Saisir l’histoire de la mode, c’est observer la manière dont la coupe, l’organisation des ateliers, le rapport au corps et à l’image se reconfigurent à chaque époque. Quatre expositions offrent actuellement une approche limpide de la question : Worth (acte de naissance de la haute couture), Paul Poiret (révolution moderne et mise en scène), Coco Chanel (les Années folles et l’invention d’un style de vie), Rick Owens (rituels et minimalisme monumental). Ensemble, elles dessinent un siècle et demi d’inventions, d’industries et d’imaginaires.

Worth, inventer la haute couture – Petit Palais : le prototype du système

La rétrospective Worth. Inventer la haute couture déploie plus de 400 œuvres sur 1 100 m² pour raconter comment Charles Frederick Worth structure un écosystème : maison, mannequins, collections saisonnières, étiquettes, clientèle internationale — bref, la méthode qui fait encore autorité aujourd’hui. Dates, ampleur, et enjeux d’atelier (fournisseurs, commandes, photographies) sont articulés avec clarté.
Au-delà de la robe, le propos insiste sur l’infrastructure (du négoce des tissus aux liens avec d’autres maisons de luxe) et sur l’héritage multigénérationnel de la maison Worth, souvent qualifié de “père de la haute couture”. Un panorama rare, jugé difficilement reproductible par la presse spécialisée tant les prêts et restaurations ont été importants.

Paul Poiret, la mode est une fête – MAD Paris : la modernité spectaculaire

Le MAD consacre à Paul Poiret une exposition d’envergure (environ 550 œuvres, du vêtement aux arts décoratifs) qui restitue son double geste : libérer le corps (déconstruire le corset, repenser la ligne) et mettre en scène la mode comme expérience totale (parfums, fêtes, collaborations artistiques, marketing avant l’heure).
Le parcours rappelle aussi les paradoxes d’un créateur visionnaire, passé par la maison Worth, dont la flamboyance aura autant construit son mythe que fragilisé son entreprise — un récit utile pour comprendre la tension durable entre création et économie dans la mode.

Les Années folles de Coco Chanel – NMNM – Monaco : le style comme art de vivre

À la Villa Paloma, Coco Chanel est lue à l’aune de trois axes des années 1920 : l’outdoor (plages, sports, Riviera), l’influence slavophile (Ballets russes, cultures d’Europe de l’Est) et le dialogue mode/arts. Plus de 200 pièces (modèles, accessoires, photographies) entrent en conversation avec des œuvres modernes (de Van Dongen à Picasso), soulignant l’invention d’un style de vie autant que d’une coupe.

La mode est ici abordée comme une culture visuelle et une pratique sociale (corps sportif, plein air, médias). Maillots, ensembles fluides, iconographie photographique, la Riviera se décline en laboratoire du chic moderne.

Rick Owens, Temple of Love – Palais Galliera : le rituel et l’architecture du vêtement

Le Palais Galliera signe la première grande exposition parisienne dédiée à Rick Owens : un itinéraire des débuts à Los Angeles aux collections récentes, où la coupe radicale rencontre la spiritualité du rituel, le minimalisme sculptural et des références littéraires/cinématographiques (de Huysmans au Hollywood du début du XXᵉ).

La mode contemporaine se veut expérience (corps, son, scénographie) et langage critique.
Manteaux-monolithes, drapés lourds, bottes-totems : l’exposition orchestre le silence et la ferveur autour de pièces devenues iconiques.

Que retenir de ces quatre expositions ?

1. Worth institutionnalise : la mode se dote d’une organisation reproductible (atelier, saison, clientèles), qui lui donne puissance et visibilité.
2. Poiret théâtralise : le couturier devient metteur en scène de son univers, entre arts, parfum, événement.
3. Chanel civilise le quotidien : le vêtement épouse les usages (sport, plein air), dessine une modernité vivable.
4. Owens spiritualise et radicalise à la fois : le vêtement devient architecture et rite, explorant les limites du corps, du genre, de la beauté.

A chaque étape, la mode réécrit le contrat social du vêtement (qui le porte, où, comment, avec quel récit).

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Reprenons notre périple dans les terres sauvages ou presque de la mode de demain. Parmi les jeunes pousses d’une couture qui ne se veut plus haute mais débridée, sans pour autant sacrifier aux impératifs du luxe et de la qualité, citons le travail de Cory Infinite.

Oeuvres d’art portables

Connu sous le nom de Cory Infinite sur les réseaux sociaux et le catwalk gigantesque qu’est devenu Internet, Cory Jonhson est un jeune créateur de mode de 23 ans originaire de Kansas City. Et il compte bien redéfinir les frontières entre art et mode en jouant la carte de l’upcycling déjanté. Son approche innovante réside dans sa capacité (assez incroyable) à métamorphoser des objets ordinaires en œuvres d’art portables tout à fait extravagantes

Une audace folle

Costume couvert de touches d’ordinateur, tenue constellée de guirlandes de Noël, veste en bouteilles plastique et canettes usagées, combi hérissée de couverts, baskets brodées de convecteurs électroniques, gants armés de clés, chapeau masque en forme de livre ou d’éventail : ce garçon a de la suite dans les idées, et une audace folle. Les créations de Cory Infinite ne passent pas inaperçues, et c’est le but. Dès son plus jeune âge, le designer s’est passionné pour l’art sous toutes ses formes, avec un penchant plus prononcé pour le dessin, la photographie et l’origami. Cette polyvalence artistique se reflète aujourd’hui dans ses costumes avant-gardistes.

Expérimentation ludique

Chaque pièce est exclusive, pensée à la fois comme une œuvre d’art et une réflexion sur le devenir des fruits de la surconsommation. Créativité débridée, expérimentation de formes et silhouettes inédites, éloge de la durabilité : en sortant des sentiers battus et des diktats de la mode, Cory Infinite défriche son chemin au milieu d’une jungle d’inspirations qui ne demande qu’à être explorée. « Be You. Be Infinite. » : ce mantra invite à l’expérimentation et au ludique. Quelque chose de surréaliste ? En tout cas, un goût affiché pour le spectaculaire, le festif.

