Révélations et cadavres

Nous sommes en 1955 : Harold S. Angel est un petit détective privé new-yorkais sans grande envergure. Il est engagé par le très élégant et mystérieux Louis Cyphre pour retrouver le crooner Johnny Favorite qui a une dette envers lui. Crooner qui a disparu des radars en pleine seconde guerre mondiale puis qui remonte à la surface blessé, défiguré et amnésique.

Enfin ça c’est la version officielle. Plus Angel avance dans son enquête, plus cette version s’étiole. Et les rencontres étranges de se multiplier, les révélations de s’accumuler. Les cadavres aussi : chaque témoin qu’Angel débusque est mis à mort dans la seconde, et de manière aussi brutale que sanglante.

Rouler le Diable dans la farine

D’abord à New-York puis à la Nouvelle-Orléans où Angel infiltre à son corps défendant les milieux du vaudou et de la magie noire. Favorite flirtait décidément avec des gens peu fréquentables, pour ne pas dire maléfiques. A moins que ce soit lui qui soit allé trop loin, vendant son âme au Diable ? Et Angel dans tout ça ? A quel point est-il impliqué dans cette histoire ?

Je n’en dis pas plus sinon qu’il ne faut surtout pas chercher à rouler le Diable dans la farine, c’est perdu d’avance. Et que le récit concocté par Alan Parker est démoniaque à plus d’un titre. Le réalisateur de Midnight Express, Pink Floyd The Wall, Birdy, Fame, Mississippi Burning ou The Commitments pour ne citer qu’une infime partie de ce flamboyant palmarès, accouche ici d’un scénario aussi alambiqué qu’efficace.

Chemin de croix à rebours

Il y ajoute une réal nerveuse, pesante, oppressante, poisseuse. Chaleur et pluie diluvienne, odeur du sang éclaboussant les murs lépreux, gorgeant les parquets sales, silhouettes ténébreuses, ombres démesurées, images récurrentes de cages d’escaliers, d’ascenseurs, de grilles et de ventilateurs, le tout sur une musique désespérante dévoilant une plainte de saxo : tout dit le chemin de croix à rebours d’un Angel victime et bourreau.

Les plans rapprochés détaillent les mains, les bijoux, les pentacles ornant les bagues ou les colliers, les autels vaudous, les statues des saints dans des églises étouffantes et poussiéreuses. Les détails nous sautent au yeux comme autant d’indices perdus dans une masse en décomposition. La violence est partout, cernant cet anti-héros merveilleusement porté par un Mickey Rourke à contre-emploi et cela lui va si bien.

Un film à scruter

Pleutre, charmeur, paumé, terrorisé, ambivalent : au cœur de cette Louisiane ancrée dans les croyances ancestrales, bercée par le blues et les lourds parfums de fleurs pourries, assommée de chaleur, où la sueur ronge les peaux et les âmes, Angel retisse le tracé de son destin contraire. Et ce n’est rien de dire qu’il est funeste.

Que dire de plus sinon que ce film est à voir, à revoir. Qu’il est à scruter dans ses moindres détails, que Robert de Niro y fait une apparition mémorable complétant ainsi sa déjà très large palette de rôles d’une touche luciférienne très appréciable. Chaque cadrage, chaque plan, chaque mot est à prendre en considération dans ce rébus nocif où les tabous sont transgressés, où l’humain flirte avec le surnaturel en permanence, où les mondes se frôlent, où la Mort et le Mal règnent en maître sur la vie.

Virtuose de l’écran, Parker explose les codes du film d’horreur et du polar, allant au delà du tolérable dans ce conte de terreur. Il réalise là l’un de ses films les plus puissants, les plus marquants. Peut-être le plus sombre.

Cet article Angel Heart : un rébus maléfique, un film d’anthologie est apparu en premier sur The ARTchemists.

Saisir l’histoire de la mode, c’est observer la manière dont la coupe, l’organisation des ateliers, le rapport au corps et à l’image se reconfigurent à chaque époque. Quatre expositions offrent actuellement une approche limpide de la question : Worth (acte de naissance de la haute couture), Paul Poiret (révolution moderne et mise en scène), Coco Chanel (les Années folles et l’invention d’un style de vie), Rick Owens (rituels et minimalisme monumental). Ensemble, elles dessinent un siècle et demi d’inventions, d’industries et d’imaginaires.

Worth, inventer la haute couture – Petit Palais : le prototype du système

La rétrospective Worth. Inventer la haute couture déploie plus de 400 œuvres sur 1 100 m² pour raconter comment Charles Frederick Worth structure un écosystème : maison, mannequins, collections saisonnières, étiquettes, clientèle internationale — bref, la méthode qui fait encore autorité aujourd’hui. Dates, ampleur, et enjeux d’atelier (fournisseurs, commandes, photographies) sont articulés avec clarté.
Au-delà de la robe, le propos insiste sur l’infrastructure (du négoce des tissus aux liens avec d’autres maisons de luxe) et sur l’héritage multigénérationnel de la maison Worth, souvent qualifié de “père de la haute couture”. Un panorama rare, jugé difficilement reproductible par la presse spécialisée tant les prêts et restaurations ont été importants.

