Les contes de fées nous ont bercés pendant l’enfance, nous offrant des histoires de princesses, de magie et de fins heureuses. Mais derrière les adaptations colorées et moralisatrices des studios Disney ou des livres jeunesse, il existe une toute autre réalité : celle des contes d’origine, souvent sombres, cruels, tragiques. C’est cette vérité que Lou Lubie choisit de nous présenter dans son livre Et à la fin, ils meurent : La sale vérité sur les contes de fées, publié en 2021. Avec un humour noir décalé, l’auteure et illustratrice nous emmène dans un voyage fascinant au cœur des histoires oubliées.

Les contes revisités : retour aux sources

Lou Lubie revisite des contes emblématiques comme Cendrillon, La Petite Sirène, Blanche-Neige, ou encore Hansel et Gretel, en explorant leurs versions d’origine. Ces histoires, popularisées par les Frères Grimm ou Hans Christian Andersen, sont très éloignées des adaptations douces et sucrées que nous connaissons aujourd’hui. Au lieu de fins heureuses et de récompenses pour les gentils, les versions originales de ces contes mettent souvent en scène des punitions cruelles, des choix tragiques, des épreuves d’une grande brutalité.

Ainsi, La Petite Sirène selon Andersen n’obtient pas l’amour du prince et finit par se transformer en écume de mer, un destin bien différent de celui que nous connaissons dans la version Disney. Lou Lubie met en lumière cette cruauté sur un ton humoristique, jouant ainsi sur le contraste entre les attentes des lecteurs modernes et la réalité de ces contes anciens.

Déconstruire les attentes

Le livre adopte un ton décalé pour raconter ces histoires sombres, rendant la lecture accessible et amusante malgré la noirceur des récits. Lou Lubie ne se contente pas de raconter les versions d’origine des contes, elle les analyse et les tourne en dérision, questionnant au passage la manière dont les histoires ont été édulcorées au fil des époques.

Les illustrations en noir et blanc, ponctuées de touches de couleur stratégiques, renforcent cet aspect ironique tout en créant une atmosphère ludique. Chaque conte permet à l’auteure de jouer avec les codes, de nous surprendre, de déconstruire les attentes que nous avons vis-à-vis de ces histoires que nous pensions connaître.

Interroger les adaptations modernes

En plus de révéler la face sombre des contes de fées, Et à la fin, ils meurent dresse une critique implicite des adaptations modernes, notamment celles de Disney, qui ont choisi de transformer des histoires souvent tragiques en récits mignons adaptés pour les enfants. Lou Lubie interroge ce besoin de réécrire les contes pour les adoucir, voire les édulcorer.

Cela en dit long sur notre rapport à la peur, à la violence, et aux morales complexes. Les contes originaux étaient pensés comme des avertissements, des leçons brutales sur la vie et ses dangers. En les adoucissant, nous avons perdu une partie de leur essence, et c’est cette essence que Lou Lubie tente de réhabiliter avec humour et malice.

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Une fois qu’on a bouclé Les Tudors, on se sent un peu seuls, faut bien le reconnaître. Et on se dit surtout : et après ? Et après ????? On déboule rapido sur le premier épisode de l’excellent Becoming Elizabeth.

Deux concurrentes potentielles

Becoming Elizabeth débute sur le cercueil d’Henry VIII qu’on embarque sous une pluie nocturne et grasse pour sa dernière demeure. Dans le même temps, course contre la montre pour récupérer son fils et héritier, le frêle et très jeune Edward VI (Oliver Zetterström) afin de le faire couronner fissa, avant qu’un potentiel complot ne vienne placer quelqu’un d’autre sur le trône (sport favori des nobles anglais depuis la guerre des Roses, lisez Richard III de Shakespeare, c’est très bien expliqué et en plus c’est juste génial).

Bref, pour éviter une éventuelle guerre de succession (et de perdre le pouvoir sur lequel il a la main en tant de Lord protecteur), Somerset (John Heffernan), oncle du gamin, met les bouchées doubles, s’assurant au passage des deux sœurs aînées du roi, Mary Tudor (Romola Garai), fille de Catherine d’Aragon, et Elizabeth, rejetonne d’Ann Boleyn. Deux concurrentes potentielles, qui sont passées du statut de princesse officielle à celui de bâtarde et vice versa au gré des lubies du défunt monarque dont les colères, la brutalité et les revirements étaient légendaires.

