Belle, séduisante, Cléopâtre, son nez, ses amants, sa mort tragique et courageuse… la vérité ou le mythe ? Depuis le 11 juin 2025, l’IMA avec l’exposition Le mystère Cléopâtre propose d’y voir plus clair au travers d’un parcours dense, labyrinthique, à la hauteur de celle qui sut défier Rome. Jusqu’au 11 janvier 2026, les visiteurs sont conviés à une enquête sensible : que reste-t-il de la dernière reine d’Égypte, entre les ruines et les fantasmes ?

Penser le pouvoir des images

Les commissaires de l’exposition, Claude Mollard et Christian-Georges Schwentzel, sont partie de la problématique suivante : comment une femme a-t-elle pu devenir à ce point une icône, au point d’éclipser sa réalité historique ? En effet, dès le début du parcours, le ton est donné : ce n’est pas une Cléopâtre que le visiteur va rencontrer, mais toutes les Cléopâtre qui ont jalonné l’Histoire.

Faits archéologiques, récits antiques, œuvres d’interprétation : entre monnaies à son effigie, bustes ptolémaïques, papyrus officiels, affiches de films, costumes de théâtre, extraits d’opéras, le visiteur se perd. Normal car la grande reine n’a survécu au fil des siècles dans les mémoires que par la parole des vainqueurs. Pour retrouver un fil directeur digne de confiance, il s’agit de faire dialoguer toutes ces émanations. Et de les démystifier.

Une campagne de dénigrement

Les Romains d’abord, évidemment. En 31 av. J.-C., Cléopâtre VII n’est plus la souveraine cultivée et politique redoutable que décrivent les sources égyptiennes : elle devient la « sorcière orientale », corruptrice d’Antoine, ennemie de Rome. Auguste orchestre sa déchéance symbolique : il efface son nom des temples, la transforme en figure du vice, en contre-modèle féminin. Cette campagne de dénigrement perdurera pendant des siècles — jusqu’à Shakespeare, jusqu’à Hollywood.

L’exposition montre comment cette image s’est infiltrée dans la culture occidentale : la Cléopâtre de Joseph Mankiewicz (Elizabeth Taylor, 1963) est une déesse de studio, plus glamour que politique ; celle de Pascal ou de Shaw incarne la femme fatale et la muse intellectuelle ; celle de la Renaissance symbolise la chute du monde antique. À chaque époque, la même question revient : Cléopâtre, génie stratégique ou femme manipulatrice ? Amoureuse tragique ou souveraine machiavélique ? Le parcours refuse de trancher, et c’est sa grande force.

Entre mythe et archéologie : un équilibre fragile

Les pièces exposées rappellent pourtant une réalité moins romanesque mais bien plus éclatante : Cléopâtre parlait neuf langues, négociait avec César et Antoine, gérait une administration complexe, tentait de maintenir l’indépendance égyptienne dans un monde dominé par Rome.
Les monnaies frappées à son effigie révèlent une femme au visage fin, volontaire, sans les canons de beauté idéalisés — preuve qu’elle s’imposait davantage par son charisme que par son apparence.
Des papyrus administratifs, des fragments de rituels religieux, des bustes brisés : autant de traces ténues, mais tangibles, d’une souveraine ancrée dans le réel.

Le contraste entre la pauvreté des sources matérielles et la prolifération des images crée une tension fascinante. L’IMA la traite sans hiérarchie : les mythes ne sont pas relégués au rang de mensonges, mais replacés dans la longue histoire de la fascination pour cette femme de pouvoir.
Ainsi, un trône vide clôt symboliquement le parcours — comme pour dire : l’histoire s’est effondrée, mais le mythe tient encore debout.

La Cléopâtre des autres : réinventions et résistances

Ce qui frappe, c’est la richesse des réappropriations contemporaines. Des artistes arabes et africains en font une figure d’émancipation : symbole de puissance féminine, de souveraineté intellectuelle, de résistance culturelle. Des créatrices féministes la détournent pour dénoncer les stéréotypes : Cléopâtre n’est plus “celle qui séduit”, mais “celle qui décide”. L’exposition donne à voir ces métamorphoses sans jugement, dans une pluralité d’esthétiques : installations, photographies, vidéos, performances.

Ainsi, le mythe de Cléopâtre devient miroir du XXIe siècle : comment raconter le féminin, le pouvoir, l’identité, la colonisation ? L’IMA prolonge le débat par des tables rondes et des ateliers qui croisent histoire antique et enjeux de représentation. Et c’est là que l’exposition devient politique.

Une reine toujours vivante

La Cléopâtre de 2025 n’est plus une héroïne antique. C’est une figure de projection collective, un champ de bataille entre mémoire et imagination. En s’attaquant à son « mystère », l’Institut du monde arabe ne cherche pas à résoudre une énigme, mais à questionner la fabrication du mythe.
Car le véritable sujet ici, ce n’est pas Cléopâtre — c’est la manière dont une société construit ses héroïnes, les détruit, puis les ressuscite à sa convenance.

On ressort de l’exposition avec la sensation d’avoir feuilleté un immense palimpseste : sous la poussière des siècles, des visages apparaissent, se superposent, se délitent. Et si, au fond, Cléopâtre était moins une femme qu’un langage ? Entre vestiges et fantasmes, Le mystère Cléopâtre fait bien plus que raconter une histoire antique : il raconte notre besoin de mythe, notre rapport au pouvoir, notre fascination pour les figures féminines qui échappent à toute définition. Dans les couloirs de l’IMA, la reine d’Égypte continue de régner — souveraine d’un empire fait d’images, de mots et de silence.

