Le saviez-vous ? L’hôtel Carnavalet fut la demeure de Marie de Rabutin-Chantal, marquise de Sévigné, de 1677 jusqu’à sa mort en 1696. C’est donc dans l’exacte matière de son existence — ces murs, ces escaliers, ces dorures, cette lumière oblique du Marais — que l’exposition Lettres parisiennes, prend corps. 2026 marque le quatre centième anniversaire de la naissance de la marquise, le 5 février 1626, place Royale — l’actuelle place des Vosges, à deux pas du musée qui accueille aujourd’hui sa mémoire. Le symbole a l’élégance d’un cercle parfait.

Deux cents œuvres pour une seule voix

L’exposition déploie plus de deux cents pièces — peintures, dessins, objets — issues des collections du musée, de grandes collections publiques françaises, et de collections particulières, avec la participation exceptionnelle de la Bibliothèque nationale de France et du musée du Louvre. Le commissariat scientifique, confié à Anne-Laure Sol, conservatrice en chef du patrimoine, s’appuie sur un comité de spécialistes interdisciplinaires réunissant historiens, professeurs de lettres, chorégraphes et historiennes du théâtre. Objectif : ne pas enfermer Sévigné dans le seul cabinet de la correspondance, mais la rendre à la pleine complexité d’une vie.

Une vie d’une troublante densité. Orpheline très tôt, élevée à Paris par ses grands-parents maternels les Coulanges qui lui offrirent une éducation exceptionnelle pour une jeune fille de son siècle, mariée en 1644 au gentilhomme breton Henri de Sévigné, veuve à vingt-cinq ans après la mort de son époux en duel, Madame de Sévigné traverse l’existence avec une grâce souveraine mais les yeux grands ouverts sur la réalité. Elle fréquente les cercles les plus raffinés de la capitale : l’hôtel de Rambouillet, le salon de Mademoiselle de Scudéry. Elle participe à l’élaboration de cette culture galante qui redéfinit alors, en France, l’art de vivre, d’écrire et de paraître.

L’amour maternel comme œuvre littéraire

Ce que l’on retient de Sévigné, ce sont les lettres. Pas toutes — la correspondance est vaste — mais celles qu’elle adresse à sa fille, Françoise-Marguerite, comtesse de Grignan après son mariage en 1669, partie vivre en Provence loin de Paris et de sa mère. C’est dans cet espace de séparation, dans cette béance géographique et affective, que naît l’une des œuvres les plus singulières de la littérature française.

Des milliers de feuillets traversant la France à cheval, portant des nouvelles de la Cour, des potins du Marais, des réflexions sur la mort, la foi, la politique, la nature — et toujours, en filigrane, l’amour pour cette fille que l’on ne voit plus assez. Cette Correspondance figure aujourd’hui parmi les classiques de la littérature française. Elle est aussi, et l’exposition s’y attarde avec justesse, un document historique d’une précision redoutable sur les idées, les mœurs et les événements du règne de Louis XIV.

Paris en transformation : la ville comme personnage

L’un des partis pris les plus séduisants de l’exposition est de replacer Madame de Sévigné dans son Paris — cette ville en pleine métamorphose que Louis XIV est en train de réinventer, de monumentaliser, d’ordonner. Le Marais qu’elle parcourt n’est pas encore le quartier figé que nous connaissons : c’est un espace vivant, disputé, élégant et fiévreux. Les œuvres rassemblées ici restituent ce contexte urbain avec une richesse documentaire rare.

Le musée n’a pas lésiné sur les événements satellites. Le 7 juin, Dominique Blanc, sociétaire de la Comédie-Française, lit des lettres choisies de la marquise — une rencontre entre deux formes de souveraineté du langage. Le 25 juin, Jennifer Tamas, professeure à l’Université de Stanford et spécialiste du XVIIe siècle, donne une master class en dialogue avec l’historienne et comédienne Mélanie Traversier. Le 2 juillet, une conférence dansée signée Hubert Hazebroucq interroge les corps éloquents du Grand Siècle. Des journées d’études les 3 et 4 juin, organisées avec le Comité d’Histoire de la Ville de Paris, portent sur la présence des femmes dans l’espace public parisien au XVIIe siècle.

Tout cela forme un ensemble cohérent — et rare — où la rigueur scientifique n’étouffe jamais le désir de faire vivre une figure.Visiter cette exposition, c’est accepter d’être traversé par la voix d’une femme d’exception pour qui l’écriture fut une forme d’amour. Carnavalet lui offre un écrin à la hauteur ; on sort de là avec l’irrésistible envie de relire ces lettres, et, qui sait, de tremper une plume dans l’encre noire, d’adresser à quelqu’un, quelque part, des mots qui méritent d’être gardés.

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site du musée Carnavalet.

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Suis-je une vieille conne aigrie ? Je m’étais promis de ne jamais tomber dans le « c’était mieux avant, ma bonne dame ». Mais en visionnant les deux saisons d’Entretien avec un vampire, j’ai franchement tangué, et plusieurs fois. D’où une foultitude d’interrogations qu’il me fallait explorer.

Un roman culte

Pour les aficionados de littérature dark et de vampires, Entretien avec un vampire est un incontournable, le roman culte par excellence. Inaugurant la tétralogie consacrée aux aventures du fringant et cynique Lestat de Lioncourt, Entretien avec un vampire relate les confidences de son compagnon Louis de Pointe du Lac, vampire désabusé pour ne pas dire dépressif, qui évoque sa triste histoire au micro d’un journaliste en quête de scoop.

Soyons clairs : il y a eu un avant et un après Interview with a vampire. Avec ce best seller publié en 1976, Anne Rice dynamite à jamais les codes du genre. Ses vampires distancent le profil du tueur avide et diabolique dessiné par Bram Stocker dans Dracula pour proposer une vision beaucoup plus nuancée et empathique. Le vampire à la mode Anne Rice est rongé de doutes, il n’a pas choisi sa condition, la subit comme une malédiction, s’en accommode difficilement et en souffre psychiquement, parfois jusqu’au suicide.

Des modifications de taille

En toute logique, si vous avez un grain de bon sens, quand vous bouclez le roman, l’aventure vampirique vous tente beaucoup moins. Car elle constitue un gouffre de douleurs, de chagrins, de ruptures, sans compter l’obligation de tuer pour survivre, pire de transformer autrui pour ne pas être seul. La version cinématographique signée Neil Jordan en 1994 creuse ce sillon, portée par un Tom Cruise atroce de cynisme, un Brad Pitt rongé de remords, une Kirsten Dunst dont la candeur cache une violence sans fond.

Autant dire que l’adaptation en série par Rolin Jones en 2022 avait du pain sur la planche pour rivaliser. Étirée sur deux saisons qui en appellent une troisième déjà en promotion, Interview with a vampire s’empare de la tétralogie d’Anne Rice … et l’aménage clairement pour parler à la génération Y, Z et plus jeunes encore. Ce qui implique plusieurs modifications de taille :

• bye bye le XVIIIe siècle, nos héros évoluent initialement dans les années 20 avant de traverser la seconde Guerre Mondiale, puis les années 50 ;
• initialement planteur blanc exploitant les esclaves noirs, Louis devient un malfrat de couleur, idem pour la petite Claudia, elle-même noire ;
• les relations entre Louis et Lestat sont clairement homosexuelles, là où Anne Rice ne faisait qu’effleurer cette option.

Scènes de ménage et casting impliqué

La chose aurait pu être intéressante, porteuse de réflexion, débouchant sur une interrogation de l’intolérance sociale propre aux USA où il ne fait guère bon être de couleur ou homo (c’est clairement l’option du film Sinnners). Que nenni ! L’histoire va tourner à la crise familiale avec scènes de ménage et engueulades, coups de foudre, coups bas, rabibochages et séparations fracassantes. Entre deux séquences de massacres (il faut bien se nourrir et s’amuser un peu avec sa nourriture), nos héros s’engueulent copieusement, ne se supportent plus.

C’est spectaculaire, mais ça manque de fond. Et c’est vraiment dommage, vu que le casting est juste absolument génial de talent et d’implication. Sam Reid (déjà aperçu entre autres dans Profession reporter) campe un Lestat de compétition, Jacob Anderson (exfiltré de Game of thrones) apporte sa fragilité à Louis, Eric Bogosian est un Daniel Malloy d’un cynisme mordant, c’est le cas de le dire), Assad Zaman tisse un Armand aux charmes crépusculaires, Ben Daniels est juste parfait en Santiago, Bailey Bass puis Delainey Hayles incarnent à la suite une Claudia aussi cruelle que fragile. Bref, rien à dire ni sur l’interprétation, ni sur les décors, les costumes.

Guimauve sentimentale

Ce qui pêche ? C’est ce besoin d’étaler l’histoire sur deux saisons là où une seule aurait pu suffire si on nous avait fait grâce de ces querelles amoureuses qui tournent à la thérapie de couple devant des spectateurs transformés à leur corps défendant en conseillers conjugaux. Dommage car les passages marquants ne manquent guère, notamment la vision du théâtre des Vampires, qui rappelle les temps forts du Grand Guignol. Mais ce n’est qu’une toile de fond pour une guimauve sentimentale dont les héros de Rice étaient initialement incapables et c’était d’ailleurs là tout le problème.

