C’est un must du répertoire, LA pièce de Molière par excellence : depuis sa création en 1670, Le Bourgeois Gentilhomme a inspiré un nombre incalculable de mises en scène. En costumes d’époque ou anachroniques, collant au texte ou fantaisistes, c’est selon, mais toujours avec un enjeu : ne pas sombrer dans le ridicule ni le lourd. Et ce n’est pas évident du tout, surtout quand on décide de jouer la carte du burlesque. Il faut un maître pour rester en équilibre sur le fil ténu séparant la comédie de mœurs de la blague maladroite. À ce jeu, Christian Hecq et Valérie Lesort se révèlent virtuoses, accouchant d’un Bourgeois Gentilhomme d’exception.

Clownesque

Tourbillon burlesque : cela résume assez bien cette lecture complètement dingue, où l’or dialogue avec le sombre, où les tables se transforment en podium, où les plats se mettent à chanter, où les costumes mêlent la démesure de Jean-Paul Gaultier et la majesté du cirque. Objectif : la farce moliéresque doit sauter à la face du spectateur et le faire hurler de rire. Mission accomplie au terme d’une heure trente de spectacle complètement clownesque.

On connaît l’histoire, désormais enracinée dans le patrimoine littéraire français : Monsieur Jourdain, bourgeois richissime, rêve de grandeur aristocratique. Cela implique les cours de danse, musique, escrime, philosophie, l’habit de cour et la conquête de la jolie Dorimène. Cela implique de marier sa fille à un noble, même si elle est amoureuse de Cléonte qui le lui rend bien. Cela implique surtout d’attirer à soi nombre d’escrocs qui exploitent cette passion dévorante et plument ce marchand naïf à qui mieux mieux.

Molière Underground

À partir de là, le tandem Hecq/Lesort s’offre un pur délire, une version jouissive, ludique, emportée cadencée par les accents tziganes d’un orchestre qui n’a rien à envier aux rythmes de Goran Bregovic. Il y a d’ailleurs un peu de la dinguerie du cultissime Underground de Kusturica dans la dérive grandiloquente d’un Jourdain ingérable, empêtré dans sa folie et que personne n’arrive à raisonner. Un Jourdain remarquablement interprété par Hecq lui-même, au mieux de sa forme pour mener ce véritable marathon scénique.

Dans son sillage, Alain Lenglet, Sylvia Bergé, Françoise Gillard, Véronique Vella, Laurent Stocker, Gaël Kamilindi, Yoann Gasiorowski, Jean Chevalier, Marie Oppert, Clément Hervieu-Léger, Nicolas Lormeau. Avec un petit plus pour de grands effets, j’ai nommé Mister Guillaume Gallienne, sidérant dans le rôle du maître de philosophie… et d’un palmier qui danse. Bref, si vous avez besoin de vous vider la tête intelligemment, si vous êtes en manque de fantaisie, de délire, regardez Le Bourgeois Gentilhomme made in Hecq/Lesort. Vous allez adorer !!!!

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Bénie soit la captation qui a gardé souvenir de cette mise en scène pour le moins inédite. Car la lecture du chef-d’œuvre de Molière par feu Claude Stratz dépoussière largement Le Malade imaginaire, atténuant le côté farce et ballet pour souligner le drame intérieur d’un homme confronté avec ses angoisses de mort. Une comédie crépusculaire menée bille en tête par la troupe de la Comédie-Française, qui, comme à son habitude, réalise ici un sans-faute.

De la peur à l’anxiété

Le Malade imaginaire, nous avons déjà eu l’occasion d’en parler précédemment : « Satire décapante et un brin scatologique des pratiques médicales de l’époque, la pièce est aussi une exploration des peurs et des obsessions humaines, comme seul Molière est capable d’en écrire une » expliquions-nous dans l’article « Le Malade imaginaire de Molière : autopsie d’un mythe dramaturgique ».

Ce sont justement ces peurs qui prennent possession du plateau dans la mise en scène emblématique de Stratz, datée de 2001, depuis jouée plus de 500 fois, inscrite dans les tablettes de la Comédie-Française. Ces peurs tournent à l’anxiété latente pour un Argan persuadé qu’il porte la mort en lui, au point de se détourner de son entourage, de le violenter constamment.