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site de l’IMA.

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Mobland : rien que le casting de la série est jubilatoire. Tom Hardy, Helen Mirren, Pierce Brosnan, Paddy Considine, Joanne Froggatt, Mandeep Dhillon, Lara Pulver, Geoff Bell, Janet McTeer, Toby Jones, Anson Boon, Alex Jennings et j’arrête là vu la longueur de liste qui n’affecte en rien la qualité d’acteurs de haut vol menés bielle en tête par Ronan Bennet avec à la prod un certain Guy Ritchie. Autant dire que Mobland rien que par son affiche met la barre haut. Et la série est au rendez-vous.

Quand le pouvoir se fissure

Un petit pitch : le clan Harrigan règne en maître sur la pègre londonienne depuis des années. Mais comme toute famille régnante, il arrive un moment où le pouvoir se fissure. Mobland évoque ce craquellement aux allures de bombardement atomique. Car le clan Harrigan a construit son empire sur la violence, le sang, la terreur et la folie. « Power is a hungry thing » est le moto du patriarche, et cela reflète la mentalité à l’oeuvre dans cette parentèle.

Pour le dire clairement, ils sont tous ou complètement dingues tendance psychopathe (les grands parents et le petit dernier) ou très abîmés psychiquement (tous les autres, pièces rapportées y compris). Forcément, quand le fils du clan rival, les Bell pour ne pas les nommer, est retrouvé en petits morceaux, la guerre éclate, féroce, le pouvoir est contesté.

Pourquoi Harry reste-t-il ?

Au milieu de ce joyeux et très saignant bordel, Harry Da Souza, l’homme à tout faire des Harrigan, tente de tempérer les choses. Compliqué vu qu’en plus de gérer les coups de folie des membres de cette meute (et leurs très nombreuses trahisons), Harry doit essayer de sauver son couple, sa vie de famille. Pas évident évident : quand on bosse pour les Harrigan, on n’a pas de vie perso, elle est forcément bouffée par les errements de cette bande de fous sanguinaires.

Et c’est là que se pose la question : pourquoi Harry reste-t-il ? Par loyauté viscérale ? Par sens des responsabilités (il faut bien quelqu’un pour canaliser ces fauves et il est visiblement le seul à y parvenir) ? Par goût du fric (le job est dangereux mais il paie) ? Ou y a-t-il autre chose ? Lien caché, stratégie de l’ombre, tout le monde s’interroge, les Harrigan en premier. Car Harry est courtisé par les autres gangs, ses talents, sont précieux, sa retenue et son efficacité appréciées, sa perspicacité et sa diplomatie respectée. Alors pourquoi ?

Tragédie royale et thérapie familiale

Cette question s’infiltre partout dans une intrigue à rebondissements multiples particulièrement violents, propres à l’univers tissé par Ritchie depuis son premier film Crimes, arnaques et botanique. Sauf qu’ici, l’humour cède le pas à la tragédie royale façon Shakespeare, à la thérapie familiale en mode Ari Aster. Imaginez le mélange pour le moins explosif qui en résulte.

Sur fond de règlements de compte entre clans mafieux, Ronan Bennet autopsie les rouages grippés d’une famille rongée par les non-dits, les secrets. Imaginez Secrets and lies de Mike Leigh mais avec des lames de rasoir, des armes d’assaut et des tronçonneuses. Le tout pulsé par une bande-son de dingue, un générique d’anthologie scandé par le magnifique et très retors « Starbuster » de Fontaine D.C. (rarement une chanson n’a autant collé au sujet d’une fiction, lui intimant une signature mélodique propre).

Voilà. Arrêtez de me lire, regardez Mobland, savourez la jouissance des acteurs qui s’éclatent dans ce jeu de massacre, c’est juste palpable. Profitez de cet OVNI qui bousille les genres, et priez très fort qu’on n’annule pas la seconde saison.

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La géopolitique fait peur. Elle semble complexe, truffée de cartes, de conflits, de stratégies nébuleuses, réservée aux experts. Pourtant, elle s’infiltre partout : dans nos vies, dans nos débats, dans nos écrans. Et de plus en plus, dans nos séries. Deux ouvrages parus à quelques années d’écart en offrent la preuve éclatante : La géopolitique des séries ou le triomphe de la peur de Dominique Moïsi (Flammarion, 2017) et J’assure en géopolitique grâce aux séries de Virginie Martin et Anne-Lise Melquiond (De Boeck Supérieur, 2023). Deux approches différentes, deux tonalités distinctes, mais un même constat : les séries ne racontent pas seulement des histoires, elles cartographient nos angoisses, nos tensions, nos fractures.

Quand la fiction capte l’air du temps

Dominique Moïsi ne s’embarrasse pas de définitions académiques. Il observe. Il analyse. Il décortique. Et ce qu’il voit dans les séries post-11 septembre, c’est une montée brutale de la peur. Peur du chaos (Game of Thrones), peur du terrorisme (Homeland), peur de la fin de la démocratie (House of Cards), peur de l’autre (Occupied). Peur d’un ordre ancien qui vacille (Downton Abbey).

Pour Moïsi, les séries sont les sismographes émotionnels de notre temps. Le propos est limpide : les séries nous parlent du monde tel qu’il est… ou tel que nous le percevons. Elles ne se contentent pas de refléter l’actualité. Elles façonnent notre compréhension des événements, de l’histoire, des puissances. En cela, elles sont politiques. Et donc géopolitiques. Avec une bonne touche de soft power ?

