Une équipe à l’écoute du territoire et du temps

En cuisine comme en salle, la grande créativité de Théo Gourbeyre se caractérise par une rigueur discrète et une finesse délectable, loin des effets de manche trop souvent associés à la jeune gastronomie. Fort d’un parcours solide et d’expériences dans plusieurs grandes maisons, Gourbeyre impose une ligne de conduite claire et énergique : le produit, le produit, rien que le produit ! Cette philosophie se lit d’ailleurs immédiatement sur la carte : trois entrées, trois plats, trois desserts, un choix resséré en apparence, mais qui garantit une complète maîtrise.

Derrière cette carte courte, il y a des gens : les producteurs et artisans locaux. Ce sont eux qui dictent le menu au rythme des saisons. On peut citer le boulanger du Petit QJ, le maraîcher de la Ferme du Père Bouillon … ils sont loin d’êtres les seuls. Ce réseau de confiance tissé avec autant de patience que de passion permet à la cuisine du Chandelier de refléter fidèlement la richesse du terroir sarthois. Oubliez la course aux produits exotiques ; dans ces murs au demeurant charmants dans leur épure, on mange local car c’est une évidence !

Deux temps, une même exigence

L’établissement joue habilement sur deux registres selon le moment de la journée, offrant ainsi une accessibilité remarquable sans compromettre la qualité. Le midi, l’approche se veut bistronomique : une cuisine directe, conviviale et réfléchie qui permet de découvrir le travail du chef dans un cadre détendu. Cette invitation à la pause déjeuner sort de l’ordinaire, sans la solennité parfois associée à la haute gastronomie.

Le soir, l’ambiance bascule : l’élaboration des plats prend toute sa mesure, laissant place à une gastronomie plus fouillée. Mais le fil rouge demeure le même : la surprise. On découvre dans son assiettes des compositions de belle facture, on explore en bouche des associations qu’on n’aurait jamais osées soi-même, et qu’on adore. C’est ça, la vraie réussite du Chandelier : nous extraire de nos zones de confort gustatives avec une justesse qui force le respect.

Une vision entrepreneuriale rare

Par-delà l’assiette, Le Chandelier se distingue par une vision entrepreneuriale rare. Dans un secteur où tout va souvent beaucoup trop vite, l’établissement fait le pari inverse : celui de la patience. Loin du « show-off », l’objectif est avant tout la pérennité revendiquée et assumée. Il s’agit de souder l’équipe, de renforcer patiemment les liens avec les artisans et de bâtir un projet sain, capable de durer.

Cette volonté de s’inscrire dans le temps long se lit aussi dans le choix de l’implantation et l’histoire des lieux. Ici, un restaurant avait disparu dans un incendie il y a onze ans. En reprenant cette adresse face au château, Le Chandelier marque un retour essentiel pour le dynamisme de Montmirail. C’est aussi le pari d’un chef en émergence qui a préféré le caractère concret et authentique de la ruralité plutôt que les projecteurs de la capitale. La province s’avère un terrain d’expression idéal pour qui veut construire du durable. Ce choix géographique, cette stratégie de développement prouvent qu’on n’a pas besoin des métropoles pour faire de la grande cuisine.

En somme, Le Chandelier s’impose comme une adresse incontournable du perche sarthois, non par le bruit qu’il fait, mais par la justesse, la sagesse de sa proposition. Entre une carte courte et maîtrisée, un ancrage avec des partenariats locaux solides et un projet entrepreneurial qui privilégie la vision à long terme, l’établissement réussit le pari d’une gastronomie émotionnelle et responsable. Une étape incontournable dont vous ressortirez comblé.e.

Pour en savoir plus et préparer votre venue, consultez le compte Instagram du restaurant Le Chandelier.

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C’est un euphémisme de dire que la ARTchemists’team bingewatche. Pour être honnête avec vous, nous passons une partie conséquente de notre temps libre à regarder films et séries. Parfois en alternant. Ce qui occasionne parfois des croisements aussi audacieux que révélateurs. Exemple ? Dernièrement, j’ai regardé en parallèle les séries Hercule Poirot avec David Suchet et Hannibal avec Mads Mikkelsen. A priori rien de commun : les univers d’Agatha Christie et de Thom Harris sont aux antipodes. Deux ambiances. Deux époques. Deux registres. Deux narrations. Surtout deux héros en totale opposition. En apparence. Parce qu’au fil des épisodes, je commence à me demander si ces deux personnages n’ont finalement pas certains points en commun. Explications.

Hercule Poirot : un génie en marge de la société anglaise

On ne présente plus Hercule Poirot, le célébrissime détective belge inventé par Agatha Christie, et qui revient en boucle dans sa bibliographie (38 romans, 51 nouvelles, 2 pièces de théâtre). Diffusée à partir de 1989, la série Hercule Poirot avec David Suchet est souvent perçue comme l’incarnation la plus “classique” de cet univers littéraire (même si j’avoue un faible pour l’interprétation de Peter Ustinov). Décors élégants, intrigues soigneusement construites, respect scrupuleux des textes, tout y est, y compris la prestation cinq étoiles d’un acteur phare qui colle parfaitement au rôle.

Pourquoi ? Parce que Suchet fait ressorti ces facettes qui font de Poirot un héros à part.

• Poirot est étranger. Belge, maniéré, obsessionnel, il détonne dans la société britannique qu’il traverse. On le traite régulièrement avec condescendance, on se moque de ses manies, on le tolère plus qu’on ne l’accueille, souvent même on l’insulte, il subit le racisme ambiant dans les années 20/30. En résumé, Poirot est un ovni social, accepté uniquement parce qu’il est utile.
• Son dandysme n’est pas un simple trait comique. C’est une affirmation identitaire, une preuve de sa droiture morale, de sa conception du monde et de la société. Costume impeccable, moustache sculptée, amour du beau, de l’ordre, de la culture, Poirot se construit comme un îlot de civilisation dans un monde qui, sous ses airs policés, dissimule jalousies, violences et pulsions meurtrières.
• Son génie est mental. Il observe, écoute, assemble. Il dissèque le crime comme le ferait un scientifique ou un philosophe. Plus que tout, il croit fermement à une chose essentielle : la vérité peut être, doit être dite, même si elle dérange, même si elle détruit des réputations.
• Il aime la bonne cuisine, c’est un gastronome doté d’un nez, d’un palais d’une grande finesse. A l’occasion, il n’hésite pas à se mettre aux fourneaux, excelle à cuisiner des plats rares pour son ami Hastings.