Lestat, Louis, Claudia, la V1 de ces personnages était avide d’aimer, incapable d’y parvenir. La V3 développée dans la série est dégoulinante d’amour et de cruauté. Pour parler aux ados ? En liquidant toute la réflexion sur la mort et la non mort (rappelons qu’Anne Rice a initialement écrit le livre suite au décès d’un de ses enfants), l’accès à l’éternité comme une fatalité, la difficulté à traverser les époques, les mutations technologiques, sociales et morales, à s’adapter aux temps qui passe quand on a des siècles de non vie derrière soi. C’était cela la fibre initiale du roman, ce qui en faisait le prix. Il n’en reste que peu de choses dans la version de Rolin Jones et cela en dit long sur l’appauvrissement de nos chefs d’œuvre condamnés à des relectures riches de potentiel, vides de sens.

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Le Bassin des Lumières, site le plus visité d’une ville de Bordeaux désormais dopée à l’effervescence culturelle, propose une nouvelle plongée dans l’Histoire, ou plutôt dans son idée visuelle. Cette fois, cap sur l’Égypte des pharaons. Pas besoin de billet d’avion ni de sable dans les chaussures : ici, on remonte le temps en immersion numérique, entre chefs-d’œuvre mythiques et trésors ressuscités. Disponible jusqu’au 4 janvier 2026.

Bordeaux : de l’endormissement profond au réveil scénarisé

Pendant des décennies, Bordeaux a porté le doux sobriquet de Belle Endormie, comme on supporte une blague un peu lourde lors d’un dîner de famille. Une ville engourdie, planquée derrière ses façades noirâtres, ses quais transformés en no man’s land logistique, et son trafic automobile qui tenait plus de l’épreuve respiratoire que de la circulation.

Mais miracle : en 1995, Alain Juppé endosse le costume de chirurgien en chef et entame une opération à cœur ouvert sur la ville. Finie la torpeur provinciale, place au projet de réveil express — à grands coups de réhabilitation, de stratégie urbaine et de photogénie retrouvée.Tel un chef d’orchestre réglant chaque levée de rideau, Juppé déroule sa partition : transformation progressive, acte après acte, dans une mise en scène léchée. Bordeaux s’ébroue enfin, mais sous les spots.

Une mise en scène bien huilée

Premier décor : le Miroir d’eau, inauguré en 2006, sorte de tapis de lumière liquide posé au pied de la Place de la Bourse, elle-même restaurée avec le soin d’un ébéniste fanatique de Louis XV. Résultat : une symétrie parfaite, une lumière flatteuse, des passants transformés en silhouettes esthétiques — bref, la ville devient son propre décor.

Les quais, jadis peuplés de camions et de hangars oubliés, s’offrent une seconde vie façon rive gauche à la bordelaise. Aujourd’hui, tout y est : terrasses chic, parterres maîtrisés, cyclistes épanouis, joggeurs souriants. L’ère du piéton roi a commencé. Même le tramway, ce serpent urbain sans caténaire, se faufile dans le paysage comme s’il n’avait jamais connu la SNCF.

Et la rue Sainte-Catherine ? Ce qui ressemblait à un tube artériel bouché redevient lieu de déambulation – et accessoirement, de shopping. Bordeaux respire à nouveau. Du moins en surface.

Une ville qui s’écoute (et s’admire)

Mais la mue ne s’arrête pas aux trottoirs. Juppé insuffle une « âme », ou du moins un supplément d’âme suffisamment audible pour que l’UNESCO le remarque. Le Grand Théâtre brille comme au premier lever de rideau.

La Cité du Vin pousse hors mandat, comme un champignon culturel prêt à faire fructifier l’œnotourisme. En 2007, Bordeaux décroche le Graal patrimonial : son classement au patrimoine mondial de l’Humanité. C’est officiel : la Belle Endormie est devenue une influenceuse patrimoniale.

Un temple numérique au cœur du bunker

Mais le vrai coup de génie — ou de projecteur — vient en 2020 : la transformation d’un ancien bunker allemand en cathédrale numérique. Les Bassins des Lumières naissent dans la plus grande discrétion bétonnée, et très vite, deviennent la nouvelle Mecque culturelle d’un public en quête d’expériences instagrammables.

Sur 13 000 m², les chefs-d’œuvre de Klimt, Van Gogh, Kandinsky, Monet et autres stars de musée défilent à grand renfort de sons envoûtants et de pixels tremblants. Reflets liquides, murs qui vibrent, œuvres démultipliées comme dans un rêve opiacé : ici, pas de cartel poussiéreux ni de silence sacré. On regarde, on écoute, on se laisse avaler.

Plus de 500 000 visiteurs par an, venus en quête de beauté immédiate : touristes, écoliers, Bordelais branchés. La culture devient spectacle total. Et les expositions s’enchaînent à un rythme quasi stakhanoviste : Klein, Sorolla, Dalí, Mondrian… Un casting à faire rougir le Louvre. Sans la queue.

Égypte pharaonique : voyage dans le passé… en ultra-HD

Dernière fresque en date : un plongeon dans l’Égypte antique, version ultra-narrative. On part de la création du monde selon Atoum, on file jusqu’à Ramsès II, avec l’illusion de traverser trois millénaires de civilisation – sans quitter ses baskets.

Sable qui vole, Nil qui ondule, champs labourés par des paysans numériques. Les pyramides surgissent, le Sphinx médite, tout y est. Le spectateur avance, absorbé par une cosmogonie brillamment rétroprojetée. Les figures légendaires — Néfertiti, Akhenaton, Ramsès — s’incarnent en stèles de lumière mouvantes. La caution savante est assurée par un égyptologue, Jean-Guillaume Olette-Pelletier, et une incursion technologique made in Assassin’s Creed Origins. L’Histoire revisitée façon sandbox éducatif.

Louxor, Abou Simbel, Dendérah : autant d’étapes numériques dans cette odyssée sensorielle. On n’apprend pas, on absorbe. Moins cours magistral que transe visuelle. Et la bande-son ? Une partition immersive concoctée par Start-Rec : Verdi, Massive Attack, Peter Gabriel et même Led Zeppelin. Un florilège savamment désordonné qui va de l’opéra au trip-hop, en passant par les guitares saturées. Quand les pyramides se construisent à l’écran, une composition originale accompagne le labeur avec la lourdeur d’un bloc de granit qu’on hisse à bout de bras. Drôle d’effet secondaire : on ressent presque l’épuisement d’un esclave du Nouvel Empire. C’est dire.

Orientalistes : quand l’Occident rêve tout haut

Après les dieux, place aux fantasmes. La seconde partie de l’exposition – qui m’est apparue bien plus enthousiasmante – s’attaque à l’orientalisme, ce champ miné de projections en Technicolor. Mais inutile de s’attendre à une déconstruction académique : ici, c’est l’Orient vu par les peintres du XIXe, entre extase visuelle et exotisme bon teint. Eugène Delacroix ouvre le bal, le pinceau chargé d’émotion et de clichés.

Les villes orientales prennent forme sur les murs de béton : ruelles labyrinthiques, bazars débordants, toits de mosaïque. Gérôme y fait défiler ses soldats moustachus et ses scènes de marché figées. Tout cela sent bon le fantasme colonial bien cadré. Puis vient la séquence festive : danseurs en boucle, musiciens orientaux de synthèse, électro hypnotique. Un Orient de music-hall, esthétique, vibrant — et entièrement filtré par le regard occidental. La fascination est palpable, la distance critique… optionnelle.

On glisse ensuite dans l’Orient du décor : palais, faïences, fontaines. Gérôme, Chassériau, Ingres peignent un monde lisse, doré, immobile. L’Orient devient surface, tissu, motif. Presque un motif de salle de bain — en plus noble, bien sûr.

Traversée du désert, fauves en embuscade et femmes orientales

Un changement de ton s’opère avec la grande séquence du désert : caravane contemplative, lumière rasante, vent de sable. Un Orient mystique, silencieux, propice à la méditation… ou à l’évasion mentale, selon l’humeur.

Puis viennent les fauves. Lions, panthères, bêtes magnifiées, quasi divinisées. Delacroix les dessine majestueux, Vernet les traque avec panache. On sent poindre l’esthétique de la domination, le face-à-face symbolique entre l’Occident triomphant et l’animalité sauvage de l’Ailleurs.

Et comme il se doit, le dernier tableau est réservé aux femmes. Alanguies, offertes, idéalisées, elles peuplent harems et salons. Odalisques éternellement disponibles, beauté muséifiée. En fond sonore, Neneh Cherry tente une relecture féminine, comme un clin d’œil critique glissé in extremis. Mais l’ambiguïté persiste. La beauté, ici, reste enfermée dans son cadre.

Éblouissement sous haute surveillance

Dans ce théâtre d’eau et de lumière, tout est splendide — mais rien n’est anodin. Les Bassins des Lumières déroulent un récit à double tranchant : émerveillement, oui, mais à condition de garder l’œil un peu méfiant. Car derrière la fascination se cache parfois une question non résolue, une histoire racontée dans une langue flatteuse, mais partiale.

L’Égypte des Pharaons impose sa mythologie avec majesté. Les Orientalistes, eux, jouent les trouble-fêtes esthétiques : entre admiration et malaise.

Les Bassins n’enseignent pas. Ils submergent. À chacun de savoir s’il veut flotter… ou plonger.

