« Mais pourquoi vous touchez à tout ? » La question revient sans cesse, de la part d’amis, de connaissances, parfois de lecteurs. Certains voudraient que nous nous cantonnions au cinéma, d’autres à la musique, d’autres encore à la littérature. Comme si la culture se découpait en parts de pizza bien nettes, avec un couteau marketing en guise de trancheuse. Désolé, mais non : la culture ne fonctionne pas ainsi. Et qu’on se le dise une fois pour toutes : la culture est transversale, ou n’est pas.

Tout est lié, bordel !

On ne regarde pas une série comme The Wire sans penser aux polars américains de Chandler ou Ellroy. On ne comprend pas Akira si l’on n’a jamais entendu parler de la bombe atomique, ni de Kurosawa. On n’écoute pas Joy Division sans croiser la philosophie de Bataille, l’architecture brutaliste et l’aliénation industrielle de Manchester.
C’est ça la culture : des échos, des résonances, des dialogues. De la transversalité.

Transversalité culturelle : pas un mot savant pour briller en société, mais une manière de considérer les œuvres et les idées en réseau, pas en silo. Concrètement, ça veut dire qu’un tableau n’est jamais seulement un tableau, mais qu’il dialogue avec la musique de son époque, avec les débats philosophiques, avec les bouleversements politiques. C’est comprendre que la BD Maus de Spiegelman n’existe pas sans l’histoire de la Shoah, que Black Mirror n’est pas seulement une série mais une réflexion sur la technologie, héritière directe d’Orwell et d’Huxley.

La transversalité, c’est cette capacité à relier des formes différentes, des disciplines éloignées, des époques distinctes pour en faire jaillir du sens. C’est l’art du contrechamp, du détour, du télescopage : là où d’autres se contentent de consommer une œuvre, le regard transversal l’inscrit dans une constellation plus large.

L’hyperspécialisation, poison pour l’esprit

Or c’est essentiel, pour ne pas dire vital. Rester bloqué dans une case, c’est se condamner à la myopie intellectuelle.

• Le spectateur Netflix qui enchaîne des séries sans jamais ouvrir un livre finit par bouffer du scénario prémâché : il s’habitue à des structures narratives répétitives, il perd le goût de l’effort, il avale des intrigues calibrées comme des plats surgelés. À force, sa capacité à comparer, à nuancer, à se décentrer se réduit comme peau de chagrin.
• Le lecteur qui se gargarise de “grande littérature” sans jamais aller voir un concert ou une expo, c’est du snobisme sec : il finit enfermé dans une bulle élitiste, incapable de comprendre que la création vit aussi dans la rue, dans la pop culture, dans l’expérimental. Il lit mais il ne vibre pas, il devient un esthète stérile.
• L’amateur d’art contemporain qui ne se coltine jamais un roman graphique ou un film d’horreur rate la moitié du paysage : il oublie que l’imaginaire se nourrit aussi des marges, des formes populaires, des monstres. À force de mépriser certains médiums, il réduit son champ de vision et se prive des clés pour comprendre les obsessions collectives.

Bref : l’hyperspécialisation, c’est une atrophie cognitive. Elle coupe les synapses entre disciplines, elle éteint la curiosité, elle sclérose le jugement. Au lieu d’entraîner l’esprit critique, elle le met sous perfusion. Et qu’est-ce qu’on obtient ? Des consommateurs dociles, faciles à manipuler, incapables de voir les fils qui relient les images aux idées, les œuvres aux idéologies. C’est exactement ce que cherchent les industries culturelles de masse : un public captif, qui ne sort jamais de l’enclos.

Atrophie cognitive : à qui le crime profite-t-il ?

Bonne question. Parce qu’on ne réduit pas les esprits par hasard : cette myopie culturelle, elle profite à certains.

D’abord aux industries culturelles de masse. Plus ton horizon est limité, plus tu consommes en boucle la même soupe réchauffée. Séries formatées, blockbusters interchangeables, hits calibrés par algorithmes : en te maintenant dans un couloir étroit, on t’évite la tentation d’aller voir ailleurs. Résultat : tu restes captif, accroché à une plateforme, gavé comme une oie.

Ensuite, aux pouvoirs politiques et économiques. Un citoyen qui ne lit pas, qui ne croise pas les points de vue, qui ne confronte pas un film à un essai ou une pièce de théâtre à un fait d’actu, c’est un citoyen plus facile à manipuler. L’histoire le montre : les régimes autoritaires adorent les publics simplifiés, privés de recul, abreuvés d’un seul discours. La transversalité, elle, fait surgir les contradictions, les comparaisons, les analogies – bref, tout ce qui gêne la propagande.

Enfin, ça profite à notre paresse collective. On nous a dressés à aimer la facilité, le prêt-à-penser, l’immédiateté. Les plateformes encouragent le binge-watching, les réseaux sociaux favorisent le scroll sans fin, l’école parfois elle-même cloisonne au lieu de relier. Résultat : moins on croise, moins on confronte, plus on se repose. Et ce confort est une prison dorée.

En clair : l’atrophie cognitive, ce n’est pas un bug, c’est un système. Un système qui produit des spectateurs dociles, des électeurs dociles, des consommateurs dociles. Et si nous refusons l’hyperspécialisation, c’est précisément pour saboter cette machine.

Le passé n’est pas mort, il nous regarde

Chez The ARTchemists, nous sabotons la machine de l’atrophie cognitive au quotidien :

• En chroniquant La Mythomane du Bataclan, nous parlons autant de littérature que de mémoire collective, de trauma et de manipulation médiatique.
• Quand on évoque The Mist de Frank Darabont, on ne fait pas juste du ciné : on convoque Stephen King, Lovecraft, la sociologie des foules et l’effondrement du lien social.
• Notre plongée dans l’univers de Minuit Machine ? C’est de la musique certes, mais aussi de l’histoire des contre-cultures, du goth, de la techno industrielle, du désespoir urbain des années 80 à nos jours.
• Même un sujet a priori léger comme les festivals d’été devient un carrefour quand on le place dans la perspective du réchauffement climatique : écologie, politique, économie, sociologie, musique, tout va dans le même sens.

Bref, impossible d’analyser une œuvre ou un phénomène sans ouvrir grand les portes du contexte, du passé, de la société.

Refuser l’amnésie

La transversalité, c’est aussi refuser l’amnésie. Nous allons fouiller dans les archives de l’INA, exhumer des vieux films, relire des bouquins oubliés. Pourquoi ? Parce que ce passé éclaire le présent et prépare l’avenir.

• Les opéras perdus de Rameau qu’on reconstitue au XXIe siècle disent quelque chose de notre rapport à la mémoire et à la recréation.
• Les body horror japonais de Junji Ito dialoguent avec les films de Cronenberg et avec nos angoisses post-Covid.
• Un reportage des années 70 sur les luttes ouvrières résonne avec les Gilets jaunes et les débats actuels sur le travail.

Ne regarder que les sorties du mois, c’est se condamner au zapping. Nous, on préfère les grands fils rouges de la culture, les sédiments, les strates.

Notre credo : relier, pas enfermer. Oui, notre webmag parle de cinéma, de danse, de BD, de philosophie, de patrimoine. Oui, on peut enchaîner une chronique sur un shark movie et une autre sur Takato Yamamoto, puis une playlist électro goth et une réflexion sur la psychologie du travail. Et alors ? C’est précisément ça, la richesse culturelle : la mise en tension des disciplines, l’ouverture, le frottement.

Conclusion ? Ouvrir sa gueule et ses horizons

Se spécialiser, c’est facile. Ça rassure. Mais ça limite.
Nous, on préfère la complexité, l’inconfort, les chemins de traverse. Parce que c’est là que ça pense, que ça vit, que ça brûle.

