Un paradoxe apparent

Un danseur classique sait s’échauffer. Il connaît son corps depuis l’enfance, a appris à le placer, à l’écouter, à en respecter les limites — en théorie du moins. Un musicien professionnel a passé des milliers d’heures à travailler sa posture, son geste, la qualité de son toucher. Un sculpteur manipule la matière avec une conscience aiguë des tensions dans ses mains, ses avant-bras, ses épaules.

Et pourtant : la prévalence des TMS chez les musiciens professionnels pourrait atteindre 89 %, contre 74 % chez les amateurs — des taux nettement supérieurs à ceux de la population générale, qui se situent autour de 36,8 %. Les danseurs, les circassiens, les plasticiens présentent des profils similaires. Comment alors expliquer que les personnes les plus formées à l’usage de leur corps soient aussi les plus touchées ?

La réponse tient à une réalité que les approches standardisées de la prévention ne prennent pas suffisamment en compte : pour les artistes, le corps n’est pas un outil que l’on peut remplacer ou adapter. Il est l’œuvre. Et cette confusion entre le professionnel et l’intime crée des vulnérabilités spécifiques — dans les mécanismes de blessure, dans la façon d’y répondre, et dans les stratégies de soin.

Des mécanismes de blessure propres aux pratiques artistiques

Dans un contexte industriel ou tertiaire, prévenir les TMS passe souvent par l’adaptation du poste de travail : changer la hauteur d’un plan de travail, modifier l’organisation des tâches, réduire la répétitivité. Ces leviers n’existent pas, ou très peu, dans les pratiques artistiques.

Les TMS rencontrés chez les artistes sont en relation avec une hyperutilisation doublée d’un mauvais usage. Les affections sont localisées en fonction de la spécificité de la technique et du geste artistique. Autrement dit : ce n’est pas le travail en général qui use le corps, c’est le geste précis, répété des milliers de fois, que la discipline impose.

• Chez les musiciens, les postures asymétriques avec le bras en élévation sont particulièrement identifiées comme facteurs de risque — tout comme la forte relation linéaire entre les heures passées à jouer d’un instrument et la fréquence des TMS. Un violoniste tient son instrument de la même façon depuis qu’il a sept ans. La contrainte posturale est structurelle, non accidentelle. Tout changement dans la pratique — changement d’instrument, de professeur, de temps de jeu, de répertoire, concours, stages — peut constituer un facteur déclenchant s’il n’est pas géré avec précaution.
• Chez les danseurs, les fractures de fatigue au niveau des membres inférieurs sont très fréquentes. Comme l’explique Médecine des arts, les syndromes de compression nerveux, les tendinites et les dégénérescences de la colonne vertébrale complètent un tableau clinique spécifique aux exigences de la pratique. Les danseurs eux-mêmes attribuent leurs blessures à la fatigue et à la surcharge de travail pour 38 % d’entre eux, aux causes environnementales — sols inadaptés, courants d’air, température — pour 25 %, à une préparation insuffisante pour 14 %. Mais ces facteurs s’inscrivent dans un contexte où réduire la charge de travail signifie compromettre la performance artistique.
• Pour les plasticiens — sculpteurs, peintres, graveurs —, c’est l’outil lui-même qui conditionne le risque : les tendinopathies de l’épaule, du coude, du poignet et de la main sont particulièrement fréquentes chez les plasticiens qui utilisent des outils vibrants dans des pratiques de sculpture, par exemple.

La culture du silence : une blessure dans la blessure

Au-delà des mécanismes physiques, il existe une dimension psychologique et culturelle qui aggrave considérablement la situation des artistes blessés : la difficulté à admettre la douleur.

Dans les milieux artistiques, la souffrance physique est souvent vécue comme une faiblesse, voire comme une trahison envers sa discipline, dixit Médecine des arts. On joue malgré la douleur, on répète avec une main anesthésiée, on danse sur une cheville gonflée parce que le spectacle est dans trois jours. Cette culture du dépassement — valorisée, parfois admirée — est un facteur d’aggravation majeur des TMS.

Les tensions musculaires, les algies au niveau des muscles de la ceinture scapulaire sont courantes chez les musiciens et chez de nombreux artistes dans des pratiques diverses, plasticiens, danseurs, chanteurs, circassiens. Les facteurs psychologiques sont bien en jeu dans ces algies si fréquentes, même si ce champ reste peu étudié sur le plan scientifique.

À cela s’ajoute la précarité du statut. La grande majorité des artistes travaillent sous contrat d’intermittence, avec une succession de missions courtes, de tournages, de résidences. Pas de médecin du travail attitré, pas de visite médicale systématique, pas de cadre institutionnel qui force à nommer et prendre en charge les troubles : consulter, c’est souvent renoncer à un contrat, admettre que l’on n’est pas disponible. La blessure se tait, et s’aggrave.

Une prévention qui doit être pensée différemment

La prévention des TMS chez les artistes ne peut pas se calquer sur les recommandations générales destinées aux entreprises. Elle doit être repensée à l’aune des réalités spécifiques de chaque discipline.

La prévention comporte trois phases distinctes :

• la prévention primaire, qui vise à lutter contre les risques en amont de l’apparition du trouble, en intégrant la prévention dans l’activité elle-même et en élargissant les connaissances des pédagogues et des pratiquants en physiologie et anatomie fonctionnelle ;
• la prévention secondaire, dont le but est de dépister le trouble dans une phase précoce et d’éviter les postures de compensation douloureuses ;
• la prévention tertiaire, qui permet d’éviter les rechutes et de faciliter la reprise de l’activité.

Pour les musiciens, deux mesures préventives simples — l’échauffement musical et les pauses régulières — devraient être incorporées dans les routines de pratique. Ces techniques ne sont pas susceptibles d’entraîner des effets défavorables et peuvent même être profitables au processus d’apprentissage.

Pour les danseurs, la prévention doit s’appuyer sur une meilleure connaissance de la physiopathologie des blessures, la limitation des heures de pratique avec des pauses suffisantes, la diversification des programmes et des gestes techniques pour éviter une trop grande répétition. L’amélioration de l’environnement — qualité des planchers, ambiance thermique — fait partie intégrante des mesures préventives.

Mais le principal changement est culturel : il s’agit de rompre avec la norme du dépassement systématique et d’instituer une relation plus lucide — et plus bienveillante — entre l’artiste et son corps.

Vers une prise en charge spécialisée ?

Lorsque le TMS est là, installé, la prise en charge ne peut pas non plus être généraliste. Un kinésithérapeute qui ne connaît pas les contraintes posturales d’un hautboïste ou les exigences techniques d’un danseur de hip-hop ne pourra pas proposer une rééducation adaptée. Pire, il risque de valider une reprise trop rapide ou sur une technique compensatoire qui aggravera les lésions à terme.

Les troubles survenant dans la pratique professionnelle des artistes ne peuvent que très rarement être traités par la seule chirurgie. La thérapeutique doit s’inscrire dans une stratégie de soins multidisciplinaires, où les rééducateurs jouent un rôle majeur avec l’appui d’un pédagogue de la discipline concernée. L’association d’un psychothérapeute est toujours utile, ainsi que d’autres professionnels comme un ergonome selon les cas.

Une expertise spécifique

En France, quelques structures ont développé cette expertise spécifique. Citée précédemment , la revue Médecine des arts, fondée par le Dr André Arcier, constitue la principale référence francophone en matière de santé des artistes — musiciens, danseurs, plasticiens, circassiens. Elle documente depuis des décennies les pathologies spécifiques aux pratiques artistiques et forme les professionnels de santé à ces problématiques.

Thalie Santé — né en 2021 de la fusion du Centre Médical de la Bourse (CMB) et du Centre Médical de la Publicité et de la Communication — est aujourd’hui le service de prévention et de santé au travail de référence pour le secteur des industries culturelles et créatives. Il assure le suivi médical des intermittents du spectacle sur l’ensemble du territoire national, en vertu d’un accord de branche de 2009, et propose notamment des visites médicales individuelles, des études de poste et des conseils personnalisés adaptés aux spécificités des métiers de la culture.

La préparation physique adaptée — rôle d’un coach sport santé — complète utilement ce dispositif : non pas pour transformer l’artiste en athlète, mais pour renforcer les zones fragilisées par la pratique, développer la proprioception, améliorer la récupération, et apprendre à identifier les signaux d’alerte avant qu’ils ne deviennent des blessures.

