureusement on ne vit pas tous de la même manière dans tous les pays du monde. Les coutumes, les traditions, le rapport à la religion, au spirituel sont très différents selon les cultures. Le fait d’avoir beaucoup voyagé m’a ouvert l’esprit. Si je n’étais pas photographe, je pense que je n’aurais pas eu la possibilité d’accéder à certains endroits et aussi de rencontrer certaines personnes. Je pense à Naguib Mahfouz, à Youssef Chahine, à Gamal Ghitany, à Sonallah Ibrahim que j’ai eu l’honneur de rencontrer lorsque nous avions avec Olivier Dalle réalisé deux ouvrages sur le Caire (Le Caire 1999 et Regards sur Le Caire aux éditions Romain Pages).

• Quelles sont vos principales sources d’inspiration, tant sur le plan professionnel que personnel ? Y a-t-il des mentors ou des figures influentes qui ont marqué votre parcours ?

D’une manière générale, je suis inspiré de manière inconsciente par tous les arts : le cinéma, la musique, la littérature et bien entendu la photo. J’aime beaucoup l’œuvre de Cartier-Bresson, son sens de la composition , de la géométrie , son intuition, son humanisme. Chacune de ses photos est bien équilibrée. Tous les éléments sont à leur place, un peu comme dans une peinture.

La peinture, notamment la peinture de la Renaissance, est aussi l’une de mes sources d’inspiration. Elle me donne des idées pour travailler la lumière, la couleur ou la composition. Mes cours d’histoire de l’art à l’école du Louvre m’ont donné un bagage culturel ; grâce à des professeurs de grande qualité, j’ai découvert l’art dans le monde ; cela n’a pas de prix.

Je suis aussi sensible à l’œuvre de Steve McCurry , grand photographe voyageur et portraitiste, grand maître du courant coloriste.

La nature est aussi une de mes sources d’inspiration : elle nous invite à être humble et patient. C’est une source d’inspiration inépuisable car la nature est constamment changeante.

« Dévoiler le patrimoine naturel et culturel d’un pays »

• Votre nouveau livre de photos se concentre sur l’Algérie. Pourquoi avoir choisi ce pays comme sujet principal de votre ouvrage ? Qu’est-ce qui vous a attiré vers ce projet ?

Mon dernier livre paru aux éditions GEORAMA s’intitule effectivement Algérie une histoire millénaireet ce n’est pas un hasard. 12 chapitres, 156 pages, plus de 200 photos… Le titre rappelle que l’Algérie est au carrefour de nombreuses civilisations qui s’y sont succédé : les Phéniciens, les Romains, les Vandales, les Turcs, les Espagnols, les Français. Dans ce pays, le patrimoine est exceptionnel, mais méconnu : il y a à la fois le désert, la mer Méditerranée, les montagnes, des sites archéologiques, des vestiges du passé de toute beauté, des villes ou il fait bon vivre comme Oran et Constantine. J’ai voulu mettre cela en avant, faire découvrir ces merveilles. En 2022 l’Algérie a fêté les 60 ans de son indépendance. A cette occasion, j’ai eu l’envie de réaliser un beau livre, j’en ai parlé avec mon éditeur qui accepté.

• L’Algérie est un pays que vous connaissez bien. Quel rôle la découverte de ce pays a-t-elle joué dans votre propre parcours personnel et professionnel ?

J’ai eu la chance de pouvoir me rendre en Algérie plusieurs fois auparavant et de l’explorer du nord au sud, d’est en ouest. La première fois, c’était en 2009 ; les éditions du Jaguar m’avait missionné en tant qu’auteur pour effectuer la mise à jour d’un guide L’Algérie aujourd’hui. C’est là que je suis tombé en amour avec ce pays magnifique.

• Pouvez-vous nous parler du concept et du contenu de ce livre ? Quel est le processus créatif derrière ce livre ? Comment avez-vous sélectionné les images et quelle histoire souhaitiez-vous raconter à travers elles ?