Une jolie rouquine de 14 ans

C’est justement sur Elizabeth (Alicia von Rittberg) que nos yeux se posent, jolie rouquine, intelligente et cultivée, une petiote de 14 ans mimi comme tout, qui se retrouve en garde chez sa belle-mère, Catherine Parr (Catherine Parr), veuve d’Henry VIII et nouvellement mariée à Thomas Seymour (Tom Cullen), frère de Somerset et son amoureux de longue date (qui a dû céder le champ au souverain, on ne l’ouvre pas quand Henry VIII décide d’épouser une nana, surtout la sienne, on dit oui et on s’écrase, sinon c’est l’échafaud). Bon à ce stade, vous êtes paumé.e, et vous n’êtes pas seul.e. Elizabeth la première est un brin perdue dans la frénésie de ce nouveau règne qui s’annonce incertain.

Et c’est là que le titre de la série showrunnée par Anya Reiss prend tout son sens. Ce que personne ne sait à ce moment, excepté nous spectateurs qui connaissons un peu l’Histoire/histoire, et avons lu le texte précédant le générique de fin des Tudors, c’est qu’Elizabeth est appelée à régner, à régner longtemps et avec brio, inaugurant ce qu’on appellera par la suite l’Age d’Or élizabethain. Sauf que ça ne va pas se faire sur un claquement de doigts, bien au contraire. Pour tout dire, la gosse va en chier pour parvenir au trône. Et risquer sa vie plusieurs fois avant, à son corps défendant du reste.

Exploser le mythe de Gloriana

Ce qui va forger à la fois son caractère, mais aussi son sens critique, son instinct politique, sa rigueur, son sens des priorités. Avec un Thomas Seymour beau gosse, séducteur, querelleur et ambitieux qui lui tourne autour, la pauvre petite va avoir du mal à se protéger. Clairement, la série fait exploser le mythe de Gloriana, la Reine Vierge mariée à l’Angleterre. Pour survivre, pour sortir de cette image de fille de la Grande Putain, pour échapper aux mariages forcés, aux séducteurs/violeurs, pour qu’on ne se serve plus d’elle comme d’un pion sur l’échiquier du pouvoir, Elizabeth va devoir ruser. Quitte à trahir.

Son amour. Son frère. Sa sœur. Sa belle-mère. La petite Jane Grey (Bella Ramsey) qui est sa camarade de jeu mais qu’elle va rudoyer verbalement et sans pitié. Mentir ou dire les choses. Cacher ses sentiments. Observer en retrait. Apprendre dans le silence. Parler au bon moment et avec les bons mots pour faire ployer l’interlocuteur. Psychologie, connaissance de l’âme et des perversions humaines : la leçon sera rude mais nécessaire pour cette future souveraine qui apprend sur le tas, en composant avec son statut de femme considérée comme inférieure dans un univers patriarcal sans aucune pitié.

Une fratrie déchirée

Abordé avec beaucoup de finesse, cette initiation politique se double d’une douloureuse prise de conscience : cette fratrie est déchirée entre amour fraternel intense et rivalité de pouvoir. Edward, trop jeune pour régner, écrasé par la figure paternelle de ce roi tout puissant, qui essaye de l’imiter, qui fait tout de travers, ado colérique et instable, fragile, complètement perdu ; Mary l’aînée, enkystée dans sa foi catholique jusqu’au fanatisme pour porter le souvenir de sa mère défunte, soumise à la discrimination la plus abjecte, paranoïaque à juste titre quand on considère tout ce qu’elle a subi. Elizabeth est entre eux deux, tout aussi abîmée, considérée comme une traînée, portant la faute de sa mère suppliciée alors qu’elle aussi est une victime du système.

Tous trois sont touchants dans leurs échanges, cherchant à se protéger comme ils le peuvent les uns les autres, se mettant en péril malgré leur bonne volonté, leur désir de bien faire en fonction de leur foi. Car l’élément religieux est ici crucial. Mary, élevée dans la foi catholique, veut ramener l’Angleterre anglicane dans le giron de l’Église ; Edward, protestant, veut qu’on aille plus loin dans la conversion de son pays. Et l’affrontement de surgir à tout moment, au détour d’une conversation. Même quand Edward tombe gravement malade, que ses sœurs s’épuisent à le soigner, à le veiller avec un amour sincère.