Pour en savoir plus, consultez le site des Bassins des Lumières.

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Wolf Hall : on en était resté à l’éblouissement d’une première saison somptueuse et juste à tous les égards. Pour tout dire, j’attendais le second volet des aventures de Thomas Cromwell au pays du pouvoir avec une impatience à peine contenue. Autant dire que mon cri de joie, en voyant les premières images de la saison 2 poindre sur le compte Instagram de la BBC, fut claironnant. À juste titre ! Ce second volet est à la hauteur du premier, pour évoquer l’ascension du célèbre ministre… et sa chute.

Préserver le pouvoir

Reprenant le format de son prédécesseur, ce deuxième volet évoque en six épisodes le parcours de Cromwell au lendemain de l’exécution d’Ann Boleyn. Apprécié d’Henry VIII dont il sait gérer le caractère pour le moins retors, proche de la nouvelle reine Jane Seymour, Cromwell n’est pourtant pas ce qu’il y a de plus serein. Il faut dire que la période est pour le moins complexe, secouée par les vents changeants de l’Humanisme, la Renaissance qui rebat les cartes politiques. Pétri de savoir, adepte de Machiavel, formé par feu le cardinal Wolsey, la puissance de Cromwell en gêne plus d’un, de même ses méthodes.

On n’aime guère ce parvenu éduqué et discret, froid et calculateur, humain et bienveillant pourtant. Issu du ruisseau, il est particulièrement mal vu parmi les rangs d’une haute noblesse jalouse de ses privilèges et désireuse d’avoir l’oreille d’un monarque pour le moins imprévisible. Accusé de vouloir s’emparer de la couronne en courtisant Mary Tudor, fille d’Henry VIII et de Catherine d’Aragon, ex souveraine répudiée de la plus odieuse des façons, Cromwell fait des pieds et des mains pour préserver le pouvoir aux mains d’une dynastie qui peine à se construire.

Une marche à l’abîme

Cela lui sera fatal (non, je ne spoile pas, ceux qui connaissent un peu l’histoire de la Grande Bretagne savent le destin de Cromwell, porté au plus haut rang avant de tomber en disgrâce et d’être exécuté comme traître). Toujours inspirés des romans d’Hilary Mantel, les épisodes de la seconde saison évoquent cette marche à l’abîme, la solitude, le remord, la culpabilité. Profondément épris de justice et de vérité, Cromwell se heurte à la bassesse, aux complots, à la bêtise. Seul contre tous, il fait fi des signes, des avertissements.

Mais se battra comme un lion jusqu’à la dernière seconde, avant d’embrasser son destin. Exceptionnel, Mark Rylance reprend ce rôle difficile auquel il apporte nuances et finesses. Face à lui, Damian Lewis, Henry VIII hypocrite et manipulateur, impitoyable. La tension est palpable, les rapports de force appuyés. Les scènes de confrontation brutale alternent avec les moments tragiques, la mort de Jane notamment, un effondrement pour Cromwell pour qui elle était bien plus qu’une proche.

Vulnérabilité et duplicité

Dans ces décors splendides, saturés de richesses, presque étouffants, le coût humain et moral des ambitions politiques s’accroît. Si les séquences de cour sont flamboyantes, affichant la splendeur du pouvoir royal, l’ombre des couloirs est beaucoup plus oppressante. Les figures historiques, souverain, reine, conseillers, s’éloignent des stéréotypes habituels pour exprimer une ambiguïté morale problématique où l’émotionnel est toujours confronté au politique.

Les confrontations verbales, les stratégies de manipulation sont minutieusement orchestrées, presque chorégraphiées, rappelant que le pouvoir, dans cet univers, n’est jamais acquis sans compromis. C’est cette dimension humaine – la vulnérabilité et la duplicité qui cohabitent en chacun – qui rend la série particulièrement captivante.

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Dans le paysage de la bande dessinée contemporaine, Les Indes Fourbes s’impose comme une œuvre d’exception. Satire sociale, aventure épique, hommage au roman picaresque :  Alain Ayroles et Juanjo Guarnido signent ici une BD ambitieuse qui sublime le genre. Publiée en 2019 aux éditions Delcourt, cette fresque baroque entraîne le lecteur dans l’Espagne du XVIIe siècle, aux côtés du fourbe et rusé Don Pablos de Ségovie. Derrière cette histoire de filou se cache une critique acerbe de la société de l’époque, qui fait écho aux préoccupations contemporaines.

Une épopée picaresque captivante

Le scénario s’inspire du roman anonyme La vie de Lazarillo de Tormes, œuvre fondatrice du genre picaresque. Alain Ayroles reprend les codes du genre – un héros misérable, malin et opportuniste qui survit par tous les moyens et sans beaucoup de scrupules dans un monde cruel – pour les moderniser. Don Pablos est un antihéros prêt à tout pour s’enrichir dans une société gangrenée par la cupidité. Ayroles narre ainsi une aventure rocambolesque où chaque trahison, chaque subterfuge est une leçon de survie.

Le Nouveau Monde, où Don Pablos espère trouver fortune, devient le théâtre de ses désillusions. Cette quête effrénée de richesse dans des Amériques mythifiées par les récits d’or et de prospérité, s’avère une vaste mascarade. La critique de l’ambition humaine, aveuglée par l’appât du gain est omniprésente dans ce récit qui joue sur le contraste entre les promesses de l’eldorado et la brutalité des réalités coloniales.

Un chef-d’œuvre visuel

Si ce récit est captivant, c’est aussi parce que Juanjo Guarnido (à qui l’on doit la série Blacksad), en transcende les péripéties par un dessin éblouissant. Chaque case regorge de détails minutieux, recréant avec justesse l’atmosphère de l’Espagne du Siècle d’or et des colonies d’Amérique. Les décors somptueux, les expressions faciales hyperréalistes, les scènes d’action dynamiques offrent un véritable spectacle visuel.

Guarnido s’inspire des maîtres de la peinture classique espagnole, notamment Velázquez et Murillo, pour donner vie à son univers. Les couleurs chaudes et profondes évoquent l’art baroque, renforçant le caractère théâtral de l’œuvre. Ses compositions nous plongent au cœur de l’action, que ce soit dans les ruelles sordides de Séville ou dans la jungle luxuriante des Amériques. Chaque page est un tableau en soi, qui invite à une contemplation attentive des détails.

Une satire sociale d’une modernité éclatante

Les Indes Fourbes offre par ailleurs une réflexion percutante sur la société. Ayroles dénonce les inégalités sociales, la corruption des puissants l’hypocrisie religieuse. Le monde dans lequel évolue le protagoniste est impitoyable ; seul l’art de la duperie semble permettre la survie. Cette critique sociale ancrée dans l’Espagne du XVIIe siècle résonne fortement aujourd’hui.

La recherche effrénée du succès au détriment de l’éthique, est une problématique intemporelle. L’ironie mordante du scénario accentue cette satire. Don Pablos est à la fois pitoyable et fascinant. Son cynisme, sa capacité à se réinventer dans l’adversité, ses échecs successifs en font un personnage complexe, qui oscille entre rire et tragédie.

En combinant récit d’aventure captivant, dessin somptueux et satire sociale acerbe, Les Indes Fourbes célèbre le 9ᵉ art tout en bousculant ses conventions. Couronnée d’un succès critique et public, cette BD magistrale rappelle que l’art graphique peut être à la fois divertissant et profondément intellectuel. Pour qui s’intéresse à la BD, à l’histoire ou à la littérature classique, c’est un incontournable !

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Gestes gracieux, œillades suggestives, l’éventail, longtemps fit partie du vestiaire féminin. Traversant l’Histoire et les continents, il apparaît dans les représentations picturales comme un accessoire incontournable, avant de se perdre, du moins dans notre société. Mais il fait peu à peu son come-back à la faveur du réchauffement climatique. Qu’en est-il de cet accessoire fascinant, de ses origines antiques à son utilisation contemporaine, en passant par sa fabrication artisanale, son rôle dans la haute couture et les grands fabricants actuels ? Et tant qu’à s’équiper, où trouver un éventail de qualité, en écho avec vos goûts, vos attentes ?

Diversité esthétique, usages multiples

L’éventail ? Des formes, des couleurs, des matériaux multiples pour des usages diversifiés : l’objet par sa variété d’aspect et d’usages est fascinant. Mais encore ?

• L’éventail pliant, ou à charnière, est sans doute le plus connu et le plus utilisé. Composé de lames en bois, en bambou ou en ivoire qui pivotent autour d’un point central, il se plie et se déplie aisément, dans un geste de la main d’une rare élégance. La feuille qui revêt ces lames peut être en papier, en soie, en dentelle, en plumes, unie ou ornée de peintures délicates, de motifs imprimés ou de broderies. Certains éventails sont même ornés de pierres précieuses et de perles. Très populaires en Europe depuis le XVIIe siècle, ils sont utilisés aussi bien pour se rafraîchir que pour accessoiriser des tenues élégantes.
• L’éventail rigide, plus robuste et plus simple d’aspect, peut être fabriqué en bois, en bambou ou en métal, comme les éventails japonais ou tessen. Moins décoratif que les éventails pliants, il peut néanmoins être peint ou gravé de motifs traditionnels. En Asie, il a souvent des usages cérémoniels ou martiaux.
• L’éventail en plumes est l’accessoire glamour par excellence. Composé de plumes naturelles ou teintes (comme des plumes d’autruche, de paon ou de faisan) fixées sur une monture souvent en bois ou en métal, il peut être orné de gemmes ou de rubans. Très prisé des spectacles de cabaret, c’est l’atout sophistiqué des effeuilleuses burlesques notamment.
• Moins glamour, l’éventail publicitaire intervient dans les campagnes marketing comme un outil de promotion inédit et surprenant. Souvent fabriqué en plastique ou en carton pour des coûts de production réduits, il est personnalisé avec des logos, des slogans et des images de marque, et conçu pour être distribué en grande quantité lors d’événements. Utilisé lors de concerts, de festivals, de foires commerciales et d’autres événements publics, il combine utilité et visibilité.