Nous ne sommes pas des influenceurs lifestyle. Nous sommes des passeurs, des agitateurs, des décloisonneurs. Et si ça dérange les esprits qui aiment les cases toutes faites, tant mieux.

Alors, la prochaine fois qu’on nous demandera pourquoi on touche à tout, on répondra simplement :
Parce que tout est lié. Parce que c’est ça, la culture.

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On pense souvent que le sport appartient aux terrains, aux stades, aux gymnases, aux salles de fitness. Pourtant, il s’invite aussi sur une autre scène : celle des pages d’un roman. Le sport, avec ses exploits, ses défaites, ses doutes et ses sacrifices, constitue une source inépuisable d’intrigues, de tension dramatique et de métaphores de vie. Certains auteurs en ont même fait un moteur narratif aussi puissant que l’action elle-même. Exemples.

Le supporter comme héros tragico-comique : Carton jaune – Nick Hornby

Hornby fait de l’obsession du foot une matière narrative à part entière : sa vie se raconte “par matchs”, ses amours et ses humeurs s’alignent sur les résultats d’Arsenal. Ce n’est pas un roman au sens strict mais une autobiographie thématique tendue comme un feuilleton — et c’est précisément ce qui la rend romanesque : l’addiction, la communauté du stade, les rites, l’héritage père–fils.

La structure par saisons et rencontres impose un rythme dramatique (attente, bascule, euphorie, deuil) qui épouse les codes du récit. L’ouvrage, connu en VO sous le titre Fever Pitch et traduit en français par Carton jaune, a popularisé l’idée que la vie d’un supporter peut faire littérature à elle seule.

Ce que ça dit du sport ? L’appartenance, la classe sociale, l’identité masculine des années 80–90, le stade comme théâtre des passions.
Ce que ça apporte au lecteur ? Un miroir drôle et lucide des émotions “irrationnelles” qui nous tiennent.

Le champion face à l’Histoire : Le Nageur – Pierre Assouline

Assouline transforme la trajectoire d’Alfred Nakache (recordman du monde, sélectionné aux JO de 1936 et 1948) en roman de la résilience. L’athlète juif d’Algérie, adulé puis persécuté, est dénoncé et déporté ; il survivra à Auschwitz et Buchenwald, reviendra à l’entraînement et à la compétition.

Le livre montre comment le corps sportif — entraîné à endurer, à respirer, à rythmer l’effort — devient instrument de survie, puis véhicule de mémoire. La natation n’est pas un décor : c’est la métaphore centrale (plonger, remonter, tenir son souffle) d’une existence affrontant la barbarie et tentant un retour à la surface.

Ce que ça dit du sport ? La gloire et la chute, la ségrégation et la réparation possible, la puissance symbolique d’un retour au bassin.
Ce que ça apporte au lecteur ? Un récit d’endurance morale, où la performance devient travail de deuil et de transmission.

La prodige prise dans les filets du politique : La petite communiste qui ne souriait jamais – Lola Lafon

Lafon imagine un dialogue romanesque avec Nadia Comăneci, la gymnaste roumaine aux “10” parfaits de Montréal (1976). Elle interroge la fabrique d’un mythe, la discipline du corps féminin, l’emprise d’un régime qui instrumentalise l’exploit, puis la bascule de l’idole vers l’exil. Le roman éclaire à la fois l’enfance prolongée des prodiges, l’épreuve de la puberté dans un sport d’esthétique et de notation, et la violence symbolique des médias.

Ici, le sport est laboratoire politique (propagande, surveillance) et champ de bataille intime (contrôle, image de soi). L’ouvrage, plusieurs fois primé, s’impose comme un classique contemporain du roman sportif critique.

Ce que ça dit du sport ? Le corps comme enjeu idéologique, la perfection comme piège, la gloire comme fardeau.
Ce que ça apporte au lecteur ? Une réflexion sensible sur la part d’enfance sacrifiée et la manière dont un pays s’empare d’un corps-exploit.

Quels enseignements en tirer ?

Motivation & identité : l’attachement à un club peut structurer des routines positives (rituels, communauté), à condition de ne pas laisser l’obsession prendre la main — le texte de Hornby en est le révélateur lucide.

Résilience & reprise : la trajectoire de Nakache illustre ce que peut une progression patiente après trauma : reprise technique, reconstruction du souffle, objectifs graduels.

Perfection & pression : l’histoire de Comăneci invite à décoder la pression externe (famille, institutions, médias) et à protéger la santé mentale et physique des jeunes sportifs.

Récapitulons : le sport dans la littérature n’est pas un simple décor : c’est un catalyseur d’histoires puissantes. Les lecteurs s’y reconnaissent parce que les épreuves sportives ressemblent aux épreuves de la vie. Et si votre prochain coup de cœur littéraire se jouait… à la sueur du front ?

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Quand l’art rencontre le sport, il se passe parfois des choses inattendues. La rencontre entre Andy Warhol et Muhammad Ali fait partie de ces moments où deux géants de leur discipline se croisent pour donner naissance à une image devenue iconique. D’un côté, Warhol, pape du Pop Art, obsessionnel des célébrités et des médias. De l’autre, Ali, boxeur flamboyant, poète provocateur, militant charismatique. Ensemble, ils vont transformer un simple portrait en manifeste culturel.

Deux icônes, deux mondes… une même scène

Andy Warhol, c’est l’enfant terrible de l’art américain des années 60-70. Avec ses sérigraphies de Marilyn Monroe, ses boîtes de soupe Campbell et ses autoportraits en série, il a redéfini le rapport entre l’art, la consommation, et la célébrité. Warhol ne peignait pas des visages, il les reproduisait, les industrialisait, les vendait comme des marques.

Muhammad Ali, lui, c’est une légende du sport. Triple champion du monde des poids lourds, il électrise les foules, aussi agile avec ses poings qu’avec ses mots. Mais Ali est plus qu’un boxeur. Il refuse la guerre du Vietnam, se convertit à l’islam, devient une figure de résistance noire. Il est controversé, adulé, détesté, vénéré. En un mot : inarrêtable.

Une rencontre explosive

En 1977, Warhol entreprend une série de portraits intitulée Athletes. À l’époque, le sport n’est pas encore un sujet majeur dans l’art contemporain. Warhol, flairant l’air du temps, décide de peindre des figures emblématiques : Pelé, O.J. Simpson, Chris Evert… et bien sûr, Muhammad Ali. Le projet est commandité par le collectionneur Richard Weisman, dans l’idée de réunir les stars du sport comme on réunirait des dieux sur l’Olympe.

Mais Ali n’est pas un modèle facile. Lors de leur rencontre à Chicago, Warhol se heurte à la méfiance du champion. Ali est tendu, silencieux. Ce n’est qu’après avoir discuté avec l’assistante de Warhol, qui lui parle des engagements du peintre en faveur de la différence et des marginaux, qu’il accepte. Warhol prend des polaroïds du boxeur : visage fermé, poings levés. Une posture qui rappelle autant la garde d’un pugiliste que la posture d’un résistant.

Un portrait devenu manifeste

Le résultat est saisissant. Warhol ne cherche pas la ressemblance, il cherche la force du symbole. Le visage d’Ali, cadré en gros plan, flotte sur un fond coloré. Les traits sont soulignés de noir, les couleurs saturées : on dirait une affiche, un poster de propagande ou une couverture de magazine. Mais au lieu d’un dictateur ou d’une star de cinéma, c’est un boxeur noir américain, en pleine ascension, qui devient icône.

Ce portrait bouleverse. Car Warhol, en élevant Ali au rang d’icône pop, reconnaît dans le sport une force esthétique, politique et sociale. Il fait d’Ali un héros de la culture visuelle, au même titre qu’Elvis ou Mao. Et ce faisant, il brouille les frontières entre art élitiste et culture populaire, entre galerie et salle de sport.