Paul Poiret, la mode est une fête – MAD Paris : la modernité spectaculaire

Le MAD consacre à Paul Poiret une exposition d’envergure (environ 550 œuvres, du vêtement aux arts décoratifs) qui restitue son double geste : libérer le corps (déconstruire le corset, repenser la ligne) et mettre en scène la mode comme expérience totale (parfums, fêtes, collaborations artistiques, marketing avant l’heure).
Le parcours rappelle aussi les paradoxes d’un créateur visionnaire, passé par la maison Worth, dont la flamboyance aura autant construit son mythe que fragilisé son entreprise — un récit utile pour comprendre la tension durable entre création et économie dans la mode.

Les Années folles de Coco Chanel – NMNM – Monaco : le style comme art de vivre

À la Villa Paloma, Coco Chanel est lue à l’aune de trois axes des années 1920 : l’outdoor (plages, sports, Riviera), l’influence slavophile (Ballets russes, cultures d’Europe de l’Est) et le dialogue mode/arts. Plus de 200 pièces (modèles, accessoires, photographies) entrent en conversation avec des œuvres modernes (de Van Dongen à Picasso), soulignant l’invention d’un style de vie autant que d’une coupe.

La mode est ici abordée comme une culture visuelle et une pratique sociale (corps sportif, plein air, médias). Maillots, ensembles fluides, iconographie photographique, la Riviera se décline en laboratoire du chic moderne.

Rick Owens, Temple of Love – Palais Galliera : le rituel et l’architecture du vêtement

Le Palais Galliera signe la première grande exposition parisienne dédiée à Rick Owens : un itinéraire des débuts à Los Angeles aux collections récentes, où la coupe radicale rencontre la spiritualité du rituel, le minimalisme sculptural et des références littéraires/cinématographiques (de Huysmans au Hollywood du début du XXᵉ).

La mode contemporaine se veut expérience (corps, son, scénographie) et langage critique.
Manteaux-monolithes, drapés lourds, bottes-totems : l’exposition orchestre le silence et la ferveur autour de pièces devenues iconiques.

Que retenir de ces quatre expositions ?

1. Worth institutionnalise : la mode se dote d’une organisation reproductible (atelier, saison, clientèles), qui lui donne puissance et visibilité.
2. Poiret théâtralise : le couturier devient metteur en scène de son univers, entre arts, parfum, événement.
3. Chanel civilise le quotidien : le vêtement épouse les usages (sport, plein air), dessine une modernité vivable.
4. Owens spiritualise et radicalise à la fois : le vêtement devient architecture et rite, explorant les limites du corps, du genre, de la beauté.

A chaque étape, la mode réécrit le contrat social du vêtement (qui le porte, où, comment, avec quel récit).

Cet article Worth, Poiret, Chanel, Rick Owens : quatre expositions pour lire l’histoire de la mode est apparu en premier sur The ARTchemists.

Carmen 150 ans : tandis que mes petites camarades s’escriment à décortiquer l’opéra de Bizet, je mets le pif dans la nouvelle de Mérimée. Parce qu’il faut bien l’admettre : sans la prose de Prosper, Georges n’aurait jamais accoucher de son opéra et nous serions contraints.es de vivre sans les arpèges de l’Andalousie la plus célèbre de l’art lytique mondial. Objectif donc du glissage de nez dans les pages de Carmen version livre : qu’est-ce que Bizet a piqué à Mérimée ? Et comment ?

Drame passionnel à l’espagnole

Avant d’être l’opéra le plus joué au monde, Carmen fut donc une nouvelle, publiée par Prosper Mérimée en 1845. Je passe sur le résumé (le récit est un brin tortueux), en soulignant cependant que l’intrigue développée par l’auteur s’étale sur plusieurs mois et suit le périple d’un archéologue français (le narrateur) qui croise la route de Carmen et Don José lors d’un voyage en Andalousie. C’est ainsi qu’il découvre le destin du contrebandier, ancien brigadier tombé dans la délinquance par amour pour cette gitane dont il est jaloux au point de la tuer avant de se rendre aux autorités.

Inspirée par un voyage en Espagne, cette histoire pour le moins passionnelle et violente propose un récit mêlant exotisme et romantisme avec en toile de fond un pays magnifié. Clairement, ici le personnage central, c’est Don José, Carmen se contentant d’être un objet de fascination aussi bien pour ce héros que pour le narrateur. Le regard porté sur Carmen est donc doublement masculin, et biaisé. Libre, insaisissable, séductrice, manipulatrice au besoin, Carmen est aussi, et surtout, observée, jugée, condamnée.

Observation ethnographique

Le texte, même s’il s’habille d’un ton documentaire, fonctionne comme une mise à distance : on ne comprend pas Carmen, on la désire ou on la craint. Elle est figure de l’Autre : gitane, dangereuse, sexuelle, irrécupérable. Elle se joue des hommes, elle manipule Don José, le pousse au crime. Mais ce n’est pas une héroïne tragique : c’est une criminelle, une voleuse, une sorcière presque. Mérimée s’intéresse moins à elle qu’à l’Espagne en tant qu’espace d’observation ethnographique.

