Civil War : au premier visionnage, ce film m’a laissée anéantie. Avec en bouche un goût de prémonition. Une sorte de miroir tendu où apparait la violence la plus crue. La plus inutile. Le brûlot d’Alex Garland est sorti sur les écrans en 2024. Nous terminons l’année 2025 et chaque image de ce road movie en enfer trouve écho dans la réalité. Ce qui n’a rien de rassurant.

Guerre intestine

Civil War : alors que les États-Unis se déchirent, qu’une guerre intestine ravage le pays, met à mal les populations, quatre journalistes quittent New-York et ses émeutes pour rallier Washington et obtenir une interview du président retranché dans une maison Blanche fortifiée. Leur périple va tourner à l’odyssée macabre tandis qu’ils approchent de leur but. Scène après scène, l’hyperpuissance américaines se décompose ainsi que ses valeurs démocratiques. On torture, on exécute, on massacre. Les milices de la Mort opèrent un peu partout, dans une totale impunité et sans jamais qu’on en comprenne les motivations, les revendications.

Ces séquences pourraient avoir lieu au Salvador, au Chili, en Sierra Leone, en Haïti, au Népal. Garland, qui n’évoque jamais les origines de ce conflit fratricide, scotche le spectateur en ancrant ces moments insupportables dans la riante campagne américaine, avec en toile de fond des paysages d’une beauté confondante. Grandeur imperturbable de la nature vs vide idéologique de l’affrontement humain. Personne ne brandit de manifeste, personne ne prononce de grands discours sur la liberté ou la justice. On se bousille allègrement, on fait parler les armes, pas de loi, plus de justice. Le Far West.

Fracture permanente

Prémonitoire et terriblement actuel : Garland pointe du doigt une Amérique où la fracture est instituée en état permanent, en mode de vie. La guerre n’est plus un affrontement d’idées, c’est un système par défaut, une toile de fond pour survivre. Les milices tirent sur tout ce qui bouge. Les soldats exécutent sans se poser de questions. L’apocalypse (now) surgit entre deux champs de maïs. La banalité de l’horreur est terrifiante précisément parce qu’elle n’a pas besoin de se justifier. Plus d’idéologie = plus de limite. Juste la barbarie comme langage universel.

Au cœur de ce cauchemar, quatre reporters. Lee (Kirsten Dunst, magnétique), la légendaire photographe de guerre dont le prénom évoque Lee Miller, qui a tout vu, tout enduré, tout sacrifié et qui n’en peut plus de capturer autant de brutalité avec son objectif. Joel (Wagner Moura), l’écrivain survitaminé qui carbure à l’adrénaline (avec alcool et came en prime). Sammy (Stephen McKinley Henderson), le vétéran sage, journaliste expérimenté mais si vieux qu’on se demande comment il va tenir le choc. Et Jessie (Cailee Spaeny), 23 ans, des étoiles dans les yeux et un Nikon en bandoulière, qui va ici faire son initiation. Leur boussole morale ? On photographie pour que les autres posent les questions. Cette phrase, c’est leur doctrine. Leur carapace. Leur condamnation aussi.

L’héritage Robert Capa

Le film expose la réalité du journalisme de guerre et c’est clairement un sacerdoce doublé d’un chemin de croix. Le badge « PRESS » ne protège de rien. Dans une scène glaçante, un tireur d’élite (joué par Jesse Plemons, terrifiant) leur demande froidement : « Quel genre d’Américains êtes-vous ? » avant de décider s’ils méritent de vivre ou non. La presse n’est plus un contre-pouvoir, juste une cible supplémentaire. Lucide, cruellement. Presque documentaire jusque dans la restitution du caractère de ces reporters addicts au tumulte. Lee et ses camarades ont besoin d’être au cœur de l’action, pour capter la photo qui va « changer le monde », l’info qui va faire le scoop. Leur cynisme constitue l’armure nécessaire pour continuer à regarder l’horreur en face. Ils sont les héritiers de Robert Capa, cherchant toujours à être « assez près » – quitte à y laisser leur humanité… et leur vie.

Et Garland de nous transmettre cette frénésie via l’astuce filmique des arrêts sur image. En pleine séquence d’action, il interrompt le mouvement pour nous balancer une photo fixe de cette même action. Une fraction de seconde. Un corps qui s’effondre. Un visage figé dans la terreur. Un soldat mort les yeux ouverts. Le sang poisseux qui se répand. Le feu, les explosions, l’angoisse, la colère. Ces images sont pensées comme des agressions visuelles. Le procédé force ainsi le spectateur à vivre l’expérience du reporter : faire fi du danger pour capturer l’instant, le figer, le transformer en document. En objet. En marchandise de l’horreur ? Dixit tous ces clichés atroces qu’on consomme à la pelle sur nos fils d’actu et qui nous insensibilisent ?

Tragique passation

C’est l’incohérente fatalité à l’œuvre dans cette fable qui a tout du réel. Lee, photographe émérite, talentueuse ô combien mais usée jusqu’à la corde émotionnellement et physiquement, passe le flambeau à la jeune Jessie qu’elle initie comme le ferait une grande prêtresse d’une néophyte. Jessie qui, au fil des fusillades et des escarmouches, va oublier sa peur pour s’abandonner tandis que Lee, elle, s’étiole. La passation trouvera son accomplissement tragique lors de l’assaut final sur la Maison Blanche. Une scène magistrale qui invoque le pouvoir démiurgique de l’image, la vie, l’énergie qu’on vole lorsqu’on photographie quelqu’un.