Hannibal : le prédateur civilisé

Hannibal, créée par Bryan Fuller et diffusée à partir de 2013, appartient à un tout autre univers. Cette série ultra-baroque, extrêmement stylisée, d’une rare violence, met en scène le tristement célèbre Hannibal Lecter, psychiatre brillant, esthète absolu et tueur cannibale créé initialement par Thomas Harris et qu’on voit à l’œuvre dans les romans Dragon rouge et Le silence des agneaux. Incarné au cinéma par Anthony Hopkins, il l’est à la télévision par Mads Mikkelsen.

Dans un cas comme dans l’autre, il semble clair que Lecter est tout ce que Poirot n’est pas censé être. Et pourtant, en grattant un peu, des points de convergence apparaissent

• Hannibal est lui aussi un homme de culture, doté d’un grand raffinement. Il aime l’art, la musique classique, les beaux objets, les costumes sur-mesure, son érudition est sidérante, sa connaissance de la psyché humaine aussi.
• C’est, on le sait, un adepte de haute gastronomie. Chaque repas est pour lui une cérémonie. Chaque geste culinaire est ritualisé, chaque plat composé comme un tableau de maître. La violence, chez lui, n’est jamais brute : elle est mise en forme.
• Lecter épaule le FBI dans ses enquêtes. Il observe les crimes, les comprend mieux que quiconque, non parce qu’il les combat, mais parce qu’il les pense. Il est consulté, sollicité, apprécié — mais jamais vraiment intégré. Trop brillant, trop dérangeant, trop inassimilable, il demeure en marge.

Là où Poirot est marginal par son étrangeté sociale, Lecter l’est par excès de lucidité. Il voit trop bien le monde pour s’y soumettre.

Alors duel ou pas duel ?

Round 1 : le dandysme comme langage

Chez Poirot comme chez Lecter, le dandysme n’est pas décoratif. C’est un langage de pouvoir. Tous deux utilisent la politesse, la culture et le raffinement comme des armes. Ils imposent leur rythme, leur esthétique, leur supériorité intellectuelle.

Ils ne cherchent pas à se fondre dans le décor : ils s’en distinguent. La différence est morale, pas structurelle. Poirot utilise le dandysme pour affirmer une civilisation de l’esprit. Lecter l’utilise pour sacraliser sa propre loi.

Round 2 : des génies à part

Poirot et Lecter partagent un trait fondamental : ils sont seuls. Certes Hastings et Miss Lemon sont de fidèles compagnons de Poirot, de même Will Graham, Abigail Hobbes et Bedelia Du Maurier pour Lecter. Mais basiquement, intrinsèquement, ce sont des loups solitaires.

Leur intelligence les isole. Ils comprennent trop vite, trop bien. Ils voient les mécanismes humains avant les autres. Cette lucidité les place hors du commun, mais aussi hors du lien social ordinaire. La société les entoure, les observe, les respecte, parfois les craint. Mais elle ne les accepte jamais vraiment.

Round 3 : des conseillers occultes du pouvoir

Ni Poirot ni Lecter n’appartiennent réellement aux institutions qu’ils servent. Poirot aide la police, mais reste extérieur à Scotland Yard, défendant farouchement son statut de détective privé indépendant. Lecter conseille le FBI, mais depuis une position de contrôle, voire d’enfermement, et sans jamais négliger son cabinet et ses patients dont il encourage les pires facettes.

Tous deux ne sont jamais assimilés, s’y refusent. En se distançant, ils préservent leur indépendance, affirment leur différence, s’amusent de ce contrôle qu’ils exercent en continu sur des forces de l’ordre incapables de rivaliser avec leur intellect, ces petites cellules grises que Poirot cite régulièrement.

Round 4 : morale contre esthétique

C’est ici que le duel bascule.

• Poirot croit à la morale, il en est le défenseur convaincu et inflexible. Même lorsqu’il comprend les motivations d’un crime (Le Crime de l’Orient Express notamment), il s’attache à une forme de justice, à une vérité révélée devant tous. N’oublions pas que le whodunit dont il est une pure émanation vise, in fine, une restauration de l’ordre.
• Hannibal Lecter, lui, se situe au-delà de la morale commune qu’il méprise. Il juge, sélectionne, punit selon ses propres critères esthétiques, choisissant soigneusement ses victimes dans un carnet d’adresse alimenté par les coordonnées de celles et ceux qu’il juge indignes de vivre. La justice devient personnelle, presque artistique. Le crime est un acte de distinction.

Deux époques, un même mythe, pas de vainqueur

Si Poirot et Lecter se répondent si puissamment, c’est parce qu’ils incarnent chacun leur époque.

Poirot appartient à un monde qui croit encore que la raison peut contenir le mal. Lecter naît dans un monde désenchanté, où l’intelligence ne protège plus de la barbarie, elle peut même à l’occasion l’amplifier. À cinquante ans d’écart, ces deux anti-héros forment un diptyque fascinant : le génie civilisé avant la chute, le génie civilisé après la perte des illusions.

Poirot contre Lecter, c’est un combat entre le bien et le mal qui pourrait accoucher d’une conversation entre deux figures extrêmes de l’intelligence humaine. L’un choisit l’ordre. L’autre choisit le chaos maîtrisé. Mais tous deux posent la même question, toujours brûlante : que fait-on des esprits trop brillants pour rentrer dans le cadre ?

Et c’est sans doute pour cela que, visionnées aujourd’hui en parallèle, les deux séries se répondent avec une telle évidence. Parce que chacun des personnages en leur centre nous rappellent que la culture, la politesse et le génie ne sont jamais neutres. Ils sont des formes de pouvoir. Et parfois, de danger.

