« Mais pourquoi vous touchez à tout ? » La question revient sans cesse, de la part d’amis, de connaissances, parfois de lecteurs. Certains voudraient que nous nous cantonnions au cinéma, d’autres à la musique, d’autres encore à la littérature. Comme si la culture se découpait en parts de pizza bien nettes, avec un couteau marketing en guise de trancheuse. Désolé, mais non : la culture ne fonctionne pas ainsi. Et qu’on se le dise une fois pour toutes : la culture est transversale, ou n’est pas.

Tout est lié, bordel !

On ne regarde pas une série comme The Wire sans penser aux polars américains de Chandler ou Ellroy. On ne comprend pas Akira si l’on n’a jamais entendu parler de la bombe atomique, ni de Kurosawa. On n’écoute pas Joy Division sans croiser la philosophie de Bataille, l’architecture brutaliste et l’aliénation industrielle de Manchester.
C’est ça la culture : des échos, des résonances, des dialogues. De la transversalité.

Transversalité culturelle : pas un mot savant pour briller en société, mais une manière de considérer les œuvres et les idées en réseau, pas en silo. Concrètement, ça veut dire qu’un tableau n’est jamais seulement un tableau, mais qu’il dialogue avec la musique de son époque, avec les débats philosophiques, avec les bouleversements politiques. C’est comprendre que la BD Maus de Spiegelman n’existe pas sans l’histoire de la Shoah, que Black Mirror n’est pas seulement une série mais une réflexion sur la technologie, héritière directe d’Orwell et d’Huxley.

La transversalité, c’est cette capacité à relier des formes différentes, des disciplines éloignées, des époques distinctes pour en faire jaillir du sens. C’est l’art du contrechamp, du détour, du télescopage : là où d’autres se contentent de consommer une œuvre, le regard transversal l’inscrit dans une constellation plus large.

L’hyperspécialisation, poison pour l’esprit

Or c’est essentiel, pour ne pas dire vital. Rester bloqué dans une case, c’est se condamner à la myopie intellectuelle.

• Le spectateur Netflix qui enchaîne des séries sans jamais ouvrir un livre finit par bouffer du scénario prémâché : il s’habitue à des structures narratives répétitives, il perd le goût de l’effort, il avale des intrigues calibrées comme des plats surgelés. À force, sa capacité à comparer, à nuancer, à se décentrer se réduit comme peau de chagrin.
• Le lecteur qui se gargarise de “grande littérature” sans jamais aller voir un concert ou une expo, c’est du snobisme sec : il finit enfermé dans une bulle élitiste, incapable de comprendre que la création vit aussi dans la rue, dans la pop culture, dans l’expérimental. Il lit mais il ne vibre pas, il devient un esthète stérile.
• L’amateur d’art contemporain qui ne se coltine jamais un roman graphique ou un film d’horreur rate la moitié du paysage : il oublie que l’imaginaire se nourrit aussi des marges, des formes populaires, des monstres. À force de mépriser certains médiums, il réduit son champ de vision et se prive des clés pour comprendre les obsessions collectives.

Bref : l’hyperspécialisation, c’est une atrophie cognitive. Elle coupe les synapses entre disciplines, elle éteint la curiosité, elle sclérose le jugement. Au lieu d’entraîner l’esprit critique, elle le met sous perfusion. Et qu’est-ce qu’on obtient ? Des consommateurs dociles, faciles à manipuler, incapables de voir les fils qui relient les images aux idées, les œuvres aux idéologies. C’est exactement ce que cherchent les industries culturelles de masse : un public captif, qui ne sort jamais de l’enclos.

Atrophie cognitive : à qui le crime profite-t-il ?

Bonne question. Parce qu’on ne réduit pas les esprits par hasard : cette myopie culturelle, elle profite à certains.

D’abord aux industries culturelles de masse. Plus ton horizon est limité, plus tu consommes en boucle la même soupe réchauffée. Séries formatées, blockbusters interchangeables, hits calibrés par algorithmes : en te maintenant dans un couloir étroit, on t’évite la tentation d’aller voir ailleurs. Résultat : tu restes captif, accroché à une plateforme, gavé comme une oie.

Ensuite, aux pouvoirs politiques et économiques. Un citoyen qui ne lit pas, qui ne croise pas les points de vue, qui ne confronte pas un film à un essai ou une pièce de théâtre à un fait d’actu, c’est un citoyen plus facile à manipuler. L’histoire le montre : les régimes autoritaires adorent les publics simplifiés, privés de recul, abreuvés d’un seul discours. La transversalité, elle, fait surgir les contradictions, les comparaisons, les analogies – bref, tout ce qui gêne la propagande.

Enfin, ça profite à notre paresse collective. On nous a dressés à aimer la facilité, le prêt-à-penser, l’immédiateté. Les plateformes encouragent le binge-watching, les réseaux sociaux favorisent le scroll sans fin, l’école parfois elle-même cloisonne au lieu de relier. Résultat : moins on croise, moins on confronte, plus on se repose. Et ce confort est une prison dorée.

En clair : l’atrophie cognitive, ce n’est pas un bug, c’est un système. Un système qui produit des spectateurs dociles, des électeurs dociles, des consommateurs dociles. Et si nous refusons l’hyperspécialisation, c’est précisément pour saboter cette machine.

Le passé n’est pas mort, il nous regarde

Chez The ARTchemists, nous sabotons la machine de l’atrophie cognitive au quotidien :

• En chroniquant La Mythomane du Bataclan, nous parlons autant de littérature que de mémoire collective, de trauma et de manipulation médiatique.
• Quand on évoque The Mist de Frank Darabont, on ne fait pas juste du ciné : on convoque Stephen King, Lovecraft, la sociologie des foules et l’effondrement du lien social.
• Notre plongée dans l’univers de Minuit Machine ? C’est de la musique certes, mais aussi de l’histoire des contre-cultures, du goth, de la techno industrielle, du désespoir urbain des années 80 à nos jours.
• Même un sujet a priori léger comme les festivals d’été devient un carrefour quand on le place dans la perspective du réchauffement climatique : écologie, politique, économie, sociologie, musique, tout va dans le même sens.

Bref, impossible d’analyser une œuvre ou un phénomène sans ouvrir grand les portes du contexte, du passé, de la société.

Refuser l’amnésie

La transversalité, c’est aussi refuser l’amnésie. Nous allons fouiller dans les archives de l’INA, exhumer des vieux films, relire des bouquins oubliés. Pourquoi ? Parce que ce passé éclaire le présent et prépare l’avenir.

• Les opéras perdus de Rameau qu’on reconstitue au XXIe siècle disent quelque chose de notre rapport à la mémoire et à la recréation.
• Les body horror japonais de Junji Ito dialoguent avec les films de Cronenberg et avec nos angoisses post-Covid.
• Un reportage des années 70 sur les luttes ouvrières résonne avec les Gilets jaunes et les débats actuels sur le travail.

Ne regarder que les sorties du mois, c’est se condamner au zapping. Nous, on préfère les grands fils rouges de la culture, les sédiments, les strates.

Notre credo : relier, pas enfermer. Oui, notre webmag parle de cinéma, de danse, de BD, de philosophie, de patrimoine. Oui, on peut enchaîner une chronique sur un shark movie et une autre sur Takato Yamamoto, puis une playlist électro goth et une réflexion sur la psychologie du travail. Et alors ? C’est précisément ça, la richesse culturelle : la mise en tension des disciplines, l’ouverture, le frottement.

Conclusion ? Ouvrir sa gueule et ses horizons

Se spécialiser, c’est facile. Ça rassure. Mais ça limite.
Nous, on préfère la complexité, l’inconfort, les chemins de traverse. Parce que c’est là que ça pense, que ça vit, que ça brûle.

Nous ne sommes pas des influenceurs lifestyle. Nous sommes des passeurs, des agitateurs, des décloisonneurs. Et si ça dérange les esprits qui aiment les cases toutes faites, tant mieux.

Alors, la prochaine fois qu’on nous demandera pourquoi on touche à tout, on répondra simplement :
Parce que tout est lié. Parce que c’est ça, la culture.

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Être une femme parfaite, un épouse parfaite, une mère parfaite… et l’étaler à longueur de vidéos sur les réseaux sociaux. Quitte à basculer petit à petit dans la maltraitance la plus abjecte. Et en pensant le faire pour le bien de ses enfants. Voici en quelques mots très synthétiques le parcours de Ruby Franke. Mais peut-on résumer cette atrocité en deux phrases ? Non. Il faudra bien les trois épisodes de la série documentaire Devil in the family: the fall of Ruby Franke pour lever un voile timide sur cette tragédie familiale et tenter de comprendre.