Le livre regorge de notes sur les coutumes, de mots en espagnol, de digressions sur les mœurs, les croyances. Le tout baigne dans un parfum d’orientalisme : Carmen est un fantasme colonial. Or, ce n’est pas cette Carmen-là que l’on retrouve dans l’opéra. Car Bizet et ses librettistes (Henri Meilhac et Ludovic Halévy) procèdent à une transformation radicale du matériau littéraire. Dans l’opéra, Carmen prend la parole. Elle chante, elle revendique, elle s’affirme. Elle n’est plus seulement racontée : elle existe.

Une icône universelle

La musique lui donne corps, souffle, sensualité. La Habanera n’est pas qu’un air : c’est un manifeste. Carmen devient le centre de l’action, non plus sa victime ou son prétexte. La dimension ethnographique s’estompe au profit d’une dramaturgie concise, tendue, efficace. Bizet fait le choix du tragique, du désir et de la mort. Il ne juge pas ses personnages : il les laisse s’exprimer. Là où Mérimée dissèque, Bizet incarne. Il donne à Carmen une puissance scénique inédite, qui transformera l’imaginaire collectif.

En adaptant la nouvelle, Bizet ne trahit pas Mérimée : il l’éclipse. Il fait de Carmen une héroïne. Non pas une sainte, mais une femme libre, qui refuse d’être possédée. Une femme que la société ne peut contenir, et que la jalousie masculine détruit. Cette bascule est essentielle : elle explique pourquoi Carmen est devenue un mythe moderne, une figure féminine paradoxale, entre liberté et condamnation, entre force et destin.

Cet article Carmen, avant l’opéra : ce que Bizet doit (et ne doit pas) à Mérimée est apparu en premier sur The ARTchemists.

Aujourd’hui, zoom sur la Savonnerie de la Chapelle. Une belle histoire artisanale dédiée à l’amour des savons et des cosmétiques de qualité, des petits plaisirs de la vie, entre protection de l’environnement, expérience sensorielle et bien-être retrouvé.

Saponification à froid : une technique ancestrale

La boutique, vaste, se situe place du Blé à Bellême, petite ville médiévale de l’Orne. Quand on y pénètre, première surprise : on n’y est pas assailli par une puissante vague de parfums entêtants, mais par une nuance olfactive très douce, rassurante, bienveillante. Andalou, Fruits du soleil, Miel orange douce, Rosée matinale, Chocolat, Fleur des sables, Roches… les blocs de savon sont tous là, sagement alignés dans leur enveloppe de papier. Agrumes, lavande, rose, citronnelle… il y en a pour tous les goûts, toutes les fragrances, toutes les envies. A chacun.e son savon, respiré, reconnu, adopté.

Des savons réalisés selon l’ancestrale (et très probablement gauloise si l’on en croit Pline l’Ancien) technique de la saponification à froid : pas de chauffage des mélanges (contrairement aux savons de Marseille ou d’Alep), repos des préparations un mois durant. Patience et douceur au programme pour des savons beaucoup plus doux, dont les ingrédients (d’origine normande) conservent leur efficacité, les parfums, leur subtilité. Textures suaves adaptées aux épidermes, process de fabrication respectueux de l’environnement, produits de base locaux sélectionnés avec soin… l’équation est d’une rare efficacité

Exigence de qualité et volonté de transparence

Huiles végétales, beurres nobles, parfums et teintures naturels : une exigence de qualité signée Paul‑Henry Neyt, adorable jeune homme au cœur de ce beau projet familial, érigé au fil des années en entreprise florissante. Une entité ancrée donc dans Bellême (outre la boutique, on compte désormais des laboratoires, des entrepôts, des bureaux, tous logés dans la commune) et qui ne cesse de croître, s’adaptant aux évolutions du marché tout en respectant ses valeurs et en s’imposant une volonté de transparence. Pour preuve, les étapes de fabrication des savons sont observables depuis la boutique.

Dans le respect des normes sanitaires bien évidemment : les produits cosmétiques qui complètent la gamme sont élaborés en laboratoire. Il n’en demeure pas moins que l’équipe de la Savonnerie de la Chapelle (en référence à la Chapelle-Montligeon où l’aventure est née en 2013, au cœur des ateliers Buguet ) veut diffuser ses savoir faire : visites commentées du site de fabrication, ateliers pour apprendre à faire son propre savon. La transparence est de mise, de même qu’une volonté revendiquée de toujours améliorer les process pour plus de qualité, de préservation de la nature et de variété.

Un petit instant d’harmonie

Savon à la coupe, packaging papier, utilisation des chutes (le fameux savon Arlequin ou l’usage des paillettes de savon pour parfumer les armoires – excellent pour éloigner les nuisibles type mites) : ici rien ne se perd, tout se transforme… et s’enrichit. Outre les savons, la savonnerie de Bellême propose aujourd’hui des eaux florales, des huiles, des baumes et des crèmes pour le corps et le visage, des shampoings solides, toute une série d’accessoires porte-savon, éponges, gants… ainsi qu’une gamme de produits nettoyants pour la maison.

Concrètement cela donne quoi ? Depuis 6 mois, nous avons adopté ces savons au quotidien, et c’est un régal. Parce que leur qualité est indéniable, parce qu’ils n’irritent pas (nous avons tous au sein de la team ARTchemists des terrains atopiques, des peaux fragiles, pourtant aucune réaction). Et puis il y a le petit plus : le bien-être mental. Ces savons, quand on les respire, quand on les touche, offrent une véritable expérience de pleine conscience, une sorte de réancrage agréable dans le réel, un petit instant d’harmonie, une minute de lâcher-prise.