Ce que ça nous dit de notre époque

La série Athletes de Warhol est un tournant. Elle anticipe ce que deviendront les sportifs dans les années 80 et 90 : des figures médiatiques, des marques à part entière, des symboles culturels. Elle montre aussi que l’art peut parler du sport sans condescendance, avec respect, et même admiration.

Aujourd’hui encore, ce portrait de Muhammad Ali résonne. Il nous parle d’engagement, de puissance, de lutte — mais aussi de beauté, d’attitude, d’image. Il nous rappelle que les champions ne sont pas que des corps performants : ce sont aussi des esprits, des consciences, des figures à interpréter.

Et en tant que coach sport santé, c’est ce message que je retiens : le sport n’est pas qu’une affaire de performance. C’est une culture, un langage, un miroir de la société. Ali, par sa présence, sa parole, ses combats sur et hors du ring, incarne tout cela. Warhol, par son regard, l’a figé pour l’éternité.

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Trois expositions, trois lieux, un même fil rouge qui questionne la place du geste artistique par temps de conflit, plus spécifiquement dans la Seconde Guerre mondiale. Sujets, acteurs, témoins, victimes ou survivants : entre engagement, mémoire et devoir d’histoire, ces artistes, professionnels ou amateurs, ont fait le choix de créer dans des contextes antagonistes. Le Musée de l’Armée, le Mémorial de la Shoah et les musées de la Ville de Paris conjuguent leurs regards sur cette époque noire dont l’art se fait le témoin.

Musée de l’Armée – Invalides : Un exil combattant – Les artistes et la France 1939-1945

Ils s’appelaient Ossip Zadkine, Wifredo Lam, Julio González, Jean Gabin et ils ont fui les persécutions, les pogroms, la guerre. Mais pas question de rester silencieux : en exil, ces artistes, venus d’Europe ou d’ailleurs, ont rejoint la France libre, les réseaux de la Résistance ou les salons engagés. Leurs œuvres – sculptures, peintures, affiches – témoignent d’une lutte culturelle aussi bien que politique. Leurs créations disent la fracture du monde, l’exil intérieur et la foi en une liberté qu’il fallait défendre, pinceau ou burin à la main.

L’exposition du Musée de l’Armée propose un parcours saisissant à la croisée des arts plastiques, de l’histoire et de l’engagement. En révélant les trajectoires singulières de ces artistes contraints à l’exil, elle éclaire une mémoire souvent oubliée : celle de ceux qui, tout en perdant une patrie, ont trouvé dans l’acte de création un territoire de résistance. C’est aussi une réflexion sur l’accueil de la France aux talents venus d’ailleurs, sur l’exil comme moteur de création, et sur la capacité de l’art à dépasser les frontières, les dictatures et les douleurs. Une leçon d’humanité autant qu’un hommage à l’art en temps de guerre.

Pour en savoir plus, consultez le site du Musée de l’Armée.

Musée de la Libération de Paris : Daniel Cordier (1920-2020) – L’espion amateur d’art

Résistant de la première heure, secrétaire de Jean Moulin, Daniel Cordier a incarné l’engagement total. Jeune homme issu d’une droite monarchiste, il bascule dans l’action clandestine dès 1940, puis devient une figure clé du réseau de la France libre. Après la guerre, il trouve dans l’art une autre forme de combat : celle de l’expression, de la liberté, de la rupture. Collectionneur audacieux, défenseur de la modernité, il s’entoure d’artistes comme Henri Michaux, Jean Dubuffet ou Dado, bien loin de l’académisme rassurant.

L’exposition présentée au Musée de la Libération de Paris retrace cette double vie, entre ombre et lumière, clandestinité et éclat esthétique. Plus qu’un portrait, elle interroge la manière dont l’expérience de la Résistance a façonné un regard — celui d’un homme qui, après avoir risqué sa vie pour la liberté, a défendu avec la même ferveur une liberté de création radicale. C’est aussi un voyage au cœur de l’avant-garde, une plongée dans une époque où collectionner relevait d’une vision, presque d’une mission. Un témoignage rare sur l’alliage subtil entre engagement politique et engagement artistique.

Pour en savoir plus, consultez le site du musée de la Libération de Paris – musée du général Leclerc – musée Jean Moulin.

Mémorial de la Shoah : Comment les nazis ont photographié leurs crimes – Auschwitz 1944

À Auschwitz, en 1944, certains SS ont, malgré les interdictions de leur hiérarchie, documenté l’indicible. Des officiers ont photographié l’arrivée des convois, la sélection, les gestes répétés de l’extermination industrialisée. Ces images, glaçantes, administratives, ont été retrouvées après-guerre. En face, d’autres clichés : pris clandestinement par des déportés résistants, ces photos volées montrent les corps brûlés, les cendres, l’horreur à nu. Deux regards, deux usages de l’image, deux mémoires irréconciliables.

L’exposition du Mémorial de la Shoah confronte ces documents comme des preuves — mais aussi comme des objets de réflexion. Comment représenter l’immontrable ? Comment faire face à l’archive produite par les bourreaux ? En exposant sans voyeurisme ces photographies, l’exposition ouvre un espace de pensée vertigineux sur le rôle de l’image : arme de propagande, outil judiciaire, trace d’une mémoire fragile. Un parcours bouleversant, nécessaire, qui replace la photographie dans sa fonction la plus grave : témoigner pour ne pas oublier.

Pour en savoir plus, consultez le site du Mémorial de la Shoah.

Trois expositions, une même urgence : ne pas laisser l’art au silence

Des ateliers d’exilés aux archives de l’horreur, des pinceaux engagés aux clichés du crime, ces trois expositions explorent une question fondamentale : que peut l’art face à la guerre, face à la barbarie, face à l’effacement ? À travers des formes diverses — peinture, photographie, engagement personnel ou collection militante —, c’est toujours une même nécessité qui s’exprime : celle de témoigner, de transmettre, de résister.

Dans une époque où la mémoire vacille, où les extrêmes séduisent à nouveau, où les réfugiés sont rejetés et les artistes censurés, ces parcours historiques résonnent comme des avertissements. Mais aussi comme des leçons de courage et de dignité. Car ces œuvres, ces gestes, ces images nous rappellent une chose essentielle : même au cœur de la nuit, l’art peut rester debout. Et faire front.

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Je me suis adonnée à un petit exercice de lecture croisée comme je les aime. Dans mon viseur : Les 100 premiers jours d’Hitler de Peter Fritzsche et Les 100 derniers jours d’Hitler de Jean Lopez. 100 jours… un trimestre, trois mois et dix jours. C’est peu. Ce fut suffisant pour accoucher d’un des régimes politiques les plus monstrueux de l’Histoire moderne… et pour l’abattre. Une prise de pouvoir fulgurante, une déchéance inéluctable… Ces deux ouvrages ô combien complémentaires, par delà le foudroiement et la sidération qu’ils relatent, explorent les racines d’un cataclysme baptisé Troisième Reich.

Les 100 premiers jours d’Hitler – Peter Fritzsche : l’accouchement du régime totalitaire nazi

Dans Les 100 premiers jours d’Hitler, Peter Fritzsche part de la nomination d’Adolf Hitler au poste de chancelier en janvier 1933. Il passe au crible le processus de consolidation du pouvoir, insistant sur la rapidité et l’efficacité avec lesquelles Hitler et ses lieutenants mettent en place le régime totalitaire nazi, tout en déployant son idéologie mortifère. Ces trois premiers mois sont marqués par des décisions d’une rare violence : mesures antisémites, dissolution des partis politiques, fermeture des journaux opposants, mise en place de la répression systématique et de l’intimidation.