L’image d’un bonheur familial factice

Comprendre comment cette maman en apparence attentive et pleine de vie, joyeuse et proche de ses enfants a pu en venir à pareilles extrémités. Comment son entourage, son époux notamment, n’ont pas réagi, détournant la tête devant des maltraitances de plus en plus visibles. Comment les plateformes, malgré les commentaires et les signalisations, ont continué de diffuser ces vidéos.

Pendant des années, Ruby a vendu à des milliers de followers béats l’image d’un bonheur familial factice. Le vernis craque à l’été 2023 lorsqu’un de ses enfants, couvert de coups et de blessures, amaigri, arrive à lui échapper pour se réfugier chez un voisin. Un miracle ! Sans cela, le garçon y serait probablement resté, sa petite sœur aussi. Au centre de cette dérive, le besoin d’argent, la manipulation affective, la dérive sectaire.

Une plaie béante

Et personne pour stopper ce processus. Personne. Devant la caméra d’Olly Lambert, Kevin Franke l’ex‑mari de Ruby, Shari et Chad, ses aînés, racontent. Comme ils peuvent, car aujourd’hui encore, la plaie est béante. Les colères de cette femme off caméra quand ses petits refusent de faire ce qu’elle ordonne, les punitions qu’elle leur inflige car ils n’en peuvent plus de se mettre en scène, toutes ces séquences sont dévoilées qui font froid dans le dos, interrogeant au passage ce business des parents influenceurs.

Et les vautours qu’ils peuvent attirer quand ils manquent de limite, qu’ils sont eux-même fragiles psychiquement. Quand Jodi Hildebrandt, coach parentale et ex‑psychologue, s’invite dans cette aventure, le chaos s’installe. Au cœur de ce bouleversement, des principes religieux rigides et fondamentalistes d’un autre âge. La maison devient une prison psychologique, le père, les enfants les plus grands sont écartés, les plus jeunes sont maltraités : le lien maternel déjà très toxique s’avère destructeur.

Des enfants exploités sur les réseaux

Ruby et Jodi sont arrêtées le 30 août 2023 pour abus aggravés sur mineur, condamnées l’année suivante, très lourdement. Depuis les aînés se mobilisent pour communiquer sur le sujet, avertir, informer. Et faire en sorte que la loi évolue pour protéger les mineurs d’une exploitation digitale, quelle qu’elle soit. Car c’est là le centre du problème.

La série dénonce l’ambiguïté des plateformes : ces dernières permettent de bâtir des empires sur la promotion d’images souvent complètement faussées. Les déviances, les sévices sont en embuscade derrière la mise en scène factice d’un bonheur familial dégoulinant de bons sentiments, où la mère apparaît comme la sainte du foyer, la lumière à suivre pour sa progéniture.

Une personnalité complexe et problématique

Ce contexte offre un terreau fertile pour les abus de toutes sortes. Ruby, avant même d’épouser une discipline religieuse imposée comme vertu, jusqu’à l’effroi, Ruby présente une personnalité complexe et problématique, immature qui trouve enfin une reconnaissance dans le succès de son vlog. Ses enfants deviennent des outils assurant cette visibilité, des faire-valoir, des excroissances d’elle-même. Tout cela avec l’aval des internautes et de son entourage qui y puisent une source de revenus importante.

Intense et bien menée, Devil in the Family: The Fall of Ruby Franke est une docu-série essentielle, qui creuse le malaise contemporain des familles vlogueuses consumées par l’image, les croyances extrêmes justifiant la cruauté, et le silence complice autour de la souffrance infantile. La « viralité » parentale n’en ressort pas grandie ni la société qui autorise pareille déviance.

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Il était une fois Cendrillon abordé sous l’angle … de la méchante sœur. Le film norvégien The Ugly Stepsister raconte comment Elvira va tout faire pour conquérir le prince charmant. Tout et pire encore. Exit la féerie des contes de Perrault ou des frères Grimm, côté tout mignon de la version Disney : la réalisatrice Emilie Kristine Blichfeldt avorte toute cette guimauve à grands coups de pieds pour tisser volontairement et sans scrupule l’esthétique corrompue d’un cauchemar esthétique où dialoguent body horror, rituels de transformation aussi cruels qu’inutiles et critique sociale acérée. Le tout est une fable vomitive et riche d’enseignements.

Une fille mal dans sa peau

Elvira est l’archétype de la fille mal dans sa peau — ronde, boutonneuse, dents de travers, anglaises ridicules, mal fagotée, maladroite, romantique au-delà du tolérable. Dans une société aux diktats victoriens, où les femmes n’ont de valeur que par le mariage, la donzelle dénote, ne correspond pas aux canons de beauté imposés par cette société ultra-rigide fondée sur le paraître. Il va donc falloir la faire entrer de force dans le moule pour espérer la marier richement, vu que sa mère n’a guère de fortune, malgré l’union qu’elle vient de célébrer avec le défunt papa de la belle Agnès (Thea Sofie Loch Næss).

La cible ? Rien de moins que le prince Julian (Isac Calmroth), héritier du trône en quête d’une épouse digne de régner à ses côtés et de produire des héritiers à la chaîne. Un prince pour lequel la candide Elvira en pince gravement, fascinée qu’elle est par les poèmes du jeune homme. Transie d’amour, la jeune fille va accepter d’être refaçonnée pour pouvoir rivaliser avec les plus belles filles de la contrée, y compris sa si belle, majestueuse et très libre de mœurs demi-sœur ravalée au rang de souillon et depuis surnommée Cendrillon. Être refaçonnée : euphémisme. Dents, nez, yeux, poids, Elvira va s’imposer un enfer corporel qui va tourner à la mutilation. Esprits sensibles, s’abstenir, les séquences sont épouvantables.

Le physique plutôt que le mental

Et tout ce qu’il y a de plus réaliste. Difficile, en observant cette gamine remarquablement interprétée par Lea Myren de ne pas penser à la pression sociale accrue par les réseaux sociaux qui conduit aujourd’hui des centaines de jeunes filles à s’imposer semblable supplice le sourire aux lèvres tuméfiées par le scalpel … et à en faire la promotion ouvertement sur TikTok ou Insta par dessus le marché. Obsédée par ce prince qui n’a finalement rien de charmant (le gars est grossier, une verge sur pattes que seule une fille forte est à même de gérer, certainement pas une ingénue comme l’héroïne), Elvira accepte tout, sans même réaliser qu’elle s’enlaidit au lieu de se magnifier.

Car elle peut se transformer au physique, ce qui lui manque c’est le mental. Et pour cause. Dans son monde, une femme est un bel objet et une reproductrice, guère plus. Exit la perspective d’une éducation intellectuelle, du développement de l’estime de soi. Elvira est dressée à plaire, une poupée sans volonté, une petite chienne de salon qui jappe pour amuser ces messieurs (véridique, le passage est juste intolérable). Elle est pourtant douée pour la poésie et la danse, mais ces talents, cette émotivité à fleur de peau liée à une compréhension si forte des mots, ce côté artiste, tous ces atouts qui pourraient faire la différence sont consciencieusement gommés.

Tragédie d’un avilissement consenti

Dès les premières images, on comprend qu’on va assister à une décomposition de l’être, une dévastation de la beauté intérieure, un avilissement consenti : fleurs fanées, fruits pourris, le plan de départ scrute une table de festin en putréfaction où se déroulent les anneaux d’un long vers solitaire. Cette évocation des natures mortes du XVIIe siècle frappe les esprits, comme un coup de semonce. C’est de pourrissement qu’on va ici traiter : l’altération des consciences, l’absence d’éthique, la dureté des mœurs, l’écrasement des êtres. Clairement Elvira, dans cet univers impitoyable, est vouée à la destruction à plus ou moins court terme.

Je passe sur les stades de cette dégradation qui illustrent les pires instants de l’anorexie. Le body horror flirte avec la reconstitution historique pour tisser une atmosphère oppressante et opaque, où ombres et lumières crues s’affrontent sur fond de château néo-gothique et de valses viennoises, autant de symboles de cette conscience torturée qui ne trouvera son salut que dans la fuite, et encore dans quel état. une fuite orchestrée par sa cadette Alma (Flo Fagerli), ulcérée du traitement qu’on inflige à son aînée. Peut-être le seul personnage sain de cette histoire, car trop atypique et trop rebelle pour être épousable. La petite dernière échappe ainsi au traitement infligé par une mère dont on se demande s’il faut la blâmer ou la plaindre.

S’exfiltrer du système

Pur produit de cette éducation qui contraint les filles, la marâtre (Ane Dahl Torp) n’a que cette solution en tête, solution qu’elle utilise elle-même, suçant tout ce qui lui passe à portée de bouche pour tenter d’assurer son avenir et sa sécurité financière. Toxique au dernier degré comme l’environnement qu’elle rêve d’intégrer, ce pouvoir, cette fortune qu’elle convoite sans jamais la saisir car trop dépendante des hommes pour gagner en liberté. Dans ce contexte, c’est presqu’une chance qu’Elvira réussisse à s’exfiltrer d’un système qu’elle ne pourra jamais réintégrer vu son état final, conjuguant à l’extrême et d’une nouvelle manière le proverbe : « Il faut souffrir pour être belle ».