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Cela va peut-être étonner les plus candides d’enter vous, mais le monde de la géopolitique n’est pas uniquement peuplé de tanks, de missiles, de discours onusiens et de négociations barbouziennes. Non, non, non, dans cette histoire il faut aussi compter avec le soft power. Vous avez peut-être déjà entendu le mot, sans trop capter de quoi il s’agit vu que la notion est assez retorse. Dommage car la logique est vraiment efficace, et que nous sommes tous.tes touché.es. Attachez vos ceintures, on plonge dans le monde fascinant du pouvoir doux !

Qu’est-ce que le Soft Power ?

Déjà une petite définition la plus claire possible : le soft power, c’est l’art de séduire et d’influencer sans recourir à la force brute. Concrètement ça donne quoi ? Imaginez une soirée où vous devez convaincre quelqu’un de choisir votre série préférée. Plutôt que de crier et de menacer, vous sortez vos arguments les plus subtils : les critiques élogieuses, les scènes marquantes, le charisme des acteurs. Eh bien, c’’est exactement ce que font les pays sur la scène internationale avec le soft power : ils utilisent la culture, les valeurs et les politiques attractives pour gagner des alliés, diffuser leur point de vue et influencer l’opinion mondiale pour aller dans leur sens.

Le terme a été forgé à la fin des années 1980 par le politologue américain Joseph Nye, professeur à Harvard, dans son ouvrage Bound to Lead: The Changing Nature of American Power (1990). Nye y conteste le déclin annoncé de la puissance américaine après la Guerre froide, en proposant une nouvelle grille de lecture du pouvoir : selon lui, la capacité d’un pays à influencer les autres sans contrainte, par l’attraction plutôt que par la coercition, constitue une forme de puissance à part entière. Nye oppose ainsi le hard power, fondé sur la force militaire et les pressions économiques, au soft power, qui repose sur la culture, les valeurs politiques (liberté, démocratie, droits humains) et la légitimité de la politique étrangère. C’est une puissance plus diffuse, souvent moins visible, mais redoutablement efficace dans un monde interconnecté où l’image et la narration jouent un rôle crucial.

Dans ses ouvrages ultérieurs, notamment Soft Power: The Means to Success in World Politics (2004) et The Future of Power (2011), Nye affine sa pensée et introduit l’idée de smart power : une combinaison stratégique du hard et du soft power. D’autres chercheurs, politistes et spécialistes des relations internationales ont enrichi le concept :

• Pierre Bourdieu, sans utiliser le terme « soft power », a largement exploré la notion de violence symbolique et de domination culturelle, qui préfigure certaines réflexions sur l’influence douce dans un cadre global.
• Le sociologue Manuel Castells a travaillé sur le pouvoir des réseaux et l’économie de l’image dans la société de l’information, en lien avec l’idée d’une influence par la communication.
• Dans une perspective critique, des auteurs comme Edward Saïd (avec le concept d’orientalisme) ont souligné que le soft power peut aussi masquer des dynamiques néocoloniales, lorsque la séduction culturelle sert des objectifs de domination.

Soft power in real life

Ok mais sur le terrain, in real life, ça donne quoi ? Comment se décline le soft power ? Quelle tournure ? Quelle logique ? Voici quelques exemples géographiques pour mieux cerner la chose (vous allez voir, en fait vous connaissez bien le concept sauf que vous ne le saviez pas mais heureusement The ARTchemists sont là).

Les États-Unis : Hollywood et McDonald’s

Ah, les États-Unis ! Pas pour rien que l’idée vient de là. Les Américains ont compris depuis longtemps l’importance du soft power. Hollywood, c’est un peu la machine à rêves mondiale. Les blockbusters américains envahissent les écrans de la planète, façonnant les imaginaires et les aspirations de millions de personnes. Ajoutez à cela des marques comme McDonald’s et Coca-Cola, des réseaux sociaux comme Facebook ou X et vous avez un cocktail explosif de soft power. Ces éléments véhiculent une image de liberté, de succès et de prospérité, mais au finish il s’agit d’implanter les valeurs made in USA un peu partout dans nos petits crânes.

La Corée du Sud : K-pop et K-dramas

Qui aurait cru il y a vingt ans que la Corée du Sud deviendrait une superpuissance culturelle ? Avec la montée en puissance de la K-pop (merci BTS !) et des dramas coréens, le pays a su s’imposer comme une référence mondiale en matière de divertissement. En 2020, par exemple, le film Parasite a remporté l’Oscar du meilleur film, une première pour un film non anglophone, illustrant parfaitement cette ascension fulgurante.

La Chine : les routes de la soie culturelles

La Chine n’est pas en reste, au contraire. Elle utilise le soft power pour améliorer son image sur la scène internationale, notamment à travers des initiatives comme les Instituts Confucius, présents dans le monde entier afin de promouvoir la langue et la culture chinoises. De plus, elle investit massivement dans des productions cinématographiques internationales,organise des événements culturels de grande envergure, comme les Jeux olympiques de Pékin en 2008, et prête des pandas en leasing aux zoos les plus célèbres de la planète.

Soft power : facettes stratégiques

Les avantages du soft power ? Innombrables et bien pratiques. Tout principalement, cette méthode d’influence :

• évite les coûts humains et financiers des conflits armés,
• crée des alliances durables fondées sur l’admiration et le respect mutuel plutôt que sur la peur ou la coercition.

Bref c’est juste génial, ça évite de s’égorger. Et ça donne une excellente image du pays qui soft powerise. Ainsi, la France s’est imposée au fil des années comme un modèle de culture et de sophistication grâce à son cinéma, sa cuisine, son art de vivre, ce qui renforce son influence mondiale sans un seul coup de fusil.

Allons un peu plus loin dans cette analyse. Quelles sont les composantes d’un soft power abouti ?

La diplomatie culturelle

Les musées, les expositions et les festivals internationaux sont autant d’outils de diplomatie culturelle. Les pays organisent et sponsorisent ces événements pour partager leur culture et renforcer leurs liens avec d’autres nations. Par exemple, l’Inde organise à Paris depuis 2010 le festival Namasté France — une initiative de diplomatie culturelle portée par l’Ambassade d’Inde et l’ICCR, en partenariat avec l’Institut français. Ce festival pluridisciplinaire (musique, danse, artisanat, ateliers, gastronomie) a rassemblé plus de 20 000 visiteurs en 2023, illustrant un engagement durable dans le dialogue interculturel.

