Dans sa chronique sur la série M.L’enfant du siècle, Padme Purple évoque : « Animal politique à sang très chaud, Mussolini nous parle dès la première séquence pour raconter sa progression de l’intérieur. Institués confidents malgré nous, nous l’observons conquérir le pouvoir avec autant d’horreur que de fascination. L’Italie, il va la soumettre comme d’autres violent une femme. » Elle oublie de préciser que pour celles qui résistent, c’est la mort. A petit feu. Dixit le destin d’Ida Dalser, raconté dans le très magnifique et déchirant Vincere.

S’offrir corps et âme

Ida Dalser ? Une des maîtresses de Mussolini avant qu’il ne devienne le Duce. Issue de la bourgeoisie, éduquée, fondatrice d’un salon de beauté dans une Italie peinant à sortir de sa misère. Ida a tout pour elle, excepté ce Benito dont elle tombe éperdument amoureuse, à qui elle s’offre corps et âme au point de tout vendre pour l’aider à lancer son journal Il Popolo d’Italia, futur porte-voix médiatique du fascisme.

Nous sommes en novembre 1914, Benito part au front laissant Ida enceinte … Ida qui prétend qu’ils sont mariés religieusement … Ida qui comprend qu’il y a une autre femme, une épouse officielle, civile, maman d’une petite fille quand elle donne naissance à un garçon. Ida que Benito expulse de sa vie brutalement, sans explication, sans excuse, l’insulte à la bouche.

Un tombeau de silence

Cet enfant, Mussolini jamais ne reconnaîtra, dénonçant par ailleurs ce mariage religieux, criant haut et fort qu’il n’a jamais eu lieu, qu’Ida est une affabulatrice, une folle. Et Ida de le poursuivre, se présentant partout comme l’épouse légitime d’un Mussolini en passe de devenir ministre. Cela fait désordre. La belle est arrêtée, placée à l’asile, son fils enfermé dans une institution religieuse. Un tombeau de silence se referment sur eux, dont ils ne sortiront jamais que par la mort.

C’est cette histoire terrifiante que Marco Bellochio raconte avec la retenue, la pudeur et l’intensité qu’on lui connaît. Le Traître, Esterno notte, nous l’avons déjà vu à l’oeuvre. Le réalisateur italien a un don particulier pour raconter l’histoire de son pays à travers le parcours de personnages atypiques, qu’il s’agisse du repenti Tommaso Buscetta ou du politicien Aldo Moro. Gommés des mémoires, Ida et son fils retrouvent ici leurs places légitimes, illustrant au passage comment le fascisme écrase les êtres.

Une femme sur sa route

Magnifiquement interprétée par une Giovanna Mezzogiorno tout en force et en conviction, Ida symbolise une Italie trompée, manipulée, mise en cage et bâillonnée quand elle commence à revendiquer ses droits. Dans cette histoire, Mussolini (impeccable, terrible Filippo Timi)apparaît comme le menteur grossier et brutal qu’il était, incapable de prendre ses responsabilités, ne supportant pas qu’une femme lui barre la route, usant des pires recours pour se débarrasser de cette importune.

Dans l’Italie fasciste, les femmes se taisent ; elles sont là pour faire des enfants et le ménage, en témoigne cette merveille de film qu’est Une Journée particulière d’Ettore Scola. Vincere le rappelle : gagner face à Mussolini et ses sbires est-il seulement possible ? La résistance constante d’Ida, sûre de son bon droit, ne pliant devant aucune menace, aucune brimade, a tout de celle d’une Antigone. Là où elle pourrait se protéger ainsi que son enfant, elle préfère, malgré les avertissements et les conseils, rester droite dans son discours et sa légitimité. Elle y restera, entraînant son fils dans sa chute.

Avec Vincere, Bellochio confronte passion aveugle et charisme manipulateur. Le pouvoir patriarcal y est fermement dénoncé. Dans son obsession amoureuse, Ida symbolise une Italie qui s’oublie dans les bras d’un dictateur narcissique et manipulateur, quitte à y fracasser son destin. Le propos est fort et d’une actualité effrayante.

Cet article Vincere : du sacrifice d’Ida Dasler et de son enfant est apparu en premier sur The ARTchemists.

C’est une des belles choses que nous a laissées la pandémie : conçu en 2020 pour compenser la fermeture des théâtres de France et de Navarre, Le théâtre à la table continue d’éditer avec une régularité de métronome ses vidéos sur le compte Youtube de la Comédie-Française qui en est l’initiatrice. preuve que malgré son grand âge, la maison de Molière sait rester dans le vent, s’emparant de l’outil numérique avec grâce et sans brader sa créativité.

Minimalisme et ferveur

Le théâtre à table donc : soit cinq jours de préparation pour orchestrer la mise en voix d’un grand texte du répertoire dramatique par certains acteurs de la Comédie-Française. Initiée en pleine pandémie pour continuer à charmer son audience privée de représentations et faire culturellement front face à l’adversité, cette formule avait aussi pour but de faire découvrir l’écriture dramaturgique au commun des mortels via le prisme du Net.

Pas de décors, pas de costumes, pas de maquillage ni de perruques. Une table, des sièges, des textes, des surligneurs, des caméras. Minimalisme. Epure. Et des acteurs au quotidien que nous voyons s’emparer de l’intrigue, des répliques, lisant chaque ligne avec une profondeur incroyable, une ferveur d’autant plus perceptible que les gros plans sont légion durant ces captations d’une très grande qualité. Aucune mise en scène donc, juste la parole écrite d’un auteur, lue, scandée par un comédien qui se glisse dans son personnage avec une aisance qui ne doit pas gommer la difficulté du défi.

Processus alchimique

Les Fausses confidences de Marivaux, Gargantua de Rabelais, Tartuffe de Molière, La Mouette de Tchekhov, Le Soulier de satin de Claudel, les oeuvres s’enchaînent , mettant en évidence la jubilation d’interprètes chevronnés qui s’amusent ensemble, quitte à jongler avec des émotions d’une rare puissance. On se souviendra longtemps de l’accès de rage qui saisit Arnolphe/Thierry Ancisse face à une Agnès/Adeline d’Hermy aussi frêle qu’impassible, plus Antigone qu’Agnès du reste dans sa tranquille détermination. Et que dire de l’éclat qui illumine les yeux de Danielle Lebrun tandis qu’elle scrute Laurent Lafitte prononçant les répliques de Louis dans Juste la fin du monde de Lagarce ?