Une sorte de portrait ovale en temps de guerre, un instant d’une beauté terrifiante. Et qui laisse le spectateur sans voix, honteux, recroquevillé dans son fauteuil comme un gosse terrifié par les le fracas des rafales de fusil d’assaut, les explosions, les cris. La conception sonore du film ici est essentielle, répartie entre fusillades, hurlements, silences et morceaux de pop et country qui habillent ces séquences de combat pour les rendre encore plus intolérables.Histoire de rappeler que la destruction fait partie de l’ADN culturelle des USA en particulier et de l’humanité en général ?

Civil War donc ? Un électrochoc. Garland ne nous offre aucun réconfort, aucune catharsis. Pas de héros qui sauvent la situation. Pas de fin heureuse. Un constat glacial, visionnaire : quand une démocratie se fracture, quand la violence se banale, quand les reporters sont des cibles… il est déjà trop tard. Hommage déchirant au journalisme de guerre, à ces hommes et femmes qui risquent leur vie pour que nous sachions, le film souligne LA problématique par excellence : à quoi sert-il de témoigner si personne n’écoute ? Or aujourd’hui, plus personne n’écoute, ne regarde, ne décrypte. Garland n’évoque pas un futur dystopique mais une sinistre réalité en train de se concrétiser sous nos yeux, dans l’indifférence générale. Et quand on observe ces images, on a le sentiment qu’il est déjà trop tard.

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Le film Pentagon Papers (2017) se termine sur l’effraction du Watergate, reprenant presque plan par plan le début du film culte d’Alan J. Pakula. Réalisé en 1976 Les Hommes du président (All the President’s Men) poursuit la saga médiatique entamée par Spielberg quarante après, s’imposant ainsi comme une référence incontournable du press movie. Un classique du genre et un choc filmique qui n’a rien perdu de sa puissance ni de sa justesse : au coeur de ce récit, le scandale du Watergate tel qu’il fut dévoilé par le Washington Post.

Deux journalistes face à l’État

Washington, 1972. Une étrange effraction a eu lieu dans les locaux du Parti démocrate, au sein de l’élégant complexe du Watergate. Une affaire mineure ? Pas pour Bob Woodward (Robert Redford) et Carl Bernstein (Dustin Hoffman), deux jeunes journalistes du désormais très couru Washington Post. Leur flair ne les trompe pas : ce banal fait divers cache en fait une véritable affaire d’État.

Manipulations, pressions politiques et menaces se multiplient. À force d’obstination, de recoupements et de nuits blanches, les deux reporters, cornaqués par un certain Ben Bradlee, rédacteur en chef du post et initiateur de la publication des Pentagon papers, remontent la piste jusqu’à la Maison-Blanche. Résultat : la démission, deux ans plus tard, du président républicain Richard Nixon, qui préfère jeter l’éponge que d’être reconnu coupable d’avoir orchestré cette opération d’espionnage et d’avoir tout fait pour l’escamoter, quitte à mentir et trahir.

Un thriller d’investigation

Sous ses dehors de film “parlé”, Les Hommes du président démontre de manière éclatante le pouvoir de la presse et de sa nécessité démocratique, une pure émanation, fondatrice du reste, du journalisme drama, autrement appelé press movie. Mais c’est aussi un thriller frénétique, d’une redoutable efficacité.

Pas de courses-poursuites, pas de scènes de crime : tout se joue dans les silences, les appels téléphoniques, les classeurs poussiéreux, les cafés tièdes et les machines à écrire. Alan J. Pakula filme cette enquête comme une descente dans les sous-sols du pouvoir, avec une mise en scène au scalpel. La lumière aveuglante de la salle de presse où les deux reporters rédigent leurs articles dialogue avec les ombres des parkings où des sources anonymes dévoilent les dessous de cette sale histoire de barbouzes. Plans séquence prenants, gros plans scrutateurs, c’est le triomphe du réalisme, sans effets ni glamour.

Redford/Hoffman : le duo parfait

Robert Redford et Dustin Hoffman, qui incarnent Woodward et Bernstein (le duo était surnommé Woodstein par leur rédacteur en chef), livrent des performances sobres et tendues. Ils campent deux journalistes ordinaires, déterminés, maladroits, humains. Leur alchimie repose sur leurs différences : l’un est méthodique, l’autre instinctif. Ensemble, ils incarnent la presse dans ce qu’elle a de plus précieux : le doute, la rigueur, l’obsession de la vérité.

Au-dessus d’eux plane la figure de Ben Bradlee (Jason Robards), rédacteur en chef droit dans ses bottes, qui leur donne les moyens d’agir… mais aussi la responsabilité qui va avec. Il fallait ce casting (et l’excellente B.O. de David Shire) pour donner de l’épaisseur au scénario et porter cette réflexion sur le rôle des institutions, le courage individuel, la place du citoyen face au pouvoir, cela sans tomber dans la leçon morale.