C’est là l’intérêt de la série que de mettre en avant le caractère humain de cette tragédie à l’oeuvre. Ces enfants vont pâtir des décisions d’adultes obsédés par la prise du pouvoir et prêts à tout pour y parvenir, y compris sacrifier des mômes innocents et qui n’ont rien demandé. L’idée affleurait dans Les Tudors, ici elle nous saute au visage et cela n’a rien d’agréable. D’autant que la série ne connaîtra pas de second volet, ce qui est franchement regrettable car elle était cohérente, originale et d’excellente qualité, explorant une période peu connue mais essentielle de l’Histoire.

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La Fille dans l’écran : Manon Desveaux et Lou Lubie signent là une œuvre singulière et touchante. Publié dans la collection Marabulles chez Marabout, Leur roman graphique explore avec sensibilité les liens entre deux jeunes femmes séparées par l’Atlantique, mais réunies par une rencontre virtuelle. Ce récit très moderne parle autant d’amour que d’intimité ; il capture subtilement l’ère numérique et ses possibilités de rapprochement malgré la distance.

Une rencontre à l’ère numérique

L’histoire raconte la rencontre entre Coline et Marley. Coline est illustratrice, elle vit en France, où elle mène une existence relativement isolée, traversée de doutes professionnels, de questionnements personnels. Marley est photographe ; québecoise, elle se cherche également. Leur destin bascule lorsqu’elles se rencontrent en ligne, via un réseau social.

Cet échange initial inaugure une relation à distance qui transformera leurs vies. À travers l’écran, Coline et Marley apprennent à se connaître, à s’apprécier, à dépasser les frontières géographiques pour tisser une amitié profonde, qui prend progressivement une dimension plus intime et amoureuse. Leurs sentiments évoluent en douceur, au rythme de leurs discussions et de leurs partages d’œuvres artistiques.

Un concept graphique unique

Outre son sujet très contemporain, La Fille dans l’écran se distingue par une approche graphique inédite. Lou Lubie et Manon Desveaux se partagent la narration visuelle : chacune illustre la vie d’une des deux protagonistes. Le style de Manon Desveaux, qui décrit la vie de Coline, est doux et épuré ; Lou Lubie adopte un style plus coloré, plus détaillé pour Marley. La bande dessinée est ainsi structurée en deux parties distinctes, visuellement et narrativement.

Ce procédé renforce l’idée de distance entre les deux personnages, mais aussi leur complémentarité. À travers cet effet de miroir, la BD matérialise le lien virtuel entre Coline et Marley, met en lumière la manière dont leurs univers se rapprochent progressivement. Cette dualité visuelle fait écho à leurs différences géographiques et culturelles, tout en soulignant leur attirance.

Des thématiques universelles et contemporaines

La Fille dans l’écran porte un regard intéressant et positif sur les relations à distance : les relations humaines peuvent s’épanouir grâce aux technologies numériques. La BD interroge avec beaucoup de finesse et de profondeur les émotions, les attentes, et les défis que rencontrent ceux qui se connectent virtuellement. Coline et Marley sont toutes deux à la recherche de leur voie, tant sur le plan artistique que personnel. À travers leurs échanges, elles se soutiennent mutuellement dans leurs doutes, leurs peurs et leurs désirs.

Leurs interactions illustrent le pouvoir des relations humaines dans la construction de soi, au sein d’une intimité numérique. La BD questionne la nature des relations ébauchées à travers un écran. Coline et Marley, malgré la distance, parviennent à créer une intimité émotionnelle et artistique qui transcende la simple interaction virtuelle. L’œuvre soulève la question de la sincérité, de la vulnérabilité et de l’authenticité dans les relations numériques.

Un regard sensible et optimiste

La Fille dans l’écran est une œuvre optimiste qui résonne avec notre époque, à l’heure où les relations en ligne prennent une place croissante dans nos vies. L’histoire de Coline et Marley est porteuse d’espoir, démontrant que les connexions humaines, même virtuelles, peuvent être authentiques et profondes.

