Autopsie d’un drame d’État

Revenons aux faits, que les plus jeunes d’entre vous n’ont pas forcément en mémoire. Décembre 1986, le mouvement étudiant et lycéen se mobilise contre le projet de loi Devaquet, visant (déjà) à introduire la sélection à l’entrée des universités, à augmenter les droits d’inscription et à accroître la mise en concurrence des établissements, en un mot donc à réduire drastiquement l’accès aux études supérieures. Le 5 décembre, une manifestation d’ampleur a lieu à Paris. En marge des rassemblements déjà bien surveillés par les CRS (j’étais là, je peux en témoigner), interviennent les voltigeurs ; créés en 1969 par le préfet Raymond Marcellin, ces « pelotons de voltigeurs motoportés » (PVM pour les intimes) sont sur site avec pour mission de disperser rapidement les regroupements de potentiels casseurs.

Vers minuit, Malik Oussekine, étudiant franco-algérien atteint de déficience rénale et totalement étranger aux mouvements de contestation, sort d’un club de jazz dans le 6ᵉ arrondissement de Paris. Poursuivi sans motif par deux voltigeurs, il se réfugie dans le hall d’un immeuble de la rue Monsieur-le-Prince ; il y est matraqué, frappé de plusieurs coups de pied. Il succombera à ses blessures quelques heures plus tard à l’hôpital Cochin. Il n’avait même pas participé à la manifestation.

Meurtre raciste et impunité institutionnelle

La mini-série d’ Antoine Chevrollier raconte cette histoire : qui était ce garçon ? Comment a-t-il été tué ? Le récit fonctionne à plusieurs vitesses pour mettre en avant la brutalité de ce meurtre raciste, le séisme familial qu’il engendre, les différents temps de le bataille politico-judiciaire qui a suivi. La famille Oussekine donc, la mère, les deux frères, la sœur, frappés de plein fouet par la perte du cadet, petit dernier chéri, plein de vie, de promesses … un clan soudainement confronté aux menaces xénophobes, qu’on tente de réduire au silence par tous les moyens.

Stigmatisation de la victime, lenteurs de la justice, récupération politique … il faudra attendre 1990 pour que deux des trois policiers impliqués (aucune preuve n’est retenue contre ce dernier) soient condamnés par la cour d’assises de Paris à des peines de prison … avec sursis. La sanction sera perçue par beaucoup en France comme une forme d’impunité institutionnelle, une volonté à peine voilée de protéger les corps de police envers et contre tout.

Maintien de l’ordre et brutalité institutionnalisée

Corporatisme, racisme, brutalité crasse d’une police en roue libre qui se croit tout permis et à qui on autorise tout … Si la série sonne si juste, c’est qu’elle pointe du doigt la permanence des doctrines de maintien de l’ordre en France dans l’après-guerre. Le premier épisode évoque par le biais des actualités les gazages, les mains arrachées, les manifestants frappés, avant de faire état du massacre du 17 octobre 1961 : les forces de l’ordre répriment alors un défilé en faveur de l’indépendance de l’Algérie ; les agents tirent dans la foule, noient certains manifestants. Le nombre des victimes demeure à ce jour incertain ; les historiens évoquent entre 100 et 300 morts. 1961, 1986, 2026 … Rien n’a changé ?

Certes, suite au meurtre de Malik Oussekine, le ministre de l’Intérieur de l’époque, Charles Pasqua, dissout immédiatement le peloton des voltigeurs, cédant ainsi à la pression de la rue et de l’opinion publique. Mais, trente ans plus tard, l’esprit des voltigeurs ressurgit dans l’espace public, intact. Début 2019, le préfet Michel Delpuech pose les bases des Brigades de répression des actions violentes motorisées, les redoutables BRAV-M que son successeur Didier Lallement pérennisera quelques mois plus tard. Si les autorités affirment que leur mode d’action diffère, le principe sous-jacent demeure le même : employer des unités hautement mobiles et équipées pour impacter rapidement les cortèges et disperser les manifestants, quitte à créer des tensions supplémentaires en insultant et en frappant à tour de bras, comme en témoignent observateurs des libertés publiques, Défenseur des droits et organisations internationales type Conseil de l’Europe.