La collection « Regards sur notre monde » des éditions GEORAMA a pour objectif de montrer au grand public le patrimoine naturel et culturel d’un pays. Or j’ai remarqué en maintes occasions que peu de personnes connaissent le patrimoine de l’Algérie. Lorsqu’on parle de ce pays, c’est souvent sous un angle politique ou économique, rarement d’un point de vue culturel. Or il y a de nombreux trésors dans ce pays, des trésors cachés. Depuis quelques années, l’Algérie ouvre timidement ses portes aux touristes ; de nombreux lieux historiques comme le palais à Alger ont été restaurés. Mais il reste encore beaucoup à faire. C’était le point de départ du livre. Quant au choix des images, il a été douloureux. Il faut se rappeler que l’Algérie est un pays immense ; sa superficie fait quatre fois la France. Il est impossible de tout traiter dans un livre de 156 pages. Il a donc fallu synthétiser, sélectionner les photos parmi plus de 5000 images. Un très gros travail.

• Quels ont été les principaux défis rencontrés lors de la création de ce livre ?

Lorsqu’on va en Algérie, comme dans tout pays dans le monde du reste, il y a des règles à respecter. On ne peut pas tout photographier ; pour des raisons de sécurité, il est par ailleurs conseillé de partir avec une agence de voyage et un guide, notamment dans certaines régions comme le désert. Cela a parfois orienté mes choix. Autre impératif : mettre en évidence les grands sites culturels mais aussi des lieux moins connus.

• À qui cet ouvrage s’adresse-t-il ?

Ce livre s’adresse à tous ceux qui ne connaissent pas l’Algérie, à ceux qui ont le projet de s’y rendre, qui vont y aller ou qui y sont allés, à ceux qui n’iront pas mais qui voyageront en tournant les pages de ce livre. C’est en cela une invitation au voyage, un hommage à un des plus beaux pays du monde.

Ce livre s’adresse aussi aux franco-algériens qui se rendent en Algérie et qui veulent approfondir certaines connaissances sur l’histoire et sur le patrimoine culturel d’un pays au patrimoine remarquable. Ils peuvent d’ailleurs en être fiers.

• Quelle place occupe l’écriture par rapport à la photographie dans votre démarche créative ?

Les deux activités l’écriture et la photographie ont beaucoup de points communs. Photographier c’est écrire avec la lumière, c’est exprimer une émotion, raconter une histoire. C’est une autre manière d’écrire.

« Faire aimer et comprendre un pays »

• Vous êtes également guide de voyages, emmenant des groupes de personnes découvrir des pays lointains. Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans ce rôle de passeur de cultures ?

En tant que guide-accompagnateur, j’ai toujours pris en charge des petits groupes limités à 12-15 participants pour des associations ou des agences de voyage qui ont une éthique, qui sont respectueuses des peuples et de l’environnement. J’ai commencé à la FUAJ puis j’ai travaillé avec Nouvelles Frontières, ADEO et ARVEL. Aujourd’hui j’accompagne des groupes pour Autentika voyages. Il y a un esprit d’aventure, de découvertes. Je m’occupe des réservations d’hôtels, des transports, parfois je suis aussi chauffeur et je conduis le minibus. Il faut être polyvalent, avoir des qualités humaines, être toujours attentif à la sécurité, savoir gérer un budget et gérer un groupe. Ce n’est pas forcément facile mais c’est passionnant. J’aime transmettre ma passion et mes connaissances pour un pays.

• Vous avez voyagé dans de nombreux pays à travers le monde. Y a-t-il un moment ou une destination qui a particulièrement marqué votre parcours et influencé votre vision artistique et professionnelle ?

Depuis quelques années, je me suis spécialisé sur l’Indonésie et le Japon, dont je pratique les langues. Je me documente régulièrement sur ces pays en me rendant par exemple au musée Guimet ou au musée Cernuschi pour voir des expositions ; j’assiste à des conférences, je lis des romans, des livres d’histoire. Apprendre une langue, c’est apprendre une culture. J’aime les pays qui ont une forte culture mais qui conservent un certain mystère. C’est ce qui m’a poussé à m’intéresser au Japon. C’est un pays qui ne ressemble aucun autre, avec une certaine attirance pour tout ce qui est éphémère. Dans ce pays qui est souvent sujet à des catastrophes naturelles, on prend pleinement conscience de la valeur de la vie, de ce qui est important et de ce qui ne l’est pas. Prendre le temps de regarder, de rêver, de méditer.

• Comment parvenez-vous à rendre chaque expérience unique et immersive ?