Une pure émanation de Beckett ou Ionesco

Dans un décor rongé qui laisse entrevoir des splendeurs passées, ce anti-héros absolu de l’hypocondrie portée au rang d’art de vivre, se complaît dans un laisser-aller qu’entrecoupent ses crises de colère. Colère qui l’amène à porter la main sur sa petite Louison et d’être persuadé de l’avoir gravement blessée alors que la petite feint un évanouissement, d’où un désespoir notable.

Seul dans sa chaise de malade vermoulue, Argan semble ici échappé d’une comédie sociale de Goldoni à moins qu’il ne se soit évadé du théâtre de l’absurde. Une pure émanation de Beckett ou Ionesco, Hamm de Fin de partie, Bérenger Ier dans Le Roi se meurt. Terriblement fragile, perdu, riche certes, mais faible et manipulable : par ses médecins, par sa femme.

Une biche au milieu des fauves ?

Une biche au milieu des fauves ? Il faudra le traitement de choc de Toinette, la servante fidèle et ingénieuse qui veille au grain sur les intérêts de cette petite famille qu’elle considère sienne, pour remettre un peu d’ordre dans la cervelle de notre malade imaginaire. Les enjeux sont énormes.

Il s’agit de l’empêcher de ruiner l’avenir sentimental de sa fille aînée Angélique par un mariage inapproprié avec Diafoirus junior, d’éviter la dilapidation de sa fortune par don à une épouse ingrate, des médecins avides et un brin escrocs. Et cela, la mise en scène de Stratz le met particulièrement en évidence au point d’en gêner le spectateur qui rit jaune aux facéties de toute cette smala.

Le spectre de la Covid

Car plane au-dessus de la version 2020 le spectre de la Covid qui s’invite bien évidemment à la fête. Et donne une coloration encore plus morbide à la pièce. Masqués, les acteurs jonglent avec le virus, l’atmosphère de panique et d’incrédulité qui règne alors. Qui des politiques, des médecins, des influenceurs a raison ? Qui faut-il croire ? Que faire ? Comment se protéger ? Comment se soigner ?

À la lumière de la pandémie, le discours moliéresque se tente d’autres nuances : les tentatives de Béralde, l’honnête homme équilibré par excellence, pour raisonner son frère, résonnent par moment comme une sorte de théorie complotiste, un discours antivax déplacé. Le régime prescrit initialement à Argan par Purgon s’avère somme toute équilibré et sage (viandes blanches, moins de vin), alors que Toinette lui propose bœuf, gras et alcool.

Devenir médecin soi-même ?

Argan n’en est que plus perdu et nous avec. Manipulé, trompé, Argan, magistralement interprété par Guillaume Gallienne qui lui prête sa douceur, sa vibration intérieure, son émotivité, fait écho à notre propre perplexité. Qui croire, vers qui se tourner, quand on est noyé dans les injonctions contradictoires, les informations douteuses, les contre-vérités, diffusées en continu par les médias, les réseaux sociaux ?

Devenir médecin soi-même ? Même l’intronisation burlesque d’Argan au terme de la pièce perd ici son caractère grotesque, soulignant l’atrocité de la situation. Dépourvus que nous sommes d’interlocuteurs fiables, c’est à nous d’aller chercher le savoir comme nous le pouvons, avec les moyens du bord. Faire acte d’esprit critique sera-t-il possible ? Cela reste à voir. Mais pour sûr, après avoir vu ce spectacle, vous l’aurez compris : nous sommes aujourd’hui tous susceptibles d’être des malades imaginaires.

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Le Malade imaginaire : une simple pièce de théâtre ? Une comédie classique dans l’esprit du XVIIᵉ siècle ? Oui bien sûr… mais pas seulement, et c’est heureux. L’ultime chef-d’œuvre de Molière frappe par encore et toujours par sa justesse, son mordant. Il continue de résonner avec le public plus de trois siècles après sa première représentation. Écrite en 1673, la dernière comédie-ballet de J.B. Poquelin demeure une critique acerbe et hilarante de la médecine et des travers humains, tout en offrant une réflexion profonde sur la condition humaine.