Dans un monde moderne devenu fou, synthétiser en un savon un produit éco-friendly, made in France, de qualité, abordable (5,90€) et qui fait du bien au mental et au moral, c’est un luxe à portée de main. Pour celles et ceux qui s’aventureraient jusque dans le Perche (vous verrez, l’équipe est adorable, l’ambiance agréable) mais aussi pour les internautes qui n’ont qu’à cliquer pour consulter le site de la Savonnerie et y faire leurs emplettes.

Cet article Savonnerie de la Chapelle, l’art du savon au naturel est apparu en premier sur The ARTchemists.

Carmen : 150 années de bonheur pour la gitane la plus célèbre du répertoire lyrique ! Happy birthday !!!! Icône féministe sacrifiée sur l’autel du masculinisme crasse, l’héroïne que Bizet a piqué à Mérimée fait encore et toujours tourné les cœurs et les têtes. Passons sur le nombre de metteurs en scène qui l’ont déclinée à leur sauce, la foultitude de cantatrices qui lui ont prêté leur voix. La question est : pour celles et ceux qui n’ont qu’une vision très floue de la chose, quelle version est la plus adaptée pour s’y mettre et savourer au mieux ce magnifique et si terrible opéra ? A mon sens il n’y a que le Carmen de Francesco Rosi.

Une sordide histoire de féminicide

Déjà un petit pitch pour les néophytes : nous sommes en Andalousie au XIXe siècle. Don José est un brigadier sans histoire. Il est censé épouser la jeune et innocente Gabriella, sa petite voisine de village. Mais c’est sans compter avec la superbe, impétueuse et indomptable Carmen. Le militaire croise la sulfureuse gitane qui travaille dans une fabrique de cigarettes juste à côté de sa caserne. Il l’arrête après qu’elle ait agressé une de ses collègues.

Elle le séduit, il la laisse s’échapper, est puni pour sa négligence. Deux mois de mitard plus tard, il retrouve la belle qui se donne à lui. Une grande histoire d’amour qui ne va guère durer. Carmen le quitte. Don José, fou de désespoir et de frustration la tue au sortir des arènes. Fin de l’histoire. Cela tient sur un timbre poste, c’est une sordide histoire de féminicide.

Une reconstitution réaliste

Sauf que Bizet en a fait un chef-d’œuvre. Un opéra de toute beauté, passionné, mordant, prenant aux tripes, dont les airs vrillent le cerveau, restent en mémoire. Un opéra qui transpire l’Espagne de Goya, la fièvre andalouse, un vent de liberté, de folie. En 1984, Francesco Rosi, cinéaste italien de renom à qui l’on doit Le Christ s’est arrêté à Eboli et Main basse sur la ville, met en images cette histoire en la replaçant dans son cadre initial : l’Andalousie. Et c’est juste génial.

Son Carmen respire la poussière, le soleil ardent, les ombres des oliviers, le parfum des roses, la nuit épicée et torride, les échos du flamenco. La culture ibérique, vivante et passionnée, transparaît dans chaque cliché, chaque paysage, chaque décor. Ce travail de reconstitution impressionnant mise sur le réalisme : pas d’ouvrières en beaux costumes mais en guenilles, les arènes du dernier acte sont celles de Ronda, d’époque. Et ainsi de suite.

Une approche à la fois crue et enivrante

L’effet est d’autant plus sidérant que le casting est crédible, porté par la direction de Lorin Maazel qui mène l’Orchestre National de France dans une version ample, énergique, parfaitement enregistrée. Placido Domingo est plus que crédible dans le rôle d’un Don José complètement dépassé par cette amour qui le frappe et le bouffe de l’intérieur, Ruggiero Raimondi a la morgue et l’élégance d’Escamillo. Et pour incarner Carmen, Julia Migenes-Johnson, fine, brune, sourire ravageur, allure provocante, voix envoûtante.

Un trio de très grands interprètes pour une approche naturaliste, tout à fait vraisemblable. Qu’on se souvienne du moment où Carmen et ses amies viennent prier une statue de la Vierge qui pleure : la manière dont elles l’encouragent, leurs cris de joie, les fleurs qu’elles lancent, la pauvreté de leur mise qui contraste avec leurs sourires, c’est là la volonté de vérité du cinéaste qui propose une approche à la fois crue et enivrante de ce mythe.

Tout le film est à l’encan. Saturé de couleurs, de saveurs, de parfums. Traversé d’une sensualité incroyable, d’une violence à fleur de peau. Et qui donne vie à cette incroyable héroïne, à sa soif de liberté, son refus de la domination, quelle qu’elle soit.

Cet article Carmen selon Rosi : un regard naturaliste et bouleversant est apparu en premier sur The ARTchemists.