Faire jaillir la beauté du texte, laisser le champ libre au verbe est savoureux : c’est la première étincelle de l’acte théâtral que nous découvrons ici, un processus alchimique qui repose sur une complicité, un partage, une émulation qu’on ne peut saisir une fois le spectacle sur scène. Le Théâtre à table nous donne l’occasion rarissime d’observer la magie de cette possession qui saisit chaque comédien quand il s’ouvre initialement à son rôle. la chose est d’autant plus touchante qu’elle se révèle à tous comme un partage, une émancipation intellectuelle.

Et plus si affinités

Pour découvrir les différentes éditions du Théâtre à table, consultez la chaîne Youtube de la Comédie-Française.

Cet article Le théâtre à la table : saveur du texte dramatique, goût de la mise en voix est apparu en premier sur The ARTchemists.

Juillet 2022 : un collectif de compagnies réunionnaises pose ses valises au OFF d’Avignon, bien décidé à montrer aux métros de quel art les artistes péi se chauffent. Parmi eux, Daniel Léocadie. En cette rentrée 2023, ce dernier présente sa pièce Kisa Mi Lé à Paris, Lyon et Grenoble. Il nous en dit plus sur ce seul en scène.

« Fonnkèr théâtral »

Kisa Mi Lé veut dire en créole « qui suis-je ». Titre adéquat pour introduire cette interview et vous présenter ?

Je suis Daniel Léocadie, j’ai 37 ans ce 30 octobre, je suis réunionnais. Je suis comédien et j’ai écrit et mis en scène Kisa Mi Lé.

« Fonnkèr théâtral » : voilà comment vous décrivez votre pièce où la langue se met en mouvement pour dire le nécessaire et l’urgent. La pièce a été créée en 2017, le nécessaire et l’urgence sont-ils toujours intacts ?

Oui et je suis tenté de rajouter : malheureusement. J’ai pu penser à un moment que ce texte n’était plus nécessaire, que la question était réglée, que le public, la population était passée à autre chose. Mais non. Force est de constater que la question identitaire par le prisme des langues reste encore très présente dans le paysage réunionnais.

Kisa Mi Lé questionne la double culture et le fait de parler (ou pas) créole en son péi. Aujourd’hui, comment se porte la langue créole à La Réunion ?

La langue créole se porte bien puisqu’on estime que 80 % de la population la parle. C’est plutôt l’image qu’on en a qui est dégradée. Elle est limitée, presque séquestrée dans la case intimité, émotionnelle et triviale. Elle est rarement liée au domaine philosophique, analytique, scientifique, ou simplement professionnel. En revanche, dans le domaine poétique, elle prend de l’ampleur, et si au commencement était le verbe, alors peut-être que le changement viendra de la poésie.

Une façon de voir le monde

C’est un défi de proposer un seul-en-scène déclamé à la fois en créole réunionnais et en français, notamment sur l’Hexagone. Quel est le retour du public ?

Le véritable défi est d’obtenir la confiance de programmateurs sans forcément passer par un focus créole. Mais ce chemin-là est aussi nécessaire et je ne peux être que reconnaissant envers les festivals tels Le Mois Kreyol et Sens interdits qui nous donnent tribune. Le retour du public est bon, puisque le spectacle a été créé dans l’Hexagone. Ses premières représentations ont eu lieu à Lyon, puis Paris. Le public a toujours tout compris, puisque c’est fait pour lui. Je leur donne des clés durant le spectacle pour qu’il rencontre du mieux possible la langue créole. Pour l’instant ça fonctionne.

Et vous, en tant que comédien, que ressentez-vous lorsque vous jouez en créole ? Y a-t-il un déplacement qui s’opère dans votre jeu ?

Oui forcément. Une langue, c’est un paradigme. Ce n’est pas que des mots, c’est une façon de voir le monde, c’est une histoire, qui influence inconsciemment votre respiration, votre démarche, votre pensée, vos silences. Tout ça fait que je joue différemment. Et puis jouer dans sa langue maternelle donne à la parole une « viscéralité » unique.

Proposer des dramaturgies différentes

Vous avez récemment créé un Antigone en langue créole. Qu’est-ce qui vous a donné envie de monter cette pièce et en quoi cette tragédie trouve-t-elle un écho dans la culture réunionnaise ?

J’ai eu envie de monter Antigone, car elle posait une question citoyenne très importante pour moi quelque temps après l’attentat du Bataclan. Les parents d’un des terroristes voulaient enterrer leur fils, mais la région en question n’a pas voulu donner sépulture à un terroriste. Alors, il y a eu procès. C’est ce qui m’a intéressé : que fait-on du corps de celui qui porte atteinte à la nation ? Et lorsque que l’on déshumanise quelqu’un, à quel point ne perd-on pas nous-même une partie de notre humanité ? À quel point nous ne risquons pas de ressembler à ceux que nous dénonçons ? Ce questionnement m’obsédait et il a trouvé un écho à La Réunion par la forme. Je voulais raconter cette histoire avec nos codes, culturels, cultuels, architecturaux… Thèbes était devenue bilingue, on y parlait en français et en créole, le fratricide se rejouait grâce au moringue (danse combat), les chœurs se faisaient entendre par le Maloya… Nous avons rapproché la tragédie grecque de notre culture réunionnaise (non pas seulement créole) pour y trouver énormément de points communs.

On se souvient qu’un collectif de compagnies est venue de nombreuses pièces lors du festival Avignon OFF en 2022. Comment se portent aujourd’hui les compagnies de théâtre réunionnaises ? Trouvent-elles un écho auprès des programmateurs hexagonaux ?

Les compagnies de théâtre à La Réunion se portent bien. Elles sont dynamiques et parviennent, tout en se nourrissant avec appétit de ce qui se fait dans l’Hexagone et ailleurs, à garder une certaine spécificité, une certaine organicité liée à l’île. Pour ce qui est de l’écho national, on part de loin, mais ça va de mieux en mieux, notamment grâce à l’ONDA qui vient sur l’île tous les trois ans afin de repérer, d’accompagner, voire de programmer des dramaturgies réunionnaises. Mais cela reste encore anecdotique si on compare à la réciproque. Il suffit d’imaginer les programmateurs réunionnais allant tous les trois ans dans l’Hexagone, bien sûr ce n’est pas le cas et tant mieux. Nous sommes un peu plus soucieux de proposer des dramaturgies différentes au-x public-s. Nous espérons parfois qu’une certaine égalité devienne réalité, que les dramaturgies créoles ne soient plus des freins ni des défis, mais des moments de rencontres possibles et nécessaires entre citoyen.nes d’une même nation.