On ressent un mélange d’agacement et d’empathie pour cette anti-héroïne, on aimerait la soustraire à cet enfer, la secouer, lui hurler de se ressaisir, de partir loin de tout ça avant que les dégâts soient irrémédiables. Plusieurs warnings devraient l’alerter, mais elle reste jusqu’à l’ultime limite. Flirtant avec le désastre. Acte manqué ? Là aussi euphémisme. Par contre, impossible de se soustraire à la colère qui nous saisit face à la trop belle et si sûre d’elle Agnès, féroce dans cette course au mariage, devant la morgue de ce prince qui considère les filles comme des jouets sexuels, tous deux reflètent la suffisance de ceux qui sont beaux et/ou riches, qui ont le pouvoir sur le visage, dans le porte-monnaie ou entre les cuisses.

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Cela va peut-être étonner les plus candides d’enter vous, mais le monde de la géopolitique n’est pas uniquement peuplé de tanks, de missiles, de discours onusiens et de négociations barbouziennes. Non, non, non, dans cette histoire il faut aussi compter avec le soft power. Vous avez peut-être déjà entendu le mot, sans trop capter de quoi il s’agit vu que la notion est assez retorse. Dommage car la logique est vraiment efficace, et que nous sommes tous.tes touché.es. Attachez vos ceintures, on plonge dans le monde fascinant du pouvoir doux !

Qu’est-ce que le Soft Power ?

Déjà une petite définition la plus claire possible : le soft power, c’est l’art de séduire et d’influencer sans recourir à la force brute. Concrètement ça donne quoi ? Imaginez une soirée où vous devez convaincre quelqu’un de choisir votre série préférée. Plutôt que de crier et de menacer, vous sortez vos arguments les plus subtils : les critiques élogieuses, les scènes marquantes, le charisme des acteurs. Eh bien, c’’est exactement ce que font les pays sur la scène internationale avec le soft power : ils utilisent la culture, les valeurs et les politiques attractives pour gagner des alliés, diffuser leur point de vue et influencer l’opinion mondiale pour aller dans leur sens.

Le terme a été forgé à la fin des années 1980 par le politologue américain Joseph Nye, professeur à Harvard, dans son ouvrage Bound to Lead: The Changing Nature of American Power (1990). Nye y conteste le déclin annoncé de la puissance américaine après la Guerre froide, en proposant une nouvelle grille de lecture du pouvoir : selon lui, la capacité d’un pays à influencer les autres sans contrainte, par l’attraction plutôt que par la coercition, constitue une forme de puissance à part entière. Nye oppose ainsi le hard power, fondé sur la force militaire et les pressions économiques, au soft power, qui repose sur la culture, les valeurs politiques (liberté, démocratie, droits humains) et la légitimité de la politique étrangère. C’est une puissance plus diffuse, souvent moins visible, mais redoutablement efficace dans un monde interconnecté où l’image et la narration jouent un rôle crucial.

Dans ses ouvrages ultérieurs, notamment Soft Power: The Means to Success in World Politics (2004) et The Future of Power (2011), Nye affine sa pensée et introduit l’idée de smart power : une combinaison stratégique du hard et du soft power. D’autres chercheurs, politistes et spécialistes des relations internationales ont enrichi le concept :

• Pierre Bourdieu, sans utiliser le terme « soft power », a largement exploré la notion de violence symbolique et de domination culturelle, qui préfigure certaines réflexions sur l’influence douce dans un cadre global.
• Le sociologue Manuel Castells a travaillé sur le pouvoir des réseaux et l’économie de l’image dans la société de l’information, en lien avec l’idée d’une influence par la communication.
• Dans une perspective critique, des auteurs comme Edward Saïd (avec le concept d’orientalisme) ont souligné que le soft power peut aussi masquer des dynamiques néocoloniales, lorsque la séduction culturelle sert des objectifs de domination.

Soft power in real life

Ok mais sur le terrain, in real life, ça donne quoi ? Comment se décline le soft power ? Quelle tournure ? Quelle logique ? Voici quelques exemples géographiques pour mieux cerner la chose (vous allez voir, en fait vous connaissez bien le concept sauf que vous ne le saviez pas mais heureusement The ARTchemists sont là).

Les États-Unis : Hollywood et McDonald’s

Ah, les États-Unis ! Pas pour rien que l’idée vient de là. Les Américains ont compris depuis longtemps l’importance du soft power. Hollywood, c’est un peu la machine à rêves mondiale. Les blockbusters américains envahissent les écrans de la planète, façonnant les imaginaires et les aspirations de millions de personnes. Ajoutez à cela des marques comme McDonald’s et Coca-Cola, des réseaux sociaux comme Facebook ou X et vous avez un cocktail explosif de soft power. Ces éléments véhiculent une image de liberté, de succès et de prospérité, mais au finish il s’agit d’implanter les valeurs made in USA un peu partout dans nos petits crânes.

La Corée du Sud : K-pop et K-dramas

Qui aurait cru il y a vingt ans que la Corée du Sud deviendrait une superpuissance culturelle ? Avec la montée en puissance de la K-pop (merci BTS !) et des dramas coréens, le pays a su s’imposer comme une référence mondiale en matière de divertissement. En 2020, par exemple, le film Parasite a remporté l’Oscar du meilleur film, une première pour un film non anglophone, illustrant parfaitement cette ascension fulgurante.

La Chine : les routes de la soie culturelles

La Chine n’est pas en reste, au contraire. Elle utilise le soft power pour améliorer son image sur la scène internationale, notamment à travers des initiatives comme les Instituts Confucius, présents dans le monde entier afin de promouvoir la langue et la culture chinoises. De plus, elle investit massivement dans des productions cinématographiques internationales,organise des événements culturels de grande envergure, comme les Jeux olympiques de Pékin en 2008, et prête des pandas en leasing aux zoos les plus célèbres de la planète.

Soft power : facettes stratégiques

Les avantages du soft power ? Innombrables et bien pratiques. Tout principalement, cette méthode d’influence :

• évite les coûts humains et financiers des conflits armés,
• crée des alliances durables fondées sur l’admiration et le respect mutuel plutôt que sur la peur ou la coercition.

Bref c’est juste génial, ça évite de s’égorger. Et ça donne une excellente image du pays qui soft powerise. Ainsi, la France s’est imposée au fil des années comme un modèle de culture et de sophistication grâce à son cinéma, sa cuisine, son art de vivre, ce qui renforce son influence mondiale sans un seul coup de fusil.

Allons un peu plus loin dans cette analyse. Quelles sont les composantes d’un soft power abouti ?

La diplomatie culturelle

Les musées, les expositions et les festivals internationaux sont autant d’outils de diplomatie culturelle. Les pays organisent et sponsorisent ces événements pour partager leur culture et renforcer leurs liens avec d’autres nations. Par exemple, l’Inde organise à Paris depuis 2010 le festival Namasté France — une initiative de diplomatie culturelle portée par l’Ambassade d’Inde et l’ICCR, en partenariat avec l’Institut français. Ce festival pluridisciplinaire (musique, danse, artisanat, ateliers, gastronomie) a rassemblé plus de 20 000 visiteurs en 2023, illustrant un engagement durable dans le dialogue interculturel.

L’éducation et les échanges académiques

Les bourses d’études et les programmes d’échange académique sont des moyens puissants de soft power. Les étudiants étrangers sont exposés à la culture du pays d’accueil où ils partent faire leur cursus ; ils peuvent ainsi devenir des ambassadeurs culturels lorsqu’ils rentrent chez eux. Exemple type et particulièrement abouti, le DAAD, service allemand d’échanges universitaires, est l’un des plus puissants programmes de soft power éducatif au monde. Il finance des milliers de mobilités d’étudiants, d’enseignants et de chercheurs chaque année, dans une logique de coopération scientifique et culturelle. L’Allemagne s’affiche ainsi comme un pays ouvert, rigoureux, moderne, cultivant une image de partenaire fiable, particulièrement dans le monde universitaire.

Médias et divertissement

Les films, les séries télévisées, la musique, les jeux vidéo, mais aussi les formats courts ou les webtoons, sont aujourd’hui parmi les vecteurs les plus puissants du soft power culturel. Ils façonnent les représentations, véhiculent des styles de vie, font rayonner des langues, des esthétiques, des récits nationaux. Grâce aux plateformes de streaming comme Netflix, YouTube, Spotify ou TikTok, les contenus culturels circulent à une vitesse inédite et touchent des publics mondiaux — souvent bien au-delà des intentions initiales. La cinématographie indienne, avec ses codes visuels, ses récits mélodramatiques et son ancrage dans les mythologies locales, s’est imposée comme un pôle culturel majeur en Asie, en Afrique et au Moyen-Orient. Bollywood ne vend pas seulement des films, mais aussi une certaine image de l’Inde : festive, colorée, spirituelle, moderne et profondément enracinée dans ses traditions.