Tour du monde de l’éventail

Bref, l’éventail ne sert pas seulement à s’éventer. Pour preuve, ce petit tour du monde qui met en évidence les cultures qui ont adopté et décliné l’objet à leur manière.

• L’éventail espagnol, ou abanico, est un symbole de la culture ibérique, souvent associé à la danse flamenco. Fabriqué principalement en bois et en tissu, très coloré, souvent décoré de motifs floraux et de dentelle, il sert bien évidemment à se rafraîchir mais aussi comme un accessoire de danse, ajoutant du charme et du drame aux performances de flamenco.
• L’éventail chinois, ou shan, est l’un des plus anciens types d’éventails, riche en symbolisme et en histoire.Traditionnellement fabriqué en bambou et en papier de riz, souvent orné de calligraphie et de peintures de paysages, de scènes mythologiques, de poèmes ou de motifs naturels, il intervient durant les cérémonies, signe d’appartenance à la haute société, symbole de culture et de sagesse.
• Outre le tessen meurtrier, l‘éventail japonais, ou uchiwa, rigide et plat, est typiquement utilisé lors des festivals d’été. Fait de bambou et de papier washi, décoré de motifs traditionnels japonais comme les fleurs de cerisier, les poissons koi et les scènes de la vie quotidienne, il est célèbre pour sa légèreté et sa durabilité.
• Artisanal, l‘éventail africain est un élément culturel essentiel , à la fois utilitaire et décoratif. Souvent tissé à la main à partir de matériaux naturels comme les feuilles de palmier, le rotin, le cuir., il est orné de motifs géométriques ou symboliques, agrémenté de perles ou de coquillages, symbolise l’hospitalité et la convivialité.

Chaque type d’éventail a sa propre histoire et son utilité, du glamour des éventails en plumes aux pratiques éventails publicitaires, en passant par les riches éventails africains. Ces objets charmants et variés captivent par leur beauté, leur fonctionnalité et leur capacité à transcender les cultures… et les époques. Car l’aventure de l’éventail ne date pas d’hier.

Une aventure ancestrale

L’éventail possède en effet une histoire riche et complexe qui s’étend sur plusieurs millénaires et traverse les civilisations. De l’Antiquité à nos jours, il a évolué en termes de forme, de fonction et de signification culturelle, se réinventant au fil des âges.

Les origines

L’éventail est né dans l’Antiquité, il y a plus de 3 000 ans. On en détecte les premières traces tangibles en Égypte et en Chine.

• En Égypte, il symbolisait le pouvoir et le statut social. Fabriqué en plumes d’autruche montées sur des manches en ivoire ou en or, on en usait durant les cérémonies politiques et religieuses.
• En Chine, il apparaît dès le IIe siècle avant notre ère. Rigide et faits de feuilles de palmier, c’est un accessoire symbolique dans les rituels religieux.

Moyen Âge et Renaissance : cap sur l’Europe

L’éventail survient en Europe au Moyen Âge, probablement introduit par les échanges commerciaux avec l’Orient et les croisades. La Renaissance va le rendre célèbre , notamment en Italie et en France. L’Italie des Médicis en fait un symbole de raffinement et de sophistication. Les éventails d’alors sont souvent ornés de motifs artistiques, inspirés par les œuvres des grands maîtres de l’époque. En France, il gagne en popularité au XVIIe siècle, particulièrement sous le règne de Louis XIV. La cour du Roi-Soleil l’érige en accessoire de mode incontournable. Réalisé dans des matériaux précieux comme l’ivoire, la nacre et la soie, cet objet de luxe est rehaussé de peintures miniatures et de broderies délicates.

Époque moderne : l’éventail enter mode et communication

Aux XVIIIe et XIXe siècles, l’éventail continue d’évoluer, s’adaptant aux tendances de l’époque. Il devient un moyen de communication subtil et un accessoire de mode indispensable.

• Les éventails de conversation font leur apparition dans les cercles aristocratiques. Des « langages de l’éventail » complexes sont développés, permettant aux utilisateurs de transmettre des messages en utilisant des gestes spécifiques.
• Avec l’avènement de la Révolution industrielle, la production d’éventails se mécanise, d’où une diversité accrue et une plus grande accessibilité pour les classes moyennes : l’éventail devient un objet populaire.

XXe Siècle : l’éventail entre tradition et modernité

Le XXe siècle voit l’esthétique de l’éventail osciller entre ces deux tendances. Alors que les avancées technologiques introduisent de nouvelles façons de se rafraîchir, comme les ventilateurs électriques et la climatisation, l’objet conserve son charme et sa pertinence culturelle.

• Durant la période 1920-1930, l’éventail inspire les artistes du mouvement Art déco. Les designs deviennent plus géométriques et stylisés, des matériaux modernes comme le celluloïd et le plastique s’imposent.
• L’éventail fait également son apparition dans la culture populaire, notamment dans le cinéma et le théâtre. Des stars de cinéma comme Marilyn Monroe contribuent à populariser l’éventail comme accessoire glamour.

XXIe Siècle : L’éventail sur le devant de la scène

L’éventail connaît aujourd’hui une renaissance porté par des tendances écologiques et un renouveau de l’artisanat traditionnel. Exfiltré des salons royaux et des geishas, il a su se démocratiser et trouver sa place dans notre quotidien.

• Les grandes maisons de couture, telles que Chanel, Dior et Valentino, réintègrent l’éventail dans leurs collections, le réinventant avec des matériaux luxueux et des designs avant-gardistes.

• Les artisans perpétuent les techniques traditionnelles tout en innovant avec des designs modernes. Alors que les étés deviennent de plus en plus chauds, l’éventail réapparaît comme une solution simple et efficace, une alternative écologique aux dispositifs de climatisation : il ne consomme pas d’électricité, est léger, portable, silencieux. De plus, il incarne une élégance et une durabilité qui manquent cruellement à nos gadgets modernes. Dans un monde où chaque geste compte pour protéger notre planète, l’éventail offre une alternative charmante et respectueuse de l’environnement.
• L’éventail trouve une nouvelle popularité dans les festivals de musique et les événements en plein air, devenant un accessoire à la fois pratique et tendance.

Pour en savoir plus, nous vous conseillons de faire un petit tour au musée de l’Eventail à Paris. Tenu par l’association « Les Amis du Musée de l’evential Hervé HOGUET », l’endroit regorge de trésors, de pièces uniques, d’éventails bijoux.

Fabriquer un éventail aujourd’hui : tradition artisanale et grandes maisons

La création d’un éventail de qualité comprend plusieurs étapes clés :

• La sélection des matériaux : bois de santal, bambou, soie, papier… les matériaux sont choisis pour leur qualité et leur beauté.
• La découpe et l’assemblage des lames : ces dernières, qui forment la structure de l’éventail, sont découpées et poncées à la main pour garantir leur finesse et leur solidité.
• La fixation de la feuille : Souvent décorée à la main, la feuille est fixée aux lames. C’est ici que l’éventail prend vie, chaque pli ajoutant à sa beauté et à sa fonctionnalité.
• Finitions et personnalisation : Les détails font toute la différence. Broderies, peintures, perles, pampilles et autres ornements sont ajoutés pour créer des pièces uniques et élégantes. Certains modèles sont présentés dans des écrins ou des pochettes de protection. On peut y ajouter une chaîne afin de le suspendre à son cou.

Bref, la fabrication d’un éventail ne s’improvise pas. Il convient donc d’investir dans un produit qualitatif façonné par un artisan spécialisé. On peut bien sûr se tourner vers un site de ecommerce spécialisé comme L’Eventail rouge ou Eventail-boutique.com. Mais il faut savoir qu’il existe encore de très grandes maisons expertes dans la création d’éventails depuis des décenies ; ces dernières perpétuent la tradition tout en innovant avec des designs modernes.