Hitler démolit au pas de charge la République de Weimar, déjà très fragile et déchirée, pour lui substituer une dictature impitoyable. Les actions entreprises, d’une brutalité inouïe, relèvent d’une stratégie développée dans le temps, fruit d’une logique établie depuis des années. Cette mise en place, Fritzsche l’analyse pas à pas, insistant sur tous ces moments où Hitler aurait pu être écarté du jeu politique allemand. Définitivement. Le sort en a décidé autrement, la lâcheté des uns, l’avidité des autres également. Et la propagande bien sûr, soigneusement calculée pour emporter tout un peuple dans cette tourmente.

Les cent derniers jours d’Hitler – Jean Lopez : l’effondrement du IIIeme Reich

Comme son nom l’indique, Les cent derniers jours d’Hitler de Jean Lopez nous transporte en 1945, durant les derniers mois du dictateur, ceux qui ont vu la défaite inéluctable du Reich nazi. Page après page, dans une approche chronologique impitoyable, nous découvrons un Hitler en proie à une déchéance physique avancée, qui conduit sciemment son pays au chaos. Tandis que le territoire allemand est progressivement envahi par les Alliés, que le Reich s’effondre sous le poids de la guerre totale, le Führer semble complètement coupé de la réalité. Il refuse d’admettre la défaite et continue à orchestrer des stratégies militaires et des décisions politiques absurdes depuis son bunker berlinois.

Jean Lopez décrit l’évolution du dictateur à travers des témoins directs, souvent proches du pouvoir (Goebbels, Speer…) ; il offre l’image d’un homme non seulement rongé par la paranoïa et l’isolement, animé par une volonté destructrice. Ce compte à rebours épouvantable révèle petit à petit une décision atroce : puisque tout est perdu, autant partir en beauté, afin de nourrir l’Histoire et le mythe. L’effondrement semble orchestré par Hitler et ses fidèles, comme une sorte de sacrifice sectaire détruisant toute une population ou presque. Les décisions d’Hitler pendant ses derniers mois, tout comme son refus d’admettre la réalité de la guerre perdue, nous offrent un aperçu profond de la déréalisation et de la dissociation qui caractérisent les grandes figures dictatoriales dans leurs derniers instants de pouvoir.

Réflexion sur une désintégration programmée

Mettre en relation ces deux ouvrages permet d’explorer comment une tyrannie, une fois installée, fonctionne comme un moteur du déni et de la répression, jusqu’à son dernier souffle. Apogée et déchéance : l’isolement intellectuel, la conviction d’être dans le vrai, la mise en place d’une idéologie atroce érigée sur l’opposition entre bons et mauvais Allemands, une méthodologie d’une sauvagerie inconcevable, tout ce qui fit le socle du régime nazi va alimenter sa spectaculaire implosion.

Ironie du sort ou désintégration programmée ? Les deux ouvrages mettent en évidence les rouages d’une dictature et ses dérives de manière flagrante et effrayante. Le style d’écriture, l’usage de références précises, les témoignages cités dressent un tableau saisissant d’une prise de pouvoir fulgurante sur les institutions et les consciences. Un pouvoir qui préférera se saborder, entraînant toute sa population dans sa chute, plutôt que de composer.

Difficile en parcourant ces lignes de ne pas envisager le présent, de ne pas y trouver une grille de lecture particulièrement juste de notre actualité. Juste et angoissante. C’est le but. Car si le IIIeme Reich ne tint que 12 années en lieu des 1000 ans envisagés, il laissa derrière lui des ruines ineffaçables, un traumatisme profond, durable, incurable, et les germes d’une idéologie ignoble qui ne demande qu’à refleurir.

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Ai Weiwei est l’un des artistes contemporains les plus engagés et les plus influents de notre époque. Sa carrière, à la croisée de l’art et de la politique, fait de lui une figure incontournable pour ne pas dire fondamentale, aussi bien pour ses œuvres percutantes que pour son activisme sans relâche. Parmi ses créations marquantes, Sunflower Seeds. Réalisée en 2010 pour la Tate Modern de Londres, cette installation monumentale interpelle par sa simplicité apparente, mais également par la profondeur des thématiques qu’elle aborde. Sous la surface de ces millions de graines de tournesol, se développe un commentaire subtil sur la production de masse, l’individualité et la complexité du régime chinois. L’œuvre, à l’image de son créateur, est une réflexion puissante sur l’interaction entre l’histoire, la culture et l’activisme.

Ai Weiwei, artiste et activiste

Pour mieux comprendre la portée de Sunflower Seeds, il faut faire la focale sur le parcours de son auteur. Né en 1957 à Pékin, Ai Weiwei est le fils du célèbre poète Ai Qing, persécuté par le régime maoïste. Cette expérience familiale marque profondément l’enfant.

Après avoir étudié aux États-Unis, Ai Weiwei retourne dans son pays dans les années 1990. Il se lance alors dans une série d’œuvres qui mêlent critique politique et expérimentations artistiques. L’artiste se consacrera dorénavant à dénoncer les dérives de l’autoritarisme et de la censure, en alliant symbolique culturelle chinoise et réflexions globales sur la société, la liberté et les droits humains.

100 millions de graines

Sunflower Seeds s’inscrit dans cette dynamique. Plus qu’une simple installation, cette œuvre gigantesque est un manifeste politique, un plaidoyer pour l’individualité dans un système où le collectif est souvent privilégié au détriment des libertés individuelles. Devant le spectateur, plus de 100 millions de graines de tournesol en porcelaine, fabriquées à la main par des artisans de Jingdezhen, une ville chinoise réputée pour sa tradition de la céramique.

Chaque graine, minutieusement peinte à la main, est unique. Pourtant, une fois étalées sur le sol de la Turbine Hall, ces graines forment une immense masse homogène, évoquant une plage infinie de petites identités dissoutes dans l’ensemble. L’installation a été pensée comme une œuvre participative. Au départ, les visiteurs étaient invités à marcher sur les graines, à les manipuler, à sentir leur texture sous leurs pieds. Mais très vite, la Tate Modern a dû interdire cette interaction directe en raison de la poussière dégagée par les graines, qui pouvait présenter un risque pour la santé.

Signification culturelle profonde

Ce changement a donné une autre dimension à l’œuvre : de l’expérience tactile et immersive, elle est passée à une contemplation plus distante, renforçant ainsi la dimension conceptuelle et symbolique de l’installation. Les graines de tournesol, au premier abord anodines, ont une signification culturelle profonde en Chine. Durant la Révolution culturelle, l’image de Mao Zedong était souvent associée à celle du soleil, et le peuple chinois était comparé à des graines de tournesol tournées vers lui. Cette analogie servait à illustrer la dévotion du peuple à son leader, dans un culte de la personnalité quasi religieux. En choisissant ce symbole, Ai Weiwei critique subtilement cette propagande de masse, tout en interrogeant la perte d’individualité dans une société collectiviste.

Mais les graines de tournesol sont également un produit de consommation populaire en Chine, consommées en grande quantité lors des moments de sociabilité. Cette double interprétation permet à l’artiste de relier l’histoire politique à la vie quotidienne, créant ainsi un dialogue entre le passé idéologique et la réalité contemporaine. En transformant ces graines en objets d’art, il souligne également la question de la surproduction, de la main-d’œuvre exploitée et de la fabrication en série, des thèmes qui résonnent dans une Chine en pleine mutation économique.

Critique de la production de masse

L’une des grandes forces de Sunflower Seeds réside dans sa capacité à soulever des questions sur la production de masse et l’individualité dans un monde globalisé. Chaque graine de porcelaine est, nous l’avons dit, unique, fabriquée par des centaines d’artisans ; une fois réunies, elles deviennent presque indiscernables les unes des autres, formant une masse homogène. Ce contraste entre l’unicité de chaque graine et la masse qu’elles forment ensemble reflète la tension entre l’individu et la société dans la Chine contemporaine, où les voix individuelles sont souvent noyées dans le collectif.