Quatre Oscars et un modèle

Pas de grands discours : le film montre, il ne théorise pas. Il fait confiance au spectateur pour saisir l’ampleur du scandale, l’importance du travail de fond, et les menaces sourdes qui pèsent sur les libertés. En cela, il reste très actuel. À l’ère des infox, de la défiance envers les médias et des intimidations politiques, ce film des années 70 sonne comme un avertissement.

Sorti en 1976, à peine deux ans après la démission de Nixon, le film est un coup de poing démocratique. Il a reçu quatre Oscars, dont celui du meilleur scénario adapté, ce qui est plus que justifié. Car ce longt métrage constitue le modèle du film de journalisme, influençant toute une génération de cinéastes, d’enseignants… et de journalistes eux-mêmes.

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Steven Spielberg n’a jamais eu peur d’affronter l’Histoire. Avec Pentagon Papers (The Post, 2017), il signe un film d’une actualité brûlante, en explorant l’un des tournants les plus décisifs de la liberté de la presse américaine. Porté par Meryl Streep et Tom Hanks, ce thriller politique met en scène la course contre la montre du Washington Post pour publier les « Pentagon Papers », ces documents confidentiels révélant les mensonges de l’administration américaine sur la guerre du Vietnam. Un film sur le passé ? Peut-être. Mais surtout, une alerte sur notre présent.

Scandale d’État et journalisme d’investigation

Tout commence en 1971. Daniel Ellsberg, analyste militaire et premier lanceur d’alerte de l’histoire moderne s’il en est, divulgue à la presse une étude secrète commandée par le Pentagone, qui montre que les gouvernements successifs, de Truman à Nixon, savaient que la guerre du Vietnam était une impasse, mais ont sciemment menti à l’opinion publique pour ne pas perdre la face, quitte à sacrifier les vies des jeunes soldats envoyés là-bas (58 209 morts sur les 2 millions de victimes du conflit). Le New York Times commence à publier les documents… avant d’être bloqué par une injonction de la Maison-Blanche.

Publier, c’est risquer une accusation de haute trahison, ce qui n’est pas rien. Le Washington Post, alors dirigé par Katharine Graham (Meryl Streep), hésite : publier à son tour ou se soumettre ? Risquer la prison, la faillite, la perte de crédibilité (au moment où le quotidien entre en bourse)… ou défendre le droit fondamental d’informer et de révéler la vérité ? Comme à son habitude et avec le talent qu’on lui connaît, Spielberg, en grand amateur d’Hitchcock qu’il est, transforme ce dilemme médiatico-politique en un suspense haletant, où les enjeux moraux, économiques et sociétaux se mêlent.

Une ode aux femmes qui prennent le pouvoir

Sous ses allures de thriller politique à l’ancienne, Pentagon Papers est aussi le portrait d’une femme qui s’affirme dans un monde d’hommes. Katharine Graham, veuve discrète devenue éditrice par nécessité, se retrouve propulsée en première ligne d’un combat médiatique, juridique et idéologique qui ne la dépasse pas tant que ça.

Son cheminement intérieur — de la peur et de l’effacement à la détermination — donne au film une dimension intime, vibrante, profondément féministe. Le personnage de Ben Bradlee (Tom Hanks), rédacteur en chef énergique et pur jus « old school » (qui sera au coeur de l’enquête sur le scandale du Watergate), vient contrebalancer cette évolution. Ce tandem incarne deux faces complémentaires de la presse libre : le feu de l’investigation et la prudence stratégique.

Spielberg, chef d’orchestre engagé

Réalisé en quelques mois seulement, dans une urgence assumée, Pentagon Papers est un film au rythme tendu, au découpage d’une efficacité redoutable. Spielberg y déploie tout son savoir-faire : mouvements de caméra fluides, montage nerveux, ce sens du cadre qui donne du souffle à la parole.

Mais c’est surtout un film profondément politique. Spielberg, Streep et Hanks s’engagent ouvertement contre la montée des populismes, la remise en question de la presse, les attaques contre la vérité. Le film, tourné sous l’administration Trump, fait ainsi écho à des débats toujours d’actualité :

• Quelle est la place du journalisme face au pouvoir ?
• Jusqu’où peut-on aller pour défendre le droit de savoir ?
• La démocratie peut-elle survivre sans une presse libre ?

Le dérangeant miroir de notre époque

Dans un monde saturé d’informations, de désinformation et de manipulation, Pentagon Papers sonne comme un rappel essentiel : la vérité a un prix. Et ceux qui la défendent, journalistes, lanceurs d’alerte, éditeurs, prennent des risques — pour nous.

C’est aussi un hommage à la presse papier, aux rotatives, aux bouclages de nuit, aux doutes de dernière minute, aux discussions en salle de rédaction. Une autre époque, pas si lointaine, où on savait enquêter, où tenir tête au pouvoir n’était pas une stratégie marketing, mais un acte de courage, un engagement citoyen.

