Difficile de parler de la révolution disco sans évoquer l’épopée du Palace. La célébrissime boite de nuit parisienne a marqué l’histoire de ce genre musical, s’érigeant en temple mythique de la nuit festive. Le podcast Le Palace – L’Apogée des branchés revient sur cette épopée.

L’endroit où il fallait être vu

Un ancien théâtre converti en discothèque : pas encore inauguré, Le Palace était déjà un véritable phénomène de société. L’endroit où il fallait être vu. Stars, créateurs, noctambules en quête de sensations fortes, tout le monde s’y pressait. Ouvert en 1978, l’endroit a rapidement attiré une foule hétéroclite, allant des punks aux bourgeois, en passant par les célébrités et les figures de la mode.

Un symbole d’émancipation

Fabrice Emaer, l’âme du Palace, a réussi le pari de créer un espace où la frime, le fric et le chic se côtoyaient dans une ambiance électrique. Les soirées y étaient légendaires, rythmées par la musique disco et les excès en tout genre. Le Palace n’était pas seulement un lieu de divertissement, mais aussi un symbole de l’émancipation et de l’affirmation de la communauté homosexuelle.

Une période charnière

Le Palace et la disco : un duo indissociable. Ces deux versants d’une même révolution culturelle incarnent une période charnière, entre la fin des idéaux révolutionnaires post-68 et l’insouciance des années sida. C’était une époque où l’on ne faisait pas seulement la fête, on la vivait pleinement. Les nuits au Palace étaient des moments suspendus, où les rencontres et les projets naissaient au rythme des basses et des stroboscopes.

C’est ce que raconte ce podcast parsemé d’anecdotes, de témoignages, de souvenirs… et de musique, bien sûr ! L’occasion de vivre cette mutation de l’intérieur, d’en ressentir le souffle, la folie dionysiaque.

Retrouver le podcast Le Palace – L’Apogée des branchés sur Radio France.

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Backrooms : comme nous l’avons expliqué dans un autre article, ces arrière-salles ont joué un rôle essentiel dans la constitution de la communauté gay. Ces espaces discrets installés en annexe des bars et des saunas ont favori les rencontres, l’exploration d’une sexualité longtemps réprimée et criminalisée. Un temps frappée par l’épidémie de SIDA, la backroom n’a jamais complètement disparu. Elle n’en demeure pas moins confidentielle. Le photographe Vincent Couderc a cependant réussi à y glisser son objectif.

Esthétisme et documentaire

Photographe français désireux de documenter la modernité sous toutes ses formes, Vincent Couderc a conçu la série intitulée « Backroom », réalisée entre 2010 et 2012, comme une immersion visuelle dans l’intimité des arrière-salles de bars gays à Paris et Toulouse. Au sein de ces espaces discrets et nocturnes attenant à des bars, les clients peuvent se rencontrer dans l’obscurité pour des interactions intimes, encourageant en cela la liberté de mœurs et l’expression sexuelle. Il s’agissait donc de capturer l’essence de ces espaces à travers des photographies qui mêlent esthétisme et documentaire.

Mystère et intensité

Longs couloirs, portes sombres, carrelage blanc, lumière rouge, néons bleus, les compositions, soignées saisissent des salles, un lit, un sling, des chaînes pendant du plafond… tous les accessoires d’une sexualité parfois extrême, où le mystère, l’intensité sont de mise. Désireux de dépasser le caractère souvent stigmatisant de ces lieux, Couderc met en exergue la complexité des relations qui s’y nouent, la richesse symbolique des décors, la quête intérieure des usagers. Les visages, les silhouettes se perdent dans l’ombre, ténus, fragmentés.

Cet obscur objet du désir

Comme en quête de soi ? Fantasmagorie, questionnement, de cliché en cliché, le spectateur scrute cet univers énigmatique, parfaite illustration de « cet obscur objet du désir » selon les termes de Buñuel. Pas voyeur directement ni volontairement, curieux cependant, imaginant ces espaces s’animer au gré des envies, des rencontres. Quelque chose de l’ambiance du film Cruising de Friedkin ? Il y a de ça, tandis que les décors passent devant nos yeux, depuis la piscine luxueuse jusqu’au donjon le plus dépouillé.

Pour découvrir l’intégralité de la série « Backroom » et en savoir plus sur le travail de Vincent Couderc, vous pouvez consulter son site officiel.

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Voici donc que nos petits camarades du Bragi Pufferfish inaugurent la Discoslut, soirée dédiée au disco assortie d’une love station, douce appellation pour désigner la backroom de l’événement. Et j’entends déjà certain.es hurler à l’infamie pornographique, plissant leur petit nez d’horreur en imaginant la dépravation à l’œuvre, le sturp, tout ce sexe, c’est saaaaaaaaaaaaaaaaaaale ! Pas bien !!!!!!

Bon, on arrête tout de suite. Car les backrooms font partie de la culture LGBT depuis belle lurette, c’est même un pan conséquent de l’histoire de la libération sexuelle.

Interactions intimes

Petite présentation du contexte pour celles/ceux qui ignorent tout de la chose : les backrooms, « arrière-salles » dans la langue de Shakespeare, sont des espaces discrets installés au sein de certains bars ou clubs de la communauté gay, où les usagers du dit lieu peuvent se rencontrer pour des interactions intimes. Donc rien à voir avec la légende urbaine dite creepypasta.

Là, je vous parle d’un autre truc. Oui, oui, dans le fond, ne chuchotez pas, c’est tout à fait ça : les backrooms, on y va pour avoir des relations sexuelles, c’est l’idée, ou pour regarder éventuellement. Le principe est toujours le consentement mutuel, entre adultes avertis et responsables. Or ces lieux, tout comme les latrines du reste (dixit Les Tasses, superbe série de photos réalisée par Marc Martin) ont joué un rôle significatif dans l’histoire des cultures LGBTQ+.