En tant que guide-accompagnateur, j’essaye de transmettre mes connaissances, de faire aimer et comprendre un pays. Je me suis constitué un réseau dans certains pays, notamment en Indonésie et au Japon. A chaque fois que j’y vais, je contacte des guides locaux, des chauffeurs, des artistes qui travaillent avec moi régulièrement. Cela permet au groupe que j’accompagne de faire de connaissances, de rencontrer des locaux. Parfois, nous visitons des associations humanitaires comme à Danang au Vietnam ou à Calcutta en Inde ou à Salvador de Bahia au Brésil et le groupe peut échanger et dialoguer avec des personnes défavorisées, des enfants des rues. Voyager ce n’est pas que visiter des lieux touristiques, c’est aussi essayer de comprendre comment vit la population.

« Apprendre une langue, c’est apprendre une culture ».

• Vous enseignez le Français Langue Etrangère, notamment dans différentes antennes de l’Alliance Française ; vous êtes également examinateur. Qu’est-ce qui vous a poussé vers ce type d’enseigement ?

Ce qui me plaît dans l’enseignement du FLE, c’est d’abord d’enseigner à un public d’étrangers, un public très varié. Dans une classe, on peut avoir jusqu’à 10 nationalités différentes, un véritable métissage culturel ou chacun échange avec l’autre. J’enseigne, je transmets mes connaissances dans la langue et la culture français mais je m’enrichis aussi beaucoup. C’est passionnant. Comme j’ai beaucoup voyagé, je connais souvent le pays et parfois la langue des apprenants, ce qui est un plus notable.

Mes étudiants sont souvent très motivés ; ils ont fait le choix d’apprendre la langue française souvent pour vivre et travailler en France. C’est très stimulant et c’est un véritable bonheur pour moi de les voir progresser. Apprendre une langue, c’est aussi apprendre une culture. Les deux sont indissociables, « les deux facettes d’une même médaille » pour reprendre les termes de Benveniste.

• L’interculturalité semble être un fil conducteur dans toutes vos activités. Comment définiriez-vous ce concept et pourquoi est-il important pour vous ? Comment pensez-vous que le voyage et la photographie peuvent favoriser le dialogue interculturel ?

Pour moi l’interculturalité implique des échanges réciproques. Il y a le mot « culturel » précédé du mot inter (entre). L’interculturalité c’est le dialogue entre les cultures. Aujourd’hui, le problème est que les gens n’osent plus se parler. On a peur de l’autre. Or c’est en dialoguant, en pratiquant une démarche interculturelle qu’on peut contrer les stéréotypes et les préjugés. La notion d’interculturalité englobe le processus de contact culturel mais aussi le métissage des cultures et des langues. La diversité linguistique et culturelle est un enrichissement permanent.

« Il faut être polyvalent »

• Quelles sont vos prochaines ambitions ou projets, que ce soit en tant qu’auteur, photographe, guide ou enseignant ?

En ce qui concerne la photographie, je travaille depuis maintenant trois ans sur le thème des jardins japonais, au fil des saisons. C’est une réflexion sur le temps qui passe, la prise de conscience de l’éphémère. En effet, les arbres en fleurs, que ce soient les cerisiers, les glycines, les pruniers représentent la beauté éphémère de la vie et nous invite à prendre conscience de notre présence éphémère sur terre.

C’est un travail ambitieux que je compte terminer dans le courant de l’année 2025 en publiant un livre sur le sujet. Une exposition est également envisagée pour le printemps 2025, au centre culturel Tenri, une association culturelle franco-japonaise. Il s’agit de photographies noir et blanc que j’ai réalisées autour de l’œuvre de Shigemori Mirei, un paysagiste et créateur de jardins secs.

• Avec l’évolution constante du monde de la photographie et des voyages, comment envisagez-vous l’avenir de votre travail ?

J’ai appris la photographie à l’époque de l’argentique. Comme je vous l’expliquais au début de cet échange, à cette période on faisait très attention avant de prendre une prise de vue car les pellicules photos coûtaient chères : il y avait 36 vues, avant d’appuyer sur le bouton, on faisait attention à soigner son cadrage, à la lumière, à tout ce qui se passait aux bords de l’image. Aujourd’hui avec le numérique, les photographes ont tendance à appuyer le plus possible sur le bouton. Cela a considérablement impacté la profession, la manière de travailler. Aujourd’hui, tout le monde s’improvise photographe, prend des photos avec son smartphone. Devant cette multitude de photos, il devient difficile de faire le tri. Avec l’intelligence artificielle, je pense que le métier de photographe va encore évoluer. Ce qui est sûr, c’est qu’il est difficile de vivre actuellement de la photographie. Il faut avoir plusieurs métiers et être polyvalent.