Ce que l’on peut retenir

Le corps de l’artiste n’est pas un corps ordinaire soumis à des contraintes ordinaires. Il est le support d’une technique acquise au prix de milliers d’heures d’apprentissage, d’une expressivité développée sur des années, d’une identité professionnelle — et souvent personnelle — profondément ancrée. Quand il défaille, ce n’est pas seulement un outil qui tombe en panne : c’est toute une pratique, parfois toute une vie, qui se trouve menacée.

C’est pourquoi la prévention et la prise en charge des TMS dans le monde artistique méritent une attention et des approches spécifiques. Mieux connaître les risques propres à sa discipline, intégrer la récupération et la préparation physique comme des composantes légitimes de la pratique professionnelle, et ne pas attendre que la douleur soit insupportable pour consulter : ce sont les gestes simples, mais décisifs, qui font la différence entre une carrière écourtée et une carrière préservée.

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La création musicale a toujours été façonnée par les outils à disposition des artistes. Pour les DJs, l’ère numérique a marqué un tournant : finis les sacs de vinyles encombrants, les tables de mixage analogiques complexes. Aujourd’hui, les contrôleurs numériques, les logiciels de mix et les plateformes de streaming offrent une liberté créative inédite. Parmi ces innovations, des appareils comme le XDJ-AZ illustrent comment la technologie peut simplifier la pratique tout en ouvrant de nouvelles possibilités artistiques.

L’évolution des outils DJ : vers plus d’accessibilité et de créativité

En quelques décennies, la révolution technologique a bouleversé le monde du DJing. Dans les années 1980, le vinyle régnait en maître, exigeant une technique rigoureuse, un matériel encombrant. Les années 2000 ont vu l’arrivée des CDJ, puis des contrôleurs MIDI, qui ont démocratisé l’accès au mix pour un public plus large.

Aujourd’hui, les DJs disposent d’une gamme d’outils numériques qui combinent portabilité, puissance et connectivité :

• compacts et souvent équipés d’écrans tactiles, les contrôleurs tout-en-un (Denon SC6000 et autres Numark NS7III) permettent de mixer sans ordinateur .
• les logiciels de mix type Rekordbox, Serato DJ ou Traktor offrent des fonctionnalités avancées comme l’analyse automatique des BPM ou l’intégration d’effets.
• des plateformes de streaming genre Tidal ou Beatport Link donnent accès à des millions de titres directement depuis le matériel.

Cette évolution a non seulement rendu le DJing plus accessible, mais elle a aussi élargi les horizons créatifs. Les artistes peuvent désormais expérimenter des styles hybrides, mixer des morceaux en temps réel avec des samples, ou même collaborer à distance via des outils cloud.

Les nouveaux défis et opportunités pour les DJs

Si le numérique a simplifié de nombreux aspects du DJing, il a aussi introduit de nouveaux enjeux.

• Trop de choix : avec des bibliothèques musicales quasi illimitées, les DJs doivent développer une approche curatoriale d’une grande finesse pour se démarquer.
• Équilibrer technique et créativité : les outils automatiques (sync, boucles) facilitent le mix, mais certains puristes soulignent l’importance de maîtriser les bases du beatmatching manuel.
• La performance live : les publics s’attendent à des sets interactifs, avec des visuels ou des collaborations improvisées.

Pour relever ces défis, de nombreux DJs combinent matériel moderne et techniques traditionnelles. Certains utilisent un contrôleur comme le XDJ-AZ pour sa portabilité, tout en intégrant des vinyles ou des effets analogiques pour ajouter une touche unique à leurs performances.

Comment choisir son équipement en 2026 ?

Avec la diversité des outils disponibles, voici quelques critères à considérer pour choisir au mieux son équipement.

• Le niveau d’expérience : les débutants opteront pour des contrôleurs simples (ex : Pioneer DDJ-200), tandis que les professionnels privilégieront des appareils robustes (ex : Allen & Heath Xone:96).
• Le style musical : un DJ techno n’aura pas les mêmes besoins qu’un DJ hip-hop (ex : pads pour les samples vs. jogs précis pour le scratching).
• La mobilité : pour les DJs itinérants, la compacité et l’autonomie sont essentielles.
• La compatibilité logicielle : l’équipement doit être compatible avec le logiciel de mix utilisé.
• L’évolutivité : il faut privilégier les appareils avec des entrées/sorties supplémentaires, prendre en compte les mises à jour, les ajouts de fonctionnalités, l’extension de platins, d’effets externes, de systèmes de son.
• Le budget : les prix varient énormément selon les fonctionnalités. Voici une fourchette indicative : l’entrée de gamme se chiffre entre 100 et 300 euros, le haut de gamme à 800 euros minimum. Il est bien sûr toujours possible de consulter les plateformes de revente ou la location de matériel quand on débute, mais très vite il faudra miser sur la qualité et la fiabilité.

L’avenir du DJing : entre innovation et retour aux sources

Paradoxalement, alors que le numérique domine, on observe un retour en grâce du vinyle et des techniques analogiques. De nombreux DJs utilisent désormais des setups hybrides, combinant contrôleurs numériques et platines pour le meilleur des deux mondes.

Cette tendance reflète une quête d’authenticité, tout en profitant des avantages du numérique. Les outils modernes ne remplacent pas le talent, mais ils offrent une toile plus large pour l’expression artistique.

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Sinners : je tombe sur la bande annonce au détour d’un post Facebook, je craque, je visionne. Et je reste dubitative devant cet OVNI cinématographique qui croise film d’horreur, chronique sociale et comédie musicale. Ai-je aimé ? En tout cas j’ai été interpellée. Explications.

Vampires mélomanes

Sinners : les pécheurs. Terme fort, surtout dans les églises du Mississippi où les Noirs tâchent de fuir leur condition en se réfugiant dans la foi. Ou la musique. Nous sommes dans les années 20 : les jumeaux Elijah « Smoke » et Elias « Stack » reviennent dans leur ville natale, au milieu des champs de coton. Vétérans de la Première Guerre Mondiale, ils sont ensuite passés par Chicago pour s’enrichir en bossant avec la pègre. Ils reviennent au bercail avec la ferme intention d’ouvrir un dancing pour attirer les jeunes du coin qui veulent se divertir.

Pour ce faire, ils misent sur le cocktail musique + dance + alcool + jeu + sexe. Et engagent entre autres Sammie Moore, un jeune guitariste génial. Le soir de l’ouverture, ils affichent complet. Un vrai succès. C’est sans compter avec l’arrivée d’une bande de vampires menée par le fringant et très mélomane Remmick qui a bien l’intention de transformer/convertir tout ce petit monde, y compris et surtout ce petit prodige de la guitare dont le talent attire les démons.

Le pouvoir duel de la musique

Aux commandes du projet et derrière la caméra, Ryan Googler à qui l’on doit Black Panther et Creed, devant l’objectif Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Delroy Lindo ou Jack O’Connell (génial dans le rôle de Remmick). L’ensemble ne manque guère de talent ou de conviction pour développer cette histoire qui mêle Une nuit en enfer, La Couleur pourpre, Mississippi Burning et The Get down dans une atmosphère électrique et réjouissante à plus d’un titre.

Non que l’intrigue en elle-même soit exceptionnelle. Le thème de la petite communauté humaine assiégée par la horde vampirique est un classique depuis l’incontournable Je suis une légende de Richard Matheson ou le mythique Salem de Stephen King. Mais en narrant ce conte horrifique, Googler interroge le pouvoir duel de la musique, maléfique ou divine, peut-être les deux confondues ?

Melting pot

Et s’appuie sur la légende de la naissance maléfique du blues (le prétendu pacte avec le Diable signé par le guitariste et bluesman Robert Leroy Johnson sur un chemin dans les années 20) pour célébrer les racines du rock, du rap, du hip-hop, des musiques folkloriques d’Afrique, de Chine ou d’Irlande dans deux séquences de danse tenant de la transe collective qui passeront selon moi dans les annales du cinéma et qui justifient amplement de visionner ce long-métrage.