Explorer sa sexualité

Le concept a émergé dans les années 1960 et 1970, principalement dans les grandes métropoles occidentales comme New York, San Francisco, Paris et Berlin. À une époque où l’homosexualité était largement stigmatisée et criminalisée, les backrooms constituaient des lieux sécurisés pour explorer sa sexualité, rencontrer des partenaires en toute quiétude loin des regards réprobateurs et des rafles de flics. Souvent situés dans les bars, ces lieux étaient dissimulés derrière des portes ou des rideaux, permettant une certaine discrétion.

Véritables refuges, les backrooms ont ainsi participé de l’émergence de sous-cultures et de réseaux sociaux puissants au sein de la communauté LGBTQ+. Avec l’épidémie de sida dans les années 1980, les backrooms deviennent des foyers potentiels de transmission du VIH. Face à la crise sanitaire, de nombreux établissements décident de fermer ces espaces ; d’autres mettent en place des mesures de prévention, telles que la distribution de préservatifs et l’affichage d’informations sur le VIH.

Symboliques backrooms

Relaté par Philippe Poisson dans un article publié sur Qwerk, le procès des backrooms marque un tournant dans la perception de ces lieux les érigeant en symboles du combat pour les droits des homosexuels. Ils restent d’ailleurs encore et toujours populaires au sein de la communauté LGBT+, offrant une alternative aux applications de rencontre et perpétuant une tradition de rencontres physiques et spontanées.

Au XXIe siècle, les backrooms connaissent donc une résurgence, notamment dans les grandes villes européennes. Cette renaissance s’accompagne d’une prise de conscience accrue des enjeux de santé sexuelle. De nombreux établissements collaborent désormais avec des associations de prévention pour offrir des services tels que la distribution de préservatifs, l’accès à la PrEP (prophylaxie pré-exposition) et des informations sur le dépistage. L’association AIDES, par exemple, propose divers outils de prévention du VIH et des IST, adaptés aux lieux de rencontre, y compris les backrooms.

Cette évolution transforme les backrooms en espaces non seulement de rencontre, mais aussi de sensibilisation et de promotion de la santé sexuelle, intégrant des pratiques de réduction des risques et de prévention combinée. Ils ont ainsi traversé des décennies de transformation, passant de refuges clandestins à des espaces intégrés dans des stratégies de santé publique. Leur histoire reflète les luttes, les défis et les résiliences de la communauté gay face aux évolutions sociales et sanitaires.

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On le croise dans les pages des romans d’Eva Ionesco ou Patrice Eudeline, qui étaient ses amis. On l’aperçoit de loin en loin dans le documentaire Des jeunes gens mödernes. En son temps, Alain « Paca » Pacadis fit plus que défrayer la chronique ; il en rédigea le cours, dans les rubriques de Actuel ou Libé, entre autres, avec une plume inspirée d’adepte du gonzo. Camé jusqu’à l’os, alcoolisé jusqu’aux cheveux, ce proto punk au visage ravagé a traîné sa longue silhouette dégingandée jusque dans les soirées du Palace, s’autodétruisant méthodiquement jusqu’à l’heure d’un trépas aussi tragique que mystérieux. Ce parcours hors normes, deux livres le racontent : Alain Pacadis, itinéraire d’un dandy punk et Alain Pacadis Face B. Deux livres dont il faut croiser la lecture pour une vision plus juste de cette ombre qui n’a rien du passé.

Paca n’est pas synthétisable

Qui était Alain Pacadis ? Punk, dandy, journaliste, chroniqueur, homo, drogué, dépressif, suicidaire, intellectuel, mélomane … Figure incontournable de la scène underground parisienne, Paca n’est pas synthétisable, loin s’en faut. Celui qui en parle le mieux selon moi, c’est Musset : « Regardez-moi ce petit corps maigre, ce lendemain d’orgie ambulant. Regardez-moi ces yeux plombés, ces mains fluettes et maladives, à peine assez fermes pour soutenir un éventail ; ce visage morne, qui sourit quelquefois, mais qui n’a pas la force de rire. C’est là un homme à craindre ? » En décrivant son Lorenzaccio, Musset avait-il en tête qu’il dressait avec un siècle et demi d’avance le portrait craché d’Alain Pacadis ?

Inspiré par William S.Burroughs, Hunter S. Thompson, Lester Bang et autres chantres de la littérature gonzo, Pacadis a fait exploser les codes du journalisme traditionnel à la française pour ne plus relater mais vivre. Chez lui, pas de séparation nette entre l’existence perso et l’écriture. Pacadis vivait ses chroniques de l’intérieur et avec passion, traînant dans les clubs, les squats, les afters, les concerts, tout en écrivant des articles qui mélangeaient reportage, poésie punk et journal intime. Défoncé à l’extrême, jamais il n’a rendu un papier en retard. Lettré, cultivé, curieux, crade, paumé, en quête perpétuelle d’amour, de reconnaissance, il avait tout du grand écrivain maudit, made in 70’s.

Détecteur de pépites, découvreur de talents

Pourquoi s’y intéresser ? S’il ne fut pas au cœur même du générateur, il en observa le cours avec attention, passant le gué des Sixties pour plonger dans le marigot punk avant d’embrasser la folie des nuits disco. Sa route a croisé celle de nombreuses célébrités, des figures de proue de la nuit parisienne dans ce qu’elle avait de plus dingue, de plus créatif, de plus avant-gardiste, de plus jusqu’au-boutiste. Yves Adrien, les Gazolines, Maud Molyneux, Marc Zermati, Jean-François Bizot, les Stinky Toys, Gainsbourg, Fabrice Emaer, on ne les compte plus, ceux qui firent partie de son cercle, qui furent ses proches.