Le ton de la bande dessinée, léger et doux, ne sombre jamais dans le pathos. Les dialogues sont réalistes et sensibles, rendant les deux héroïnes extrêmement attachantes. Cette douceur contraste avec certaines bandes dessinées plus sombres, offrant ici un espace d’apaisement et de réflexion positive.

En mêlant habilement intimité, humour, et innovation graphique, Manon Desveaux et Lou Lubie offrent un récit touchant sur la manière dont l’écran, souvent perçu comme une barrière, peut devenir un pont entre les âmes. Accessible, tant par son style graphique que par ses thèmes universels, La Fille dans l’écran explore avec intelligence la manière dont le numérique façonne nos relations personnelles et nos quêtes identitaires. Que vous soyez adepte de bandes dessinées ou simple curieux, c’est une œuvre à ne pas manquer.

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Le Malade imaginaire : une simple pièce de théâtre ? Une comédie classique dans l’esprit du XVIIᵉ siècle ? Oui bien sûr… mais pas seulement, et c’est heureux. L’ultime chef-d’œuvre de Molière frappe par encore et toujours par sa justesse, son mordant. Il continue de résonner avec le public plus de trois siècles après sa première représentation. Écrite en 1673, la dernière comédie-ballet de J.B. Poquelin demeure une critique acerbe et hilarante de la médecine et des travers humains, tout en offrant une réflexion profonde sur la condition humaine.

Une pièce légendaire

Le Malade Imaginaire s’appelle Argan et c’est un hypocondriaque pur jus, obsédé par sa santé, s’entourant de médecins plus charlatans les uns que les autres qui s’ingénient à le soigner par tous les orifices à grand coup de potions absolument ignobles. Des médecins qu’il écoute comme le Messie, et à qui il est prêt à sacrifier la quiétude et le bonheur de ses proches. Satire décapante et un brin scatologique des pratiques médicales de l’époque, la pièce est aussi une exploration des peurs et des obsessions humaines, comme seul Molière est capable d’en écrire une.

Ce qui rend pourtant ce Malade imaginaire si légendaire, c’est son contexte historique. Quand Molière termine son texte, il est affaibli par la maladie. Il meurt d’ailleurs au soir de la quatrième représentation, quelques heures après avoir joué le rôle d’Argan qu’il s’était octroyé, en star de sa troupe. Le fauteuil dans lequel il aurait agonisé sur scène trône d’ailleurs toujours dans l’enceinte de La Comédie-Française, objet de toutes les attentions, de tous les respects. L’anecdote a largement servi de socle à la dimension mythique de l’œuvre.

L’intelligence du texte

Mais au-delà de cette histoire du reste poignante, c’est la pertinence et l’intelligence du texte qui en font une œuvre éternelle. La dernière pièce de Molière se singularise de multiples façons, constituant une somme de son art, de son talent, de la finesse propre à ce bel esprit, témoin de son temps. Bien sûr, Argan s’impose d’entrée de jeu avec ses peurs et ses caprices, ses colères et ses lubies, ses illusions et ses affections : la scène d’exposition où il règle les factures de ses médecins et apothicaires est en soi un moment d’anthologie que tout acteur rêve d’interpréter (Jacques Charon, Michel Bouquet, Guillaume Gallienne… la liste est longue de ceux qui s’y sont illustrés) ; celle où il s’amuse avec sa petite Louison, un sommet de tendresse.

Mais ce héros à plusieurs facettes est également entouré de figures mémorables comme Toinette, la servante rusée et dévouée qui a tout d’un Scapin en jupons, ou encore Béline, la seconde épouse particulièrement intéressée par la fortune de cet époux qu’elle exècre en secret. Et que dire de Diafoirus père et fils ou de M. Purgon dont la tirade en forme de malédiction est un monument littéraire en soi ? Chacun, à sa manière, incarne une facette de la société et de la nature humaine, rendant la pièce aussi diverse qu’amusante, vivifiant une structure par ailleurs rigoureusement façonnée. Car Molière est un magicien qui sait y faire en architecture dramaturgique, alliant comédie, danse et musique pour offrir une expérience théâtrale complète, typique des divertissements qu’on appréciait à l’époque, et qui mêlaient les différents arts, littérature, théâtre, musique, danse, peinture. Les dialogues, vifs, les situations, cocasses, les répliques, ciselées, l’ensemble fait mouche à chaque scène, avec un sens aigu de l’observation et de la satire propre à cette époque de moralistes.

