Costumes somptueux, demeures splendides, salons feutrés, intrigues mondaines réglées comme des complots politiques : à première vue, The Gilded Age a tout de la fresque historique grandiose et majestueuse. Mais sous le clinquant du rêve américain, Julian Fellowes (à qui l’on doit Downtown Abbey) et Sonja Warfield (scénariste entre autres de The Game) dévoilent une réalité bien plus complexe et dure : en cette seconde moitié du XIXeme siècle où l’électricité et la vapeur sont en passe de révolutionner la vie quotidienne et l’économie, le combat pour définir (et diriger) le monde à venir a commencé. C’est l’heure des barons voleurs dont les fortunes considérables balaient l’obsolète aristocratie new-yorkaise. Progrès technologique détourné et exploité par un capitalisme impitoyable, explosion des inégalités sociales, discrimination raciale, condition féminine précarisée : le tableau n’a finalement rien de doré.

Barrages et couleuvres

The Gilded Age retrace trois saisons durant (et plus si affinités, la quatrième étant déjà en production) l’ascension de la famille Russell au sein de la haute société de New-York. Contrairement aux Astor et autres van Rhijn qui dominent depuis un siècle (forts de leurs ancêtres qui signèrent la Déclaration d’Indépendance), George Russell (Morgan Spector) et son épouse Bertha (Carrie Coon) sont partis de rien pour bâtir une fortune gigantesque. Et ils comptent bien s’appuyer sur cette colossale richesse pour dicter leur loi et prendre le dessus. Sauf que l’ancienne garde n’a pas du tout l’intention de céder la place à ces nouveaux seigneurs. « Old money » vs « new money » : voici de quoi il s’agit vraiment.

25 épisodes durant, nous allons donc observer ces clans se déchirer par grandes soirées, événements mondains et bals interposés. Car la présence sociale orchestrée par ces dames (c’est l’apanage des épouses que de briller dans les salons) est aussi importante à ce jeu que les OPA et fusions/acquisitions opérées par les maris dans l’ombre des bureaux des banques. L’argent accumulé par Monsieur permet à Madame d’entrer dans les soirées les plus courues. Sauf quand les représentantes de l’Ancien Ordre font barrage. Et des barrages, Bertha va en rencontrer plus d’un sur sa route. Entre le premier bal qu’elle organise dans sa somptueuse demeure décorée comme un petit Versailles et son ultime victoire lors d’une soirée où brillent ducs anglais et grands artistes, Bertha va avaler pas mal de couleuvres. Mais en faire ingurgiter beaucoup plus, et bien plus grosses et indigestes.

Chasse à l’héritière

Pour tout dire, cette surenchère n’a rien d’amusant, d’agréable ni de très valorisant. Filles négociées et mariages arrangés, femmes seules, veuves ou divorcées ostracisées, codes moraux d’une rigidité confinant à l’absurde, il ne fait guère bon vivre dans cet univers où l’interdit est la règle, notamment pour le sexe féminin. A raison peut-être vu le nombre de coureurs de dote qui chassent les jeunes héritières inexpérimentées et un brin candides pour mieux les trahir, une fois la bague au doigt.

Les oiselles ont beau être surveillées et cornaquées par les anciennes, mères, tantes, cousines, on frôle souvent l’irréparable, la séduction et l’enlèvement par de jeunes mâles dont le discours charmeur cache souvent des appétits financiers et sociaux peu glorieux. Rien de nouveau sous le soleil, c’était déjà le cas chez Molière, me direz-vous. Cela n’en est pas moins gênant et insupportable, dans cette Amérique en train de s’ériger comme un modèle de démocratie et d’avant-garde technologique et sociale.

En quête d’émancipation

Quant à l’émancipation, elle peine à se mettre en place. Tout est fait pour que les mécanismes se répètent de génération en génération, peu importe la couleur de peau ou le statut social.

• Gladys (Taissa Farmiga), héritière de la fortune des Russell se retrouve piégée dans un mariage arrangé avec un duc britannique qui n’est pas l’élu de son cœur. Sa mère a tout fait pour l’orienter dans cette voie, écartant sans ménageant les autres prétendants, faisant fi des sentiments de sa fille. L’anecdote s’inspire de l’union malheureuse de Consuelo Vanderbilt, contrainte d’épouser un aristocrate pour assurer l’ascension sociale de sa famille et qui monta à l’autel en pleurant.
• Marian Brook (Louisa Jacobson), tombée en disgrâce matérielle après le décès de son père qui a dilapidé la fortune familiale sans rien lui dire, doit se réfugier chez ses tantes dont elle dépend complètement. Elle leur doit obéissance, se conforme un temps à leurs règles (elle n’a pas le droit d’aller travailler car ce n’est pas digne du rang de la famille), peine à trouver un préntendant qui colle à sa vision du monde et du statut de la femme.
• Peggy Scott (Denée Benton), écrivaine afro-américaine ambitieuse, subit quant à une autre forme d’effacement, moins visible mais tout aussi implacable, celle d’une société qui, même en période de « grande prospérité », ne laisse que peu de place aux voix autres que blanches, riches et patriarcales.

Histoire de l’humanité ?

Trois exemples parmi tant d’autres, qui alimentent l’amertume. Les dei ex machina qui parsèment le scénario pour forcer le destin dans le bon sens – le mariage inattendu de tante Ada (Cynthia Nixon), son héritage encore plus surprenant, qui les sauvera, elle et sa soeur Agnes (Christine Baranski) n’effacent guère ce sentiment persistant de malaise, surtout quand vous mettez en parallèle The Gilded Age avec des séries comme Succession ou Feud 2 capote vs The Swans. Le temps passe, la main mise de la jet set demeure, avec sa grammaire, ses objectifs, sa vacuité. Sa méchanceté. Sa bêtise.

