Mail de démission et cri de guerre

Petite précision préalable : Séverine Bavon collectionne les burn-out comme d’autres les séries limitées de légos moches, les stylos plumes rouillés et/ou les pintes à bière. Autant vous dire qu’elle connaît bien bien le truc, et que c’est en experte qu’elle prend la plume pour accoucher d’un Ciao les nazes tonitruant comme un grand cri de libération … et de guerre ! Un bouquin en forme de longue lettre de démission balancée à la face d’un N+1 qu’elle ne peut plus voir en peinture et qui l’a prise pour une conne une fois de trop.

Alors un soir à 18h alors qu’elle devrait rentrer chez elle profiter d’un repos mérité mais relativement fragile vu la charge mentale qui l’attend at home, elle craque et envoie chier son manager par mail interposé. Mail qui se transforme en 19 chapitres bien troussés où la belle règle son compte à l’entreprise telle que nous la vend ce monde fabuleux du capitalisme sauvage, féroce et cannibale dont on nous vante pourtant les beautés fallacieuses à longueur d’interviews de patrons et d’hommes politiques. Croyez-moi : après avoir bouclé ce livre merveilleux, le premier qui vous chantera les louanges du travail en mode sacrifice expiatoire sur l’autel du profit, vous lui ferez bouffer son ordi en commençant par toutes les lettres du clavier. Et cela sera justice.

Acuité d’entomologiste et ironie à l’acide

Chiffres, rapports et références à l’appui, dame Bavon démonte, pièce par pièce et avec une acuité d’entomologiste, la machine à broyer qu’est devenu le monde du travail moderne : réunions qui ne servent à rien, mails passifs-agressifs signés « bien à toi », grandes valeurs d’entreprise gravées sur un mur et vidées de tout contenu, tout y passe y compris cette angoisse made in 2025 qui plane désormais sur des open spaces bouffés au bord du sabordage, à savoir se faire remplacer par une IA avant d’avoir pu finir son café. Bavon tire à vue sur le yoga en entreprise, le babyfoot, la salle de sieste, bref tous ces pansements que les patrons collent sur une fracture ouverte et purulente avec un sourire satisfait de mecs qui se croient cool et humains. OK, ça fait des posts LinkedIn sympa, mais ça ne soigne rien, pour tout dire, c’est même se foutre allègrement de la gueule des salariés qui en bavent.

Si l’autrice cite études et sondages, elle sait aussi manier les punchlines électriques et l’ironie à l’arsenic. Hilarant, son bouquin fait aussi grincer des dents quand on s’y reconnaît, ce qui arrive pratiquement à toutes les pages. Le constat est là : nous sommes tous concernés. Le vrai sujet, ce n’est donc pas votre boss relou ou Jean-Kevin de la compta qui parle de la communion du petit dernier à la machine à café. C’est un système entier qui a pris l’habitude de refiler des problèmes collectifs à chacun individuellement, en mode « et si tu essayais la méditation ? » — pendant que la structure, elle, ne bouge jamais d’un pouce.

Un livre de chevet en devenir

Uppercut. Surtout quand on comprend que si nous sommes si dociles, c’est que nous l’avons appris auprès de Papa/Maman qui ont tout fait pour que nous réussissions dans la vie y compris nous inculquer la notion de l’effort, le l’implication et de la loyauté, sans se douter qu’ils nous livraient pieds et poings liés à un système prédateur d’une violence incroyable. Heureusement Ciao les nazes ! arrive à point nommé pour enfin vous inviter à ne plus faire semblant (une invitation en mode « coup de pied au cul » mais faut ce qu’il faut pour nous faire réagir).

Parce que oui, nous sommes tous un brin enkystés dans des croyances délétères qui nous dévorent à petit feu, et c’est misère que de devoir accumuler les burn-out (avec les risques que cela constitue à long terme pour la santé psychique et physique) pour finir acculer à la démission car on n’a plus la force d’encaisser une pression qui n’aurait jamais dû être. Miracle, cet ouvrage précieux va vous ouvrir les chakras en vous fournissant par ailleurs des armes pour vous battre et torpiller votre job en 19 étapes, comme le dit si bien le sous-titre d’un Ciao les nazes ! qui a de fortes chances de devenir votre livre de chevet !

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Oh la jolie série de voilà !!! Adaptée du roman de Rufi Thorpe Margo’ s got money troubles (Margo a des problèmes d’argent) est tout à la fois drôle, intelligente, bien troussée, jamais gnagnan et surtout bien ancrée dans les problématiques de notre temps. Une petite leçon d’humanisme qui remet les coincés du cul et les bénis oui oui à leur place, et ça fait tant de bien.

Entre comédie et drame social

Margo donc. La vingtaine blonde et florissante, jolie comme un cœur, étudiante intelligente et débrouillarde, promise à un grand avenir d’autrice. C’est du moins ce que lui fait miroiter son prof de littérature qui en profite pour la séduire, lui faire un gamin et lâchement l’abandonner vu qu’il est déjà marié. Avorter semble être la solution ; seulement voilà, Margo ne veut pas avorter. Son petit bout de chou, elle le garde. Mais elle n’imagine pas un instant la galère que cela va représenter.

Coincée entre une mère un peu fofolle qui cherche désespérément le grand amour et un père aux abonnés absent, ex catcheur et toxico à peine repenti, Margo se retrouve sans véritable appui, sans job, sans fric. Pour faire bouffer son gamin, elle va opter pour l’unique solution que cette société de merde lui laisse : montrer ses seins et son cul sur Olyfans. Cela lui permet de tenir certes, mais cela n’est pas sans conséquences. Des conséquences graves qui font basculer cette comédie dans le drame social poignant.