Soft power : un atout pour l’art et la culture… ou une menace ?

L’art et la culture ont toujours circulé, inspiré, ému au-delà des frontières. Mais dans un monde où l’image d’un pays constitue un levier stratégique, ils sont de plus en plus perçus comme des outils d’influence. Le soft power s’infiltre désormais dans les logiques de production culturelle. Est-ce une chance pour les artistes et les institutions ? Ou un risque d’instrumentalisation, voire de formatage ?

Un levier de rayonnement… et de soutien

Le soft power a indéniablement ouvert des portes à la création artistique. Dans certains pays, les politiques culturelles intègrent cette dimension stratégique pour mieux soutenir leurs artistes à l’international. La Turquie, par exemple, a misé massivement sur l’exportation de ses séries télévisées (« dizi »), devenues des succès populaires dans les Balkans, au Moyen-Orient, en Afrique et jusqu’en Amérique latine.
Des productions comme Diriliş: Ertuğrul, épopée néo-ottomane portée par des valeurs traditionnelles et une imagerie nationale forte, participent à façonner une image valorisante et influente de la Turquie contemporaine. Ce succès, aussi sincère soit-il sur le plan artistique, incarne une forme de soft power parfaitement orchestrée, mêlant récit national, nostalgie impériale et stratégie culturelle régionale.

En France, l’action culturelle extérieure repose sur un écosystème d’aides, de festivals, d’instituts et de subventions, qui favorise le rayonnement international d’une culture diverse et plurielle. Ce soutien permet à des cinéastes, des auteurs, des musiciens de faire entendre leur voix bien au-delà de l’espace francophone.

Quel est le prix culturel du soft power ?

Lorsque la culture devient un vecteur stratégique, elle risque de s’aligner sur des critères de visibilité, de désirabilité ou de conformité à une image souhaitée. Certains projets sont favorisés parce qu’ils « représentent bien » une esthétique ou un récit national, tandis que d’autres sont relégués car jugés trop critiques, trop dérangeants.

C’est le cas du cinéaste iranien Jafar Panahi, plusieurs fois emprisonné, censuré, puis interdit de tourner dans son propre pays. À l’international, ses films sont célébrés, primés à Berlin, Cannes ou Venise. Ils participent à l’image d’un Iran culturellement raffiné et intellectuel, tout en étant condamnés par les autorités qu’ils dérangent. Cette récupération paradoxale témoigne de la manière dont une œuvre dissidente peut renforcer le prestige culturel d’un pays malgré lui.

De façon inverse, certains artistes critiques sont progressivement neutralisés par la reconnaissance institutionnelle. C’est ce qu’a connu le musicien nigérian Fela Kuti, dont la musique radicale et militante a longtemps été rejetée par le pouvoir, avant d’être célébrée comme symbole de fierté nationale, une fois sa figure iconique stabilisée.

Les artistes, des ambassadeurs malgré eux ?

Beaucoup de créateurs ne se pensent pas comme des instruments diplomatiques. Leur œuvre naît d’une démarche intime, esthétique, politique. Mais dès qu’ils rencontrent le succès à l’international, ils deviennent, volontairement ou non, des symboles de leur culture d’origine.
C’est le cas de Studio Ghibli, au Japon, dont les films porteurs d’univers oniriques, d’écologie douce et de spiritualité subtile ont projeté dans le monde une vision apaisée, poétique et positive de la culture japonaise. À l’opposé, des figures comme Ai Weiwei (Chine), dont l’art est frontalement politique, sont érigées comme icônes de la liberté d’expression à l’étranger, alors qu’elles sont effacées de l’espace public national.

Une tension féconde ?

La relation entre soft power et création artistique est donc profondément ambivalente. Elle peut être fertile, lorsqu’elle offre aux artistes des moyens, une visibilité, une reconnaissance. Mais elle peut aussi être limitante, lorsqu’elle oriente les productions vers ce qui est « exportable », « positif », « non dérangeant ».

Pour préserver la vitalité artistique, il est essentiel de maintenir des espaces de création autonomes, à l’abri des impératifs diplomatiques ou des logiques d’image. Car le rôle profond de l’art n’est pas seulement de séduire ou de représenter : c’est aussi de troubler, de questionner, de résister — et c’est en cela qu’il reste, paradoxalement, l’un des vecteurs les plus puissants du soft power véritable.

Le soft power n’est ni bon ni mauvais en soi. C’est un outil, une stratégie, une énergie culturelle en mouvement. Reste à savoir qui l’emploie, dans quel but, et avec quelles limites. Car derrière la séduction douce se joue parfois une partie d’échecs bien plus rude.
Alors la prochaine fois que vous chantez un tube de BTS, regardez une série turque ou écoutez un auteur exilé à la radio, demandez-vous : suis-je juste un public ? Ou déjà un pion sur l’échiquier du pouvoir ?

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The ARTchemists média culturel ? Mais encore ? On en discutait l’autre jour, tous ensemble. Est-ce que ça veut dire encore quelque chose aujourd’hui ? Le mot culture est partout, décliné à toutes les sauces. Dans les médias, les discours politiques, les campagnes de pub, les salles de classe, sur les réseaux sociaux bien évidemment. On parle de culture artistique, populaire, d’entreprise, urbaine, scientifique, numérique… Mais que recouvre réellement ce terme ? Ici maintenant, en 2025 ? D’où vient-il ? À quoi sert-il ? Qu’englobe-t-il ? Pourquoi fait-il débat ? Pourquoi DOIT-IL faire débat ? Définir la culture, c’est entrer dans un champ vaste, mouvant, confus. Un tour d’horizon s’impose.

Un produit de la Renaissance pour trois grandes acceptions contemporaines

Quand on veut faire le point sur la signification d’un mot, il faut commencer par ses racines, sa source, son étymologie. Le mot culture dérive du latin colere aka « cultiver ». À l’origine, il désigne donc l’entretien de la terre (cultura agri). Ce n’est qu’au XVe siècle qu’il commence à s’appliquer à l’esprit : on parle alors de cultiver son savoir, son langage, ses goûts. Ce glissement sémantique reflète un changement profond dans la manière dont on conçoit l’être humain.

À la fin du Moyen Âge, puis avec la Renaissance, l’homme commence à se penser comme perfectible, capable de progresser, de s’élever par l’éducation et la connaissance. C’est le moment où l’on redécouvre les textes de l’Antiquité, où l’on valorise les humanités — grammaire, rhétorique, philosophie, histoire, arts — considérées comme des outils de développement personnel et social. Cultiver l’esprit s’impose comme une image puissante : comme on soigne un champ pour qu’il porte des fruits, on travaille son intelligence, sa sensibilité, sa langue, pour s’épanouir et contribuer à la société.

Et aujourd’hui ? Qu’en est-il ? La culture est perçue de trois manières :

• La culture comme perfection individuelle ; inspirée des Lumières, elle valorise le raffinement, la connaissance des arts, la lecture, la musique.
• La culture comme patrimoine collectif ; elle désigne ici les productions d’une société dignes d’être conservées et transmises (musées, monuments, arts « nobles »).
• La culture comme mode de vie ; c’est une vision anthropologique développée par Edward Tylor ou Claude Lévi-Strauss) selon laquelle tout groupe humain a une culture (langue, rites, cuisine, organisation sociale…).

Bien évidemment, ces trois définitions se chevauchent, s’enchevêtrent… et entrent parfois en tension. D’où la grande question : culture pour qui ? Culture pour quoi ? Et là on entre dans la valse des contradictions.

Culture légitime vs culture populaire

Depuis les travaux du sociologue Pierre Bourdieu — notamment dans La Distinction (1979) — on sait que la culture n’est pas qu’une affaire de goûts ou de curiosité : c’est aussi un marqueur social. Autrement dit, ce que l’on consomme comme œuvre ou spectacle, ce que l’on considère comme “bon” ou “légitime”, révèle souvent notre origine sociale, notre niveau d’études, notre capital culturel.

• La culture dite savante — musique classique, opéra, théâtre d’auteur, peinture ancienne, philosophie — a historiquement été valorisée par l’école, l’université, l’État, les institutions républicaines. Elle est souvent associée à une élite intellectuelle ou bourgeoise, et transmise dans les cercles favorisés dès l’enfance.
• En parallèle, la culture populaire — chansons de variété, bandes dessinées, rap, séries télévisées, mangas, jeux vidéo — a longtemps été regardée de haut, considérée comme “inférieure”, “superficielle”, voire “dangereuse”. Pourtant, ce sont ces formes qui touchent aujourd’hui le plus large public, qui forgent des imaginaires puissants, et qui génèrent une créativité foisonnante.