Quant au métier de guide, il a peut-être plus d’avenir. Les gens voyagent beaucoup plus que dans les années 1990-2000. Depuis une dizaine d’années, le tourisme de masse se développe considérablement. On consomme du voyage. Les gens disent « j’ai fait la Grèce, j’ai fait le Japon », expression qui montre bien qu’il faut avoir vu le plus de pays en le survolant. On se prend en photo devant un monument et on poste sa photo sur Instagram pour dire « j’y étais ». Ce n’est pas du tout ma conception du voyage.

J’essaye au contraire de m’immerger dans un pays, de m’y intéresser et d’approfondir mes connaissances dans différents domaines : géographique, culturel, architectural, artistique, littéraire. Cela demande du temps : c’est ce que j’essaye de faire avec le Japon et l’Indonésie. J’ai suivi des cours à l’INALCO, je suis diplômé en indonésien, en japonais. Je vais voir des expositions, je lis beaucoup de livres et je m’informe constamment sur l’actualité culturelle de ces pays. Bref j’en fais une spécialité. Et je partage mon expertise avec les voyageurs que je guide. Et je pense qu’il y a une demande pour ce type d’approche qualitative.

1000 fois merci et plus encore à Fred Soreau pour son temps et ses réponses.

Pour en savoir plus sur ses livres, ses photographies, son actualité, n’hésitez pas à consulter son site web Studio F.Soreau.

Cet article Zoom sur Fred Soreau : confidences d’un photographe globe-trotter est apparu en premier sur The ARTchemists.

Gargantua : ce nom évoque des festins énormes, des rivières de vin, des farces scatologiques à se rouler par terre. Mais derrière ces scènes de réjouissances à la saveur orgiaque se cache une œuvre riche en satire et en critique sociale, un pur fleuron de l’esprit humaniste. Rabelais forge là une stratégie argumentative d’exception où le rire et la réflexion vont de pair pour inviter le spectateur à changer son regard sur le monde. Explications.

Rabelais : un humaniste réjoui ?

Difficile d’aborder les aventures de Gargantua sans dire un mot sur son créateur, François Rabelais. Né vers 1494 à Chinon, ce dernier était un homme aux multiples talents : moine, médecin, érudit et écrivain. S’il a étudié le droit et la médecine, c’est surtout par ses écrits qu’il a laissé une empreinte indélébile sur la littérature française.

C’est que Rabelais était un fervent défenseur des idées humanistes de la Renaissance. Pour mémoire, l’humanisme mettait l’accent sur le potentiel humain, l’éducation et la redécouverte des textes classiques. En bon humaniste qu’il était, Rabelais croyait en la capacité de l’homme à progresser par le savoir et la raison, et il voyait l’éducation comme un moyen d’atteindre la liberté intellectuelle et morale. Et pour prouver ses dires, il a façonné Gargantua.

Naissance tonitruante et aventures burlesques

Gargantua est un géant. Fils de Grandgousier et de Gargamelle, il montre une intelligence telle que son papa décide de lui apporter une éducation digne d’un roi. Direction Paris pour y recevoir une éducation traditionnelle… qui s’avère un véritable désastre. Un changement de méthode s’impose : entre en scène le sage et savant Ponocrates, qui va réformer l’éducation de Gargantua avec autant de dynamisme que d’inventivité. Exit les méthodes arides et obsolètes, place à un enseignement humaniste où le savoir se mêle à la pratique. Gargantua apprend en jouant, en observant la nature et en discutant avec des érudits.

Une véritable révolution pédagogique qui fait écho aux idées de la Renaissance. Ce début de vie tonitruant annonce d’autres aventures, toutes plus truculentes les unes que les autres, parsemées de péripéties drolatiques, de personnages forts en gueule : on pense bien évidemment à Frère Jean des Entommeures, grand amateur de vin et qui anéantira les soldats ennemis imprudemment venus piller sa vigne, accouchant ainsi d’un des épisodes les plus fous des guerres picrocholines. Le rire est toujours au rendez-vous. Un comique qui n’a rien de hasardeux : rire est le propre de l’homme, et Rabelais tient à ce que son lecteur s’en souvienne.

