« En pleine nuit, M. Deschannel tombe de son train en marche » : la Une du quotidien Le Petit Parisien en date du 25 mai 1920 préfigure le souvenir que laissera Paul Deschanel dans les mémoires. Un fou, incapable de gouverner. Une postérité bien injuste, que le film Le Tigre et le Président tente de rectifier.

Agir, changer les choses

S’appuyant sur plusieurs biographies, le réalisateur Jean-Marc Peyrefitte revient avec autant d’humour que d’émotion sur le parcours de Paul Deschanel, plus spécifiquement ce moment clé où il est élu président au lendemain de la Première Guerre Mondiale. Et c’est un homme aux convictions progressistes bien trempées, porteur d’une véritable volonté de réforme sociale, animé par la foi dans l’avenir et l’humanité, qui accède à l’Élysée, en place d’un Clemenceau revanchard et un brin conservateur.

Favorable au vote des femmes, à l’éducation des masses, à l’égalité des droits, convaincu par ailleurs que le traité de Versailles porte en germe un nouveau conflit mondial, Deschanel use des nouvelles technologies à sa disposition pour communiquer avec les Français, susciter leur adhésion, leur enthousiasme. Le statut purement honorifique de sa fonction, il n’en a cure. Il veut agir, changer les choses. Et c’est un vent de changement qui déboule avec lui durant les conseils de ministres qu’il met au pas avec esprit, humour et fermeté.

Deux animaux politiques ?

Tout irait très bien, s’il n’était déjà très surmené, intellectuellement et émotionnellement épuisé. Un brin dépressif au passage. La charge de ses attributions ne va guère l’aider, au contraire. Accablé par un emploi du temps démentiel où il perd de précieuses heures à inaugurer des monuments aux Morts, rencontrer des anciens combattants, visiter des usines, serrer des mains et embrasser des enfants, Deschanel va bon train, c’est le cas de le dire, vers le burn-out. Et ses opposants ont très bien saisi la chose, qui attendent sa chute pour se saisir du pouvoir et écraser ses velléités de changement.

En tête de cette meute, Clemenceau donc, le Tigre, va-t-en-guerre impénitent qui veut faire payer l’Allemagne à tout prix, par ailleurs représentant d’une caste dominante qui n’entend pas céder un pouce de ses prérogatives. Le vieux roublard va tout faire pour assurer la déchéance de cet idéaliste exalté dont il ne supporte ni l’esprit ni le bon sens. Y parviendra-t-il, tandis que l’élection surprise de son rival le condamne à un semi-exil dans une campagne qui lui est intolérable ? De fait, Jean-Marc Peyrefitte met en scène la confrontation de ces deux animaux politiques animés, sinon d’idées similaires, du moins d’une énergie commune.

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Portrait tragique d’un visionnaire

On s’attendrait à une comédie, et le jeu d’André Dussolier, parfait dans le rôle du Tigre, va dans ce sens, de même, l’interprétation de Christian Hecq en Millerand. Mais le portrait d’un Deschanel dévoré par son idéal, consumé par sa dépression, est d’autant plus tragique que cet homme était visionnaire, et que s’il avait eu suffisamment de force et d’équilibre pour rester à l’Élysée, il aurait pu, espérons-le, éviter cette Seconde Guerre Mondiale dont il avait perçu, à raison, la menace. Fragile et élégant à la fois, Jacques Gamblin apporte un relief incroyable à ce personnage qu’on caricaturait jusqu’à présent.

Ce n’est désormais plus possible, le film de Peyrefitte est passé par là, pour réhabiliter cette figure historique méconnue. Son récit offre par ailleurs l’opportunité de méditer sur les dangers du pouvoir. Il ne fait pas bon être trop pétri de valeurs et de droiture quand on pénètre les couloirs de la politique, et qu’on envisage d’en changer le cours. Deschanel fut-il terrassé par sa maladie mentale, ou psychiquement écrasé par un entourage qu’il gênait trop, et qui voulait sa perte ? Ou est-ce un peu des deux ? On ne saura jamais. Ce qui est sûr, c’est que c’était un grand homme ; nous ne pouvons que pleurer sa perte, car, c’est certain, il aurait changé la face des choses.