Deux univers irréconciliables, voire antagonistes ? Les lignes, heureusement, bougent petit à petit.Depuis une vingtaine d’années, on observe une ouverture du monde culturel institutionnel à la culture populaire. Quelques exemples ? Le Centre Pompidou a consacré des expositions à la bande dessinée, à l’art brut, au design industriel, ou encore à la culture punk. En 2014, l’exposition Tatoueurs, tatoués au musée du quai Branly a marqué un tournant en reconnaissant le tatouage comme une forme artistique, issue à la fois de rites ancestraux et de mouvements subversifs (prisons, marins, bikers, scènes underground). Des festivals comme Hip Hop Symphonique réunissent des rappeurs et des orchestres classiques, créant des ponts inédits entre les mondes.

Culture mondialisée ou culture fragmentée ?

Autre paramètre de l’équation : Internet a bouleversé la culture en profondeur. Aujourd’hui, on y accède facilement, gratuitement, partout, en un clic ou presque. On peut aussi produire, partager, commenter des contenus culturels sans passer par les circuits traditionnels : un smartphone suffit pour publier une chanson, un poème, une BD ou un court-métrage. Mais cette ouverture massive produit aussi des effets paradoxaux :

• Les algorithmes, en privilégiant les contenus populaires et rentables, relèguent dans l’ombre les formes d’expression minoritaires, expérimentales, ou simplement moins virales.
• Ces mêmes algorithmes construisent des bulles culturelles : chacun se voit proposer des contenus similaires à ce qu’il consomme déjà, sans confrontation avec d’autres styles, d’autres références, d’autres horizons.

Traduction en vrai, dans la vraie vie : des ados peuvent connaître One Piece, Jujutsu Kaisen ou Demon Slayer sur le bout des doigts, maîtriser les codes du manga et de l’animation japonaise… sans jamais avoir entendu parler de Molière, Balzac ou même de la BD franco-belge. Un jeune peut suivre un influenceur mexicain spécialisé dans le low tech, une streameuse finlandaise fan de cosplay, ou une philosophe brésilienne qui vulgarise Spinoza… sans jamais tomber sur La Grande Librairie, Le Dessous des Cartes, ou une pièce de théâtre contemporaine française. À l’inverse, une autre personne, dans une autre bulle, ne jurera que par le classique occidental, sans jamais croiser un créateur coréen, une série nigériane ou un vidéaste queer non-européen.

Résultat : la culture circule plus que jamais, mais chacun la vit dans son couloir, sa niche, son algorithme personnel. Une mondialisation en apparence… mais cloisonnée.

Culture vivante vs culture institutionnelle

Également alimenté par l’explosion d’internet, un autre clivage traverse aujourd’hui le monde de la culture, et non des moindres.

• D’un côté, on trouve les institutions traditionnelles — musées nationaux, opéras, conservatoires, grandes écoles artistiques, lieux prestigieux souvent situés dans les centres urbains.
• De l’autre, évoluent les créateurs indépendants, collectifs autogérés, artistes issus des cultures urbaines ou numériques, qui se produisent dans des lieux alternatifs ou en ligne, loin des circuits officiels.

Cette opposition ne date pas d’hier, mais elle s’est accentuée avec la montée en puissance des réseaux sociaux, des plateformes de diffusion libre, et de nouvelles formes de création plus inclusives, plus connectées, souvent auto-produites.

Les seconds reprochent aux premiers :
• leur lenteur d’adaptation aux nouvelles pratiques culturelles et aux formats numériques,
• leur centralisme, la majorité des budgets de la visibilité restant concentrée à Paris ou dans quelques grandes villes (et la réduction drastique des subventions n’a rien arrangé),
• leur manque de représentativité, un entre-soi social, une faible diversité en termes d’origines, de genres, de parcours ou de disciplines artistiques.

Cette tension se traduit très concrètement dans les débats sur les politiques culturelles :
Faut-il continuer à financer massivement les grandes institutions « à la française », ou plutôt soutenir les pratiques locales, les petits lieux de diffusion, les festivals indépendants, les ateliers associatifs, les créateurs de rue, de banlieue ou de web ? Ce débat renvoie à une question plus large : qu’est-ce qu’on considère comme “légitime” dans la culture aujourd’hui ? Et qui décide ?

Concrètement ça donne quoi ?

• Tandis que la Philharmonie de Paris propose une programmation prestigieuse et très subventionnée, beaucoup de salles de quartier, de cafés-concerts ou de MJC musicales (ex : le Moloco à Audincourt, ou le FGO-Barbara à Paris) luttent pour survivre et offrir une scène aux jeunes groupes émergents. Et pourtant, ce sont souvent ces lieux qui font éclore les nouveaux talents.
• L’Opéra de Paris concentre des millions d’euros de subventions publiques chaque année. Pendant ce temps, des collectifs comme Paradox-sal dansent dans la rue, les friches ou les MJC, et peinent à obtenir des financements durables, alors même qu’ils attirent un public jeune, populaire et diversifié. Leur style, souvent hybride (hip-hop, contemporain, théâtre), est encore peu reconnu dans les circuits officiels.
• Le pass Culture, qui offre un budget de 300 € aux jeunes pour découvrir des œuvres ou lieux culturels, a suscité une polémique : beaucoup de fonds ont profité aux grandes enseignes (Fnac, Pathé…) ou aux grosses institutions, alors que les petits lieux de proximité, les bibliothèques municipales ou les artistes indépendants ont parfois du mal à intégrer le dispositif. Une belle idée, mais qui pose la question : à qui profite réellement ce soutien ?

Nouvelles formes culturelles : mutation … ou explosion ?

Nous vivons donc un moment charnière. Jamais la culture n’a été aussi diverse, instantanée, participative. La révolution numérique ne s’est pas contentée de modifier les supports, elle a transformé la nature même des œuvres, des formats, et des rôles. Culture numérique, culture remixée… quid de ce melting pot ?

La culture numérique

Aujourd’hui, TikTok, Twitch, YouTube, Instagram, et même Discord ou Reddit, sont de véritables lieux de production culturelle. Ces plateformes ne se contentent pas de diffuser : elles créent des tendances, des esthétiques, des mouvements. Chacune a ses codes, ses langages, ses stars et son imaginaire collectif. On y voit émerger de nouveaux formats, hybrides, souvent collaboratifs et éphémères, où l’authenticité, la créativité brute et l’interaction comptent autant que la technicité.

Exemples parlants ?
• Les battles de rap en ligne (type End of the Weak, Rap Contenders) où l’impro, la punchline et la performance sont à l’honneur, accessibles à tous sans passer par une maison de disque.
• Les chorégraphies virales sur TikTok, comme langage corporel mondial, reprises en boucle, adaptées, remixées à l’infini.
• Les speedruns de jeux vidéo, devenus de véritables performances artistiques où précision, créativité et narration se mêlent.
• Les booktubers et booktokers, qui font revivre la critique littéraire auprès d’un jeune public, en utilisant humour, storytelling et mise en scène émotionnelle.

Résultat : les frontières entre créateur et spectateur se brouillent ; on commente, on like, on duplique, on répond. Chaque internaute peut devenir acteur culturel, parfois sans le vouloir.

La culture remixée

Avec les outils numériques accessibles à tous (montage, retouche, IA, filtres), les publics deviennent eux-mêmes créateurs. Ils s’emparent des contenus existants pour en faire autre chose : on découpe, on détourne, on réinterprète, on joue. C’est la logique du remix, du mashup, des memes, des fanfictions :

• Un film devient un gif.
• Une interview devient une parodie.
• Un discours politique devient un son auto-tuné.
• Un roman donne lieu à des suites écrites par les fans.

Le remix, loin d’être une copie paresseuse, devient une forme d’expression critique, créative et ludique. C’est une manière de s’approprier la culture, de la commenter, de la transformer pour mieux la faire parler à son époque. Mais cette culture participative, décrite par Henry Jenkins dans Convergence Culture (2006), questionne les notions traditionnelles d’auteur, d’œuvre, et de public :
• Qui est vraiment le créateur ?
• À partir de quand une œuvre est-elle « originale » ?
• Peut-on créer sans « créer » au sens classique du terme ?

Assiste-t-on à une “crise” de la culture ou à une explosion de ses formats, de ses usages, de ses voix ? Cette mutation profonde, souvent joyeuse, parfois chaotique, redéfinit les règles du jeu culturel.

La culture n’est pas neutre, elle est politique

On pourrait croire que la culture est un espace de liberté pure, de création désintéressée, de divertissement ou de contemplation. En réalité, la culture s’avère un terrain de pouvoir, de choix, de conflits. Elle structure notre vision du monde et reflète les rapports de force qui le traversent.