Citons quelques grands noms du secteur :

• Duvelleroy : Fondée en 1827 à Paris, cette maison est l’une des plus anciennes et des plus prestigieuses. Duvelleroy collabore avec des artistes contemporains pour créer des éventails uniques, de véritables pièces de collection, agrémentées de pampilles, présentées dans des boites comme des objets précieux.
• Casa de Diego : Installée à Madrid, cette entreprise familiale fabrique des éventails artisanaux depuis 1823, alliant savoir-faire traditionnel et modernité.
• Vera Pilo : cet atelier lyonnais créé en 2003 est spécialisé dans la fabrication d’éventails depuis les modèles les plus élégants jusqu’aux spécimen les plus extravagants. Formes, couleurs, motifs, difficile de ne pas y trouver son bonheur et des modèles d’une très grande qualité !
• Revolvair éventails : installé à Saint-Paul de Vence, cet atelier provençal propose une impressionnante gamme de modèles réalisés à la main, et qui vous séduiront tant au niveau des formes que des tissus, des motifs, des couleurs. Impossible de ne pas y trouver son bonheur, sachant qu’en plus, chaque saison révèle de nouvelles créations.
• Nani Makani : cette formule hawaïenne désigne « le beau vent ». Une jolie tournure pour désigner des éventails pliants au design ovale original, aux ornements variés et fantaisistes. La marque Nani Makani, dans un souci d’exigence et de qualité, fait fabriquer ses modèles en Allemagne.

Et puis il y a les artistes. Héritiers de Fragonard ou Manet, des créateurs contemporains se sont emparés de l’éventail comme support de leur imagination.

• Olivier Bernoux : ce designer a su s’imposer comme une véritable référence en matière d’éventails ; du reste il collabore avec les maisons de haute couture les plus célèbres, initiant des modèles raffinés et inédits pour des stars comme Rossy de Palma (sa Muse), Madonna .
• Valérie B Cartier : cette dessinatrice textile de talent, collagiste experte par ailleurs, crée des éventails rigides d’inspiration exotique qu’elle décline comme de véritables mosaïques. Elle y mêle motifs géométriques, calligraphies, photographies d’un autre âge, chromos et étoffes dans une conjugaison charmante où dialoguent les inspirations.
• Susana Salvo : cette peintre espagnole orne des éventails aux formes variées comme autant de fresques où le floral échange avec les figures sacrées, le visages des stars, la figure de proches. L’éventail devient ainsi un objet personnalisé au possible, souvenir d’un être aimé ou ex-voto sacré.
• Mathilde Lecrouerour : ses éventails mettent en valeur les tissus et les papiers de soie qu’elle teint elle-même dans des tonalités indigo du plus bel effet. Motifs végétaux ou animaux, ombres et jeux de lumière, l’éventail devient un support de son univers au même titre qu’une toile ou une photographie.

C’est un tour de piste pour le moins rapide et incomplet que nous vous avons proposé dans ces lignes. Il y aurait encore beaucoup à dire sur ce vaste sujet. mais vous avez ici des grandes lignes qui vous permettront de vous orienter vers l’éventail le plus adapté à vos besoins. Et qui sait, allez-vous vous prendre d’amour pour cet accessoire si charmant, et débuter une collection ?

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Le Malade imaginaire : une simple pièce de théâtre ? Une comédie classique dans l’esprit du XVIIᵉ siècle ? Oui bien sûr… mais pas seulement, et c’est heureux. L’ultime chef-d’œuvre de Molière frappe par encore et toujours par sa justesse, son mordant. Il continue de résonner avec le public plus de trois siècles après sa première représentation. Écrite en 1673, la dernière comédie-ballet de J.B. Poquelin demeure une critique acerbe et hilarante de la médecine et des travers humains, tout en offrant une réflexion profonde sur la condition humaine.

Une pièce légendaire

Le Malade Imaginaire s’appelle Argan et c’est un hypocondriaque pur jus, obsédé par sa santé, s’entourant de médecins plus charlatans les uns que les autres qui s’ingénient à le soigner par tous les orifices à grand coup de potions absolument ignobles. Des médecins qu’il écoute comme le Messie, et à qui il est prêt à sacrifier la quiétude et le bonheur de ses proches. Satire décapante et un brin scatologique des pratiques médicales de l’époque, la pièce est aussi une exploration des peurs et des obsessions humaines, comme seul Molière est capable d’en écrire une.

Ce qui rend pourtant ce Malade imaginaire si légendaire, c’est son contexte historique. Quand Molière termine son texte, il est affaibli par la maladie. Il meurt d’ailleurs au soir de la quatrième représentation, quelques heures après avoir joué le rôle d’Argan qu’il s’était octroyé, en star de sa troupe. Le fauteuil dans lequel il aurait agonisé sur scène trône d’ailleurs toujours dans l’enceinte de La Comédie-Française, objet de toutes les attentions, de tous les respects. L’anecdote a largement servi de socle à la dimension mythique de l’œuvre.

L’intelligence du texte

Mais au-delà de cette histoire du reste poignante, c’est la pertinence et l’intelligence du texte qui en font une œuvre éternelle. La dernière pièce de Molière se singularise de multiples façons, constituant une somme de son art, de son talent, de la finesse propre à ce bel esprit, témoin de son temps. Bien sûr, Argan s’impose d’entrée de jeu avec ses peurs et ses caprices, ses colères et ses lubies, ses illusions et ses affections : la scène d’exposition où il règle les factures de ses médecins et apothicaires est en soi un moment d’anthologie que tout acteur rêve d’interpréter (Jacques Charon, Michel Bouquet, Guillaume Gallienne… la liste est longue de ceux qui s’y sont illustrés) ; celle où il s’amuse avec sa petite Louison, un sommet de tendresse.

Mais ce héros à plusieurs facettes est également entouré de figures mémorables comme Toinette, la servante rusée et dévouée qui a tout d’un Scapin en jupons, ou encore Béline, la seconde épouse particulièrement intéressée par la fortune de cet époux qu’elle exècre en secret. Et que dire de Diafoirus père et fils ou de M. Purgon dont la tirade en forme de malédiction est un monument littéraire en soi ? Chacun, à sa manière, incarne une facette de la société et de la nature humaine, rendant la pièce aussi diverse qu’amusante, vivifiant une structure par ailleurs rigoureusement façonnée. Car Molière est un magicien qui sait y faire en architecture dramaturgique, alliant comédie, danse et musique pour offrir une expérience théâtrale complète, typique des divertissements qu’on appréciait à l’époque, et qui mêlaient les différents arts, littérature, théâtre, musique, danse, peinture. Les dialogues, vifs, les situations, cocasses, les répliques, ciselées, l’ensemble fait mouche à chaque scène, avec un sens aigu de l’observation et de la satire propre à cette époque de moralistes.

Hypocondrie universelle

Hypocondrie, manipulation, amour, critique sociale sont autant de thèmes abordés avec une grande pertinence, une ironie grinçante et tendre à la fois. Molière se plaît ici à dépeindre une humanité vulnérable et inconstante, comique autant que pitoyable par l’étalage de ses passions et de ses excès. Argan complète une galerie déjà fournie de portraits pittoresques et un peu inquiétants par leur démence : le Bourgeois gentilhomme, l’Avare, Tartuffe… son style inspira à n’en pas douter La Bruyère et ses Caractères. Il y a de quoi : derrière le rire, il y a la violence. Des pères autoritaires et méchants, aveuglés par leur folie au point de sacrifier le bonheur de leurs enfants.

Difficile en contemplant Argan ruiner l’avenir de sa fille pour assurer sa sécurité sanitaire, de ne pas se projeter au présent, tant ces personnages mettent en lumière des vérités intemporelles sur nos comportements et nos croyances. Le Malade imaginaire continue de nous captiver parce qu’il parle de nous tous. La peur de la maladie, la méfiance envers la médecine et les relations familiales compliquées sont des sujets toujours pertinents. La capacité de Molière à rendre ces thèmes universels, à travers le prisme de l’humour et de la critique sociale, fait la modernité inconditionnelle de cette œuvre incomparable.

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Manon Lescaut : ce roman n’est pas seulement une lecture obligée pour les lycéens préparant leur bac, c’est une véritable pépite de la littérature française. Publié en 1731 par l’Abbé Prévost, ce chef-d’œuvre ancré dans la première partie du siècle des Lumières a traversé les siècles sans perdre une once de son éclat. Histoire d’amour et de déchéance, tragédie psychologique, plongée dans un univers marginal, ce tourbillon émotionnel possède différentes facettes qui font sa singularité.

Une passion tumultueuse

Posons le cadre : Des Grieux, jeune noble destiné à entrer dans les ordres, tombe éperdument amoureux de Manon Lescaut, une toute jeune fille d’une beauté envoûtante et d’un caractère pour le moins complexe. Leur passion, tumultueuse et semée d’embûches, va conduire le jeune garçon aux pires extrémités. Joueur, tricheur, voleur, assassin, il fera tout pour préserver sa relation avec une Manon pourtant bien légère, prompte à séduire, à trahir, à abandonner. Ensemble, ils connaîtront bien des revers, fuyant jusqu’en Louisiane où se scellera leur tragique destinée.

Un roman à plusieurs facettes

Une histoire d’amour intense et déchirante : ce roman n’aurait pas lieu d’être sans cette relation enflammée qui brûle tout sur son passage. Cet amour sans compromis, qui défie les conventions et les lois, rappelle que les passions humaines sont universelles, intemporelles, et que personne ne peut y échapper. Mais Manon Lescaut, c’est aussi un roman d’aventures, pour ne pas dire un roman picaresque. Les deux amants vont connaître bien des revers, perdant leur argent, connaissant la prison, s’évadant, forcés à l’exil. À chaque chapitre, une nouvelle épreuve à surmonter. Les paysages changent, les dangers se multiplient, mais toujours Des Grieux doit affronter le sort pour conserver sa chère Manon.