Pédagogie pop : apprendre la géopolitique avec Netflix

Côté De Boeck, le ton est plus didactique, mais tout aussi percutant. Dans J’assure en géopolitique grâce aux séries, Martin et Melquiond partent des séries que tout le monde connaît (ou presque) pour enseigner les grandes notions géopolitiques contemporaines. Ici, The Crown devient une leçon sur la décolonisation, Fauda un décryptage du conflit israélo-palestinien, Borgen un miroir des enjeux écologiques, Narcos une plongée dans la géoéconomie des cartels.

Le tout est organisé en 15 chapitres clairs, assortis de définitions, cartes, dates clés. Ce n’est pas un gadget pédagogique, mais un outil sérieux, bien structuré, qui permettra aux étudiants comme aux curieux de s’approprier un savoir qui peut sembler aride. Grâce à la familiarité des séries, la géopolitique devient ainsi accessible. Et surtout, elle prend du sens, de la consistance.

Deux visions, un même objectif : rendre le monde lisible

Ces deux livres se complètent admirablement. Moïsi livre une lecture émotionnelle du monde à travers le prisme des récits télévisés. Martin et Melquiond offrent une grille de lecture analytique, avec rigueur et méthode. Ensemble, ils montrent que :

• Les séries sont des instruments de compréhension du monde.
• Elles reflètent les rapports de force, les fractures culturelles, les dynamiques géostratégiques.
• Elles véhiculent aussi des idéologies, des peurs, des récits d’identité ou de puissance.

Pourquoi c’est crucial aujourd’hui

Dans un monde en mutation rapide, où les conflits se multiplient, où les alliances changent, où l’info se dilue dans les réseaux, maîtriser la géopolitique n’est plus une option. C’est une nécessité.

Non pour devenir expert en stratégie militaire, mais pour :

• comprendre ce qui se joue entre les lignes des journaux (ou des tweets),
• repérer les dynamiques de pouvoir derrière les discours,
• décrypter les récits géopolitiques cachés dans nos divertissements.

Et si les séries peuvent nous y aider, pourquoi s’en priver ? À condition de garder un œil critique, de ne pas confondre fiction et réalité, et de croiser les regards. Ce que font, chacun à leur manière, Moïsi, Martin et Melquiond.

En conclusion : binge-watcher le monde ?

Oui, on peut apprendre en regardant des séries. À condition de savoir ce qu’on regarde, et pourquoi. Les séries ne sont pas neutres. Elles racontent le monde – ou du moins, une vision du monde. Les décrypter, c’est apprendre à penser, à questionner, à résister aussi.

Alors, que vous soyez fan de Narcos, de The Handmaid’s Tale, de Fauda ou de Succession, ces deux livres sont là pour vous tendre une boussole. Et vous rappeler que dans chaque épisode, il y a bien plus qu’un rebondissement : il y a un morceau du réel à déchiffrer.

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Attention titre trompeur : Jane Austen a gâché ma vie peut sembler un pamphlet grinçant et amer contre l’idéal romantique. Il n’en est rien. Au contraire, ce premier long-métrage signé Laura Piani est une comédie romantique, aussi délicate et intelligente que drôle, jouant habilement avec l’héritage austenien tout en racontant une quête personnelle plus universelle.

Un voyage intérieur aussi farfelu que poétique

Agathe (Camille Rutherford), trentenaire maladroite, passionnée de Jane Austen, est libraire chez Shakespeare & Co. à Paris. Comme les héroïnes austeniennes qu’elle adore, elle s’embourbe dans une routine sans surprise — professionnelle, personnelle, affective, convaincue qu’elle est que la vie réelle ne peut être aussi riche que les récits de ses romans préférés. Elle s’essaye à l’écriture. Mais cela l’angoisse plus que cela ne l’inspire : aucun mot, ni amour, ne s’anime sous sa plume.

Blocage dans le sillage d’un deuil douloureux dont elle ne s’est jamais remise, Agathe, comme elle l’explique elle-même « passe consciencieusement à côté de son existence ». Jusqu’au jour où son mailleur ami, Félix (Pablo Pauly) envoie en secret son manuscrit à la Jane Austen Writers Residency en Angleterre. Contre toute attente, Agathe est acceptée. Ce départ marque le début d’un voyage intérieur aussi farfelu que poétique.

Entre quiproquos et rapprochements

L’arrivée dans cette demeure austère perdue au milieu de la campagne britannique, ne s’opère pas dans le calme. Remarques malhabiles, panne de voiture, l’ambiance se fait vitre romantique avec un grand R. Accueillie par Oliver (Charlie Anson), petit neveu de la célèbre romancière et lui-même en crise existentielle, Agathe se perd dans ce manoir aux salons feutrés, entre discussions avec d’autres auteurs et bal costumé.

Le décor, l’atmosphère, tout est rassemblé pour qu’une idylle se tisse, quand surgit le meilleur ami, transi lui-aussi d’amour pour la maladroite mais si attachante Agathe. Il va falloir choisir entre ces deux figures masculines, dans une tension romantique qui rappelle les meilleurs passages d’Austen, entre quiproquos et doux rapprochements.

Blocage créatif

Ce qui distingue Jane Austen a gâché ma vie, c’est la véritable importance accordée au blocage créatif de l’héroïne. Le film donne à voir le courage de celle qui doit se battre contre elle-même avant de trouver les mots, surtout de les dire aux autres. Ne plus se cacher, ne plus se détester : le dilemme est là.