Une pièce légendaire

Le Malade Imaginaire s’appelle Argan et c’est un hypocondriaque pur jus, obsédé par sa santé, s’entourant de médecins plus charlatans les uns que les autres qui s’ingénient à le soigner par tous les orifices à grand coup de potions absolument ignobles. Des médecins qu’il écoute comme le Messie, et à qui il est prêt à sacrifier la quiétude et le bonheur de ses proches. Satire décapante et un brin scatologique des pratiques médicales de l’époque, la pièce est aussi une exploration des peurs et des obsessions humaines, comme seul Molière est capable d’en écrire une.

Ce qui rend pourtant ce Malade imaginaire si légendaire, c’est son contexte historique. Quand Molière termine son texte, il est affaibli par la maladie. Il meurt d’ailleurs au soir de la quatrième représentation, quelques heures après avoir joué le rôle d’Argan qu’il s’était octroyé, en star de sa troupe. Le fauteuil dans lequel il aurait agonisé sur scène trône d’ailleurs toujours dans l’enceinte de La Comédie-Française, objet de toutes les attentions, de tous les respects. L’anecdote a largement servi de socle à la dimension mythique de l’œuvre.

L’intelligence du texte

Mais au-delà de cette histoire du reste poignante, c’est la pertinence et l’intelligence du texte qui en font une œuvre éternelle. La dernière pièce de Molière se singularise de multiples façons, constituant une somme de son art, de son talent, de la finesse propre à ce bel esprit, témoin de son temps. Bien sûr, Argan s’impose d’entrée de jeu avec ses peurs et ses caprices, ses colères et ses lubies, ses illusions et ses affections : la scène d’exposition où il règle les factures de ses médecins et apothicaires est en soi un moment d’anthologie que tout acteur rêve d’interpréter (Jacques Charon, Michel Bouquet, Guillaume Gallienne… la liste est longue de ceux qui s’y sont illustrés) ; celle où il s’amuse avec sa petite Louison, un sommet de tendresse.

Mais ce héros à plusieurs facettes est également entouré de figures mémorables comme Toinette, la servante rusée et dévouée qui a tout d’un Scapin en jupons, ou encore Béline, la seconde épouse particulièrement intéressée par la fortune de cet époux qu’elle exècre en secret. Et que dire de Diafoirus père et fils ou de M. Purgon dont la tirade en forme de malédiction est un monument littéraire en soi ? Chacun, à sa manière, incarne une facette de la société et de la nature humaine, rendant la pièce aussi diverse qu’amusante, vivifiant une structure par ailleurs rigoureusement façonnée. Car Molière est un magicien qui sait y faire en architecture dramaturgique, alliant comédie, danse et musique pour offrir une expérience théâtrale complète, typique des divertissements qu’on appréciait à l’époque, et qui mêlaient les différents arts, littérature, théâtre, musique, danse, peinture. Les dialogues, vifs, les situations, cocasses, les répliques, ciselées, l’ensemble fait mouche à chaque scène, avec un sens aigu de l’observation et de la satire propre à cette époque de moralistes.

Hypocondrie universelle

Hypocondrie, manipulation, amour, critique sociale sont autant de thèmes abordés avec une grande pertinence, une ironie grinçante et tendre à la fois. Molière se plaît ici à dépeindre une humanité vulnérable et inconstante, comique autant que pitoyable par l’étalage de ses passions et de ses excès. Argan complète une galerie déjà fournie de portraits pittoresques et un peu inquiétants par leur démence : le Bourgeois gentilhomme, l’Avare, Tartuffe… son style inspira à n’en pas douter La Bruyère et ses Caractères. Il y a de quoi : derrière le rire, il y a la violence. Des pères autoritaires et méchants, aveuglés par leur folie au point de sacrifier le bonheur de leurs enfants.