« Tu l’as voulu ? Tu te démerdes. »

Car derrière les mésaventures de Margo, sa vie de famille pour le moins chaotique, c’est un monde cruel qui transparaît, où il ne fait pas bon être une jeune mère de famille en solo. Lâchée par tous.tes ou presque, Margo va taper à toutes les portes avec son bébé et se faire virer sans ménagement. Elle avait des études, un avenir ; pourquoi tout gâcher avec un lardon, issu d’un adultère en prime, alors qu’il suffisait d’une IVG pour régler la situation ? En d’autres termes, « Tu l’as voulu ? Tu te démerdes. »

Mais quand Margo arrive enfin à se démerder en faisant ce qu’on lui a dit de faire, à savoir un job à la maison, qui paye pas trop mal où elle est libre et où elle raconte des histoires, eh bien là encore ça ne va pas : sombrer dans le porno, la prostitution, la honte absolue. Et celleux qui lui conseillaient de s’émanciper de lui coller la tête un peu plus sous l’eau en critiquant le seul job qui lui ramène suffisamment de fric pour vivre et payer les couches et la bouffe de son pitchoune.

Une ambiance électrique

Je ne sais pas vous, mais personnellement chaque épisode de cette saga m’a arraché des cris d’indignation. Scénarisée par David E. Kelly à qui l’on doit par ailleurs Ally McBeal, Big Little Lies ou Présumé innocent entre autres faits d’armes vu que son cursus est long comme le bras, Margo a des problèmes d’argent va droit au but dans la dénonciation des hypocrisies bon teint de la société moderne. On pense par exemple à la coloc féministe qui méprise le choix de Margo avant de claquer la porte ou à la richissime et très select mère du papa qui va sortir les dents pour défendre ce rejeton qu’elle juge par ailleurs raté.

Franchement c’est hard. L’ambiance est électrique, portée à chaud par un casting musclé où la lumineuse Elle Fanning donne la réplique à Michelle Pfieffer, Nick Offerman, Nicole Kidman, Thaddea Graham et Greg Kinnear. Il fallait bien pareille brochette de talents pour garder l’équilibre entre le rocambolesque et le pathétique de cette histoire qui n’a rien d’une rareté (en moyenne 8900 mamans ados aux USA pour 2023, dixit Parents.fr). Et pour défendre la position d’une Margo femme forte qui assume tout sans lâcher un microminimètre de terrain.

Margo n’est jamais une victime

C’est peut-être la leçon de la série. Margo n’est jamais une victime, elle choisit, elle entend qu’on respecte ses choix et conserve sa dignité entre diarrhées, biberons et pole dance. On déplore avec elle le manque de considération qu’elle subit du moment qu’elle affiche son bedon d’abord, son nouveau-né ensuite. Rien pour l’épauler, par d’assistance, pas d’aide, encore moins de respect. Rien. Nada. Niente. En gros « faites des gosses Mesdames mais ne comptez pas sur nous pour vous accompagner, vous comprendre, vous laisser une place dans la vie active ».

Sidérant d’hypocrisie et malheureusement très juste : selon le site suisse 24heures.ch, « environ 2500 femmes perdent leur emploi chaque année après leur congé maternité ». Imaginez au niveau international. Imaginez quand il s’agit d’une maman seule. Voilà pourquoi on appréciera la vision finale d’une Margo érigée en super héroïne du quotidien, toute puissante déesse extraterrestre de la fécondité universelle, épanouie, autonome financièrement et créativement, capable de se démerder seule sans avoir à dire merci à un mec. Si ça, ce n’est pas du féminisme …

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Ah les sœurs Bennet, chères héroïnes d’Orgueil et préjugés. En écrivant ce qui allait devenir son chef d’oeuvre, Jane Austen s’est attardée sur le sort amoureux d’Elizabeth face au faussement hautain mais si attirant Mr Darcy. Il faudra la plume de Janice Hadlow pour s’intéresser au devenir de la fade et très coincée Mary, « the other Bennet sister », une version romanesque bien troussée que Sarah Quintrell et la BBC viennent d’adapter à l’écran pour notre plaisir à toutes et tous.

Le désespoir de sa mère

Mary donc. Des cinq sœurs Bennet, c’est la moins jolie, la moins pimpante. Perdue dans ses bouquins, passionnée d’histoire et de géographie, elle fait le désespoir de sa mère qui ne sait comment ni avec qui la marier. Du coup, cette maman obsédée par l’avenir de ses gamines la prend en grippe, en fait son souffre-douleur. Pas évident évident de s’épanouir dans pareil contexte. Tandis que ses sœurs l’une après l’autre trouvent chaussure à leur pied, Mary s’étiole face aux critiques de sa génitrice, à l’indifférence de son père.

Il faudra le décès de ce dernier pour que la délivrance arrive sous la forme du tonton maternel et de sa charmante épouse. Ils accueillent Mary chez eux à Londres, sous le prétexte d’en faire la préceptrice de leurs trois enfants. Loin de sa mère castratrice, Mary enfin se métamorphose … et se retrouve bien en peine devant le nombre de soupirants que soudain elle attire par son esprit, ses réparties, son humour. Qui va-t-elle choisir, au finish ?

Le luxe de la liberté

Chut, vous verrez par vous-même, mais avec Mary, la surprise est de mise, la demoiselle mettant un point d’honneur à affirmer cette indépendance si chèrement conquise et que pour rien au monde elle n’abandonnerait, surtout au prix d’un mariage arrangé. Courageuse, droite, juste, Mary incarne une émancipation féminine à la Mary Shelley, l’opprobre et la folie d’une union libre avec un génie torturé en moins.