Merci à Daniel Léocadie pour son temps et ses réponses.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur le travail de Daniel Léocadie et assister aux prochaines représentations de ses spectacles, consultez le site de la compagnie Kisa Mi Le.

Cet article Focus le théâtre contemporain réunionnais : Daniel Léocadie revient sur « Kisa Mi Lé » est apparu en premier sur The ARTchemists.

Après sa tournée réunionnaise, Antigone version créole, spectacle mis en scène par Daniel Léocadie et Jérôme Cochet, traverse plusieurs théâtres de métropole. Y résonne le chant de Danyèl Waro, s’y affrontent les moringueurs et frappent fort les tambours. Une mise en scène et en mots dépaysée du blockbuster de Sophocle, à la recherche de l’élan populaire de la tragédie et de son antique sagesse pour éclairer notre brutale époque. Rencontre avec les metteurs en scène.

Pouvez-vous nous présenter votre compagnie KISA MI LE ?

La Cie Kisa Mi Lé a été créée en 2017 à La Réunion. Kisa mi lé, qui signifie « Qui suis-je » en réunionnais, évoque ici non pas la part identitaire mais plutôt la part citoyenne. Quel-le citoyen-ne suis-je ? Et comment les textes de théâtre peuvent m’éclairer sur le monde dans lequel j’interagis. Et à une époque où les réseaux sociaux sont devenus des lieux privilégiés de débat où chacun partage librement ses opinions, la compagnie considère le théâtre comme le premier réseau social de l’humanité, un lieu de collision de visions multiples du monde autour de la représentation d’un média central : la pièce.
Le travail artistique de la compagnie est ainsi guidé par l’intuition que le répertoire théâtral, classique comme contemporain, recèle des textes dont les enjeux et la force dramatique les rend suffisamment universels pour toucher, émouvoir, faire réagir la plus grande diversité de spectateurs. Dès lors, la compagnie met au centre de son travail la recherche de tels textes, pour en proposer une lecture théâtrale à même de nourrir le débat public. Et enfin, étant à la Réunion, la Compagnie Kisa Mi Lé part du principe que la création proposée se doit d’être, par certains aspects, un miroir de l’humanité qui viendra y assister. L’un des aspects principaux étant la langue de la création, la Compagnie se confronte donc avec envie et détermination à la question du bilinguisme Français – Kréol à chacune de ses créations.

Vaste question : comment se porte le secteur du théâtre vivant à La Réunion ? Quels sont ses réussites, ses aspirations, ses points de frictions ?

C’est un secteur qui se porte bien je crois. Une créativité débordante. Il n’y a pas si longtemps nous étions 9 compagnies au festival d’Avignon 2022. Il y a toujours un spectacle à voir presque tous les jours-soirs à La Réunion et on peut y trouver des esthétiques très différentes. Il y a également une volonté non dissimulée de croisements, des arts, des artistes. Tenter des rencontres, d’aller vers l’autre. Et l’accompagnement par les salles et institutions témoigne également de cette volonté de porter haut et fort les créations locales.

Vous adaptez Antigone dans une étonnante version créole. Pourquoi adapter Sophocle aujourd’hui ?

Au départ, la question n’était pas d’adapter mais de porter à la scène ce texte qui avait un écho particulier pour moi. Quelques temps après l’attentat du Bataclan, je lisais dans la presse que les parents, français, d’un des terroristes voulaient enterrer leur fils dans la région où ils habitaient. La Région et la municipalité ont refusé. S’en est suivi un procès à la fin duquel les parents ont eu gain de cause, mais il fallait que l’enterrement se fasse dans une région voisine, puisque que dans celle-ci une victime du Bataclan y reposait aussi. Mais la question était posée : « que fait-on du corps de celui qui porte atteinte à la nation ? ». Cela m’a fait penser à Antigone que j’ai relu dans la traduction, très contemporaine de Florence Dupont. L’adaptation réunionnaise est arrivée dans un second temps. Je voulais que cette pièce raisonne particulièrement à La Réunion et pour les Réunionnais dans leur diversité. Ce n’est pas toujours une chose que l’on voit sur les plateaux de théâtre à La Réunion et c’est ce qui fait qu’une partie de la population ne vient pas au théâtre car elle ne se reconnaît pas dans les formes proposées. L’objectif était donc de raconter cette histoire, ces enjeux, avec les codes de La Réunion, inspirés de l’architecture, des traditions, des langues, des cultes, des cultures, des danses etc.

L’adaptation de la pièce revient effectivement à Florence Dupont au ton et style résolument moderne, mais également à l’auteur-compositeur interprète réunionnais Danyèl Waro qui la mâtine de créole. Quelle est l’idée de ce pari ? Déconstruire le mythe classique ? De leur rendre abordable à tous les publics de La Réunion ?

C’est tout d’abord une intuition. La question était de savoir comment raconter ce choeur à La Réunion. Ce choeur qui chante, ce choeur omniscient, ce choeur qui interroge l’humain et va pointer ce qui ne va pas chez lui. Il y avait besoin pour moi d’une voix qui soit capable d’aller séduire les dieux du ciel et et ceux qui sont sous la terre, d’aller titiller Dionysos, une voix qui n’avait pas peur de mettre les pieds dans la boue et les mains dans le sang. Et pour moi c’était Danyèl Waro qui était capable de faire ça. Au contraire de la destruction, on est dans le mythe qui se fait chair avec notre culture à notre époque avec notre poésie. C’est une rencontre entre l’inaltérable tragédie grecque et la puissante poésie réunionnaise.

Votre Antigone prend place dans un espace qu’on imaginerait dédié à un batay coq. Comment synthétiser en un décor, un espace-temps à la fois intemporel ET réunionnais ?

La place publique devant le palais de Créon est le lieu du débat, le lieu où tout se passe et pour nous le lieu du fratricide également. Il y a dans cette place une symbolique forte, comme celle des Ronn Batay Coq. Deux coqs combattent et les humains autour regardent qui va gagner. À la fin l’un gagne, mais les deux sortent blessés. En ce qui concerne notre pièce, ce sont les dieux qui regardent les humains se battre et se déchirer mais à la fin c’est le même résultat, l’une meurt et l’autre perd tout. C’est pour moi l’essence de la tragédie, si chacun reste campé sur ses positions pensant avoir le bon sens et la vérité de son côté et ne cherche pas à trouver un compromis avec l’autre, alors le fatum ne peut qu’advenir. Terre, ferraille, sol usé, caisses de boissons et rideaux patinés étaient pour nous les éléments pouvant rendre ce décor à la fois réunionnais et intemporel.