Le récit fait rimer la question de l’amour avec celle de la création : pour s’aimer et aimer, Agathe doit s’écrire. Comme Emma Woodhouse ou Elizabeth Bennet avant elle, elle découvre que le roman de sa vie peut exister, à condition de se départir des injonctions extérieures : Oliver ne lui suggère-t-il pas de « retourner à ses ruines » pour se reconstruire et enfin écrire ?

Une belle histoire simple

Camaraderie littéraire d’une résidence d’artistes en pleine créativité, douce folie d’un papa à la dérive mentale, intensité des regards, du « langage des yeux » comme dirait Étienne Daho : le film de Laura Piani nous rappelle que le cinéma peut aussi raconter des belles histoires simples mais profondément émouvantes. Car quelque part, nous sommes toutes et tous un peu Agathe, un peu Oliver, un peu Félix.

Camille Rutherford est unanimement saluée pour sa prestation, et c’est mérité tant cette grande jeune femme au charme subtil touche par sa solitude, ses angoisses, Charlie Anson a cette retenue toute britannique à la Hugh Grant, une pointe d’humour parfois acerbe, une franchise désarmante, un regard éclatant qui dit tout. Pablo Pauly incarne un Félix protecteur et débonnaire.

Passant du français à l’anglais, les répliques font mouche, l’écriture des dialogues est d’une grande finesse, l’humour subtil. La musique composée par Peter von Poehl accompagne cette fable amoureuse par sa tendresse. Bref, Jane Austen a gâché ma vie n’a rien d’un raté, bien au contraire.

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Température en hausse, soleil qui tape sa mère, ciel bleu partout : ça sent les vacances ! Sable fin, vagues, coquillages et crustacés, nous voici tous bientôt en villégiature ou presque. Et là grosse question : quoi lire pour ressortir moins cruche de la période estivale ? Et c’est là qu’il faut dégainer les ouvrages de la collection A la plage.

Vulgarisation et rigueur intellectuelle

Parue aux éditions Dunod, cette série de livres joliment illustrés a pour objectif de faire découvrir aux naophytes que nous sommes des sujets complexes de manière ludique et accessible. Lancée en 2019, la collection vise à rendre la lecture de grandes œuvres et idées intellectuelles agréable, en mode plage d’où son nom.

Le principe est simple : chaque livre aborde un sujet ou un personnage majeur de manière vulgarisée, tout en maintenant une rigueur intellectuelle. Les textes sont rédigés par des experts dans leur domaine, chaque titre est construit autour de l’idée d’apprendre en se relaxant, avec un ton léger et accessible. Le format est facile à transporter (traduction : ce n’est pas un pavé que vous aurez à transportez dans votre sac).

Démocratiser le savoir

En prime du choix : Marx, Kant, Voltaire, Shakespeare, Proust, Colette, Marie Curie, Armstrong… il y en a pour toutes les époques, tous les courants, toutes les tendances, toutes les disciplines. Un régal que de plonger tête la première dans la philosophie, la physique, l’histoire ou la littérature sans risquer de boire la passe neuronale.

Style simple, illustrations sympas, anecdotes : tout est fait pour démocratiser le savoir, qui je le rappelle, est à tout le monde. Parfait pour enrichir sa culture générale sans s’engager dans des lectures trop ardues, des démonstrations intimidantes. L’initiative est belle et efficace. Difficile de décrocher une fois qu’on a mis le nez dedans.

Étudiants, amateurs de lecteurs, curieux des mystères de la vie, la collection « A la plage » est faite pour vous avec la double promesse de vous détendre l’esprit tout en l’enrichissant. What else ???

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Dernièrement, j’ai visionné Adolescence… et parcouru les centaines d’articles/posts/vidéos analysant la série brintannique du point de vue du masculinisme toxique et destructeur, comme si c’était un modèle du genre. Et puis je me suis rappelée la série Les Tudors. Que j’ai revisionnée dans la foulée, les quatre saisons en mode binge-watching comme j’adore le faire. Et pour être franche, en bouclant ce passionnant feuilleton, pour ce qui est du masculinisme toxique, on fait difficilement pire.

Une fresque monumentale et burnée

Il faut dire que le personnage central de cette saga, Henri VIII pour ne pas le nommer, a de l’abattage en la matière, éclusant cinq femmes durant son règne, qu’il répudie ou fait décapiter au choix, quand elles ne meurent pas en couche. La seule à lui survivre sera la dernière, Catherine Parr, mais il s’en sera fallu d’un cheveu qu’elle ne subisse le sort d’Ann Boleyn ou Catherine Howard, toutes deux livrées au bourreau et raccourcies de manière expéditive. Bref, Henri VIII est un ogre, Barbe-Bleue version souverain du XVIᵉ siècle, souverain éduqué, savant même, mais absolu, tyrannique, violent, changeant, colérique, manipulateur et la queue baladeuse par-dessus le marché.

J’en étais restée à une vision rock’n’roll, burnée et libertine/libertaire de ce récit signé Michael Hirst, scénariste et showrunner de renom dont on ne compte plus les trophées, notamment les deux volets du film Elizabeth avec Cate Blanchett. Mais revoir les 38 épisodes de cette monumentale fresque servie par un casting de compétition (Jonathan Rhys Meyers, Henry Cavill, Sam Neill, Natalie Dormer, Joely Richardson, Peter O’Toole, Jeremy Northam…) a été profitable, car j’y ai repéré des trucs que je n’avais pas captés initialement.