Le film Le Tigre et Le Président est disponible

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2022 : BigBug, le nouveau film de Jean-Pierre Jeunet déboule sur les écrans via la plateforme Netflix. Grands amateurs du cinéma jeunetien, nous attendions la chose avec impatience… et n’avons guère été déçus par ce nouveau bébé dystopique en diable, néanmoins très réaliste dans l’approche d’une société bouffée par une transformation digitale démente. Avec à la clé la question récurrente dans toute la filmographie du papa d’Amélie Poulain : et l’humain dans tout ça ?

Paradoxe et ironie

Petit flashback. 2018 : devant une tasse de thé dans le hall de la halle Saint Pierre qui accueille l’exposition Caro/Jeunet, le réalisateur de Delicatessen, La Cité des enfants perdus, Le Fabuleux destin d’Amélie Poulain, Un Long dimanche de fiançailles, Alien Résurrection, Micmacs à Tire-Larigot, L’Extravagant voyage du jeune et prodigieux TS Spivet, se montre fataliste : « Le marketing a pris le pouvoir sur l’artistique ». Face aux exigences normatives de directeurs commerciaux en quête de rendement maximal, Jeunet semble prêt à jeter l’éponge, préférant revenir au film publicitaire plutôt que de plier devant les diktats de l’industrie du film.

Ironie du sort : c’est grâce à l’ogre Netflix que son nouveau projet va voir le jour ; pire, BigBug dénonce avec un cynisme mordant les mécanismes algorithmiques qui alimentent la désormais incontournable plateforme VoD, qui cherche par tous les moyens à s’imposer dans un paysage cinématographique vampirisé par la multiplication de la diffusion en ligne. Paradoxe ? Et pourquoi pas ? Dans sa volonté de s’imposer comme sauveur d’un cinéma d’avant-garde dissous dans le marasme du conformisme, Netflix a déjà misé sur Scorcese, les frères Coen, Spike Lee, Soderberg… Objectif : permettre aux grands cinéastes de continuer à tourner en toute liberté. Jeunet complète donc naturellement la liste, avec un récit comme lui seul peut en trousser un. 

Robots vs humains ?

Nous sommes en 2045, dans une banlieue pavillonnaire ultra-connectée écrasée de chaleur, dérèglement climatique oblige.  Heureusement, robots et domotique sont là pour rafraîchir les habitats, faire la cuisine, laver le linge, s’occuper de l’administratif comme des enfants, bref gérer le quotidien, laissant tout le loisir aux humains de faire autre chose de beaucoup plus important. Mais quoi ? Dans un monde où l’intelligence artificielle a pris le dessus, les dysfonctionnements s’enchaînent, imperceptibles indices de la catastrophe en gestation. Une prise de pouvoir par des yonix aux allures de Terminator, qui considèrent les hommes comme des animaux et comptent bien s’en servir de la même façon : bétail, alimentation, zoo, cirque, corrida… 

Face à la menace qui gronde (le nouveau modèle brigue une fonction politique, n’hésitant pas à discourir face à un candidat humain devant les caméras de télévision), trois robots domestiques de l’ancienne école décident de défendre leurs propriétaires, coûte que coûte, quitte à les enfermer de force : c’est ainsi qu’Alice, charmante quadra tout juste divorcée, se retrouve parquée chez elle avec son flirt Max, le fils de ce dernier, sa propre fille que lui amènent son ex-mari et sa fiancée bien décidés à convoler sans la mouflette, la voisine sympa, mais qui ne rend jamais ce qu’on lui prête. Autour d’eux, Monique, Einstein, Nestor, Tom, Greg et consort, tous des robots, tous désireux de développer l’humanité qu’ils sentent vibrer en eux à force d’observer leurs patrons au quotidien, patrons qu’ils aiment, veulent sauvegarder, avec qui ils désirent interagir autrement que sur un mode hiérarchique dépersonnalisé. 