A l’heure où les USA tournent à la dictature qui ne dit pas son nom, où Trump et ses séides mènent une politique raciale infecte, Sinners rappelle que la culture américaine s’enracine aussi bien dans les croyances indiennes que dans le patrimoine vaudou apporté par les esclaves dans les cales des bateaux négriers. Et qu’on le veuille ou non, c’est ainsi. Personne, ni une bande de vampires assoiffés d’hémoglobine et de bon son ni le Ku Klux Kan (qui se prend d’ailleurs une raclée bien méritée au cours du film) ne pourront effacer ce melting pot.

S’affranchir du système

Certes le film présente quelques longueurs, certaines maladresses. On aime ou on n’aime pas. Mais le propos est clair : marre de se faire défoncer sans réagir par les racistes ou les goules, ce qui revient au même, des créatures qui en exploitent d’autres. Un air de déjà vu ? Rappelez-vous La Nuit des morts-vivants de Romero ; nous sommes en 69, en pleine lutte pour l’égalité raciale et le héros du premier grand film de zombis est interprété par Duane Jones, un acteur noir.

Un des premiers coups de canon de la blaxploitation des années 70 qui connaît aujourd’hui un renouveau salutaire et nécessaire avec Sinners. Un film que Googler a pu réaliser sans la pression des producteurs, sans avoir à couper de séquence, et dont il a touché les bénéfices dès les premiers dollars engrangés. Exceptionnel dans une industries mise en coupe réglée par les studios, et une manière de s’affranchir du système qui devrait faire date.

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Au Centre de la Vieille Charité, Marseille remonte la piste des encres, de l’Antiquité à la pop culture. L’exposition Tatouage. Histoires de la Méditerranée ne joue pas la simple galerie d’images : elle déroule une histoire sociale, artistique et politique du tatouage, telle qu’elle s’est tissée autour de la Méditerranée et s’est enracinée dans l’identité phocéenne.

Du rite au style : Marseille, laboratoire d’identités

Le propos est ample : pratiques médicales, religieuses, politiques ou esthétiques se succèdent et se chevauchent, des premières traces repérées en Égypte, Syrie, Cyclades et Grèce jusqu’aux réinventions contemporaines. L’exposition explicite un cadre de lecture assumé — histoire globale de l’art, études de genre, recherches postcoloniales — pour sortir le tatouage du folklore et le replacer dans les circulations méditerranéennes : migrations, échanges, hybridations.

La démonstration s’ancre localement : à Marseille, l’encre est un marqueur de territoire et un signe d’appartenance mouvant, popularisé par les sociabilités portuaires, les cultures ouvrières, la scène hip-hop et le streetwear. Le parcours insiste sur cette traduction urbaine du tatouage : du signe intime au récit collectif, jusqu’à devenir une composante de l’imaginaire marseillais.

Un corpus riche et transdisciplinaire

Scénographiquement, le musée mélange archéologie, beaux-arts, ethnologie, anthropologie, photographie, vidéo, mode et objets du quotidien. Signe de l’ambition : plus de 275 œuvres et objets issus de collections publiques et privées à l’international structurent une enquête qui saute les siècles sans perdre le fil.

Le cœur du parcours met à l’honneur des artistes du pourtour méditerranéen ayant réinvesti le motif tatoué : Choukri Mesli, Samta Benyahia, Farid Belkahia, Lalla Essaydi, El Meya, et deux dessins d’Ahmed Cherkaoui (1967) récemment acquis par la Ville. Commande contemporaine notable : une œuvre inédite de Denis Martinez, cofondateur dans les années 1960 du groupe d’avant-garde Aouchem (“tatouages”), pensée pour les cimaises de la Vieille Charité. Là se joue l’essentiel : montrer comment des matrices symboliques (tribales, votives, protectrices, féministes) migrent de la peau à la toile, de l’ornement au langage plastique.

Alliances institutionnelles et prêts majeurs

La tenue du propos tient aussi à la qualité des prêts : Louvre, Orsay, Quai Branly – Jacques Chirac, CNAP, mais aussi Rome, Pavie, Manfredonia, Leyde, Munich, Madrid, Amsterdam… autant d’institutions qui garantissent l’assise historique et la diversité géographique du récit. L’exposition est d’ailleurs portée par un partenariat exceptionnel avec le Quai Branly, et produite en lien avec 24 ORE Cultura — un gage de solidité muséographique.

Le projet prolonge des pistes ouvertes par les Musées de Marseille — notamment l’expositionBaya. Une héroïne algérienne de l’art moderne (2023) — en décentrant le regard vers les rives sud et est de la Méditerranée, et en croisant avant-gardes, féminismes et décolonial. Résultat : un récit ni exotisant ni nostalgique, mais analytique, où la peau devient archive vivante.

Au-delà des salles, la programmation relie l’expo à la vie intellectuelle locale (rencontres, tables rondes, notamment dans le cadre du festival Allez Savoir de l’EHESS) et propose des nocturnes estivales — une bonne idée pour éprouver la visite au tempo de la ville. Le cadre XVIIe de la Vieille Charité ajoute son contrepoint monumental aux histoires miniatures gravées sur les peaux.

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consulte le site de La Vieille Charité.

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Se cultiver, c’est essentiel. Sur The ARTchemists, on le dit, on l’écrit, on le crie. A longueur de colonnes et d’articles. Mais alors, pourquoi tout le monde ne saute-t-il pas sur l’occasion pour remplir son cerveau de trésors ? Pourquoi tant de gens hésitent, renoncent, ou ne savent même pas par où commencer ? Parce qu’il y a des freins. Des obstacles bien réels qui empêchent beaucoup de monde d’accéder à la culture et à l’art. Et il est temps de les exploser.

1. « La culture, c’est pour les intellos »

Non. La culture, ce n’est pas réservé aux universitaires, aux élites, aux grands lecteurs de Proust. Elle est partout, accessible à tous. Le hip-hop, le street art, les jeux vidéo, le cinéma de genre… Tout ça, c’est de la culture. Se cultiver ne veut pas dire réciter Racine par cœur. C’est être curieux, chercher, découvrir, se poser des questions.

2. « Je n’ai pas le temps »

On a toujours le temps pour ce qui est essentiel. Une heure de scroll sur TikTok peut être remplacée par un article, un podcast, un documentaire. Pas besoin de tout révolutionner : dix minutes par jour suffisent pour ouvrir une brèche. Un chapitre avant de dormir, une vidéo entre deux rendez-vous, un audiolivre dans les transports. Ça s’accumule et ça change tout.

3. « Je ne sais pas par où commencer »

La culture, c’est un océan, et forcément, au début, ça peut sembler intimidant. La solution ? Y aller petit à petit. Se laisser guider par ses passions. Vous aimez le rap ? Plongez dans ses origines. Vous êtes accro aux séries ? Regardez comment elles sont écrites, filmées. Un point d’entrée mène toujours à un autre.

4. « C’est trop cher »

Les expos, les concerts, les livres, ça peut coûter un bras. Mais bonne nouvelle : aujourd’hui, on a un accès illimité à des tonnes de contenus gratuits, à des bons plans également. Bibliothèques, plateformes publiques, musées en ligne, podcasts, MOOC… La culture n’a jamais été aussi accessible. L’argent ne devrait pas être un frein.

5. « J’ai peur de ne pas comprendre »

Et alors ? Personne ne naît cultivé. Tout s’apprend, tout se découvre. Se cultiver, ce n’est pas être parfait, c’est expérimenter, se tromper, essayer encore. Regardez un film d’auteur, lisez un bouquin complexe, écoutez une musique inconnue. Peut-être que vous allez adorer, peut-être pas. Mais vous aurez exploré.

6. « J’ai peur du regard des autres »

On entend trop souvent : « Pourquoi tu lis ça ? », « Pourquoi tu vas voir une expo ? ». Comme si c’était suspect de vouloir apprendre. Se cultiver, ce n’est pas se donner un genre, c’est nourrir son cerveau. Tant pis pour ceux qui jugent. Ils resteront enfermés dans leur ignorance pendant que vous, vous avancerez.

7. « C’est trop tard pour moi »

Faux. La culture ne connaît ni âge ni diplôme. Vous pouvez commencer à tout moment. Des autodidactes ont changé le monde. Bill Gates apprend encore chaque jour. Si lui continue, pourquoi pas vous ?

Briser les barrières et se lancer

Maintenant que ces excuses sont explosées, reste une question : comment commencer ?

• Lisez un article sur un sujet inconnu.
• Écoutez un podcast sur un artiste que vous ne connaissez pas.
• Regardez un film culte dont tout le monde parle.
• Explorez un musée en ligne.