Pleine d’humour, elle observe les dysfonctionnements de son temps, la violence larvée des rapports sociaux dans cet univers confiné, sclérosé, où les femmes n’ont d’avenir que dans l’union forcée. Une leçon pour les trad wives et leurs supporters/trices qui n’imaginent pas un instant ce que subissaient les filles à cette époque : Mary qui n’a rien pour plaire va finalement s’offrir le luxe de la liberté tout terrain et continuer à pouvoir se regarder dans une glace.

Des sentiments justes

Prenons-en de la graine, Mesdames. Et remercions au passage l’impeccable Ella Bruccoleri qui prête ses traits à un personnage si énergique et si actuel ; big up également à ses partenaires Donal Finn et Laurie Davidson, amoureux transis qui vont ployer le genou bien bas devant la dame, à Indira Varma parfaite dans le rôle de cette tante bienveillante qui va révéler Mary à elle-même et lui mettre le pied à l’étrier d’une vie sans entrave.

Le tout en dix épisodes dynamiques portés par des décors superbes, des costumes magnifiques, une musique prenante, des dialogues au scalpel. Et beaucoup, beaucoup de sentiments justes, d’émotions vraies, de doutes, de rêves, de souffrances, d’attirances, de rejets … Bref de la vie. Vous en avez plus que ras-la-casquette des super héros, des bluettes sirupeuses, des polars lourds, des films d’horreur redondants ? Laissez-vous porter par The Other Bennet sister, vous ne serez pas déçu.e, pas une seconde.

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Dans sa chronique sur la série M.L’enfant du siècle, Padme Purple évoque : « Animal politique à sang très chaud, Mussolini nous parle dès la première séquence pour raconter sa progression de l’intérieur. Institués confidents malgré nous, nous l’observons conquérir le pouvoir avec autant d’horreur que de fascination. L’Italie, il va la soumettre comme d’autres violent une femme. » Elle oublie de préciser que pour celles qui résistent, c’est la mort. A petit feu. Dixit le destin d’Ida Dalser, raconté dans le très magnifique et déchirant Vincere.

S’offrir corps et âme

Ida Dalser ? Une des maîtresses de Mussolini avant qu’il ne devienne le Duce. Issue de la bourgeoisie, éduquée, fondatrice d’un salon de beauté dans une Italie peinant à sortir de sa misère. Ida a tout pour elle, excepté ce Benito dont elle tombe éperdument amoureuse, à qui elle s’offre corps et âme au point de tout vendre pour l’aider à lancer son journal Il Popolo d’Italia, futur porte-voix médiatique du fascisme.

Nous sommes en novembre 1914, Benito part au front laissant Ida enceinte … Ida qui prétend qu’ils sont mariés religieusement … Ida qui comprend qu’il y a une autre femme, une épouse officielle, civile, maman d’une petite fille quand elle donne naissance à un garçon. Ida que Benito expulse de sa vie brutalement, sans explication, sans excuse, l’insulte à la bouche.

Un tombeau de silence

Cet enfant, Mussolini jamais ne reconnaîtra, dénonçant par ailleurs ce mariage religieux, criant haut et fort qu’il n’a jamais eu lieu, qu’Ida est une affabulatrice, une folle. Et Ida de le poursuivre, se présentant partout comme l’épouse légitime d’un Mussolini en passe de devenir ministre. Cela fait désordre. La belle est arrêtée, placée à l’asile, son fils enfermé dans une institution religieuse. Un tombeau de silence se referment sur eux, dont ils ne sortiront jamais que par la mort.

C’est cette histoire terrifiante que Marco Bellochio raconte avec la retenue, la pudeur et l’intensité qu’on lui connaît. Le Traître, Esterno notte, nous l’avons déjà vu à l’oeuvre. Le réalisateur italien a un don particulier pour raconter l’histoire de son pays à travers le parcours de personnages atypiques, qu’il s’agisse du repenti Tommaso Buscetta ou du politicien Aldo Moro. Gommés des mémoires, Ida et son fils retrouvent ici leurs places légitimes, illustrant au passage comment le fascisme écrase les êtres.

Une femme sur sa route

Magnifiquement interprétée par une Giovanna Mezzogiorno tout en force et en conviction, Ida symbolise une Italie trompée, manipulée, mise en cage et bâillonnée quand elle commence à revendiquer ses droits. Dans cette histoire, Mussolini (impeccable, terrible Filippo Timi)apparaît comme le menteur grossier et brutal qu’il était, incapable de prendre ses responsabilités, ne supportant pas qu’une femme lui barre la route, usant des pires recours pour se débarrasser de cette importune.

Dans l’Italie fasciste, les femmes se taisent ; elles sont là pour faire des enfants et le ménage, en témoigne cette merveille de film qu’est Une Journée particulière d’Ettore Scola. Vincere le rappelle : gagner face à Mussolini et ses sbires est-il seulement possible ? La résistance constante d’Ida, sûre de son bon droit, ne pliant devant aucune menace, aucune brimade, a tout de celle d’une Antigone. Là où elle pourrait se protéger ainsi que son enfant, elle préfère, malgré les avertissements et les conseils, rester droite dans son discours et sa légitimité. Elle y restera, entraînant son fils dans sa chute.

Avec Vincere, Bellochio confronte passion aveugle et charisme manipulateur. Le pouvoir patriarcal y est fermement dénoncé. Dans son obsession amoureuse, Ida symbolise une Italie qui s’oublie dans les bras d’un dictateur narcissique et manipulateur, quitte à y fracasser son destin. Le propos est fort et d’une actualité effrayante.