Ai Weiwei met également en lumière la question du travail artisanal dans un monde dominé par la production industrielle. En mobilisant plus de 1600 artisans pour créer ces graines, l’artiste rend hommage à la tradition millénaire de la porcelaine chinoise tout en dénonçant l’industrialisation croissante et la perte de savoir-faire artisanal. En exposant ces objets dans une institution prestigieuse comme la Tate Modern, Ai renverse les hiérarchies traditionnelles de l’art, en élevant des objets du quotidien au rang d’œuvres d’art majeures.

Questionnement universel

L’installation Sunflower Seeds a immédiatement captivé le public et les critiques. La réaction initiale fut celle d’un émerveillement face à la monumentalité de l’œuvre et à la minutie de sa réalisation. De nombreux observateurs ont salué la profondeur politique de l’œuvre. Ai Weiwei ne se contente pas de créer une œuvre visuellement impressionnante, il provoque une réflexion sur l’histoire, la politique et l’économie de son pays, tout en lançant un message universel sur la condition humaine dans une ère de production de masse.

Certains critiques ont également vu dans l’œuvre une métaphore du rôle de l’artiste dans la société contemporaine : isolé mais entouré, subissant les mêmes pressions que les autres individus mais capable de transcender cette condition à travers l’art. L’œuvre interroge, perturbe, fait réfléchir. Si on est initialement impressionné par son gigantisme, c’est en la scrutant de près que l’on découvre la complexité et la profondeur des questionnements qu’elle véhicule. Questionnements qui se conjuguent universellement, à l’heure d’une globalisation numérique qui fait de nous tous des graines de tournesol perdues dans l’enfer froid de la digitalisation.

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Christine Hassid revisite avec intensité et sensibilité une pièce chorégraphique inspirée de l’œuvre de Frédéric Chopin, dont la résonance trouve un écho profond dans son histoire familiale. En associant la puissance du piano à la liberté des corps en mouvement, la chorégraphe bordelaise signe avec CHoPin – actuellement en tournée – une œuvre émouvante et lumineuse. Rencontre avec une artiste aussi déterminée que passionnée.

Quelle a été votre source d’inspiration pour créer le projet initial Chopin. Carte blanche ?

Chopin est un compositeur romantique dont les œuvres pour piano sont célèbres pour leur expressivité et leur complexité émotionnelle. La musique de Chopin, avec ses nuances et sa richesse harmonique, se prête bien à la danse contemporaine, offrant une toile de fond émotionnelle intense pour l’exploration du mouvement. Le rapport à la musique est essentiel dans mon travail. Ce sont des itinéraires de corps humains qui dictent la musique, qui la jouent, et non la musique qui est à l’origine de leur apparition. Je suis musicienne, j’ai fait 15 ans de piano et je jouais les Nocturnes de Chopin à 10 ans. Je connais la complexité de cette musique et sa structure. Tout mon travail réside à construire un dialogue entre la musique de Chopin et la musicalité des corps.  

Chopin. Carte blanche fut recréé pour devenir CHoPin. Qu’est-ce qui vous a poussé à ramener ce projet en Europe, et pourquoi souhaitez-vous le retravailler maintenant ?

Chopin. Carte blanche m’a permis d’avoir une double nomination. Deux nominations aux Golden Mask Awards ; fait exceptionnel puisque je suis la première chorégraphe française à avoir été nommée à ce prestigieux festival depuis sa création. La première nomination étant dans la catégorie « meilleur spectacle de danse contemporaine de la saison » et la seconde, dans la catégorie « Meilleure chorégraphe de la saison ». Je me suis ainsi retrouvée sur la liste des nominations aux côtés d’Angelin Preljocaj et de William Forsythe.

La terrible actualité de la guerre en Ukraine fait que ce projet ne joue plus pour des raisons politiques. Avec la compagnie CHP en France, nous avons dû travailler hors des murs des théâtres pour contrer la crise Covid. Cela faisait quatre ans que la compagnie n’avait pas pu jouer dans les murs des théâtres. J’ai donc échangé avec nos partenaires sur la volonté ardente de réamorcer cette création, de développer la dramaturgie, de peaufiner l’écriture et d’avoir une réelle création lumière. Pour toutes ces raisons, CHoPin a été créé en 2024.

Quelles émotions ou thèmes cherchez-vous à transmettre à travers l’œuvre de Chopin, sa nostalgie notamment ?

J’ai utilisé Chopin pour créer une pièce qui résonne à un niveau émotionnel profond, en utilisant la musique comme point de départ pour des explorations chorégraphiques qui vont au-delà du simple accompagnement musical. Je m’inspire par exemple de la mélancolie ou de la passion présentes dans les œuvres de Chopin pour créer une pièce qui interroge les relations humaines, les états d’âme, les luttes intérieures.

Ainsi, mon travail avec la musique de Chopin montre comment la danse contemporaine peut dialoguer avec des œuvres classiques en réinterprétant leur signification ou en offrant aux spectateurs une nouvelle manière de ressentir et de comprendre à la fois la musique et la danse. 

En tant que petite-fille d’un rescapé de la Shoah, comment votre histoire familiale a-t-elle façonné votre travail artistique et vos engagements ? Comment l’exil de votre famille a-t-il influencé la création de CHoPin ?

Les histoires de souffrance, de perte et de courage ont été transmises de génération en génération, et je ressens profondément la responsabilité de rappeler leur mémoire. Les génocides et les atrocités sont souvent minimisés ou ignorés, laissant les victimes et leurs descendants sans voix. C’est pourquoi il est si important de rappeler l’Histoire. Après quatre générations, il était temps de faire le voyage à l’envers… avec une troublante résonance à notre époque.

Comme le disait Jean d’Ormesson : « Il y a quelque chose de plus fort que la mort, c’est la présence des absents, dans la mémoire des vivants ». L’histoire de ma famille est dans mon ADN. Dans toutes mes créations, il y a son empreinte. Mon écriture chorégraphique est physique, énergique, sensible, fluide, dense et demande beaucoup de précision. Je suis une personne qui a une certaine étanchéité à la survie. Cette force, j’en ai besoin au quotidien, car être une femme dans ce milieu de la danse demande des sacrifices et une détermination sans faille.

Comment la situation actuelle en Ukraine et en Russie a-t-elle affecté la diffusion de votre œuvre et votre vision du projet ?

Chopin, carte blanche s’est arrêté de jouer dès le début de la guerre. Les images en Ukraine ont d’autant plus appuyé le besoin de lutter contre l’antisémitisme, le racisme, la haine, la dictature, la propagande. En tant qu’artiste, il me semble qu’il est de mon devoir de témoigner à ma façon, de lutter à mon niveau contre la montée actuelle des extrêmes et des discours de haine. La musique, la poésie et l’ironie ont toujours été mes remèdes pour donner du corps à l’immatériel et pour essayer de fédérer.

Vous avez mentionné l’importance de la musique dans votre travail. Comment voyez-vous le rapport entre la musique de Chopin et la chorégraphie ?

Associant dans mon corps la danse classique et contemporaine, je conserve cette union dans mes œuvres. Montrer au spectateur, non l’opposition du classique et du contemporain, mais le dialogue étonnant qui se noue entre eux. Il existerait une tension permanente entre le classique et le contemporain, tension par moments dépassée dans le ballet néoclassique. 
Pour moi, cette contradiction est tout sauf insoluble. Je l’abolis dans mes spectacles. Je réduis la distance entre ces deux mondes. 