Bon sang ne saurait mentir. Petite fille du maître, nièce de Roman et Sofia Coppola, Gia Coppola tire son épingle du jeu en affirmant un style intimiste très particulier. Son troisième film The Last Showgirl déroule une introspection douloureuse, sur fond de nostalgie, de temps qui passe inéluctablement. Toile de fond : Las Vegas. Au cœur du sujet : une danseuse de revue contrainte à la retraite. En première ligne, Pamela Anderson, à contre-courant… à moins que…

Le Razzle Dazzle ferme

Shelly Gardner est danseuse de revue. Une danseuse aguerrie, qui a fait les grandes heures du Razzle Dazzle. Depuis trois décennies, elle est la star du spectacle de ce cabaret jadis indissociable de l’aura de Sin City. Un jour, elle apprend que le cabaret va fermer ses portes. Plus assez de spectateurs, plus d’attractivité. Quinquagénaire, Shelly voit poindre le spectre du chômage, la prise de conscience aussi brutale que soudaine qu’elle est trop vieille pour persister dans cette carrière où les femmes sont obsolètes à trente ans.

Ce douillet cocon s’effondre, tandis que Shelly fait le bilan d’une vie intégralement consacrée à la scène : elle qui a tout sacrifié à sa carrière, se retrouve confrontée aux ruines d’une existence vouée à l’illusion des strass, des plumes, des dorures. Tout est-il factice ? Pas de mari, une fille qu’elle a délaissée, des amies aussi fragiles qu’elle… Vers Shelly va-t-elle se tourner pour rebondir ? Pour conjurer la précarité qui menace, la vieillesse inéluctable ?

Un parfum d’authenticité qui n’a rien de glamour

Gia Coppola construit son film comme un album de souvenirs scintillants traversé de réalités bien moins glamour. Plongée dans les coulisses, interactions entre les danseuses, auditions frustrantes, cette mise à la retraite forcée a un parfum d’authenticité qui dérange. Il ne fait pas bon être une showgirl en fin de carrière, comme en témoigne le devenir d’Annette, une amie de Sheryll, ancienne danseuse de la troupe, contrainte pour survivre de devenir serveuse de casino.​ Si les hommes s’en tirent mieux, dixit l’avenir d’Eddy, régisseur de plateau, ancien amant de l’héroïne, qui continuera de travailler dans le spectacle, les artistes, elles, ont une date de péremption.

Le propos est pénible, prenant. Les plans, à l’esthétique de vieux polaroid, illustrent la détresse profonde de ces femmes qu’on a exploitées jusqu’à la moelle, qu’on jette sans pitié quand elles sont jugées trop flétries. Difficile de ne pas penser à The Substance, à cette différence près que Sheryll est bien plus pacifique et soumise qu’ElizaSue. Pamela Anderson ici se met à nu : pas de maquillage, l’œil perdu, une voie de gamine paumée… l’ex actrice phare d’Alerte à Malibu prête à son personnage une intensité certaine, une candeur trompeuse. Douce, souriante, mais à l’intérieur, elle sait le sort qui l’attend.

Un idéal complètement faussé

Ce sort est incarné par Annette, somptueuse Jamie Lee Curtis, qui plante une femme flétrie, rongée par sa rancœur, ses addictions, fière néanmoins, nostalgique de sa gloire passée, lucide. Autre surprise : Dave Bautista dans le rôle d’Eddie, personnage complexe piégé entre son rôle de manager chargé de liquider ce qui reste à liquider et son empathie pour ces filles qu’il aime, qu’il fréquente au quotidien, dont il sait les forces, les faiblesses, le talent, la dévotion.

D’aucuns ont trouvé le film inabouti. Ce n’est pas son but : il s’agit plus de nous baigner dans une atmosphère, un cheminement intime, une détresse personnelle face à la dureté d’une profession qui s’avère bien moins épanouissante qu’il y paraît. Paraître justement : c’est peut-être le fond du problème. Sheryll a-t-elle eu du succès car elle était une danseuse hors pair ou parce qu’elle était belle et bien faite ? La question est posée, et le personnage la prend en pleine figure comme une gifle. Une révélation ? Des œillères qui tombent ? Une vérité tragique ? Chacun.e verra la chose à sa manière. Ce qui est sûr, c’est que le message est inconfortable, dérangeant, car révélateur d’un idéal complètement faussé.

Cet article The Last Showgirl : plumes, strass et déprime … est apparu en premier sur The ARTchemists.

Romain Slocombe, nous en avons déjà parlé avec La Débâcle. Ce récit évoquait l’Exode dans toute son horreur, sa folie, et il nous avait particulièrement marqués, par sa justesse, sa documentation, sa perception aiguë d’un effondrement social, moral. Fin connaisseur des heures sombres de la Seconde Guerre mondiale et de l’Occupation, Slocombe n’a pas son pareil pour explorer cette période complexe. Il le prouve de nouveau avec Une sale Française. Publié en janvier 2024, ce roman fondé sur une histoire vraie retrace le destin croisé de deux femmes aux identités troublantes, éclairant ainsi les univers, les logiques de la Collaboration et de la Résistance. Et leur étrange proximité.

Manipulation, dénonciation et meurtre

L’histoire s’articule autour d’Aline Beaucaire. Nous sommes en pleine guerre : cette Alsacienne est employée dans un hôtel allemand. C’est que l’Alsace a été annexée par le Reich. La jeune femme, bien que mariée à un prisonnier de guerre et mère d’un petit garçon qu’elle a laissé en garde à ses parents, tombe amoureuse d’un pilote, aussi séduisant que mystérieux, trempant visiblement dans des histoires louches. Affabulateur ? Malfrat ? Espion pour le compte des nazis ? Agent double ?