Pas besoin de tout faire d’un coup. Un pas après l’autre. Mais il faut avancer. Parce que la culture, c’est la clé. La clé de la liberté, de la curiosité, et surtout, d’un monde qui s’ouvre au lieu de se refermer.

Alors vous commencez quand ?

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Je viens de consulter la météo : si les prévisions ne nous trompent pas, la session juillettiste de la Velu.e aura lieu en mode chaleur modérée, un petit 27° à peine nuageux. Parfait pour savourer cette nouvelle édition de cabaret viscéral qui donne de l’espace aux jeunes talents de la scène queer !

Socle fondateur

On ne les présente plus mais quand même : aux manettes de cette soirée désormais consacrée des nuits chaudes parisiennes, on trouve le même socle fondateur à savoir

• Dame Huguette la MC,
• Édouard Liotard l’orchestrateur,
• Madame Tiff à l’accueil.

Et derrière les platines pour assurer la seconde partie de soirée aka deux djsets de dingue, j’ai nommé nos petits camarades du Bragi Pufferfish, Fabisounours et Loki Starfish.

Le tout dans l’enceinte du Nouveau Tigre, le bar du Cirque électrique.

Plat de résistance

Et sinon, on a quoi en plat de résistance ???

• Mara de Nudée, talentueuse artiste burlesque, un mélange détonnant et gracieux de Betty Page, Mata Hari et Isadora Duncan
• la féline Hitsublu, regard de braise, maquillage au cordeau et moustaches coquines
• Jackie Fuego, créature king chantante, hurlante et multicolore
• Icaps, danseur de hip hop initié en son temps par Dame Ughett

Petit plus : en appetizer, le viewing de l’épisode 1 de Drag Race France All Stars hosté par la sémillante Miss Racolage !

Voilà, vous savez tout, maintenant vous prenez vos si joli doigt et vous cliquez sur le lien ci-dessous pour consulter le compte Insta des soirées velu.e et organiser votre venue au plus cabaret de tous poils du monde !

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The ARTchemists média culturel ? Mais encore ? On en discutait l’autre jour, tous ensemble. Est-ce que ça veut dire encore quelque chose aujourd’hui ? Le mot culture est partout, décliné à toutes les sauces. Dans les médias, les discours politiques, les campagnes de pub, les salles de classe, sur les réseaux sociaux bien évidemment. On parle de culture artistique, populaire, d’entreprise, urbaine, scientifique, numérique… Mais que recouvre réellement ce terme ? Ici maintenant, en 2025 ? D’où vient-il ? À quoi sert-il ? Qu’englobe-t-il ? Pourquoi fait-il débat ? Pourquoi DOIT-IL faire débat ? Définir la culture, c’est entrer dans un champ vaste, mouvant, confus. Un tour d’horizon s’impose.

Un produit de la Renaissance pour trois grandes acceptions contemporaines

Quand on veut faire le point sur la signification d’un mot, il faut commencer par ses racines, sa source, son étymologie. Le mot culture dérive du latin colere aka « cultiver ». À l’origine, il désigne donc l’entretien de la terre (cultura agri). Ce n’est qu’au XVe siècle qu’il commence à s’appliquer à l’esprit : on parle alors de cultiver son savoir, son langage, ses goûts. Ce glissement sémantique reflète un changement profond dans la manière dont on conçoit l’être humain.

À la fin du Moyen Âge, puis avec la Renaissance, l’homme commence à se penser comme perfectible, capable de progresser, de s’élever par l’éducation et la connaissance. C’est le moment où l’on redécouvre les textes de l’Antiquité, où l’on valorise les humanités — grammaire, rhétorique, philosophie, histoire, arts — considérées comme des outils de développement personnel et social. Cultiver l’esprit s’impose comme une image puissante : comme on soigne un champ pour qu’il porte des fruits, on travaille son intelligence, sa sensibilité, sa langue, pour s’épanouir et contribuer à la société.

Et aujourd’hui ? Qu’en est-il ? La culture est perçue de trois manières :

• La culture comme perfection individuelle ; inspirée des Lumières, elle valorise le raffinement, la connaissance des arts, la lecture, la musique.
• La culture comme patrimoine collectif ; elle désigne ici les productions d’une société dignes d’être conservées et transmises (musées, monuments, arts « nobles »).
• La culture comme mode de vie ; c’est une vision anthropologique développée par Edward Tylor ou Claude Lévi-Strauss) selon laquelle tout groupe humain a une culture (langue, rites, cuisine, organisation sociale…).

Bien évidemment, ces trois définitions se chevauchent, s’enchevêtrent… et entrent parfois en tension. D’où la grande question : culture pour qui ? Culture pour quoi ? Et là on entre dans la valse des contradictions.

Culture légitime vs culture populaire

Depuis les travaux du sociologue Pierre Bourdieu — notamment dans La Distinction (1979) — on sait que la culture n’est pas qu’une affaire de goûts ou de curiosité : c’est aussi un marqueur social. Autrement dit, ce que l’on consomme comme œuvre ou spectacle, ce que l’on considère comme “bon” ou “légitime”, révèle souvent notre origine sociale, notre niveau d’études, notre capital culturel.

• La culture dite savante — musique classique, opéra, théâtre d’auteur, peinture ancienne, philosophie — a historiquement été valorisée par l’école, l’université, l’État, les institutions républicaines. Elle est souvent associée à une élite intellectuelle ou bourgeoise, et transmise dans les cercles favorisés dès l’enfance.
• En parallèle, la culture populaire — chansons de variété, bandes dessinées, rap, séries télévisées, mangas, jeux vidéo — a longtemps été regardée de haut, considérée comme “inférieure”, “superficielle”, voire “dangereuse”. Pourtant, ce sont ces formes qui touchent aujourd’hui le plus large public, qui forgent des imaginaires puissants, et qui génèrent une créativité foisonnante.

Deux univers irréconciliables, voire antagonistes ? Les lignes, heureusement, bougent petit à petit.Depuis une vingtaine d’années, on observe une ouverture du monde culturel institutionnel à la culture populaire. Quelques exemples ? Le Centre Pompidou a consacré des expositions à la bande dessinée, à l’art brut, au design industriel, ou encore à la culture punk. En 2014, l’exposition Tatoueurs, tatoués au musée du quai Branly a marqué un tournant en reconnaissant le tatouage comme une forme artistique, issue à la fois de rites ancestraux et de mouvements subversifs (prisons, marins, bikers, scènes underground). Des festivals comme Hip Hop Symphonique réunissent des rappeurs et des orchestres classiques, créant des ponts inédits entre les mondes.

Culture mondialisée ou culture fragmentée ?

Autre paramètre de l’équation : Internet a bouleversé la culture en profondeur. Aujourd’hui, on y accède facilement, gratuitement, partout, en un clic ou presque. On peut aussi produire, partager, commenter des contenus culturels sans passer par les circuits traditionnels : un smartphone suffit pour publier une chanson, un poème, une BD ou un court-métrage. Mais cette ouverture massive produit aussi des effets paradoxaux :

• Les algorithmes, en privilégiant les contenus populaires et rentables, relèguent dans l’ombre les formes d’expression minoritaires, expérimentales, ou simplement moins virales.
• Ces mêmes algorithmes construisent des bulles culturelles : chacun se voit proposer des contenus similaires à ce qu’il consomme déjà, sans confrontation avec d’autres styles, d’autres références, d’autres horizons.

Traduction en vrai, dans la vraie vie : des ados peuvent connaître One Piece, Jujutsu Kaisen ou Demon Slayer sur le bout des doigts, maîtriser les codes du manga et de l’animation japonaise… sans jamais avoir entendu parler de Molière, Balzac ou même de la BD franco-belge. Un jeune peut suivre un influenceur mexicain spécialisé dans le low tech, une streameuse finlandaise fan de cosplay, ou une philosophe brésilienne qui vulgarise Spinoza… sans jamais tomber sur La Grande Librairie, Le Dessous des Cartes, ou une pièce de théâtre contemporaine française. À l’inverse, une autre personne, dans une autre bulle, ne jurera que par le classique occidental, sans jamais croiser un créateur coréen, une série nigériane ou un vidéaste queer non-européen.

Résultat : la culture circule plus que jamais, mais chacun la vit dans son couloir, sa niche, son algorithme personnel. Une mondialisation en apparence… mais cloisonnée.