Des Grieux : une énigme psychologique

Des Grieux justement : narrateur désespéré d’un amour mort, il occupe la place centrale du livre, tandis que l’auteur donne à voir sa folie passionnelle, sa lente déchéance. Cette plongée dans les méandres d’une âme humaine aussi ardente que pitoyable, dévoile des dilemmes moraux douloureux, des réflexions à la fois profondes et torturées sur le destin et la faiblesse d’âme. Si Manon est un modèle d’ambiguïté, à la fois victime et manipulatrice, fragile et forte, Des Grieux est un héros de roman d’apprentissage avant l’heure, une sorte de Frédéric Moreau du XVIIIᵉ siècle, voué à l’échec, grandi par la perception de sa chute.

Un reflet de l’auteur ?

Difficile de ne pas percevoir dans les traits de ce jeune héros l’ombre d’un auteur qui a lui-même vécu une vie pour le moins décousue. Moine défroqué, soldat, écrivain, l’abbé Prévost a constamment hésité entre la vie monacale et les plaisirs de la séduction. Son existence, aussi mouvementée que celle de ses personnages, a été marquée par l’errance et les passions dévorantes qui transparaissent dans ses écrits, ce qui apporte un petit côté vivant et crédible à son récit. La dualité de Des Grieux, tiraillé entre raison et passion, vertu et vice, à la fois grand de cœur et prompt au mensonge et à la manipulation, se teinte alors de récit autobiographique, avec en perspective une invitation à la méditation pour chaque lecteur.

Une lecture télévisuelle fidèle

Récit à multiples facettes, mêlant aventure, amour et introspection psychologique, Manon Lescaut a maintes fois été adapté à l’écran, avec plus ou moins de liberté de ton. Histoire du chevalier Des Grieux et de Manon Lescaut, en reprenant le titre initial du livre, propose une lecture télévisuelle d’une rare fidélité et dans les péripéties relatées et dans le ton adopté. Tourné en 1978 par Jean Delannoy avec une Fanny Cottençon troublante de candeur et un Franck Cabot-David vibrant de passion et de fragilité, la série n’a rien perdu de son charme ni de sa justesse. Peut-être est-ce dû à la plume de Jean Anouilh qui signe là une adaptation scénaristique particulièrement réussie ?

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A l’heure où j’écris ces lignes, la fièvre monte dans les couloirs des maisons d’édition et chez les auteurs français. On attaque la dernière ligne droite pour la sélection des Prix littéraires. Le Prix Goncourt bien sûr, le Prix des prix, le plus convoité, le plus prestigieux, mais beaucoup d’autres également, 2000 environ qui se concurrencent, avec une centaine de nouveaux titres par an et à peu près le même nombre de disparus corps et biens. Bref, il y a un véritable business du prix littéraire dans la patrie de Voltaire, Hugo et Zola. Avec à la clé, quelques questions de fond qu’il convient d’explorer pour mettre en évidence les dessous de ce marché.

Une tradition venue de l’Antiquité… pour casser les codes

Le prix littéraire donc : une récompense attribuée à un écrivain ou à une œuvre en reconnaissance de sa qualité, de son mérite artistique, avec la volonté plus générale de promouvoir le renouvellement de la littérature, ses jeunes talents, tout en stimulant l’intérêt du public pour la lecture. Une volonté qui n’a rien d’une nouveauté.

Déjà dans l’Antiquité, les Grecs anciens organisaient des compétitions littéraires, de véritables Jeux Olympiques de l’esprit où poètes et dramaturges s’affrontaient, revendiquant les lauriers de la gloire. La tradition va perdurer au fil des siècles, durant le Moyen-Age, la Renaissance :

• Au XVIIIe siècle, J.B. de Montyon initie le prix qu’il baptise de son nom : l’un des premiers prix de l’ère moderne voit le jour en 1782, pour récompenser des ouvrages considérés comme moralement exemplaires.
• Créé en 1903, le prix Goncourt donne quant à lui corps aux volontés testamentaires des deux frères et auteurs naturalistes ainsi que l’académie du même nom. Il récompense de jeunes auteurs avec une dotation financière, aujourd’hui synthétisée dans un chèque symbolique de 10 euros.

Derrière cette coutume se cache une contestation, une lutte âpre entre les Classiques et les Modernes. Au XIXe siècle, créer un prix littéraire, c’est donner un grand coup de pied dans le monopole détenu jusqu’alors par l’Académie française qui régnait en maîtresse sur le royaume des lettres hexagonales, y faisant la pluie et le beau temps en matière de livres à lire, de textes à honnir, d’auteurs à révérer ou à dénoncer. Et si le genre du roman était en vogue durant la Révolution industrielle, il ne plaisait guère aux Immortels qui y voyaient là une sous-littérature.

Instituer un Prix littéraire, c’est donc forcément entrer dans le game pour contre-balancer la toute puissance d’une autorité intellectuelle et élargir le cercle des chanceux autorisés à se vêtir du titre d’auteur… ou d’autrice. Comme l’identifie très bien Sylvie Ducas dans l’article «  Prix littéraires crées par les médias : Pour une nouvelle voie d’accès à la consécration littéraire ? » paru dans le n°117 de la revue Réseaux 2003, « le prix Femina est né en réaction aux mécanismes d’exclusion dont les femmes sont habituellement victimes au sein de l’institution littéraire. L’enjeu de cet aréopage exclusivement féminin, mais qui fonde son autorité sur la mixité littéraire de ses choix en n’accordant pas son prix qu’à des femmes, consiste à investir des lieux de consécration ordinairement réservés aux hommes ».

2000 prix littéraire en France… à la louche !

Le prix Fémina justement : un des nombreux prix made in France, un pays prolixe en la matière comme nous l’avancions das l’introduction de notre dossier. Les prix littéraires ont muté progressivement, se répandant à la surface du globe pour s’imposer comme une reconnaissance littéraire essentielle, une distinction nécessaire, un événement culturel incontournable. On pense immédiatement au Nobel de littérature, mais il en existe beaucoup d’autres à l’échelle de la planète. Dans la patrie de Molière, c’est même un sport national puisqu’on en dénombre 2000 environ dont voici les plus connus. Une liste non exhaustive, qui vaut le coup d’être parcourue car elle est révélatrice en matière de calendrier et de thématiques.

Le Prix Goncourt :

1. Date de remise : chaque année, le premier mardi de novembre.
2. Spécificités : il est considéré comme l’un des prix les plus prestigieux en France. Il récompense un roman écrit en français publié dans l’année en cours.

Le Prix Renaudot :

1. Date de remise : le même jour que le Prix Goncourt (une véritable concurrence au niveau médiatique donc).
2. Spécificités : comme le Prix Goncourt, il récompense un roman en français. Il est également très prisé.

Le Prix Femina :

1. Date de remise : chaque année, le premier mercredi de novembre.
2. Spécificités : il récompense un roman écrit en français, souvent en mettant en avant des auteures féminines.

Le Prix Médicis :

1. Date de remise : chaque année, le premier jeudi de novembre.
2. Spécificités : il récompense un roman, mais aussi des essais et des œuvres de non-fiction. Il est souvent attribué à des œuvres moins conventionnelles.

Le Prix Interallié :

1. Date de remise : chaque année, le deuxième mercredi de novembre.
2. Spécificités : il récompense un roman écrit en français, et il est parfois considéré comme un prix « littéraire d’opinion ».

Le Prix des Deux Magots :

1. Date de remise : chaque année, le premier samedi de janvier.
2. Spécificités : il récompense des œuvres de fiction, des essais, ou des ouvrages autobiographiques. Il a pour tradition de mettre en avant des écrivains prometteurs.

Le Prix du Livre Inter :

1. Date de remise : chaque année, en juin.
2. Spécificités : il est décerné par les auditeurs de l’émission de radio « Le Masque et la Plume » sur France Inter. Il récompense un roman français ou étranger.

On aurait pu également citer le prix de Flore, le prix littéraire du Monde, le prix Goncourt des lycéens, le prix du roman Fnac, le Grand prix du roman de l’Académie française… bref il y a de quoi faire, les plus impactants en matière de prestige, de visibilité et de ventes dopées demeurant le Goncourt, le Renaudot, le Femina.

Processus de sélection : parcours officiel étape par étape

Cela peut varier d’un prix à l’autre, mais il existe généralement quelques étapes communes dans ce processus.

Sélection des ouvrages éligibles :

Chaque prix littéraire a ses propres critères. Généralement, seuls les livres publiés dans une certaine période (par exemple, durant l’année en cours) et rédigés dans la langue spécifiée par le prix (le français pour les prix littéraires français) sont pris en considération.

A titre d’exemple, voici les conditions prônées par l’Académie française pour concourir à son prix : « Pour pouvoir prendre part aux concours, les ouvrages doivent être envoyés par l’éditeur ou par l’auteur, en deux exemplaires, accompagnés d’une lettre faisant acte de candidature, au Secrétariat des Commissions littéraires (23, quai de Conti – 75270 Paris cedex 06 – CS 90618), avant le 31 janvier ».

• Comme vous pouvez le constater, ça ne rigole pas, le règlement est très clair, il y a des dates butoirs, et un encadrement légal. Bref, on ne part pas en free style.
• Autre point essentiel, l’auteur peut envoyer son livre, son éditeur aussi et cela est très important. Il y a toute une pré-selection opérée au sein des états-majors des grandes maisons pour mettre en avant les romans les plus à même de remporter les précieux trophées.