De temps à autre, un outsider réussit à briser le carcan. Avec bien des difficultés. Et c’est rare. Précaire. Impression de paralysie dans un monde en pleine mutation. Enfermement dans des interdits qu’on respecte aveuglément, qu’on soit de couleur, domestique, femme, homosexuel. Parce qu’on a peur du regard des autres. Qu’on est en dépendance financière d’autrui. Sous les ors et les tentures, derrières les parures et les bijoux, c’est de cela qu’il s’agit. Monter les échelons sans perturber la mécanique. Composer entre sa volonté de réussite et ses valeurs. Démolir les anciens privilèges pour imposer les siens. Remplacer une domination par une autre. L’histoire de l’humanité en somme ?

Cet article The Gilded Age : remplacer une domination par une autre est apparu en premier sur The ARTchemists.

On ne compte plus les films évoquant la Révolution française. Mais quant aux causes profondes de cette période, c’est plus nébuleux. Tourné en 1996, le film Ridicule de Patrice Leconte aborde cette question délicate de manière à la fois drôle, intelligente et cynique. Clairvoyante.

Comprendre les codes du bel esprit versaillais

Jeune, beau, intelligent, Grégoire Ponceludon de Malavoy est un petit marquis de province sans grande fortune, mais pétri de valeurs. Honnêteté, droiture, responsabilité : pour lui, un noble a autant de devoirs que de droits, sinon plus. Biberonné à l’esprit des Lumières, il enrage de voir ses paysans décimés par la malaria ; ses terres sont couvertes de marais immondes qu’il faudrait assécher de toute urgence. Pour cela, il faut de l’argent. Et l’argent se trouve à la cour de Versailles. Notre héros décide donc de se rendre auprès du roi Louis XVI.

Il sait le souverain bon et attentionné pour son peuple. Il veut l’avertir, obtenir son aide, lever des fonds pour entamer les travaux et venir à bout de ce fléau. Un long fleuve tranquille ? Bien sûr que non. Plus le jeune homme découvre la Cour, plus les obstacles s’accumulent. Car pour rencontrer le monarque, il va falloir montrer patte blanche, s’imposer dans son entourage, conquérir ses proches. Comprendre les codes du bel esprit versaillais et briller dans les salons. Et ce n’est pas chose aisée.

Un ridicule dont certains ne se remettent jamais

Imbue d’elle-même, jalouse de privilèges sclérosés, la haute aristocratie n’a que faire des miséreux qui crèvent dans les campagnes, rongés par les fièvres. Elle préfère s’amuser de bons mots, de saillies, de bouts rimés et autres joutes verbales. De charmants loisirs qui cachent un esprit de compétition impitoyable, un total manque d’empathie et de bienveillance. C’est à celui qui tournera l’autre en dérision. Un ridicule dont certains ne se remettent jamais. En bon candide qu’il est, Grégoire Ponceludon de Malavoy va-t-il survivre à ce traitement ?

S’appuyant sur les récits de Bussy Rabutin et saint-Simon, le scénariste Rémi Waterhouse accouche d’un film particulièrement prenant, dont l’atmosphère tient à la fois de la comédie noire et de la satire sociale. Patrice Leconte évoque quant à lui un « western à Versailles » : il faut dire que chaque séquence sent son duel au soleil, avec la parole comme revolver. « La droiture et le bel esprit sont rarement réunis » explique avec justesse le marquis de Bellegarde, mentor du héros, qui le guide dans cette jungle sans pitié.

La métamorphose en marche

Insensible à la souffrance de la populace, cette noblesse rongée d’ennui en arrive à se dévorer elle-même, une forme de cannibalisme particulièrement odieux et prophétique : quand les êtres d’une même espèce en arrivent à s’entre-dévorer de la sorte, c’est que leur fin est proche. L’action se situe en 1780, 9 ans plus tard, la Bastille est prise. Pourtant, la bascule est déjà en train de s’opérer sous le regard impuissant et écœuré de Grégoire Ponceludon de Malavoy.

Mené avec énergie, synthétique, ponctué d’images fortes qui contredisent le panorama des salons et des jardins, le récit de Leconte se singularise par la précision des costumes et des décors, la ciselure des répliques, le jeu des acteurs. On appréciera la faconde faussement désinvolte de Jean Rochefort, l’incroyable volonté de Charles Berling, la diction racée, ironique de Fanny Ardant. Cette dernière façonne le personnage de Mme de Blayac tout en contradictions, cruelle et pathétique, dévoratrice et fragile. Déjà en perdition dans ce monde dont elle ressent la métamorphose en marche.

L’ensemble n’a rien perdu de son piquant ni de sa pertinence. Pour tout dire, le propos est furieusement d’actualité. Et cela met mal à l’aise. Décidément, la fatuité n’a pas d’âge.

Et plus si affinités

Cet article Ridicule : un cannibalisme prophétique est apparu en premier sur The ARTchemists.

On en tire en moyenne 15 000 en France à l’occasion de la Fête Nationale. Celui du Domaine National de Saint-Cloud en septembre est le plus connu dans l’Hexagone. Ils s’invitent dans les spectacles nocturnes du château de Versailles, les concerts de rock comme ceux de Rammstein. On leur consacre des festivals prestigieux comme celui de Sumida à Tokyo ou la « Feria de Julio » à Valence en Espagne. C’est une véritable compétition pour savoir qui tirera le plus beau, le plus spectaculaire à l’occasion du jour de l’An.

Ce n’est rien de dire que les feux d’artifice se sont imposés comme des spectacles pyrotechniques aussi éblouissants qu’incontournables et symboliques. Véritables prouesses techniques portées au rang d’art, ils ont captivé l’humanité depuis des siècles. À la fois fascinants et enchanteurs, ils ont été utilisés pour célébrer des moments joyeux et marquants tout au long de l’histoire. Mais à l’heure de la crise climatique et des baisses budgétaires, le feu d’artifice a-t-il encore un avenir ? Retour sur une tradition séculaire.