« Mais c’est une vraie girouette, ce mec ! »

Entre autres, le côté prédateur du personnage, qui bouffe tout autour de lui, épouses et maîtresses bien sûr, mais aussi collaborateurs, ministres et amis, sans parler de sa progéniture qui y laissera sa stabilité mentale. Si ce récit pour le moins enlevé prend bien des libertés avec la vérité historique, il n’en demeure pas moins que cela donne du relief aux crises existentielles que traversent cette sarabande de protagonistes soumis aux desiderata d’un monarque pour le moins impulsif et retours, que mon compagnon, qui visionnait la chose pour la première fois à mes côtés a résumé en ces termes : « Mais c’est une vraie girouette, ce mec ! ».

Girouette certes, qui passe sa vie à s’allier avec l’Espagnol contre la France, puis à tourner casaque pour s’allier avec la France contre l’Espagne. Qui n’hésitera pas à plonger son royaume dans une crise religieuse meurtrière, embrassant le protestantisme pour pouvoir se démarier de l’encombrante Catherine d’Aragon, convoler avec la farouche Ann Boleyn et en profiter pour démanteler tous les couvents/monastères du pays et faire main basse sur leur richesse, omettant au passage que nombre de ces institutions étaient essentielles à la survie des plus pauvres de ses sujets qui y trouvaient asile et un peu d’aumône.

Shakespeare made in Marvel

Entre épidémie de suette, famine, guerres et complots, Henri VIII et sa smala de bonnes femmes, de courtisans et de moutards est, reconnaissons-le un peu obligé de naviguer avec le vent très changeant de la Renaissance. Humaniste certes mais un brin pervers narcissique et totalement obsédé par l’idée d’avoir un fils à qui léguer sa couronne. Tout ça ne pousse guère à la sérénité, convenons-en. Mais tout de même. Masculiniste donc, menaçant, capricieux… et confronté à des épouses qui ne s’en laissent pas compter, chacune à sa manière. Forcément, Monsieur n’aime guère et en arrive aux plus fâcheuses extrémités pour se débarrasser d’encombrantes compagnes qui lui renvoient une image peu amène.

Résumons. Tout ce petit monde passe son temps et les 38 épisodes à bouffer/baiser/comploter/trahir/s’entretuer. Ça, c’est pour le côté Shakespeare made in Marvel, saga historique dans des décors somptueux et en costumes éclatants (d’ailleurs, petite remarque en matière de réalisme stylistique, la série Wolf hall est beaucoup plus proche des looks et du lifestyle de l’époque). Après, la déclinaison d’un patriarcat doublé d’un machisme viscéral est flagrante et donne à réfléchir sur l’ancrage de cette mentalité dans les racines de notre monde. Idem pour le côté génétiquement pervers et sadique de l’homme de pouvoir.

Les Tudors reste malgré tout incontournable. Parce que c’est franchement du grand spectacle, de la série tout terrain travaillée au corps, avec un scénar qui tient la route, des personnages solides et crédibles, des affrontements prenants. Pas un instant de répit, l’ensemble prend aux tripes et restitue le climat de grande brutalité qui régnait alors. Et puis ce récit haut en couleurs et en émotions, produit de 2007 à 2010 (il y a donc 15 ans) témoigne de l’émergence du business de la série-fleuve. Et rien que cela vaut le détour.

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Une fois qu’on a bouclé Les Tudors, on se sent un peu seuls, faut bien le reconnaître. Et on se dit surtout : et après ? Et après ????? On déboule rapido sur le premier épisode de l’excellent Becoming Elizabeth.

Deux concurrentes potentielles

Becoming Elizabeth débute sur le cercueil d’Henry VIII qu’on embarque sous une pluie nocturne et grasse pour sa dernière demeure. Dans le même temps, course contre la montre pour récupérer son fils et héritier, le frêle et très jeune Edward VI (Oliver Zetterström) afin de le faire couronner fissa, avant qu’un potentiel complot ne vienne placer quelqu’un d’autre sur le trône (sport favori des nobles anglais depuis la guerre des Roses, lisez Richard III de Shakespeare, c’est très bien expliqué et en plus c’est juste génial).

Bref, pour éviter une éventuelle guerre de succession (et de perdre le pouvoir sur lequel il a la main en tant de Lord protecteur), Somerset (John Heffernan), oncle du gamin, met les bouchées doubles, s’assurant au passage des deux sœurs aînées du roi, Mary Tudor (Romola Garai), fille de Catherine d’Aragon, et Elizabeth, rejetonne d’Ann Boleyn. Deux concurrentes potentielles, qui sont passées du statut de princesse officielle à celui de bâtarde et vice versa au gré des lubies du défunt monarque dont les colères, la brutalité et les revirements étaient légendaires.

Une jolie rouquine de 14 ans

C’est justement sur Elizabeth (Alicia von Rittberg) que nos yeux se posent, jolie rouquine, intelligente et cultivée, une petiote de 14 ans mimi comme tout, qui se retrouve en garde chez sa belle-mère, Catherine Parr (Catherine Parr), veuve d’Henry VIII et nouvellement mariée à Thomas Seymour (Tom Cullen), frère de Somerset et son amoureux de longue date (qui a dû céder le champ au souverain, on ne l’ouvre pas quand Henry VIII décide d’épouser une nana, surtout la sienne, on dit oui et on s’écrase, sinon c’est l’échafaud). Bon à ce stade, vous êtes paumé.e, et vous n’êtes pas seul.e. Elizabeth la première est un brin perdue dans la frénésie de ce nouveau règne qui s’annonce incertain.