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« Le ventre est encore fécond d’où a surgi la bête immonde » prophétisait un certain Bertold Brecht qui savait de quoi il parlait puisqu’il avait dû fuir le nazisme en 1933. Publié en 1972, Le Dossier Odessa (The Odessa File) confirme les dires du dramaturge berlinois dune manière magistrale. À la croisée du roman d’espionnage et de l’enquête journalistique, le livre de l’auteur Frederick Forsyth met en lumière les ramifications secrètes du nazisme APRÈS la Seconde Guerre mondiale, alors que les sbires survivants d’Hitler entretiennent la flamme de leur idéologie mortifère dans une Allemagne de l’Ouest refusant obstinément d’affronter son passé.

Quand un journal intime fait basculer une vie

Hambourg, 1963. Jeune journaliste ambitieux et solitaire, Peter Miller entre en possession du journal intime d’un vieillard solitaire qui vient de se suicider. Ce survivant juif des camps y a relaté, outre le calvaire subi durant sa déportation, l’existence de l’Organisation der ehemaligen SS-Angehörigen. Le réseau clandestin ODESSA a, selon lui, conçu afin de protéger les anciens SS de poursuites judiciaires en les exfiltrant vers des pays comme l’Argentine ou l’Égypte pour ensuite leur fournir de nouvelles identités et couvrir leurs crimes.

Désireux d’en savoir plus, Miller décide de mener l’enquête. Il s’infiltre dans ce réseau obscur avec l’aide d’un agent israélien du Mossad et d’un ancien SS repenti. Son objectif : retrouver Eduard Roschmann, surnommé le « Boucher de Riga », et le confronter à ses crimes. Mais plus Miller avance, plus il découvre un monde où la justice, la politique, l’industrie et le silence s’entrelacent dangereusement. Ce qui va le pousser à bien des extrémités, sachant qu’il est aussi en quête de justice.

Une fiction ancrée dans la réalité

Si le roman est une œuvre de fiction particulièrement bien menée, il s’appuie aussi sur des faits historiques avérés. L’organisation ODESSA a bien existé, même si son ampleur exacte fait encore l’objet d’investigations historiques De nombreux anciens nazis ont effectivement échappé aux procès de Nuremberg grâce à des complicités au sein même des institutions allemandes, du Vatican, et via des filières d’exfiltration comme la Ratline.

Le personnage de Roschmann est inspiré d’un véritable criminel de guerre, dont le passé a été révélé grâce à l’enquête de Simon Wiesenthal, célèbre chasseur de nazis. Forsyth, lui-même ancien journaliste et correspondant de guerre, a mené une investigation minutieuse, en consultant des archives, des dossiers confidentiels et en interrogeant des survivants de la Shoah. Ce travail documentaire confère au roman une puissance glaçante de réalisme.

Un style nerveux et journalistique

Le Dossier Odessa ne se contente pas de divertir, il éclaire une zone d’ombre de l’histoire européenne d’après-guerre. Frederick Forsyth se distingue par son style précis, quasi journalistique. Son écriture se veut factuelle, rythmée, tendue, évitant le pathos pour laisser parler les faits. L’intrigue avance à un rythme soutenu, alternant scènes d’action, dialogues tendus et passages d’analyse historique. Chaque détail compte, chaque révélation relance le suspense.

Le roman est aussi traversé par une réflexion sur la mémoire, la justice et la vérité, dans une Allemagne encore marquée par l’ombre du Troisième Reich. Il interroge : que faire des bourreaux restés impunis ? Jusqu’où aller pour obtenir justice ? La vengeance peut-elle être un moteur légitime ?

Comprendre, dénoncer, réparer

Dès sa sortie, le roman a été salué pour sa capacité à mêler thriller haletant et rigueur historique. Il s’inscrit dans une veine littéraire post-Seconde Guerre mondiale qui cherche à comprendre, dénoncer, parfois réparer. Dans la lignée d’auteurs comme John le Carré ou Robert Harris, Forsyth s’impose comme un conteur engagé, capable d’utiliser la fiction pour mettre au jour des vérités dérangeantes. En 1974, Le Dossier Odessa est adapté au cinéma par Ronald Neame, avec Jon Voight dans le rôle de Peter Miller et Maximilian Schell dans celui de Roschmann.

Le film a connu un succès relatif, n’égalant guère la profondeur et la complexité du roman. Plus qu’un roman d’espionnage, Le Dossier Odessa explore les zones grises de l’Histoire, dans un récit tendu et lucide sur la manière dont les démons du passé peuvent hanter le présent. Frederick Forsyth y déploie tout son talent de narrateur pour offrir une œuvre à la fois captivante et profondément engagée, qui continue de résonner aujourd’hui à l’heure où les questions de justice, de mémoire et de vérité restent plus que jamais d’actualité.

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Avec 5 septembre, le réalisateur suisse Tim Fehlbaum évoque la prise d’otages survenue lors des Jeux olympiques de Munich en 1972, mais du point de vue des journalistes d’ABC Sports, présents sur place. Ce choix narratif semblait de prime abord risqué ; il offre pourtant une immersion aussi saisissante qu’édifiante dans les coulisses d’un événement tragique devenu temps fort médiatique. Le récit met ainsi en lumière les défis éthiques et professionnels auxquels ces journalistes sont soudainement confrontés. Des défis alors inédits, aujourd’hui quotidiens.