L’éducation et les échanges académiques

Les bourses d’études et les programmes d’échange académique sont des moyens puissants de soft power. Les étudiants étrangers sont exposés à la culture du pays d’accueil où ils partent faire leur cursus ; ils peuvent ainsi devenir des ambassadeurs culturels lorsqu’ils rentrent chez eux. Exemple type et particulièrement abouti, le DAAD, service allemand d’échanges universitaires, est l’un des plus puissants programmes de soft power éducatif au monde. Il finance des milliers de mobilités d’étudiants, d’enseignants et de chercheurs chaque année, dans une logique de coopération scientifique et culturelle. L’Allemagne s’affiche ainsi comme un pays ouvert, rigoureux, moderne, cultivant une image de partenaire fiable, particulièrement dans le monde universitaire.

Médias et divertissement

Les films, les séries télévisées, la musique, les jeux vidéo, mais aussi les formats courts ou les webtoons, sont aujourd’hui parmi les vecteurs les plus puissants du soft power culturel. Ils façonnent les représentations, véhiculent des styles de vie, font rayonner des langues, des esthétiques, des récits nationaux. Grâce aux plateformes de streaming comme Netflix, YouTube, Spotify ou TikTok, les contenus culturels circulent à une vitesse inédite et touchent des publics mondiaux — souvent bien au-delà des intentions initiales. La cinématographie indienne, avec ses codes visuels, ses récits mélodramatiques et son ancrage dans les mythologies locales, s’est imposée comme un pôle culturel majeur en Asie, en Afrique et au Moyen-Orient. Bollywood ne vend pas seulement des films, mais aussi une certaine image de l’Inde : festive, colorée, spirituelle, moderne et profondément enracinée dans ses traditions.

Soft power : un atout pour l’art et la culture… ou une menace ?

L’art et la culture ont toujours circulé, inspiré, ému au-delà des frontières. Mais dans un monde où l’image d’un pays constitue un levier stratégique, ils sont de plus en plus perçus comme des outils d’influence. Le soft power s’infiltre désormais dans les logiques de production culturelle. Est-ce une chance pour les artistes et les institutions ? Ou un risque d’instrumentalisation, voire de formatage ?

Un levier de rayonnement… et de soutien

Le soft power a indéniablement ouvert des portes à la création artistique. Dans certains pays, les politiques culturelles intègrent cette dimension stratégique pour mieux soutenir leurs artistes à l’international. La Turquie, par exemple, a misé massivement sur l’exportation de ses séries télévisées (« dizi »), devenues des succès populaires dans les Balkans, au Moyen-Orient, en Afrique et jusqu’en Amérique latine.
Des productions comme Diriliş: Ertuğrul, épopée néo-ottomane portée par des valeurs traditionnelles et une imagerie nationale forte, participent à façonner une image valorisante et influente de la Turquie contemporaine. Ce succès, aussi sincère soit-il sur le plan artistique, incarne une forme de soft power parfaitement orchestrée, mêlant récit national, nostalgie impériale et stratégie culturelle régionale.

En France, l’action culturelle extérieure repose sur un écosystème d’aides, de festivals, d’instituts et de subventions, qui favorise le rayonnement international d’une culture diverse et plurielle. Ce soutien permet à des cinéastes, des auteurs, des musiciens de faire entendre leur voix bien au-delà de l’espace francophone.

Quel est le prix culturel du soft power ?

Lorsque la culture devient un vecteur stratégique, elle risque de s’aligner sur des critères de visibilité, de désirabilité ou de conformité à une image souhaitée. Certains projets sont favorisés parce qu’ils « représentent bien » une esthétique ou un récit national, tandis que d’autres sont relégués car jugés trop critiques, trop dérangeants.

C’est le cas du cinéaste iranien Jafar Panahi, plusieurs fois emprisonné, censuré, puis interdit de tourner dans son propre pays. À l’international, ses films sont célébrés, primés à Berlin, Cannes ou Venise. Ils participent à l’image d’un Iran culturellement raffiné et intellectuel, tout en étant condamnés par les autorités qu’ils dérangent. Cette récupération paradoxale témoigne de la manière dont une œuvre dissidente peut renforcer le prestige culturel d’un pays malgré lui.

De façon inverse, certains artistes critiques sont progressivement neutralisés par la reconnaissance institutionnelle. C’est ce qu’a connu le musicien nigérian Fela Kuti, dont la musique radicale et militante a longtemps été rejetée par le pouvoir, avant d’être célébrée comme symbole de fierté nationale, une fois sa figure iconique stabilisée.

Les artistes, des ambassadeurs malgré eux ?

Beaucoup de créateurs ne se pensent pas comme des instruments diplomatiques. Leur œuvre naît d’une démarche intime, esthétique, politique. Mais dès qu’ils rencontrent le succès à l’international, ils deviennent, volontairement ou non, des symboles de leur culture d’origine.
C’est le cas de Studio Ghibli, au Japon, dont les films porteurs d’univers oniriques, d’écologie douce et de spiritualité subtile ont projeté dans le monde une vision apaisée, poétique et positive de la culture japonaise. À l’opposé, des figures comme Ai Weiwei (Chine), dont l’art est frontalement politique, sont érigées comme icônes de la liberté d’expression à l’étranger, alors qu’elles sont effacées de l’espace public national.

Une tension féconde ?

La relation entre soft power et création artistique est donc profondément ambivalente. Elle peut être fertile, lorsqu’elle offre aux artistes des moyens, une visibilité, une reconnaissance. Mais elle peut aussi être limitante, lorsqu’elle oriente les productions vers ce qui est « exportable », « positif », « non dérangeant ».

Pour préserver la vitalité artistique, il est essentiel de maintenir des espaces de création autonomes, à l’abri des impératifs diplomatiques ou des logiques d’image. Car le rôle profond de l’art n’est pas seulement de séduire ou de représenter : c’est aussi de troubler, de questionner, de résister — et c’est en cela qu’il reste, paradoxalement, l’un des vecteurs les plus puissants du soft power véritable.