Développer une pensée critique

À travers son personnage de géant, l’auteur, fin renard, défend l’idée d’une éducation libérale et diversifiée, qui place l’homme au centre des préoccupations. Quitte à faire rire son lecteur aux éclats, pour le mettre en condition de vivre l’expérience humaniste de l’intérieur. Expérimenter : c’est le principe, le but du livre. À l’image du héros, Gargantua, qui ne se contente pas d’apprendre par cœur ; il développe une pensée critique, explore différents domaines du savoir et apprend à vivre en harmonie avec les autres et avec la nature. Communauté utopique où règne la liberté individuelle, l’abbaye de Thélème, guidée par la maxime « Fais ce que voudras », constitue l’apothéose de cette vision humaniste.

Édité entre 1533 et 1535, on ne sait dater la chose exactement, ce deuxième roman suit de près la publication de Pantagruel. Œuvrant une nouvelle fois sous le pseudonyme Alcofribas Nasier (ingénieux et cocasse anagramme), Rabelais multiplie parodies, hyperboles et jeux de mots pour construire un récit surréaliste où il étrille les travers de son temps. Descriptions exagérées, moqueries des institutions et des figures de l’autorité, situations grotesques, langage inventif et picaresque, rien ne l’arrête tandis qu’il déroule le parcours totalement fou de son héros avec une verve digne d’un Frédéric Dard du XVIe siècle.

Une mise en voix révélatrice

Bref Gargantua est un monument. Et un monument à lire à voix haute, à mettre en bouche, comme un plat littéraire délicieux. Dixit la mise en voix exceptionnelle réalisée par la troupe de la Comédie-Française pour Le Théâtre à la table. Éclairés par une farandole de bougies qui métamorphosent le plateau en taverne, Thierry Hancisse et ses compagnons nous convient à un festin littéraire d’une folle gaîté, qui éclaire la grande modernité d’un récit bien plus subtil qu’il y paraît de prime abord.

Car combiner rire et réflexion est ardu, cela demande beaucoup de talent, d’intelligence, de la ruse et une certaine forme de folie. Cette lecture fait ressortir les astuces narratives à l’œuvre sous les excès et les pitreries. Elle dévoile le travail des phrases, la mécanique des énumérations, la rythmique infernale des descriptions, le cocktail improbable des lexiques. On ne peut en faire l’économie, car elle donne à voir un ouvrage précurseur, qui ouvre la voie à une littérature mêlant les genres et les émotions pour notre plus grande édification.

Cet article Gargantua : regards sur l’épopée rabelaisienne est apparu en premier sur The ARTchemists.

Aujourd’hui, direction le musée de la Renaissance à Écouen pour découvrir les fastes et les misères de la Renaissance. Situé dans un splendide château du XVIe siècle, ce parcours muséographique constitue une authentique perle rare pour tous les amateurs d’histoire et d’art, qui offre une immersion à la fois riche, scientifique et élégante dans un univers aussi somptueux que brutal.

Refléter l’esprit de la Renaissance

Aucun hasard dans le choix du lieu : le château d’Écouen, pur joyau de l’architecture Renaissance, a été érigé dans les années 1530 par Anne de Montmorency. Célèbre connétable de France, ce personnage ô combien influent, proche des rois François Iᵉʳ et Henri II, souhaitait construire un édifice reflétant le prestige et la magnificence de son rang. Ce bâtiment majestueux, témoin des audaces architecturales et esthétiques de l’époque, était donc fait pour abriter le Musée National de la Renaissance.

Inauguré en 1977, ce dernier a pour but de préserver et de mettre en valeur les trésors artistiques et historiques de cette période chargée d’Histoire. Ce siècle charnière a en effet vu l’émergence d’un souffle créatif inédit en Europe, entre renouveau des arts, des sciences et de la pensée humaniste ; mais il a également accouché de l’horreur des Guerres de religion, d’affrontements politiques terribles, de conflits meurtriers, d’une barbarie fanatique impitoyable.