Feux d’artifice : un patrimoine séculaire

Point de départ de l’aventure pyrotechnique : l’empire du Milieu. L’invention des feux d’artifice est en effet attribuée à la Chine ancienne, où ils étaient connus sous le nom de « bianhuo » (feu enflammé). Leur découverte remonte à plus de deux mille ans, pendant la dynastie Han, autour du 2ᵉ siècle avant notre ère. À l’origine, les Chinois utilisaient les poudres explosives comme une sorte d’exorcisme, pour effrayer les esprits malveillants. Au fil du temps, ils ont perfectionné leur méthode en mélangeant des poudres à base de soufre, de charbon et de salpêtre, créant ainsi des feux d’artifice aux couleurs et aux motifs variés.

Leur usage s’est répandu au-delà des frontières chinoises grâce aux commerçants et aux explorateurs qui ont diffusé ce savoir-faire au Moyen-Orient et en Inde, puis en Europe. Nous sommes au Moyen Âge, les feux d’artifice sont adoptés pour des célébrations religieuses et officielles, des mariages et des baptêmes royaux, des festivités royales, de grands événements diplomatiques. Ainsi la cour d’Élisabeth Iere sera régulièrement illuminée d’élégantes chorégraphies pyrotechniques, temps forts de spectacles chamarrés où se mêlent la danse, le théâtre, la musique, les défilés, les joutes. Idem pour le mariage de Louis XIII.

Une tradition vivante… et encadrée

De nos jours, les feux d’artifice continuent d’hypnotiser les foules du monde entier. On les utilise toujours pour célébrer ces occasions spéciales évoquées plus haut. Mais avec le temps, cette activité est devenue fortement réglementée.

• Les textes de lois encadrant cette pratique sont légion, les feux d’artifice sont catégorisés, leur usage spécifié, leur vente encadrée selon l’âge et l’utilisation.
• Leur pratique implique une autorisation, idem pour leur commerce qui est réparti entre les fabricants d’artifices de divertissement et les fournisseurs de matière première.
• La profession est aussi encadrée par des syndicats, EUFIAS (European Fireworks Association) pour l’Europe, association des pyrotechniciens français (AF3P) et syndicat SFEPA (Syndicat des fabricants d’explosifs, de pyrotechnie et d’artifices) pour la France. 

C’est que la pratique peut s’avérer dangereuse et mérite le plein de précautions. Les accidents se comptent en effet par centaines, débouchant parfois sur des catastrophes. Le mariage de Louis XVI et Marie-Antoinette en 1770 est demeuré dans les mémoires de funeste façon : le feu d’artifice tiré à l’occasion a déclenché des incendies, créant un vent de panique dans la foule. 132 personnes y laissèrent la vie. Les process ont bien sûr évolué ainsi que les techniques de sécurisation : cependant, on dénombre toujours une moyenne de 220 accidents par an, principalement des blessures aux mains, au visage et aux oreilles, brûlures et dommages auditifs en majorité pour un public à 75 % masculin. C’est qu’un feu d’artifice allumé peut monter jusqu’à 400°.

Artificier : un métier exigeant et créatif

Il faut donc utiliser des produits pyrotechniques fiables fournis par des professionnels exigeants. Il convient aussi de les manipuler avec précaution comme l’explique par exemple le Centre d’information pour la prévention des incendies :

• s’informer sur leur usage et leur manipulation
• les stocker convenablement
• respecter les distances de sécurité et les normes de protection
• ne pas les laisser à portée de main des enfants et adolescents.

Pour tout dire, on ne s’improvise pas artificier. C’est un métier exigeant qui allie créativité et maîtrise technique. Les artificiers doivent connaître les différentes compositions pyrotechniques, les normes de sécurité en vigueur ainsi que la législation, tout en étant capables de concevoir des spectacles éblouissants. Leur travail nécessite minutie, patience et une attention particulière à la sécurité. Les artificiers sont des artisans passionnés qui conçoivent et réalisent des spectacles pyrotechniques uniques, mettant en scène des combinaisons de couleurs, de formes et de motifs pour créer des œuvres éphémères qui émerveillent les spectateurs.

Un art qui doit s’adapter 

Leurs compétences techniques et leur sensibilité artistique leur permettent de manipuler la lumière et les effets sonores pour raconter des histoires, exprimer des émotions et créer des atmosphères magiques. Un véritable art mis en valeur lors de concours devenus prestigieux, où se pressent les professionnels les plus aguerris comme les passionnés du secteur. qui attirent des passionnés de feux d’artifice du monde entier. Ainsi le Concours International d’Art Pyrotechnique de Cannes qui se déroule chaque été depuis 1967 sur la célèbre Croisette devant des centaines de spectateurs émerveillés. On peut également citer le concours Pyronale de Berlin, le festival Pyromagic, le World Pyro Olympics…

Tout un ensemble d’événements désormais confrontés à des défis de taille.

• Tout d’abord le coût. Selon Capital, un feu d’artifice coûte entre1500 euros pour une version très simple et 200 000 euros pour les grosses agglomérations. À Paris, le feu d’artifice, tiré depuis la Tour Eiffel, est chiffré 700 000 euros, sans compter la mobilisation des personnels de sécurité chargés d’encadrer l’événement. Ces chiffres pèsent sur le budget des communes et des festivals, qui doivent de plus en plus faire appel à des financements privés pour orchestrer des événements dignes de ce nom.
• Ensuite les normes de sécurité de plus en plus exigeantes avec le réchauffement climatique et les risques d’incendie liés à la sécheresse. Comme l’explique BFMTV, « en Île-de-France, une dizaine de communes a fait le choix d’annuler ses spectacles pyrotechniques du 14-Juillet. En cause, un arrêté interdisant « tous types de feux à l’intérieur et jusqu’à 200 mètres des espaces sensibles » et ce jusqu’au 31 octobre 2023, pour éviter les risques d’incendies des bois et forêts ».
• Les risques de pollution : les feux d’artifice libèrent des fumées chargées en nitrate et autres particules nocives, dont de l’arsenic, selon Wikipedia : « En 2003, en Inde, une étude fait à Hisar montre que les éléments pyrotechniques de la fête de Diwali y triplent la pollution de l’air pour les PM10 et le total des particules en suspension. La même année, l’OMS rappelle que l’exposition aux particules (PM) affecte la santé (effets principalement cardiovasculaires et respiratoires) ».