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Nous avions littéralement dévoré Monster 1 et 2, respectivement consacrés aux parcours meurtriers de Jeffrey Dahmer et des frères Menendez. Autant vous dire que l’annonce du troisième volet de la série dédié à Ed Gein nous a mis sur les dents. 2 octobre 2025 : lancement des épisodes ; 3 octobre début du visionnage ; 5 octobre, bouclage du visionnage ; 6 octobre revisionnage du Silence des agneaux. Ça vous l’a fait aussi ? Normal. Le binôme Murphy/Brennan a, comme à son habitude et avec la maestria qu’on lui connaît, exploré comment une histoire sordide a engendré un mythe. Avec en toile de fond une réflexion sur ce mérite l’Amérique de Trump. Et cela n’a rien de glorieux.

Atrocités de proximité

Ed Gein donc : un discret fermier issu de l’Amérique profonde, coincé entre les interdits érigés par une mère castratrice avec laquelle il tisse une relation fusionnelle au-delà du concevable et des fantasmes de dépeçage et de nécrophilie. Maman meurt : Ed, dévasté, perd son seul garde-fou (dans tous les sens du terme) et passe à l’acte, depuis le viol de cadavres jusqu’au meurtre en passant par la fabrication de meubles en peau et os humains.

Les flics qui vont finalement l’appréhender auront du mal à s’en remettre. Les médias se saisiront de cette affaire qui aura un écho international : dans les années 50 en voie de rémission après une seconde guerre mondiale horrifique, on n’imagine même pas qu’un Ed Gein puisse exister et commettre semblables atrocités dans sa cuisine à proximité du centre d’une petite ville du Wisconsin où tout le monde se connaît. Et pourtant…

Autopsier la psyché américaine

Cette histoire va s’enraciner dans la culture américaine, influençant des générations de tueurs en série qui rendront hommage à Gein comme à la matrice originelle de leurs barbaries, ET une floppée de réalisateurs s’emparant de ce fait divers pour le raconter en sanglantes images qui vont transformer le cinéma (à moins que ça soit l’inverse ?). Psychose d’Hitchcock, Massacre à la tronçonneuse de Hopper, Le Silence des agneaux de Demme : trois monuments filmiques, trois séismes artistiques, trois grandes mutations dans le regard des spectateurs.

Pas étonnant que Murphy/Brennan, qui, rappelons-le, ont accouché de la superbe minisérie Hollywood, se penchent sur le devenir de la fable Ed Gein, ajoutant au passage des clins d’œil à Maniac ou Mindhunter. Désireux qu’ils sont d’autopsier la psyché américaine dans ce qu’elle a de plus tortueux, de plus vénéneux, ils ne pouvaient ignorer pareille source. Encore moins la raconter sans y mêler esthétique, humanité et poésie (la déclinaison à l’œuvre dans la saga American Horror Story).

Pénétrer la réalité d’une démence

Teintes verdâtres et lumières tamisées, nuances de cadavre en putréfaction, gros plans sur les mains qui caressent les chairs mortes, les doigts qui cousent des peaux de femme, les pupilles qui se dilatent devant des images de sévices, Murphy/Brennan mettent en scène l’atroce du point de vue d’un Gein bercé/rongé par ses visions, ses angoisses, ses désirs. C’est aussi insupportable que superbe, poignant même, et particulièrement perturbant. Car, ce faisant, Murphy/Brennan nous rappellent que ce type martyrisé par une mère fanatique et elle-même dérangée, souffrait de schizophrénie.

Ne pas excuser, ne pas magnifier, pénétrer la réalité d’une démence. Facile à dire, plus compliqué à faire : Charlie Hunnam campe un Ed Gein contre toute attente charismatique, dont on n’arrive jamais à déterminer s’il est un peu benêt ou profondément manipulateur. Autour de lui une palette d’acteurs également impliqués, dont Tom Hollander en Hitchcock dévoré par le monstre filmique qu’il engendre, Will Brill, frénétique Tobe Hopper, ou Vickie Krieps, terrifiante Ilse Koch. Le casting est impressionnant, de même le travail de reconstitution des décors et des costumes, les effets spéciaux, les maquillages, la photographie, les cadrages, le montage.

Gein, miroir intemporel des peurs de l’Amérique

Effet d’harmonie pour conter le chaos d’un esprit médiocre rongé de démence et évoluant dans un monde parallèle et mortifère où la violence perturbe les genres. Avec Monster : The Ed Gein story, Murphy/Brennan ajoutent leur pierre à l’édifice qu’ils tentent de démonter. Ironie du sort : si, comme le dit si bien Hopper, Gein inspire les films que l’Amérique mérite, tendant ainsi un miroir à ses terreurs le plus profondes (menace nucléaire, guerre du Vietnam, crise économique…), alors quelles peurs modernes ce nouvel opus de la série Monster dénoncent-elles ?

Les USA de Trump, masculinistes, fondamentalistes et rétrogrades, s’acharnent sur les opposants, les migrants, les femmes, les homosexuels, les transsexuels. Schizophrénique, le pays de la démocratie tourne à la dictature à coup de censure et de discrimination. Combien de Ed Gein à la clé de cette plongée dans les eaux troubles du rigorisme religieux où il ne fait pas bon être une femme ou avoir changé de sexe ? Gein, obsédé par le corps des femmes au point de leur arracher la peau pour s’en faire un costume, s’en masquer le visage, n’est pas le transsexuel frustré qu’on a imaginé mais un gynéphile tellement obsédé par la féminité qu’il la pénètre intégralement.

Homme parasite et fascination du true crime

La démembre, l’écorche, la recompose à sa façon pour s’y glisser et y vivre. Peau d’Âne version homme, Hercule recouvert d’une défroque féminine : un homme parasite, adulescent qui détruit les femmes jusqu’à s’emparer de leur être, de leur visage, de leurs formes. Plus qu’un boucher, un ogre mu par ses hallucinations, ses pulsions et qui pour jouir a besoin d’une femme froide, silencieuse, soumise. Morte. Aucun recul, pas de remord, le regard absorbé par les magazines illustrant la barbarie nazie sous toutes ses formes.