Une approche plus consciente

Certains costumes évoquent les tenues rituelles africaines, d’autres les caftans orientaux, les armures des samouraï, les oripeaux d’Arlequin. Le tout dans l’esprit « salon de Mamie », une touche désuète mixée de skate culture, un petit côté « on se déguise avec les frusques qu’on a dénichées dans une malle au grenier pour aller faire du surf». Et cela plaît. 423 K de followers, l’intérêt de stars du rap, un processus créatif documenté de A à Z. Cory Infinite s’inscrit en bonne place parmi ces talents émergents qui repoussent les frontières de la mode conventionnelle, encourageant toute une génération à adopter une approche plus consciente et artistique de l’habillement.

Pour en savoir plus sur Cory Infinite et découvrir ses créations, vous pouvez visiter son site officiel ainsi que son compte Instagram.

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Impossible d’évoquer l’univers de la mode sans citer Karl Lagefeld. Énigmatique par-delà la mort, ce touche-à-tout de génie a hypnotisé les podiums des années durant, laissant dans son sillage un parfum de talent, de succès et de mystère. Rien d’étonnant donc à ce qu’on lui consacre moult biographies… et une série télévisée intitulée Becoming Karl Lagerfeld.

Survivre dans la fashion jungle

Inspiré du livre Kaiser Karl de Raphaëlle Bacqué (qui a rejoint l’équipe de scénaristes Jennifer Have et Isaure Pisani-Ferry), Becoming Karl Lagerfeld revient sur l’émergence du couturier depuis ses débuts chez Chloé jusqu’à son recrutement par Chanel. Objectif : autopsier une trajectoire pas si fulgurante que cela. Car il fallut beaucoup de patience à Karl pour devenir Lagerfeld. Beaucoup de patience, de flair, de sens des affaires et de la manipulation. Talentueux ô combien, Lagerfeld va devoir trouver sa place, tracer sa route, imposer sa vision.

Face à lui, la main mise esthétique et économique de l’empire Yves Saint Laurent, cornaqué par un Pierre Bergé retors et sans pitié, qui a la main mise sur le monde de la haute couture et compte bien en régir les règles. Tous les coups sont donc permis. Les six épisodes de la minisérie donnent à voir les efforts considérables déployés par Lagerfeld pour se frayer un chemin vers la réussite, la reconnaissance puis la célébrité, des efforts souvent doublés de ruse et de rouerie. Condition sine qua non pour survivre dans la fashion jungle d’alors.

Récit d’une lente initiation

Becoming Karl Lagerfeld porte bien son titre ; il s’agit de raconter une lente initiation, une adaptation complexe, ponctuée d’entreprises, réussies ou avortées, autant de coups de communication orchestrés avec brio souvent, décevants parfois, pédagogiques à coup sûr. Si l’on voit Lagerfeld en train de créer, dessinant modèle sur modèle, organisant les défilés, habillant les modèles, on l’observe surtout en train d’expliquer, de négocier, de convaincre. Et d’apprendre. De tirer des enseignements de ces échecs qu’il s’efforce de transformer en victoires.

Malgré une fortune familiale conséquente qui le met à l’abri du besoin, l’appui d’une mère aimante bien que sévère, Lagerfeld galère. Souvent. S’entête. Toujours. S’impose au final. Élégant, racé, détaché, lisse en apparence, fortement secoué au tréfonds de son être par les coups du sort. Pour incarner ce personnage hors normes, Daniel Brühl. Exceptionnel. Un choix parfait pour une interprétation au scalpel, nuancée, précise, et qui jamais ne sombre dans le grotesque ni le ridicule, encore moins l’invraisemblable. L’acteur allemand propose une prestation d’une justesse sidérante.

Jacques de Bascher et Yves Saint Laurent

Et cela sert grandement la série, jusque dans l’évocation d’une vie privée qui demeure à ce jour une énigme. La relation avec Jacques de Bascher continue d’interpeler. Amour platonique ? Jeu de domination ? Becoming Karl Lagerfeld laisse sous-entendre que le couturier eut un regard ambigu sur ce protégé qu’il adore, qu’il pousse à évoluer, mais que dans l’ombre, il jalouse. Jacques de Bascher apparaît ici fragile et autodestructeur, déstabilisé par une passion qui demeure de l’ordre du sentiment. Théodore Pellerin prête sa grâce, sa nonchalance, sa finesse au personnage, crevant littéralement l’écran à chacune de ses scènes.

Idem pour Arnaud Valois, Yves Saint Laurent dépravé et explosif, qui poursuit Bascher de ses assiduités, qui envie la rigueur prolifique de Lagerfeld, ancien ami devenu rival. Alex Lutz plante un Pierre Bergé féroce, qui est prêt à tout pour protéger son génial amant et la maison de couture qu’ils ont créé ensemble. Tâche complexe menacée par un Lagerfeld qui doucement, mais sûrement déploie son génie, prend son envol, gagne en puissance et en visibilité.

Un monstre sacré en devenir

Sens du look et de la performance, mise en scène de son identité, Lagerfeld apparaît ici comme un monstre sacré en devenir, qui manipule le style et l’élégance comme les esprits et les attirances. Le travail de reconstitution des créations et des tenues, le souci apporté aux costumes, aux gestes, aux dialogues, la volonté de recréer l’atmosphère toute particulière des années 70/80 qui ont contribué à l’émergence de ce mythe, tout dans Becoming Karl Lagerfeld participe à en faire une série de qualité, juste dans sa vision d’une carrière, d’une époque, d’un milieu.

Et sans faire l’économie des sentiments. Car Lagerfeld eut aussi une vie affective, avec ses joies et ses chagrins : la perte de la mère, l’amour qu’on ne peut pleinement vivre. Tout cela est évoqué avec beaucoup de pudeur, y compris la soif absolue de reconnaissance, le besoin quasi organique d’imposer une conception du vêtement et de la mode qui allait se révéler visionnaire et durable, car ancrée dans le vivant.