Des collections exceptionnelles

S’étendant du XIVe au XVIIe siècle, la Renaissance fut une époque de profonds bouleversements culturels, intellectuels, politiques, diplomatiques. S’inspirant des œuvres de l’Antiquité, les artistes et penseurs humanistes ont redéfini les canons de la beauté, de l’harmonie et du savoir. L’Italie, berceau de ce mouvement, a vu naître des génies tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël, dont l’influence s’est étendue à travers toute l’Europe.

À travers ses collections, le château d’Écouen nous permet de plonger dans cette époque foisonnante, d’en apprécier les subtilités et d’en comprendre les innovations. Le musée abrite œuvres d’art, pièces de mobilier, tapisseries, objets décoratifs, armes et autres artefacts témoignant de l’extraordinaire créativité et de l’ingéniosité artisanale de ce temps. Parmi les pièces maîtresses, on trouve notamment un somptueux cabinet vénitien, la série de tentures illustrant l’épisode biblique des amours de David et Bethsabée, une statuette en argent et corail représentant Daphné, une des héroïnes des Métamorphoses d’Ovide…

Un musée vivant

Le musée de la Renaissance propose par ailleurs des expositions temporaires dont nous nous faisons souvent l’écho dans nos rubriques, explorant divers aspects de cette période fascinante. Parmi les expositions passées, notons Pathelin, Cléopâtre, Arlequin – Le théâtre dans la France de la Renaissance, LA FRANCE DES FONDEURS – Art et usage du bronze aux XVIe et XVIIe siècles ou FRANCOIS 1er ET SOLIMAN LE MAGNIFIQUE – Les voies de la diplomatie à la Renaissance.

Ce véritable lieu de vie et d’échanges culturels propose par ailleurs nombre d’événements variés, accueillant certains concerts du festival baroque de Pontoise, la Nuit européenne des musées ou les Journées du patrimoine, organisant des visites théâtralisées. Les conférences, souvent animées par des historiens de l’art, offrent un éclairage approfondi sur les collections et les expositions du musée.

Cet article Musée de la Renaissance à Écouen : respirer l’esprit du XVIe siècle est apparu en premier sur The ARTchemists.

Dernier challenge culturel en date : le binge reading de la geste romantico-policière du flic Franck Sharko et de sa douce Lucie Hennebelle by Franck Thilliez. Soit 13 romans où ce couple maudit traque le Mal sous toutes ses formes. S’enfiler cette saga d’un coup, d’un seul, (trois semaines de lecture intense, si, si !) ne relève peut-être pas du masochisme profond et incurable, mais à coup sûr, on en ressort éprouvé.e. Il faut dire que le romancier sait y faire pour jouer avec le mental de ses personnages et le nôtre. De manière quasi sadique et avec des ficelles narratives d’une rare efficacité. Explications.

Une recette bétonnée au fil des intrigues

Train d’enfer pour Ange rouge, La chambre des morts, Deuils de miel, La mémoire fantôme, Le syndrome E, Gataca, Atomka, Angor, Pandemia, Sharko, Luca, 1991, La Faille. À ce jour, la saga Sharko/Hennebelle débutée en 2004 compte 13 tomes, tous d’une rare violence, d’une virulence extrême. Et cela plaît : 7 millions de romans vendus, 750 000 rien qu’en 2021, 4ᵉ au classement des meilleures ventes de bouquins en 2020, à 50 ans, Thilliez s’est hissé au sommet du hit parade de ce genre si spécifique du polar à la française. Avec une recette bien rodée, bétonnée au fil des pages et des intrigues :

• un couple de flics qui se constitue au fil des intrigues, dont le destin est plus que tragique, frappés qu’ils sont par des deuils cruels, la maladie mentale, la souffrance morale, la perte au quotidien, le sentiment d’impuissance face à la folie du monde ;
• pour incarner cette folie, des assassins d’une perversité rare, particulièrement inventifs quand il s’agit de trucider autrui, d’en faire de juteux business et qui en prime s’acharnent avec une volupté évidente sur nos deux héros et leur entourage ;
• la volonté de l’auteur d’explorer les facettes du Mal moderne, aka le versant sombre de la science et du progrès, entre mutations génétiques, trafic d’organes, réanimation des tissus, expérimentations sur les comportements, IA destructrice, réseaux sociaux ténébreux, nucléaire meurtrier et autres formes de vampirisme propres au XXIᵉ siècle.