Constitution d’un jury :

Un jury composé de membres qualifiés est constitué ; certains sont permanents, d’autres occasionnels, renouvelés d’année en année. Les membres du jury peuvent être des écrivains, des critiques littéraires, des éditeurs, des universitaires, d’autres personnalités du monde littéraire. Le nombre de membres et leur composition varient selon le prix. Mais il vaut mieux toujours tabler sur des figures représentatives, avec une aura médiatique et/ou une expertise reconnue.

• Pour son édition 2023, le jury du prix Femina est composé de « Évelyne Bloch-Dano (présidente), Paula Jacques (vice-présidente), Claire Gallois, Nathalie Azoulai, Christine Jordis, Scholastique Mukasonga, Mona Ozouf, Josyane Savigneau, Patricia Reznikov, et, depuis mars dernier, le Prix Goncourt 2022 Brigitte Giraud, Jeanne Benameur et Julie Wolkenstein », dixit le site Actuallite.com.
• Le même média évoque par ailleurs la composition du jury du prix de Flore 2023 à savoir « Frédéric Beigbeder, Jacques Braunstein, Manuel Carcassonne, Carole Chrétiennot, Michèle Fitoussi, Jean-René van der Plaetsen, François Reynaert, Jean-Pierre Saccani, Bertrand de Saint-Vincent, Christophe Tison, Philippe Vandel, et Arnaud Viviant ».

On ne va pas tous les faire, mais l’idée est là, et l’annonce des jurés est presque aussi importante que celles des candidats en lisse.

Réception, lecture et évaluation des ouvrages :

Les éditeurs soumettent les livres qu’ils estiment éligibles pour le prix. Ces ouvrages sont généralement envoyés aux membres du jury pour examen. Ces derniers lisent les livres soumis avec soin et attention. Ils évaluent chaque livre en fonction de critères spécifiques, tels que la qualité littéraire, l’originalité, la créativité, la pertinence thématique, et d’autres critères définis par le prix. Chaque membre du jury peut avoir sa propre méthodologie d’évaluation.

Délibérations :

Une fois les lectures effectuées, les membres du jury se réunissent pour discuter des livres qu’ils ont lus. Ils partagent leurs opinions, argumentent en faveur ou en défaveur des ouvrages, et votent pour sélectionner les finalistes ou le lauréat. Les délibérations peuvent être animées, nécessiter plusieurs réunions pour parvenir à un consensus.

Annonce des finalistes et du lauréat, remise de prix :

Une fois que le jury a pris sa décision, les finalistes et le lauréat du prix sont annoncés publiquement. Parfois, les finalistes sont révélés avant le lauréat, créant ainsi une anticipation dans le public littéraire, via des campagnes médiatiques souvent échevelées.

Une cérémonie est organisée pour honorer le lauréat et les finalistes, souvent dans un établissement gastronomique réputé ; ainsi, le Drouant a l’heur de recevoir dans ses salles les jurys des prix concurrents Goncourt et Renaudot depuis 1914. Et il l’annonce avec fierté sur son site, car c’est une véritable référence.

Avantages multiples et visibilité accrue

Pour un auteur, être récompensé par un prix littéraire offre de nombreux avantages, la reconnaissance et la visibilité, la crédibilité également, mais pas seulement. Être lauréat d’un prix littéraire peut avoir un impact très concret.

Récompense financière :

Ce n’est toujours le cas mais certains prix sont confortablement dotés. Ainsi les lauréats du prix de littérature Paul-Morand touchent 45 000 euros. Mais ceux du Goncourt se contenteront d’un chèque de 10 euros. Les prix portés par des marques proposent des récompenses en espèces sonnantes et trébuchantes comme l’évoque Ouest France :

• le prix Landernau, lancé en 2008 par Michel-Édouard Leclerc et ses Espaces culturels = 6 000 €
• le prix de Flore = 6 100 €, en plus d’un verre de Pouilly par jour pendant un an dans le café du même nom
• le prix Wepler/Fondation La Poste = 10 000 €
• le prix Décembre (ex-prix Novembre) = 30 000 €.

Augmentation des ventes :

Gagner un prix littéraire, c’est voir les ventes de son livre exploser.

• Les lecteurs sont souvent plus enclins à acheter et à lire un livre qui a été récompensé par un prix : « Spécialiste des statistiques des prix littéraires avec des moyennes lissées sur plusieurs années, l’Institut d’études marketing GFK, qui collecte et classe l’ensemble des données de vente du marché du livre, estime le Goncourt à 320 000 ventes en moyennes devant le Renaudot à 194 000 et 131 000 pour le Prix des Lycéens » explique le Forbes dans l’article «Dans les coulisses de la guerre des prix littéraires » en 2022.
• Financièrement, cela se traduit par un chiffre d’affaire d’environ 6 millions d’euros pour un livre à 15 euros, selon Ouest-France, qui cite de nouveau Paul-Antoine Jeanton, consultant du panel livres pour l’institut GfK : « Depuis 2015, le volume de ventes de la totalité des livres primés est passé d’un million à 700 000. Générant un chiffre d’affaires passé de 20 millions à 15 millions d’euros entre 2015 et 2018. ».

Traductions et droits d’adaptation :

Les œuvres d’auteurs primés sont souvent traduites en d’autres langues pour être diffusées à l’international. Elles peuvent également susciter l’intérêt des producteurs de films, de séries télévisées, et de théâtre pour des adaptations. Cela peut considérablement augmenter les revenus de l’auteur et de l’éditeur. Ainsi Capitaine Conan de Roger Vercel, Prix Goncourt 1996, adapté à l’écran par Bertrand Tavernier, film lui-même récompensé par un César du meilleur réalisateur.

Opportunités de carrière :

Les auteurs récompensés par un prix littéraire sont plus susceptibles de recevoir des offres pour de nouveaux contrats d’édition. Ils peuvent également être invités à participer à des événements littéraires, des conférences, et des festivals, ce qui peut élargir leurs horizons et leurs opportunités professionnelles.

Éditeurs rayonnants et hydre magouilleuse

Il n’y a pas que l’auteur qui profite de cette manne. Son éditeur a aussi sa part de lauriers, et pas seulement en terme de revenus de vente, de droits de traduction. Les éditeurs qui publient des lauréats de prix littéraires renforcent leur réputation et leur image dans l’industrie littéraire. En exergue, leur flair, leur capacité à détecter des romanciers hors pair, de véritables talents. Cela ne peut qu’attirer de nouvelles pépites, tout en captant durablement l’attention des médias, des libraires et des lecteurs, ce qui va rejaillir sur l’ensemble du catalogue de l’éditeur, et permettre de vendre d’autres publications, de l’auteur primé mais aussi des autres plumes.

Et c’est là qu’entre en lisse l’hydre « Galligrasseuil ». Un monstre échappé du bestiaire fantastique antique ? Il y a de ça ; pour sûr Daumier le caricaturiste aurait représenté la chose de cette façon. Ce terme aux consonances barbares mêle le nom de trois grands maisons d’édition : Gallimard, Grasset, Seuil. Ce trio est resté dans les mémoires pour la qualité de ses publications certes, mais aussi pour sa capacité répétée à rafler les prix Goncourt, Renaudot, Médicis et autre Interallié. Une habitude que d’aucuns considérent comme fâcheuse et contestable, car elle prive les enseignes de moindre portée de la mise en lumière octroyée par les fameux prix, alors qu’elles en auraient grand besoin.

De là à penser que les jurys des dit Prix sont partie prenante, plus ou moins téléguidés par ces éditeurs leaders, que les concours sont sinon truqués, du moins très influencés, il n’y a qu’un pas, qui perdure du reste, la polémique refaisant surface chaque automne.

La preuve avec :

• l’excellent article « Dans les coulisses des prix littéraires » paru sur le site L’Opinion indépendante, Christian Authier y évoque par le menu les coulisses de sélections où notre petite hydre s’infiltre par jurés interposés, et malheur à celles et ceux qui fronderaient, dénonçant ces turpitudes éditorialo-machiavéliques ;
• idem chez l’INA, vigilante gardienne de notre mémoire audio-visuelle, qui diffuse un reportage de 1979 passé durant le Journal de 20h d’Antenne 2 ; déjà le monopole Galligrasseuil faisait gronder les autres acteurs du marché du livre à la française.

De là à dire que les process de sélection sont complètement fartés ? En tout cas, l’enjeu étant de taille au niveau économique, financier et médiatique, il est évident que les leaders du secteur n’ont pas du tout l’intention de laisser des concurrents moins importants leur voler la vedette. Quitte à influencer le marché… ou à se laisser influencer par lui ? Et orienter le choix des lauréats en fonction des attentes du lectorat, à moins qu’il s’agisse de façonner les goûts de la cible ? Bref mettre en valeur des auteurs qui vont vendre et laisser dans le fossé ceux qu’on considère comme moins rentables ?

De Pierre Bergé à Meetic : pourquoi créer un prix littéraire quand on est une entreprise ?