Le soft power n’est ni bon ni mauvais en soi. C’est un outil, une stratégie, une énergie culturelle en mouvement. Reste à savoir qui l’emploie, dans quel but, et avec quelles limites. Car derrière la séduction douce se joue parfois une partie d’échecs bien plus rude.
Alors la prochaine fois que vous chantez un tube de BTS, regardez une série turque ou écoutez un auteur exilé à la radio, demandez-vous : suis-je juste un public ? Ou déjà un pion sur l’échiquier du pouvoir ?

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Ouais, je sais, c’est très con comme titre, mais franchement, c’est ce qui m’est venu à l’esprit en bouclant le binge watching des trois saisons de The White Lotus. Et quel binge watching, mes aïeuls  ! Je l’ai dévorée, cette série, les trois saisons en enfilade. L’anti Camping, rien à voir avec Les Flots bleus chers à Onteniente, où on s’aime, on s’engueule, on se réconcilie autour d’un apéro et de bonnes valeurs de partage et d’égalité devant l’adversité. Non, avec The White Lotus, on plonge direct dans une piscine de venin. Un venin doux, perfide, mais d’une redoutable efficacité. La série ne porte pas ce nom par hasard. Un personnage de la première saison fait justement allusion aux Lotophages, ce peuple cité dans l’Odyssée et qui sombre dans l’oubli à force d’ingérer une boisson à base de lotus. Le showrunner Mike White ne faisant jamais rien pour rien, la référence est loin d’être un accident, elle offre même une grille de lecture mordante de cette comédie humaine 5.0. Mordante jusqu’à l’absurdité la plus totale.

Cadre paradisiaque et satire sociale

On connaît l’origine covidienne de la série. En pleine pandémie, HBO sollicite Mike White pour créer une série à tourner dans un lieu confiné. Quoi de mieux qu’un hôtel, où de par le monde s’entassent alors des centaines de touristes mis en quarantaine ? Inspiré par la cocasserie de la chose, White prend sa plus belle plume (la plus acérée du reste) pour accoucher de la première saison de The White Lotus. The White Lotus : un palace de très très grand luxe, à Maui, où débarquent plusieurs clients issus de la jet set américaine. Richissimes, insupportables, paumés. Des gosses mal élevés et capricieux.

Un couple de jeunes mariés qui sont loin d’être en osmose pour leur lune de miel, une famille en pleine déliquescence, une célibataire quinquagénaire, bardée de millions et dépressive. Tout ce petit monde compte bien savourer une semaine de repos dans un cadre paradisiaque. Mais White va faire en sorte que cela tourne au cauchemar, avec en perspective une satire sociale féroce qui décortique les dynamiques de pouvoir et les tensions sociales de ces clients fortunés avec un personnel hôtelier pour le moins exploité.​

Success stories à vomir

Le cadre est posé, le schéma se décline sur les trois saisons avec une régularité de métronome et le plein de péripéties et de frissons. Pas de surprise sur l’issue du séjour ; à chaque fois, on débute par la résultante du désastre : cercueil, cadavres, fusillade. D’emblée, White annonce la couleur, funèbre. Reste à savoir comment le paradis se transforme en enfer. C’est l’objet des épisodes que d’opérer un méticuleux flashback, tissant ainsi la chronique pour le moins corrosive d’un cataclysme annoncé.

Shakespearien n’est-ce pas ? Surtout très balzacien. Ce curieux mélange, cru et sans complexe, est saupoudré de sexe, de stress, d’anxiolytiques, de cocktails et de fruits (observez les assiettes, ces carnassiers sociaux se gavent de fruits à longueur de repas, dans la plus totale ignorance de la gastronomie propre aux restaurants de ces palaces étoilés). Beaucoup de promesses, beaucoup de mensonges, de l’égoïsme à la pelle, pour un portrait sans concession de millionnaires incarnant des success stories modernes à vomir. Et cela monte en puissance sur les saisons 2 et 3, qui ont lieu en Sicile puis en Thaïlande.

Une jungle cernée par la mer

Il n’y en a pas un pour rattraper l’autre. Les personnages façonnés par White sont imbuvables, pitoyables, trop vaches, trop naïfs et vides, incroyablement vides. Antipathiques au possible pour certains, empathiques jusqu’à la nausée pour d’autres. C’est à celui qui bouffera l’autre, dans cette atmosphère faussement cossue où les coups bas se font en douce et dans le dos. Ignoble et difficile à avaler, poignant parfois, désolant toujours. Une jungle cernée par la mer, symbole du cycle inexorable de la vie et de la mort, de la nature toute-puissante.

Certains s’en sortiront, d’autres pas. Chacun.e repart de son séjour avec quelque chose en plus ou en moins, c’est selon. L’amour, le deuil, la liberté, la misère, la richesse, la sagesse, la folie, le détachement, l’inquiétude… En tout cas, les valeurs de base en ressortent ébranlées, fissurées, dynamitées. Séjourner dans un palace White Lotus, c’est à coup sûr se soumettre à une initiation qui ne dit pas son nom, mais qui sera cinglante et laissera des traces.

Profils à couteaux tirés

Et les stars d’abonder dans ce décor de rêve pour prêter leur visage à ces profils à couteaux tirés : impossible de tous les citer, les castings de chaque saison sont monumentaux. On gardera en tête Jennifer Coolidge, odieuse et touchante, Aimee Lou Wood et Walton Coggins, couple improbable et fusionnel, Jason Isaacs bourré de tranquillisants, Sam Rockwell parti en free style dans un couloir d’hôtel, Murray Bartlett en petite tenue et coquine compagnie dans son bureau, Natasha Rothwell corsetée dans ses principes…

Toutes et tous apportent leur personal touch à cette fresque déjantée, parfaite expression de l’ironie de la vie. Un équilibre délicat, une construction improbable, mais solide, où les plans de toute beauté dialoguent avec les séquences les plus scabreuses en parfaite harmonie. Comme si le retour à un paradis sublimé déchaînait la bête qui sommeille en chacun.e de nous. Tel un avertissement, le générique prend aux tripes, ponctué par une musique qui vous bouffe les méninges. Cristóbal Tapia de Veer signe là une compo unique en son genre, qui s’enroule autour de vous comme un boa constrictor et ne va pas vous lâcher les synapses de si tôt.