Assiste-t-on à une crise ou à une métamorphose ? La question n’est pas seulement esthétique. Car cette mutation culturelle, souvent joyeuse, parfois chaotique, redéfinit les règles du jeu, et révèle ce qui se joue en coulisses :
• Ce qu’on choisit de montrer ou de cacher,
• Ce qu’on décide de financer, de médiatiser, ou au contraire de marginaliser,
• Ce qui façonne notre rapport à l’histoire, à l’autre, à soi-même.

La culture n’échappe ainsi à aucun des grands débats contemporains. Elle est traversée par :

Des enjeux identitaires 

Qui a le droit de prendre la parole ? De représenter ? De raconter ?
Les œuvres issues des cultures minoritaires, autochtones, LGBTQIA+, ou diasporiques se heurtent souvent à l’invisibilisation ou à l’exotisation. La question de la représentation devient centrale : on attend de la culture qu’elle reflète enfin la pluralité des identités.

Des conflits de mémoire

Comment raconter l’histoire ? Quelle place accorder à la colonisation, aux génocides, aux exils, à l’esclavage ? Les musées, les manuels scolaires, les films historiques sont autant de champs de bataille où se rejouent les mémoires blessées, les silences, les amnésies officielles.

Des luttes économiques

Qui peut vivre de la culture ? Qui décide de ce qui est “rentable” ? La précarité des artistes, la concentration des moyens dans quelques grandes structures, la logique de rentabilité imposée par certains financeurs posent la question de la marchandisation de la culture — au détriment de la création libre, indépendante, ou expérimentale.

Les exemples ne manquent guère, ne serait-ce que dans notre article sur le travail de sape culturelle entrepris par Trump. Mais on en remet une p’tite couche quand même :

• Le débat sur les œuvres dites “décoloniales” dans les musées occidentaux (ex. : restitution des œuvres d’art africain spoliées, ou relecture des collections ethnographiques) révèle la remise en cause des récits dominants, et la tension entre mémoire coloniale et justice culturelle.

• La censure d’artistes féministes sur Instagram (notamment dès qu’un corps nu, une menstruation, une dénonciation du sexisme est représentée) montre comment les plateformes régulent la visibilité selon des normes sexistes, puritaines ou commerciales.

• Le refus de certaines œuvres engagées dans des festivals sponsorisés (ex. : œuvres écologistes censurées dans des événements soutenus par Total, ou performances pro-LGBT écartées de scènes institutionnelles) souligne que le mécénat privé conditionne la liberté d’expression.

La culture constitue donc un miroir des tensions de notre société, avec à la clé des problématiques cruciales :
• Qui a accès à la parole publique ?
• Qui décide de ce qu’est une “grande œuvre” ?
• Quelle mémoire collective transmet-on ?
• Peut-on créer librement dans un système financé par des intérêts économiques ou politiques ?

La réponse n’est jamais simple. Mais une chose est sûre : défendre une culture vivante, critique, inclusive, c’est aussi faire un acte politique.

Récapitulons 

La culture aujourd’hui n’est plus univoque. Elle est :

• Fragmentée mais connectée,
• Populaire et expérimentale,
• Ancrée localement, diffusée mondialement.

Elle évolue hors des sentiers classiques, dans :

• Les collectifs queer et DIY,
• Les friches artistiques,
• Les pratiques amateurs,
• Les webzines, les podcasts, les stories Insta.

Ce qu’on appelait jadis « haute culture » ou « culture populaire » est désormais fluide, transversale, contaminée. Et c’est tant mieux. Mais cela ne nous dit pas ce qu’est la culture aujourd’hui peut-être parce que la bonne question est : qu’est-ce que la culture devrait être ?

Ce qui fait lien ? Ce qui nous permet de raconter, comprendre, ressentir ?
Ce qui divise, hiérarchise, ou libère ?
C’est peut-être, c’est surtout ce qu’on choisit d’en faire : chacun, chaque jour, en écoutant, en créant, en partageant.

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Trois saisons, une affaire, des versions contradictoires. La série documentaire L’Énigme Natalia Grace (The curious case of Natalia Grace dans la langue de Mark Twain) nous happe au coeur une histoire digne d’un thriller kafkaïen. Sauf qu’ici, tout est vrai. Ou presque ?

Une histoire abracadabrante

Posons le cadre (si tant est qu’on puisse cadrer ce récit) : Natalia Grace Barnett est une gamine ukrainienne atteinte de nanisme, adoptée en 2010 par Kristine et Michael Barnett, un couple de l’Indiana. Peu de temps après son adoption, les Barnett affirment que Natalia n’est pas une enfant mais une adulte de plus de 20 ans se faisant passer pour une fillette. Ils dénoncent des comportements menaçants, clament partout que la petite est sociopathe, exigent un changement de sa date de naissance (de 2003 à 1989), l’obtiennent… et finissent par l’abandonner, seule, dans un appartement, livrée à elle-même.

Ce scénario proprement délirant déboule sur les médias et les réseaux sociaux, devient bien évidemment viral, et va engendrer une série documentaire à succès : L’Énigme Natalia Grace. La première saison nous fait entendre la version des Barnett, notamment celle du père, la mère se refusant à tout interview. La seconde aborde celle de Natalia, tandis que cette dernière a trouvé refuge dans une nouvelle famille d’adoption, les Mans. Le troisième volet de cette saga retrace le lent processus de reconstruction de la jeune fille, la manière dont elle va échapper à cette nouvelle famille d’adoption qui n’a rien à envier à la précédente en matière de maltraitance.

Un récit fragmenté comme un polar

Dès les premiers épisodes, la série adopte les codes du true crime : reconstitutions, archives, interviews mélodramatiques où se croisent certains protagonistes, des enquêteurs, des avocats, des proches. On sent bien la patte d’Eric Evangelista, producteur de documentaires à succès, qui maîtrise ici l’art de la tension à la perfection, rebondissant d’épisode en épisode dans une cascade de péripéties particulièrement théatralisées.

La première saison, The Curious Case of Natalia Grace, donne un large écho aux propos des Barnett, mêlant explications de proches et extraits de journaux télévisés. Mais cette narration univoque est remise en question dans la deuxième saison, Natalia Speaks, où la principale intéressée prend enfin la parole. Elle y décrit une réalité toute autre : abus, négligence, isolement, souffrance psychique. Ce contre-récit illustré de confrontations saisissantes (et un brin exhibitionnistes) fait l’effet d’un électrochoc.

Enfin, la troisième saison, The Final Chapter, suit le quotidien de Natalia auprès d’une nouvelle famille d’accueil qui s’avère aussi dangereuse que celle qu’elle vient de quitter, et la quête de stabilité, d’éducation et d’émancipation de la jeune femme. On la découvre, après un douloureux cheminement vers la déprise, déterminée à tourner la page. Mais la blessure reste vive. Et la reconstruction périlleuse.

Thénardier made in USA

Il faut dire que la jeune fille revient de loin. Battue, abusée, escroquée de la pire des manières et par deux fois au moins.

Derrière les airs de mère bien intentionnée, Kristine Barnett incarne la figure glaçante de la manipulatrice qui instrumentalise une enfant vulnérable à des fins de reconnaissance médiatique et de réussite professionnelle. Dès son adoption, Natalia intègre la mécanique promotionnelle bien huilée de la famille Barnett, qui met déjà en avant son fils prodige (et autiste) dans les médias. Très vite, Kristine va répandre l’image d’une Natalia dangereuse, une « fausse enfant »dérangée et perverse, une menace domestique qui justifie leur rejet. Ce récit grotesque, digne d’un thriller de seconde zone, leur ouvre paradoxalement les portes des talk-shows, des plateaux télé et même d’un certain soutien populaire. En demandant — et obtenant — de faire légalement modifier la date de naissance de Natalia, Kristine pousse l’exploitation à son comble : elle libère sa famille de toute responsabilité parentale tout en conservant la position victimaire. Le traitement qu’elle inflige à Natalia relève moins de la peur que de la mise en scène stratégique d’un scandale, où l’enfant handicapée devient un bouc émissaire commode pour attirer l’attention et se soustraire aux obligations liées à l’adoption.

Mais l’avidité ne s’arrête pas là. Lorsque Natalia est ensuite confiée à la famille Mans — présentée comme bienveillante dans un premier temps — un autre type d’instrumentalisation s’installe. Les Mans, sous couvert de charité chrétienne, recueillent la petite pour finalement détourner l’argent des reportages et documentaires réalisés sur son cas. L’intimité de Natalia devient un contenu à rentabiliser, son traumatisme un argument narratif. Ce n’est plus seulement son image qui est exploitée, mais sa parole elle-même, encadrée, orientée. Derrière les sourires compatissants et les larmes, on perçoit rapidement une stratégie de visibilité : devenir les « sauveurs » dans une affaire controversée, prendre le contre-pied spectaculaire des Barnett… et tirer leur part du gâteau en détournant les sommes versées par l’État à Natalia pour gérer son handicap. En définitive, Natalia, qui cherchait une famille, se retrouve prise dans une double logique d’exploitation, où le profit, la notoriété et le storytelling priment sur la protection et le soin.