Daniel Léocadie, vous allez également jouer à Paris, le 16 décembre jour de la Fet Kaf, votre seul en scène KISA MI LE. Pouvez-vous nous en dire plus sur cette pièce ?

Kisa Mi lé, est un seul en scène avec cette fois-ci un « Qui suis-je » exprimant une quête identitaire. C’est une pièce que j’ai écrite après avoir entendu un grand-père créole s’exprimer dans une radio locale, lors d’une émission dont le thème était la place de la langue créole dans la société réunionnaise. Il disait, en créole, que lorsque son petit fils venait chez lui, il n’hésitait pas à lui donner une gifle si le petit parlait en créole. Il justifiait cela par sa propre expérience d’homme qui n’est pas allé à l’école, qui a dû travailler dans les champs de canne très tôt et n’a pas eu l’opportunité d’apprendre la langue française, synonyme de réussite. Il était alors condamné à une vie de misère, vie qu’il ne voulait absolument pas pour ces enfants et encore moins pour ces petits enfants. Je pouvais le comprendre. Ce grand-père ne voulait que le bien de son petit-fils. Mais si tous les grand-pères faisaient cela, je ne suis pas sûr que tous les petits-enfants trouveraient du travail mais ce qui est sûr c’est qu’une langue, voire une culture disparaîtrait sans doute au fil des générations. Alors je me suis mis à écrire l’histoire de ce petit fils qui part à la recherche d’une partie de son identité qu’il ne connaît pas et est déterminé à savoir pourquoi ces deux parties ont été séparées. C’est un règlement de compte entre la langue française et la langue créole à l’intérieur d’un même corps pour tenter une réconciliation pas si simple encore de nos jours.

Cette pièce fut jouée cet été au OFF d’Avignon où vous faisiez partie d’un collectif d’artistes réunionnais présentant ses créations. Quelle fut la réception de votre pièce, les retombées de votre participation à ce festival ?

Ma participation au festival d’Avignon avec cette pièce fût très minime. Je l’ai joué 5 fois, à la Chapelle du Verbe incarné du 17 au 23 juillet. Et bien même si ce n’était que sur 5 jours et en fin de festival, le public était au rendez-vous avec une réception à la fois émue, surprise. Le public est surpris de se dire que même si une partie est en créole, même si les questions pourraient s’apparenter à un problème exclusivement créolo- réunionnais, ils sont touchés par l’universalité du propos et de la langue. Cela attise leur curiosité et veulent en savoir plus sur La Réunion et la langue réunionnaise. C’est là l’essentiel pour moi. Le spectacle sera sans doute programmé lors d’un festival à Lyon mais on en dira plus bientôt.

Vous ancrez votre travail dans la culture réunionnaise. Au-delà de votre propre identité créole, qu’est-ce qui vous interpelle là-dedans ?

Je l’ancre dans la culture réunionnaise parce que c’est le territoire où ces pièces sont créées. Si je les faisais à Paris, je n’aurais certainement la même façon de procéder. Mais je ne suis pas non plus sur de l’exclusivement réunionnais. Le théâtre est plus grand que ça. Et la population réunionnaise est tellement diversifiée que c’est un challenge de faire en sorte que tous ou presque se reconnaissent dans les formes, les histoires et les enjeux proposés. On entend encore trop de réunionnais, mais c’est pareil pour certaines régions de France, c’en devient même presqu’un lieu commun, que le théâtre n’est pas fait peur eux, que c’est trop intelligent pour eux, qu’ils sont donc trop bêtes pour aller au théâtre et surtout que ce qui s’y raconte ne les intéresse pas. Je veux leur prouver le contraire et faire en sorte que dans les travées tous se côtoient, se respectent et partagent un même moment. Ce fut le cas pour Antigone à La Réunion. Cette dernière est ma première grosse création avec une aussi grosse équipe. Je suis conscient que je ne suis pas encore un metteur en scène aguerri, mais j’ai l’expérience du plateau en tant que comédien et une folle envie de partager des questionnements avec le public que je souhaite le plus large et représentatif possible. Ce sera à mon niveau ma petite pierre pour que certains retrouvent une part de leur estime de soi.

N’est-il pas compliqué de tourner en métropole avec des pièces proposant la langue créole, quand bien même elle est traduite sur écran ?

En ce qui me concerne, ce n’est pas un objectif en soi, il y a déjà tant à faire à La Réunion. Mais au moment où on pense que cela est impossible surtout avec une pièce comme Antigone, cela se fait. Ce n’est pas la langue le problème je pense. L’opéra n’a aucun souci avec ça. Certaines pièces se jouent bien en langue étrangère sans soucis. Le souci est l’image qu’on en a. Parfois même, si en métropole on peut se dire qu’une pièce en langue créole, à priori, ne nous intéressera pas, une partie de la population réunionnaise se dit la même chose d’une pièce en français. Ici, Thèbes est une ville bilingue et ses personnages parlent français et créole réunionnais, tout le monde s’y retrouve. Parfois il y a un petit effort à faire, mais c’est un effort de même nature que de vouloir connaître un peu plus une personne que l’on rencontre pour la première fois mais qui ne parle pas notre langue. On accepte de ne pas tout comprendre, puis on trouve un langage commun et parfois même une amitié inattendue naît de cette rencontre et de cet effort on ne peut plus humain.

Quels vont être vos projets futurs de création ? De la compagnie Les Non Alignés, de la compagnie Kisa Mi Lé ?

Actuellement, avec la compagnie, nous travaillons à mettre en place une série d’écritures contemporaines théâtrales sur le thème de l’actualité. Cela s’appelle En Acte(s). C’est un concept qui existe déjà, initié par Maxime Mansion à Lyon et sur lequel j’ai eu le plaisir d’être à maintes fois comédiens. Cette fois-ci je l’adapte à La Réunion, le principe est celui-là : on passe commande à un.e auteur.ice d’un texte théâtral écrit en trois mois, pour 4 acteur.ices, en français et/ou en créole, d’une durée de 45 min- 1h. Puis le.la metteur.se en scène et les acteur.ices ont 5 jours pour créer la pièce au plateau et la présenter au public le sixième jour. Cela pour plusieurs raisons : j’ai envie d’entendre ce que les auteurs et autrices de La Réunion ont à dire sur l’actualité tout en faisant le pari que l’actualité peut être un thème rassembleur de publics. J’ai également envie qu’une grande partie de la filière du théâtre à La Réunion travaille ensemble à ce grand challenge d’écriture et de jeu. Avec En Acte(s) on reste dans cette ambition de montrer que le théâtre, notamment par le talent des auteur.ices, dont la majorité de la population ignore l’existence, peut également être empreint du ici et maintenant. Il ne s’agit pas de devenir des énièmes commentateurs de l’actualité, mais plutôt de montrer à quel point l’art peut nous donner des outils pour ne pas subir l’actualité, prendre de la distance par rapport à elle pour mieux la comprendre et l’appréhender, voire la questionner.