Difficile de ne pas faire le lien avec le règne des images modifiées par l’IA, images qui inondent nos fils d’actu et entretiennent notre FOMO. La référence à Weegee, photographe new-yorkais qui a dépeint la vie nocturne de Big Apple y compris ses côtés scabreux et sanglants n’est pas anodine. La fascination de Gein et de sa petite amie pour les scènes de meurtre non plus. Alors que le true crime est plébiscité, Murphy/Brennan interrogent cette fascination malsaine et le business qu’elle génère, l’effet Ed Gein qu’elle alimente.

Certains diront que la série, composée de huit épisodes, est trop longue, chronologiquement bordélique. C’est qu’il ne s’agit guère de raconter des faits qui tiennent sur un timbre-poste ou presque. D’ed gein en soi, il y a peu à dire sinon que c’était un tueur dément. Mais c’est l’impact durable qu’il a sur la mémoire américaine qu’il imposte ici d’ausculter. Et la love story sado-maso des USA pour le boucher de Planinfield a de quoi interpeler les consciences. Ce que Murphy/Brennan font avec beaucoup de pertinence et un plaisir non feint.

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Être une femme parfaite, un épouse parfaite, une mère parfaite… et l’étaler à longueur de vidéos sur les réseaux sociaux. Quitte à basculer petit à petit dans la maltraitance la plus abjecte. Et en pensant le faire pour le bien de ses enfants. Voici en quelques mots très synthétiques le parcours de Ruby Franke. Mais peut-on résumer cette atrocité en deux phrases ? Non. Il faudra bien les trois épisodes de la série documentaire Devil in the family: the fall of Ruby Franke pour lever un voile timide sur cette tragédie familiale et tenter de comprendre.

L’image d’un bonheur familial factice

Comprendre comment cette maman en apparence attentive et pleine de vie, joyeuse et proche de ses enfants a pu en venir à pareilles extrémités. Comment son entourage, son époux notamment, n’ont pas réagi, détournant la tête devant des maltraitances de plus en plus visibles. Comment les plateformes, malgré les commentaires et les signalisations, ont continué de diffuser ces vidéos.

Pendant des années, Ruby a vendu à des milliers de followers béats l’image d’un bonheur familial factice. Le vernis craque à l’été 2023 lorsqu’un de ses enfants, couvert de coups et de blessures, amaigri, arrive à lui échapper pour se réfugier chez un voisin. Un miracle ! Sans cela, le garçon y serait probablement resté, sa petite sœur aussi. Au centre de cette dérive, le besoin d’argent, la manipulation affective, la dérive sectaire.

Une plaie béante

Et personne pour stopper ce processus. Personne. Devant la caméra d’Olly Lambert, Kevin Franke l’ex‑mari de Ruby, Shari et Chad, ses aînés, racontent. Comme ils peuvent, car aujourd’hui encore, la plaie est béante. Les colères de cette femme off caméra quand ses petits refusent de faire ce qu’elle ordonne, les punitions qu’elle leur inflige car ils n’en peuvent plus de se mettre en scène, toutes ces séquences sont dévoilées qui font froid dans le dos, interrogeant au passage ce business des parents influenceurs.

Et les vautours qu’ils peuvent attirer quand ils manquent de limite, qu’ils sont eux-même fragiles psychiquement. Quand Jodi Hildebrandt, coach parentale et ex‑psychologue, s’invite dans cette aventure, le chaos s’installe. Au cœur de ce bouleversement, des principes religieux rigides et fondamentalistes d’un autre âge. La maison devient une prison psychologique, le père, les enfants les plus grands sont écartés, les plus jeunes sont maltraités : le lien maternel déjà très toxique s’avère destructeur.

Des enfants exploités sur les réseaux

Ruby et Jodi sont arrêtées le 30 août 2023 pour abus aggravés sur mineur, condamnées l’année suivante, très lourdement. Depuis les aînés se mobilisent pour communiquer sur le sujet, avertir, informer. Et faire en sorte que la loi évolue pour protéger les mineurs d’une exploitation digitale, quelle qu’elle soit. Car c’est là le centre du problème.

La série dénonce l’ambiguïté des plateformes : ces dernières permettent de bâtir des empires sur la promotion d’images souvent complètement faussées. Les déviances, les sévices sont en embuscade derrière la mise en scène factice d’un bonheur familial dégoulinant de bons sentiments, où la mère apparaît comme la sainte du foyer, la lumière à suivre pour sa progéniture.

Une personnalité complexe et problématique

Ce contexte offre un terreau fertile pour les abus de toutes sortes. Ruby, avant même d’épouser une discipline religieuse imposée comme vertu, jusqu’à l’effroi, Ruby présente une personnalité complexe et problématique, immature qui trouve enfin une reconnaissance dans le succès de son vlog. Ses enfants deviennent des outils assurant cette visibilité, des faire-valoir, des excroissances d’elle-même. Tout cela avec l’aval des internautes et de son entourage qui y puisent une source de revenus importante.

Intense et bien menée, Devil in the Family: The Fall of Ruby Franke est une docu-série essentielle, qui creuse le malaise contemporain des familles vlogueuses consumées par l’image, les croyances extrêmes justifiant la cruauté, et le silence complice autour de la souffrance infantile. La « viralité » parentale n’en ressort pas grandie ni la société qui autorise pareille déviance.