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L’homme esclave de sa création

Une situation pour le moins compliquée, qui va encore se tendre avec la survenue d’un yonix peu commode, voire un brin fasciste, bien décidé à faire régner l’ordre dicté par une bureaucratie algorithmique totalement déconnectée de la logique la plus élémentaire. Et forcément, avec Jeunet aux commandes, ça va vriller très sévèrement. Avec son lot de réflexions bien entendu : publicité intrusive, espionnage via les objets connectés, détournement des datas, fichage des individus, dérives transhumanistes, clonage, drones tueurs, nous voici dans un condensé de Black Mirror à la sauce Jacques Tati, et si cela fait rire, cela fait aussi trembler, c’est d’ailleurs le but.

Le décor a beau être lumineux, saturé de couleurs éclatantes, le propos est sombre, sans appel : comme d’habitude, l’homme, en bon apprenti sorcier qu’il est depuis l’âge du feu,  est en train de devenir l’esclave de sa création, de se faire happer dans un piège qu’il a lui-même conçu. Les clins d’œil sont nombreux : Blade Runner, Farenheit 451, 1984, Robocop, I Robot et autres succès du même tonneau sont évoqués avec autant de tendresse que de dérision, tout comme les films précédents de Jeunet. La nostalgie des gadgets de notre enfance, les références aux livres, à la calligraphie, à l’âge d’or du cinéma soulignent la cannibalisation de la culture par le tout digital.

Et l’humain dans tout ça ?

Et l’humain dans tout ça ? S’il s’égare dans les méandres du machine learning, il n’en demeure pas moins ce qu’il est : un animal social en quête d’amour, de plaisir, d’échange, de rêve, de beauté, de créativité ; un être faillible  par ses émotions, ses attirances, ses blessures ; une mine de débrouillardise quand il s’agit de résoudre un problème, de palier aux dysfonctionnements de la technologie ; une créature pleine de ruse quand il faut survivre face à une dictature en marche. Il faudra quelques robots fins psychologues pour le rappeler aux personnages de cette fable folle mais d’une rare justesse.

Elsa Zylberstein, Stéphane de Groodt, Isabelle Nanty, Youssef Hajdi, Alban Lenoir, Claude Perron, François Levantal, André Dussolier, sans compter les apparitions express de Nicolas Marie, Albert Dupontel et Dominique Pignon : les acteurs de ce conte cauchemardesque dessinent des personnes évoluant entre excès, immaturité, sincérité, poésie, résilience. Grâce à leur jeu, les différences entre humains et automates s’estompent, infimes. Qui est une machine, qui est un être vivant ? Quelle différence entre le cerveau et la puce électronique ? 

Au cœur des robots : l’humanoïde qui n’est plus un mythe

Bref BigBug, comme tous les contes, délivrent une morale. Elle n’est pas explicite, c’est au spectateur de la forger. Mais l’invitation à ne pas solder ce qui fait notre humanité est claire : préservons notre fantaisie, notre goût de la romance, des belles choses qui nous font vibrer. 

Et plus si affinités

Vous pouvez visionner le film Big Bug sur Netflix.

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Pitof à la réalisation, Jean-Christophe Grangé au scénario, Marc caro au design des personnages, Gérard Depardieu et Guillaume Canet à la tête d’un casting détonnant : Vidocq a tout pour séduire les amateurs de polars bien troussés à l’esthétique glauque.