La musique de Chopin peut avoir une incarnation physique dans le corps des danseurs, non seulement elle sonne, mais devient aussi visible. On peut l’appeler un opéra du corps, où la voix est remplacée par une danse. Ce sentiment de la « chair » de la musique surgit inconsciemment et se manifeste même chez un spectateur inexpérimenté, car celui-ci n’a besoin de connaitre ni la théorie de la musique ni l’histoire du compositeur.  Non seulement pour l’entendre, mais aussi pour le ressentir à l’intérieur de vous-même. 

Vous parlez de la musique qui amène au « repos des choses ». Pouvez-vous expliquer ce concept dans le cadre de votre travail chorégraphique ?

Tchaïkovski, Bach, Chopin… Qu’est-ce qui les unit ? Probablement, une série de pertes vécues, qui ont donné lieu à une perception aiguë de chaque instant, à un sentiment de la fugacité de la vie, au désir de la remplir au maximum à chaque instant – si vous ne pouvez pas le faire dans votre vie, alors du moins en musique.

C’est dans cette philosophie de vie que j’avance, que je me réalise, que je donne un sens à ma vie. La danse et la musique sont mes remèdes à la vie. Et je pense sincèrement, avec mon expérience, que la musique classique et la musique baroque fédèrent et parlent à tous.

Vous l’avez dit, Chopin. Carte blanche a remporté notamment vos deux nominations aux Golden Mask Awards suivies d’une vaste tournée en Russie et en Ukraine ? Comment avez-vous vécu ce succès ?

Je n’ai pas vécu les tournées, car, après la première, je suis rentrée en France avec mon assistant. Les Golden Mask Awards ont été pour moi une renaissance. J’étais dans une période où je songeais à fermer la compagnie (c’était au moment de la COVID)… Le Ministère des Affaires étrangères français m’a contactée pour m’annoncer la très bonne nouvelle et pour organiser ma venue à la cérémonie. Je devais partir en « mission » pour représenter la France à Moscou. 

Malheureusement, la COVID a fait que je n’ai pas pu me rendre à la cérémonie (comme tous mes collègues) car nous n’avions pas encore le droit de quitter nos pays respectifs vu l’évolution de la crise sanitaire. Ce qui a été compliqué, c’est de me rendre compte, lors de mes nombreux rendez-vous en France, que mes interlocuteurs (pour la plupart) ne connaissaient pas les Golden Mask Awards …  

Quelles sont vos attentes en réamorçant, en France, ce projet aujourd’hui, en particulier dans le contexte actuel de tensions géopolitiques ?

Je dirai qu’ensemble, nous pouvons bâtir un avenir où la paix et la justice prévalent ; où les rêves des générations passées sont enfin réalisés. N’oublions jamais les vies perdues, les rêves brisés. C’est notre devoir de rappeler leur mémoire, de lutter contre l’oubli et de travailler inlassablement pour un monde où chaque être humain est respecté et protégé. Et j’ai toujours pensé à toutes les minorités opprimées en écrivant CHoPin. Ensemble, nous pouvons faire la différence. 

Pour en savoir plus sur le projet et la tournée, consultez le site Christine Hassid Project.

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Ces mots, Mme Roland les prononce le 8 novembre 1793 au pied de l’échafaud, alors qu’elle va être guillotinée. Ils résument à eux seuls l’essence même de la Terreur. Cette funeste période, l’une des plus sombres de l’Histoire française, Evelyne Lever l’évoque dans l’ouvrage Paris sous la Terreur. Ce récit captivant et profondément documenté, rédigé avec une rigueur historique irréprochable, brosse le portrait d’une capitale ancrée dans la Révolution, qui en porte les espoirs, mais qui va progressivement glisser dans la répression.

La lente mise en place de la Terreur

Historienne réputée et spécialiste de l’Ancien Régime, Evelyne Lever s’attaque ici à une période complexe et tumultueuse, restituant avec minutie les atmosphères, les personnages et les événements qui ont marqué ces mois de chaos. L’autrice ne se contente pas de relater les faits, d’en ausculter les mécanismes, la lente mise en place de la Terreur ; elle nous immerge dans le quotidien des Parisiens, entre tensions politiques exacerbées et angoisse croissante. La description des tribunaux révolutionnaires, des sans-culottes arpentant les rues, les références aux discours enflammés de Robespierre et de ses acolytes, nous transportent au cœur d’une incroyable effervescence.

Loin de se limiter à une simple chronologie des événements, Lever s’attache à montrer les dilemmes moraux et les ambiguïtés des acteurs de l’époque. Les figures emblématiques de la Révolution, telles que Danton, Marat, Robespierre, sont décrites dans toute leur complexité. Leur quête de justice et d’égalité est souvent confrontée aux réalités cruelles du pouvoir et de la violence politique. Jamais Lever ne juge, elle expose avec une plume acérée les contradictions et les tragédies personnelles qui ont jalonné cette période.

Exécutions et manipulation des masses

Sa puissance narrative réside également dans sa capacité à rendre compte de l’impact de la Terreur sur l’existence quotidienne des citoyens ordinaires. Les dénonciations, les exécutions sommaires, mais aussi les espoirs et les résistances discrètes de certains, sont racontés avec une grande sensibilité. On perçoit l’impact des décisions politiques sur une population souvent prise entre le marteau de l’utopie révolutionnaire et l’enclume de la répression.

Lever excelle ainsi à nous montrer comment l’idéologie, lorsqu’elle est poussée à l’extrême, peut engendrer un régime de terreur. Paris sous la Terreur interroge la manipulation des masses et le rôle des médias de l’époque. La propagande, les pamphlets, et les journaux, tous instruments de pouvoir, sont disséqués pour montrer comment l’opinion publique était façonnée et instrumentalisée. Evelyne Lever nous rappelle subtilement les dangers de la désinformation et de l’excès de pouvoir, des leçons qui résonnent encore aujourd’hui.

Cet ouvrage est indispensable pour quiconque s’intéresse à l’histoire de la Révolution française. Grâce à une érudition sans faille et un talent narratif indéniable, Evelyne Lever nous offre une vision nuancée et poignante de cette période complexe. Ce livre, riche en détails et en réflexions, invite à une profonde méditation sur les dérives de la politique et les dangers du fanatisme. À travers ses pages, Paris se dessine comme une ville tourmentée, mais vibrante, dont l’histoire continue de fasciner et d’interroger.

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La culture et l’art sont des terrains de jeu particulièrement fascinants. Capable de provoquer des émotions intenses, de questionner les normes et de pousser à la réflexion, la créativité sous toutes ses formes et à toutes les époques, sert de baromètre à des mutations sociales dont souvent elle accouche. Est-ce pour cette raison que les mouvements d’extrême droite ont toujours détesté la culture et l’art au point d’en écraser l’expression par tous les moyens possibles ? La question mérite d’être posée à l’heure où cette idéologie mortifère reprend la main un peu partout dans le monde, et plus particulièrement en Europe.

Extrême droite : l’art d’écraser les artistes

« Quand j’entends le mot « culture », je sors mon revolver ! » : tout le monde connaît ce trait d’humour nazi dont on ne sait s’il fut émis par Goering, Goebbels ou von Schirach. Peu importe du reste la paternité d’une plaisanterie lourde de signification : ceux qui connaissent un peu l’Histoire du monde en général et celle du XXe siècle en particulier savent le sort réservé aux artistes par Hitler et ses sbires : absorbés par l’idéologie au point d’en devenir les serviles ambassadeurs… ou éradiqués comme des nuisibles au fin fond des camps d’extermination. Max Jacob, Charlotte Salomon, Kurt Gerron, Bruno Schulz, on ne va pas faire ici la liste complète des auteurs, peintres, acteurs, poètes et consort mis à mort par le nazisme : il suffit de retenir que, pour juguler les voix discordantes, les fascistes n’hésitaient pas à tuer.