Merci à Daniel Léocadie et Jérôme Cochet pour leur temps et leurs réponses.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus et connaîter les prochaines dates de spectacle, consultez le site de la compagnie Les Non Alignés.

Cet article Antigone, version péi : Sophocle sous les tropiques est apparu en premier sur The ARTchemists.

Sex Toy : tu parles d’un surnom pour une gosse de 13 ans. Et pourtant Didrie la rebelle, Didrie le garçon manqué, Didrie l’alcoolique, Didrie au nom de guerrière, Didrie va endosser ce patronyme dont l’affublent ses camarades de classe jusqu’à la destruction complète, de ceux qu’elle déteste, de ceux qu’elle aime, d’elle-même qu’elle abhorre.

Un parcours tragique et écœurant

Entre poésie enfantine et langage ordurier, entre logorrhée d’ivrogne et critique sociale, Jean-Marie Gourio dessine le parcours tragique et écœurant de son héroïne vers l’irréversible. Délaissant la truculence parfois fataliste des Brèves de comptoir, l’ex-rédacteur en chef de Charlie Hebdo donne la parole à cette petite Antigone des banlieues, paumée entre des parents démissionnaires, des potes voyous, des profs lassés. À quel moment cela a-t-il capoté ?

Petite Didrie se le demande constamment alors qu’elle cuve sa biture, qu’elle se noie dans le binge drinking, tentant d’échapper à la réification sexuelle que subissent ses copines. Cybersexe, violence latente, délinquance, pédophilie, cruauté, abandon, ennui, ce récit à la première personne serait proprement hallucinant s’il ne s’appuyait sur des réalités régulièrement mises en lumière par les médias.

Damnés : Satan es-tu là ?

Le désarroi des initiations ratées

3 x Manon abordait cette thématique avec une issue heureuse, malheureusement Sex Toy n’est pas aussi lumineux. L’auteur y raconte comment les choses peuvent déraper, vite, en une seconde, exposant ainsi la fourbe mécanique qui fait basculer nos enfants dans le crime. C’est la logique effrayante de Jonquet dans La vie de ma mère ! ou Ils sont votre épouvante et vous êtes leur crainte. C’est l’atroce nonchalance de L’Appât de Tavernier. C’est…

C’est la narration répétée des dérives adolescentes, la récurrence des initiations ratées, et ce sentiment de complet désarroi qui saisit le lecteur devant une déchéance dont il perçoit vaguement la gravité, mais qu’il ne devine qu’à moitié tant elle est invraisemblable. De fait, Sex Toy rappelle par certains aspects La Vague : certaines critiques du livre ont mis en avant la démission des adultes, pourtant ils sont très présents dans l’intrigue. Mais c’est leur impuissance à gérer la crise qui frappe les esprits. Et qui fait peur.

Cet article Sex Toy – Jean-Marie Gourio : une tragédie d’enfance est apparu en premier sur The ARTchemists.

A peine bouclé le visionnage choc de la série coréenne Squid Game, nous avons foncé sur la saga Hunger Games, histoire de faire la comparaison … et un peu parce que nous n’avions jamais vu la célèbre tétralogie. Avouons-le, nous étions un brin dubitatifs face à ce blockbuster initialement destiné à une cible adolescente fascinée par Twilight. Héros malmenés par des étoiles contraires (merci Shakespeare), jeux du cirque versus amours impossibles, encore un barnum sans épaisseur ? Surprise complète : il n’en est rien. Mieux même : Hunger Games pourrait presque constituer une initiation express aux arcanes de la politique.

Enfants et gladiateurs

Inspirés des romans de Suzanne Collins, les quatre films de la saga Hunger Games, nous parachutent au coeur de Panem, soit les USA en mode post-apocalypse. Le territoire a été segmenté en 12 districts tenus d’une main de fer par le tyrannique Snow, bien installé dans son palais au cœur du Capitole. Cette capitale peuplée d’ultra-nantis confortablement installés dans de somptueux bâtiments néo-classiques et vêtus comme des gravures de mode vampirise la production des districts proprement réduits en esclavage. Les révoltes ? Matées par la terreur, depuis la destruction totale du district 13, qui s’était rebellé, les interventions musclées des Pacificateurs et l’instauration des Hunger Games.

Les Jeux de la faim : un combat de gladiateurs dans une gigantesque arène sous contrôle technologique, une grande messe médiatique qui fascine les habitants de Panem … ou les pétrifie d’angoisse. Car pour alimenter ces combats d’une violence et d’une cruauté inouïes, on tire au sort 24 candidats, 2 par districts. Entre 12 et 18 ans. Filles, garçons. Des enfants. 24 gosses qui s’entre-tuent dans un environnement extrêmement hostile, 1 vainqueur qui deviendra une star adulée, riche. Gagner les jeux de la faim, c’est la promesse d’une vie meilleure, où non seulement on mange à sa faim, où on s’habille chaudement, où on ne craint plus le lendemain, mais aussi où on est considéré, reconnu, encensé, pris pour exemple.

Diane, Electre, Antigone …

Problème : pour gagner, il convient de survivre et de massacrer des rivaux dont la plupart sont à peine pubères. Si certains sont entraînés physiquement et mentalement depuis le berceau pour cette épreuve qu’ils appellent de leurs vœux, d’autres n’ont aucune envie d’être sélectionnés pour cette boucherie infâme où ils devront à un moment ou à un autre tuer pour ne pas être tués. C’est notamment le cas de Katniss … qui va pourtant se porter volontaire et prendre la place de sa jeune sœur. Un cas unique dans l’histoire des Hunger Games … et un tournant majeur dont personne n’imagine la portée au début de la saga. Car si elle n’a rien d’une psychopathe, Katniss ne compte pas se laisser faire. Parce qu’elle sait se défendre. Et que, pétrie de principes, elle vomit l’injustice.