Détecteur de pépites, découvreur de talents : véritable chien truffier musical, Paca va mettre en avant Suicide, Television, les Ramones, porter sur les fonds baptismaux médiatiques une bonne partie de la scène punk française avant de s’adonner corps et âme au nichtclubbing, sillonnant nuit après nuit Bataclan, Bains Douches et autre Privilège. Tout cela et un bouquin plus tard, prometteur Un jeune homme chic édité en 1978, on retrouvera son corps étranglé dans un taudis de la rue de Charonne. En pleine épidémie de SIDA, alors que ses potes tombent comme des mouches, Paca une fois de plus se singularise en se faisant buter par son amant d’alors.

Un héros néo-romantique ?

Pareil personnage méritait bien de devenir un héros littéraire d’envergure néo-romantique. Deux livres lui sont consacrés, qui valent largement le détour, véritables page-turner à compulser en une lecture exaltante et fiévreuse.

• Signé Alexis Bernier et François Bruot, Alain Pacadis, Itinéraire d’un dandy punk est publié en 2018 aux éditions Le Mot et le reste. Objectif : raconter la vie de Paca en le replaçant dans son époque. Biographie précise et prenante, ce bouquin donne à voir, par-delà le destin du journaliste, le Paris underground des années 70-80 avec un luxe de détails, d’anecdotes et de références. Débuts dans Libération, nuits passées à écumer les clubs parisiens et autres repaires de la scène alternative : l’exposé est vivant, électrique, une porte d’entrée idéale dans une époque prolixe où tout était possible.
• Alain Pacadis Face B de Charles Salles sorti en 2023 aux éditions La Table ronde, fait de Paca un héros de roman. Lunettes noires, cheveux collants, maigreur d’échalas, le journaliste est saisi dès les premières lignes en train de danser sur la piste du Palace. A partir de cette transe, Salles déroule le fil d’une vie racontée en mode introspectif, celle d’un homme emporté, détruit par ses doutes, ses culpabilités, ses angoisses, ses excès, ses addictions. Anticonformiste, perdu dans ses contradictions, poursuivi par la mémoire d’une mère vampirique et instable, bref Pacadis from inside, qui embrasse le mouvement punk comme une épiphanie, s’abîmera dans les modanités avant de disparaître de la plus glauque des manières, une nuit de décembre 1986.

Électron libre pour sûr. Damné, c’est certain. Excentrique, au sens premier du terme. Chaotique, volontairement. Pacadis ne doit pas tomber dans l’oubli ; ce serait la misère de trop. Ces deux ouvrages lui rendent hommage sans verser dans l’idolâtrie aveugle. Il s’agit plus d’interroger une énigme, un talent en perdition, alimenté/rongé par les spectres. Et d’ensuite plonger dans ses écrits dont Nightclubbing : Article 1973 – 1986, publication posthume de ses chroniques pour en goutter toute la douceur amère.

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Ce n’est pas la première fois que nous croisons Olivier Py dans nos colonnes, loin de là. Directeur avisé et visionnaire du festival d’Avignon 20 années durant, cet auteur/acteur/metteur en scène engagé ne compte plus les spectacles à succès ni les polémiques. Ardent défenseur du théâtre, c’est une véritable déclaration d’amour à l’art dramatique qu’il signe avec Le Molière imaginaire. Et un ovni filmique d’une puissance rare.

Une course contre-la-montre

Théâtre du Palais Royal

17 février 1673

La Troupe du roi se prépare

pour le dernier acte du Malade Imaginaire.

Jean-Baptiste Poquelin, dit Molière,

n’a plus que deux heures à vivre.

Inscrit en lettres blanches sur fond noir, le pitch du Molière imaginaire, d’une rare simplicité, assomme le spectateur dès les premières secondes du film. C’est à une course contre-la-montre que nous allons assister : les derniers moments de Molière, vécus en direct live ou presque sur scène, en dessous, au-dessus, tout autour, tandis que J.B. Poquelin se perd dans ce labyrinthe où l’attendent ses fantômes. Celui de Madeleine, la femme aimée puis abandonnée au profit de sa fille Armande ; celui d’un père hargneux et critique ; celui d’un enfant mort trop tôt…

Place au théâtre

Et puis il y a l’ombre des personnages de Molière, petits marquis aux allures de clowns, Précieuses au visage de sorcières ou de Parques. Fardés de blanc comme autant de cadavres animés, ils évoquent les poupées blafardes de Kantor. Molière, agonisant qui s’ignore tandis qu’il crache le sang, vole de l’un à l’autre, courant après la vie qui s’enfuit. Regrets, remords, fierté, il se remémore ses amours, ses victoires, ses échecs, ce Roi qu’il sert avec fidélité et qui l’abandonne. Quant à sa troupe, face à l’inéluctable, elle envisage déjà la suite, priant pour que son directeur tienne jusqu’au rappel, quitte à le porter sous les acclamations d’un public qui ignore tout de la tragédie à l’œuvre.

Fiévreuse et impudique, la caméra colle aux basques de ce malade pas si imaginaire qui traverse de part en part un théâtre exigu comme une chapelle, éclairé de mille bougies tel un tombeau. Il n’y a que sur scène que la vie demeure, à peine. La quitter, c’est crever à coup sûr, et tant pis pour le salut de son âme : place au théâtre ! Un cri d’amour lancé par Olivier Py et ses interprètes qui évoquent les mystères moliéresques comme un miroir concentrant toutes les beautés de l’art dramatique. Les beautés, les exigences et les désillusions.

Le théâtre triomphera toujours !