Inventés en Chine il y a plus de deux millénaires, les feux d’artifice ont parcouru un long chemin pour devenir une tradition vivante célébrée à travers le monde. Bien que leur utilisation ait évolué, ils continuent de captiver les gens par leur magie lumineuse. Tout en admirant ces spectacles pyrotechniques, n’oublions cependant jamais l’importance de la sécurité et du respect des précautions, ainsi que les défis que cet art va devoir relever pour s’adapter aux contraintes contemporaines et environnementales.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur le sujet, nous vous conseillons de consulter le Grand livre des feux d’artifice de Didier Brunel.

Cet article Feux d’artifice : fascination pyrotechnique séculaire et défis contemporains est apparu en premier sur The ARTchemists.

« Ce n’est pas un palais, c’est une ville entière » disait Charles Perrault du château de Versailles, pour illustrer sa splendeur. Une ville complétée de jardins gigantesques pensés comme une extension des salles fastueuses. Des jardins qui aujourd’hui encore continuent de fasciner le public et de fédérer les visiteurs. Avec l’été, le château de Versailles passe en mode outdoor. Jardins musicaux, Grandes Eaux jaillissant de partout, les espaces verts sont à la fête.

Un espace de plaisirs et de fêtes

Le château de Versailles ? À l’intérieur, 700 pièces, 2 513 fenêtres, 352 cheminées, 67 escaliers, 483 miroirs, 13 hectares de toitures…  En version outdoor, 93 hectares de jardins, avec 600 jets d’eau, 20 kilomètres de mur de clôture, 42 kilomètres d’allées et 372 statues. Des enfilades d’allées, de chemins, de bosquets, de plans d’eau, avec une organisation précise, des thèmes, des décors, des ambiances spécifiques suivant un parcours pensé. Et des temps forts, comme l’Orangerie ou le Grand Canal.

Oui, vous l’aurez compris, le palais du Roi Soleil ne se conçoit pas sans ses jardins, et ce n’est pas pour rien que Louis le XIVᵉ convoqua Le Nôtre afin d’orchestrer un chantier qui ne s’arrêtera jamais d’évoluer : aujourd’hui encore, nombre de techniciens s’affairent à entretenir/restaurer l’immense surface pensée alors comme une extension des imposants appartements, un espace de plaisirs et de fêtes somptueuses (et au passage s’inquiéter de préserver la biodiversité tout en respectant les gestes jardiniers d’antan).

La pompe du régime absolu

Il s’agit dans tous les cas de perpétuer encore et toujours le rapport presque amoureux que le Roi-Soleil entretenait avec ses parterres, parmi lesquels il se promènera jusqu’au soir de sa vie. Des parterres qu’animaient des fontaines majestueuses vibrant au son de la musique de Lully… et des Grandes Eaux. Spectacle prisé, d’une majesté incomparable et qui en dit long sur la fonction du château comme symbole monarchique.

Impossible en assistant à ce spectacle de ne pas admirer celui qui en voulut l’existence, calculant jusqu’aux effets sonores et visuels obtenus par le scintillement de l’eau sur les marbres. En parsemant ses jardins d’autant de scènes aquatiques inspirées par la mythologie, Louis XIV savait qu’il en imposerait esthétiquement, signifiant par cette mise en scène la pompe du régime absolu.

Soumettre la nature à la volonté royale

Idée latente, partout à l’œuvre : la maîtrise des éléments naturels qui se soumettent à la volonté visionnaire d’un homme de pouvoir. Cette logique est partout à l’œuvre, dans les cascades assourdissantes comme jaillies des profondeurs telluriques, dans les dieux de métal émergeant des ondes, ainsi ce Neptune mythique sortant de sa fontaine afin de saluer le roi comme un égal au milieu de torrents impressionnants (il faut une dizaine de techniciens pour ouvrir toutes les canalisations et mettre en branle cette symphonie).

Vous l’aurez compris, impossible de visiter le palais de Versailles sans parcourir ses jardins et leurs surprises : ils ont été conçus comme un tout, un gigantesque et magnifique ensemble qui dicte encore sa loi aux décorateurs contemporains. L’été offre l’opportunité d’ouvrir ces espaces et leurs beautés au public, en orchestrant en grande pompe les fééries d’autrefois. Une expérience à vivre pour découvrir l’autre visage de cet art de vivre et comprendre la véritable dimension esthético-politique du lieu.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus et découvrir ces merveilles, consultez le site du château de Versailles.

Cet article Château de Versailles outdoor : bosquets sculptés, musique de cour et ballets aquatiques est apparu en premier sur The ARTchemists.

23 avril 1789, dans les ors de la Folie Titon, propriété de Monsieur Jean-Baptiste Réveillon, directeur de la Manufacture des papiers peints, est décrétée sans ambages la baisse des salaires des ouvriers. Aussitôt, c’est la stupeur chez ces derniers qui lancent une grève que la bourgeoisie imagine un peu trop hâtivement de courte durée. Elle sera annonciatrice d’une folie d’une tout autre teneur et ampleur, trois mois plus tard : la prise de la Bastille le 14 juillet par les ouvriers de la manufacture et les artisans du faubourg Saint-Antoine. Soit le point de départ d’une révolution qui changera définitivement le visage de la France.