Incroyable contradiction

Tout comme le souvenir de ces histoires aussi sordides que magnifiques, ces instants d’héroïsme ou de lâcheté, ces éclairs de bonté, ces secondes d’orgueil. Hautement philosophique… et trompeur. Tout le monde ne percevra pas la saveur piquante de ces contes morbides. Incroyable contradiction qui reflète l’aveuglement ambiant à l’ère de l’instagrammable way of life : critique acerbe du tourisme de luxe et des privilèges des élites, The White Lotus s’est paradoxalement imposée comme une vitrine de choix pour les marques de luxe, suscitant ainsi le débat sur la cohérence entre son message et sa présentation.​

Comme l’explique le site Dans ta pub, les hôtels accueillant chaque saison ont fait le plein suite à la diffusion des épisodes, ainsi le San Domenico Palace à Taormine qui affiche désormais complet pour de longs mois. La robe Dolce & Gabbana portée par Jennifer Coolidge dans la saison 2 a vu ses recherches en ligne augmenter de 150 % après la diffusion de l’épisode correspondant. De même, des marques comme Gucci et Jacquemus ont bénéficié d’une exposition significative grâce aux tenues arborées par les acteurs.

Foutage de gueule ? Cynisme assumé ?

Bref, le placement produit dans The White Lotus a le vent en poupe, relayé avec fracas dans les magazines comme Vogue. Et que dire des produits dérivés ! Les collaborations commerciales se succèdent : ainsi, Bloomingdale’s a lancé une collection capsule de 34 pièces en partenariat avec la série, comprenant des vêtements et accessoires inspirés de son esthétique.​ On imagine les profits réalisés par les producteurs qui ont monnayé ces placements produits, ces partenariats trop nombreux pour être ici répertoriés sans tomber dans l’inventaire à la Prévert.

Pourtant, cette mise en avant du luxe a de quoi interroger, non ? Le message de la série, qui dénonce clairement les excès liés à la richesse, ce déversement de luxe presque grotesque, contredisent cette politique publicitaire intense. D’un côté, critiquer avec virulence le consumérisme et les privilèges, de l’autre, les promouvoir de la façon la plus dynamique qui soit. Contradiction ? Foutage de gueule ? Cynisme assumé ? Selon certains analystes, cette dualité refléterait le caractère paradoxal de la société contemporaine piégée entre adulation et critique du monde du luxe, dixit le Los Angeles Times.​ A moins que White, malicieux, joue la carte de l’absurde à la Ionesco, histoire de piéger même son public.

Étonnant, pour ne pas dire inquiétant. Car, à moins d’être complètement décérébré, on ressort des trois saisons de The White Lotus avec un goût particulièrement ignoble en bouche, le sentiment d’être face à une fin de règne, l’écroulement d’un monde. Et on n’a pas envie d’en faire partie, de participer à ce jeu de massacre sur fond de luxe tapageur et rance. Surtout, surtout pas.

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Il y a peu, nous visitions l’exposition La naissance des grands magasins au MAD : une plongée passionnante dans un Paris haussmannien revisité de fond en comble à l’heure des grandes avancées de la révolution industrielle propulsée par le Second Empire. Comme son titre l’indique, le livre 24 heures dans la vie d’un restaurant – Paris 1867 aborde cette même période de mutation, mais du point de vue gastronomique. Une approche passionnante et étonnante !

Halles et soupers mondains

Docteur, enseignant et chercheur en Histoire contemporaine, David Michon a choisi comme domaine d’investigation la problématique de l’alimentation et de la gastronomie à l’ère moderne. C’est donc tout naturellement qu’il s’intéresse à l’émergence des restaurants dans la Ville-Lumière à l’heure où Napoléon III en fait une capitale monde concentrant tous les regards, attirant toutes les attentions, s’érigeant en cité modèle en matière de progrès technologique et marketing.

Pour mettre en exergue ces avancées, Michon relate le quotidien d’un établissement fictif, Chez Gustave. Depuis le petit matin et la visite des Halles où acheter les denrées nécessaires jusqu’aux heures avancées de la nuit, quand les soupers mondains se succèdent dans l’intimité des cabinets particuliers, l’auteur évoque le quotidien de ces restaurants qui participent du succès parisien, métropole de tous les plaisirs.

Une agora inédite

Comment fonctionne un restaurant à l’époque ? En quoi est-il le miroir d’une société française en pleine métamorphose ? De quelle manière l’évolution du régime alimentaire se reflète-t-il dans la création de menus inédits et particulièrement succulents ? Car le restaurant n’est pas seulement un endroit où l’on vient manger, savourer des recettes succulentes, des plats raffinés ; c’est aussi un espace d’échanges et de négociations, un lieu où on discute, on s’affiche.

Certains y affirment leur pouvoir, leur réussite. D’autres y affichent leur révolte, leur contestation. Le restaurant du Second Empire constitue une agora inédite ainsi qu’un business en pleine expansion, dont les métiers, les usages, la stratégie de vente se constituent alors, en parallèle de l’essor de l’industrie du luxe. Avec précision mais sans jamais nous lasser, David Michon dévoile les dessous de cet univers qui adopte alors de nouveaux process, met en avant des manières de faire aujourd’hui toujours d’actualité.

24 heures dans la vie d’un restaurant – Paris 1867 est une manière ô combien efficace de comprendre la logique présente de la gastronomie en scrutant avec attention ses racines, son émergence dans un siècle qui a posé le socle de notre monde actuel.

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Initié par Thomas Harris avant de prendre vie à l’écran sous les traits de l’hypnotique Anthony Hopkins, Hannibal Lecter s’est imposé comme l’archétype du serial killer oxymorique : distingué et cultivé, pour ne pas dire précieux, cet intellectuel se transforme en assassin en un clin d’œil, avec un penchant très net pour un cannibalisme sophistiqué vécu comme un sommet de cruauté gastronomique. Pas forcément un modèle à suivre donc, et pourtant… C’est le pari un peu dingue du livre Agir et penser comme Hannibal Lecter que de tirer les leçons philosophiques de ce mode d’existence. Et de nous en faire profiter au passage.