La mise en scène, frénétique, accroît le sentiment d’urgence d’un démiurge acculé aux dernières minutes qui lui restent à vivre. Ionesco et Beckett ne sont pas loin, Shakespeare non plus, Ariane Mnouchkine aussi, Jean-Luc Lagarce également qui, rongé par le SIDA, a dirigé un Olivier Py débutant dans son ultime spectacle : Le Malade imaginaire déjà. Une expérience marquante dont le souvenir ressort à chaque plan de cette sarabande macabre, éblouissante de subtilité, de justesse, de profondeur. Laurent Lafitte campe un Molière démentiel, exultant jusqu’au dernier souffle, s’accrochant à son art comme à une bouée dans la tourmente du trépas qui s’annonce. Autour de lui, Jeanne Balibar, Bertrand de Roffignac, Catherine Lachens, Stacy Martin, Dominique Frot, Judith Magre, Jean-Damien Barbin, d’autres encore, talentueux, inspirés, recueillis.

Une troupe véritablement, un ensemble qui fait corps devant l’imminence de la catastrophe. Une catastrophe devenue miracle : J.B.Poquelin meurt, Molière demeure, éternel. Le message est clair : le théâtre triomphera toujours, porté de génération d’acteurs en génération d’acteurs, un tribut, un héritage, une filiation. Une responsabilité. L’homme de théâtre apparaît ici comme une vigie, ce chien noir aboyant au bord d’une tombe perdue, veilleur de nuit, gardien des consciences, symbole de fidélité, de sagesse… et de philosophie. Molière cynique ? Bien sûr, et son esprit, toujours palpitant, demeure de même, mordant, et prompt à attaquer la bêtise et l’obscur.

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Oyez, oyez, passionnés de théâtre et étudiants en mal de révisions ! Aujourd’hui, The ARTchemists vous embarquent au cœur de Juste la fin du monde. Entre crise personnelle et familiale, cette tragédie moderne signée Jean-Luc Lagarce explore les recoins les plus sombres et les plus lumineux de l’âme humaine. Magistrale, cette pièce mérite 1000 fois d’être explorée par le menu tant elle secoue et le cerveau et les tripes.

Louis ou Jean-Luc ?

Écrite en 1990, Juste la fin du monde raconte l’histoire de Louis, un écrivain d’une trentaine d’années, qui revient dans sa famille après une longue absence. Un retour au bercail pour annoncer sa mort prochaine ; Louis est rongé par un mal aussi mystérieux que fatal. Sur une seule journée (la fameuse unité de temps chère aux dramaturges classiques), Louis retrouve sa mère, sa sœur Suzanne, son frère Antoine et la femme de ce dernier, Catherine. Un grand élan du cœur ? Non. Cette réunion familiale sera teintée de non-dits, de malentendus et de tensions. Louis repartira sans avoir révélé son secret.

Louis, qui pourrait être Jean-Luc. Lagarce, né en 1957, formé à l’école de théâtre de Besançon, fondateur de la compagnie Théâtre de la Roulotte, adepte du théâtre de l’absurde, l’un des dramaturges les plus joués en France, découvre sa séropositivité dans les années 80. À cette époque, le SIDA fait des ravages, la maladie emporte ceux qu’elle atteint en quelques mois. C’est le point de départ de Juste la fin du monde. Marquée par une écriture poétique et incisive, la pièce traite des thèmes de l’absence, du retour et des relations humaines, sous le prisme d’un mal qui ronge l’âme autant que le corps.

État de crises multiples

Le retour de Louis après des années de silence ou presque enclenche une série de règlements de compte qui a tout de l’exploration de la crise familiale, écho de la crise interne de chaque protagoniste. Louis, en revenant au sein de sa famille, affronte l’amour de ses proches autant que leurs rancœurs. Face à lui :

• La Mère, sans prénom, caractérisée juste par son rôle de mère, et qui oscille entre l’amour inconditionnel pour ce fils qui, en aîné, porte le nom de tous les aînés de la famille, y compris son propre père, et l’amertume consécutive à son absence (sa fuite ?).
• Suzanne, la sœur cadette, profondément marquée par le départ de cet aîné qu’elle adule sans vraiment le connaître, et qui cherche à tout prix à renouer le dialogue malgré le fossé qui les sépare.
• Antoine, le frère rongé par la colère et le ressentiment, figure de l’homme aigri par les responsabilités qui lui incombent depuis le départ de Louis.
• Catherine, la belle-sœur, la pièce rapportée, l’épouse qui observe, tente de comprendre et tempérer les dynamiques conflictuelles de cette famille.

Le père ? Il a disparu, on ne sait où, parti, mort. Rien ne le précise, mais lui aussi manque, et on sent que Louis aurait dû le remplacer, qu’il aurait dû endosser son fardeau de chef de famille. Mais Louis a visiblement préféré l’éloignement, l’émancipation et la liberté, loin de ce cocon écrasant et castrateur. De la fratrie, il est le seul à s’être accompli.

Un sentiment de non-accomplissement

Le ressentiment est latent, qui se traduit par des dialogues entrecroisés, où chacun tente de s’exprimer sans vraiment être entendu, créant une atmosphère de communication rompue et de solitude partagée. Juste la fin du monde explore la difficulté de dire, de se dire, la douleur de retrouvailles qui ravivent les blessures du passé plutôt que de les cautériser. Les personnages de la pièce, profondément humains, reflètent à leur manière la complexité de la communication entre individus, emprisonnés qu’ils sont dans leurs monologues intérieurs et leurs incompréhensions.

On ne peut s’empêcher de s’interroger sur leurs réactions à tous quand ils apprendront la mort de Louis. Le soulagement pour certains ? La culpabilité pour d’autres ? l’incompréhension pour tous ? Ou bien rien que le chagrin progressivement fondu dans la routine et l’égocentrisme ? Tragédie moderne s’il en est, la pièce de Lagarce ne propose aucun dénouement clair, aucune catharsis limpide. Sentiment de non-accomplissement, de vide, de passivité volontaire accentué par la récurrence de dialogues feints où les tirades résonnent comme des ruminations intérieures.