Difficile en contemplant Argan ruiner l’avenir de sa fille pour assurer sa sécurité sanitaire, de ne pas se projeter au présent, tant ces personnages mettent en lumière des vérités intemporelles sur nos comportements et nos croyances. Le Malade imaginaire continue de nous captiver parce qu’il parle de nous tous. La peur de la maladie, la méfiance envers la médecine et les relations familiales compliquées sont des sujets toujours pertinents. La capacité de Molière à rendre ces thèmes universels, à travers le prisme de l’humour et de la critique sociale, fait la modernité inconditionnelle de cette œuvre incomparable.

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La lecture de la biographie Pierre Bergé – Le pygmalion nous a donnés envie de revoir le film Yves Saint Laurent de Jalil Lesper. Avec un nouveau regard à la clé.

Un véritable travail de reconstitution

À la source, nos suffrages allaient davantage vers le Saint Laurent de Bertrand Bonello. Plus baroque, plus coloré, plus tortueux également, nous avions précisé dans notre article : « l’approche de Bonello ne fait pas redondance avec le biopic de Jalil Lespert », ce qui demeure encore exact. Quand Bonello mélange les périodes pour se focaliser sur un YSL complexe et séducteur, Jalil Lesper se concentre sur une approche chronologique de la relation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent. Depuis leur rencontre en 1958 jusqu’à la collection « Ballets russes », Lesper retrace les différents temps de cet amour prolifique, qui engendra une maison de haute couture et une marque désormais légendaires, ainsi qu’une collection d’art prestigieuse, une fondation respectée, le jardin Majorelle à Marrakech…

Librement inspiré de la biographie Yves Saint Laurent de Laurence Benaïm, le film fut adoubé par Pierre Bergé lui-même, ce qui est un plus notable, ce dernier veillant jalousement sur son image ainsi que sur celle de feu son amant et partenaire. Aussi, c’est un véritable travail de reconstitution qui est opéré par le réalisateur et son équipe. Certaines scènes ont été tournées dans l’enceinte de la fondation Pierre Bergé – Yves Saint Laurent, dans l’atelier du couturier, dans leur villa marocaine ; les robes exhibées lors du premier défilé sont issues de ses collections, ainsi que certains dessins ; ce sont les lunettes d’Yves Saint Laurent que Pierre Niney arbore devant la caméra, adoptant de manière sidérante l’allure de son personnage, son timbre de voix.

Camper un couple mythique

Une approche chronologique fidèle donc pour explorer une passion amoureuse devenue partenariat. On s’attendrait en conséquence à une version sage, posée, conventionnelle… et c’est le souvenir que nous en avions conservé. Mais en revisionnant ces 101 minutes dramatiques, nous décelons le côté désespéré de cette relation. D’un côté, un Yves Saint Laurent génial et visionnaire, mais progressivement dévoré par la bipolarité, et qui sombre dans les addictions, sexe, alcool, drogue ; de l’autre, un Pierre Bergé énergique et séducteur, organisé et dominant, mais qui ne sait plus comment gérer l’autodestruction de son amant. Pas ou peu de séquence d’orgie : le propos reste mesuré, pudique même. Mais il suffit d’un regard, d’un gros plan pour saisir l’ampleur de cette descente aux enfers.

Et de ses conséquences, au niveau du couple, également au niveau de ce qu’il construit. Quid de l’entreprise ? Quid des collections ? Quid de la mémoire ? Quid des choix opérés ? Fallait-il protéger Yves Saint-Laurent à ce point, comme le fit Pierre Bergé, avec une attention de cerbère qui n’empêcha pas la progressive déchéance et du couturier et de son couple ? Bergé fut bouleversé par certaines scènes, touché très profondément par cette évocation, qui pourtant ne cache rien de cette passion. La prestation de Pierre Niney et Guillaume Gallienne, sidérante de justesse, y est pour beaucoup. Un mot qu’on accentue, un regard qui se fige, une tension dans le visage, une main qui tremble, c’est tout en nuances qu’ils campent ce couple mythique à plus d’un titre.