Culture vivante vs culture institutionnelle

Également alimenté par l’explosion d’internet, un autre clivage traverse aujourd’hui le monde de la culture, et non des moindres.

• D’un côté, on trouve les institutions traditionnelles — musées nationaux, opéras, conservatoires, grandes écoles artistiques, lieux prestigieux souvent situés dans les centres urbains.
• De l’autre, évoluent les créateurs indépendants, collectifs autogérés, artistes issus des cultures urbaines ou numériques, qui se produisent dans des lieux alternatifs ou en ligne, loin des circuits officiels.

Cette opposition ne date pas d’hier, mais elle s’est accentuée avec la montée en puissance des réseaux sociaux, des plateformes de diffusion libre, et de nouvelles formes de création plus inclusives, plus connectées, souvent auto-produites.

Les seconds reprochent aux premiers :
• leur lenteur d’adaptation aux nouvelles pratiques culturelles et aux formats numériques,
• leur centralisme, la majorité des budgets de la visibilité restant concentrée à Paris ou dans quelques grandes villes (et la réduction drastique des subventions n’a rien arrangé),
• leur manque de représentativité, un entre-soi social, une faible diversité en termes d’origines, de genres, de parcours ou de disciplines artistiques.

Cette tension se traduit très concrètement dans les débats sur les politiques culturelles :
Faut-il continuer à financer massivement les grandes institutions « à la française », ou plutôt soutenir les pratiques locales, les petits lieux de diffusion, les festivals indépendants, les ateliers associatifs, les créateurs de rue, de banlieue ou de web ? Ce débat renvoie à une question plus large : qu’est-ce qu’on considère comme “légitime” dans la culture aujourd’hui ? Et qui décide ?

Concrètement ça donne quoi ?

• Tandis que la Philharmonie de Paris propose une programmation prestigieuse et très subventionnée, beaucoup de salles de quartier, de cafés-concerts ou de MJC musicales (ex : le Moloco à Audincourt, ou le FGO-Barbara à Paris) luttent pour survivre et offrir une scène aux jeunes groupes émergents. Et pourtant, ce sont souvent ces lieux qui font éclore les nouveaux talents.
• L’Opéra de Paris concentre des millions d’euros de subventions publiques chaque année. Pendant ce temps, des collectifs comme Paradox-sal dansent dans la rue, les friches ou les MJC, et peinent à obtenir des financements durables, alors même qu’ils attirent un public jeune, populaire et diversifié. Leur style, souvent hybride (hip-hop, contemporain, théâtre), est encore peu reconnu dans les circuits officiels.
• Le pass Culture, qui offre un budget de 300 € aux jeunes pour découvrir des œuvres ou lieux culturels, a suscité une polémique : beaucoup de fonds ont profité aux grandes enseignes (Fnac, Pathé…) ou aux grosses institutions, alors que les petits lieux de proximité, les bibliothèques municipales ou les artistes indépendants ont parfois du mal à intégrer le dispositif. Une belle idée, mais qui pose la question : à qui profite réellement ce soutien ?

Nouvelles formes culturelles : mutation … ou explosion ?

Nous vivons donc un moment charnière. Jamais la culture n’a été aussi diverse, instantanée, participative. La révolution numérique ne s’est pas contentée de modifier les supports, elle a transformé la nature même des œuvres, des formats, et des rôles. Culture numérique, culture remixée… quid de ce melting pot ?

La culture numérique

Aujourd’hui, TikTok, Twitch, YouTube, Instagram, et même Discord ou Reddit, sont de véritables lieux de production culturelle. Ces plateformes ne se contentent pas de diffuser : elles créent des tendances, des esthétiques, des mouvements. Chacune a ses codes, ses langages, ses stars et son imaginaire collectif. On y voit émerger de nouveaux formats, hybrides, souvent collaboratifs et éphémères, où l’authenticité, la créativité brute et l’interaction comptent autant que la technicité.

Exemples parlants ?
• Les battles de rap en ligne (type End of the Weak, Rap Contenders) où l’impro, la punchline et la performance sont à l’honneur, accessibles à tous sans passer par une maison de disque.
• Les chorégraphies virales sur TikTok, comme langage corporel mondial, reprises en boucle, adaptées, remixées à l’infini.
• Les speedruns de jeux vidéo, devenus de véritables performances artistiques où précision, créativité et narration se mêlent.
• Les booktubers et booktokers, qui font revivre la critique littéraire auprès d’un jeune public, en utilisant humour, storytelling et mise en scène émotionnelle.

Résultat : les frontières entre créateur et spectateur se brouillent ; on commente, on like, on duplique, on répond. Chaque internaute peut devenir acteur culturel, parfois sans le vouloir.

La culture remixée

Avec les outils numériques accessibles à tous (montage, retouche, IA, filtres), les publics deviennent eux-mêmes créateurs. Ils s’emparent des contenus existants pour en faire autre chose : on découpe, on détourne, on réinterprète, on joue. C’est la logique du remix, du mashup, des memes, des fanfictions :

• Un film devient un gif.
• Une interview devient une parodie.
• Un discours politique devient un son auto-tuné.
• Un roman donne lieu à des suites écrites par les fans.

Le remix, loin d’être une copie paresseuse, devient une forme d’expression critique, créative et ludique. C’est une manière de s’approprier la culture, de la commenter, de la transformer pour mieux la faire parler à son époque. Mais cette culture participative, décrite par Henry Jenkins dans Convergence Culture (2006), questionne les notions traditionnelles d’auteur, d’œuvre, et de public :
• Qui est vraiment le créateur ?
• À partir de quand une œuvre est-elle « originale » ?
• Peut-on créer sans « créer » au sens classique du terme ?

Assiste-t-on à une “crise” de la culture ou à une explosion de ses formats, de ses usages, de ses voix ? Cette mutation profonde, souvent joyeuse, parfois chaotique, redéfinit les règles du jeu culturel.

La culture n’est pas neutre, elle est politique

On pourrait croire que la culture est un espace de liberté pure, de création désintéressée, de divertissement ou de contemplation. En réalité, la culture s’avère un terrain de pouvoir, de choix, de conflits. Elle structure notre vision du monde et reflète les rapports de force qui le traversent.

Assiste-t-on à une crise ou à une métamorphose ? La question n’est pas seulement esthétique. Car cette mutation culturelle, souvent joyeuse, parfois chaotique, redéfinit les règles du jeu, et révèle ce qui se joue en coulisses :
• Ce qu’on choisit de montrer ou de cacher,
• Ce qu’on décide de financer, de médiatiser, ou au contraire de marginaliser,
• Ce qui façonne notre rapport à l’histoire, à l’autre, à soi-même.

La culture n’échappe ainsi à aucun des grands débats contemporains. Elle est traversée par :

Des enjeux identitaires 

Qui a le droit de prendre la parole ? De représenter ? De raconter ?
Les œuvres issues des cultures minoritaires, autochtones, LGBTQIA+, ou diasporiques se heurtent souvent à l’invisibilisation ou à l’exotisation. La question de la représentation devient centrale : on attend de la culture qu’elle reflète enfin la pluralité des identités.

Des conflits de mémoire

Comment raconter l’histoire ? Quelle place accorder à la colonisation, aux génocides, aux exils, à l’esclavage ? Les musées, les manuels scolaires, les films historiques sont autant de champs de bataille où se rejouent les mémoires blessées, les silences, les amnésies officielles.

Des luttes économiques

Qui peut vivre de la culture ? Qui décide de ce qui est “rentable” ? La précarité des artistes, la concentration des moyens dans quelques grandes structures, la logique de rentabilité imposée par certains financeurs posent la question de la marchandisation de la culture — au détriment de la création libre, indépendante, ou expérimentale.

Les exemples ne manquent guère, ne serait-ce que dans notre article sur le travail de sape culturelle entrepris par Trump. Mais on en remet une p’tite couche quand même :

• Le débat sur les œuvres dites “décoloniales” dans les musées occidentaux (ex. : restitution des œuvres d’art africain spoliées, ou relecture des collections ethnographiques) révèle la remise en cause des récits dominants, et la tension entre mémoire coloniale et justice culturelle.

• La censure d’artistes féministes sur Instagram (notamment dès qu’un corps nu, une menstruation, une dénonciation du sexisme est représentée) montre comment les plateformes régulent la visibilité selon des normes sexistes, puritaines ou commerciales.