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Gestes gracieux, œillades suggestives, l’éventail, longtemps fit partie du vestiaire féminin. Traversant l’Histoire et les continents, il apparaît dans les représentations picturales comme un accessoire incontournable, avant de se perdre, du moins dans notre société. Mais il fait peu à peu son come-back à la faveur du réchauffement climatique. Qu’en est-il de cet accessoire fascinant, de ses origines antiques à son utilisation contemporaine, en passant par sa fabrication artisanale, son rôle dans la haute couture et les grands fabricants actuels ? Et tant qu’à s’équiper, où trouver un éventail de qualité, en écho avec vos goûts, vos attentes ?

Diversité esthétique, usages multiples

L’éventail ? Des formes, des couleurs, des matériaux multiples pour des usages diversifiés : l’objet par sa variété d’aspect et d’usages est fascinant. Mais encore ?

• L’éventail pliant, ou à charnière, est sans doute le plus connu et le plus utilisé. Composé de lames en bois, en bambou ou en ivoire qui pivotent autour d’un point central, il se plie et se déplie aisément, dans un geste de la main d’une rare élégance. La feuille qui revêt ces lames peut être en papier, en soie, en dentelle, en plumes, unie ou ornée de peintures délicates, de motifs imprimés ou de broderies. Certains éventails sont même ornés de pierres précieuses et de perles. Très populaires en Europe depuis le XVIIe siècle, ils sont utilisés aussi bien pour se rafraîchir que pour accessoiriser des tenues élégantes.
• L’éventail rigide, plus robuste et plus simple d’aspect, peut être fabriqué en bois, en bambou ou en métal, comme les éventails japonais ou tessen. Moins décoratif que les éventails pliants, il peut néanmoins être peint ou gravé de motifs traditionnels. En Asie, il a souvent des usages cérémoniels ou martiaux.
• L’éventail en plumes est l’accessoire glamour par excellence. Composé de plumes naturelles ou teintes (comme des plumes d’autruche, de paon ou de faisan) fixées sur une monture souvent en bois ou en métal, il peut être orné de gemmes ou de rubans. Très prisé des spectacles de cabaret, c’est l’atout sophistiqué des effeuilleuses burlesques notamment.
• Moins glamour, l’éventail publicitaire intervient dans les campagnes marketing comme un outil de promotion inédit et surprenant. Souvent fabriqué en plastique ou en carton pour des coûts de production réduits, il est personnalisé avec des logos, des slogans et des images de marque, et conçu pour être distribué en grande quantité lors d’événements. Utilisé lors de concerts, de festivals, de foires commerciales et d’autres événements publics, il combine utilité et visibilité.

Tour du monde de l’éventail

Bref, l’éventail ne sert pas seulement à s’éventer. Pour preuve, ce petit tour du monde qui met en évidence les cultures qui ont adopté et décliné l’objet à leur manière.

• L’éventail espagnol, ou abanico, est un symbole de la culture ibérique, souvent associé à la danse flamenco. Fabriqué principalement en bois et en tissu, très coloré, souvent décoré de motifs floraux et de dentelle, il sert bien évidemment à se rafraîchir mais aussi comme un accessoire de danse, ajoutant du charme et du drame aux performances de flamenco.
• L’éventail chinois, ou shan, est l’un des plus anciens types d’éventails, riche en symbolisme et en histoire.Traditionnellement fabriqué en bambou et en papier de riz, souvent orné de calligraphie et de peintures de paysages, de scènes mythologiques, de poèmes ou de motifs naturels, il intervient durant les cérémonies, signe d’appartenance à la haute société, symbole de culture et de sagesse.
• Outre le tessen meurtrier, l‘éventail japonais, ou uchiwa, rigide et plat, est typiquement utilisé lors des festivals d’été. Fait de bambou et de papier washi, décoré de motifs traditionnels japonais comme les fleurs de cerisier, les poissons koi et les scènes de la vie quotidienne, il est célèbre pour sa légèreté et sa durabilité.
• Artisanal, l‘éventail africain est un élément culturel essentiel , à la fois utilitaire et décoratif. Souvent tissé à la main à partir de matériaux naturels comme les feuilles de palmier, le rotin, le cuir., il est orné de motifs géométriques ou symboliques, agrémenté de perles ou de coquillages, symbolise l’hospitalité et la convivialité.

Chaque type d’éventail a sa propre histoire et son utilité, du glamour des éventails en plumes aux pratiques éventails publicitaires, en passant par les riches éventails africains. Ces objets charmants et variés captivent par leur beauté, leur fonctionnalité et leur capacité à transcender les cultures… et les époques. Car l’aventure de l’éventail ne date pas d’hier.

Une aventure ancestrale

L’éventail possède en effet une histoire riche et complexe qui s’étend sur plusieurs millénaires et traverse les civilisations. De l’Antiquité à nos jours, il a évolué en termes de forme, de fonction et de signification culturelle, se réinventant au fil des âges.

Les origines

L’éventail est né dans l’Antiquité, il y a plus de 3 000 ans. On en détecte les premières traces tangibles en Égypte et en Chine.

• En Égypte, il symbolisait le pouvoir et le statut social. Fabriqué en plumes d’autruche montées sur des manches en ivoire ou en or, on en usait durant les cérémonies politiques et religieuses.
• En Chine, il apparaît dès le IIe siècle avant notre ère. Rigide et faits de feuilles de palmier, c’est un accessoire symbolique dans les rituels religieux.

Moyen Âge et Renaissance : cap sur l’Europe

L’éventail survient en Europe au Moyen Âge, probablement introduit par les échanges commerciaux avec l’Orient et les croisades. La Renaissance va le rendre célèbre , notamment en Italie et en France. L’Italie des Médicis en fait un symbole de raffinement et de sophistication. Les éventails d’alors sont souvent ornés de motifs artistiques, inspirés par les œuvres des grands maîtres de l’époque. En France, il gagne en popularité au XVIIe siècle, particulièrement sous le règne de Louis XIV. La cour du Roi-Soleil l’érige en accessoire de mode incontournable. Réalisé dans des matériaux précieux comme l’ivoire, la nacre et la soie, cet objet de luxe est rehaussé de peintures miniatures et de broderies délicates.