Vidocq donc : voyou, bagnard, indic, flic puis directeur de la très opaque brigade de sûreté avant de devenir détective privé, Eugène-François Vidocq a beau être une figure historique ancrée dans les coulisses du Premier Empire et de la Restauration, son parcours hétéroclite a tout pour en faire un personnage de fiction. Une légende même, qui s’infiltre dans la littérature via le ténébreux Vautrin de Balzac avant que Hugo ne le dissocie en trois personnages clés du roman Les Misérables : Jean Valjean, Thénardier et Javert.

Par la suite, c’est en version bande dessinée que Vidocq connaîtra la postérité, ainsi qu’à la télévision et au cinéma. Le film porté par Pitof en 2001 complète avec éclat une vaste liste de longs métrages et de séries à succès. Tout commence par la disparition de l’enquêteur au cœur d’une manufacture de verrerie, alors qu’il traque un mystérieux assassin surnommé « L’Alchimiste ». Un jeune journaliste, Étienne Boisset, désireux de boucler sa biographie de Vidocq, reprend ses investigations : à la clé, trois meurtres aussi spectaculaires qu’incompréhensibles, des disparitions de jeunes filles et un tueur qui vole l’âme de ses victimes.

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Une esthétique balançant entre roman graphique et jeu vidéo

Du Grangé pur jus, taillé sur-mesure pour permettre à Pitof, grand spécialiste des effets spéciaux devant l’Éternel, de multiplier les distorsions visuelles, les mouvements de caméra, les plans vertigineux, dans une esthétique balançant entre roman graphique et jeu vidéo. Il en ressort un récit haletant, une plongée oppressante dans les bas-fonds parisiens, une galerie de personnages malsains et trompeurs, quelque chose d’une version numérique des Mystères de Paris d’Eugène Sue, avec en filigrane la révolte qui gronde, tandis que ce tueur insaisissable, semble-t-il venu de l’au-delà, frappe avec une férocité qui n’a d’égal que son audace et son inventivité.

En résumé, Vidocq est LE film à voir pour se vider la tête tout en se saturant la rétine d’images travaillées au scalpel, les narines d’un parfum de corruption entêtant. On retiendra le rythme endiablé de la narration, des cadrages d’une grande qualité, la démence incompréhensible de l’Alchimiste… Petit plus qui fait beaucoup : les quelques minutes où Edith Scob apparaît à l’écran en mère maquerelle terrorisée. Et, comme à son habitude, André Dussolier qui crève proprement l’écran en campant une éminence grise de la police, un profil tout en nuances, autoritaire mais fataliste, dépassé par une situation explosive qu’il n’a probablement jamais contrôlée.

Et plus si affinités

Le film Vidocq est disponible en VoD et en DVD.

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2022 : nous célébrons les 400 ans de la naissance de Molière. Voici l’occasion d’évoquer le répertoire de notre auteur le plus illustre et les mises en scène qu’il a pu inspirer au fil du temps, ainsi Les Fourberies de Scapin que Jacques Echantillon orchestre avec la troupe de la Comédie-Française en 1971.  Cette dernière a marqué les esprits par son côté résolument décalé et original, en situant l’intrigue… dans un cirque !

Scapin en tireur d’élite

Une rupture assumée avec un regard plus traditionnel, mais qui fait néanmoins tout à fait sens. Roublard, ironique, manipulateur, jamais grotesque, toujours retors, fin même quand il est sarcastique, Scapin résume à lui seul les traits de caractère du valet intelligent. Ce bad boy au grand cœur, père du Dubois des Fausses Confidences, grand-père du Figaro de Beaumarchais, hérite des facéties de son aïeul, le très napolitain Arlequin, pour les transmettre aux générations futures. Il a tout du trublion, de l’aventurier, du prestidigitateur ou du tireur d’élite tout droit sorti d’un show de Buffalo Bill.