Ajoutons à cela un sens aigu de l’observation, un don pour le tir à l’arc, une agilité à toute épreuve, des convictions profondément ancrées : semblable à Thésée, Katniss part abattre Snow le Minotaure. Au passage, elle se transformera en Diane chasseresse, amazone ciblant de ses flèches meurtrières l’iniquité et l’hypocrisie. Profil fédérateur de toutes les contestations, elle devient le visage angélique et redouté de la rébellion. Une sorte d’Electre vengeresse, d’Antigone indomptable. Bref une synthèse de toutes les héroïnes de la tragédie grecque, qui va se dresser face à un tyran d’une rare perversité, rompu aux arcanes de la politique, psychologue accompli, parfait manipulateur des âmes, empoisonneur récurrent. Intrinsèquement machiavélique et fier de l’être.

Icône malgré elle

L’homme à abattre, que Katniss va traquer de film en film tandis que la rébellion s’organise. Ce fil directeur fait la cohérence à la fois surprenante et appréciable d’une saga qui aurait pu tomber dans la facilité de séquences spectaculaires à répétitions, avec combats homériques, tripes à l’air et explosions en tous sens. Premier point notable donc, que cet équilibre entre séquences à sensation et introspection de personnages profondément secoués par les événements vécus. Katniss et ses compagnons sont traumatisés, marqués au fer rouge par les épreuves qu’ils ont traversées. Impactés dans leur chair et leur mental, ils subissent des émotions contradictoires très puissantes, qui freinent l’urgence d’un choix : cautionner le pouvoir en place, ou dire non.

Katniss devient une icône malgré elle. Façonnée, médiatisée, téléguidée pour servir les intérêts d’un despote puis pour unifier la résistance. Elle se plie mal aux exigences d’un media-training dont elle saisit rapidement les faux-semblants inacceptables, face au défi très concret de rester en vie par delà même la période des jeux. De fait, l’héroïne refuse d’être un faire-valoir télévisé. C’est un autre point fort de la saga que de décortiquer la fabrique des héros, qui ne sont au final que des pions destinés à manipuler les masses. A ce titre, Hunger Games tire la sonnette d’alarme : la tyrannie peut se cacher derrière les sourires les plus chaleureux, la démocratie s’apprend avec le temps, les stratégies se construisent dans le secret, avec patience et discrétion.

Une éducation citoyenne

On a beaucoup glosé sur les inspirations antiques du livre et du film, les références à la mythologie, aux jeux du cirque, à leur exploitation télévisée. Casting de pointe, décors et costumes somptueux, scénario de grande qualité, effets spéciaux magnifiquement orchestrés, certes Hunger Games constitue un excellent spectacle chargé de sensations fortes. Mais la saga questionne par ailleurs la place de l’individu dans un système qui l’écrase, la naissance d’une conscience politique, une éducation citoyenne qui se construit étape par étape, pour devenir clairvoyance et responsabilité, sans jamais tomber dans la futilité du succès ou l’avidité du pouvoir. Héroïne malgré elle, Katniss cristallise cette mutation.

Les spectateurs de la saga ont-ils perçu cette transformation ? Y ont-ils été sensibles ? L’identification à Katniss et ses pairs a-t-elle dépassé le cadre du marketing féroce développé autour du blockbuster ? Cela reste à voir … et mériterait une lecture approfondie, commentée, un visionnage suivie d’échanges et de débats. En tout cas, le potentiel pédagogique de ces films mérite d’être exploité en urgence à l’heure où prolifèrent les totalitarismes de tous bords, où la dystopie menace de devenir une réalité dont il sera très difficile de se débarrasser. Alors sur combien de Katniss pourrons-nous compter pour dire non ?

Et plus si affinités

N’hésitez pas à visionner la saga Hunger Games.

Cet article Hunger Games : du blockbuster à l’éducation citoyenne est apparu en premier sur The ARTchemists.

Ah The Killing. Série danoise incontournable, un monument du polar nordique, sombre et désespérant à souhait. Forbrydelsen en danois dans le texte … Trois saisons, trois enquêtes. Longues. Compliquées. Éprouvantes. Qui n’en finissent pas de rebondir. Des pistes qui ne mènent à rien, des portes qui s’ouvrent sur du vide, des suspects qui n’en sont plus, un cheminement frustrant vers une vérité inacceptable. Et pour suivre ces fils ténus, Sarah Lund.

Sarah Lund, entre Antigone et Electre

Frêle enquêtrice obsédée par son travail au point de délaisser fils, amant, mère, toutes les conventions de la bonne société danoise dans laquelle elle évolue comme une ombre. Perspicace, visionnaire, spontanée. Malheureuse, en rupture avec tous les fondamentaux de la famille, incapable de trouver l’amour, le détruisant quand il fait mine d’approcher. Sarah Lund, quelque part, c’est Antigone échappée de la tombe pour intégrer les rangs de la police de Copenhague. Et endosser le rôle d’Electre. A savoir, foutre le bordel.

Il y a de quoi faire. Comme le disait si bien Shakespeare, « il y a quelque chose de pourri au royaume du Danemark ». Face à Sarah Lund et sa quête d’absolue vérité, des supérieurs particulièrement castrateurs, eux-mêmes pris dans les querelles de pouvoir des dirigeants politiques d’un pays où la démocratie se construit à force de coups bas , de trahisons et de compromis. Seule à respecter ses valeurs, à rechercher l’intégrité constamment, Sarah fait tâche, dérange, énerve. Et s’en prend plein la gueule, même quand elle a raison. Surtout quand elle a raison.

A lire également :  Dos au mur : Gomorra à la danoise

La douleur de la perte

Face à elle, les victimes, leurs familles, leurs proches, démunis, frappés de plein fouet par la main du destin, en quête d’information, d’une justice qui leur échappe, car lente, pesante, tenue par le temps. Un temps qui s’égrène de jour en jour, et dont le spectateur ressent le cours à chaque épisode marqué d’une date. Histoire de rappeler qu’une enquête n’est pas synonyme d’unité temporelle, loin s’en faut. Pourtant, là où il faudrait de la patience, de la concentration, du calme pour dénouer ces intrigues, il n’y a que pressions, obstacles, interdits, urgences.