Répression made in France

L’analogie entre 1986 et les mouvements sociaux contemporains réside également dans la nature même du face-à-face entre l’État et sa jeunesse. En 1986, la jeunesse mobilisée contre la loi Devaquet défendait le principe d’un accès universel et démocratique à l’enseignement supérieur. Les cortèges récents s’inscrivent dans une filiation directe, qu’il s’agisse de dénoncer la précarité étudiante, les réformes de sélection à l’université ou la gestion des politiques environnementales et sociales. Dans les deux cas, le pouvoir politique privilégie la réponse sécuritaire à la concertation politique.

La série Oussekine met remarquablement en lumière l’effet de matraquage indifférencié qui transforme une protestation citoyenne en traumatisme collectif. La violence subie par Malik Oussekine est le produit d’une doctrine axée sur le contact coercitif plutôt que sur la désescalade, une orientation historique typique du maintien de l’ordre à la française, beaucoup plus dure que les méthodes de désescalade employées dans d’autres pays européens comme l’Allemagne ou le Royaume-Uni.

La série Oussekine rappelle que la question des violences policières ne saurait se résumer à une succession de « bavures » isolées ou de « brebis galeuses ». Elle relève d’un problème structurel qui touche à la responsabilité de l’État et aux choix politiques d’encadrement des libertés publiques. Rigoureux dans son approche, ce récit constitue un outil de salubrité publique. Il contraint la société à regarder en face ce que la mémoire institutionnelle a parfois tendance à lisser : la violence d’État exercée à l’encontre de sa propre jeunesse est une constante historique dont il faut interroger les résurgences, neutraliser la logique et stopper sur le champ les effets délétères.

Cet article Oussekine : dénoncer la violence d’État comme constante historique est apparu en premier sur The ARTchemists.

• la reconduction d’injonctions patriarcales traditionnelles axées sur la docilité, l’assujettissement sentimental et la dictature de l’apparence
• un espace d’émancipation poétique et politique où s’inventent de nouvelles formes d’affirmation de soi.

Pour tenter de cerner le shōjo, il faut donc accepter de le lire comme un texte double, à la fois miroir des normes d’une époque et atelier de leur contestation.

La cage dorée des archétypes sentimentaux

L’analyse de la structure dramatique des œuvres canoniques du genre révèle la persistance de motifs profondément conservateurs. Le schéma relationnel dominant y repose bien souvent sur la fascination exercée par une figure masculine dominante. Le stéréotype de l’« homme d’exception » incarné par le personnage du ikemen (l’homme beau, froid, ténébreux et souvent fortuné) s’oppose quasi systématiquement à une héroïne caractérisée par une maladresse constitutive, une grande naïveté et un statut social plus modeste.

Ouran High School Host Club d’Hisaya Nakajo en offre une déclinaison presque caricaturale, avec sa galerie de jeunes hommes archétypaux (le froid, le charmeur, le protecteur) organisés en catalogue de désirabilité masculine à destination d’une héroïne d’abord spectatrice de sa propre intrigue amoureuse. Dans ce dispositif, la dynamique amoureuse prend parfois un tour toxique que le récit légitime sous couvert du sentiment romantique.

• Les attitudes intrusives, l’emprise psychologique, voire les gestes de violence physique mineure (comme le célèbre kabedon, geste consistant à plaquer brutalement une femme contre un mur) sont fréquemment mis en scène comme des manifestations désirables d’un désir masculin irrépressible. Le classique Candy Candy (Kyoko Mizuki et Yumiko Igarashi) illustre cette veine ancienne : la persévérance de l’héroïne face à des figures masculines distantes ou dominatrices y est présentée comme une preuve d’amour véritable plutôt que comme un signal d’alerte. Ice genre de récit privilégie donc la romantisation de la contrainte.
• L’épanouissement de l’héroïne demeure conditionné par sa capacité à susciter l’intérêt du protagoniste masculin, suggérant implicitement aux lectrices que la valeur d’une femme se mesure à l’aune du regard d’un tiers. Le salut des héroïnes découle de leur soumission.

Loin d’être spécifique à la culture japonaise, ce schéma narratif rejoint, dans sa mécanique, les codes du roman sentimental occidental, ce qui invite à situer la critique du shōjo dans une réflexion plus large sur la culture populaire genrée.