Et c’est là que le titre de la série showrunnée par Anya Reiss prend tout son sens. Ce que personne ne sait à ce moment, excepté nous spectateurs qui connaissons un peu l’Histoire/histoire, et avons lu le texte précédant le générique de fin des Tudors, c’est qu’Elizabeth est appelée à régner, à régner longtemps et avec brio, inaugurant ce qu’on appellera par la suite l’Age d’Or élizabethain. Sauf que ça ne va pas se faire sur un claquement de doigts, bien au contraire. Pour tout dire, la gosse va en chier pour parvenir au trône. Et risquer sa vie plusieurs fois avant, à son corps défendant du reste.

Exploser le mythe de Gloriana

Ce qui va forger à la fois son caractère, mais aussi son sens critique, son instinct politique, sa rigueur, son sens des priorités. Avec un Thomas Seymour beau gosse, séducteur, querelleur et ambitieux qui lui tourne autour, la pauvre petite va avoir du mal à se protéger. Clairement, la série fait exploser le mythe de Gloriana, la Reine Vierge mariée à l’Angleterre. Pour survivre, pour sortir de cette image de fille de la Grande Putain, pour échapper aux mariages forcés, aux séducteurs/violeurs, pour qu’on ne se serve plus d’elle comme d’un pion sur l’échiquier du pouvoir, Elizabeth va devoir ruser. Quitte à trahir.

Son amour. Son frère. Sa sœur. Sa belle-mère. La petite Jane Grey (Bella Ramsey) qui est sa camarade de jeu mais qu’elle va rudoyer verbalement et sans pitié. Mentir ou dire les choses. Cacher ses sentiments. Observer en retrait. Apprendre dans le silence. Parler au bon moment et avec les bons mots pour faire ployer l’interlocuteur. Psychologie, connaissance de l’âme et des perversions humaines : la leçon sera rude mais nécessaire pour cette future souveraine qui apprend sur le tas, en composant avec son statut de femme considérée comme inférieure dans un univers patriarcal sans aucune pitié.

Une fratrie déchirée

Abordé avec beaucoup de finesse, cette initiation politique se double d’une douloureuse prise de conscience : cette fratrie est déchirée entre amour fraternel intense et rivalité de pouvoir. Edward, trop jeune pour régner, écrasé par la figure paternelle de ce roi tout puissant, qui essaye de l’imiter, qui fait tout de travers, ado colérique et instable, fragile, complètement perdu ; Mary l’aînée, enkystée dans sa foi catholique jusqu’au fanatisme pour porter le souvenir de sa mère défunte, soumise à la discrimination la plus abjecte, paranoïaque à juste titre quand on considère tout ce qu’elle a subi. Elizabeth est entre eux deux, tout aussi abîmée, considérée comme une traînée, portant la faute de sa mère suppliciée alors qu’elle aussi est une victime du système.

Tous trois sont touchants dans leurs échanges, cherchant à se protéger comme ils le peuvent les uns les autres, se mettant en péril malgré leur bonne volonté, leur désir de bien faire en fonction de leur foi. Car l’élément religieux est ici crucial. Mary, élevée dans la foi catholique, veut ramener l’Angleterre anglicane dans le giron de l’Église ; Edward, protestant, veut qu’on aille plus loin dans la conversion de son pays. Et l’affrontement de surgir à tout moment, au détour d’une conversation. Même quand Edward tombe gravement malade, que ses sœurs s’épuisent à le soigner, à le veiller avec un amour sincère.

C’est là l’intérêt de la série que de mettre en avant le caractère humain de cette tragédie à l’oeuvre. Ces enfants vont pâtir des décisions d’adultes obsédés par la prise du pouvoir et prêts à tout pour y parvenir, y compris sacrifier des mômes innocents et qui n’ont rien demandé. L’idée affleurait dans Les Tudors, ici elle nous saute au visage et cela n’a rien d’agréable. D’autant que la série ne connaîtra pas de second volet, ce qui est franchement regrettable car elle était cohérente, originale et d’excellente qualité, explorant une période peu connue mais essentielle de l’Histoire.

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Le théâtre comme rédemption : un vieux sujet qui marche toujours et encore. Pour preuve, Un Triomphe d’Emmanuel Courcol. Un récit feel good comme on les aime, qui redonne foi en l’humain, sans tomber dans le pathos ou le cucul la praline. Et au passage, un uppercut bien dosé, entre rire et larmes, qui fait la nique à tous ceux qui prétendent que l’art ne sert à rien.

L’étincelle rare du talent

Un acteur doué certes, mais qui n’a pas su percer, une team de taulards soi-disant irrécupérables, un porgramme de réhabilitation qui manque d’envergure : à la base, tout est réuni pour que l’atelier d’Etienne Carboni (Kad Merad, exceptionnellement bon as usual) soit un ratage monumental. Sauf qu’Étienne n’a pas du tout l’intention de laisser passer cette opportunité.

Car les détenus qu’on lui demande de prendre en charge ont quelque chose, une étincelle rare : le talent. Et Étienne, quand il reconnaît le talent, il ne le laisse pas passer. Du coup, son petit atelier va devenir un projet artistique d’envergure : monter En attendant Godot de Samuel Beckett avec son groupe de stagiaires qu’il va ériger en véritable troupe de comédiens, disciplinés, rigoureux, précis. Une troupe qui va finalement jouer cette mise en scène hors les murs dans un vrai théâtre.