Et la douleur humaine de la perte, du deuil que le showrunner Søren Sveistrup et ses réalisateurs Kristoffer Nyholm, Charlotte Sieling, Hans Fabian Wullenweber mettent particulièrement en évidence, dans des séquences intenses pour certaines, particulièrement pudiques pour d’autres, toujours prenantes. Qu’ajouter sinon que la réputation de The Killing n’est pas usurpée, que la version originale sous-titrée s’impose comme une évidence, et que si vous êtes adepte de suspens, de rebondissements, de manipulation et de tragédie, vous serez comblé.

Et plus si affinités

https://www.arte.tv/fr/videos/RC-019568/the-killing/RC-019569/the-killing-saison-1/?xtor=SEC-697–[Serie_et_fictions_programmes]-[The_Killing]–[]&gclid=CjwKCAjw0_T4BRBlEiwAwoEiAaNrRWHLjqsLVBESPhOTceO-os8LU_7w8tg-CynzgrD2-OPDXyUs1RoCefkQAvD_BwE

Cet article The Killing : tragédie policière danoise en 3 actes et 40 épisodes est apparu en premier sur The ARTchemists.

1939 : après s’être acoquiné avec les nazis via le pacte de non agression signé en cachette par Molotov et Ribbentrop, les soviétiques envahissent la zone Est de la Pologne, laissant l’autre partie aux Allemands. D’un côté comme de l’autre, les purges débutent, touchant les intellectuels, les enseignants, les cadres politiques … L’Armée rouge s’en prend notamment aux militaires polonais qui sont tombés sous sa coupe. Quelques 20 000 soldats et officiers sont emmenés dans la forêt de Katyn et massacrés, leurs corps ensevelis dans des fosses. Sans procès, en totale violation des accords de Genève. Parmi eux le père de Andrzej Wajda. Qui grandira avec cette absence, ce secret, cette énigme.

Car longtemps les sacrifiés de Katyn seront attribués aux nazis par les soviétiques qui ont annexé le pays au lendemain du conflit. Pourtant, et c’est le comble, ce sont les allemands qui mettront à jour les tombes, en 1941 et 1943, révélant ainsi les exactions des russes qu’ils exploiteront pour justifier leur guerre contre le communisme. Qui croire ? Dans ce chaos mémoriel où l’Histoire a été tue, scellée, manipulée, les bourreaux et les libérateurs se confondent, qui mentent aux survivants, familles, épouses, enfants, parents, frères et sœurs, désespérément en quête de leurs morts, pour faire leur deuil, donner un semblant de sens à l’innommable, conserver le passé pour bâtir l’avenir.

Orphelin de père, Andrzej Wajda interroge cet épisode douloureux toujours et encore, dans le film magnifique intitulé sobrement Katyn. S’appuyant sur l’ouvrage Post Mortem, l’histoire de Katyń, d’Andrzej Mularczyk, le réalisateur de L’Homme de fer et de Korczak réveille le traumatisme subi par son peuple, place ses concitoyens devant l’atrocité incontestable de la vérité. Sans leur laisser une seule chance de détourner le regard, de fuir, d’avoir bonne conscience. Ceux qui ont collaboré avec les nazis ou les soviétiques, ceux qui ont résisté, ceux qui ont espéré, qui se sont lamentés, qui se sont retrouvés face au vide d’un questionnement dépourvu de réponses …

Dans le halo bleuté et gris qui caractérise ses images, dans la plainte lancinante des percussions qui rythment les musiques tragiques qu’il affectionne, Wajda superpose la quête des survivants et la marche au supplice des défunts, dans une tension insoutenable. Le jeu des acteurs est sobre, distancé, froid, … on penserait presque aux interprètes de Kantor dans La Classe Morte. Pâles, désincarnés … leurs personnages se rattachent tous à Antigone, qu’à un moment Wajda évoque : une jeune femme désireuse de payer la pierre tombale de son frère assassiné, vend sa chevelure au coiffeur d’un théâtre pour constituer une perruque à l’actrice qui incarnera l’héroïne grecque, une survivante des camps de concentration à la tonsure couturée de cicatrices.

L’une vient d’échapper à la mort, l’autre, privée de sa blonde crinière, sera arrêtée par les soviétiques, incarcérée pour avoir voulu se souvenir, emmenée dans le tombeau symbolique d’un cachot où on la descend sous la menace des armes, tandis que la stèle immortalisant son frère est brisée à coups de crosse, la tombe vide vandalisée. En quelques minutes d’une cruauté totale, Wajda a signifié la déshérence de la Pologne, privée de futur alors qu’on l’avorte de sa mémoire. Le paroxysme est atteint dans les ultimes instants du film dans un flashback terrifiant, où les prisonniers touchent au terme de leur voyage, la mort.

Un véritable abattoir, où ils abattus en série comme du bétail, dans une mécanique effrayante qui rappelle les exécutions de Danton, striées de sang, aveugles, sans pitié. On ressort choqués, retournés de ces images affreuses, où le non-sens de la situation saute au visage. Et son caractère prophétique. Le film a été tourné en 2007, il y a 10 ans. Projeté en Pologne le jour anniversaire de l’occupation du pays par l’URSS, il a connu un énorme succès, comme s’il répondait à une attente, une urgence. Aujourd’hui, il faudrait revoir ce film, en boucle. La Pologne, comme d’autres pays dans le monde, doucement, réveille ses démons extrémistes et nationalistes. Comme si elle avait oublié. Pourtant les victimes de Katyn sont encore là ; et Wajda avec brio fait parler leurs spectres par delà la tombe et pour l’éternité.

Et plus si affinités

http://www.editionsmontparnasse.fr/p1229/Katyn-DVD

Cet article Katyn : quand Wajda fait parler les spectres pour l’éternité est apparu en premier sur The ARTchemists.

Jeunes, arrogants, paumés, inconscients ? Comment qualifier Mehdi, Marco et leurs potes, qui plongent du matin au soir dans les eaux bleues de Marseille, manquant se rompre le cou à chaque saut du haut des rochers, le long des corniches ? Héroïques ? Rebelles ? Libres ? Fascinants pour sûr, c’est du moins comme cela que Suzanne les perçoit, depuis sa belle villa bourgeoise. La petite fille riche va tout plaquer pour s’intégrer au groupe, trouver sa place parmi ces indomptables. Sauter avec eux.

Adapté du roman de Maylis de Kerangal, le film de Dominique Cabrera explore cette fuite en avant, ce défi permanent, ce cri de liberté, avec la cité phocéenne et ses calanques en toile de fond. Une fureur de vivre dans l’esprit du Sud, entre brassage culturel, quartiers pourris et délinquance ? Quelques moments de fierté, l’occasion de briller quand la société entière se refuse, quand le spectre de l’échec scolaire, du chômage et de la came rôde perpétuellement, unique avenir fantomatique, qui trouble ce paysage de rêve, par moment semblable au paradis ?