Il est presque logique qu’il s’exprime sous le chapiteau d’un cirque, où, vêtu tel un Lucky Luke rompu au revolver, il fait mouche à chaque réplique. Les jeunes premiers deviennent quant à eux, qui un jongleur qui un acrobate, les amoureuses, qui une dresseuse de chiens qui une écuyère, les pères tyranniques des clowns et ainsi de suite… La valse des quiproquos se double de pirouettes et de cabrioles sous les trapèzes et les agrès, chaque scène devient un numéro en soi.

Film : Molière ou la vie d’un honnête homme – Ariane Mnouchkine

Molière le circassien

C’est d’autant plus savoureux que les rebondissements de Molière s’adaptent parfaitement à l’univers circassien. Le monde des acteurs et des bateleurs a toujours été mitoyen, non ? Jacques Echantillon exploite ce cousinage, n’hésitant pas à faire grimper ses interprètes dans les cintres, et quels interprètes ! Alain Pralon dans le rôle titre, André Dussolier et Bernard Alane dans celui des deux amoureux, Claire Vernet et Paule Noëlle pour les belles, Georges Audoubert et René Camoin pour les deux barbons, Francis Perrin pour Sylvestre… une belle affiche, prometteuse comme l’a prouvé le parcours de chacun par la suite.

Naviguant entre picaresque et burlesque, l’ensemble n’a pas pris une ride en dépit de ses 50 ans d’existence ; l’analogie fonctionne encore et toujours, ce petit air de folie douce, cet exercice d’adresse qu’est l’écriture comique prend ici des allures de voltige sans filet, tandis que les répliques et les situations rebondissent comme autant de tours de magie. Illusionniste, amuseur, clown, homme de scène et de piste, les multiples visages de Molière apparaissent ici tour à tour pour nous saisir, nous faire rire, nous faire frémir. Son exceptionnelle virtuosité, sa modernité n’en sont que plus flagrantes.

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Gros plan ce jour sur la magnifique adaptation de la fameuse pièce de Cyril Gely, Diplomatie, signée en 2014 par Volker Schlöndorff, le non moins célèbre réalisateur de L’honneur perdu de Katharina Blum ou Le Tambour.

Ne pas accomplir l’irréparable

Face à l’objectif, André Dussolier et Niels Arestrup incarnent les figures historiques que sont le consul suédois Raoul Nordling et le général Von Choltitz. Nous sommes le 24 août 1944 à Paris, dans une des suites de l’hôtel Meurice, le quartier général de l’état-major allemand. L’effervescence règne : pour stopper l’avancée des troupes alliées vers Berlin, Hitler a ordonné de raser la Ville Lumière. Tous les monuments sont piégés, les administrations, les ministères, les ponts, les gares… il ne restera rien. La capitale sera anéantie ainsi que ses 3 millions d’habitants, au même titre que Varsovie, pulvérisée quelque temps auparavant.

Nordling a toujours vécu à Paris, il y est né ; il va tout faire pour convaincre Choltitz de ne pas accomplir l’irréparable. Il lui faudra tout son génie diplomatique, tout son sens de la délibération, tout son esprit pour convaincre ce vieux militaire, dont on découvre au fur et à mesure de ce dialogue qu’il n’est pas si impitoyable et que ses raisons d’agir sont bien plus complexes et tragiques. Le scénario alterne savamment échanges de plus en plus intimes et actions extérieures qui influent justement sur le cours des négociations.

https://www.theartchemists.com/film-armee-crime-hommes-affiche-rouge/

Le chat et la souris

Une manière d’échapper à la tension latente de cette chambre de palace pour mieux la relancer à chaque coup du sort. La pénombre de ces appartements joue sur notre perception, tandis que nous distinguons à peine ces deux personnalités qui se font face, servies par des comédiens hors pair, dont la caméra de Schlöndorff traque sans pitié la moindre expression, le plus léger regard. Nous les voyons vaciller, se ressaisir, se répondre point par point dans une argumentation serrée, qui ne laisse aucun répit. Une argumentation où le quémandeur n’est pas forcément en position de faiblesse, loin de là.