Ils ne furent pas les seuls. En témoigne le sort réservé à Federico Garcia Lorca, l’une des victimes les plus emblématiques de la répression franquiste. Petit rappel pour ceux qui n’auraient pas pris espagnol LV2 au lycée : en 1936, au début de la guerre civile espagnole, Lorca a été arrêté et exécuté par les forces nationalistes en raison de ses idées républicaines et de son homosexualité. Son corps, jeté dans une fosse commune du côté de Viznar, n’a jamais été retrouvé.

Autre exemple marquant : après le coup d’État militaire de 1967 en Grèce, le grand compositeur et musicien Mikis Theodorakis, en tant que membre du Parti communiste et figure de la résistance démocratique, est arrêté, emprisonné, torturé. Sa musique est interdite par le régime des colonels, qui cherche ainsi à étouffer toute forme d’expression culturelle et artistique opposée à leur idéologie.

Un rejet toujours d’actualité

J’entends déjà certains lecteurs hurler à l’exagération : « Mais l’extrême droite aujourd’hui n’a plus rien à voir ! Ils se sont assagis, ils sont devenus modernes. Ce ne sont plus des barbares ». Je ne reviendrai pas sur la célébrissime prophétie assénée par Brecht en conclusion de La Résistible ascension d’Arturo Ui : « le ventre est encore fécond d’où est surgi la bête immonde » ; les termes en sont choisis et formulés avec tellement de juste violence qu’on s’étonne que plus personne n’en parle, malgré la résurrection de cette même bestiole infâme qui s’obstine à renaître de ses cendres (à moins qu’elle n’ait jamais été anéantie ?). Ces mêmes termes illustrent pourquoi les partis de cette mouvance idéologique continuent de craindre le monde de la culture et de l’art.

Fort heureusement, l’auteur et dramaturge allemand Bertolt Brecht a réussi à fuir l’Allemagne nazie en 1933 (sans quoi il aurait à coup sûr été exterminé). Connu pour ses œuvres théâtrales critiques du fascisme et du capitalisme, il s’est exilé aux États-Unis, continuant de tirer à boulets rouges sur Hitler et sa clique… ce qui ne l’empêchera pas du reste d’être ensuite victime du maccarthysme. Preuve que les grands esprits, les fins analystes et les plumes d’élite terrorisent les extrêmes. Et ce n’est pas parce qu’ils en parlent peu dans leurs programmes politiques (on reste frappé de la vacuité des propositions de ces formations, en amont des élections, il ne faut pas en effet effrayer les indécis et les naïfs dont on cherche à capter les votes), qu’ils n’ont pas l’intention de tordre le cou à un secteur qui leur fiche la trouille par son incroyable force de frappe intellectuelle.

Florilège de bonnes raisons de flipper

Mais encore ? Qu’est-ce qui peut bien faire autant flipper les fachos qu’ils se méfient ainsi de la culture ? Une petite liste s’impose !

Défendre les Droits de l’Homme

De nombreux artistes se sont engagés au fil du temps pour défendre les droits de l’homme et la justice sociale. Picasso avec Guernica, James Baldwin avec Go Tell It on the Mountain, Ai Weiwei avec Sunflower Seeds, Costa Gavras avec Z ou Missing, les exemples sont légion qui critiquent directement les régimes oppressifs. Ces engagements vont à l’encontre des valeurs de l’extrême droite et menacent directement des agendas politiques et sociaux qui reposent justement sur la violation constante de la notion d’égalité et de fraternité.

Le souci de la tolérance

La culture célèbre la tolérance et l’innovation. En témoigne le succès mondial de la série télévisée Pose,chroniquée en nos colonnes. Mettant en lumière la culture ballroom et les luttes des personnes LGBTQ+ afro-américaines et latino-américaines dans les années 80 et 90, les trois saisons showrunnées de main de maître par Ryan Murphy promeuvent l’acceptation et la diversité, des valeurs qui vont à l’encontre des idéologies xénophobes et nationalistes des mouvements d’extrême droite, on s’en doute bien.

Impacter l’opinion publique

De par leur notoriété, certains artistes ont une influence immense sur l’opinion publique, les mouvements d’extrême droite le savent bien et le redoutent. Cas d’école : Taylor Swift, avec des millions d’adeptes dans le monde entier, a la visibilité suffisante pour encourager avec succès de nombreux fans à s’engager davantage dans les processus démocratiques et à prendre position contre les injustices. Son soutien à des causes progressistes et sa critique de l’extrême droite ont d’ailleurs suscité des réactions violentes de la part de certains groupes conservateurs, ce qui souligne l’importance et l’influence de ses prises de position.

Critique et satire

La satire est une arme puissante contre l’autoritarisme. Le Dictateur de Chaplin reste l’une des caricatures politiques les plus incisives et courageuses de l’histoire du cinéma ; réalisé, écrit, produit et interprété par Chaplin lui-même, le film sorti en 1940 est une critique virulente du régime nazi et de ses leaders, particulièrement Adolf Hitler. À sa manière et 80 ans plus tard, le film Jojo Rabbit de Taika Waititi, se moque aussi ouvertement du nazisme, montrant comment l’humour peut être utilisé pour discréditer des idéologies extrémistes. Là aussi, les mouvements d’extrême droite craignent comme la peste cette capacité de l’art à ridiculiser et à affaiblir leur image publique.

L’art, ce pouvoir subversif

L’art et la culture ont un pouvoir unique de subversion. Prenons l’exemple de Banksy : le streetartiste n’en finit plus de défier les systèmes politiques et économiques en place. Son célèbre tableau Girl with Balloon (qui s’est partiellement autodétruit après avoir été vendu aux enchères) dénonce de façon magistrale la commercialisation de l’art. Une manière marquante d’exposer les contradictions et les injustices, et de perturber l’ordre des choses : or ça, l’extrême droite n’aime pas du tout.

La rébellion dans l’âme

De même qu’elle n’aime pas l’esprit de rébellion contre l’oppression, esprit que les milieux de l’art et de la culture se plaisent à faire fructifier, parfois avec un certain sens de l’exultation, si l’on en croit la fulgurante trajectoire du mouvement punk, qui a choisi l’année 1977 pour infliger une grande et durable tarte dans la tronche boursouflée d’un gouvernement britannique ultraconservateur ne jurant que par une austérité économique criminelle. Des groupes comme The Clash ont utilisé leur musique pour défier l’autorité et inspirer le changement social, une dynamique que l’extrême droite trouve profondément urticante.

Les stratégies de l’extrême droite pour faire taire la culture et l’art ?

En somme et après ce rapide et très incomplet aperçu, on peut résumer la situation comme suit : le monde de l’art et de la culture encourage tout ce que l’extrême droite cherche à contrôler, à uniformiser et à museler. En d’autres termes, artiste = casse-bonbon d’envergure = empêcheur de tyranniser en rond. Face à cette menace à plusieurs facettes, les mouvements extrémistes ne restent pas les bras croisés, on s’en doute bien. Tous orchestrent des stratégies variées pour tenter de faire taire cette bande d’artistes ingérables, espèce de saltimbanques, on vous pendra par les c….. Dans leur boite à outils anti-culture, plusieurs process.

La censure et la répression

C’est l’une des tactiques les plus directes. On interdit, on punit. Dans les régimes d’extrême-droite, les œuvres d’artistes dissidents sont souvent interdites ou dénaturées. On se souvient encore de la fameuse exposition sur l’art dégénéré inaugurée en grande pompe par les nazis pour dénoncer les auteurs d’un art jugé déviant et régressif. Un parfait exemple de diffamation à l’échelle d’un gouvernement. Beaucoup plus récemment, en Russie, les Pussy Riot ont été emprisonnées pour leurs performances provocantes et critiques du régime de Poutine.