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Yves Saint Laurent aurait mérité de s’intituler Yves et Pierre, car c’est de cela qu’il s’agit : restituer la force d’un lien amoureux, la puissance créatrice de deux caractères forts qui peinent à exister l’un sans l’autre. On a souvent dit que sans YSL, Bergé n’aurait pas percé. Le film de Lesper donne justement à réfléchir sur leur complémentarité viscérale, le second servant de moteur au premier, balisant sa route créatrice, évitant que son parcours ne finisse dans la démence la plus complète. N’est-ce pas le rôle d’un pygmalion ?

Et plus si affinités

Vous désirez regarder le film Yves Saint Laurent ?

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Les chroniques consacrées à la Révolution française en général et à Marie-Antoinette en particulier ne manquent guère sur The ARTchemists. C’est qu’on ne manque ni de livres ni de films sur ces deux sujets entremêlés. Mais nous n’avions pas inscrit le Marie-Antoinette de Sofia Coppola au palmarès. Profitons de cet été pour y remédier, car, qu’on l’apprécie ou pas, cette lecture un brin fantaisiste est en passe de devenir culte.

Une héroïne immature et frustrée

Le biopic ici déroulé se concentre sur les vingt ans que vécut Marie-Antoinette à la Cour de Versailles, depuis son arrivée en 1770 afin d’épouser le Dauphin Louis, futur Louis XVI, jusqu’à son départ forcé, quand toute la famille royale fut emmenée à Paris par la foule en colère au terme des journées d’émeute d’octobre 1789. Entre ces dates, deux décennies où l’adolescente, isolée dans un milieu hostile et décadent, tente de prendre ses marques comme épouse, mère et reine. Cela n’ira pas sans peine, et la jeune souveraine devra endurer bien des frustrations et des humiliations, sans jamais trouver le respect ni la quiétude.

On a souvent dit que cette version était très/trop librement inspirée de la vérité historique. Certes, la réalisatrice met en exergue la légèreté d’une héroïne immature qui s’enferme dans une bulle dorée de fêtes somptueuses et de folles dépenses pour compenser le désastre de son couple et les contraintes de l’étiquette. Costumes superbes, décors d’époque (le tournage a investi le château de Versailles, ainsi que d’autres sites représentatifs de la splendeur architecturale de l’époque dont, Vaux le Victomte, Dampierre ou l’hôtel de Soubise), accessoires typiques de l’art de vivre à la française au temps des Lumières, l’esthétique du film en a conquis plus d’un.

Marie-Antoinette : un conte de fées à rebours

Fashion victime assumée

On n’oubliera pas de sitôt les montagnes de pâtisseries aux couleurs éclatantes que Marie-Antoinette et ses favorites dévorent à belles dents en admirant bijoux précieux, éventails fins, étoffes de prix, broderies extraordinaires, chapeaux extravagants, chaussures excentriques… au milieu desquelles se glisse la paire de baskets de Sofia Coppola. Une manière de faire le trait d’union entre ces jetsetteurs richissimes et frivoles du XVIIIeme siècle et les jeunes fashion victimes ultra connectées, qui ne jurent que par les grands couturiers et les marques de luxe. On a d’ailleurs reproché au film d’être une sorte de catwalk digne d’un Vogue de jadis, un défilé scandé par Haendel, The Cure et Bow Wow Wow.

C’est oublier un peu vite que Marie-Antoinette fut une fashionista assumée avant l’heure, avec Rose Bertin comme styliste attitrée, Léonard comme coiffeur, et qu’elle a apporté un vent de fraîcheur dans un univers ô combien sclérosé… les allusions à son goût pour le théâtre et l’opéra, son besoin de rompre avec les lourdeurs de sa charge, sa grossesse tardive, tout cela est exact, ainsi que cet enfermement mental dans un Versailles onirique où l’aristocratie se décompose, coupée de la réalité d’un royaume en faillite. Si les séquences d’amour avec Fersen sont totalement inventées, le penchant de la reine pour le beau Suédois est effectivement avéré, de même les pamphlets qui l’accusaient des pires orgies.