• Le refus de certaines œuvres engagées dans des festivals sponsorisés (ex. : œuvres écologistes censurées dans des événements soutenus par Total, ou performances pro-LGBT écartées de scènes institutionnelles) souligne que le mécénat privé conditionne la liberté d’expression.

La culture constitue donc un miroir des tensions de notre société, avec à la clé des problématiques cruciales :
• Qui a accès à la parole publique ?
• Qui décide de ce qu’est une “grande œuvre” ?
• Quelle mémoire collective transmet-on ?
• Peut-on créer librement dans un système financé par des intérêts économiques ou politiques ?

La réponse n’est jamais simple. Mais une chose est sûre : défendre une culture vivante, critique, inclusive, c’est aussi faire un acte politique.

Récapitulons 

La culture aujourd’hui n’est plus univoque. Elle est :

• Fragmentée mais connectée,
• Populaire et expérimentale,
• Ancrée localement, diffusée mondialement.

Elle évolue hors des sentiers classiques, dans :

• Les collectifs queer et DIY,
• Les friches artistiques,
• Les pratiques amateurs,
• Les webzines, les podcasts, les stories Insta.

Ce qu’on appelait jadis « haute culture » ou « culture populaire » est désormais fluide, transversale, contaminée. Et c’est tant mieux. Mais cela ne nous dit pas ce qu’est la culture aujourd’hui peut-être parce que la bonne question est : qu’est-ce que la culture devrait être ?

Ce qui fait lien ? Ce qui nous permet de raconter, comprendre, ressentir ?
Ce qui divise, hiérarchise, ou libère ?
C’est peut-être, c’est surtout ce qu’on choisit d’en faire : chacun, chaque jour, en écoutant, en créant, en partageant.

Cet article « La culture, c’est quoi aujourd’hui ? » : état des lieux d’une notion en mutation est apparu en premier sur The ARTchemists.

Article en mode coup de gueule parce que trop, c’est trop. Aujourd’hui, on scrolle, on like, on swipe. L’information arrive en rafale, digérée en trois secondes, aussitôt oubliée. Qui prend encore le temps de lire un livre, d’aller au musée, de s’immerger dans une œuvre sans chercher à la résumer en un tweet ? Bref d’enrichir sa culture ? Et pourtant, se cultiver, c’est vital. Pas pour jouer les bourgeois ou les premiers de la classe. Mais pour comprendre, analyser, enrichir son imaginaire, sa vision du monde. Et surtout, ne pas se faire manipuler.

L’art, c’est la liberté

Les régimes totalitaires l’ont toujours compris : un peuple sans culture, c’est un peuple docile. Quand Hitler brûlait les livres, quand les talibans dynamitaient les Bouddhas de Bâmiyân, quand la censure s’abattait (s’abat, devrais-je dire, les ciseaux d’Anastasie frappent toujours) sur des œuvres jugées trop subversives, l’objectif est le même : empêcher les gens de penser librement.

Et pour cause : la culture, c’est l’antidote à l’ignorance. L’art, la littérature, le cinéma, l’histoire nous apprennent à questionner le monde, à mettre en perspective les discours dominants. Prenons Orwell. 1984 n’a jamais été aussi actuel. Surveillance de masse, fake news, réécriture du passé… Tout est là. Sauf que sans culture, impossible de faire le lien. Impossible de comprendre que la manipulation ne passe pas que par la politique, mais aussi par la pop culture, la pub, les médias.

La culture, c’est l’antidote à la bêtise algorithmique

Aujourd’hui, l’intelligence artificielle trie pour nous ce que nous devons voir et penser. Netflix nous suggère ce qu’on doit regarder. Spotify choisit notre bande-son. Google nous montre ce qui va conforter nos opinions. Résultat : on est enfermés dans des bulles cognitives. La culture, la vraie, permet de sortir de ce piège.

Regarder un film iranien au lieu du dernier blockbuster formaté, lire un roman de science-fiction au lieu d’un post LinkedIn motivant… Ce sont ces choix qui enrichissent la pensée, qui nous confrontent à d’autres réalités. Sinon, on reste dans un monde où tout est mâché, où on ne fait qu’absorber ce qui nous est servi. En résumé, pour se cultiver, il faut sentir des sentiers battus, des chemins tracés.

Lire, voir, écouter : un cerveau qui fonctionne mieux

La culture, c’est aussi une musculation mentale. Lire régulièrement améliore la mémoire, renforce la concentration et booste la créativité. Des études montrent que les personnes qui lisent plus de livres développent une meilleure capacité d’analyse et une plus grande empathie.

Mieux encore : la musique classique améliore les performances cognitives, l’apprentissage d’une langue et d’une culture étrangères retarde les maladies neurodégénératives. Donc oui, se cultiver, c’est utile. Ce n’est pas juste pour briller en société, c’est aussi développer son cerveau et s’armer intellectuellement dans un monde où l’information est devenue un champ de bataille.

Sans culture, pas d’émancipation

L’histoire le prouve. Chaque mouvement de libération s’est accompagné d’un éveil culturel. La Renaissance, les Lumières, Mai 68… Partout, la culture a été un moteur de révolution. Aujourd’hui, certains veulent nous faire croire que la culture, c’est pour l’élite. Que lire un essai, aller voir une expo, c’est pour les « bobos ». Mensonge !

Frida Kahlo, Banksy, le hip-hop, le punk… Autant d’expressions artistiques issues du peuple, qui bousculent, qui questionnent. Qui rappellent que la culture appartient à tout le monde. Pas aux élites, pas aux académiciens. À ceux qui veulent s’en emparer.

Alors, on fait quoi ?

Je pourrais en rajouter, en faire des tartines sur le sujet. Mais je synthétise : arrêtons de dire qu’on manque de temps, qu’on n’est pas à la hauteur, qu’on n’y comprend rien, que c’est un truc d’intello. Une heure de scroll peut être remplacée par une heure de découverte. Un podcast intelligent au lieu d’un énième replay d’émission creuse. Un documentaire au lieu d’une série formatée. Chaque choix compte. Chaque livre lu, chaque film vu, chaque œuvre admirée, c’est une brique posée dans la construction d’un esprit libre.

La culture, ce n’est pas un bonus. Ce n’est pas un passe-temps. C’est une nécessité.

Et si on arrêtait de la snober ?

Cet article En quoi la culture est cruciale (et pourquoi il faut arrêter de la snober) est apparu en premier sur The ARTchemists.

C’est quand même un peu l’idée à la base. Aller au MaMA = repérer des musiciens, des groupes, valeurs montantes, jeunes pousses prometteuses. Et artistes venus d’ailleurs, 40 % en moyenne pour cette édition 2024. L’ensemble est réparti en catégories, disons rap, rock, folk, chanson française (parce que quand même la francophonie, quoi !).

Foire à la saucisse musicale ?

À partir de là ? Foire à la saucisse ? Que nenni. Chacun va chercher non pas son chat, mais sa pépite mélodique, le cocktail qui lui fera chavirer le cœur, bouger le popotin et filer des grosses envies de programmation. Je n’échappe pas à la règle ; quand je passe le line-up du MaMA au crible, je suis en quête DU coup de cœur.

Désespérément, devrais-je ajouter, moi qui aurais tendance à me lamenter sur la platitude plancheàpanesque du paysage musical international. PMI dont il faut quitter d’urgence les autoroutes mainstream pour parcourir les chemins de traverse et autres maquis créatifs où prospèrent dans l’ombre des champignons musicalo-hallucinogènes de très grande qualité.

Dénicher la perle rare

Champignons qui quelquefois se retrouvent embarqués dans l’aventure MaMA par la grâce des muses, des dispositifs de repérage de talents et autres festivals, labels, SMAC aussi désireux que moi de dénicher la perle rare. Question donc : combien de perles rares pour cette 15eme édition ? Pas évident de se repérer dans cette fourmilière.

Une centaine d’artistes ont pris d’assaut le festoche trois jours, investissant salles et bars de Pigalle pour autant de lives qui frénétiques, qui concentrés, qui recueillis. Des lives auxquels du reste je n’assiste pas, étant coincée dans ma cambrousse (public éloigné/empêché qu’ils disent au ministère, je traduis 1h30 de Paris en RER, la cinquantaine + 20 kg bien que toujours dynamique, et un peu ras-le-bol de me niquer les chevilles à galoper d’une salle à l’autre).