La tyrannie du corps et les injonctions à la normativité

Sur le plan visuel et thématique, le shōjo opère également comme un vecteur d’inculcation des normes d’esthétique et de comportement liées à l’étiquette féminine japonaise. La méticulosité apportée aux détails vestimentaires, la codification extrême des visages caractérisés par de grands yeux immaculés et des traits graciles, participent à la construction d’un idéal corporel rigide.

Les thématiques du relooking (makeover) et de la métamorphose physique structurent de nombreuses intrigues. La transformation d’une jeune fille réputée « négligée » ou « banale » en un être gracieux grâce aux cosmétiques et aux vêtements souligne une injonction fondamentale : l’intégration sociale et la réussite affective exigeraient un alignement strict sur la normativité esthétique.

Fruits Basket de Natsuki Takaya, malgré la profondeur psychologique qu’il déploie, n’échappe guère à cette logique : l’acceptation sociale de son héroïne Tôru Honda reste en partie arrimée à sa capacité à incarner une douceur et une gentillesse sans faille, quasi sacrificielle. La minceur, la pâleur du teint, la retenue émotionnelle constituent les conditions préalables à toute reconnaissance : on imagine bien comment cette équation peut impacter l’estime de soi d’un lectorat adolescent en pleine construction identitaire.

Du miroir des aliénations aux territoires de l’émancipation

Réduire le shōjo manga à un simple instrument d’endoctrinement patriarcal constituerait néanmoins une erreur de lecture majeure. Historiquement, l’appropriation du genre par des autrices à partir des années 1970, sous l’impulsion du mythique Groupe de l’an 24 (porté notamment par Moto Hagio et Keiko Takemiya), a métamorphosé la bande dessinée pour filles en un laboratoire de subversion formelle et thématique.

La Rose de Versailles de Riyoko Ikeda, publiée dès 1972, en constitue une œuvre fondatrice : son héroïne Oscar de Jarjayes, élevée comme un homme et commandant la garde royale, incarne une remise en cause frontale de l’assignation genrée, bien avant que le terme d’empowerment ne s’impose dans le débat public.

Les autrices de shōjo ont su détourner les contraintes du genre pour insuffler des récits d’émancipation particulièrement novateurs :

• En introduisant des personnages androgynes ou en explorant les amours homosexuelles (aux fondations du Boy’s Love ou du Yuri), le shōjo a offert aux lectrices un espace psychique précieux pour penser le désir affranchi du carcan hétéronormatif et des rôles de genre assignés. Sailor Moon elle-même, à travers le couple des Sailor Uranus et Neptune, a introduit dès les années 1990 une représentation lesbienne rare dans un manga grand public.
• A travers le sous-genre du Magical Girl (dont Sailor Moon demeure le parangon), les héroïnes sortent de la passivité pour s’approprier la force, le combat et la sororité, affirmant que la féminité et la grâce n’excluent en rien la puissance d’action ni l’autorité politique.
• Les productions contemporaines explorent désormais le refus des carrières toutes tracées, la maternité choisie, le travail des femmes et la critique explicite du harcèlement en milieu professionnel, reflétant les mutations sociologiques de la société japonaise. Nana d’Ai Yazawa, par exemple, met en scène deux jeunes femmes qui construisent leur trajectoire, artistique pour l’une, sentimentale et personnelle pour l’autre, hors des cadres attendus, sans que l’une des deux voies soit hiérarchiquement valorisée sur l’autre.

Cette bascule n’est pas linéaire ni achevée : les deux logiques, reconduction des stéréotypes et travail de subversion, continuent de coexister, parfois au sein d’une même œuvre, voire d’un même personnage.

Vers une lecture éclairée et plurielle

En définitive, le shōjo manga ne peut être considéré comme un simple vestige d’archaïsmes réactionnaires, ni une panacée féministe exempte de contradictions. Il s’apparente plutôt à un palimpseste où se superposent les tensions d’une société en pleine mutation. Exercer une critique féministe sur ces œuvres ne réclame nullement leur rejet dogmatique, mais invite plutôt à une lecture lucide.

Il s’agit de célébrer la richesse visuelle, la finesse psychologique et le potentiel d’émancipation de ces récits, tout en conservant un regard acéré sur les stéréotypes qu’ils véhiculent encore. C’est à ce prix que le shōjo révèle sa véritable nature : celle d’un miroir tendu aux désirs d’émancipation de générations de lectrices et, de plus en plus, de lecteurs.