My own private catharsis

La temporalité de la pièce contribue à cette tragédie de la passivité. Si l’action se déroule en une seule journée, le temps semble s’étirer à l’infini, chaque instant étant chargé de conflits non résolus, de silences pesants. Adieu le climax inévitable des tragédies grecques ou raciniennes : ici, l’absence de progression renforce le sentiment de stagnation. Les personnages sont comme paralysés par des émotions trop fortes pour être exprimables/acceptables. Incapables de changer ou de faire avancer les choses, ils demeurent figés.

Chaque spectateur, témoin impuissant de cet affrontement qui ne dit pas son nom, repartira avec son expérience, ses ressentis. Peut-être s’est-il reconnu dans ce long silence ? My own private catharsis, pourrait-on dire, singeant le titre du film de Gus Van Sant. La pièce se termine sur un néant familial et personnel : Louis retrouvant sa solitude, avançant sur le chemin qu’il a choisi de tracer, assumant seul, en des mots qui enfin cessent de se répéter pour disparaître dans la nuit. Un reflet lucide et pertinent, poétique et mélancolique de la complexité et de la douleur des relations humaines.

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En avril ne te découvre pas d’un fil excepté pendant l’édition du Club Humide. Et pour le coup il faudra retirer un peu plus qu’un fil pour tenir le choc et le rythme dans l’atmosphère enfiévrée du Klub. Car nos petits amis du Bragi Pufferfish, en collab avec le collectif With Us, ont encore concocté une prog haut de gamme qui va vous faire fondre !

Fête consciente, bienveillante, consentante et tolérante : c’est toujours la même règle qui régit l’ambiance du Club Humide comme de toutes les soirées orchestrées par la team Bragi. Traduction en français dans le texte et pour celles/ceux qui ne comprendraient encore pas le message : « Pas de comportement sexiste, raciste, LGBTQIA+phobe, grossophobe, validiste« . Cela étant posé, on n’oublie pas non plus qu’une Club Humide party a pour objectif de mettre en avant des talents des platines. Et pour le coup, on est bien bien servi en la matière.

DJ guests ?

À l’affiche, trois DJ guests qui prendront les choses en main pour vous faire tourner dingo sur les danfloors klubiens, j’ai nommé :

• Venu tout droit de Bruxelles, NMSS ( Nemesis pour les intimes) bien décidé à nous flanquer une fessée sonore à coup de mixes déments !

• Egna DJ, tout en finesse et en énergie, un vrai coup de punch !

• Gigi Lamor, prêt à vous fracasser le crâne avec ses bits décadents et ciselés comme une masse d’arme d’amour et de tendresse electro !

B2B ?

Autre temps fort de la soirée, la séquence de B2B. Un exercice de style prisé des connaisseurs, soit 2 DJ qui mixent ensemble, histoire de faire matcher leurs univers, leurs rythmes, leurs inspirations/aspirations. Fonctionneront donc en binôme et pour notre plus grand bonheur :

Julie Desire B2B Lucifer (bragiste désormais connu de vous tous) ce qui amènera à fusionner les deux styles ci dessous :

Transterror B2B Fenouil 2000 (bragiste également), soit la rencontre de ces deux ambiances :

Marso 10 C B2B a440 qui coupleront leurs skills :

Drag show ?

Pas de Club Humide réussi sans show drag.

Pour hoster et performer sur ces rythmes qui le méritent tant, comptez sur :

• la mystérieuse, hiératique et un brin psychopathique (mais toujours avec tact et élégance parce que quand même) Kahlos Ephémère.
• la non moins hiératique, mystérieuse et psychopathique (mais en mode blond) Kressida Kab.

On sera donc sur une dominante dark’n’fantaisy, gothic racé, poésie nocturne et diva des ténèbres, avec le sourire tout de même et la petite touche d’humour qui va avec !

Bref une nouvelle édition du Club Humide qui promet bien des frissons de plaisir !

Et plus si affinités

Pour en savoir plus et préparer votre venue, consultez la page Instagram du Bragi Pufferfish.

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Mercredi 3 mai 2023 : depuis ce lundi 1er mai, les réseaux sociaux sont inondés de clichés, de vidéos illustrant la nouvelle édition du MET Gala. Cela tourne en boucle, avec des taux incroyables d’ouverture, de relais, de commentaires. Ce n’est pas un hasard. Au fil des ans, le MET Ball s’est imposé comme une date clé du calendrier people à l’international, à l’égal de la Nuit des Oscars ou de la montée des marches au festival de Cannes. Mais encore ? Qui y a-t-il derrière cette soirée ? En quoi constitue-t-elle une référence en matière de communication ?

Qu’est-ce que le MET Gala ?

Surnommé « the party of the year », le MET gala ou MET ball, désigne le gala de charité annuel organisé chaque premier lundi du mois de mai pour inaugurer la nouvelle exposition du Anna Wintour Costume Institute. On ne peut en effet évoquer cet événement phare du calendrier fashion sans faire la focale sur l’institution qui l’héberge. Créé en 1937 à l’initiative de Irene Lewisohn, le Costume Institute abrite plus de 35 000 vêtements et accessoires témoignant de l’évolution de la mode depuis le Moyen-Age à aujourd’hui. Il a d’abord fusionné avec le Metropolitan Museum of Art de New-York avant d’intégrer les collections du Brooklyn Museum.

Initialement conçu comme un banquet, le MET Gala, baptisé à l’origine « Costume Institue gala », a progressivement pris la tournure d’une grande soirée à thème avec dress code obligatoire en lien avec le sujet de chaque nouvelle exposition. Des expositions aux thématiques particulièrement inspirantes et dont Wikipedia garde la trace ainsi que les magazines de mode, avides de saisir les total looks exhibés par les invités. On se souvient tout particulièrement de Heavenly Bodies : Fashion & Catholic imagination en 2018, Camp : notes on Fashion en 2019, Gilded glamour, white tie en 2022.