Une situation tragique et inédite

Munich 1972 : alors que les JO de la paix se déroulent tranquillement, l’équipe d’ABC Sports se concentre sur la couverture des compétitions sportives. Soudain des coups de feu, répétés déchirent la nuit. En bons professionnels, les journalistes de la chaîne flairent la catastrophe. Très vite l’info tombe : des membres de l’équipe sportive israélienne sont retenus en otages par un groupe de « terroristes », ainsi que les appellent les autorités allemandes, dont une assistante épie les conversations radiophoniques.

Réalisant la gravité de la situation et son caractère tragiquement inédit, l’ensemble du staff se mobilise. Témoins des faits, ils en deviennent le relai en direct, diffusant l’information à l’écran, captant les images, commentant chaque événement. Calmes devant la caméra, fiévreux et en alerte en coulisse. Ne disposant que de moyens analogiques (la pointe de la technologie de l’époque), ils vont devoir redoubler d’agilité, d’inventivité et d’audace pour rester en ligne et informer le public, envers et contre tout.

Date historique, question éthique

Pour nous, coutumiers du smartphone, de l’IA, des autoroutes numériques de l’info, cela semble désuet, pour ne pas dire risible. Mais Tim Fehlbaum se charge de nous rappeler énergiquement que ce 5 septembre 1972 est une date historique, un véritable tournant de civilisation, qui accouche à la fois du terrorisme moderne et d’une nouvelle approche médiatique, les deux se percutant avec une brutalité sans nom. Car l’intérêt journalistique offre aux preneurs d’otage exactement ce qu’ils veulent : un porte-voix, une audience internationale. Un bien pour un mal ? Un mal pour un bien ?

A peine enclenché le processus informatif, les questions éthiques pleuvent, que la team d’ABC Sports doit résoudre sur le tas. Par exemple la diffusion en direct de scènes potentiellement violentes, fusillades, exécutions ou autres. Les journalistes sont confrontés à des décisions cruciales : partager des images choquantes qui pourraient affecter le public ou préserver la dignité des otages et de leurs familles ? Des dilemmes, il va y en avoir d’autres, que le film explore avec une intensité palpable, mettant en lumière les tensions entre le devoir d’informer et la responsabilité morale.

Authenticité maximale, immersion totale

5 septembre est avant tout un film sur l’histoire du journalisme, la manière dont subitement ce secteur bascule dans une modernité sanglante dont elle saisit l’essence au vol, presque par accident. Raconter une histoire dont on ne connaît pas encore la fin, traquer la vérité, la dire avant les autres, mieux que les autres, faire un scoop : Fehlbaum met particulièrement en exergue et avec un rythme trépidant cette chasse au fait d’exception. Pour faire de l’audience bien sûr, mais aussi pour informer au mieux, quitte à prendre des risques.

Pour assurer une authenticité maximale, le réalisateur a consulté les archives d’ABC Sports et a tourné certaines scènes dans des lieux réels ou similaires à ceux des événements de 1972. Les acteurs ont été formés aux techniques de production télévisuelle des années 1970, utilisant des équipements analogiques pour recréer l’atmosphère de l’époque. Le grain même de l’image, les cadrages, les couleurs évoquent la texture particulière des images télévisées d’alors. Cette attention aux détails accentue l’impression d’immersion totale, la tension et l’urgence propre à cet événement.

Thriller historique, 5 septembre offre une réflexion profonde sur le rôle des médias en période de crise. Désir d’informer, de diffuser la vérité, captation d’un moment historique, risque de choquer, d’exploiter la souffrance, de racoler le public : la situation de l’équipe d’ABC Sports synthétise cette ambiguïté. Ces problématiques médiatiques, ces choix éthiques sont toujours d’actualité, de même les conflits qui les génèrent. À travers une reconstitution minutieuse et une narration tendue, ce film coup de poing invite le spectateur à explorer ce qui relève d’un choix cornélien.

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Munich – 5 septembre 1972 : alors que les Jeux olympiques battent leur plein, des terroristes du groupe Septembre noir prennent en otages des athlètes israéliens. Tous y laisseront la vie. La réponse israélienne est immédiate : les bases de l’OLP, situées en Libye et en Jordanie, sont bombardées. Mais cela ne suffit pas : l’exécution des commanditaires est décrétée, un commando du Mossad missionné pour les traquer et les éradiquer. C’est cette traque que raconte le film Munich.

Éviter les pièges du sensationnalisme

Aux commandes de ce projet, un Steven Spielberg qui marche sur des œufs. C’est que cette traque, très peu documentée, relève du secret d’état. A la source du scénario, l’ouvrage du journaliste George Jonas, Vengeance: The True Story of an Israeli Counter-Terrorist Team. Publié en 1984, ce livre mêle réalité et fiction pour tenter de reconstituer ce parcours de mort. Spielberg ira également consulter les archives d’époque, le négociateur et spécialiste du conflit israélo-palestinien Dennis Ross.

Objectif : rendre compte de ces événements avec autant de vraisemblance que possible tout en évitant les pièges du sensationnalisme. Cette approche permet de nous plonger dans l’atmosphère particulièrement tendue des années 1970, avec à la clé une réflexion sur le recours à la violence d’état, ses répercussions psychologiques et morales. Car aucun des membres du commando ne sortira indemne de l’aventure.