Donner la parole à la « foule sans nom »

« C’est étrange les noms, on dirait qu’on touche quelqu’un. Ainsi, même quand il ne reste rien, seulement un nom, une date, un métier, un simple lieu de naissance, on croit deviner, effleurer. Il semble qu’on puisse entrevoir un visage, une allure, une silhouette. »

En se saisissant de la composition symbolique de la Révolution française, à travers la journée devenue emblématique du 14 juillet 1789, Eric Vuillard creuse son sillon littéraire, celui d’une certaine mythographie littéraire, sa patte au fil des romans. Loin du cours d’histoire à la Michelet, l’historien qui conta dans ses menus détails 1789 et les turbulentes années qui suivirent, tout aussi éloigné des romans historiques qui connaissent un succès toujours plus croissant ces dernières années, l’auteur choisit de donner voix aux chapitres – les 18 que contiennent ce bref roman – « aux pauvres diables que l’Histoire a jusqu’alors laissé croupir dans le caniveau », cette « foule sans nom » qui prit les armes, bien souvent de bric et de broc, pour renverser un ordre établi et vérolé.

Touchantes listes

Après une brève incursion dans le luxe très « Marie-Antoinette Versailles » et son saccage en règle, 14 juillet nous largue dans les bas-fonds besogneux de la capitale. Dans ces rues poisseuses où se sont retrouvés des dizaines puis des centaines de quidams, brossés à la hâte par l’auteur, en d’impressionnantes séries de panoramiques et de zooms. Professions, noms, villages et pays d’origine, griefs, de manière lapidaire Éric Vuillard cite les acteurs de la prise de la Bastille dans d’interminables et touchantes listes. « Ce jour-là, à la Bastille, il y a Adam, né en Côte-d’Or, il y a Aumassip, marchand de bestiaux, né à Saint-Front-de-Périgueux, il y a Béchamp, cordonnier, Bersin, ouvrier du tabac, Bertheliez, journalier, venu du Jura, Bezou, dont on ne sait rien, Bizot, charpentier, Mammès Blanchot, dont on ne sait rien non plus, à part ce joli nom qu’il a et qui semble un mélange d’Egypte et de purin. »

Le portrait d’une France en colère

Tous décidés à dérober coûte que coûte le précieux que recèle la prison : sa poudre à canon. De ce peuple hétéroclite, réuni fugacement autour d’un événement qui dépasse bon nombre de ces protagonistes, se dessine le portrait d’une France en colère, rageuse avec ses flamboyants courages et ses misérables lâchetés. Au fil des pages, le lecteur devine le simple accablement des petites gens muter en une révolte bientôt révolution sanglante. Puissant, rythmé, glaçant et terriblement actuel, 14 juillet fait vivre la Révolution française de l’intérieur et résonne avec force dans le paysage social et politique actuel. L’auteur n’écrit-il pas au détour d’une page « Hier c’est aujourd’hui ». Debout, la nuit, à Paris se forment des bataillons…

Cet article 14 juillet – Eric Vuillard : le jour où les bataillons se sont formés est apparu en premier sur The ARTchemists.

Quand on dit Versailles, on pense automatiquement château. C’est oublier qu’à quelques encablures du palais de Louis XIV, se trouve un petit bijou d’hôtel particulier, devenu au fil du temps le Musée Lambinet. Un musée voué à raconter l’art de vivre à la versaillaise, un musée qui a récemment rouvert ses portes après trois ans de travaux. Et le résultat est juste ravissant.

Un « musée des collectionneurs »

Bienvenue donc dans les murs de la demeure Lambinet, du nom des riches entrepreneurs qui y vécurent au XIXᵉ siècle. La famille Lambinet n’excellait pas que dans le commerce, tous étaient des collectionneurs passionnés d’art. En 1929, Nathalie Lambinet décide de léguer ce somptueux bâtiment à la ville de Versailles. Trois ans plus tard est inauguré ce qui va devenir un véritable « musée des collectionneurs ».

Un musée qui, ces trois dernières années, a profité d’une cure de jouvence visant à isoler le lieu tout en magnifiant les pièces qui y sont présentées. Nouveau parcours muséal, scénographie repensée, ces mutations illustrent la politique culturelle de développement initiée par la municipalité. Au cœur de cette modernisation, une triade où l’espace Richaud et le Carré à la Farine complètent le musée d’art et d’histoire de Versailles.

Des pièces d’une rare beauté

Ce dernier vient donc de rouvrir à l’occasion de son 90ᵉ anniversaire : derrière la façade typique de l’architecture rocaille, réparties dans 35 salles rénovées et embellies, se trouvent près de 500 œuvres, tableaux et dessins, sculptures et bustes, pièces de mobilier et de décoration, accessoires… depuis son émergence jusqu’au XXᵉ siècle, Versailles y relate son histoire, temps forts de la monarchie, Révolution française, Premier Empire, Restauration, Second Empire, traité de Versailles…

On y découvre des pièces d’une rare beauté, notamment une harpe créée par le luthier de la reine Marie-Antoinette à Versailles, François-Joseph Naderman, une collection de pendules magnifiques, dont une décorée de personnages en porcelaine, les œufs de Pâques de Madame Victoire, fille de Louis XV, créés dans de véritables coquilles… Exposés en vitrine, ou placés au cœur même des appartements, tous ces objets, ces tableaux invitent à l’observation et à la rêverie.

À lire également

• Musée Cognacq Jay : dans l’intimité du XVIIIeme siècle
• L’invention du luxe à la française : genèse d’une industrie toujours florissante
• Le jeu du mobilier : le MAD révèle l’histoire de la décoration autrement

Beaucoup plus discret que son éminent voisin, le musée Lambinet se distingue par ce côté intimiste, on peut y prendre le temps de scruter chaque présentation, d’observer les détails des créations, l’évolution des styles. Discret et chaleureux, cet espace vous accueille pour vivre un moment de pur plaisir esthétique. N’en faites pas l’économie, ce serait péché.