Les Adieux à la reine : du roman au film, l’effondrement d’un monde

Nuances acidulées et indigestes

On passe sous silence l’affaire du collier, et c’est bien dommage, car ce scandale a très profondément affecté et la reine et la monarchie : l’occasion manquée pour Kirsten Dunst de donner à voir un peu plus les failles d’un caractère qu’elle incarne avec beaucoup de conviction ? Mais l’atmosphère décrite par Coppola est assez fidèle à celle qui régnait alors à Versailles ; et on sent de loin en loin le poids de l’Histoire, comme un écho étouffée du monde qu’on saisit à peine dans cette ambiance feutrée de conte de fées. Les consultations de l’historienne spécialiste du XVIIIeme siècle Evelyne Lever, la lecture de la biographie signée Antonia Fraser transparaissent par petites touches, comme toile de fond à l’histoire de cette gamine exilée loin d’une mère manipulatrice, qui s’en sert comme un pion sur un échiquier politique instable.

Bref, derrière les dorures et les dentelles, la souveraine la plus fashion de notre histoire camoufle pas mal de traumatismes. Et la nonchalance déconnectée de ceux qui l’entourent (on appréciera le casting plus que prestigieux du film où Jason Schwartzman, Judy Davis, Steve Coogan, Asia Argento, Guillaume Gallienne, Marianne Faithfull, Mathieu Amalric croisent Tom Hardy, les membres des groupes Air et Phoenix, le metteur en scène Jean-Paul Scarpitta ou la créatrice Victoire de Castellane) ne la soulage en rien. C’est d’ennui et d’isolement qu’il s’agit finalement, dans cette fresque aux nuances acidulées qui deviennent rapidement indigestes.

Les Dernières noces de la monarchie : vues croisées sur une fin de règne

Et Sofia Coppola aborde cette déprime qui ne dit pas son nom avec beaucoup de finesse sans creuser dans une psyché condamnée à paraître à tout prix. Cela nous vaut un portrait assez vraisemblable à défaut d’être véridique. Un film à voir donc… sans faire l’économie d’autres biopics plus fidèles, de biographies plus complètes.

Et plus si affinités

Vous pouvez visionner le film Marie-Antoinette en VoD et DVD.

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Que faire quand on veut larguer une maîtresse trop encombrante pour épouser une jeune et naïve héritière ? Le plus simple serait encore de le dire ouvertement, sauf que Mr de Bois d’Enghien, aristocrate ruiné qui a bien besoin de ce mariage pour redorer son blason, a bien du mal à annoncer la chose à la volcanique Lucette Gautier, son amante passionnée et encombrante, par ailleurs chanteuse de cabaret en vogue. Lâcheté masculine séculaire ? Ou simplement désir inconscient de ménager la chèvre et le chou ? Notre héros peine à rompre ce fil à la patte. 

Des allures de guerre de Troie comiquissime

Il faudra un contrat de mariage raté et le scandale qui va avec (dans le Paris Jetset de la fin du XIXeme siècle, ce genre d’affaire vous ruine une réputation) pour que le fiancé se décide à agir de façon énergique. Cette intrigue pourrait tenir sur un timbre-poste, me direz-vous. Oui, mais c’est Feydeau qui en déroule le fil justement de ce vaudeville génial, et avec Feydeau, ce genre d’affaire prend vite des allures de guerre de Troie comiquissime, avec rebondissements en cascades, mensonges tous plus gros les uns que les autres, situations rocambolesques à la clé. Si l’on résume, en réglant un problème, Bois d’Enghien en engendre cinq. Et s’enfonce. Pour notre plus grand plaisir.