Cet article Shōjo entre archaïsmes sentimentaux et prémices de l’empowerment : une lecture féministe du manga pour filles est apparu en premier sur The ARTchemists.

Le théâtre, ou l’art de faire semblant ensemble

Commençons par le socle. Le théâtre, quelle que soit son audace formelle, repose sur un principe vieux comme la tragédie grecque : la représentation. Un comédien entre en scène pour incarner un personnage qui n’est pas lui, guidé par un texte ou, à défaut, par une structure dramatique pensée en amont. Même dans ses formes les plus expérimentales (théâtre de rue, immersion, dispositifs éclatés), une frontière subsiste entre l’acteur et son rôle. Et surtout, la pièce se répète : celle jouée un mardi soir sera rejouée, presque à l’identique, le mercredi.

En attendant Godot de Samuel Beckett (1953) en offre une démonstration presque paradoxale. Voici une pièce qui pulvérise la narration classique, qui installe l’Absurde en majesté, où il ne se passe, en apparence, rien. Il n’empêche : dans la mise en scène historique de Roger Blin au Théâtre de Babylone, les comédiens interprètent des rôles écrits, récitent des répliques fixées au mot près par Beckett, et rejouent chaque soir la même partition. Même désarticulé jusqu’à l’os, le théâtre reste affaire de rôle, de texte et de reproductibilité.

Le happening, quand l’artiste s’efface dans la foule

À la toute fin des années 1950, un groupe de plasticiens dans la mouvance de Fluxus et du Black Mountain College décide de faire exploser le cadre théâtral. Naît alors le happening, conceptualisé en 1959 par l’artiste américain Allan Kaprow. Contrairement au théâtre, il n’y a plus de spectateurs assis dans le noir : toute personne présente devient, qu’elle le veuille ou non, participante. Le happening ne raconte rien, il provoque une situation collective, éphémère et par définition imprévisible. Pas de scène séparée, pas de répétition possible : chaque happening n’existe qu’une fois.

18 Happenings in 6 Parts, présenté par Kaprow à la Reuben Gallery de New York en 1959, en reste l’acte fondateur. La galerie y est divisée en trois espaces par des cloisons de plastique semi-transparentes ; les participants reçoivent un programme leur indiquant de changer de pièce à des moments précis, au son d’un timbre, exécutant des gestes simples (peindre sur une toile, écouter des bandes sonores superposées) sans jamais savoir ce que fabriquent les autres dans la pièce voisine. Kaprow théorisera lui-même cette ambition : faire se dissoudre l’art dans la vie quotidienne, au point de ne plus pouvoir dire où s’arrête l’un et où commence l’autre.

La performance, ou l’épreuve du réel à mains nues

Le happening dissout l’auteur dans la foule ; la performance, elle, fait l’inverse. Apparue dans les années 1960-1970, elle se concentre sur la personne même de l’artiste, et pose une distinction capitale : dans une performance, on ne joue pas un personnage, on ne fait pas semblant. Marina Abramović, figure tutélaire de la discipline, a souvent rappelé cette différence fondamentale entre le comédien qui incarne un autre que lui-même, et la performeuse pour qui tout, sur le plateau, est bel et bien réel, le couteau, le sang, l’émotion.

Rhythm 0, présentée en 1974 à la Galleria Studio Morra de Naples, illustre cette radicalité jusqu’au vertige. Pendant six heures, Abramović reste immobile, à la disposition entière du public. Sur une table reposent 72 objets parmi lesquels une rose, du miel, des ciseaux, un couteau, une arme chargée d’une balle. Une seule consigne : le public peut faire ce qu’il veut de l’artiste. Au fil des heures, on la dévêt, on l’entaille avec les épines de la rose, jusqu’à ce qu’un homme pointe l’arme chargée contre sa tempe. Rien, ici, ne relève de la fiction dramatique : c’est une exploration à vif, sans filet, de la vulnérabilité humaine et de la pulsion d’agression qu’un cadre artistique suffit parfois à libérer.