La hargne du chasseur

À chaque volume sa démence qui parachute nos héros aux quatre coins de la planète (Amazonie, Canada, Égypte, Tchernobyl et j’en passe) quand elle ne les entraîne pas profondément dans les entrailles de la terre (les séquences souterraines sont légion) et de l’humanité. Marchés clandestins, trafics illicites, exploration de toutes les perversions, ces commerces de l’infâme ont lieu à couvert dans le secret des catacombes et du darknet, avec à la clé des tueurs certes totalement déviants, mais la tête sur les épaules quand il s’agit de faire du fric.

Pour révéler et vaincre ce catalogue d’atrocités, le duo Sharko/Hennebelle va devoir compter sur l’intelligence, l’intuition, un brin de chance, l’expertise du métier et la fièvre de la traque. À ce titre, ces superflics ont, eux aussi, leur côté dingo, cette hargne typique du chasseur qui jamais ne lâchera sa proie et n’hésitera pas à faire justice lui-même selon les circonstances. Ce qui les amène à faire pas mal de conneries et à jouer constamment avec les limites. En mode Braquo. Une thématique récurrente chez tous les réalisateurs/auteurs spécialisés, Olivier Marchal, Jean-Christophe Grangé, Thierry Jonquet, Arthur Conan Doyle, voire Stephen King, des références auxquelles Thilliez n’échappe guère, voire qu’il cite comme autant d’hommages sincères.

Un propos documenté… et prophétique ?

On pourrait même voir les références constantes à une météo extrême (orages, crues, canicules, tempêtes de neige ou de sable et autres déviances climatiques) comme des discrets clins d’œil à Tennessee Williams et son univers dramaturgique tissé d’échanges féroces, de jeux de pouvoirs psychiques et de sursauts atmosphériques. Personnages complexes piégés dans des situations extrêmes, urgences des émotions ravageuses, mécaniques infernales vouées à la destruction des plus faibles au profit des plus forts, on pourrait penser que Thilliez exagère.

Que nenni, de roman en roman, son propos est argumenté, construit, documenté. Vampyres, transhumanisme, euthanasie, et j’en passe, chaque champ que l’auteur explore est fortement ancré dans une réalité vérifiable. Avec Pandémia, Thilliez s’offre même le luxe d’être prophétique : son récit, publié en 2015, prédit le chaos de la COVID. Chaos à l’œuvre dans le dernier tome en date, La Faille qui évoque le détournement de la pensée par l’informatique. Je n’en dis pas plus pour ne pas spolier, mais la chose percute violemment les travaux d’Elon Musk sur le cerveau augmenté.

Violence récurrente et maltraitance narrative

Pas étonnant que la lecture en continu de tous ces ouvrages, outre un malaise généralisé, donne l’impression d’un schéma répété. La violence est récurrente depuis l’aube des temps (Thilliez fait d’ailleurs allusion à un moment de cette saga au massacre fondateur de l’humanité). En étudier les méandres, c’est mettre à jour des boucles qui se déroulent à l’infini. Les méthodes, les outils changent, le résultat est toujours le même : la souffrance, la mort, la destruction. Et pour bien faire comprendre le message au lecteur, Thilliez n’y va pas par quatre chemins.

Il n’hésite pas à flinguer ses personnages, de la plus horrible des manières. “Choix terrible pour un auteur, vous l’imaginez, qui doit interrompre la destinée d’un être de papier auquel il a apporté un grand soin à insuffler la vie, comme le docteur Frankenstein avec sa créature” explique-t-il en conclusion de La Faille. Choix terrible certes, mais qu’il fait plusieurs fois au fil de ce cycle Sharko/Hennebelle, soumettant ses héros à une torture physique et mentale intolérable, les embarquant de fait par-delà les limites de la folie. Un cas de maltraitance narrative ? En tout cas, un moyen aussi infaillible que percutant pour impliquer le lecteur au niveau émotionnel et lui faire perdre les pédales dans ce grand-huit orchestré de main de maître.

Cet article Saga Sharko – Hennebelle : quand Franck Thilliez traque le Mal est apparu en premier sur The ARTchemists.