Décrypter le labyrinthe d’un esprit tortueux

Une plaisanterie de mauvais goût ? Pas tant que ça, au contraire même. Stéphane Garnier s’empare de ce personnage emblématique de la pop culture pour scruter sa carrière et ses frasques. Lecter coach de vie, rien que ça ? Eh bien oui, et l’analyse, publiée aux éditions de l’Opportun, est, reconnaissons-le, aussi captivante que surprenante. Conçu comme un menu raffiné digne d’un restaurant étoilé, ce parcours dans une psyché pour le moins énigmatique porte son lot de révélations, d’enseignements et d’audaces.

Entrecoupant ses analyses de séquences emblématiques des films Le silence des agneaux de Jonathan Demme, Hannibal de Ridley Scott, Dragon rouge de Bret Ratner, Garnier tente de décrypter le labyrinthe d’un esprit tortueux car supérieur, qui a beaucoup à nous transmettre et qui ne s’en prive guère du reste. Régulièrement des lettres adressées à l’auteur depuis sa mystérieuse retraite par un Lecter très en verve entrecoupent et relancent le fil d’une réflexion profonde et dépourvue d’a priori.

Une irrépressible attirance

Pas très moral ? Certes, mais ne soyons pas hypocrites. Qui n’a pas succombé au charme de l’énigmatique, du séduisant Lecter, malgré son goût prononcé pour la manipulation mentale et la gastronomie cannibale ? C’est aussi l’objectif de ce singulier ouvrage que de nous confronter à une irrépressible attirance, pour en comprendre les rouages, en tirer les conclusions qui s’imposent. Un régal authentique pour l’esprit, relevé d’une pointe de cynisme, de beaucoup d’humour, mais dont le message est chargé de sens.

Animal ou cannibale ? Bon ou mauvais ? Et s’il convenait de dépasser cette logique binaire exsangue pour penser la complexité humaine en d’autres termes ? C’est à ce voyage en terre psychique inconnue que nous invite Garnier tandis qu’il dépèce le mental d’un héros consentant, comme on le ferait d’une pièce de gibier prête à être cuisinée. Juste retour des choses ? Autopsier l’esprit de Lecter, c’est éclairer bien des ombres… et en éveiller d’autres.

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Depuis sa création en 2011, beaucoup de rédacteurs se sont succédés au sein de la team The ARTchemists : étudiants, professionnels, passionnés, artistes… Certains ont rédigé de manière ponctuelle et éphémère, d’autres sont restés un certain temps avant de partir vers d’autres aventures. Et puis il y a le noyau dur, les infaillibles, celles et ceux qui sont là depuis le début ou presque et sans lesquels The ARTchemists auraient sombré depuis belle lurette. Les voici.

Delphine NEIMON – Rédatrice en chef

Fondatrice, directrice, rédactrice en chef et rédactrice sur le webmagazine The ARTchemists, Delphine Neimon est par ailleurs rédactrice professionnelle, consultante et formatrice en communication. Son dada : créer des blogs professionnels.
Sur The ARTchemists, outre l’administratif et la gestion du quotidien, elle s’occupe de politique, de société, de théâtre.

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Dauphine de CAMBRE – Chroniqueuse

Grande amatrice de haute couture, de design, de décoration, Dauphine de Cambre est notre fashionista attitrée, notre experte en lifestyle, beaux objets, gastronomie. Elle aime chasser les tendances, détecter les jeunes créateurs. Elle ne jure que par JPG, Dior et Léonard.

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Padmé PURPLE – Chroniqueuse

Padmé Purple est LA rédactrice spécialisée musique et subcultures du webmagazine The ARTchemists. Punk revendiquée, elle s’occupe des playlists, du repérage des artistes, des festivals, des concerts. C’est aussi la première à monter au créneau quand il s’agit de gueuler !

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Arthur GETENET-RISACHER – Chroniqueur

À seulement 25 ans, Arthur Getenet Risacher incarne une nouvelle génération de coachs en sport santé : passionné, dynamique et ancré dans son époque. Diplômé en sciences du sport et fort d’une expérience variée dans le coaching individuel et collectif, il ne se contente pas de promouvoir l’activité physique – il cherche à la connecter à des dimensions plus vastes, comme la culture et l’art de vivre.

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Benjamin GETENET – Chroniqueur

Quand il n’est pas en train de s’occuper de ses patients (il est psychologue dans le civil) ou de rédiger sur son blog professionnel, Benjamin Getenet s’occupe des domaines scientifique et psychologique dans les rubriques de The ARTchemists. Normal, c’est un geek, passionné d’ordinateur, de mécanique, de tout ce qui fait « bip », « vroum » et autres cliquetis.

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Dieter LOQUEN – Chroniqueur

Natif de Zurich, Dieter Loquen a pris racine à Paris il y a maintenant 20 ans. On le rencontre à proximité des théâtres et des musées. De la capitale, mais pas seulement. Il aime particulièrement l’émergence artistique. Et n’a rien contre les projets à haut potentiel queerness.

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Cédric CHAORY – Chroniqueur

Attaché de presse de son état, Cédric Chaory est un fin connaisseur de l’industrie du spectacle, par ailleurs danseur et passionné de théâtre. Quand il ne nous parle pas de chorégraphie, il chronique des expositions ou des livres qu’il a aimés.

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Bonjour à vous qui passez par cette page !

Vous adorez la culture sous toutes ses formes et considérez qu’il faut la défendre et la promouvoir ?

Vous êtes passionné.e par l’art, la musique, le cinéma, la littérature, la gastronomie, ou toute autre forme d’expression culturelle ?

Vous avez la plume qui vous démange et aimeriez bien lui donner des ailes ?

The ARTchemists sont en quête de talents littéraires expérimentés ou débutants dans votre genre.

Objectif : publier vos articles et vos points de vue inédits.

Certes, c’est une activité bénévole, mais riche de perspectives !

L’occasion de :

• laisser libre cours à votre créativité ;
• promouvoir et célébrer la culture qui en a bien besoin ;
• échanger et travailler avec d’autres passionnés ;
• profiter de l’expertise et de la visibilité de The ARTchemists ;
• améliorer vos compétences en rédaction, en recherche et en analyse.