Époque moderne : l’éventail enter mode et communication

Aux XVIIIe et XIXe siècles, l’éventail continue d’évoluer, s’adaptant aux tendances de l’époque. Il devient un moyen de communication subtil et un accessoire de mode indispensable.

• Les éventails de conversation font leur apparition dans les cercles aristocratiques. Des « langages de l’éventail » complexes sont développés, permettant aux utilisateurs de transmettre des messages en utilisant des gestes spécifiques.
• Avec l’avènement de la Révolution industrielle, la production d’éventails se mécanise, d’où une diversité accrue et une plus grande accessibilité pour les classes moyennes : l’éventail devient un objet populaire.

XXe Siècle : l’éventail entre tradition et modernité

Le XXe siècle voit l’esthétique de l’éventail osciller entre ces deux tendances. Alors que les avancées technologiques introduisent de nouvelles façons de se rafraîchir, comme les ventilateurs électriques et la climatisation, l’objet conserve son charme et sa pertinence culturelle.

• Durant la période 1920-1930, l’éventail inspire les artistes du mouvement Art déco. Les designs deviennent plus géométriques et stylisés, des matériaux modernes comme le celluloïd et le plastique s’imposent.
• L’éventail fait également son apparition dans la culture populaire, notamment dans le cinéma et le théâtre. Des stars de cinéma comme Marilyn Monroe contribuent à populariser l’éventail comme accessoire glamour.

XXIe Siècle : L’éventail sur le devant de la scène

L’éventail connaît aujourd’hui une renaissance porté par des tendances écologiques et un renouveau de l’artisanat traditionnel. Exfiltré des salons royaux et des geishas, il a su se démocratiser et trouver sa place dans notre quotidien.

• Les grandes maisons de couture, telles que Chanel, Dior et Valentino, réintègrent l’éventail dans leurs collections, le réinventant avec des matériaux luxueux et des designs avant-gardistes.

• Les artisans perpétuent les techniques traditionnelles tout en innovant avec des designs modernes. Alors que les étés deviennent de plus en plus chauds, l’éventail réapparaît comme une solution simple et efficace, une alternative écologique aux dispositifs de climatisation : il ne consomme pas d’électricité, est léger, portable, silencieux. De plus, il incarne une élégance et une durabilité qui manquent cruellement à nos gadgets modernes. Dans un monde où chaque geste compte pour protéger notre planète, l’éventail offre une alternative charmante et respectueuse de l’environnement.
• L’éventail trouve une nouvelle popularité dans les festivals de musique et les événements en plein air, devenant un accessoire à la fois pratique et tendance.

Pour en savoir plus, nous vous conseillons de faire un petit tour au musée de l’Eventail à Paris. Tenu par l’association « Les Amis du Musée de l’evential Hervé HOGUET », l’endroit regorge de trésors, de pièces uniques, d’éventails bijoux.

Fabriquer un éventail aujourd’hui : tradition artisanale et grandes maisons

La création d’un éventail de qualité comprend plusieurs étapes clés :

• La sélection des matériaux : bois de santal, bambou, soie, papier… les matériaux sont choisis pour leur qualité et leur beauté.
• La découpe et l’assemblage des lames : ces dernières, qui forment la structure de l’éventail, sont découpées et poncées à la main pour garantir leur finesse et leur solidité.
• La fixation de la feuille : Souvent décorée à la main, la feuille est fixée aux lames. C’est ici que l’éventail prend vie, chaque pli ajoutant à sa beauté et à sa fonctionnalité.
• Finitions et personnalisation : Les détails font toute la différence. Broderies, peintures, perles, pampilles et autres ornements sont ajoutés pour créer des pièces uniques et élégantes. Certains modèles sont présentés dans des écrins ou des pochettes de protection. On peut y ajouter une chaîne afin de le suspendre à son cou.

Bref, la fabrication d’un éventail ne s’improvise pas. Il convient donc d’investir dans un produit qualitatif façonné par un artisan spécialisé. On peut bien sûr se tourner vers un site de ecommerce spécialisé comme L’Eventail rouge ou Eventail-boutique.com. Mais il faut savoir qu’il existe encore de très grandes maisons expertes dans la création d’éventails depuis des décenies ; ces dernières perpétuent la tradition tout en innovant avec des designs modernes.

Citons quelques grands noms du secteur :

• Duvelleroy : Fondée en 1827 à Paris, cette maison est l’une des plus anciennes et des plus prestigieuses. Duvelleroy collabore avec des artistes contemporains pour créer des éventails uniques, de véritables pièces de collection, agrémentées de pampilles, présentées dans des boites comme des objets précieux.
• Casa de Diego : Installée à Madrid, cette entreprise familiale fabrique des éventails artisanaux depuis 1823, alliant savoir-faire traditionnel et modernité.
• Vera Pilo : cet atelier lyonnais créé en 2003 est spécialisé dans la fabrication d’éventails depuis les modèles les plus élégants jusqu’aux spécimen les plus extravagants. Formes, couleurs, motifs, difficile de ne pas y trouver son bonheur et des modèles d’une très grande qualité !
• Revolvair éventails : installé à Saint-Paul de Vence, cet atelier provençal propose une impressionnante gamme de modèles réalisés à la main, et qui vous séduiront tant au niveau des formes que des tissus, des motifs, des couleurs. Impossible de ne pas y trouver son bonheur, sachant qu’en plus, chaque saison révèle de nouvelles créations.
• Nani Makani : cette formule hawaïenne désigne « le beau vent ». Une jolie tournure pour désigner des éventails pliants au design ovale original, aux ornements variés et fantaisistes. La marque Nani Makani, dans un souci d’exigence et de qualité, fait fabriquer ses modèles en Allemagne.

Et puis il y a les artistes. Héritiers de Fragonard ou Manet, des créateurs contemporains se sont emparés de l’éventail comme support de leur imagination.