Des choix éthiques complexes

De prime abord, Munich s’inscrit dans le genre du thriller d’espionnage. Les scènes d’action sont tendues et réalistes, le quotidien de ces tueurs clandestins documenté avec cohérence. Réseaux secrets, zones d’influence, quête complexe de renseignements, très vite les chasseurs sont eux-mêmes chassés. Petit à petit, tandis que leur mission progresse, les protagonistes s’avèrent vulnérables, fragiles. Ils s’épuisent, doutent, coupés qu’ils sont de leurs familles, de leurs racines. Seuls.

C’est là que Munich sort du cadre du divertissement pour explorer une dimension humaine particulièrement poignante. Contraints au secret, ces hommes sont confrontés à des choix éthiques particulièrement complexes. Traumatisés par le massacre du 5 septembre 72, ils vont voir leur colère se transformer, leur carapace se fendre.

Un cycle de violence et de culpabilité

Quid de cette brutalité ? Débouche-t-elle sur quelque chose de constructif ? Munich n’apporte aucune réponse, son mérite est de poser la question. Ainsi le film de Spielberg nous invite à une réflexion sur les conséquences et les limites des représailles. La quête de justice peut parfois déshumaniser ceux qui la poursuivent, les entraînant dans un cycle sans fin de violence et de culpabilité.

Par ailleurs, le récit de Spielberg, remarquablement servi par un casting brillant (Eric Bana, Michael Lonsdale, Daniel Craig, Mathieu Kassovitz, Ciaran Hinds, Hanns Zischler, Yvan Attal, Mathieu Amalric … ) souligne la difficulté de traiter un événement aussi traumatique. Le film ne prétend pas offrir une vérité absolue, mais plutôt une interprétation humaine des faits. Cette approche reflète la complexité de la mémoire collective, où les récits sont souvent fragmentés, influencés par des perspectives personnelles et politiques.

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Londres, 1956. L’ombre de la Guerre froide s’étend, la crise du Suez s’apprête à éclater. Dans les studios de la télévision britannique, un groupe de reporters aussi passionnés qu’intrépides s’apprête à révolutionner le journalisme télévisuel. The Hour, diffusée initialement sur BBC Two, relate cette époque charnière. Créée par Abi Morgan, la série est un hommage vibrant à l’âge d’or du journalisme, un thriller intelligent et captivant qui mêle enjeux politiques et drames personnels. Production soignée, dialogues acérés, interprétation prenante, The Hour se distingue par sa reconstitution méticuleuse des années 1950, l’exploration des tensions sociales et politiques qui bouillonnent sous la surface d’une société en mutation.

Un trio charismatique

À travers les personnages de Freddie Lyon (Ben Whishaw), Bel Rowley (Romola Garai) et Hector Madden (Dominic West), The Hour dépeint une relation complexe entre ambition professionnelle, vie privée et loyauté. Freddie, journaliste idéaliste et intrépide, est obsédé par la vérité, la volonté de changer le monde du journalisme. Hector, présentateur ô combien charismatique, est rongé par les dilemmes moraux du succès médiatique. Bel, productrice talentueuse et femme émancipée, doit naviguer dans un environnement dominé par les hommes.e

Ces trois-là forme le noyau émotionnel de la série, chacun étant confronté à ses propres démons alors qu’ils cherchent tous à donner corps à The Hour, une émission d’actualité qui va secouer les codes de la télévision britannique. La chose est d’autant plus complexe que, derrière les projecteurs, une autre guerre se livre dans l’ombre : celle des secrets d’État, des mensonges d’une société patriarcale et des luttes de pouvoir entre individus et ambitions.

Journalisme, Histoire et démocratie

The Hour est donc plus qu’un drame sur le journalisme ; c’est aussi un regard pénétrant sur les bouleversements sociaux et politiques de l’époque. La crise de Suez, les tensions avec l’Union soviétique, les débats sur la liberté de la presse et la censure sont autant de thèmes qui résonnent dans chaque épisode.

La série met ainsi en lumière la fragilité de la démocratie, soulignant l’importance d’un journalisme rigoureux et objectif, même dans les moments les plus sombres de l’Histoire. En cela, elle offre une réflexion actuelle sur les défis auxquels la presse ne cesse de faire face aujourd’hui.

Esthétique soignée, suspense haletant

La reconstitution des décors et costumes des années 50 est impeccable, chaque détail apportant une authenticité visuelle à cette période. L’ambiance feutrée des studios de la BBC contraste avec l’intensité des intrigues, qui oscillent entre investigation journalistique, conspirations politiques et drames personnels.

Avec son rythme tendu, The Hour parvient à maintenir le suspense tout au long de ses deux saisons qui se terminent du reste sur un cliffhanger insoutenable. Les intrigues d’espionnage s’entremêlent aux scandales de la haute société britannique, créant un cocktail explosif. Le tout est porté par une bande-son captivante et une direction artistique qui saisit l’essence des années 50 sans tomber dans la nostalgie facile.