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Dans la série binge-watching, on venait à peine de boucler la première saison de L’Eternaute ( la suite, la suite ! ) qu’on embrayait sur The Mist. Histoire de rester dans une atmosphère météo-apocalyptique, mais avec une petite crainte quand même vu qu’adapter Stephen King au ciné, c’est en règle générale, sinon mission impossible, du moins risque absolu d’accoucher d’une soupe visuelle fadasse. Et là, divine surprise. Frank Darabont s’en tire haut la main avec un film d’autant plus flippant que l’étude émotionnelle au coeur de l’univers de King est respecté, voire mis en exergue. Explications.

Une brume invasive

Le pitch est simplissime : un soir, un orage fracasse une petite ville du Maine (région de prédilection du King qui y vit depuis des années et y situe quasiment tous ses bouquins). Au matin de cette tempête, on constate les dégâts. David Drayton et son gamin quittent épouse/maman et maison familiale pour aller acheter ce qu’il faut au supermarché du coin afin d’effectuer les réparations. Un voisin vient avec eux.

C’est alors qu’ils remarquent qu’une brume épaisse se déverse depuis les montagnes. Une brume opaque qui envahit tout, et dont ils vont vite comprendre qu’elle tue ceux qui s’y perdent. Voici donc Drayton, son petit coincés dans le magasin avec une cinquantaine de personnes complètement flippées et on ne sait trop quoi qui se tapit dans la brume, prêt à frapper.

Le vrai monstre, c’est le groupe

Avec Stephen King aux commandes de pareil récit, on se doute que les choses vont très, très mal tourner. Et que l’horreur ne sera pas forcément là où on l’attend. Certes il y a ce brouillard qui tue, indifférent et impitoyable. Mais le vrai monstre, c’est le groupe. Le collectif qui dégénère. Le vernis civilisé qui fond à vitesse grand V.

Dans The Mist, l’humanité, mise en cage, explose en plein vol. Paranoïa, trahisons, suicides, lynchages, fanatisme religieux : tout y passe. Le microcosme devient un condensé de société en décomposition. Et ce n’est pas un hasard si ça se passe dans un supermarché. L’église moderne du consumérisme.

Hausser le curseur de l’atroce

Et Daramont d’en remettre une couche, modifiant la fin de cette fable, pour hausser le curseur de l’atroce de quelques crans supplémentaires. Trahison bienfaisante ? Fidélité cruelle ? Darabont, ce n’est pas n’importe qui. Il a déjà adapté/réalisé Les Évadés, La Ligne verte (rappelons que c’est un scénariste émérite). King, il connaît.

Ici, sa lecture respecte l’angoisse sous-jacente à toute intrigue du célébrissime auteur. Ce mal rampant qu’il injecte dans ses histoires, plus efficace que n’importe quel démon. Et ça, très peu de cinéastes ont su l’attraper. Darabont, lui, l’a fait. En beauté. Et en horreur.

Choisir la mauvaise porte

La fin de The Mist est une des plus atroces de l’histoire du cinéma. Une anti-catharsis. Le désespoir pur. Et pas gratuite, attention. Une fin logique. Terriblement logique. Parce qu’elle ne montre pas la mort. Elle montre ce que la peur peut pousser un homme à faire… en pensant faire le bien.

Stephen King a avoué préférer la fin du film à celle de sa nouvelle. C’est dire. Car elle va plus loin. Elle met le doigt là où ça fait mal : sur l’impossibilité d’agir correctement quand tout s’effondre. Sur cette idée glaçante que, confronté au néant, l’être humain choisit souvent la mauvaise porte.

Lovecraft en embuscade

Autre petit exploit : préserver la quintessence lovecraftienne qui sommeille dans l’écriture de King. Et cela réside dans la manière de saisir cette brume invasive, porteuse de mort. Une entité mouvante, opaque, qui ne révèle rien sinon la terreur d’un inconnu absolu. L’horreur cosmique, lovecraftienne, infiltre chaque image. Ce n’est pas un simple brouillard : c’est l’abstraction. Le chaos. L’indicible.

Des créatures aux formes impensables surgissent, sans logique ni but apparent. Elles tuent, elles dévorent, elles existent. Point. Pas de Dieu. Pas de salut. Pas d’ordre. Chez Lovecraft, l’humain est un insecte insignifiant, paumé dans un univers qui le dépasse. The Mist prend le relai, pas d’explication juste l’horreur qu’il faut fuir. Comme dans The Call of Cthulhu ou The Colour Out of Space, l’invasion ne vient pas pour punir ou corriger. Elle EST. Elle écrase. Et elle révèle la petitesse de nos certitudes. Leur inconsistance.

Adapter Stephen King, c’est souvent le baiser de la mort. Trop de mots, trop de psychologie, trop de non-dit, trop d’effets spéciaux ou pas assez. Bref, on s’y perd facilement. Mais The Mist évite tous ces pièges. Parce que Darabont ne cherche pas à coller au texte à la lettre. Il colle au style. À la terreur larvée. Aux dynamiques de groupe. Aux conflits souterrains. Il capte ce que King fait de mieux : ausculter le cœur de l’homme quand la merde frappe le ventilateur. Ici, pas de héros. Juste des gens. Faillibles. Fragiles. En proie à leur besoin de croire, d’obéir, de survivre, quitte à devenir bourreaux. C’est crasseux, cruel, réaliste. C’est du King à l’os. Et ça, c’est rare. Du grand art.

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9 juillet 2025 : après 14 éditions dont la dernière s’est achevée le 25 juin, le Champs‑Élysées Film Festival (CEFF) annonce sa disparition. « Clap de fin » vont claironner les médias en relayant l’info à chaud. Habituellement, ce genre d’info, nous évitons de les diffuser sur The ARTchemists, nous attachant plus à filer des pistes et des recos pour ouvrir/enrichir l’horizon culturel de chacun.e. Mais en l’état, cet événement nous a interpellé.es de par sa signification, ce qu’il traduit de l’état de la culture en France et ailleurs, ce qu’il laisse présager. Explications.