Une histoire vraie et pleine d’espoir

Une fois, deux fois, trois fois… une vraie tournée. Et à la clé des lendemains meilleurs ? Cette histoire fascinante et pleine d’espoir n’est pas une fiction. Elle s’inspire de l’expérience d’un metteur en scène suédois, Jan Jönson, qui, en 1985, va effectivement faire jouer le chef-d’œuvre de Beckett par des prisonniers qu’il a dirigés. Ces derniers s’évaderont, Jönson improvisera alors un long discours devant le public pour raconter son expérience, discours qui deviendra un spectacle à succès.

« Le monde est un théâtre » disait Shakespeare qui savait un peu de quoi il parlait. Le prisonnier y rêve de liberté, mais être libre dans son corps ne veut pas dire forcément être libre dans sa tête. Le personnage d’Étienne va justement ouvrir la cage mentale dans laquelle ses stagiaires détenus sont enfermés. Parce que justement, En attendant Godot raconte cet enfermement psychique et intellectuel dans un univers prison.

Le créateur qui sommeille en nous

Le film propose une lecture totalement inattendue et d’une très grande originalité du texte et de l’univers de Beckett, maître de l’absurde noir teinté d’un cynisme mordant. L’intrigue s’en ressent ; abrupte, en tension : Étienne a face à lui des criminels, violents et imprévisibles. Il va devoir dompter ces fauves, s’imposer par le dialogue, mais aussi par le charisme, la volonté. Et ce ne sera pas évident du tout. Choc des cultures, des éducations, des milieux… mais le dialogue, la confiance, le respect, le partage seront au rendez-vous, tandis que ces laissés pour compte de la vie découvrent une nouvelle facette d’eux-même : le créateur qui sommeille en chacun d’eux.

Une quête complexe, magnifiquement restituée par David Ayala, Wabinlé Nabié, Alexandre Medvedev, Saïd Benchnafa, Lamine Cissokho, et qui crèvent littéralement l’écran, Pierre Lottin et Sofian Khammes. Interprétation chorale, mise en écho et complémentarité des personnalités, des égos : si Un Triomphe vous prend aux tripes, c’est grâce à eux, qui par cette réflexion profonde sur la liberté, la dignité, la capacité de résilience, posent avec nuance et beaucoup de pudeur les grandes questions philosophiques chères à Beckett : qu’est-ce qui nous définit en tant qu’être humain ? Nos erreurs passées ou notre volonté de les surmonter ?

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Voici donc que nos petits camarades du Bragi Pufferfish inaugurent la Discoslut, soirée dédiée au disco assortie d’une love station, douce appellation pour désigner la backroom de l’événement. Et j’entends déjà certain.es hurler à l’infamie pornographique, plissant leur petit nez d’horreur en imaginant la dépravation à l’œuvre, le sturp, tout ce sexe, c’est saaaaaaaaaaaaaaaaaaale ! Pas bien !!!!!!

Bon, on arrête tout de suite. Car les backrooms font partie de la culture LGBT depuis belle lurette, c’est même un pan conséquent de l’histoire de la libération sexuelle.

Interactions intimes

Petite présentation du contexte pour celles/ceux qui ignorent tout de la chose : les backrooms, « arrière-salles » dans la langue de Shakespeare, sont des espaces discrets installés au sein de certains bars ou clubs de la communauté gay, où les usagers du dit lieu peuvent se rencontrer pour des interactions intimes. Donc rien à voir avec la légende urbaine dite creepypasta.

Là, je vous parle d’un autre truc. Oui, oui, dans le fond, ne chuchotez pas, c’est tout à fait ça : les backrooms, on y va pour avoir des relations sexuelles, c’est l’idée, ou pour regarder éventuellement. Le principe est toujours le consentement mutuel, entre adultes avertis et responsables. Or ces lieux, tout comme les latrines du reste (dixit Les Tasses, superbe série de photos réalisée par Marc Martin) ont joué un rôle significatif dans l’histoire des cultures LGBTQ+.

Explorer sa sexualité

Le concept a émergé dans les années 1960 et 1970, principalement dans les grandes métropoles occidentales comme New York, San Francisco, Paris et Berlin. À une époque où l’homosexualité était largement stigmatisée et criminalisée, les backrooms constituaient des lieux sécurisés pour explorer sa sexualité, rencontrer des partenaires en toute quiétude loin des regards réprobateurs et des rafles de flics. Souvent situés dans les bars, ces lieux étaient dissimulés derrière des portes ou des rideaux, permettant une certaine discrétion.

Véritables refuges, les backrooms ont ainsi participé de l’émergence de sous-cultures et de réseaux sociaux puissants au sein de la communauté LGBTQ+. Avec l’épidémie de sida dans les années 1980, les backrooms deviennent des foyers potentiels de transmission du VIH. Face à la crise sanitaire, de nombreux établissements décident de fermer ces espaces ; d’autres mettent en place des mesures de prévention, telles que la distribution de préservatifs et l’affichage d’informations sur le VIH.

Symboliques backrooms

Relaté par Philippe Poisson dans un article publié sur Qwerk, le procès des backrooms marque un tournant dans la perception de ces lieux les érigeant en symboles du combat pour les droits des homosexuels. Ils restent d’ailleurs encore et toujours populaires au sein de la communauté LGBT+, offrant une alternative aux applications de rencontre et perpétuant une tradition de rencontres physiques et spontanées.