Et comme si cela ne suffisait pas, la machine médiatique elle-même s’empare de l’affaire avec un appétit vorace. La série L’Énigme Natalia Grace, bien qu’elle prétende éclairer les zones d’ombre du dossier, participe à son tour à la marchandisation de la vie de Natalia. Les producteurs construisent un objet narratif calibré pour le binge-watching : cliffhangers, musiques anxiogènes, reconstitutions dramatiques, montage orienté. Si la deuxième saison lui redonne enfin la parole, cette prise de parole est stylisée, découpée pour répondre aux besoins du scénario global. Natalia devient le personnage principal d’une œuvre de true crime, mais aussi le produit d’une industrie qui, sous couvert de révélation, recycle le voyeurisme et l’émotion en boucle. Loin d’une démarche purement documentaire, la série joue avec le feu : elle prétend dénoncer l’exploitation… tout en la perpétuant, alimentant le récit au lieu de le clore. Au final, le spectateur sort choqué, ému, indigné — mais Natalia, elle, reste enfermée dans une image façonnée par d’autres, encore et toujours.

Une affaire symptomatique d’un système à la dérive

Au-delà du choc des versions et du caractère très voyeuriste de certaines séquences, ce que révèle L’Énigme Natalia Grace, c’est l’impensé d’un système américain profondément dysfonctionnel.

L’aveuglement des institutions

Comment une famille peut-elle faire légalement requalifier l’âge d’un enfant adopté, sans contre-expertise médicale rigoureuse ni suivi social ? L’affaire met en lumière l’absence totale de garde-fous : les services sociaux américains brillent par leur inaction, les juges valident sans sourciller, les médecins consultés sont peu audibles ou mis de côté.

La maltraitance des enfants handicapés

Natalia est atteinte de nanisme. Elle nécessite un accompagnement spécifique, un soutien psychologique, une bienveillance constante. Elle reçoit l’inverse : suspicion, isolement, accusations. En toile de fond, une société qui peine à reconnaître et protéger les enfants vulnérables, qui les exploite même. Ce que la série montre à demi-mot, c’est la banalisation de la maltraitance lorsqu’elle concerne un enfant handicapé adopté à l’étranger.

Le poids de l’apparence et de la norme

Natalia ne rentre pas dans la case de « l’enfant sage et reconnaissant » tant fantasmé par certains parents adoptifs. Son apparence, sa différence, sa maturité relative deviennent des armes retournées contre elle. L’affaire questionne violemment l’eugénisme social à l’américaine, où la différence fait peur, et où tout ce qui ne cadre pas avec la norme est vite perçu comme dangereux.

L’exploitation médiatique de la souffrance

Derrière l’enquête, il y a aussi un show. Si la série donne la parole à Natalia, elle la filme aussi sous toutes les coutures : émotions, larmes, réactions. La frontière entre vérité et mise en scène est floue. Les producteurs jouent avec le feu du sensationnalisme, parfois au détriment de la nuance.

Une série qui dérange et interroge

Les questions fusent au fil des épisodes. Outre le devenir de la jeune fille, on s’interroge sur des thématiques plus générales mais cruciales :

• Qu’est-ce qu’être « parent » dans une société qui sacralise la réussite individuelle ?
• Jusqu’où va le pouvoir des adultes sur les enfants adoptés ?
• Que dit cette affaire de la judiciarisation de la parentalité et du rôle des médias ?
• Pourquoi les institutions ne sont-elles pas intervenues ?
• Enfin, que devient Natalia aujourd’hui ? Réponse en saison 3 : elle veut devenir institutrice.

L’Énigme Natalia Grace n’est donc pas seulement un fait divers glauque. C’est un révélateur. D’un système défaillant. D’une société prompte à juger. D’un appareil judiciaire qui, par négligence ou aveuglement, autorise l’impensable.

Ce n’est pas une série à regarder pour se divertir. C’est un miroir tendu à notre époque. Un appel à penser autrement l’adoption, le handicap, la différence, la protection des plus fragiles. Et à ne pas confondre étrangeté avec danger.

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Documentariste et autrice, Sandrine Lucchini signe avec Charlotte Chérie un polar incisif qui explore les méandres de la haine féminicide contemporaine. À travers une enquête pour le moins haletante, la romancière met en lumière les mécanismes insidieux de la radicalisation misogyne, offrant une réflexion profonde sur les violences faites aux femmes et l’instrumentalisation des frustrations masculines par des idéologies extrémistes.

Un polar au service d’une dénonciation sociale

Charlotte Chérie s’ouvre sur l’enlèvement de Charlotte qui se retrouve pieds et poings liés dans le coffre d’une voiture. Ce rapt coïncide avec la découverte d’un corps de femme violée et massacrée. Un féminicide ? L’enquête, menée par un inspecteur déterminé et son groupe, dévoile progressivement l’implication de communautés en ligne où se développent des discours haineux envers les femmes. Lucchini utilise ainsi les codes du polar pour immerger le lecteur dans une réalité glaçante, où la fiction rejoint des faits bien réels.

La manosphère : un terreau fertile pour la haine

Le roman met en lumière la « manosphère », un ensemble de communautés en ligne où se côtoient incels, masculinistes et autres groupes prônant une vision anti-féministe du monde. Ces espaces virtuels, souvent présents sur des forums ou des réseaux sociaux, servent de caisses de résonance à des propos venimeux, banalisant la violence envers les femmes. Des études ont montré que ces communautés pèsent dans la radicalisation de certains individus, les poussant à commettre des actes violents, ce que l’autrice décrit avec beaucoup de finesse.

L’instrumentalisation des frustrations masculines par l’extrême droite

Lucchini souligne également comment des mouvements d’extrême droite exploitent les frustrations de ces hommes pétris de complexes pour les rallier à leur cause et en faire des machines à broyer les femmes. En offrant des boucs émissaires, en diffusant des idéologies simplistes, ces groupes parviennent à canaliser la colère de certains vers des actions d’une violence inouïe. Le roman illustre cette instrumentalisation, montrant comment des individus isolés peuvent être embrigadés dans des réseaux extrémistes qui relèvent du terrorisme.

Une œuvre nécessaire et percutante

Charlotte Chérie n’est pas qu’un simple thriller ; c’est une œuvre engagée qui interroge notre société sur les dérives de certaines communautés en ligne et sur la banalisation de la détestation des femmes. En mêlant fiction et réalité, Lucchini offre une lecture essentielle pour comprendre les mécanismes de cette radicalisation misogyne et les dangers qu’elle représente pour l’ensemble de la communauté.

En somme, Charlotte Chérie est un roman percutant qui, sous couvert d’une enquête policière, offre une analyse profonde des violences antiféministes contemporaines. Sandrine Lucchini réussit à allier suspense et réflexion sociale, faisant de son œuvre une lecture incontournable pour quiconque s’intéresse aux enjeux de genre et aux dérives idéologiques de notre époque.

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La première datait du 5 juillet 2020… sur Youtube. Mais des playlists on en diffuse depuis le début du webmag ou presque. D’abord en publication avant de se limiter aux réseaux sociaux. Mais on en a un brin marre de tourner uniquement sur Insta/Facebook et consort. On a eu envie de revenir aux bases, aux fondamentaux. publier chez nous, dans nos murs, notre Villa Médicis digitale. Donc voilà la playlist #361 (à mon sens on en a bossées plus, mais bon en quinze ans, on a perdu le fil).

Et toujours la même histoire : on est tombés dessus par hasard, dans un coin d’algorithme mal éclairé, entre deux clics, deux digressions, deux cafés. Dix artistes. Dix morceaux. Dix raisons de penser que la scène musicale actuelle n’a pas besoin de paillettes pour briller. Il suffit d’écouter — vraiment écouter.

Cette semaine, dans cette fameuse playlist ARTchemists #361 qui renoue avec la tradition de la chronique slasheuse, il y a du bizarre, du brut, du bancal, du beau aussi. De quoi chahuter les oreilles trop sages, interpeler les curieux de bon son, de mélodies inédites. Au programme :

Pourquoi cette playlist ?

Parce qu’on en a marre d’attendre que les artistes explosent pour les écouter.
Parce que la musique ne se résume pas à ce que te sert Spotify en boucle.
Parce que chaque semaine, quelque part dans un studio, une chambre, une cave ou un squat, des sons naissent et méritent d’être entendus.

Chez The ARTchemists, on les capte. Et on vous les file.

Faites-la tourner, partagez, commentez, et surtout : soutenez la scène émergente.

Parce que l’avenir de la musique, c’est pas dans les charts.
C’est là. Dans cette playlist.
Et dans les précédentes, les suivantes.

Pour écouter les playlists The ARTchemists,

Cet article Playlist ARTchemists #361 — Quelques sons qu’on n’entend pas assez sur les ondes (et c’est bien dommage) est apparu en premier sur The ARTchemists.