Car, pour couronner le tout et lui compliquer singulièrement la tâche, notre fringant fiancé est cerné de personnages tous plus ravagés les uns que les autres, entre un clair de notaire névrosé qui écrit des chansons paillardes, une baronne collet monté, une fiancée oie blanche qui gère son histoire d’amour suivant les lois de l’offre et de la demande, un général au sang chaud et à l’accent latino incompréhensible… et tout ce petit monde ajoute son lot de bourdes, de courses-poursuites échevelées entre appartements bourgeois et escaliers de service, de punchlines à se tordre…

Deux versions historiques

Deux versions s’imposent, trustées par la Comédie-Française à quarante ans d’écart :

• la lecture survoltée de Jacques Charon datée de 1970, avec la troupe du français au complet, soit Charron – Boudet – Piat – Gence – Samie – Hirsch – Duchaussoy – Deiber – Noëlle qui nous entraînent dans une sarabande proprement hallucinante, avec son lot de gags, de quiproquos, un vrai délire qui n’a pas pris une ride.
• la version de 2011 par Jérôme Deschamps à qui revient le redoutable honneur de prendre la suite de la première version, historique, sans faire redondance. Et le père des Deschiens y parvient, grâce à un casting aussi éclatant que la première affiche (Guillaume Gallienne passe du rôle de Cheneviette, l’ex de Lucette, à celui de la gouvernante anglaise avec une aisance déconcertante, Christian Hecq est à se rouler de rire dans le personnage de Bouzin, et c’est tout à son crédit, vu qu’il prend la succession de Robert Hirsch, qui a marqué l’histoire de la troupe et du théâtre français avec son interprétation) ; on ajoutera la fameuse touche Deschiens donc, dans les gags et la diction, mais aussi dans les décors kitch (le papier peint où dialogue des séries de fées et d’escargots), les costumes un peu dingues (les fourrures de la Baronne qui assemblent des ours en peluche).

Vous hésitez ? Ne choisissez pas, regardez les deux, pour le plaisir d’abord, la crise de rire ensuite, la leçon de théâtre également : en deux mises en scène, la Comédie-Française démontre ici son pouvoir d’adaptation, sa griffe singulière quand il s’agit de s’emparer d’un texte et d’en apporter une lecture à la fois ancrée dans l’époque et intemporelle. Et puis le rire n’a pas d’âge, Le Fil à la patte est un prodige de légèreté, c‘est drôle, c’est léger, superbement écrit, plein d’imagination, c’est à voir, revoir, rerevoir !

Et plus si affinités

Vous pouvez visionner la version 1970 de la pièce Le Fil à la patte sur le site Madelen de l’INA, 

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Parmi les héroïnes romantiques, on compte des saintes et des garces, des victimes et des tueuses, des innocentes et des criminelles. A priori, la très perverse Lucrèce Borgia se situerait carrément dans cette sphère. Mais sous la plume de Victor Hugo, les cartes du mal et du Bien se brouillent. Et la Lucrèce la séductrice, la fière n’en devient que plus humaine, plus touchante. Explications via l’autopsie de la mise en scène signée Podalydès pour la Comédie-Française.

Vive le drame romantique

Une mise en contexte s’impose. À l’orée des années 1830, Kean et sa troupe débarquent en France pour une tournée fracassante. En contemplant le grand acteur britannique jouer les classiques de Shakespeare, la jeune et fougueuse garde romantique française se pâme. C’en est fini des codes de la tragédie classique racinienne : vive le drame romantique, tel que le définit Hugo dans sa « Préface » de Cromwell, tel qu’il le décline dans ses pièces, ainsi que ses camarades Dumas et Musset. Dans ce théâtre secoué des violents spasmes de la passion, on tue, on trahit, on rêve, on aime avec une constance assumée dans la démesure et le désir ardent de trouver sa voie, sa rédemption.

Hernani, Ruy Blas, Marion Delorme, Angelo tyran de Padoue, Le Roi s’amuse… dans un Paris voué aux plaisirs, écrire pour le théâtre est une activité reconnue, un juteux marché, et un enjeu perpétuel. Des meurtres, de l’Histoire, des décors, du jeu, des péripéties, du suspens, des émotions fortes… le public en redemande et Victor Hugo fournit avec des hauts et des bas, s’attirant les foudres de la censure quand il évoque de trop près les affres du pouvoir. C’est que nous sommes en pleine Restauration et la Monarchie revenue péniblement d’exil après la Révolution et l’Empire n’entend pas laisser la parole aux agitateurs, aussi talentueux soient-ils.