Car Nordling, sous ses airs de fragilité, sa prétendue affabilité, se relève un redoutable adversaire, rusé, patient, maîtrisant parfaitement son sujet. Nous le découvrons calculateur, manipulateur, stratège, … espion, … résistant ? Ambigu jusqu’à la dernière seconde de ce suspense palpitant, ce personnage incarne la suprématie de l’intelligence et du raisonnement sur la force brute et aveugle, dans ce surprenant jeu du chat et de la souris, où doucement mais sûrement la supériorité change de camp, et qui enclenche secrètement la libération de Paris et la fin du IIIeme Reich.

Et plus si affinités

Le film Diplomatie est disponible :

• en DVD sur Cultura
• en VoD sur Canal +. 

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À sa sortie en février 2017, Chez nous, le film du réalisateur belge Lucas Delvaux a fait couler autant d’encre qu’il a fait hurler. Tandis que les dirigeants du FN exprimaient leur colère devant ce qu’ils considéraient comme une diffamation et une caricature (preuve que le film touchait juste ? ), les critiques déploraient le caractère outrancier et maladroit de cette fiction analytique. Quelques mois plus tard, à l’heure de présidentielles houleuses, le documentaire Retour à Forbach déboulait sur les écrans, pour corroborer le regard de Delvaux et affirmer que l’outrance finalement est réalité quotidienne dans une région oubliée, dévastée et douloureuse.

Une fille du cru

Chez nous donc, et en dépit des mépris multiples, sonne juste au point d’en devenir oppressant et celadèss les premières séquences. Au centre de ce suspens politique, une jeune infirmière à domicile (Emilie Dequenne parfaite dans cet exercice de déséquilibre), aimée de tous dans ce Hénart du Pa-de- Calais profond, une fille du cru, gentille, ouverte, apolitique certes, mais confrontée quotidiennement à la détresse d’une population dont elle assure le trait d’union, entre les générations, les origines, les religions. Inconsciente de la manne qu’elle représente, elle se fait accrocher par son médecin de famille (André Dussolier incarne ce vieux militant prêt à tout pour que son clan s’impose), un notable au passé trouble, collaboration, appartenance à l’extrémisme de droite, collusion avec les néonazis, on ne sait, néanmoins très apprécié, car présent, serviable… Doucement mais sûrement, il abuse de sa fibre humaine afin que la demoiselle devienne la tête d’affiche des municipales pour un parti populiste qui ressemble de près au FN, à l’UPIK et consort.

Un inexorable glissement

À partir de ce moment, la gente dame ne s’appartient plus, et le chaos entre dans sa vie parentale, familiale, amoureuse, amicale et professionnelle. Car si certains autour d’elle apprécient largement son implication, révélant au passage un racisme doublé d’un repli identitaire aussi sidérant que déplacé, d’autres vont refuser cette annihilation dont on comprend rapidement qu’elle s’orchestre dans une atmosphère idéologique, économique et sociale propice à pareilles dérives. Subtil, Delvaux place ses indices dans une musique, un drapeau, une inscription au fronton d’une salle de sport, les hurlements d’une foule de supporters qui ressemblent à s’y méprendre aux saluts des stades nazis à Nuremberg. Progressivement, on réalise que tout, paroles, symboles, attitudes, dans cet environnement, conspire pour favoriser un inexorable glissement.

Méthodes quasi-sectaires

Ce background trahit les méthodes quasi sectaires d’un parti enclin à la violence, encadré par des milices adeptes de la ratonnade, adepte des pressions et des menaces, voire de l’éradication physique de ses transfuges comme de ses opposants. Sans compter les manipulations, les mensonges, les coups bas, l’instrumentalisation des êtres sans aucune considération pour leurs existences… La démonstration est forte, malsaine au dernier degré, par certains points similaires à la magnifique websérie Face au diable, qui traite du même sujet du reste : la banalisation du mal à l’œuvre en ses débuts, avant qu’Hannah Arendt n’en fasse l’étude philosophique, cette métamorphose graduelle qui amène à écarter petit à petit toute humanité, toute écoute de l’autre, tout dialogue pour embrasser des idées nauséabondes jusqu’à l’intolérable.