• Olivier Bernoux : ce designer a su s’imposer comme une véritable référence en matière d’éventails ; du reste il collabore avec les maisons de haute couture les plus célèbres, initiant des modèles raffinés et inédits pour des stars comme Rossy de Palma (sa Muse), Madonna .
• Valérie B Cartier : cette dessinatrice textile de talent, collagiste experte par ailleurs, crée des éventails rigides d’inspiration exotique qu’elle décline comme de véritables mosaïques. Elle y mêle motifs géométriques, calligraphies, photographies d’un autre âge, chromos et étoffes dans une conjugaison charmante où dialoguent les inspirations.
• Susana Salvo : cette peintre espagnole orne des éventails aux formes variées comme autant de fresques où le floral échange avec les figures sacrées, le visages des stars, la figure de proches. L’éventail devient ainsi un objet personnalisé au possible, souvenir d’un être aimé ou ex-voto sacré.
• Mathilde Lecrouerour : ses éventails mettent en valeur les tissus et les papiers de soie qu’elle teint elle-même dans des tonalités indigo du plus bel effet. Motifs végétaux ou animaux, ombres et jeux de lumière, l’éventail devient un support de son univers au même titre qu’une toile ou une photographie.

C’est un tour de piste pour le moins rapide et incomplet que nous vous avons proposé dans ces lignes. Il y aurait encore beaucoup à dire sur ce vaste sujet. mais vous avez ici des grandes lignes qui vous permettront de vous orienter vers l’éventail le plus adapté à vos besoins. Et qui sait, allez-vous vous prendre d’amour pour cet accessoire si charmant, et débuter une collection ?

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Le titre est un peu simpliste, je vous l’accorde, mais il exprime parfaitement mon ressenti post visionnage. Pour tout dire, la série The New Look diffusée par Apple TV+ s’impose comme une ode à l’inventeur de la femme fleur, Dior, grand enchanteur de la mode française post Occupation, résurrectionniste de la haute couture parisienne moribonde après quatre années de vampirisme nazi. Avec, en parallèle, un regard assez juste sur l’industrie du textile et ses déboires durant la Seconde Guerre mondiale.

Une consécration précédée de déboires

En dix épisodes taillés dans la masse, Todd A. Kessler (à qui l’on doit par ailleurs les sagas Bloodline et Damages) revient sur l’avènement du New Look de Dior, intronisé en 1947 par la papesse de la mode et très respectée/redoutée rédactrice en chef du Harper’s Bazaar Carmel Snow (Glenn Close). Une consécration précédée de bien des déboires. Car l’ascension de Christian Dior ( Ben Mendelsohn) prend racine dans les décombres d’un Paris sous domination nazie, où le tissu manque autant que les clientes, où pour survivre, il faut créer pour les épouses des dignitaires allemands, une sorte de collaboration stylistique qui ne plaît pas à tout le monde.

Dans ce climat de disette et de terreur, la sœur de Christian, Catherine (Maisie Williams), est arrêtée, torturée, déportée en camp de concentration pour faits de résistance. Christian fait des pieds et des mains afin de faire libérer cette sœur qu’il adore et qui lui servira de muse. Il ira jusqu’à supplier Coco Chanel (Juliette Binoche) dont les amours avec Spatz, un espion nazi (Claes Bang) sont notoires. Cette dernière lui refusera son soutien, préférant s’acoquiner avec l’ennemi pour récupérer la propriété du N°5, son célébrissime parfum, que ses associés juifs continuent d’exploiter sans son consentement, prétend-elle. Chanel, c’est le visage sombre de ces années.

Coller à la réalité de l’époque

Face à un Dior introverti et droit, l’initiatrice de la petite robe noire apparaît comme une femme sans empathie, manipulatrice, trompeuse, terrorisée à l’idée de tout perdre. Si, au fil de cette histoire, on coud bien peu, on se trahit beaucoup. L’époque est dangereuse, féroce, elle autorise tout. L’image de Mademoiselle Chanel, magnifiquement interprétée par Juliette Binoche, en sort très écornée. A raison, comme en témoignent ses biographies. Celle de Dior, au contraire, apparaît nimbée de fragilité et de tendresse, d’humanité. Et d’une vision totalement novatrice de la mode.

Vision novatrice encouragée par le couturier Lucien Lelong (John Malkovich), en charge de la chambre syndicale de la couture parisienne, et qu’on voit tenter de préserver ce qui reste du secteur face à l’avidité des occupants. Tout ceci est vrai, il suffit de parcourir le livre La mode sous l’Occupation de Dominique Veillon pour voir à quel point la série recroise la réalité de l’époque. Balmain, Cardin, Balenciaga… chaque incursion donne à voir le quotidien des ateliers dans ces temps troublés, faisant par ailleurs ressortir la singularité d’un Dior pétri de doutes, mais cherchant à s’affirmer.

Marketing élégant vs vertige d’émotion

Avec l’aide de la maison de haute couture, bien sûr, qui a ouvert ses archives aux costumiers de la série, collaborant ardemment à l’élaboration des tenues présentées. Avec à la clé une exposition dédiée proposée par la galerie Dior pour découvrir les merveilles de ce fameux New Look qui ne se résume pas seulement au tailleur Bar (un épisode relate sa gestation, soulignant ainsi une réflexion quasi philosophique sur le combat entre la lumière et les ténèbres, le Bien et le Mal). Une récupération un peu plus élégante et raffinée que le marketing sans nuances d’Emily in Paris ?

Il est évident que la griffe de luxe tire avantage de pareille saga, imposant son caractère historique, son appartenance au patrimoine français. Mais avec l’abattage qu’on lui connaît, Todd A. Kessler évite ce piège en une scène : la séquence sidérante du retour des déportés. Un moment absolument poignant, un véritable coup de poing cinématographique, un vertige d’émotion et d’horreur, la prise de conscience soudaine et irréversible des atrocités commises dont de rares rescapés témoignent, fantômes silencieux et hagards, à peine capables de tenir debout, face à la foule des proches venus les accueillir au son de la Marseillaise.

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Je ne vous ferai pas l’insulte de vous présenter les petits personnages Playmobil dans la mesure où pratiquement tous, enfants, nous avons eu la joie de jouer avec. Noël, anniversaires, c’était le cadeau idéal et plébiscité. Un véritable phénomène de mode devenu iconique au point d’envahir les salles de vente et les expositions. Et de devenir une source d’inspiration pour certains créateurs, par exemple Mademoiselle Louise et les enfants terribles.