Primo playlist et échantillons coups de coeur

Résultat : écoute dans mon home sweet home, qui débouche sur un premier tri et pas de recalés, mais une primo playlist où vous découvrirez l’ensemble de la prog moins mes crushes (et vous apprécierez au passage l’ampleur de l’affiche) :

Bon, cela étant acquis, évoquons ceux qui ont retenu mon attention, ce qui revient à 1/6eme de la prog initiale (un ratio plus qu’honnête) dont voici les noms balancés dans le désordre, avec un petit échantillon musical en prime. C’est parti !

Syqlone

Honnêtement, ça claque ! Syqlone n’a pas choisi son nom de guerre par hasard. La dame pratique le cyber-chaâbi comme d’autres, le sport de combat, et avec un talent, une maestria rares. Les musiques tradis maghrébines et arabes, elle les cuisine en mode electro bass musique et pas dans la tendresse. Bref j’adore !!!!

Getdown Services

Moustachus/dodus/velus : Josh et Ben, les deux potes de Getdown Services, savent booster une salle, la preuve en image et en son. A leur crédit, un sens évident du groove, un mélange bien dosé de rock, de pop, de Krautrock, des textes où ils rongent la nonchalance moderne comme des clébards un os. Franchement prometteur !

Baby Bersek

Amsterdam/Toronto : voici l’axe géographico-culturel qui a accouché du trio Baby Bersek. Electro, new wave, disco mais encore ? Le son du groupe est tout droit marqué au bon sens glacial des 80’s avec une touche glamour qui ferait craquer la banquise si elle n’était pas déjà en train de se disloquer. « Dansons sous les bombes » titrait Patrice Eudeline. Pour sûr, ce serait au rythme de Baby Bersek !

Joao Selva

Soleil dans la voix, lumière des accords, Joao Selva porte avec lui les merveilles d’une musique brésilienne où se mêlent des accents africains, caribéens. Douceur, douceur, chaleur, chaleur : on savoure, on se laisse porter, on apprécie : le cocktail coule tout seul, et ça fait beaucoup, beaucoup de bien.

Bibi Club

Poésie, quand tu nous tiens… le duo canadien Bibi Club puise son inspiration dans le quotidien, la puissance des sentiments, le mystère des attaches, l’attraction des êtres. Le tout se cristallise sur une ligne mélodique qui a tout de la ritournelle, de la comptine pour enfants déclinée en accents synthétiques d’un charme fou.

Théa

Pas facile d’être une gamine dans le monde actuel ? Théa a pris le taureau de la vie par les cornes et se lance dans une corrida musicale pensée comme un grand cri de rage. Si les gnons sont au programme, le public en prend son lot, autant que la chanteuse qui rend coup pour coup. Emo-core pulpeux, juteux, scabreux : la recette est d’une efficacité inouïe !

Soeurs Malsaines

Derrière ce patronyme pour le moins inquiétant, un collectif dont les membres sont répartis sur l’ensemble du territoire. A la clé une techno ultra-léchée et agressive pour des textes au scalpel qui dénoncent avec cynisme le mal-être ambiant, l’intolérance, la difficulté d’exister, quand on est femme, homo, hors normes. Forcément, ça fait beaucoup de monde. La musique de Soeurs malsaines s’érigent donc en porte voix pour nombre d’entre nous. Fédératrice, sans concession, entière. Engagée.

Rust

Le Liban et la Syrie rassemblé en un duo séjournant à Prague : plus cosmopolite que Rust, tu meurs ? Petra et Hani distillent dans leurs compos toute la beauté de la musique traditionnelle arabe, rehaussée de sonorités electro travaillées avec justesse et poésie. La voix, la langue, les mots se posent sur les cadences avec grâce et aisance ; la magie opère sans même qu’on s’en rende compte. Merveille…

Luana Flores

Le sens du rythme, du folklore, du théâtre : un set de Luana Flores, c’est un peu de tout ça et plus encore. Un shoot d’énergie pure et dure, une jolie folie qui hybride les influences, les genres sur un rythme dément. Brésil oblige, le croisement des cultures s’opère naturellement dans ce torrent musical fait pour hypnotiser ceux qui l’écoutent. Attention, sorcellerie à l’oeuvre pour vous envouter !

Meltheads

Militant pour un post punk résolument explosif, le quatuor anversois n’y va pas par quatre chemins pour vous coller ses tracks en pleine tronche avec la grâce d’un bourreau s’acharnant à coup de hache sur l’échine d’une comtesse. Allez savoir pourquoi, en écoutant Meltheads, je pense aux regrettés Von Pariahs. Comme quoi il existe encore des rock’n’rolla pour bradir haut et ferme l’étendard de la rébellion ! Ouf, me voici rassurée !

Madam

Trois petites minettes qui crachent leur rock épais et épineux comme d’autres balancent des pavés dans les vitrines : Madam occupe l’espace et ne compte pas déposer les armes, au contraire. Douées, c’est incontestable, ces demoiselles occitanes excellent à secouer la scène lors de lives consistants et généreux où il fait bon pogoter pour le meilleur du meilleur. Pourquoi s’en priver, que diable ?!

Shobra Elgeneral

Chantre de l’electro-shâabi, l’Egyptien Shobra El General propose des mélodies ciselées comme les arabesques d’un palais qu’on aurait propulsé dans l’espace. Une sorte de Millenium Falcone qui fend les constellations pour revisiter les 1001 Nuits en mode rave party. Beaucoup, beaucoup de personnalité dans ces compositions où la voix fait écho aux instruments pour un effet de fusion sidérant.

Maya Kamaty

Pop urbaine créole ? Réducteur. Maya Kamaty dynamite les cases et les chapelles pour imposer sa royale attitude, son univers. Rien de dire que la dame a beaucoup de chien, une élégance innée, une énergie peu commune, la prestance d’une diva et le talent qui va avec. Le potentiel, éclatant, aveugle, qui envahit la scène tandis qu’elle enchante l’audience, la domptant comme le ferait une déesse d’un cheval en colère. Ouais, une déesse, je ne vois que ce mot-là.

JOUBe

Un amoureux des sons doublé d’un Géo Trouvetou avec l’âme d’un Raymond Poulidor : JOUBe milite pour une electro chargée d’émotion et d’originalité. Au centre de son univers, un vélo de course transformé par ses soins en platine/machina/table de mixage. Honnêtement, ça en jette, c’est innovant, surprenant, éco-friendly, engagé, onirique. En résumé, le genre d’expérimentation qui s’écoute, s’observe, se rêve.

Nathalie Froelich

Suissesse, rapeuse, et la langue bien pendue : Nathalie Froelich fonce dans le tas et ne fait pas de quartier. Break, bass, hip hop, le tout inondé de paroles à la TNT… gare à l’impact, vous serez à genoux… et vous risquez fort de supplier pour en remettre une couche. Car la sorcière a un p….n de talent, de l’abattage, des choses à hurler/renvendiquer. Bref, elle est taillée sur mesure pour cette mission et elle s’en acquitte avec les honneurs !

Jungle Sauce

Pas de MaMA qui tienne sans un power trio qui arrache. C’est Jungle Sauce qui s’y colle pour accoucher d’un electro rock servi en bleu de chauffe ! Fusion au poing, les trois loulous originaires des Hauts-de-France jonglent avec les sons, les tessitures, les rythmes, multipliant les cassures de cadence avec la virtuosité d’acrobates entre jazz cosmique et rock débridé. Un régal !

DVTR

Du nerf, du nerf, le punk des Canadiens DVTR ne fait pas dans la dentelle et n’a aucune pitié. Pas de froufrous donc, mais derrière le bordel apparent, la rigueur est de mise, comme en témoignent des compos structurées en mode brutaliste, sur lesquelles s’enroulent des paroles scandées comme des mantras, des riffs crus hurlés en pleine transe. Honnêtement, ça fait du bien par où ça passe !

Ikan Hyu

Bon, elles ont l’air tout choupi mignon vu comme ça, mais quand vous les lâchez sur scène, les Suissesses de Ikan Hyu ne s’en laissent pas compter. On a beau remballer le chocolat et la fondue, planquer les lingots dans les coffres, ces deux furies ont bien l’intention de commettre le hold-up du siècle, et elles, elles le font avec fougue, talent et panache. On croyait le rock moribond ? Ces dames lui ont appliqué un massage cardiaque des plus efficaces. On en redemande !!!!!