Un tableau plausible

Pour sûr, l’ensemble fait peur car il présente un tableau plausible, décortique une lente décomposition, dont les responsabilités sont multiples : capitalisme sauvage et voyou qui accélère la mort économique de la zone et l’explosion du chômage, absence d’éducation et de culture, désertion des institutions et de l’État, montée des fanatismes religieux, enfermement dans des ghettos, … tout un socle de désespoir à exploiter quand il faudrait le combattre. D’urgence.

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Nous venions à peine de boucler notre article sur le documentaire Paris 1871, la semaine sanglante diffusée sur l’INA que nous tombons sur le magnifique Les damnés de la Commune proposé par ARTE. Et très sincèrement, les deux se complètent magnifiquement : si le premier permet de comprendre, le second donne à ressentir. Et c’est absolument essentiel.

Victorine la survivante

Les damnés de la Commune s’inspire des trois romans graphiques que Raphael Meyssan a dédiés au destin de Lavalette, communard ayant vécu dans le même immeuble bellevillois que ce jeune auteur passionné et émouvant. Le film quant à lui se concentre plus spécifiquement sur Victorine, jeune femme du peuple qui s’implique corps et âme dans la Commune, depuis les prémisses jusqu’aux dernières secondes et plus encore. Survivante des massacres de la Semaine sanglante, Victorine témoignera de ce formidable élan dans ses mémoires, faisant ainsi œuvre de transmission pour les générations futures.

Un peu de lumière

La chose est essentielle : tout fut fait pour noircir le souvenir de ces deux mois de démocratie directe qui devaient servir de socle à l’accouchement du communisme. Aujourd’hui nous célébrons le 150eme anniversaire de cette période et le film de Meyssan arrive à point nommé pour apporter un peu de lumière et de chaleur sur cet épisode. S’appuyant sur des gravures d’époque qu’il anime, le réalisateur plonge Victorine dans la ferveur et le tourment de ces soixante jours de bouleversements sociaux profonds, quand Paris refuse de plier face aux exigences de l’envahisseur prussien et aux ordres d’une République profondément conservatrice.

https://youtu.be/p2v7U9E3NnU

Une rupture sociale

Le déroulé du récit, partagé entre un narrateur omniscient (formidable Simon Abkarian) et le témoignage fébrile de Victorine (Yolande Moreau, sidérante d’authenticité) nous ancre dans la réalité du Second Empire pour élucider les étapes conduisant à cette rupture sociale profonde et à l’affrontement sans merci des Français sur l’ensemble du territoire. Car Paris ne fut pas la seule à s’insurger ; Lyon, Marseille se mutinèrent également comme d’autres cités dans le pays. Tous les foyers de rébellion furent écrasés, Paris plus encore, avec ses monceaux de cadavres, ses exécutions par milliers. Femmes, enfants, vieillards … aucune pitié. Il fallait une punition exemplaire,

Le bien commun

Et pourtant … quel beau projet. En 1871, déjà la volonté de partager le fruit du travail, de considérer les femmes à l’égal des hommes, de permettre à tous d’être instruits, de posséder ses outils, de gérer en commun les entreprises. Des idées qui aujourd’hui encore nous animent et peinent se concrétiser. Mais avons-nous notion que ces ambitions datent d’un siècle et demi ? Qu’elles furent réalité deux mois durant dans cette capitale transformée en laboratoire social, prise en main par des gens du peuple sans éducation mais qui surent s’organiser, en favorisant le bien commun, la libre parole.