Au XXIe siècle, les backrooms connaissent donc une résurgence, notamment dans les grandes villes européennes. Cette renaissance s’accompagne d’une prise de conscience accrue des enjeux de santé sexuelle. De nombreux établissements collaborent désormais avec des associations de prévention pour offrir des services tels que la distribution de préservatifs, l’accès à la PrEP (prophylaxie pré-exposition) et des informations sur le dépistage. L’association AIDES, par exemple, propose divers outils de prévention du VIH et des IST, adaptés aux lieux de rencontre, y compris les backrooms.

Cette évolution transforme les backrooms en espaces non seulement de rencontre, mais aussi de sensibilisation et de promotion de la santé sexuelle, intégrant des pratiques de réduction des risques et de prévention combinée. Ils ont ainsi traversé des décennies de transformation, passant de refuges clandestins à des espaces intégrés dans des stratégies de santé publique. Leur histoire reflète les luttes, les défis et les résiliences de la communauté gay face aux évolutions sociales et sanitaires.

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Drag queen : l’expression évoque des créatures superbes, tirées à quatre épingles, corsetées dans des robes de couturiers, chevelure impeccable et maquillage millimétré. Un charme fou, de l’allure, du chien… Prince S Jeanne joue résolument dans une autre cour : celle du drag monster assumé, émanation un brin fellinienne, créature échappée d’un film d’horreur, baignant dans le sang et le bon sens pour nous faire un peu frémir, beaucoup rire, et réfléchir en profondeur.

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Démoniaque, angélique

Trash : portable en main en mode rappeur pour ne pas perdre le fil de sa démonstration, Prince S Jeanne déroule son stand up avec un calme malicieux que contredit son maquillage outrancier de vieille pute au visage défoncé par un mac indélicat. Victime ou tueuse ? Douce ou sauvage ? Démoniaque ou angélique ? Tout simplement humain.e, fièr.e de l’être et nullement prêt.e à baisser la garde devant les trop nombreux empêcheurs de vivre/s’aimer en rond.

Qu’on se le dise, Prince S Jeanne (Étienne Jeannot dans le civil) est engagé.e (c’est de famille, me dira-t-iel). Les donneurs de leçon, les moralistes, iel n’aime pas ça. Depuis ses premières prises de parole aux alentours de 2019, iel démolit la bien-pensance à grand coup de punchline dans la tronche. Docs aux pieds, make-up foutraque, pupilles noircies, bave sanglante aux lèvres (on sent le passage en étude de ciné tendance horror movie), cette virago tout droit sortie des enfers est là pour nous secouer les miches.

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Political drag queen

Et nous rappeler au passage que le drag queen originel est engagé, combattant. Revendicatif. Impliqué. En un mot, politique. Une sorte de guerrière du verbe, qui cingle l’hypocrisie et le conformisme d’une société en décomposition. Entre Grand Guignol et Shakespeare, Prince S Jeanne aborde les sujets qui fâchent : intolérance, racisme, fascisme, homophobie, capitalisme et autres cancers mentaux qui rongent les consciences trop fragiles, dépourvues d’empathie et de tolérance.

Qui est le monstre, au final ? Originaire de Franche-Comté, Prince S Jeanne a vite compris que la prétendue normalité peut s’avérer prédatrice. D’où son approche du drag, qui explore de manière volontairement outrancière, mais finalement très pertinente, la notion de queer, pour donner à réfléchir et à se réfléchir. Démarche stratégique, militante et pédagogique à la fois : stand-up sans pitié, performances symboliques, ses interventions sont énergiques en diable, rageuses et incisives. Cathartiques.

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En mode missionnaire

Un mot d’ordre : « faire du drag là où on ne l’attend pas » : scène ouverte Guillotine, Trans Day of Rememberance, Pride Besançon, Queerale, Queer sur l’herbe, tout est bon pour porter la bonne parole de la bienveillance en dehors de la communauté LGBT, afin d’informer, de démythifier, de faire tomber les préjugés, les tabous. Un sacerdoce que cette opération de décoinçage à géométrie variable. Prince S Jeanne en première ligne, en mode missionnaire ? C’est un peu l’idée.

Il y a urgence. À l’heure où la Bête immonde s’avance (Brecht, sors de ce corps !), il faut impérativement redresser la tête, sortir du cadre, créer le dialogue, susciter l’échange. S’interposer. Aller interpeller Monsieur/Madame Tout le Monde. C’est notamment le propos de Queer sur l’herbe, des performances en extérieur, aux Buttes Chaumont durant les beaux jours. Un bébé que Prince S Jeanne chouchoute, qu’iel défend bec et ongles, à raison, car c’est une synthèse de son action, de sa manière de voir et de concevoir son art, son rôle, sa mission.

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Que dire d’autre sinon que Prince S Jeanne fait un boulot formidable et nécessaire, pour ne pas dire crucial. Qu’il faut encourager cette démarche, la promouvoir, la porter. Que sa créativité est à la jonction du théâtre, du cabaret, de l’acte militant. Qu’il est dans la continuité d’une véritable tradition queer héritée des années 70, quand le combat pour la reconnaissance débutait. Qu’il nous faudrait beaucoup d’autres political drag monsters du même acabit pour changer les choses et les gens. Que vu l’aura, le dynamisme, le charisme qu’iel dégage, Prince S Jeanne, devrait pour sûr faire rapidement école.

Merci à Etienne Jeannot / prince S Jeanne pour son temps, ses réponses, ce très bel échange.

Pour en savoir plus et suivre l’actu de Prince S Jeanne, consultez son compte Instagram.

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