Pour préparer votre visite, consultez le compte Instagram du musée Lambinet, ainsi que la page qui lui est consacrée sur le site de la ville de Versailles.

Cet article <strong>Musée Lambinet : à Versailles, le réceptacle d’une mémoire esthétique</strong> est apparu en premier sur The ARTchemists.

Au détour d’une de nos balades parisiennes, nous avons fait halte dans la boutique-atelier Antoinette Poisson, spécialisé dans la création de papiers dominotés, de décors muraux et de motifs. Si Dauphine de Cambre a jeté son dévolu sur la décoration et la papeterie, j’ai choisi de vous parler de leurs créations olfactives, une première collection de parfums composée de trois fragrances lancée en octobre 2020.

Trois parfums pour conter une vie

Joli Bois, Bien Aimée et Tison : ces trois parfums racontent la vie de la Marquise de Pompadour. Un véritable défi confié au nez britannique Lyn Harris. Car, on s’en doute, il n’est pas simple de créer un univers olfactif pour narrer en parfum le destin exceptionnel de Jeanne-Antoinette Poisson, distinguée par Louis XV qui en fit sa favorite. Il s’agissait de retranscrire les émotions de cette idylle tout en nous projetant dans le faste du XVIIIe siècle. Très typée, chacune de ses fragrances est singularisée par un motif sur mesure, une manière pour la maison de nous emporter dans un voyage sensoriel qui convoque à la fois les senteurs et les couleurs, l’odorat et le visuel.

 Joli Bois, la rencontre

Ce premier assemblage nous fait remonter le temps jusqu’à l’été 1743. Nous voici dans la forêt royale de Sénart, où Louis XV a l’habitude de chasser. Il y croise un jour Jeanne-Antoinette Poisson, une rencontre peu être un peu arrangée si l’en on croit les livres d’Histoire. Aussi, Joli Bois est très végétal : iris, cèdre (qu’on retrouvera dans les deux autres parfums comme un fil conducteur olfactif), puis des notes de bergamote et d’agrumes symbolisant l’audace de cette jeune femme de 22 ans désireuse de séduire le monarque. Ce parfum, frais et piquant à la fois, se termine sur une note de fond boisé, souvenir d’un moment charnière, fondateur du destin à venir. Joli Bois est associé à une composition originale de la maison, peinte à la main « à la détrempe »et inspirée des tapisseries d’Aubusson du XVIIIe siècle.

Bien aimée, une vie de château

À 24 ans, la jeune marquise s’installe au Château de Versailles : nous sommes en 1745 et elle devient la maîtresse en titre du Roi.  Bien Aimée évoque l’ascension fulgurante de la favorite, désormais titrée et enrichie du domaine de Pompadour. C’est une eau de parfum florale ; on est saisi par une note de tête citronnée qui s’efface pour laisser place au lilas et à la fleur d’oranger. Une véritable invitation à la flânerie dans les jardins de Versailles, un bouquet de fleurs fraîchement coupées à la main. Côté motif, on retrouve une superbe création composée de véritables fleurs brodées du XVIIIe siècle.

Tison, un retour au calme au coin du feu

À 30 ans, la Marquise n’est plus la favorite de son royal amant. Lassée par la vie à la Cour, elle s’en éloigne, même si elle demeure malgré tout le grand amour du Roi et sa fidèle confidente jusqu’à la fin. Avec ses notes fumées et boisées, Tison est donc le parfum du retour au calme, un besoin de quiétude loin des intrigues de château, une impression de confidence au coin du feu. En note de cœur, une odeur de parquet fraîchement ciré avec de la cire d’abeille ; pour la note de fond, le santal, le papyrus ou la térébenthine. Calme, boiseries intimistes, froissement du papier à lettre, crissement de la plume tandis qu’on écrit, crépitement du feu dans la cheminée. Tison est une sage allégorie de l’amitié entre les deux amants devenus complices. Le motif est quant à lui inspiré du savoir-faire artisanal de la dominoterie, spécialité de la maison d’édition À Paris chez Antoinette Poisson.

À lire également :

• L’invention du luxe à la française : genèse d’une industrie toujours florissante
• Musée Cognacq Jay : dans l’intimité du XVIIIᵉ siècle

Certes, ma préférence va à Tison, un parfum très boisé, très intime et qui, petit plus, propose du galbanum en note de tête, une fragrance métallique que j’affectionne tout particulièrement. Il convient cependant de reconnaître que cette trilogie est une véritable réussite dans son ensemble. Des parfums d’exceptions à la vocation biographique inattendue, mis en scène dans de véritables petits décors de théâtre, petits écrins pensés pour sublimer les accords parfums/motifs. Tout cela se passe au sein de la boutique-atelier du 11e arrondissement de Paris. Je vous invite à aller en profiter au plus vite !

Pour en savoir plus sur les parfums de la marque Antoinette Poisson, consultez son site web.

Cet article <strong>Eaux de parfums <em>Antoinette Poisson :</em> une biographie olfactive de la Marquise de Pompadour</strong> est apparu en premier sur The ARTchemists.

« En pleine nuit, M. Deschannel tombe de son train en marche » : la Une du quotidien Le Petit Parisien en date du 25 mai 1920 préfigure le souvenir que laissera Paul Deschanel dans les mémoires. Un fou, incapable de gouverner. Une postérité bien injuste, que le film Le Tigre et le Président tente de rectifier.

Agir, changer les choses

S’appuyant sur plusieurs biographies, le réalisateur Jean-Marc Peyrefitte revient avec autant d’humour que d’émotion sur le parcours de Paul Deschanel, plus spécifiquement ce moment clé où il est élu président au lendemain de la Première Guerre Mondiale. Et c’est un homme aux convictions progressistes bien trempées, porteur d’une véritable volonté de réforme sociale, animé par la foi dans l’avenir et l’humanité, qui accède à l’Élysée, en place d’un Clemenceau revanchard et un brin conservateur.