Vibration intérieure

Pour illustrer ces figures, Mathieu Amalric, fanny Ardant, Charles berling, Sandrine Bonnaire, André Dussolier, Anouk Grinberg, Arthur H, Félix Moati, François Morel, Denis Podalydés, Michel Vuillermoz, Jacques Weber. De grands acteurs qui prêtent leur voix, leur vibration intérieure pour transmettre la fébrilité de cette période, ses enjeux, le trouble et l’exaltation des consciences tandis que se joue l’avenir du pays, le devenir d’un modèle de société fondé sur la justice, l’équité. Les damnés de la Commune est à plus d’un titre un film d’exception. Un hommage formidable d’intensité, de justesse qui touche à la fois les esprits et les cœurs.

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https://www.arte.tv/fr/videos/094482-000-A/les-damnes-de-la-commune/

http://cineteve.com/films/les-damnes-de-la-commune/

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Difficile de parcourir l’exposition Caro/Jeunet de la Halle Saint-Pierre sans avoir envie direct de se refaire la filmographie du tandem, opérant ensemble ou séparément. Car si ces messieurs sont passés à la postérité en réalisant de concert le savoureux Delicatessen puis La Cité des enfants perdus, il leur arrive aussi d’opérer en solo. Ainsi Jean-Pierre Jeunet monte seul à la création de Micmacs à Tire-Larigot. Nous sommes en 2009, c’est son sixième film, une fable tendre, si juste, qui marque le spectateur par son humour et la synthèse qu’elle opère de toute une œuvre.

Marginaux vs requins de l’armement

Résumons : Bazil n’a eu guère de chance dans la vie. Son père, militaire de carrière et démineur, meurt en mission, réduit en bouillie par une charge récalcitrante dans un quelconque désert de la planète ; sa mère ne résiste pas au veuvage, direct internement. Le petit quant à lui part dans un orphelinat atroce dont il s’échappe vite fait pour atteindre l’âge adulte, sens de la débrouille oblige. Manque de bol, il se prend une balle en plein front, dans des circonstances ubuesques, et s’il survit, il y perd appart et job.

C’est la rue, la mendicité… et la rencontre avec une petite bande de marginaux qui vont le sortir du pétrin… et l’aider à coincer les entreprises d’armement qui ont provoqué sa perte. À la tête de ces deux firmes rivales, des requins de la finance, l’un très aristocrate vieille France, l’autre golden boy aux dents longues. Vivant chacun reclus dans les murs de leurs usines et de leurs apparts, bien protégés par des gardes du corps et des réseaux politiques. Inattaquables en apparence.

Une troublante légèreté

C’est sans compter sur l’ingéniosité et le talent de nos farfelus saltimbanques, qui vont agir avec originalité, inventivité et un sens inné de la récup’. N’en disons pas plus ; rythmée en diable, cette farce se singularise par des gags et des répliques irrésistibles, des clins d’œil nombreux aux films précédents, des mises en abîme récurrentes, des décors soignés, des références constantes à l’art et au cinéma, avec en prime les automates de Gilbert Peyre qui ajoutent leur poésie à ce monde aux nuances étranges de cuivre, d’oranger et de vert.

Quant au casting, Dominique Pinon est au rendez-vous, de même que Dany Boon, Yolande Moreau, Jean-Pierre Marielle, Julie Ferrier, Michel Crémadès, Omar Sy, André Dussolier, Nicolas Marié, Marie-Julie Baup … et l’incontournable Dominique Bettenfeld. Entre autres. Bref, du beau monde, pour animer cet apologue où de nouveau, les plus faibles font la nique aux puissants, opposant à l’argent et au pouvoir, le système D, l’imagination et la poésie. Franchement, on ne s’en lasse pas, tant cela fait du bien. Le film est à voir et revoir sans limite pour sa troublante légèreté, la résilience qu’il met en exergue, sa vertu quasi thérapeutique.

Et plus si affinités

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