Le Playmobil en majesté

Artiste revendiquée, Mademoiselle Louise a commencé comme tout le monde par laisser sa fibre créative s’exprimer dans la sphère familiale. Au centre de son univers, le Playmobil en majesté qu’elle met en scène dans des tableaux inspirés par la pop culture, d’où une galerie particulièrement fournie et bigarrée de scénographies charmantes où Chanel dialogue avec Karl Lagerfeld, Elisabeth II fait de l’oeil aux Daft Punk, Coluche s’amuse avec le petit Prince.

Pour tous les goûts

Stars du cinéma, du rock, du sport ou de la haute couture, personnages de la littérature et de la BD, films célèbres, superhéros, personnages historiques, il y en a pour tous les goûts, toutes les tendances, toutes les fantaisies (on trouve même des licornes qui se glissent dans certaines compositions acidulées). Et toujours en mode Playmobil, jouets chinés avec rigueur, patience et un amour inconditionnel de l’objet dans ce qu’il représente de souvenirs, d’émotions, de nostalgie.

Des compositions sur mesure

« Pour ne rien oublier du bonheur » : le crédo de Mademoiselle Louise est limpide. Si ses saynètes peuvent égayer la chambre des tout petits, elles peuvent aussi réveiller cet enfant terrible qui sommeille en chacun de nous. C’est d’ailleurs dans cet esprit qu’elle propose de créer des compositions sur mesure, selon un process détaillé sur son site. De quoi faire frémir de joie les passionnés et les collectionneurs mais aussi ceux qui veulent retrouver un peu de fantaisie et de légèreté.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur l’univers et les créations de Mademoiselle Louise et les enfants terribles, consultez le site web de l’artiste ainsi que sa page Instagram.

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« La clarté, c’est une juste répartition d’ombre et de lumière » disait un certain Goethe. Deux siècles plus tard, du côté de Brooklyn, une jeune créatrice semble donner vie aux paroles du poète allemand pour déployer un univers de lumières et d’ombres ciselées comme de précieuses architectures : car pour sûr les lampes d’Ace of Shades se déclinent comme des œuvres d’art.

Silhouettes gracieuses et fantasques

Sur des pieds en bronze taillés d’arabesques et de pétales, les abat-jour d’Ace of Shades s’épanouissent comme des corolles magnifiques, s’animent la nuit venue quand la lumière s’allume pour combattre les ténèbres. Lampes bijoux conçues comme des robes haute couture, les ensembles imaginés par Ivy sont une ode à la Belle Époque comme aux Années Folles. Ces luminaires auraient parfaitement leur place dans un épisode de The Gilded Age ou de Downtown Abbey, une séquence de Ragtime, Le temps de l’innocence, Cabaret.

Des références qu’Ivy, costumière/décoratrice de théâtre de formation, a forcément en tête quand elle se met à l’ouvrage avec patience et concentration. Silhouettes gracieuses et fantasques aux formes incroyables et opulentes, ses lampes subliment l’éclairage d’une pièce, en transforment les contours, les volumes. Le jeu des superpositions et des transparences, le dialogue des plissés et des motifs, les accords entre couleurs et matières, tout participe d’un effet vitrail hypnotique inspiré par les lanternes magiques du XVIIIᵉ siècle.

Un goût très sûr

Tout est réalisé à la main : Ivy détaille sa méthode de travail au fil des vidéos qu’elle publie sur Tiktok et Instagram. Cette vocation pour le luminaire lui est venue durant le confinement en 2020. Depuis, elle ne cesse de créer, harmonisant à l’envi soieries et velours, mousseline et passementeries, franges de perles et pompons. Le soin qu’elle porte aux plissés de mousseline, la manière dont elle appose les galons aux entrelacs alambiqués sur les carcasses d’abat-jour revêtues de rubans, chacun de ses gestes fascine par sa douce détermination, sa confiance, son goût très sûr.

Sous ses doigts naissent de véritables symphonies de couleurs aux allures de Chapeau cloche ou des capeline, ors et paillettes qu’on a hâte de caresser et d’entendre. On imagine en effet le doux froufrou des étoffes à chaque toucher, le tintement cristallin des perles comme un murmure. Ces lampes rendent hommage aux grands de la couture : Paul Poiret, Fortuny, Worth, Jeanne Lanvin… Elles sont aussi une manière de rappeler qu’un élément décoratif n’est pas simplement là pour être fonctionnel. Sa vocation est aussi de faire rêver. Et cela, Ace of Shades sait le faire remarquablement.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur l’univers créatif de Ace of Shades, consultez le site web de la marque ainsi que son compte Instagram.

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2 décembre 1923 : dans une chambre du Flower Hospital de New-York, un cri retentit. Une petite fille vient de naître, elle s’appelle Sophie Cecilia Kalos. De cette première vocalise, on ne sait rien ou presque, sinon qu’il était le prélude à une carrière d’anthologie, le parcours d’une cantatrice unique en son genre, parfaite quintessence de la diva. Maria Callas s’imposera à la planète entière comme une chanteuse d’opéra hors pair doublée d’une tragédienne d’envergure. Aujourd’hui, encore, c’est un véritable mythe qui mérite d’être exploré sous plusieurs angles.

Divin Assoluta : une légende

Cantatrice donc, à succès, adorée, conspuée ; mais aussi femme, aimée, bafouée. Une très belle femme du reste, que les hommes courtiseront, mais dont un seul volera le cœur. Onassis l’amant fougueux, Onassis qui la trahira de la plus sordide des manières, Onassis à qui elle ne survivra pas. Quand elle s’éteint le 16 septembre 1976, terrassée par une crise cardiaque, la Callas est seule et a tout perdu : sa voix s’est tarie, sa carrière est en ruines, son grand amour est mort. Mais sa légende est là. Que s’est-il passé durant ces 53 années de vie qui a permis d’enraciner si profondément ce mythe moderne ? En quoi aujourd’hui encore, Callas demeure LA Divina Assoluta ?