Cancel culture (ou « culture de l’annulation ») : désigne le fait de boycotter publiquement une personne, souvent une célébrité ou une personnalité publique, en raison de propos, d’actes ou de comportements jugés offensants, problématiques ou moralement répréhensibles. Cette pratique s’exerce principalement sur les réseaux sociaux et vise à retirer à la personne sa légitimité publique, sa visibilité ou ses opportunités professionnelles.

Pour annuler quelqu’un, il faut donc qu’il soit célèbre (on n’annule pas les inconnus), qu’il ait vraiment merdé et qu’il soit très présent sur les réseaux sociaux. Présentateur vedette d’une émission britannique culte, Douglas Bellowes coche la première et la dernière case. En aucun cas, ce parfait gentleman ne correspond à la seconde. Quoi que ? C’est le propos de la série Douglas is cancelled de nous raconter en quoi Doug a merdé. Et forcément, ça va être rock’n’roll.

Un jerrican d’essence sur un feu de brousse

Doug Bellowes donc, une valeur sûre du paysage audiovisuel britannique. Marié à une rédac chef au bras long, affublé d’une gamine baignée dans la cancelled culture. À ses côtés, sa partenaire de plateau, la superbe, fougueuse et particulièrement intelligente Madeline. Tellement intelligente qu’elle fait de Doug ce qu’elle veut, le manipulant à sa guise, au grand dam de son entourage.

Madeline la fidèle, si tactile, si proche, si complice… mais qui balance un tweet pour le moins ambigu quand Doug est accusé par un internaute d’avoir balancé des blagues sexistes durant un mariage un peu trop arrosé. Un tweet relayé par les millions de followers de la présentatrice. Le débat est lancé, ravageur. Un jerrican d’essence sur un feu de brousse.

Une chute foudroyante

Question : comment arrêter cet incendie ? Sachant que Madeline, bien décidée à aider son binôme qu’elle dit admirer plus que tout, semble en fait l’enterrer un peu plus à chaque fois qu’elle agit. Quel est l’objectif de cette énigmatique donzelle à la plastique de déesse, au regard froid comme celui d’une couleuvre ? S’agit-il de piquer la place de Doug en le démolissant médiatiquement ? Ou y a-t-il autre chose ? Un contentieux beaucoup plus profond, plus ancien ? Un contentieux dont Doug n’a visiblement pas connaissance.

Mais quand il comprendra, il sera trop tard. Douglas sera définitivement enterré, rayé de la carte. Cancelled. À raison. Aux commandes de ce récit en forme de chute foudroyante, Steven Moffat, qui tirait déjà les ficelles des séries Sherlock, Doctor Who et Dracula, accouche d’une intrigue aussi complexe que malsaine. Madeline la méchante est-elle si méchante que cela ? Au gré des flashbacks, on saisit pourquoi elle en veut ainsi à ce mentor qu’elle adulait mais dont elle a pu mesurer la médiocrité morale au tout début de sa carrière, quand elle était si fragile.

Une lente mécanique de vengeance

Prédatrice, Madeline a bien des raisons de l’être. Et la cancellisation de Douglas est le point d’orgue d’une lente mécanique de vengeance. Car clairement Doug n’a pas été à la hauteur, comme vous le découvrirez au fil de séquences qui prennent aux tripes. Avec à la clé deux messages :

• le silence et l’indifférence sont coupables ;
• les femmes ne peuvent compter que sur elles-mêmes pour mettre à distance les prédateurs.

Je n’en dis pas plus au risque de spoiler cette intrigue de haut vol qui s’enracine dans une réalité sordide où on détourne trop facilement le regard, où on laisse trop facilement faire. Comptez sur un casting cinq étoiles pour narrer cette éradication express avec le brio, l’intensité nécessaire: Hugh Bonneville (échappé de Downtown Abbey) incarne un Douglas désemparé, oscillant entre incompréhension et colère face à la machine infernale qui s’emballe. À ses côtés, Karen Gillan (Jumanji, Les Gardiens de la galaxie) campe une Madeline Crow particulièrement ambiguë et forte.

Douglas is cancelled dérange, questionne, amuse parfois, irrite souvent. La série va vous secouer, elle est conçue pour. À l’heure où la « cancel culture » est sur toutes les lèvres, ces épisodes offrent une perspective qui mérite qu’on s’y attarde, ne serait-ce que pour questionner les certitudes.​ Car il y a de fortes chances que chacun.e d’entre nous, à un moment ou à un autre de sa vie, se soit retrouvé.e en mode Douglas. Et cela n’a rien de glorieux.

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Les évènements mémorables sont ceux qui marquent les esprits par leur côté à la fois ludique et interactif. Quoi de mieux pour y parvenir qu’un photobooth ? Convivial et totalement personnalisable, le photobooth est le garant d’une expérience inoubliable qui rapproche les êtres au sein d’une expérience créative commune. Que ce soit pour un mariage, un anniversaire, un évènement d’entreprise ou un festival, le photobooth captive, amuse et crée des souvenirs instantanés. Focus sur une animation qui séduit toutes les générations.

Spontanéité et créativité avec le photobooth

Un photobooth ? Mais encore ? Il s’agit d’une cabine photo interactive qui permet aux invités d’un évènement de se prendre en photo de manière autonome. Il peut s’agir d’une borne avec un appareil photo intégré et un écran tactile, ou d’un espace aménagé avec un fond décoratif et un appareil photo.

Bien plus qu’un simple appareil photo, cette véritable animation invite à la spontanéité et à la créativité. Comme l’explique le site Locphotobooth.com, spécialiste en la matière, petits et grands adorent se prêter au jeu, prenant la pose seuls, en duo ou en groupe, disposant dans certains cas d’accessoires et de décors. Les clichés deviennent ainsi des instants volés, drôles et sincères, capturant l’essence même de la fête.

Des souvenirs instantanés et une animation personnalisable

L’un des grands atouts du photobooth est de permettre aux invités de repartir avec un souvenir physique immédiatement après la prise de vue. Contrairement aux traditionnelles photos prises sur smartphone qui finissent souvent oubliées dans une galerie numérique, les impressions papier s’accrochent sur un frigo, se glissent dans un album ou se conservent précieusement comme un témoignage de l’évènement.

Loin d’être un simple accessoire, le photobooth peut s’adapter à tous les styles et ambiances. Du choix du fond à la personnalisation des impressions, tout est possible pour harmoniser cette animation avec le reste de l’évènement. Que vous organisiez une soirée rétro, un mariage bohème ou un lancement de produit sophistiqué, il y a toujours une solution adaptée à vos besoins et vos attentes.

Le photobooth pour toutes les occasions

Mariages, anniversaires et soirées privées : durant ces évènements intimes, un photobooth apporte une touche de légèreté et d’amusement. Les mariés et leurs invités peuvent immortaliser la journée avec des poses décalées ou romantiques. Pour un anniversaire, c’est une manière originale de capturer des moments de complicité entre amis et famille.

Le photobooth peut aussi s’inviter lors des évènements d’entreprise et des lancements de produits. C’est alors un outil puissant pour dynamiser l’atmosphère et favoriser les interactions entre collègues et partenaires. C’est aussi un moyen efficace d’intégrer le branding de l’entreprise sur les clichés, créant ainsi une visibilité durable.

Cette installation permet également d’animer un espace public. Dans un festival ou une foire, elle attire les foules et propose une pause divertissante, tout en renforçant l’image de marque de l’événement. Les clichés deviennent alors des souvenirs partagés sur les réseaux sociaux, élargissant ainsi la portée de l’évènement.

Une expérience qui ne demande qu’à être enrichie

Un photobooth sans accessoires, c’est comme une fête sans musique ! Chapeaux loufoques, lunettes XXL, boas colorés ou encore pancartes humoristiques, ces petits détails apportent une touche fun et personnalisée aux clichés.

Les options de personnalisation ne s’arrêtent pas aux accessoires. Certains photobooths proposent des fonds interchangeables ou des filtres photos intégrés, permettant d’adapter l’ambiance selon le thème de la soirée. Effet vintage, noir et blanc chic ou ambiance tropicale, tout est possible !

Avec l’essor du digital, il est désormais possible de partager ses photos instantanément sur les réseaux sociaux. Certaines installations offrent une option de connexion directe, permettant aux invités de publier leur cliché sur Instagram ou Facebook en quelques secondes.

Récapitulons. En plus d’être une animation originale, le photobooth est un véritable créateur de souvenirs. Facile à installer, ludique et adaptable, il s’impose aujourd’hui comme un incontournable des évènements réussis. En encourageant les interactions et en laissant aux invités une trace physique ou numérique de leur passage, il assure une touche mémorable à toute célébration. Alors, prêt à faire de votre prochain évènement un moment inoubliable grâce à un photobooth ?

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