Un rendez-vous incontournable du cinéma indépendant

Posons le cadre pour ceux/celles qui ignoreraient de quoi il s’agit : né en 2012, le festival des Champs-Élysées s’est imposé comme le rendez-vous incontournable du cinéma indépendant, un tremplin pour des réalisateurs trop marginaux pour bénéficier des circuits de diffusion classiques. Chaque été, les salles prestigieuses de la plus belle avenue du monde – Publicis, Le Balzac, UGC George V, entre autres – accueillent avant‑premières, masterclasses, conférences avec à la clé une sélection ambitieuse dédiée aux cinéastes émergents.

A l’origine de cette initiative, Sophie Dulac. Productrice et distributrice, exploitante de salle, reconnue pour son engagement en faveur du cinéma d’auteur, elle est née dans une famille liée au monde des médias (c’est la petite-fille de Marcel Bleustein-Blanchet, fondateur de Publicis). Œuvrant d’abord dans le recrutement, elle va finalement se tourner vers le cinéma, fonde Sophie Dulac Productions dès 1999, rachète en 2001 la chaîne Les Écrans de Paris (qui regroupe des salles indépendantes comme l’Arlequin, le Reflet Médicis ou le Majestic Bastille). En 2003, Dulac Distribution voit le jour, une locomotive de la diffusion de films d’auteur, de documentaires et de premières œuvres.

Un pilier des coproductions franco-américaines

Aujourd’hui ce qui est devenu Maison Dulac Cinéma distribue environ dix à douze films par an et compte un catalogue riche de plus de cent titres. Bref, Dame Dulac et ses sociétés sont enracinées dans l’univers du cinéma ; le Champs-Élysées Films Festival a été façonné dans cette perspective de développement, afin de construire des ponts entre la France et les USA. Un véritable levier stratégique pour les entités sus-citées : en mettant en lumière de jeunes talents de part et d’autre de l’Atlantique, le CEFF constitue un sas entre les marchés européens et nord-américains, favorisant l’émergence de projets communs en partenariat avec par exemple US In Progres.

Cette ligne éditoriale assumée a permis à la Maison Dulac d’identifier des films à fort potentiel, de tisser des liens avec des agents internationaux et de positionner ses productions sur des circuits festivaliers majeurs comme Sundance ou Tribeca (dixit FilmFreeway). Cette logique s’inscrit dans une volonté plus large de faire de la Maison Dulac Cinéma un acteur incontournable des coproductions franco-américaines et de la diffusion d’un cinéma d’auteur international. Dit autrement, le CEFF permet à la constellation Dulac de propulser ses films, d’alimenter ses réseaux de distribution.

La dislocation d’une interface économique et culturelle

Rien d’étonnant, nombre de festivals intégrant une partie pro ont cet objectif (cf le festival de Cannes ou le MaMA). Là où ça devient problématique, c’est que la fin du CEFF ne marque pas seulement la disparition d’un événement cinéphile ; elle représente la dislocation d’une interface économique et culturelle, au service d’une vision artisanale du cinéma à l’ère des géants du streaming. Le point culminant d’un malaise latent ?

• Rappelons le licenciement abusif du directeur historique du Reflet Médicis, en écho aux témoignages de management toxique au sein des structures Dulac, témoignages relayés dans les médias, notamment Libé, et évoquant climat d’angoisse, pression incessante, harcèlement. Ces révélations ont d’ailleurs conduit plusieurs membres du jury de l’édition 2025 à démissionner, dans un climat de tension palpable (dixit Les Inrocks).
• Cette ultime édition a eu lieu sur fond de démantèlement des aides publiques et de fermeture progressive des salles emblématiques sur l’avenue. Une fragilité économique sur laquelle Sophie Dulac rebondit pour expliciter la fin de l’événement.

Ce que cela révèle du monde du cinéma indépendant

La disparition du CEFF cristallise clairement plusieurs mutations profondes du paysage cinématographique.

1. La crise des festivals indépendants : le CEFF était une anomalie vertueuse : petit par l’échelle, mais fort par l’identité. En fédérant passionnés et professionnels autour du cinéma exigeant entre France et États-Unis, il jouait un rôle essentiel dans l’émergence des auteurs indépendants. Sa disparition laisse un vide d’autant plus perceptible qu’il n’existe pas d’équivalent identitaire dans la capitale.
2. La pression des plateformes numériques : face à l’ascension irrésistible de Netflix, Prime Video ou Disney+, les festivals traditionnels se voient obligés de réinventer leur modèle. Beaucoup d’indépendants sont désormais limités à des espaces virtuels ou à des plateformes spécialisées. Or, un festival physique comme le CEFF offrait une visibilité, un point de rencontre et d’échange, une expérimentation collective impossible à reproduire sur écran.
3. L’urgence de l’éthique et du respect humain : le scandale du management toxique touche un nerf : aujourd’hui, la culture ne peut plus être dissociée du bien‑être des personnes qui la font vivre. L’arrêt du festival pointe du doigt l’incompatibilité entre exaltation artistique et pratiques managériales précaires – un signal fort : protéger les équipes est autant une condition qu’un impératif pour porter des projets culturels.
4. La fragilité économique de la filière : les festivals tiers – souvent structurés comme de petites PME – subissent la baisse généralisée des subventions et la raréfaction des lieux physiques. La fermeture du CEFF démontrerait que, sans appui financier stable et vision politique, aucun projet n’est à l’abri, même valorisé par le public.