Malgré son annulation prématurée, The Hour reste un exemple brillant de télévision britannique. Cette série fascinante allie intelligemment intrigue politique, quête de sens et journalisme engagé, offrant une réflexion sur le pouvoir des médias et la recherche de vérité. Les performances magistrales de son trio d’acteurs principaux, sa réalisation soignée, font de The Hour une série à redécouvrir sans attendre. Pour les fans de thrillers politiques ou de récits sur le journalisme, c’est un rendez-vous incontournable.

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Amateurs de récits d’espionnage et de loosers magnifiques, si vous n’avez pas encore mis le nez dans Slow Horses, il est plus que temps de rattraper vos lacunes ! Car la série inspirée des romans de Mick Herron a un petit quelque chose d’iconique qui ne demande qu’à vous séduire durablement !

Purgatoire pour espions

Déboulant en 2022 sur Apple TV+, Slow Horses relate le quotidien de la Slough House. Ce vieil immeuble londonien, désuet et poussiéreux, sert de placard au MI5 ; en d’autres termes, c’est là qu’échouent les agents du Renseignement britannique ayant failli à leur mission. Une sorte de purgatoire pour espions ratés, en quelque sorte. Autant vous dire que les James Bond n’y sont pas légion… à moins qu’ils cachent bien leur jeu et que l’endroit récupère les plus rebelles, les plus indomptables, les plus inventifs ? Ceux qui n’arrivent pas à se fondre dans le système, les indés, les punks, les débrouillards ?

Les « Veaux » en français dans le texte sont justement gérés par un électron libre. Jackson Lamb, malgré son patronyme, n’a rien d’un doux agneau candide. Gloire passée de la Guerre froide, ce maître-espion sur le retour cache son ingéniosité et son expertise sous un bide de buveur de bière, une allure de clodo et un franc-parler de mufle. Entre deux rots, trois pets et un kebab, il rudoie son équipe, notamment le petit dernier, River, lui-même héritier d’un ancien espion d’envergure. Un raté de plus, ou un pro qui s’ignore ? L’avenir le dira au fil d’intrigues d’une complexité qui ravirait John Le Carré.

Une réalisation sans temps mort

C’est que nos loosers ont le chic pour se retrouver dans des emmerdes XXXL. Et comme tout le monde le devine en haut lieu, on les bombarde en première ligne des pires coups fourrés, en les jugeant corvéables et sacrifiables à merci. Sauf que les « Veaux » et leur leader ne manquent guère de ressort et d’inventivité quand il s’agit de trouver le pourquoi du comment, quitte à se brûler gravement les ailes. Ou nous faire hurler de rire. Parfois les deux en même temps. Raison de plus pour suivre leurs aventures qui ont un côté addictif assumé.

Car, pour ne rien gâcher, ces paumés sont ô combien attachants. Finement pensés par leur créateur, ils dénotent forcément : leur caractère, leurs ambitions, leurs méthodes, leur look jurent avec le décor, le côté aristo privilégié des favoris du MI5. En prime, tous ont quelque chose à prouver, une revanche à prendre sur la vie. Et ils le démontrent avec une agilité qui laisse bouche bée et une enfilade de séquences complètement barrées, servies par une réalisation sans temps morts et un casting de compétition où brillent Jack Lowden, Kristin Scott Thomas, Rosalind Eleazar, Saskia Reeves, Jonahtan price, Christopher Chung entre autres… ainsi qu’un certain Gary Oldman, particulièrement brillant pour camper un Jackson Lamb gargantuesque.

Résumons : regardez vite vite Slow Horses, c’est superbement joué, avec à la clé une narration sous speed, un humour noir très british, des situations complètement ubuesques, et une vision dépoussiérée du métier d’espion. Le petit plus ? La chanson du générique entonnée par Mick Jagger, rien que ça. What else ?

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« Cela bouge pas mal du côté des séries françaises, avec ARTE en première ligne pour promouvoir des intrigues décalées, des projets hors normes » disais-je dans l’intro de mon article sur Machine. Difficile d’évoquer la série de Fred Grivois sans la mettre en regard avec une autre production ARTE, j’ai nommé l’excellente série Citoyens clandestins.

Des portraits d’une redoutable précision

La réalisatrice Laetitia Masson signe cette adaptation du roman de DOA pour mettre en image une plongée poignante dans les arcanes du renseignement au lendemain des attentats du 11 septembre. Tous les services sont sur les dents, d’autant qu’on redoute la gestation d’un nouvel attentat qui impliquerait des produits chimiques hautement destructeurs. Des produits made in France. Il faut donc récupérer le dangereux chargement avant que les terroristes islamiques ne s’en servent… et que le scandale ne fuite.

Car les armes chimiques n’ont pas bonne presse, encore moins ceux qui les fabriquent. L’État français ne peut se permettre pareille publicité. Tous se mobilisent donc pour étouffer l’affaire. Sauf que les services de renseignement, adeptes du secret absolu et de la manipulation la plus experte, ont la fâcheuse tendance de se tirer dans les pattes, par le biais de ces citoyens clandestins qui en composent les rangs. Ce qui nous vaut une galerie de portraits d’une redoutable précision, depuis le militaire infiltré jusqu’à la petite reporter ambitieuse en passant par le mercenaire solitaire et poétique.