Pour l’édition 2023, c’est Karl Lagerfeld qui est à l’honneur avec Karl Lagerfeld : A Line of Beauty. Ce qui nous vaut un dress code baptisé  “En l’honneur de Karl”, avec à la clé des pièces iconiques de Chanel dessinées par le maître, du blanc et du noir à profusion, des catogans, des lunettes de soleil, des éventails et des chats Choupette. Quelque 600 invités se sont succédé sur le tapis rouge déroulé à l’entrée du musée, converti en salle de réception, pour gravir les marches du bâtiment sous les flashes des photographes et les cris enthousiastes des fans. Objectif : rivaliser d’inventivité, d’imagination et d’audace pour illustrer la thématique de l’année.

MET Gala : des objectifs multiples

Mais encore ? Les objectifs du MET Gala sont multiples :

• Il s’agit bien sûr de faire la promotion de chaque exposition de manière spectaculaire avec à la clé un véritable catwalk illuminé de tenues complètement folles, qu’il s’agisse de tenues historiques (Kim Kardashian arborant la célèbre robe de Marilyn Monroe, portée lors de l’anniversaire de JFK) ou de panoplies complètes créées spécifiquement pour la soirée par les grands couturiers.

• L’événement a aussi une fonction caritative cruciale. Il s’agit de rassembler des fonds pour faire vivre l’institut (achat de nouvelles pièces, restauration des collections existantes, entretien des lieux, salaire des équipes…). Comment ? En imposant un ticket d’entrée considérable. Prix du billet individuel : 25 000 dollars en moyenne, 35 000 en 2022, 50 000 en 2023 ! La location d’une tablée coûte entre 200 et 300 000 dollars. Des chiffres faramineux… et des levées de fonds records : 12 millions de dollars en 2014, 17 millions en 2022. Soit on paie sa place, soit on est invité par un grand couturier qui a retenu une table et pour qui on sert de mannequin, mettant sa notoriété au service et de la maison représentée et de l’institut.
• La visibilité médiatique est tellement important que cette soirée sert de chambre d’écho aux stylistes présents, ainsi qu’aux vedettes invitées… et aux marques dont elles sont les ambassadrices.
  • Avec environ 32 529 674 consultations mensuelles du mot clé rien qu’en France et 835 k followers pour le compte Instagram de l’événement, on a une petite idée de la résonance opérée au niveau des réseaux sociaux. La visibilité est énorme., la viralité incroyable.
  • C’est un marronnier diffusé par les organes de presse spécialisés et mainstream, avec force détails et commentaires.
  • A l’heure où j’écris ces lignes, les vidéos, les photos sont relayées partout via les comptes d’influenceurs mode, qui commentent chaque costume ; les stars invitées ont filmé leur préparation, les selfies ont fusé un peu partout, les memes se déchaînent. Le hashtag #metgala affiche 1 975 643 publications, #metgala2023, 111 341.

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La chasse gardée de Vogue

Le MET Gala constitue donc un levier marketing puissant, une mise en lumière soigneusement orchestrée et dont la logique social media s’enclenche le plus naturellement du monde. Ce n’est pas une nouveauté. L’événement a clairement été créé dans cette perspective. La première édition du «Costume Institute Gala» est organisé en 1948 par l’attachée de presse Eleanor Lambert, par ailleurs initiatrice de la première Fashion Week et fondatrice du Conseil des créateurs de mode américains. Dans un contexte d’après-guerre assez terne, alors que la mode européenne et haute-couture française ont été anéanties par l’occupation nazie et la Seconde Guerre Mondiale, c’est une occasion de relancer le secteur tout en ouvrant une porte pour les créateurs américains.

Dans les années 70, sous l’impulsion de Diana Vreeland, rédactrice en chef de Vogue bombardée directrice de l’institut, le dîner, jusqu’alors organisé dans de très grands palaces comme le Waldorf-Astoria ou au cœur de Central Park, privatisé pour l’occasion, intègre le musée même. Vreeland va oeuvrer pour en faire un événement people incontournable, un « the place to be » ultra-médiatique englobant aussi bien les stylistes et les acteurs, que les politiques, les sportifs, les artistes… c’est elle qui introduit l’idée des thématiques et du dress code, qui en fait un incontournable, qui pose l’idée phare : quand on est célèbre, on se doit d’aller au MET gala.

Aujourd’hui, le Met Ball est présidé très régulièrement par une certaine Anna Wintour, la redoutable et très respectée rédactrice en chef de ce même Vogue. Eh oui, encore lui ! Omniprésent dans l’organisation, le magazine couvre l’événement sous toutes ses coutures. Il suffit de consulter les différents comptes Vogue sur Instagram pour mesurer la main mise du vaisseau amiral de Condé Nast. Depuis sa naissance, Vogue a toujours eu pour vocation de régner sur l’industrie de la mode. C’est chose faite avec la gestion en continu ou presque du MET Gala, devenu une chasse-gardée. À la suite de Vreeland, Anna Wintour, dont le nom complète désormais le titre du célèbre institut devenu le Anna Wintour Costume Center, obtient des résultats assez impressionnants en présidant l’événement, puisqu’elle a rassemblé 145 millions de dollars depuis sa nomination.

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La recette d’un MET Gala réussi

La recette d’un MET gala réussi ? On l’a identifiée au fil de cet article :

• une flopée de superstars ;
• des costumes ouffissimes (souvenir des tenues les plus folles) ;
• des arrivées fracassantes dans la grande tradition des premières hollywoodiennes ;
• un relais frénétique sur les réseaux sociaux, l’occasion de découvrir les relations intimes des vedettes tandis qu’elles se saluent, s’embrassent et se congratulent en sortant des limousines ;
• et puis il y a l’organisation en elle-même.