La culture alternative

Autre option : promouvoir sa propre culture. Aux États-Unis, des plateformes type Breitbart News, dirigées par des figures de l’alt-right comme Steve Bannon, ont distillé avec une redoutable efficacité une contre-culture alignée avec leurs idées. Films, musiques, contenus médiatiques, tout est bon pour véhiculer leurs valeurs et mettre la culture mainstream en porte à faux.

L’intimidation et les menaces

Là aussi, ce n’est pas une nouveauté, encore moins depuis l’avènement des réseaux sociaux et du cyberharcèlement qui va avec. Des artistes et des intellectuels reçoivent régulièrement des menaces de mort et des attaques en ligne. Médine menacé à chaque fois qu’il envisage de faire un concert, Lady Gaga et Taylor Swift conspuées par l’alt-right… on ne manque pas d’illustrations en l’état.

Les politiques culturelles des partis d’extrême droite au pouvoir ?

Cet arsenal s’accompagne d’une certaine conception de la politique culturelle à mettre en place une fois le pouvoir conquis. Il y a bien sûr la censure et la répression évoquées précédemment. Mais il existe des méthodes plus subtiles qu’on peut résumer en une triade d’une rare efficacité.

La centralisation et le contrôle des institutions culturelles

Première étape absolument cruciale : centraliser le contrôle des institutions culturelles, ce qui implique de reprendre en main l’organisation des structures, le recrutement des intervenants, la répartition des budgets. On va le dire clairement pour ceux qui ne comprendraient pas : plus de fric pour les assos et artistes jugés subversifs, on vire celles et ceux qui ne marchent pas droit, on engage des intervenants qui ne feront pas de vague, voire des convaincus. Et on cadre les sujets à traiter et ceux qu’il ne faut surtout pas aborder. Exemple : en Pologne, le parti Droit et Justice (PiS) a pris le contrôle des musées, des théâtres et des centres culturels, en y nommant des directeurs loyaux à leur cause. Cette centralisation permet de s’assurer que la production culturelle est alignée avec l’idéologie du parti et réduit l’espace pour les voix dissidentes.

La réécriture de l’Histoire

En parallèle, on s’occupe de retravailler le passé à sa sauce et dans son sens. En réécrivant l’histoire, on renforce l’esprit nationaliste de la mémoire du pays et on gomme les épisodes gênants. Des projets éducatifs et culturels sont orientés pour réécrire l’histoire de manière à exalter les héros nationaux et les victoires militaires, tout en occultant les périodes sombres et les contributions des minorités. En Italie, sous le gouvernement de la Ligue du Nord, il y a ainsi eu des tentatives pour glorifier l’ère fasciste de Mussolini et minimiser ses crimes.

La promotion de l’art nationaliste

C’est la troisième pointe du triangle. On fait l’éloge de la nation grâce à une forme d’art qu’on porte au pinacle. Ainsi, le gouvernement russe finance et soutient activement la production de films patriotiques qui célèbrent les succès militaires et historiques du pays. Par exemple, le film T-34 (2019), qui raconte l’histoire héroïque d’un équipage de char russe pendant la Seconde Guerre mondiale, a reçu un soutien financier substantiel de l’État et a été largement promu comme un symbole de la bravoure russe.

On va être clair : tout cela s’appelle de la propagande.

Une petite conclusion ? Bien sûr, cet article est loin d’être exhaustif et n’a pas la vocation d’une thèse. On aurait pu citer les artistes poursuivis par l’ire du gouvernement chinois, Salman Rushdie cible de la haine des intégristes musulmans et ainsi de suite. Les exemples ne manquent malheureusement pas. Ce qu’il faut retenir, ce sont les raisons de cette haine, cette volonté absolue de contrôler ou d’éradiquer la voix dissidente de la culture, une force dynamique et puissante qui défie les extrémismes de toutes sortes. Ces derniers voient dans cette capacité à influencer et à mobiliser un danger pour leurs idéologies rigides et exclusivistes. À chaque coup de pinceau, à chaque note de musique, à chaque mot écrit, la culture et l’art se dressent comme des bastions de résistance contre l’oppression. Et malgré la répression, la censure, les tentatives de délégitimation et d’intimidation, ces voix courageuses et indomptables perdurent, résistent. À nous de les écouter, de nous en inspirer et d’y faire écho.

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À l’origine, il s’agissait de deux ouvrages distincts :  Les Secrets du IIIe Reich et Les Derniers Secrets du IIIe Reich. En 2017, une édition complétée et mise à jour rassemble ces deux incontournables signés François Kersaudy et Yannis Kadaris. Les deux auteurs y évoquent les dessous du cauchemar nazi, abordant cette funeste période au travers d’exemples sidérants qu’ils détaillent avec un luxe de précisions.

Des comportements ignobles

Il y a plusieurs manières d’aborder l’Histoire avec une grande Hache. Vision d’ensemble, chronologique, thématique, biographique, roman historique… et puis il y a l’approche anecdotique. C’est cette stratégie que respecte Tous les secrets du IIIe Reich. Ou comment prendre conscience de la profonde corruption du nazisme en explorant ses coulisses, ses arrière salles, ses mystères. À ce petit jeu-là, François Kersaudy et Yannis Kadaris excellent qui vont aller fouiller les poubelles hitlériennes avec un sens consommé du spectaculaire.

Tout y passe : la santé d’Hitler, son rapport aux femmes, la mutation de Berlin, la Nuit des Longs-Couteaux, le mystère de la disparition de Martin Bormann, la politique d’élimination des handicapés, la création des commandos « loups-garous »… Point commun de tous ces chapitres : la farouche volonté des autorités nazies de jeter un voile pudique sur des comportements franchement ignobles… et d’alimenter ainsi les rumeurs. Propagande, quand tu nous tiens. À moins qu’il ne s’agisse d’un manque stupéfiant de compétences ?

Porter sa chute en germe

Car c’est ce qui ressort de ces pages ô combien prenantes : ce panier de crabes est composé d’incapables, de tarés et de sadiques qui passent leur temps à se tirer dans les pattes ; c’est à celui qui aura le plus de billes pour faire chanter l’autre et lui voler sa place. Ambiance fétide donc, avec en ligne de mire un Hitler complètement instable, sujet à des colères anthologiques, manipulateur de la gent féminine et que son entourage cajole comme un enfant pour mieux obtenir des faveurs : places, argent, propriétés. Bref de vrais voyous, sans foi ni loi outre leur profit immédiat.

À moins qu’ils ne soient complètement illuminés comme Rudolph Hess dont on ne comprend toujours pas la folle équipée jusqu’en Angleterre. Des histoires rocambolesques comme ça, le livre en regorge qui témoigne d’une démence collective profonde doublée d’une violence incroyable et d’un total manque d’éthique… et de jugeote. Ce cauchemar a duré 12 ans : c’est peu sur les 1000 ans pronostiqués par Hitler. C’est trop au regard des millions de victimes.

Inacceptable surtout quand on réalise dans ces lignes que ce régime portait sa chute en germe, que ces détraqués aux mœurs barbares allaient forcément s’autodétruire après avoir déclenché l’éradication de 70 millions de personnes à la louche, dont 6 millions en milieu concentrationnaire. Avec Les Secrets du IIIe Reich et Les Derniers Secrets du IIIe Reich, François Kersaudy et Yannis Kadaris dynamitent ces mystères avec autant de rigueur que de délectation. Objectif : montrer une réalité sordide et absurde. À lire donc, comme une approche inédite, éclairante et synthétique des déviances de l’époque.

Et plus si affinités

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