Bon si vous êtes arrivé.e jusque-là, bravo, votre courage et votre abnégation ne sont plus à prouver. Votre amour de la musique et des jeunes talents non plus ! Le MaMA 2024, commeses prédecesseurs, a rempli le contrat avec maestria. Du talent émergent, de l’artiste venu d’Ailleurs, nous avons fait le plein, convaincus que les musiques actuelles ont encore beaucoup de choses à nous dire. Tant mieux !

Cet article MaMA 2024 : zoom sur nos trouvailles musicales ! est apparu en premier sur The ARTchemists.

• 2 jours
• 3 lieux
• 4 scènes
• 30 artistes
• et un challenge : imposer une prog de talents émergents !

Tu veux faire le plein de good vibes et de sons tout frais, de vibrations inédites et de chair musicalement fraîche ? Le festival Hop Pop Hop est fait pour toi. Et l’édition 2023 devrait particulièrement t’accrocher les tympans.

Pas une seule grosse tête d’affiche

Pas une seule grosse tête d’affiche accrochée au fronton du line-up du très orléanais Hop Pop Hop. Et pourtant, le festival initié en 2016 par la SMAC locale L’Astrolabe fait le plein chaque année, s’offrant même le luxe de résister à la vague covidienne. Il fallait le faire ! Il faut dire qu’aux commandes, on trouve un certain Fred Robbe. Fin connaisseur de la scène musique actuelle internationale, ce grand monsieur n’a eu de cesse, sa carrière durant de valoriser les jeunes talents.

Et il a un flair acéré pour ça, il faut bien le reconnaître ! Audacieux, enthousiaste, la tête sur les épaules : un vrai pro qui n’hésite pas à miser sur les projets les plus inattendus. Pour tout dire, ce fut le premier que nous avons croisé et interviewé durant notre premier Printemps de Bourges en 2011 (The ARTchemists venait de naître, pourtant il nous a fait confiance) : il portait alors le projet FUMUJ, groupe avec lequel il avait testé des installations permettant à des publics malentendants de sentir la musique.

Une prise de risque stylistique et financière ?

Convaincu, passionné, un chevalier JEDI qui continue à défricher inlassablement le chemin pour permettre à des groupes, des artistes d’éclore et de fleurir. Pas évident car beaucoup prétendent aujourd’hui à devenir musiciens, seulement tous n’ont pas l’étoffe, la créativité, la solidité pour ça. Il revient donc à des programmateurs comme Robbe :

• d’évaluer la durabilité des projets, leur portée et de faire le tri en amont
• de choisir volontairement des line-up moins prestigieux que les poids lourds type Rock en Seine.

Une prise de risque stylistique et financière ? Pas forcément. Il y a une place pour des festivals comme Hop Pop Hop qui servent de rampe de lancement aux Blur du futur tout en initiant des publics qui n’ont pas forcément accès aux grands festivals (ni les moyens pour se payer des billets devenus inabordables). Grands festivals par ailleurs tenus à des impératifs de rentabilité absolue. Bref, si tu veux trouver des valeurs sûres dans un paysage musical sursaturé par des produits musicaux formatés, sans couleur ni odeur, c’est vers des events type Hop Pop Hop qu’il faut te tourner !

Un décloisonnement à marche forcée

En matière de musicos bourrés de talent et de potentiel, l’édition 2023 de Hop Pop Hop n’en manque guère. Pour tout dire, je peine à choisir des favoris dans les trente noms qui composent l’affiche, ce qui est rarissime pour votre humble servante. Ils viennent des quatre coins de la planète, s’illustrent dans des genres différents, mais sont tous des flèches, des pointures. On va donc la jouer en mode transversal, et tenter une synthèse qui sera forcément castratrice.

Première claque : le grand écart stylistique opéré par la prog a tout pour te faire vivre un grand huit émotionnel. Cela se traduit par :

• Les belges de Sons, dont je savoure quotidiennement ou presque le tripant « Succed » en tête de ma playlist. Fleuron post punk chargé d’adrénaline, le quatuor déploie ici et comme à son habitude une énergie acide qui te bouffe le cerveau, les oreilels et les tripes. Grand moment !
• Aux antipodes, on trouve la douceur de Radio Hito, projet d’une infinie douceur porté par la très inspirée Zen My Nguyen, ses claviers, ses paroles en italien.

Et les deux jours de Hop Pop Hop sont comme ça : un éventail de ressentis particulièrement forts, une explosion des codes, des définitions, des émotions. Bref un décloisonnement à marche forcée qui fiche un grand coup de latte dans la pétaudière des hits pré-formatés dont on nous gave à longuer de post Insta. Oxygénation intellectuelle en urgence : HPH remplit sa mission d’ouverture des méninges avec un succès incontestable, et nous rappelle au passage que la musique, ce n’est pas que la daube infecte dont nous alimentent les algorithmes.

Tendances à suivre !

Ce qui m’amène à un deuxième constat : vive les mélanges, les croisements, les expérimentations. Ici les genres bougent, nous sommes dans un labo où chaque artiste donne à voir sa manière de trafiquer les styles pour accoucher d’un projet bien à soi, dans lequel chaque spectateur se reconnaître.

• À ce titre, la Botte est ici représentée de manière dynamique par des pépites comme l’electro Dame Area ou Ada Oda (un groupe belge qui chante en italien) et son rock en lame de rasoir, preuve que la patrie de Dante n’a rien perdu de son mordant.
• L’Ailleurs enraciné dans l’Ici ? Kutu, Nana Benz du Togo, Etran de l’Aïr, trois façons de mêler grattes, synthés, machines et folklore, de repenser intégralement les musiques du monde, l’influence ethnique.
• La poésie des sons ?
  • Borja Flame et son approche onirique de la compo sur laquelle s’enroulent des textes en espagnol ;
  • Hippie Hourrah, venu de son Canada natal avec une valise de compos psyché ciselées comme de magnifiques hanaps de cristal ;
  • Nikola qui branche un rock en apparence sage avec un flow rap ; l’effet est plus que séduisant.
• Power duos are the best !
  • O. : Une fille, un garçon, des drums, un saxo = un power duo en apparence allumé, en fait structuré à la note près, qui hybride rock, jazz et dub sans faire de quartier. D’une efficacité redoutable !
  • Elles sont punk, elles sont deux : Grife. Diane et Victoria, une basse, un tom, un goût affirmé pour le tronçonnage comme syndrome prémenstruel. Génial et guttural, des guerrières qui ont la langue et le mediator bien pendu !
• Vive ces dames justement : pas de bonne prog sans une focale sur la prod au féminin. On retiendra quatre noms
  • Cate Hortl et son électro glaciale comme la banquise avant le réchauffement climatique, à moins qu’il ne s’agisse d’une lame de guillotine suspendue dans l’air, prête à frapper ?
  • Lisa Ducasse, venue de son Île Maurice natale avec des mélodies envoûtantes de sirène mélancolique en mal d’amour.
  • Eloi, des textes dark, des cadences torturées, une dark pop matinée de minimal et une tendance certaine à brûler ses rêves comme ses ours en peluche.
  • Alice : trois Suissesses, un synthé, une boite à rythme, des textes mélancoliques faussement candides, poignants de souffrance contenue, pudiques… et un sens certain de la mise en scène rentre dedans avec de tout petits moyens. Arte Povera vaincra !!!!
• Accords bruitistes avec les Anglais de Maruja, les Irlandais de Gilla Band, le belge Bothlane : trois façons d’aborder la distorsion mélodique comme un art de vivre, de penser, de dévorer la mélodie

C’est un bref aperçu que j’effectue ici, le mieux est encore d’être sur site et de se laisser porter d’une scène à l’autre pour savourer les prestations scéniques de tout ce petit monde. Car un bon live ne ment jamais. Cela entre aussi dans l’équation. Là aussi, mission accomplie. Après deux jours de festoches, nous revenons avec le plein de talents à suivre, de musiques à écouter/réécouter pour le meilleur du meilleur ! Mission accomplie pour Hop Pop Hop 2023 et à l’année prochaine !

Et plus si affinités

Pour suivre l’actu du festival Hop Pop Hop, voir les photos de l’édition 2023 et vous informer de l’édition 2024, suivez le site de l’événement ainsi que son compte Instagram.

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