Ensemble, ils franchissent clandestinement la ligne de démarcation, rêvant de rejoindre Alger via Marseille. Marseille où ils s’arrêtent, fréquentent la pègre, collabo ou résistante, renouent au fil des jours avec des connaissances peu recommandables qui laissent dans leur sillage un parfum de manipulation, de dénonciation et de meurtre qui touche les opposants au nazisme réfugiés dans la cité phocéenne.

Une documentation historique solide

Leur périple prend une tournure dramatique quand Aline, arrêtée comme son amant, est confrontée à des accusations graves : les enquêteurs français la soupçonnent d’être la « Panthère rouge », espionne pour le compte de la Gestapo. À moins que la dame, un peu trop naïve, ne soit victime des circonstances, d’une paronymie totalement hasardeuse, mais aux conséquences tragiques ? Vérité ? Mensonge ? Aline est-elle celle qu’elle prétend ? Slocombe laissera son lecteur en proie au doute jusqu’à la dernière page.

Ce faisant, il lui permet de plonger au cœur même des opérations d’infiltration menées par les services de renseignement nazis au sein des territoires occupés. Ce n’est rien de dire que l’époque est troublée, qu’on ne peut faire confiance à personne. Méthodique, Slocombe s’appuie sur une documentation historique solide : rapports de police, archives déclassifiées, alternent avec les explications de l’héroïne, lettre après lettre. La chronologie dévoile un récit au long cours, qui s’étale jusque pendant l’Épuration, dans un temps où il est difficile de recueillir les témoignages, de recouper les informations.

Zones grises et introspection

Doucement pourtant, le tableau se précisera. Et l’intrigue policière se doublera progressivement d’une réflexion sur la manière dont la nature humaine s’adapte face à l’adversité : choix moraux ambigus, zones grises de la collaboration et de la résistance, Slocombe s’éloigne des clichés manichéens pour proposer un portrait plus nuancé d’un pays occupé où chacun cherche à survivre avant tout. Difficile, en parcourant ces lignes, de ne pas s’interroger : qu’aurions-nous fait à la place d’Aline ?

Cette introspection est renforcée par une écriture incisive, qui croise les informations, multiplie les points de vue, joue avec les convictions du lecteur. Il ne s’agit pas seulement de réveiller le souvenir d’une personne, d’une époque, mais d’en faire ressentir les problématiques, les doutes, les contradictions. La menace est là, et le lecteur la ressent tandis qu’il s’interroge sur l’identité, le caractère d’Aline dont on n’arrive jamais à déterminer si elle est une idiote qui se fait manipuler ou une espionne de la pire espèce.

Avec Une sale Française, Romain Slocombe confirme son talent pour explorer les recoins obscurs de l’histoire française. Ce roman, profondément perturbant, nous emporte de l’autre côté du miroir, loin des élans héroïques, de la volonté de liberté, pour questionner la veulerie au quotidien, la bêtise, l’aveuglement banalisés. On aimerait cracher sur Aline et sa niaiserie, mais au final, nous n’aurions peut-être pas fait mieux.

Cet article Une sale Française : confessions d’une espionne… ou d’une victime ? est apparu en premier sur The ARTchemists.

Impossible d’évoquer l’univers de la mode sans citer Karl Lagefeld. Énigmatique par-delà la mort, ce touche-à-tout de génie a hypnotisé les podiums des années durant, laissant dans son sillage un parfum de talent, de succès et de mystère. Rien d’étonnant donc à ce qu’on lui consacre moult biographies… et une série télévisée intitulée Becoming Karl Lagerfeld.

Survivre dans la fashion jungle

Inspiré du livre Kaiser Karl de Raphaëlle Bacqué (qui a rejoint l’équipe de scénaristes Jennifer Have et Isaure Pisani-Ferry), Becoming Karl Lagerfeld revient sur l’émergence du couturier depuis ses débuts chez Chloé jusqu’à son recrutement par Chanel. Objectif : autopsier une trajectoire pas si fulgurante que cela. Car il fallut beaucoup de patience à Karl pour devenir Lagerfeld. Beaucoup de patience, de flair, de sens des affaires et de la manipulation. Talentueux ô combien, Lagerfeld va devoir trouver sa place, tracer sa route, imposer sa vision.

Face à lui, la main mise esthétique et économique de l’empire Yves Saint Laurent, cornaqué par un Pierre Bergé retors et sans pitié, qui a la main mise sur le monde de la haute couture et compte bien en régir les règles. Tous les coups sont donc permis. Les six épisodes de la minisérie donnent à voir les efforts considérables déployés par Lagerfeld pour se frayer un chemin vers la réussite, la reconnaissance puis la célébrité, des efforts souvent doublés de ruse et de rouerie. Condition sine qua non pour survivre dans la fashion jungle d’alors.

Récit d’une lente initiation

Becoming Karl Lagerfeld porte bien son titre ; il s’agit de raconter une lente initiation, une adaptation complexe, ponctuée d’entreprises, réussies ou avortées, autant de coups de communication orchestrés avec brio souvent, décevants parfois, pédagogiques à coup sûr. Si l’on voit Lagerfeld en train de créer, dessinant modèle sur modèle, organisant les défilés, habillant les modèles, on l’observe surtout en train d’expliquer, de négocier, de convaincre. Et d’apprendre. De tirer des enseignements de ces échecs qu’il s’efforce de transformer en victoires.