Un cynisme insupportable

Poétique : c’est là justement que la série surprend. Car ces hommes de l’ombre, prêts à toutes les extrémités pour protéger la France, ces machines de guerre surentraînées, ont en partage une très grande solitude, un regard désabusé sur le monde, l’humanité et ses travers. Et ils en expriment le fiel d’une façon souvent tendre et pleine de sagesse, fataliste également. Peu ont le droit d’avoir des sentiments, des attirances, des passions. Et si c’est le cas, ils les vivent en silence, sachant qu’elles peuvent les happer à tout moment.

Moins drôle que Machine, Citoyens clandestins évoque sous un angle plus choral une réalité pareillement émouvante : l’anonymat de soldats d’élite formés au mystère et qu’on sacrifie sans scrupules, souvent avec un insupportable cynisme. D’où l’importance du casting de cette tragédie de l’absurde. Un casting en majorité masculin : outre la très fragile Naïlia Harzoune, s’y distinguent Gringe, Nicolas Duvauchelle, Laurent Stocker, Emmanuel Salinger, Frédéric Pierrot, Pierre Arditi, Marc Zinga et Raphaël Quenard, qui une fois de plus, crève littéralement l’écran.

Écorner la vérité

Tous se croisent, se trompent, s’affrontent dans une atmosphère opaque, oppressante, où dominent les couleurs froides, les ombres nocturnes. De temps à autre, le sang jaillit comme un flash de lumière. Partout, la tension, latente. Les messages énigmatiques, les ordres qu’on ne comprend pas, qu’on ne comprend plus. La peur, les pressions, les manipulations, éventuellement la torture et la liquidation pure et simple d’un adversaire qui parfois est initialement un allié.

La vérité en sort écornée pour le moins, et il ne fait pas bon être lanceur d’alerte ou journaliste dans ce panier de crabes. Le moins qu’on puisse dire, c’est que cela manque de clarté et de cohérence. La question arrive alors, inévitable : sans même parler de justice, comment peut-on être convenablement protégé alors que ces gens censés assurer notre sécurité s’entre-tuent ? Quels intérêts prévalent ici ? Ceux des citoyens lambda ou ceux des grands groupes d’armement ? Au fil du récit, la réponse s’impose. Et elle ne fait guère plaisir.

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Cela bouge pas mal du côté des séries françaises, avec ARTE en première ligne pour promouvoir des intrigues décalées, des projets hors normes. Hors normes, mais ô combien savoureux. On a eu droit à Kim Kong, De grâce, Polar Park, Les Papillons noirs. Place à Machine qui s’impose comme une pure dinguerie d’hybridation, une lecture kungfu inédite et percutante de Marx et de la lutte des classes.

Combattre en mode machine

Le pitch ? Un régal. Machine, c’est le surnom d’une petite nana surgie de nulle part avec ses dreadlocks, ses tatouages et ses démons. On ne sait pas trop son nom ni d’où elle vient, mais on comprend vite qu’elle n’est pas du genre à se laisser faire. Car Machine est une experte des arts martiaux.

Et c’est ce qui justifie un peu plus son surnom. Quand elle combat, elle est en mode machine. Et combattre, elle va en avoir l’occasion tandis qu’elle revient dans sa ville natale, pour trouver sa mamie sous une pierre tombale et l’usine qui l’embauche comme intérimaire menacée de délocalisation.

Marx à coups de lattes

Alcoolo, traumatisée, Machine va remettre de l’ordre dans sa vie au contact de J.P., Cet ouvrier ex-toxico et grand fan de Karl Marx lui redonne le goût des bonnes choses et de la camaraderie à force de course de vélo et de lecture du Capital. Et Machine de mettre les enseignements de Marx en application directement sur le terrain.

À grands coups de lattes dans le cul des profiteurs en tout genre, qu’il s’agisse des flics qui bastonnent les piquets de grève, des militaires qui la traquent ou des sbires un brin mafieux d’u’un patron coréen qui ne s’embarrasse guère de législation. L’ensemble nous vaut une série de combats énergiques talentueusement chorégraphiés, filmés avec un sens graphique appréciable qui saisit la rétine et ne la lâche plus.

Un cocktail explosif !

Voilà donc le topo, et croyez-en votre humble servante, c’est carrément jouissif, avec des références multiples aux films de Bruce Lee, à Nikita ou Kill Bill, mais aussi à l’univers de En Guerre ou Ressources humaines. Le cocktail, explosif, est concocté de main de maître par le réalisateur Fred Grivois à qui l’on doit par ailleurs le trépidant L’Intervention et qui fait d’ailleurs une petite apparition dans la série aux côtés de Margot Bancilhon, Léonie Simaga, Anne Benoît, Guillaume Labbé et un certain JoeyStarr absolument craquant en adepte de Marx et de l’autogestion.

Ajoutons une B.O. juste tripante, un travail de l’image au scalpel qui évoque, qui les anime japonais, qui les plans de Ken Loach, des répliques bien senties, un montage frénétique, une ironie mordante, la volonté de faire acte d’éducation populaire en rapprochant bases de la revendication sociale et sagesse des arts martiaux : et vous aurez une trop vague idée encore de ce que représente Machine. En d’autres termes, regardez la série, faites-vous une opinion et commencez la révolution !

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