Pour tenter de répondre à cette épineuse question, peut-on se contenter de visionner un documentaire, de parcourir une biographie ? Non. Le phénomène est tellement complexe qu’il continue d’enflammer les esprits, d’alimenter les rumeurs. Capricieuse et indomptable tigresse, bourreau de travail, élégante et mondaine, femme amoureuse, l’incontournable interprète de la Tosca, un de ses rôles fétiches avec Norma et Traviata, continue de susciter les passions. Son parcours mérite d’être abordé de diverses manières qui se superposent, s’entrelacent :

• la gamine malheureuse, tyrannisée par une mère exigeante, qui y voyait une poule aux œufs d’or ;
• l’artiste surexploitée par un star system cannibale, qui ne lui laissa guère de temps pour souffler, la pressa comme un citron au risque d’y laisser sa voix, sa santé physique et mentale ;
• l’amante éprise et abandonnée, sacrifiée sur l’autel de la réussite sociale d’un amant particulièrement mufle ;
• l’amie et la collaboratrice des plus grands, Visconti, Cocteau, Pasolini ;
• l’icône de mode, mince, élancée, couverte de bijoux, de fourrures, de robes de haute couture
• la femme anonyme, désireuse d’évoluer en toute discrétion dans Paris, sa ville de cœur, où elle se retira au soir de sa fulgurante carrière.

Maria Callas en biographies

Ces différentes trajectoires, il faut les rechercher dans ses biographies (dont nous ne citons ici que quelques-uns des exemples les plus parlants, l’ensemble étant vraiment trop conséquent pour tenir dans ce paragraphe) :

• La Callas de l’Enfer à l’Olympe est une approche très complète de 50 pages, illustrée et très finement détaillée par un Martin Monestier qui cherche à explorer le contexte dans lequel évolue la diva, les convoitises qu’elle a suscitées ainsi que les répulsions, dans son univers professionnel comme dans sa vie personnelle.
• La véritable Maria Callas (2007) de Bertrand Meyer-Stabley évoque ce parcours d’exception en insistant sur le côté artistique, l’apport de Callas à l’art du bel canto, la manière dont elle a su remettre au goût du jour un répertoire oublié.
• Maria Callas de René de Ceccatty (2009) échappe aux nombreuses rumeurs entourant la vie de Callas pour se fonder sur les faits, les documents historiques, apportant ainsi une vision chronologique très resserrée et fiable, concrète.
• Dans Maria Callas, l’ultime tournée (2017), Robert Sutherland, le pianiste qui accompagne la diva lors de son grand retour sur scène en 1973, raconte ses souvenirs, donnant à voir les deux visages de Callas, la femme et la chanteuse, au travers d’une relation professionnelle qui va devenir une histoire d’amitié.
• Dans la peau de Maria Callas se présente comme un journal intime imaginaire où l’auteur Alain Druault laisse la diva raconter, se souvenir, évoquer ses succès, ses chagrins, le tout sur les deux dernières semaines de sa vie. Des paroles émouvantes, une sorte de testament artistique qui laisse entrevoir la Callas vulnérable, humaine derrière le monstre sacré.
• Paru en 2023, Maria Callas et la voix du cœur de Michelle Marly revient sur l’histoire d’amour avec Onassis, comment ces deux titans se sont rencontrés, aimés, comment il l’a quittée, la douleur qu’elle a ressentie, le devenir de cette relation qui jamais ne cessa malgré la colère, la honte, le chagrin.

Maria Callas en documentaires

Les livres, c’est bien, surtout pour fouiller les dessous, les tenants et les aboutissants de cette carrière unique en son genre. Mais c’est se priver de voir et d’entendre la Callas, or comment comprendre cette artiste de légende sans saisir son incroyable voix, sa manière de chanter, sa prestance sur scène ? C’est là qu’interviennent les documentaires, et là aussi, on n’en manque guère.

• Réalisé par Tom Wolf en 2017, Maria by Callas retrace le parcours de la cantatrice au travers d’images d’archives particulièrement précieuses, interviews, concerts, spectacles ou films amateurs. La voix de Fanny Ardant se superpose à ce récit prenant, pour lire des extraits de la correspondance de la chanteuse. Le tout insiste sur le destin d’une femme adulée et fracassée.
• Maria Callas chante Tosca : 1964, Londres, opéra de Covent Garden ; devant un parterre de célébrités, la Callas interprète Tosca de Puccini mis en scène par Zeffirelli. Elle y est grandiose. C’est un des moments phares de sa carrière ainsi qu’une date historique dans l’histoire de l’art lyrique. Car en ces instants uniques, Callas EST Tosca. À croire que le rôle a été créé pour elle. Seul le second acte de cette représentation d’anthologie a été filmé, ce sont ces instants rares que le documentaire donne à savourer, avec un ensemble de gros plans qui dévoile l’incroyable talent de cette tragédienne.
• Maria Callas chante Tosca – Le documentaire : en quarante minutes, le réalisateur Holger Preusse donne à voir l’importance cruciale de la représentation citée plus haut ; d’interviews en témoignages, les plus grands critiques, les historiens de l’art lyrique exposent le contexte, les enjeux, la particularité de ce spectacle qui consacrera Callas comme un monstre sacré moderne.
• Avec Les grands rivaux en musique – Callas vs Tebaldi, on change de registre. Exit le côté glamour et tragique ; on se concentre sur une concurrence qui a tout de la joute. En leur temps, les deux cantatrices occupèrent le devant de la scène, se disputant l’attention des médias, du public et des professionnels de l’art lyrique. Charismatiques, adulées, interprétant le même type de répertoire, elles n’eurent pas le même parcours, gérèrent leur carrière différemment. Comparer leur évolution est parlant à plus d’un titre, et sur leurs personnalités et sur leurs visions de leur métier, c’est aussi l’occasion de mesurer à quel point ces chanteuses étaient célèbres à l’international, à l’égal des plus grandes stars du cinéma et du rock.

Maria Callas en podcast

Et les podcast me direz-vous ? On n’en manque guère non plus qui détaillent par le menu et sous différents angles la carrière de la Callas.