Hypocondrie universelle

Hypocondrie, manipulation, amour, critique sociale sont autant de thèmes abordés avec une grande pertinence, une ironie grinçante et tendre à la fois. Molière se plaît ici à dépeindre une humanité vulnérable et inconstante, comique autant que pitoyable par l’étalage de ses passions et de ses excès. Argan complète une galerie déjà fournie de portraits pittoresques et un peu inquiétants par leur démence : le Bourgeois gentilhomme, l’Avare, Tartuffe… son style inspira à n’en pas douter La Bruyère et ses Caractères. Il y a de quoi : derrière le rire, il y a la violence. Des pères autoritaires et méchants, aveuglés par leur folie au point de sacrifier le bonheur de leurs enfants.

Difficile en contemplant Argan ruiner l’avenir de sa fille pour assurer sa sécurité sanitaire, de ne pas se projeter au présent, tant ces personnages mettent en lumière des vérités intemporelles sur nos comportements et nos croyances. Le Malade imaginaire continue de nous captiver parce qu’il parle de nous tous. La peur de la maladie, la méfiance envers la médecine et les relations familiales compliquées sont des sujets toujours pertinents. La capacité de Molière à rendre ces thèmes universels, à travers le prisme de l’humour et de la critique sociale, fait la modernité inconditionnelle de cette œuvre incomparable.

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En avril ne te découvre pas d’un fil excepté pendant l’édition du Club Humide. Et pour le coup il faudra retirer un peu plus qu’un fil pour tenir le choc et le rythme dans l’atmosphère enfiévrée du Klub. Car nos petits amis du Bragi Pufferfish, en collab avec le collectif With Us, ont encore concocté une prog haut de gamme qui va vous faire fondre !

Fête consciente, bienveillante, consentante et tolérante : c’est toujours la même règle qui régit l’ambiance du Club Humide comme de toutes les soirées orchestrées par la team Bragi. Traduction en français dans le texte et pour celles/ceux qui ne comprendraient encore pas le message : « Pas de comportement sexiste, raciste, LGBTQIA+phobe, grossophobe, validiste« . Cela étant posé, on n’oublie pas non plus qu’une Club Humide party a pour objectif de mettre en avant des talents des platines. Et pour le coup, on est bien bien servi en la matière.

DJ guests ?

À l’affiche, trois DJ guests qui prendront les choses en main pour vous faire tourner dingo sur les danfloors klubiens, j’ai nommé :

• Venu tout droit de Bruxelles, NMSS ( Nemesis pour les intimes) bien décidé à nous flanquer une fessée sonore à coup de mixes déments !

• Egna DJ, tout en finesse et en énergie, un vrai coup de punch !

• Gigi Lamor, prêt à vous fracasser le crâne avec ses bits décadents et ciselés comme une masse d’arme d’amour et de tendresse electro !

B2B ?

Autre temps fort de la soirée, la séquence de B2B. Un exercice de style prisé des connaisseurs, soit 2 DJ qui mixent ensemble, histoire de faire matcher leurs univers, leurs rythmes, leurs inspirations/aspirations. Fonctionneront donc en binôme et pour notre plus grand bonheur :

Julie Desire B2B Lucifer (bragiste désormais connu de vous tous) ce qui amènera à fusionner les deux styles ci dessous :

Transterror B2B Fenouil 2000 (bragiste également), soit la rencontre de ces deux ambiances :

Marso 10 C B2B a440 qui coupleront leurs skills :

Drag show ?

Pas de Club Humide réussi sans show drag.

Pour hoster et performer sur ces rythmes qui le méritent tant, comptez sur :

• la mystérieuse, hiératique et un brin psychopathique (mais toujours avec tact et élégance parce que quand même) Kahlos Ephémère.
• la non moins hiératique, mystérieuse et psychopathique (mais en mode blond) Kressida Kab.

On sera donc sur une dominante dark’n’fantaisy, gothic racé, poésie nocturne et diva des ténèbres, avec le sourire tout de même et la petite touche d’humour qui va avec !

Bref une nouvelle édition du Club Humide qui promet bien des frissons de plaisir !

Et plus si affinités

Pour en savoir plus et préparer votre venue, consultez la page Instagram du Bragi Pufferfish.