Malgré une fortune familiale conséquente qui le met à l’abri du besoin, l’appui d’une mère aimante bien que sévère, Lagerfeld galère. Souvent. S’entête. Toujours. S’impose au final. Élégant, racé, détaché, lisse en apparence, fortement secoué au tréfonds de son être par les coups du sort. Pour incarner ce personnage hors normes, Daniel Brühl. Exceptionnel. Un choix parfait pour une interprétation au scalpel, nuancée, précise, et qui jamais ne sombre dans le grotesque ni le ridicule, encore moins l’invraisemblable. L’acteur allemand propose une prestation d’une justesse sidérante.

Jacques de Bascher et Yves Saint Laurent

Et cela sert grandement la série, jusque dans l’évocation d’une vie privée qui demeure à ce jour une énigme. La relation avec Jacques de Bascher continue d’interpeler. Amour platonique ? Jeu de domination ? Becoming Karl Lagerfeld laisse sous-entendre que le couturier eut un regard ambigu sur ce protégé qu’il adore, qu’il pousse à évoluer, mais que dans l’ombre, il jalouse. Jacques de Bascher apparaît ici fragile et autodestructeur, déstabilisé par une passion qui demeure de l’ordre du sentiment. Théodore Pellerin prête sa grâce, sa nonchalance, sa finesse au personnage, crevant littéralement l’écran à chacune de ses scènes.

Idem pour Arnaud Valois, Yves Saint Laurent dépravé et explosif, qui poursuit Bascher de ses assiduités, qui envie la rigueur prolifique de Lagerfeld, ancien ami devenu rival. Alex Lutz plante un Pierre Bergé féroce, qui est prêt à tout pour protéger son génial amant et la maison de couture qu’ils ont créé ensemble. Tâche complexe menacée par un Lagerfeld qui doucement, mais sûrement déploie son génie, prend son envol, gagne en puissance et en visibilité.

Un monstre sacré en devenir

Sens du look et de la performance, mise en scène de son identité, Lagerfeld apparaît ici comme un monstre sacré en devenir, qui manipule le style et l’élégance comme les esprits et les attirances. Le travail de reconstitution des créations et des tenues, le souci apporté aux costumes, aux gestes, aux dialogues, la volonté de recréer l’atmosphère toute particulière des années 70/80 qui ont contribué à l’émergence de ce mythe, tout dans Becoming Karl Lagerfeld participe à en faire une série de qualité, juste dans sa vision d’une carrière, d’une époque, d’un milieu.

Et sans faire l’économie des sentiments. Car Lagerfeld eut aussi une vie affective, avec ses joies et ses chagrins : la perte de la mère, l’amour qu’on ne peut pleinement vivre. Tout cela est évoqué avec beaucoup de pudeur, y compris la soif absolue de reconnaissance, le besoin quasi organique d’imposer une conception du vêtement et de la mode qui allait se révéler visionnaire et durable, car ancrée dans le vivant.

Cet article Becoming Karl Lagerfeld : chronique d’une soif de reconnaissance est apparu en premier sur The ARTchemists.

On l’a vu à l’œuvre devant la caméra, dans Californication, A vif ou Mad Max: Fury Road. Avec Blink Twice, c’est derrière l’objectif que se glisse Zoë Kravitz, pour nous asséner un récit foudroyant qui percute l’actualité de la manière la plus viscérale. Au cœur de son film, la thématique du viol. Mais pas n’importe quel type de viol.

Paradis, luxe… et drogues à gogo

Pitchons la chose : jeune, belle, ambitieuse, Frida végète dans un job de serveuse, jusqu’au jour où sa trajectoire croise celle du milliardaire de la tech Slater King. Apparemment hypnotisé par la demoiselle, ce dernier l’invite ainsi que son amie Jess et d’autres connaissances pour un week-end sur son île privée. L’endroit est paradisiaque, le luxe omniprésent : piscine de rêve, chambres somptueuses, champagne grand cru à la framboise, mets raffinés, parfums précieux, robes blanches griffées… et drogues à gogo.

Dans ce joli petit vaudeville où chacun flirte allègrement, le temps s’efface dans une atmosphère de plénitude lascive qui a tout de l’hébétude. Mais de petit signe en petit signe, Frida commence à s’inquiéter, surtout quand son amie disparaît. Qu’a-t-il bien pu arriver à Jess ? Pourquoi Frida et ses compagnes de jeu ont-elles ce sentiment d’oubli, des réminiscences comme des flashes mémoriels aussitôt gommés par l’abrutissement de substances dont elles peinent à définir la nature ?

Conte horrifique et déferlement de barbarie

Que leur fait-on absorber exactement et de quelle manière ? A quelle fin ? Pourquoi ces traces de coups sur leurs corps, ces courbatures, cette sensation de déjà vu ? La gentillesse de leur hôte est-elle sincère ? Autant de questions que Frida et ses camarades redoutent de se poser ; car, elles le pressentent, quand elles obtiendront leurs réponses, ce sera pour plonger dans l’horreur absolu, un déferlement de barbarie, un règlement de compte atroce.