Vice, destruction, orgueil, honneur

C’est dans ce climat que Lucrèce Borgia voit le jour. L’auteur des Orientales se convertit ici à la prose pour raconter la fin de cette femme honnie, criminelle et incestueuse, avide de racheter ses fautes dans la sauvegarde d’un fils dont elle ne peut avouer l’existence. Autant vous dire que ça finit mal, très mal, dans le sang, le poison, la vengeance… et après deux heures ininterrompues de surprises, de complots, de rebondissements et de tirades tempétueuses typiques de l’esprit romantique.

« Je suis une force qui va » disait Hernani, happé par son destin ? Lucrèce, elle aussi,, et elle va bon train, ma foi, à essayer de préserver son gamin chéri qui ignore tout de cette génitrice qu’il adore, mais qui déteste la Borgia à hauteur de sa très mauvaise réputation. Cela n’aide guère à la communication, d’autant plus que notre héroïne, si elle est désireuse de bien faire, a néanmoins beaucoup de mal à se débarrasser des automatismes inculqués par son encombrante famille. Vice, destruction, orgueil, honneur : un patrimoine génétique lourd à gérer et qui va entraîner la catastrophe.

Les Borgia ou le sang doré : une série somptueuse à plus d’un titre

Tout le spectre des émotions

Le rôle est complexe, passe par tout le spectre des émotions, des affects, des réactions, colère noire, peur, angoisse, vanité, chagrin, supplication… il est d’autant plus délicat que les autres personnages sont tout aussi nuancés, avec des écarts de comportement très brutaux. L’ensemble nécessite des acteurs chevronnés qui savent y faire pour passer du grotesque au sublime en une intonation de voix, un geste, un regard, sans tomber dans le ridicule. C’est tout le prix de la mise en scène que Denis Podalydès a orchestrée pour la Comédie Française, avec en son cœur le très impressionnant Guillaume Gallienne qui endosse la noire robe de Lucrèce.

En cela, Podalydès rend hommage au théâtre shakespearien, dont les figures féminines étaient incarnées par des hommes ; allant plus loin dans l’hommage, il propose le rôle du jeune et impétueux Gennaro à Suliane Brahim, fine, nerveuse et torturée comme la Viola/Césario de La Nuit des Rois. L’effet est déroutant de prime abord, dans ce décor sombre, funèbre presque, d’où les couleurs sont bannies, hormis le rouge du sang apposé par touches sur le noir de la cruauté. Mais très vite chacun trouve sa place dans ce ballet de mort où la vie et l’amour ne trouvent jamais leur chemin.

Une ambivalence savoureuse

De main de maître, Gallienne apporte à son héroïne une ambivalence savoureuse qui exulte dans la scène d’affrontement entre la duchesse et son époux détesté le duc de Ferrare, épris à la folie de cette femme qui le méprise et l’écrase. C’est Thierry Hancisse qui prête son talent au malheureux duc, réduit aux pires violences par frustration. Durant ce passage, les murs tremblent, car c’est un combat d’égal à égal qui se déroule sous nos yeux, frémissant, inquiétant, cocasse une seconde pour horrifier l’instant d’après : poison, épée, les menaces sont partout dans ce piège d’une cruauté totale. Les ressorts sont énormes, grandiloquents, … mais on se laisse prendre comme dans un excellent polar.

C’est que la troupe fait corps, et nous emporte dans le sillage de cette folie à l’œuvre, avec en boucle les échos des opéras de Verdi tels qu’ils furent inspirés par Hugo et Shakespeare, reflétant en accents d’une terrible mélancolie les affres de cœurs souffrants dans leurs contradictions. « Excessif » n’est pas un terme galvaudé, « jouissif » non plus. Car c’est l’histoire d’une filiation théâtrale qui se déroule sous nos yeux tandis que Lucrèce lutte pied à pied pour conserver cette ultime étincelle d’humanité, cette pureté d’être mère qui rachète toutes les fautes.

Et plus si affinités

La mise en scène de Lucrèce Borgia avec Guillaume Gallienne n’est pas disponible en DVD. En revanche, on peut avoir accès à la reprise de cette version avec un autre casting, notamment Elsa Lepoivre dans le rôle titre.

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