Favorable au vote des femmes, à l’éducation des masses, à l’égalité des droits, convaincu par ailleurs que le traité de Versailles porte en germe un nouveau conflit mondial, Deschanel use des nouvelles technologies à sa disposition pour communiquer avec les Français, susciter leur adhésion, leur enthousiasme. Le statut purement honorifique de sa fonction, il n’en a cure. Il veut agir, changer les choses. Et c’est un vent de changement qui déboule avec lui durant les conseils de ministres qu’il met au pas avec esprit, humour et fermeté.

Deux animaux politiques ?

Tout irait très bien, s’il n’était déjà très surmené, intellectuellement et émotionnellement épuisé. Un brin dépressif au passage. La charge de ses attributions ne va guère l’aider, au contraire. Accablé par un emploi du temps démentiel où il perd de précieuses heures à inaugurer des monuments aux Morts, rencontrer des anciens combattants, visiter des usines, serrer des mains et embrasser des enfants, Deschanel va bon train, c’est le cas de le dire, vers le burn-out. Et ses opposants ont très bien saisi la chose, qui attendent sa chute pour se saisir du pouvoir et écraser ses velléités de changement.

En tête de cette meute, Clemenceau donc, le Tigre, va-t-en-guerre impénitent qui veut faire payer l’Allemagne à tout prix, par ailleurs représentant d’une caste dominante qui n’entend pas céder un pouce de ses prérogatives. Le vieux roublard va tout faire pour assurer la déchéance de cet idéaliste exalté dont il ne supporte ni l’esprit ni le bon sens. Y parviendra-t-il, tandis que l’élection surprise de son rival le condamne à un semi-exil dans une campagne qui lui est intolérable ? De fait, Jean-Marc Peyrefitte met en scène la confrontation de ces deux animaux politiques animés, sinon d’idées similaires, du moins d’une énergie commune.

À lire également

Apocalypse – la Première Guerre mondiale : la Grande Boucherie ou les ténèbres en couleurs

A l’Ouest, rien de nouveau : une adaptation sans concession

Jaurès, naissance d’un géant … ou les premiers pas d’un grand semeur d’idées ?

Portrait tragique d’un visionnaire

On s’attendrait à une comédie, et le jeu d’André Dussolier, parfait dans le rôle du Tigre, va dans ce sens, de même, l’interprétation de Christian Hecq en Millerand. Mais le portrait d’un Deschanel dévoré par son idéal, consumé par sa dépression, est d’autant plus tragique que cet homme était visionnaire, et que s’il avait eu suffisamment de force et d’équilibre pour rester à l’Élysée, il aurait pu, espérons-le, éviter cette Seconde Guerre Mondiale dont il avait perçu, à raison, la menace. Fragile et élégant à la fois, Jacques Gamblin apporte un relief incroyable à ce personnage qu’on caricaturait jusqu’à présent.

Ce n’est désormais plus possible, le film de Peyrefitte est passé par là, pour réhabiliter cette figure historique méconnue. Son récit offre par ailleurs l’opportunité de méditer sur les dangers du pouvoir. Il ne fait pas bon être trop pétri de valeurs et de droiture quand on pénètre les couloirs de la politique, et qu’on envisage d’en changer le cours. Deschanel fut-il terrassé par sa maladie mentale, ou psychiquement écrasé par un entourage qu’il gênait trop, et qui voulait sa perte ? Ou est-ce un peu des deux ? On ne saura jamais. Ce qui est sûr, c’est que c’était un grand homme ; nous ne pouvons que pleurer sa perte, car, c’est certain, il aurait changé la face des choses.

Le film Le Tigre et Le Président est disponible

En VoD sur :

En DVD sur :

Cet article Le Tigre et le Président : histoire d’un grand homme tombé d’un train est apparu en premier sur The ARTchemists.

28 novembre 1973, 21 heures, théâtre Gabriel dans le château de Louis XIV : la bataille de Versailles commence très officiellement. Pourtant, depuis des mois déjà, le combat a débuté, agitant les coulisses de la mode à l’international. Ce sont les différents actes de ce duel historique que nous raconte Robin Givhan dans un livre captivant paru aux éditions Séguier.

Un duel qui ne dit pas son nom

Un des épisodes de la série Halston évoque ce temps fort de l’histoire de la haute couture mondiale ; le livre La Bataille de Versailles décortique 360 pages durant, avec un luxe de détails et d’anecdotes, ce qui constitue un véritable tournant pour l’industrie planétaire de la mode. Officiellement, il s’agit d’une invitation cordiale afin d’orchestrer un défilé de mode en deux temps, dans un lieu culturellement prestigieux, devant la jet set des cinq continents réunie. La première partie du spectacle mettra en valeur les collections de cinq grands couturiers français, Yves Saint Laurent, Givenchy, Cardin, Marc Bohan pour Dior, Ungaro ; le second acte portera sur les créations de leurs homologues américains, Bill Blass, Oscar de la Renta, Halston, Anne Klein, Stephen Burrows.

Homologues ? C’est bien là le problème. La France se revendique comme la patrie de la haute couture, les stylistes venus de l’autre côté de l’océan ne peuvent prétendre appartenir à ce panthéon. Il va donc leur falloir conquérir ce droit, au travers d’un affrontement sans pitié, où tous les coups sont permis ou presque. Et Robin Givhan de nous raconter avec énergie et précision le pourquoi du comment de cet événement d’anthologie, où s’affrontent deux conceptions de la mode et du style. Deux marchés également, haute couture et prêt à porter, mais aussi industrie à la française, respectueuse des traditions et du décorum versus production à l’américaine, moderne et pleine de fantaisie.