Précise, rigoureuse, réglée comme une horloge suisse, conçue comme une mécanique haut de gamme, elle s’avère relativement simple : montée des marches, visite de l’exposition, cocktail, dîner de gala agrémenté de plusieurs interventions des artistes invités et différentes after. Pour s’en faire une idée, on peut visionner le film Ocean’s Eight de Gary Ross qui évoque les différents temps d’un vol de bijou pendant le MET Gala. Anna Wintour y apparaît d’ailleurs en caméo, ainsi que plusieurs habitués de cette soirée, on comprend par ailleurs les impératifs logistiques liés à la préparation et au déroulement de l’événement.

Le petit plus pour parfaire ce plat ?

• Le culte du secret imposé par Wintour. On ne sait pas grand-chose de ce qui se passe durant la soirée, les selfies sont interdits, idem pour les cigarettes. C’est une règle tacite, que d’aucuns s’empressent d’enfreindre (ainsi Kylie Jenner postant une photo d’elle dans les toilettes de l’Institut sur ses réseaux réseaux sociaux en 2017) ; en résumé, il s’agit de révéler par petites touches les entrailles de l’event sans l’afficher clairement.
• Une liste d’invités triée sur le volet (et dont on attend la publication avec toujours beaucoup d’impatience, parmi les influenceurs comme dans la presse people). Tout le monde n’entre pas, Anna Wintour y veille jalousement. Recevoir un carton d’invitation constitue donc une véritable reconnaissance sociale, un pas franchi dans la hiérarchie de la jet society, une intronisation.
  • Être convié pour la première fois au MET Gala est un honneur, que les chanceux affichent avec joie. Cette année par exemple, Marion Cotillard et Gwendoline Christie ont été adoubées.
  • A l’inverse, ne pouvoir être présent est source de regrets : l’épouse de Bryan Reynolds, Blake Lively, consacrée reine du MET gala depuis plusieurs années, a été obligée d’annuler sa venue pour cause d’accouchement ; mais elle n’a pu s’empêcher de faire un petit selfie sur Intagram, avec tireuse de lait et un petit commentaire en mode clin d’oeil « Premier lundi de mai ». Preuve que la date de l’événement est inscrite dans l’inconscient collectif.
  • Et puis il y a ceux qu’on écarte. Ainsi la non invitation de Harry et Meghan a fait couler beaucoup d’encre et attiser les rumeurs. Les convier aurait pu mettre le MET gala à mal avec la monarchie britannique, il a donc fallu ruser pour éviter le clash diplomatique.
• Une touche de scandale. Pas de MET Gala réussi sans une revendication. Ainsi en 2021, la politicienne démocrate Alexandria Ocasio-Cortez est arrivée revêtue d’une robe blanche barrée d’un « Tax the rich » résolument provocateur au milieu de tous ces personnages richissimes. Cette année, c’est la figure de Karl Lagerfeld qui fait polémique, certaines personnes invitées lui reprochant sa grossophobie, son regard critique sur le mouvement #metoo.

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Temps fort du calendrier fashion, référence en matière de communication et d’événementiel, espace d’expression et de revendication (il y aurait tant à dire sur la mode masculine telle qu’elle s’affirme en cette occasion), le MET Gala s’est hissé au stade de passage initiatique, de rituel incontournable. La pandémie n’aura pas eu raison de lui ; alors que nombre d’autres manifestations n’ont pas survécu au COVID, « The party of the year » ne cesse de fasciner les foules. Savamment trusté par un média phare du secteur, conçu comme un moment unique et sélect, cette soirée emblématique propose, nous l’avons vu, une stratégie de communication bien rôdée, en s’inscrivant à la fois dans une logique de préservation du patrimoine de la mode et une volonté d’alimenter l’avenir de ce marché du luxe tout en se positionnant comme un divertissement destiné aux « happy few » de la jet set. Un modèle du genre.

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Initialement intitulée The Newsreader, la série australienne Profession : reporter déboule sur les petits écrans anglo-saxons en 2021 pour nous raconter les coulisses d’un journal télévisé au mitan des années 80. Et cela ne manque pas de sel !

Un véritable microcosme

Au cœur de ce trépidant récit, une présentatrice en vue, Helen Norville, et un jeune reporter, Dale Jennings. Elle souffre de troubles anxieux, il est indécis sur ses attirances, il n’en demeure pas moins qu’ils sont tous les deux talentueux, amoureux et bien décidés à gravir les échelons dans cet univers ultra-machiste où il ne fait pas bon être une femme ou un homosexuel. Face à eux, une rédaction un brin léthargique, un directeur en mode boxeur, un présentateur vedette qui ne veut pas lâcher son titre malgré son grand âge et ses soucis cardiaques.

Et puis, il y a les petites mains : une petite assistante fine et ingénieuse, un ancien sportif un brin lourdaud, mais tout à fait à l’aise quand il s’agit de commenter les matches, un rédac chef sur le fil du rasoir, un cameraman vif et observateur, une maquilleuse souriante qui connaît tous les ragots… bref un véritable microcosme, avec ses flirts, ses alliances, ses complicités, ses secrets, ses dégoûts. Des humains qui ont beaucoup de mal à cohabiter, mais qui font front quand il s’agit de saisir un scoop et d’évoquer l’Actu avec un grand A.

Esclave de l’audimat

Et c’est là que la série monte d’un cran. Car tout ce petit monde va devoir gérer des crises majeures, depuis l’explosion de la navette Challenger et le passage de la comète de Halley à l’épidémie de sida en passant par l’affaire Lindy Chamberlain, la catastrophe de Tchernobyl, les attentats de Melbourne. Autant de moments clés tragiques, qu’il faut annoncer au public, images à l’appui et infos vérifiés au cordeau, s’il vous plaît. Or déjà dans ces années 80, les fake news sont légion. Nous ne sommes pas encore à l’heure des réseaux sociaux, c’est l’heure de la télévision triomphante.