Avec autant de dynamisme que de conviction, Zoë Kravitz signe là un premier long-métrage tout à fait honorable, doublé d’un conte horrifique qui jongle avec le revenge porn de manière on ne peut plus plausible. Naomi Ackie plante une Frida ô combien crédible, Channing Tatum tisse un Slater King effrayant et insondable. Christian Slater, Geena Davis, Kyle MacLachlan, Haley Joel Osment, Simon Rex… le casting autour d’eux est impeccable.

De la fiction à la réalité

Il fallait cela pour camper une histoire aussi terrible, dont on pourrait se dire qu’elle est un brin tirée par les cheveux si elle ne venait percuter de plein fouet l’actualité judiciaire française, secouée par le procès de Mazan. Quand elle commence à travailler sur le scénario en 2017, Zoë Kravitz a plutôt en tête l’affaire Weinstein et le mouvement #MeeToo. Difficile en regardant les séquences de ne pas non plus évoquer Epstein et la manière dont il se fournissait en jeunes filles pour alimenter les orgies organisées dans ses propriétés.

Mais le propos central de Blink twice étant la question de la soumission chimique (je n’en dis pas plus de peur de spolier), on scrute forcément ces images avec en tête le martyre subi par Gisèle Pelicot, que son époux droguait pour la livrer ensuite complètement inconsciente à des inconnus qui abusaient d’elle sans aucun scrupule. Hasard du calendrier, le film sort au moment où le procès de Mazan bat son plein. Difficile de ne pas faire le rapprochement et de trembler en imaginant que la réalité se calque ainsi sur la fiction.

Je n’en dis pas plus, vous jugerez par vous-même. En ce qui me concerne, Blink twice constitue un premier film réussi, de par la qualité des plans, de la photographie, de la direction d’acteur ; quant au scénario, il traite de manière coup de poing la question de l’exploitation sexuelle de la femme et du féminicide, dans ce qu’elle peut avoir de plus dégradant et odieux. Non, il n’y a pas viol et viol, et c’est tout le propos que d’en faire prendre conscience le spectateur.

Cet article Blink twice : un conte horrifique qui percute la réalité est apparu en premier sur The ARTchemists.

Au cœur de Milly-la-Forêt, berceau historique des plantes médicinales en France, se trouve une boutique unique en son genre : Milly Menthe. Ce magasin d’herboristerie est un véritable hommage à la richesse botanique de la région, où les traditions anciennes se mêlent aux besoins contemporains de bien-être.

L’expertise des plantes et de leurs bienfaits

Une herboristerie est un commerce spécialisé dans la vente de plantes médicinales et de produits naturels dérivés des plantes. Historiquement, ces lieux étaient fréquentés par ceux cherchant des remèdes naturels pour améliorer leur santé. Les herboristes sont de véritables experts des plantes et de leurs bienfaits. Ils conseillent les clients en fonction de leurs besoins, qu’il s’agisse de soulager un trouble de santé, de stimuler l’énergie, ou de favoriser la relaxation.

Bien que confrontée à la médecine conventionnelle, l’herboristerie moderne connaît un regain d’intérêt. Elle propose des produits respectueux de la nature, souvent bio, qui répondent aux préoccupations actuelles pour une consommation plus saine et plus durable. Quoi de plus normal donc d’en trouver une à Milly-la-Forêt, qui se distingue par son Conservatoire des plantes et sa chapelle Saint-Blaise des Simples ?

Un ancrage dans le terroir local

Milly Menthe se singularise par son ancrage dans le terroir local, puisque Milly-la-Forêt est depuis longtemps reconnue pour la culture des plantes à parfum et médicinales. Ce magasin est l’aboutissement d’une passion pour la nature et les vertus des plantes, qui sont cultivées et sélectionnées avec soin.

La boutique propose une large gamme de produits, allant des infusions (une gamme de rooibos d’exception notamment) aux huiles essentielles, en passant par les épices, les bonbons (leurs guimauves sont délicieuses) et les cosmétiques naturels. Les stars de la boutique ? Les plantes emblématiques de la région, principalement la menthe poivrée de Milly, réputée pour sa fraîcheur intense et ses vertus apaisantes. Cette menthe est utilisée aussi bien en infusion qu’en aromathérapie ou même en cuisine, pour parfumer vos plats avec une note locale et rafraîchissante.

Une expérience sensorielle

Visiter Milly Menthe, c’est aussi une expérience sensorielle unique. Dès que vous entrez, les senteurs naturelles vous enveloppent, créant une atmosphère à la fois apaisante et revitalisante. Vous pourrez toucher, sentir et goûter les produits, tout en bénéficiant des conseils d’experts qui vous aideront à faire le bon choix selon vos besoins.

En somme, Milly Menthe vous propose un retour aux sources, une célébration de la nature et des plantes, dans un cadre où la tradition rencontre l’innovation. Un détour par cette herboristerie vous offrira non seulement des produits de qualité, mais aussi un moment de détente et d’inspiration. Que vous soyez un adepte des herbes médicinales ou simplement à la recherche d’une alternative naturelle aux produits industriels, l’équipe de Milly Menthe est là pour vous guider.

Pour en savoir plus, consultez le site de Milly Menthe.

Cet article Herboristerie Milly Menthe : entre saveurs, tradition et nature est apparu en premier sur The ARTchemists.