Suzanne déboule dans ce microcosme comme une sirène au milieu d’un banc de poissons, harponnant les deux amis Marco et Mehdi. Drame de la jalousie ? Que nenni, les choses seront finalement plus simples, plus profondes aussi, tandis que chacun des protagonistes conquiert sa liberté et sa maturité, pour le meilleur et pour le pire. Des petites Antigone, voici ce que sont ces enfants trop vite grandis, laissés pour compte, qui se réfugient dans la démesure. Dans leur proximité, peu d’adultes, des parents absents ou dépendants, des flics aussi qui cherchent à raisonner, puis à faire acte d’autorité. Sans résultat.

La justesse, la vraisemblance du propos n’ont rien d’étonnant. Cabrera a sollicité l’aide de jeunes plongeurs, rencontrés au hasard de la côte, acteurs amateurs improvisés, qui se révèlent fichtrement doués devant la caméra, complices, malicieux, graves parfois. Follement attachants. Solaires, fragiles et grandioses comme le seraient de jeunes dieux insupportables. Parmi ce casting notons l’aura d’Alain Demaria,qui crève littéralement l’écran avec sa tranquille bonhommie, ce sourire incroyable, une certitude absolue et communicative d’être toujours au bon endroit au bon moment.

L’image symbolique du poulpe, gracieux et puissant, agile mais si maladroit quand il est hors de l’eau, revient en filigrane pour définir ces adolescents, leur prêter une dimension mythique qui rappelle aussi bien le homard de Dolto que l’albatros de Baudelaire. La lumière somptueuse et chaude du ciel, l’éclat de la Méditerranée font le reste, métamorphosant ces êtres en devenir en Icare présomptueux et fous, dans le frisson permanent d’une catastrophe redoutée : plus belle sera la chute ?

Et plus si affinités

https://www.facebook.com/cornichekennedylefilm

Cet article Corniche Kennedy : plus belle sera la chute ? est apparu en premier sur The ARTchemists.

Selon Artistote, « l’Homme est par nature un animal politique ». Surtout quand il s’appelle Philippe Rickwaert. Le héros de la série Baron Noir signée Éric Benzekri et Jean-Baptiste Delafon s’impose comme un Machiavel moderne, donnant à voir, au fil de ses aventures pour le moins trépidantes, un paysage politique hexagonal sismique. Jusqu’à la nausée. Jusqu’aux larmes.

Une élection qui sent le souffre

Philippe Rickwaert donc (Kad Merad, exceptionnel de naturel et de tension) : un vieux de la vieille, un militant socialiste impliqué, issu du milieu ouvrier pour se hisser progressivement dans les hautes sphères du pouvoir jusqu’à devenir le conseiller occulte de Francis Laugier (Niels Arelstrup, magistral), qui lui doit en grande partie son élection à la présidence. Une élection qui sent le souffre : détournement de fonds, manipulations en tous genres. Rickwaert ne recule devant rien pour protéger son ami lorsque tout déraille, que les accusations pleuvent, que la Justice s’en mêle. Quitte à y laisser sa liberté et peut-être son âme ?

Trois quinquennats, deux présidents, des campagnes politiques pour les municipales, les législatives, les européennes, une dissolution, une nouvelle campagne présidentielle sur le fil du rasoir avec le FN en embuscade, pire encore, il faudra bien ça étalé sur trois saisons pour que Rickwaert le baron noir sorte de son purgatoire et impose ses vues, son programme, sa vision d’une France unie tournée vers l’avenir et les valeurs de tolérance et d’échanges. Véritable pitbull, Rickwaert ne lâche jamais malgré les coups tordus qu’on lui assène et qu’il rend sans scrupules (quand il ne prend la main en premier dans ce gigantesque poker menteur).

Les coulisses de la realpolitik

Car la politique est un sport de combat. En état de crise permanent, Rickwaert, ses amis, ses ennemis, n’ont guère le temps de souffler. Toujours avoir un coup d’avance, le sens de la réactivité et de l’adaptabilité, pour ne pas dire de l’agilité : les coulisses de la realpolitik nous sautent au visage ; les idéalistes aux mains propres sortiront de l’expérience avec des bleus au moral, et l’obligation de relire Le Prince d’urgence. Tout en se rappelant les règles du jeu démocratique, constamment mises en péril par l’extrême droite, qu’elle affiche le visage d’un parti reconnu ou d’un youtubeur complotiste qui va jouer les trouble-fête.

Avec un fil directeur, ténu, mais solide : tous ceux que nous voyons s’agiter sur cette scène politique offerte en pâture au public par médias dévorateurs interposés, tous veulent défendre leur vision du monde et de la France. Avec plus ou moins d’ego, de distance, de dérapage et des orientations parfois opposées, pour ne pas dire antagonistes. Mais qu’en est-il exactement quand il s’agit de servir le pays et son peuple ? Quand il s’agit de se projeter dans l’avenir, d’envisager ce que sera notre pays dans 10, 15, 50 ans ?

Antigone à l’Elysée

C’est là qu’intervient le personnage à mon sens central de cette épopée : Amélie Dorendeu (Anna Mouglalis, à couper le souffle, d’élégance, de fermeté, de volonté), première femme présidente, qui manœuvre sans cesse pour déstabiliser ses détracteurs (et ils ne manquent guère), amenée à prendre des décisions difficiles, parfois cruelles, toujours pesées et réfléchies, pour protéger son pays et le faire avancer. Au service de l’État, quoi qu’il advienne, et jusqu’à l’ultime sacrifice. Ce personnage aux allures d’Électre ou d’Antigone, élève Baron Noir au rang de tragédie.

Grecque ou shakespearienne, c’est selon. Mais il est indéniable que l’odyssée de Rickwaert n’est rien sans la présence obsédante de cette femme de pouvoir, totalement investie par la grandeur de sa fonction, les privations et l’abnégation qu’elle impose. Ce cheminement sur des routes escarpées plus semées d’épines que de roses est obscurci par une violence latente qui ne demande qu’à exploser de la plus odieuse des manières, avec des visages différents, mais toujours odieux. C’est aussi l’enseignement de la série. Et son avertissement.

Cet article Baron Noir : une tragédie du pouvoir est apparu en premier sur The ARTchemists.