L’après-CEFF : un défi à relever

Ci-gît le CEFF. La question alors se pose : quel futur pour le cinéma indépendant à Paris ?
Un vide symbolique et logistique vient de s’ouvrir… et suscite un appel à la créativité. Collectivités, associations, entrepreneurs culturels vont-ils valoriser ce moment pour redéfinir un projet hybride ? En ont-ils seulement les moyens à l’heure de la grande tonte des subventions ? Un festival plus modeste, tourné vers l’humain, flexible, connecté, mais surtout éthique et durable, pourrait certes reprendre le flambeau, mais comment ?

Le CEFF ne disparaît pas simplement d’un calendrier culturel — il ramène sur le devant de la scène la vitalité et les fragilités du cinéma indépendant. Sa disparition émeut, questionne sur les conditions d’une renaissance. Les amateurs de cinéma, spectateurs de l’ombre et cinéphiles passionnés, sont prêts à le soutenir. Reste à savoir qui aura le courage, la créativité, les moyens… et l’honnêteté, de construire ce projet.

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Le moins qu’on puisse dire, c’est qu’elle a du talent. Un talent fou ! Il en faut pour évoquer pêle-mêle le génocide du Rwanda, l’homosexualité, la dépression et l’internement psychiatrique sans voir le public fuir à tire-d’aile. Seulement voilà : Mamari Munezero a un don : elle sait rire et faire rire. Avec intelligence et bon sens. Ce qui n’est pas donné à tout le monde.

Sur scène comme un poisson dans l’eau

Un rire éclatant, solaire, une voix de gamine, des yeux qui pétillent de malice : Mamari Munezero évolue sur scène comme un poisson dans l’eau. Aucun doute : c’est son élément. Et son champ d’action. Objectif de sa mission : nous rendre un peu moins cons. Et plus tolérants.

En nous parlant d’homosexualité, de maladie mentale. Sans fard ni chichi, avec un humour décapant. Il faut dire qu’elle connaît le sujet, elle qui a vécu le génocide au Rwanda dont elle est originaire, l’inceste, la dépression, l’internement en hôpital psychiatrique.

La question de la souffrance mentale

D’aucuns se seraient fichus en l’air. Mamari, quant à elle, a opté pour le rire. Maniant la plume depuis son enfance, elle découvre au fil de ses expériences de vie qu’elle a des choses à dire et à partager. Et du talent. Donc, elle plaque ses études de pharmacie pour devenir humoriste. À la veille de la pandémide de COVID.

Pandémie à laquelle elle va survivre pour imposer son approche et son style, avec notamment le spectacle Trop drôle pour mourir. Réseaux sociaux, podcasts, émissions de radio, participation à des festivals, des tables rondes, des conférences, Mamari utilise tous les canaux pour communiquer sur la question de la souffrance mentale, entre autres.

Humilité et autodérision

Et en démystifier la nature. Avec autant d’humilité et d’authenticité que de brio. Avec beaucoup d’autodérision également, une ironie gentiment mordante mais mordante quand même. Phrasé mélodieux, sens du rythme, elle module ses blagues, joue sur les sonorités, les images également. Et nous fait rire. Aux éclats. Résiliente. Brisant les tabous. Nous invitant à utiliser les termes directement plutôt que les figures de style qui édulcorent.

Écornant au passage nos certitudes d’être bien normaux, équilibrés. Riant gentiment de tout son corps, gestuelle, visage, regard, mais sans tomber dans la guimauve ou le grotesque. Exercice périlleux mais la demoiselle est virtuose, dotée de l’élégance discrète et détachée des survivants. Avec cela un sens de la tournure, de l’a-propos, de la réplique qui fait mouche, du dialogue avec autrui.

Bref un très gros coup de coeur pour cette jeune femme surdouée, qui apporte autant de fraîcheur que d’espoir avec ses sketches hautement thérapeutiques.

Pour en savoir plus sur Mamari Munezero, son univers et son actualité, consultez son linktr.ee.

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Allez, les chéris, on sort son petit agenda et on note : 28 février vendredi, soirée Velu.e !!!! LE rendez-vous cabaret à ne manquer sous aucun prétexte vu qu’on s’y amuse en découvrant des talents émergents de la scène queer de paris et d’ailleurs ! Velu.e en février : rire assuré.

Et pas seulement que du rire. De l’émotion, de la réflexion, du talent, du chien, de l’élégance, du glamour, de l’humour, de l’amour !!!!!!!!!

Et qui pour investir Le Hasard Ludique, sous le patronage dynamique de Super Ughett, l’oeil vigilant de Madame Tiff et la direction tout en velours du maître Édouard Liotard ?

Aux platines comptez sur les incontournables Fabisounours et Loki Starfish, nos petits camarades du Bragi Pufferfish, experts en Djsets de qualité !

Et sur scène ? Qui pour vous attraper le coeur, vous séduire d’un battement de cil, vous faire rire d’une vanne bien calibrée ?

• La superbe et railleuse Melle Kiss, officiellement instituée véritable TROU NORMAND ?
• La longiligne Mikhaa, son regard de glace, sa voix d’or, son sens du rythme, sa sensibilité à fleur de peau ?
• Joh Lala, drag king noir controversé de son état, qui affectionne les complets bleu électrique et les marguerites jaunes ?
• Mamari Munezero, qui rit de tout avec nous et surtout de santé mentale, qui préfère le strass au stress post-traumatisme ?

Bref vous avez le choix, le menu de La Velu.e du 28/02/25 est de nouveau aussi varié que hautement qualitatif !

Bon maintenant, vous n’avez plus d’excuse, filez sur le compte Insta de La Velu.e pour organiser votre soirée ; vous ne le regretterez pas !!!!

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