Cela vous tente ? Alors vite, vite, envoyez-nous un mail pour nous en dire plus sur votre parcours, vos préférences. Ajoutez-y un petit échantillon de votre écriture (si vous n’en avez pas, pas d’inquiétude, vous ne serez ni le premier ni le dernier auteur qu’on formera), vos coordonnées et nous nous ferons une joie de vous contacter pour en discuter et vous expliquer un peu comment on travaille.

Notre adresse : contact@theartchemists.com

À très vite pour vous rencontrer… et vous publier ?

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Les amateurs de Puzo, Coppola et Scorcese le savent bien : pas de bon récit sur la mafia sans scène de repas. Qu’il s’agisse de The Godfather, Good Fellas, Casino, les séquences où les parrains et leurs familles mangent sont essentielles, encore plus celles où nous les voyons préparer ces repas fort appétissants… quand ils ne finissent pas dans le sang. La tentation est grande d’en savoir plus sur ces recettes aussi mystérieuses qu’emblématiques, d’où un filon intéressant à exploiter pour les éditeurs. La preuve avec Le Parrain: Le livre de cuisine de la famille Corleone, A table avec la mafia : 90 recettes italo-américaines et La mafia se met à table.

Le Parrain : Le livre de cuisine de la famille Corleone – Liliana Battle et Stacy Tyzzer

En quelque 200 pages, Liliana Battle et le photographe Stacy Tyzzer nous font pénétrer dans la cuisine de la famille Corleone pour savourer les plats préférés du Parrain. Explorant les scènes où Vito, Michael et leur entourage se mettent à table, les auteurs en tirent des recettes savoureuses qui fleurent bon la Sicile, avec une touche américaine. Sauce tomate, veau marsala, gnocchi d’amour, ce livre aborde l’épopée familiale Corleone par son côté culinaire, en nous révélant ces secrets de cuisine aux parfums aussi agréables que dangereux.

À table avec la mafia : 90 recettes italo-américaines – Claire Dixsaut et Philippe Di Folco

Même formule avec le livre A table avec la mafia : 90 recettes italo-américaines, édité du reste en 2009, 10 ans avant Le Parrain : Le livre de cuisine de la famille Corleone. Sauf qu’ici, en plus des trois volets de The Godfather, nous partons découvrir les cuisines mafieuses de plusieurs autres films cultes dont Il était une fois en Amérique de Sergio Leone ou Les Affranchis de Martin Scorcese. D’un côté, nous découvrons la séquence en question, photo, contexte et explication à l’appui, de l’autre la recette du plat qui y est dégusté par les personnages.

La Mafia se met à table – Jacques Kermoal et Martine Bartolomei

Édité en 2000 chez Actes Sud, le livre de Jacques Kermoal et Martine Bartolomei évoque dix grands moments de l’histoire de la Mafia sicilienne, dix grands tournants qui se sont décidés autour d’une table. Banquet de Messine en 1860, déjeuner chez Lucky Luciano à Naples en 1962, les auteurs relatent le pourquoi du comment de ces rendez-vous historiques ainsi que leurs retombées… tout en insistant sur la composition de chacun de ces festins. Ces pages offrent ainsi une plongée passionnante dans la gastronomie sicilienne et ses richesses, flan de châtaigne, mérou au four, courge à l’aigre-douce… Et des frissons contradictoires, de plaisir et de terreur, car ces plats magnifiques, ancrés dans un patrimoine séculaire, un terroir fertile, une culture ancestrale, font partie intégrante d’un cérémonial mortifère, d’un rituel funèbre : autour de ces mets délicats, se décide l’avenir de Cosa Nostra, sa politique de terreur, entre racket, pots-de-vin et massacres. De quoi faire une belle indigestion ?

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Ah l’Italie, nous en parlons souvent dans nos articles, fascinés que nous sommes par la culture de ce pays légendaire… et par sa gastronomie. Pizze, pasta, antipasti, dolce font souvent la Une de notre rubrique gastronomique pour le plus grand bonheur de nos papilles. Mais derrière charcuterie, parmesan et gnocchi, c’est une histoire d’ancrage culturel qui se joue. Car les restaurateurs dont nous parlons, souvent, très souvent, sont d’origine italienne, installés en France il y a peu… ou depuis une centaine d’années, dans la mouvance des grands flux migratoires du début du XXᵉ siècle. C’est cette diaspora que raconte l’exposition Ciao Italia.

La migration la plus importante connue par l’Hexagone

Orchestrée par Dominique Païni, Stéphane Mourlane et Isabelle Renard pour le Musée national de l’histoire de l’immigration, et accessible désormais en version virtuelle, ce parcours est sous-titré « Un siècle d’immigration et de cultures italiennes en France (1860-1960)« . Il revient sur les causes, le mécanisme et les retombées d’un impressionnant déplacement de population, à ce jour la migration la plus importante connue par l’Hexagone. C’est qu’il a bien fallu les occuper, ces emplois générés par une croissance économique forte.

Un enracinement lent mais profond

Les Italiens vinrent, parfois les mains vides, pour travailler dans le bâtiment, les mines, les commerces, l’agriculture, amenant avec eux leurs traditions, leur foi, leurs plats, leur langue… Confrontés à un racisme d’une rare violence, rejetés, critiqués, ils vont progressivement s’enraciner, malgré tout. Un enracinement lent mais profond, jusqu’à imposer leurs expressions dans notre langue, comme l’évoque avec justesse et malice un des ultimes panneaux du parcours.

Légendes versus réalités

Très habilement, l’analyse proposée confronte la réalité d’un ancrage complexe et long, les légendes urbaines qui déforment la perception de cette communauté, l’apport en matière de culture et de talents multiples. Serge Reggiani, Yves Montand, Lino Ventura, la dynastie circacienne des Fratellini, le Campari, la Vespa, la Simca, les ligues antifascistes, … l’exposition dépasse ainsi la vision magnifiée d’une Italie de cinéma pour détailler l’expérience d’une lente et définitive intégration, désormais une référence.

Album photo réalisé par Benjamin Getenet et Delphine Neimon.

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