• Il suffit de consulter la page consacrée par Radio France aux différents programmes pour rester sans voix devant l’abondance d’approches et de problématiques. Décorticage de son évolution, analyse de ses plus grands rôle, zoom sur les compositeurs qu’elle a joués, témoignages sur sa façon d’envisager le chant, c’est presque comme si elle était encore là, avec nous, partageant son savoir, ses ressentis, sa conception de l’opéra et du chant. Une véritable masterclass à l’image de celle accomplie en octobre 1971 à Juilliard, dont Terrence McNally a du reste fait une pièce.
• Vous pouvez aussi miser sur une approche plus succinte, Maria Callas, la force d’un destin par Hélène Van Loo qui évoque en cinq chapitres les facettes essentielles de cette carrière artistique voué au sublime.

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Delphine NEIMON – Rédatrice en chef

Fondatrice, directrice, rédactrice en chef et rédactrice sur le webmagazine The ARTchemists, Delphine Neimon est par ailleurs rédactrice professionnelle, consultante et formatrice en communication. Son dada : créer des blogs professionnels.
Sur The ARTchemists, outre l’administratif et la gestion du quotidien, elle s’occupe de politique, de société, de théâtre.

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Dauphine de CAMBRE – Chroniqueuse

Grande amatrice de haute couture, de design, de décoration, Dauphine de Cambre est notre fashionista attitrée, notre experte en lifestyle, beaux objets, gastronomie. Elle aime chasser les tendances, détecter les jeunes créateurs. Elle ne jure que par JPG, Dior et Léonard.

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Padmé PURPLE – Chroniqueuse

Padmé Purple est LA rédactrice spécialisée musique et subcultures du webmagazine The ARTchemists. Punk revendiquée, elle s’occupe des playlists, du repérage des artistes, des festivals, des concerts. C’est aussi la première à monter au créneau quand il s’agit de gueuler !

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Arthur GETENET-RISACHER – Chroniqueur

À seulement 25 ans, Arthur Getenet Risacher incarne une nouvelle génération de coachs en sport santé : passionné, dynamique et ancré dans son époque. Diplômé en sciences du sport et fort d’une expérience variée dans le coaching individuel et collectif, il ne se contente pas de promouvoir l’activité physique – il cherche à la connecter à des dimensions plus vastes, comme la culture et l’art de vivre.

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Benjamin GETENET – Chroniqueur

Quand il n’est pas en train de s’occuper de ses patients (il est psychologue dans le civil) ou de rédiger sur son blog professionnel, Benjamin Getenet s’occupe des domaines scientifique et psychologique dans les rubriques de The ARTchemists. Normal, c’est un geek, passionné d’ordinateur, de mécanique, de tout ce qui fait « bip », « vroum » et autres cliquetis.

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Dieter LOQUEN – Chroniqueur

Natif de Zurich, Dieter Loquen a pris racine à Paris il y a maintenant 20 ans. On le rencontre à proximité des théâtres et des musées. De la capitale, mais pas seulement. Il aime particulièrement l’émergence artistique. Et n’a rien contre les projets à haut potentiel queerness.

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Cédric CHAORY – Chroniqueur

Attaché de presse de son état, Cédric Chaory est un fin connaisseur de l’industrie du spectacle, par ailleurs danseur et passionné de théâtre. Quand il ne nous parle pas de chorégraphie, il chronique des expositions ou des livres qu’il a aimés.

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Elle est blonde platine, démesurément grande, bronzée à la perfection et envahit les chambres des petites filles du monde entier depuis cinq décennies et les écrans des cinémas depuis quelques jours. Barbie, malgré les ans, n’a rien perdu de sa prestance, bien au contraire. La célèbre poupée se porte même formidablement bien, ignorant les rides et le passage du temps pour s’inscrire toujours plus profondément dans l’actualité de nos sociétés modernes. C’est dans ce sens qu‘allait l’exposition hommage orchestrée par le Musée des Arts décoratifs en 2016, ainqi que le catalogue qui en conserve la mémoire, un catalogue qui met remarquablement en exergue cette formidable success story et bien davantage.

Une figure de proue de la femme contemporaine

Car Barbie est bien plus qu’un simple jouet : le fabricant Mattel en a fait une figure de proue de la femme contemporaine, à la pointe de la mode et de l’émancipation. Première poupée adulte placée entre les mains des enfants, elle est dotée d’une plastique de femme séductrice, au point de gêner initialement certains marchés qui en refusent l’exploitation. Bien mal leur en prend, car le public, lui, adore. Bonne copine, maman accomplie, élégante raffinée, sportive accomplie, femme d’entreprise émérite, Barbie va progressivement endosser toutes les fonctions de la femme du XXᵉ siècle au rythme de libertés conquises de haute lutte.

Quitte du reste à en refléter les contradictions et enfermer ses jeunes utilisatrices dans des schémas de vie difficiles à accomplir, car oxymoriques pour ne pas dire schizophréniques. Qu’à cela ne tienne : Barbie devient une muse, pour les créateurs, les grands couturiers, les artistes. Occidentale, africaine, eurasienne, ronde, handicapée, sirène, princesse, chanteuse, footballeuse, secrétaire, dentiste… elle sert de miroir aux femmes du monde entier, cette aventurière des temps modernes, sans jamais se départir d’une féminité soulignée à grands traits de khôl.

Les dessous d’une entreprise en constante évolution

Les différentes salles de l’exposition commissionnée par Anne Monier, conservatrice du département des jouets, retraçaient ce conte de fée, éclairant par ailleurs les dessous d’une entreprise en constante évolution : origines du projet, apparition de la première Barbie, étapes du succès, fabrication d’une Barbie, relation aux marques de prestige, liens avec le monde du cinéma, … rien n’a été laissé au hasard, dans cette farandole composée de quelque 700 modèles, assortis de documents issus des archives de Mattel.

La scénographie imaginée par Nathalie Crinière traçait un parcours d’exposition ludique, mais où le concret apparaissait judicieusement de bout en bout. Le message s’adaptait aussi bien aux enfants qu’à leurs parents, jusqu’à cette salle ultime où des milliers de tenues classées par nuances de couleurs donnaient une vertigineuse perception de l’ampleur du phénomène au travers des époques. Le catalogue prolonge cet effet en donnant à voir et à raconter cette fabuleuse aventure.

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