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Au firmament des nuits parisiennes, Le Klub a su s’imposer comme une valeur sûre, une étape de rigueur. Eh oui, on ne se baptise par le Klub pour rien, derrière, il faut assurer une prog à la hauteur. Ce que l’établissement réalise avec succès depuis des années, misant sur la mixité des genres, passant du goth à la techno, surfant sur les styles, les tendances pour faire vibrer ses afiscionados jusqu’au bout de la night. Nouveau chapitre dans la geste klubienne : Klubbing Marry.

Un cocktail electro/trance/mental & hard techno bien troussé que les amateurs vont pouvoir savourer pour la première fois ce vendredi 15 mars de 23h59 jusqu’à 6 heures du mat. Au programme pour essuyer les plâtres et animer les deux désormais emblématiques salles du Klub :

Scène K-1

00h-2h : La Modesty (qui assurera aussi le côté performance avec Zanni Lalune)

2h20-3h40 : Klub Kid

3h40-6h : Crever

Scène K-2

1h-3h : Bystander

3h-5h : DJ Sexy

On a parsemé le tout de quelques mixes histoire que vous vous preniez une petite montée de température musicale en pleine face. caliente, isn’t it ? Et particulièrement tentant pour ne pas dire irrésistible… bref, si vous aimez, si vous avez envie de vous vider les méninges et d’aller faire la fête, vous savez désormais où aller !

Et plus si affinités
Pour en savoir plus, consultez la page Instagram du Klub !

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Après Goupil ou Face qui traitait de la cyclothymie, l’autrice Lou Lubie s’attaque à un nouveau sujet délicat, celui du haut potentiel intellectuel. Vaste thématique : enfant précoce, surdoués, sureffecient, zèbre, philo cognitif, HPI… Tous ces termes désignent la réalité des 2,2% d’individus disposant d’un QI supérieur à 130. Une réalité insaisissable : le haut potentiel est auréolé de mystères, d’approximations et de fausses vérités que Lou Lubie s’emploie à explorer avec délicatesse et sensibilité. Avec Comme un Oiseau dans un Bocal – Portraits de surdoués publié chez Delcourt, elle offre aux lecteurs une plongée immersive dans un monde où les esprits singuliers évoluent comme des oiseaux dans un espace restreint.

Une approche unique

Lou Lubie aborde le thème de la précocité intellectuelle en utilisant une approche pertinente, centrée sur l’histoire de personnages attachants. L’oiseau dans le bocal devient une métaphore visuelle puissante en bleu et jaune, pour représenter en couleur et avec fantaisie l’état d’esprit des individus à haut potentiel. La bande dessinée met ainsi en lumière les questionnements, les défis et les relations humaines qui entourent ce phénomène méconnu. Le récit se focalise sur l’amitié entre Birdo et Raya, dont les parcours mêlent les différentes facettes de la vie des personnes HPI. Birdo, conscient de sa précocité depuis son enfance, dissimule sa différence pour éviter les réactions parfois maladroites de son entourage. Raya, de son côté, découvre tardivement son haut potentiel. Leur connexion naissante tisse le fil conducteur de l’histoire, ajoutant une dimension humaine, nuancée et poétique à l’exploration de la précocité intellectuelle.

Un voyage didactique

Comme un Oiseau dans un Bocal ne se limite pas à une simple narration fictive. Lou Lubie intègre habilement des éléments didactiques tout au long de l’œuvre, détaillant l’évolution de la notion d’intelligence, les différentes méthodes d’évaluation, ainsi que les aspects médicaux, psychologiques, comportementaux et sociaux liés à la précocité intellectuelle. On saluera le sérieux du travail de recherche opéré par l’autrice afin de démanteler certaines fausses croyances tout en évoquant les dernières avances scientifiques sur le sujet. Car lorsqu’on cherche à s’informer sur le HPI, on tombe vite dans l’approximation, la croyance et les fausses vérités. Il était donc nécessaire de proposer une approche factuelle et scientifique afin de donner au lecteur une image claire d’un concept trop souvent galvaudé.