Résumons : être primé est une excellente chose et pour les auteurs lauréats, et pour les maisons d’édition qui ont parié sur eux. Mais c’est aussi une opération bénéfique pour ceux qui ont créé le prix, notamment les acteurs privés que sont les entreprises, les marques, les patrons de grands groupes. Prix du Roman Fnac, prix littéraire Patrimoines de la banque privée, prix « Bourienne » et autres : 221 prix dotés, recensait LivresHebdo en 2021. Ce n’est pas rien. Et pour les enseignes à l’origine de l’initiative, c’est même une opération plus que rentable en terme d’image.

• Créer un prix littéraire, ce n’est pas que faire la nique à l’Académie. C’est aussi participer au prestige de la littérature et de la culture française, c’est donc se positionner en protecteur des arts et des lettres : on sait l’importance politique et sociale de la chose depuis les rois de la Renaissance et le mécénat de Louis XIV.
• Soigner son image de marque donc, auprès des artistes, du public et des médias : créer un prix littéraire est une manière de faire date, de montrer qu’on est en bonne santé économique, et de bénéficier d’une couverture presse conséquente, ce qui n’est pas rien dans un univers où l’info file à la vitesse d’un cheval au galop.
• Créer un prix littéraire, c’est aussi rassurer et sa clientèle et ses employés. L’effet en interne est toujours bénéfique, fédérateur.
• Et puis c’est modifier son statut, quelque part, c’est côtoyer l’univers du luxe, du haut de gamme, de l’excellence. Monter en grade. Intégrer pour partie un panthéon.

Ainsi que le détaille Slate dans l’article « Comment sont financés les prix littéraires? » paru en 2013, « la dotation du prix Décembre n’a pas diminué depuis sa création en 1999. Né des cendres du prix Novembre et de la volonté de Pierre Bergé, c’est lui qui pourvoit à tout. L’homme d’affaires finance les 30.000 euros reçus par le lauréat –la dotation la plus importante des prix littéraires à l’heure actuelle– la remise du prix à l’hôtel Lutetia et les trois repas de délibération du jury ». On sait combien Bergé se positionnait comme un humaniste, un pur esprit de la Renaissance. En reprenant le Prix Décembre, l’homme d’affaire continue de creuser le sillon qu’il avait tracé dès le début de sa carrière dans le commerce de l’art, puis en créant la maison de couture YSL avec son compagnon Yves Saint Laurent.

Avec le Prix littéraire Meetic de la plus belle histoire d’amour initié en 2021, on change de taquet. La plateforme spécialisée dans les rencontres en ligne vise plutôt à l’opération de communication. Objectif : redorer son blason en investissant sur la littérature romantique. LivresHebdos avait annoncé la chose en ces termes : « Meetic et Fyctia, plateforme communautaire de lecture et d’écriture, s’associent pour la création du Prix littéraire Meetic de la plus belle histoire d’amour. Lancé à l’occasion de la 5e édition du Festival New Romance Youboox, qui se tiendra du 8 au 10 octobre, le concours est ouvert aussi bien aux amateurs qu’à des auteurs plus expérimentés ». 

Traduction : Meetic ne créée rien du tout, il s’associe avec « Fyctia, plateforme communautaire de lecture et d’écriture » et « le festival New Romance Youboox » pour lancer un prix littéraire qui bénéficiera très certainement de l’aura du leader européen des plateformes de rencontres, auto-proclamé « site de rencontre sérieux pour trouver l’amour », et l’un des fleurons de Match group qui possède par ailleurs Tinder, OK Cupid et deux ou trois autres pépites du même secteur au point de peser 10,1 millions d’utilisateurs pour 555 millions de dollars de chiffre d’affaire. Par temps de COVID.

C’est que la fréquentation des sites de rencontres n’a guère dévissé en ces temps de pandémie, au contraire. Il semblerait que confinements et couvre-feu aient affolé les amateurs de rencontres numériques retranchés dans leurs foyers. Quelques chiffres ? Aux alentours du mois de juin 2020, Match Group affichait 1 million supplémentaire d’usagers payants et une hausse de 12 % des rentrées d’argent. Comme quoi tout le monde ne se portait pas si mal à l’heure de la crise sanitaire, notamment Tinder qui caracolait alors en tête du panthéon matchgroupien avec 6,2 millions d’usagers et des bénéfices bondissant de 15 %. Et Meetic dans tout ça ?

En 2019, Le Journal des femmes le considérait comme un peu trop académique. Peut-être parce qu’il ciblait entre autres les plus de 50 ans en solo (soit un tiers des célibataires français, 25 millions de nos concitoyens à la louche) peinant à se réinsérer sur le très concurrentiel marché de la séduction ? Un marché à saisir, mais une cible qui ne se drague pas comme les millennials. D’où ce prix littéraire forgé de toutes pièces en un temps de disette culturelle, sur fond d’annulation des festivals et des salons en physique ? Étrangement, l’aventure s’arrête en 2022. En 2023, nulle trace d’une nouvelle édition alors que le festival New Romance a pourtant les pieds dans les starting blocks pour novembre 2023.

Le sujet est tellement vaste qu’il mériterait un livre. N’ayant que peu de temps et beaucoup d’autres sujets à traiter, j’en resterai là, pour l’instant du moins. Sans être pleinement holistique, ces quelques paragraphes dressent déjà un tableau relativement clair des enjeux à l’œuvre dans la course aux prix littéraires. Un levier puissant dans le business de l’édition, chiffres à l’appui, et une source sans fin de questionnement sur des événements qui captent l’attention du grand public en quête des grands auteurs de demain.

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On ne compte plus les films évoquant la Révolution française. Mais quant aux causes profondes de cette période, c’est plus nébuleux. Tourné en 1996, le film Ridicule de Patrice Leconte aborde cette question délicate de manière à la fois drôle, intelligente et cynique. Clairvoyante.

Comprendre les codes du bel esprit versaillais

Jeune, beau, intelligent, Grégoire Ponceludon de Malavoy est un petit marquis de province sans grande fortune, mais pétri de valeurs. Honnêteté, droiture, responsabilité : pour lui, un noble a autant de devoirs que de droits, sinon plus. Biberonné à l’esprit des Lumières, il enrage de voir ses paysans décimés par la malaria ; ses terres sont couvertes de marais immondes qu’il faudrait assécher de toute urgence. Pour cela, il faut de l’argent. Et l’argent se trouve à la cour de Versailles. Notre héros décide donc de se rendre auprès du roi Louis XVI.

Il sait le souverain bon et attentionné pour son peuple. Il veut l’avertir, obtenir son aide, lever des fonds pour entamer les travaux et venir à bout de ce fléau. Un long fleuve tranquille ? Bien sûr que non. Plus le jeune homme découvre la Cour, plus les obstacles s’accumulent. Car pour rencontrer le monarque, il va falloir montrer patte blanche, s’imposer dans son entourage, conquérir ses proches. Comprendre les codes du bel esprit versaillais et briller dans les salons. Et ce n’est pas chose aisée.

Un ridicule dont certains ne se remettent jamais

Imbue d’elle-même, jalouse de privilèges sclérosés, la haute aristocratie n’a que faire des miséreux qui crèvent dans les campagnes, rongés par les fièvres. Elle préfère s’amuser de bons mots, de saillies, de bouts rimés et autres joutes verbales. De charmants loisirs qui cachent un esprit de compétition impitoyable, un total manque d’empathie et de bienveillance. C’est à celui qui tournera l’autre en dérision. Un ridicule dont certains ne se remettent jamais. En bon candide qu’il est, Grégoire Ponceludon de Malavoy va-t-il survivre à ce traitement ?

S’appuyant sur les récits de Bussy Rabutin et saint-Simon, le scénariste Rémi Waterhouse accouche d’un film particulièrement prenant, dont l’atmosphère tient à la fois de la comédie noire et de la satire sociale. Patrice Leconte évoque quant à lui un « western à Versailles » : il faut dire que chaque séquence sent son duel au soleil, avec la parole comme revolver. « La droiture et le bel esprit sont rarement réunis » explique avec justesse le marquis de Bellegarde, mentor du héros, qui le guide dans cette jungle sans pitié.

La métamorphose en marche

Insensible à la souffrance de la populace, cette noblesse rongée d’ennui en arrive à se dévorer elle-même, une forme de cannibalisme particulièrement odieux et prophétique : quand les êtres d’une même espèce en arrivent à s’entre-dévorer de la sorte, c’est que leur fin est proche. L’action se situe en 1780, 9 ans plus tard, la Bastille est prise. Pourtant, la bascule est déjà en train de s’opérer sous le regard impuissant et écœuré de Grégoire Ponceludon de Malavoy.

Mené avec énergie, synthétique, ponctué d’images fortes qui contredisent le panorama des salons et des jardins, le récit de Leconte se singularise par la précision des costumes et des décors, la ciselure des répliques, le jeu des acteurs. On appréciera la faconde faussement désinvolte de Jean Rochefort, l’incroyable volonté de Charles Berling, la diction racée, ironique de Fanny Ardant. Cette dernière façonne le personnage de Mme de Blayac tout en contradictions, cruelle et pathétique, dévoratrice et fragile. Déjà en perdition dans ce monde dont elle ressent la métamorphose en marche.

L’ensemble n’a rien perdu de son piquant ni de sa pertinence. Pour tout dire, le propos est furieusement d’actualité. Et cela met mal à l’aise. Décidément, la fatuité n’a pas d’âge.

Et plus si affinités

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