Faire exploser les codes du défilé

Boosté par Eleanor Lambert, première grande marketeuse de la mode USA et fervente supportrice des couturiers américains, la soirée s’organise pas à pas, obstacle après obstacle, sous nos yeux ébahis et amusés. Petite leçon de communication et de réseautage, tandis que les femmes les plus élégantes de la planète deviennent les ambassadrices de cette manifestation présentée comme unique, et qu’il va falloir penser comme un véritable show. Un show que les Américains vont devoir improviser, alors que les imprévus viennent impacter leurs plans, déjà très simples faute de moyens. Pourtant, ce sont eux qui vont marquer les esprits ce soir-là. Eux, leur manière de concevoir les vêtements et l’allure féminine. Et puis, il y a leurs mannequins.

C’est une armada de belles filles dont beaucoup sont issues des minorités ethniques qui déboulent sur la scène du théâtre Gabriel pour faire exploser les codes du défilé bien sage dans les salons des maisons de haute couture. Ces jolies filles ont une véritable présence, du charisme à revendre ; qu’elles marchent ou qu’elles dansent, elles font vibrer les tenues qu’elles portent avec grâce. C’est le cœur même de l’événement, ce qui en fera un tournant majeur : cette manière inédite et révolutionnaire de montrer le vêtement en action. L’auteur en profite par ailleurs pour détailler les attraits sociologiques de la mode dans une Amérique alors déchirée par la guerre du Vietnam et les conflits raciaux.

À lire également :

• Halston : Icare de la mode ?
• Fashion ! : de la haute couture à la globalisation du luxe, 30 ans d’histoire de la mode à la française !
• Condé Nast : La fabrique du chic… et l’aventure de Vogue

De toute évidence, La Bataille de Versailles est un véritable plaisir à lire et une mine d’enseignements et de références. Seule frustration : l’absence d’illustrations. Il reste cependant la précision de descriptions qui aident l’imagination et forcent la curiosité. Par ailleurs, ces pages constituent une véritable initiation à la stratégie marketing propre aux codes du luxe.

Cet article La Bataille de Versailles : zoom sur les enjeux et les dessous d’un défilé d’anthologie est apparu en premier sur The ARTchemists.

Allez, offrons-nous un tourbillon de douce folie, de légèreté et de rire avec Les Folies Offenbach ! Tourné en 1977, ce délicieux téléfilm n’a pas pris une ride ! Au contraire, on reste stupéfait devant la jeunesse du propos, l’élan incroyable de ce récit. Au centre de cette série, Offenbach donc, que nous découvrons en plusieurs instants clés de sa vie, depuis ses débuts d’homme de spectacle jusqu’à son ultime composition, ces Contes d’Hoffmann si merveilleux, si nostalgiques. Entre les deux défilent les grands succès, La Belle Hélène, La Vie Parisienne, La Périchole … et les figures d’exception qui croisent la route de ce diable d’homme.

Composer, composer sans cesse

Car Offenbach ne recule devant rien pour réaliser ses visions de créateur, cadrant en cela avec la hargne des capitaines d’industrie du Second Empire dont il n’hésite pas à moquer la bassesse d’esprit avec un humour mordant. Nous le voyons prendre en main son destin, investir dans des théâtres, découvrir de jeunes talents, composer, composer sans cesse, dans la valse frénétique d’un monde en mutation, accouchant avec bonheur et douleur de la modernité. Ne vous alarmez point, cette approche demeure en retrait, subtilement évoquée par le réalisateur Michel Boirond, désireux avant tout de façonner un divertissement de qualité qui fasse rire et rêver.

Un panel d’acteurs stupéfiants

Et il y parvient sans mal, dirigeant avec virtuosité un panel d’acteurs stupéfiants, au milieu desquels trône un Michel Serrault absolument incroyable dans le rôle titre, drôle, rusé, lucide également sur la réalité d’une Révolution industrielle qui privilégie l’argent par rapport à l’intellect. À ses côtés, Claude Pieplu, André Thorent, Michel Roux, Jean-Pierre Darras, Christian Marin, Daniel Prévost et j’en oublie tant la liste est longue, ainsi qu’une Catherine Samie dévastatrice dans le rôle d’Hortense Schneider, cantatrice incontournable et égérie du musicien, doublée d’une sacrée enquiquineuse, avec ses caprices de diva et ses coups de colère, mais inoubliable de grâce quand elle apparaît sur les planches.

Explorer le paysage artistique du Second Empire

On explore par ailleurs le paysage artistique de l’époque, avec ses us, ses coutumes, ses rivalités et ses petits travers, ainsi que les arcanes du pouvoir, puisque Offenbach très régulièrement s’en approche, témoin cet épisode délirant où il s’invite ainsi que ses amis comédiens à Compiègne dans le cercle de l’empereur alors qu’il n’ a pas été convié. La visite officielle tourne en cavalcade coquine, version désopilante, mais tout aussi ravageuse de certains passages de Son Excellence Eugène Rougon de Zola. Par delà ces grivoiseries et ces farces, demeure la musique du maître, inventive, inoubliable, amusement reconnu comme un véritable chef-d’œuvre.

Orchestrer les plaisirs d’une époque

La prolixité tourbillonnante d’Offenbach retient l’attention, suscite l’admiration et l’épuisement, car peu arrivent à suivre ce rythme. Nous apprécions sa hargne, rien ne le fait reculer, et c’est avec brio qu’il s’impose comme l’orchestrateur des plaisirs de cette époque, à l’image d’un Molière bombardé maître des spectacles de Versailles. Bref, autant raisons bonnes et délicieuses de parcourir ces six épisodes conservés avec un soin jaloux par l’INA qui justifie ici pleinement sa fonction de gardien du patrimoine télévisuel français.

Et plus si affinités

Pour en savoir et savourer Les Folies Offenbach, consultez le site de Madelen.

Cet article Folies Offenbach : un tourbillon télévisuel est apparu en premier sur The ARTchemists.