Mais la petite lucarne, petit à petit, devient l’esclave de l’audimat. Pour capter un maximum de spectateurs, tous les coups sont permis, et pas les plus glorieux. On va jouer sur l’émotionnel, les grands sentiments, les biais cognitifs, chaque mot est pesé, chaque allusion calculée. Tout est bon pour racoler le public. Tous le savent dans cette rédaction où l’équilibre entre information objective et le sensationnel est précaire. Les séquences où Helen (Anna Torv) enseigne à Dale (Sam Reid) comment poser sa voix, comment positionner son corps, les intentions, les sentiments à transmettre à l’auditoire en disent long sur ce théâtre audiovisuel qui ne dit pas son nom.

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En six épisodes troussés avec dynamisme et beaucoup de pertinence, Profession : reporter fournit un cours concis, mais très clair sur la bascule des médias vers une nouvelle manière de traiter l’information. Recherche des sujets, manière de les aborder, approche synthétique sans véritable analyse de fond, tout y est. La première saison est captivante. Une seconde est actuellement sur les rails et ce n’est rien de dire qu’on l’attend avec impatience.

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« Encore un sujet sur les épidémies ??? » Ouais mes lapins, encore. Enough is never enough, surtout quand il s’agit de s’informer, comprendre, apprendre, comparer, analyser. Et de cerner comment se développe une épidémie, sujet on ne peut plus d’actualité, à l’heure où la enième vague de Covid se présente, sans compter les autres joyeusetés sanitaires que nous réservent le dérèglement climatique et la destruction de notre habitat naturel. Il est donc grand temps d’écouter le podcast Mécaniques des épidémies.

Comprendre l’histoire des virus

Direction le site de Radio France qui diffuse les différents chapitres de cette saga biologique dont voici le pitch : « France Culture inaugure une nouvelle collection de podcasts originaux, qui permettent de comprendre l’histoire des virus, des épidémies et des pandémies historiques, et actuelles ». Eh oui, mes lapins, ce n’est pas la première fois que l’humanité doit fighter avec un bad guy viral. L’épopée humaine est saturée de ce genre d’épisode meurtrier, la Grande Peste médiévale of course, la grippe espagnole certes mais pas que.

Et il revient à Renaud Piarroux de driver ce qui relève d’un véritable thriller In Real Life, à la fois à la prod et au micro. Piarroux n’est pas là par hasard : cet éminent épidémiologiste est un spécialiste des maladies infectieuses, tropicales de préférence, un expert mondialement reconnu du choléra. Chercheur à l’Institut Pierre Louis, rattaché à l’INSERM, Chef de service à la Pitié-Salpêtrière. Professeur à la faculté de médecine de la Sorbonne. Auteur. Un ponte donc, surtout quelqu’un qui sait transmettre avec autant de clarté que de simplicité.

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Questions, menaces et controverses

Et une foule d’anecdotes, émaillées de termes techniques explicités, de références précises, d’extraits d’archives audios. Il fallait au moins ça pour éclairer ces périodes de chaos où la maladie frappe non seulement l’homme mais aussi la communauté, la société. Comment apparaissent les virus ? Comment se transmettent-ils ? Comment repère-t-on les débuts de pandémies ? Que fait-on pour les endiguer ? Et après ? Quid du travail d’enquête mené par les scientifiques, de la gestion des crises, du positionnement des gouvernements et des institutions ? Quid surtout des risques ? Et c’est là que ce podcast déjà excellent prend un peu plus de poids encore.

Car outre le danger lié à la globalisation des échanges et à la destruction de l’environnement naturel, il y a aussi la menace liée… à la recherche scientifique. Avec beaucoup de lucidité, Piarroux expose la controverse touchant les expériences dites de gain de fonction. Dans un climat extrêmement compétitif, les laboratoires étudient des virus déjà dangereux qu’ils modifient afin d’en explorer le fonctionnement : c’est à celui qui fera la première publication officielle, qui sortira le premier médicament, le premier vaccin, tout ça sur fond d’affrontements diplomatiques et économiques. À quand un accident de labo qui laissera une saloperie s’échapper pour contaminer la population planétaire ?

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Une histoire qui s’écrit à plusieurs

La chose est clairement dite, la problématique posée. Souvent, la dissémination des virus découle d’erreurs humaines. Les quatre chapitres de la série en témoignent :

1. Choléra en Haïti 2010 – 2019

2. Le SIDA

3. La grippe

4. La Covid

Il y en aura d’autres, aussi pédagogiques que captivants : car les sujets en la matière ne manquent pas. Et il convient désormais de s’informer efficacement. C’est justement l’idée avec Mécaniques des épidémies : on comprend ici que les choses ne sont jamais simples, qu’il faut du temps, de la patience, de la méthode, du professionnalisme, parfois de la chance pour venir à bout d’une pandémie. Et que c’est une histoire qui s’écrit à plusieurs (savants, médecins, décideurs, laboratoires) avec toujours cette inconnue qu’est la Nature, avec ses virus et leur potentiel létal, prêts à exploser à la moindre occasion, face à l’éternel aveuglement des puissants qui privilégient les intérêts financiers plutôt que la sécurité d’une population qu’on laisse dans l’ignorance le plus longtemps possible.

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Pour remédier à cette logique, un seul moyen : s’informer, mes lapins. Le podcast Mécaniques des épidémies y parvient remarquablement. À suivre donc, pour son édification personnelle, mais aussi dans un esprit citoyen, et parce que nous le valons bien.

Et plus si affinités

Pour écouter les différents épisodes du podcast Mécaniques des épidémies, consultez le site de Radio France.

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