Une expérience ludique

Comme un Oiseau dans un Bocal – Portrait de surdoués réussit à transformer un sujet complexe en une expérience artistique riche et instructive. Lou Lubie invite les lecteurs à réfléchir sur la diversité des intelligences et à mieux comprendre la réalité de ceux qui font partie des 2,2%. Une lecture incontournable pour tous ceux qui cherchent à explorer les nuances de la précocité intellectuelle avec empathie et compréhension. J’ai adoré me plonger dans cet ouvrage. Il m’a doublement parlé. En tant que surdoué testé dans ma jeunesse, j’ai apprécié de redécouvrir certains aspects de mon fonctionnement ; même si c’est un sujet que je connais, une piqûre de rappel sur certaines difficultés et leur origine est toujours la bienvenue. Par ailleurs, cet ouvrage parle au psychologue que je suis et qui est en perpétuelle quête d’ouvrages à proposer à mes patients. Didactique, ce livre répond à un besoin d’informer des patients qui parfois n’aiment pas ou ressentent des difficultés à lire. Une approche ludique autour de la narration est vraiment bienvenue !

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« Avec l’ascendant Vierge, vous tendez à vous assagir nettement à la maturité : une vie plus organisée, plus stable (même si elle va à l’encontre de vos grands rêves d’antan…) et beaucoup plus rangée vous tend les bras et vous tombez dedans avec un plaisir non dissimulé. (…) Car finalement, l’ascendant Vierge éteint les feux de la passion avant que vous ne vous brûliez les ailes… »

Dixit Marie-Claire qui n’a visiblement pas eu vent du tsunami techno-lyrico-cyberpop d’Ascendant Vierge. Un échantillon peut-être :

Techno gabbertz et soprano pop gothic

Bienvenue donc dans cette synthèse particulièrement prenante de l’album Une Nouvelle Chance, premier opus tonitruant du duo Paul Seul – Mathilde Fernandez.

• D’un côté donc, un DJ rescapé du collectif Casual Gabbertz, adepte de la techno, de la transe, de la hardcore, de la drum and bass et autres zimboumboum façonnés pour vous secouer les entrailles sur le dancefloor.
• De l’autre, une chanteuse chevronnée, pure émanation de la pop gothique, couplant les arpèges de la soprano, les accents de Mylène Farmer, des textes dignes de la dark culture la plus amère.

Points communs ? Outre un signe zodiacal qui se balade dans les thèmes astros de nos deux loulous, un sens assez prononcé de la compo décapante, mêlant rythme infernal, destructuration des cadences et lyrics à l’acide. Un dialogue entre cadences infernales et voix de cristal, des harmonies envoûtantes, suffocantes, lumineuses malgré des thématiques d’une nostalgie poignante, des mantra de guerrier, des lignes mélodiques fulgurantes.

Un cri de vie

Quatre ans que ça dure, après « Faire et refaire » en 2019, les singles s’enchaînent, « Influenceur », « Discoteca », « Petit soldat », « A l’infini » ; l’EP Vierge en 2020. La pandémie et le confinement les propulsent paradoxalement (mais avec justice) au firmament, accouchant d’un album tout chaud tout beau en ce printemps 2023. Un cri de vie, une exultation de chaque pore de la peau, dixit le remarquable « Je suis un avion », l’inspiré « Lubies », « Juvéniles » et ses méandres, les magnifique « aimer sur le long terme »…

Un très très bel album qui en appelle bien d’autres ? Le duo s’avère solide et fertile, qu’il s’avère de pondre du tube ou de s’éclater sur scène dans des lives haut en couleur. Ascendant Vierge sans passion ? Stable, c’est sûr, créatif, sans conteste, mais sage et dépassionné ? On est loin du compte, et c’est très bien comme ça !

Et plus si affinités

Suivez l’actu et les nouvelles compos d’Ascendant Vierge en consultant :

• le site du groupe
• son compte Instagram
• sa chaîne Youtube

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Que dire, ma foi ? Le Roi Lear est une pièce complexe, pour ne pas dire abrupte, que Shakespeare a parsemée comme à loisirs de zones d’ombre. Jouée en 1606, le Barde y reprend le thème de la folie déjà largement abordé dans Hamlet écrit trois ans plus tôt. Sauf qu’avec Lear, ce n’est plus un prince qui sombre dans une démence plus ou moins feinte, mais un souverain vieillissant qui bascule dans la déraison au point d’y perdre son trône, son royaume, sa famille et sa vie. Un sujet fascinant qui ne cesse de susciter les curiosités comme en témoignent les versions de Schiaretti ou de Wu Hsing-Kuo chroniquées les mois derniers. Et pour cause.

Absurde semble le terme le plus adéquat : il vient à l’esprit dés que ce puissant respecté et valeureux déboule dans sa salle du conseil pour annoncer à la surprise générale qu’il compte partager son pays en trois zones et les distribuer à ses filles … à hauteur de leur amour. Faut-il manquer de sens commun pour commettre pareille bévue, surtout après des années de règne justes et louables ? Absurde, dénué de raison, une lubie, sans aucune signification … absurde : c’est dans cette voie que s’oriente l’exploration d’Olivier Py qui s’est pris de passion pour l’intrigue au point d’en traduire le texte, apportant ses propres ajustements, et une vision pour le moins névrotique de ce long cheminement vers la destruction. Que retenir de ces 2h35 de spectacle ? Qu’elles sont éprouvantes pour les acteurs comme pour les spectateurs, et qu’un public néophyte risque de s’y perdre, cela est certain.

Une épreuve pour les acteurs donc car le jeu est physique, désordonné, sportif même avec des allées et venues constantes sur le long plateau de la cour du Palais des Papes, l’obligation de gravir les marches des murailles praticables, et ce constant affrontement des corps qui amènent certains interprètes à en gifler d’autres sans retenue. Une épreuve pour l’audience car volontairement Py brise les codes, joue avec les nerfs, superpose les différentes actions dans un effet de simultanéité qui souligne le destin en marche, n’hésitant pas à recourir aux réseaux sociaux pour faire communiquer les personnages en direct. Un court circuit dans le destin ? Mais au fait qui est responsable de cette lamentable tragédie, de cette « loi du désastre » ? Lear ? La maladie mentale ? Dieu ? Le diable ? Les courtisans ? Cette fratrie de gamines avides ? Cordelia qui s’enferme dans le mutisme de son propre fait ? « Ton silence est une arme de guerre » décrète Lear devant cette cadette adorée qui tait son amour car elle refuse de mêler affection et pouvoir.

Ballerine immaculée, angélique victime, Cordelia est ici le seul personnage pur et comme un fait exprès elle ne parle pas quand les autres vont se déchaîner en imprécations d’une brutalité confinant à la frénésie. « Ton silence est une arme de guerre » : ton silence … ou ma surdité ? Car Lear est non seulement sourd mais aussi aveugle, et cet autisme va plonger son pays dans le néant, le « rien », incarné sur scène par ce trou creusé au centre d’une arène de boue, et qui avale les corps des victimes comme une bonde d’évier la crasse qui s’y accumule. Match de catch, duel, exécution, torture, … comme la spirale griffonnée énorme sur les palissades du pouvoir, l’action se déroule telle une tornade infernale qui engloutit tout, cette tempête ravageuse, écho des typhons qui dévastent l’âme du vieillard courroucé.

Théâtre de l’absurde, théâtre de l’excès, théâtre de la mort : on évoque Beckett, Ionesco, Kantor dont Shakespeare soudain s’avère l’aïeul et la source. Et les acteurs d’abonder dans ce sens, jusqu’à la souillure de la boue, jusqu’à la nudité totale, jusqu’à l’obscénité … Le Roi se meurt, … mais il rugit avant, entraînant son monde dans le naufrage de son esprit, révélant la démence meurtrière de l’humanité. Comment ne pas penser à la transformation de Rhinocéros quand on voit les filles de Lear prendre des visages de chiennes, érinyes dévoreuses écartant leurs cuisses infécondes ? Comment ne pas penser à Fin de partie en regardant le fou courir sans fin dans son tutu blanc ? Une fin du monde, un asile, une frénésie contagieuse, voici ce que Py dépeint sous nos yeux, sans nous faire grâce d’un seul instant de répit.

Et c’est tant mieux : en ces temps où notre réalité tourne folle, où les valeurs se désagrègent, où la société se corrompt, le théâtre ne doit plus être distraction mais dislocation implacable, provocation constante, un reflet sans concession de cette loi du désastre propre à l’Homme, et qui peut l’attirer si bas en détruisant tout sur son passage.

Et plus si affinités

http://www.festival-avignon.com/fr/spectacles/2015/le-roi-lear

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