Pourquoi s’obstiner à distinguer les trois

Employer le mot juste n’est jamais un caprice de puriste : il s’agit en l’état de respecter la démarche de l’artiste, et le risque qu’il ou elle prend. Réduire une performance à un « spectacle » ou une « prestation », c’est effacer d’un trait l’engagement physique réel, parfois périlleux, du performeur. À l’inverse, coller l’étiquette « happening » sur n’importe quelle pièce immersive, c’est oublier ce qui fait précisément la spécificité de cette forme : l’imprévu total, l’absence de scénario, la dilution de l’auteur dans le collectif.

Théâtre, happening, performance ? Trois manières radicalement différentes d’interroger ce que signifie être présent : jouer un rôle, provoquer une situation, ou s’exposer soi-même, sans filtre, au regard d’autrui. Aussi, la prochaine fois que vous lirez le mot performance sous notre plume, vous saurez qu’il ne s’agit ni d’un rôle, ni d’un divertissement, mais d’un corps vraiment, physiquement engagé dans le réel, sous le regard de témoins qui, souvent, en deviennent eux-mêmes les complices.

Cet article Théâtre, happening, performance : l’importance du mot juste est apparu en premier sur The ARTchemists.

Parce qu’on ne change pas une formule gagnante à moins d’être complètement crétin ou un brin suicidaire, La Velue investit comme à son habitude le Nouveau Tigre au Cirque électrique pour nous faire vibrer avec une édition viscéralement cabaret, drôle et magique avec plein de plumes, de paillettes et talents dedans.

Aux commandes de cet attelage qui n’en finit plus de nous éblouir, la team Ughett / Edouard Liotard, Fabisounours / Loki Starfish / Madame Tiff qu’on ne présente plus mais quand même un peu vu qu’ils se partagent les tâches d’accueil, de mise en scène, de gestion des coulisses et du bordel ambiant, des Djsets, des plumes, des costumes, du placement, de la sélection et du bichonnage des artistes.

Des artistes justement. Qui à l’affiche pour inaugurer octobre 2026 en fanfare ?

• Père Eustache (julie Furton dans le civil) probablement très en verve après la visite papale, ce qui devrait nous valoir quelques crises de fou rire.
• Lyou Bou, pole danseuse évoluant entre opéra, ballet classique, effets bruitistes et cri primal
• Jining Magma, clown boylesque particulièrement virtuose, surtout quand on lui confie des ballons et des tunnels pour chaton en plastique (les tunnels, pas les chatons, faut suivre)
• MlleKiss, véritable trou normand assumé, revendiqué, fièr.e de l’être

Les petits plus (jamais de soirée Velu.e sans petit plus voyons!!!) ?

• Déjà et c’est vraiment un TRES GROS PLUS, les Soeurs de la Perpétuelle Indulgence seront sur site (rien que ça + Père Eustache, faut pas louper la soirée), et c’est super cool nos cornettes d’amour sont LA panacée, le remède miracle pour affronter cette rentrée de merde.
• Autre petit plus non négligeable, La Barbote sera là pour vous tailler les cheveux en pointe, et à prix libre, donc vous donnez ce que vous voulez/pouvez.
• Allez, un petit plus en plus : vente solidaire de chocolats De Neuville, donc là vous n’avez plus d’excuse surtout si il y a des rochers au chocolat noir avec la super praline dedans.
• Bon et attendez, on me souffle à l’oreillette qu’il y aura peut-être d’autres surprisounettes pour égayer cette soirée automnale aux senteurs d’été indien.

Bon donc, on fait le point : super affiche, talents aux rendez-vous, rires assurés, Djsets de folie, les Sisters sur site, des chocolats … euh le bonheur, ça peut parfois être simple comme une soirée Velu.e !

Allez, vous êtes tenté.e ? Alors RDV sur le compte Instagram de la team Velu.e pour organiser votre venue !!!

Cet article Soirée Velu.e en octobre ? Des cornettes, des clowns, des chocolats, des trous normands, des Djsets  !!! est apparu en premier sur The ARTchemists.

Folie en duo

Bon par où je commence ? Parce que Les Papillons noirs, inspirés de la célèbre chanson de Gainsbourg, nomment aussi bien une série qu’un bouquin. Allez on attaque par la série vu que le projet a débuté par là. Adrien Winckler, nom de plume Mody, (à la fois une forme rare de diabète et une dérivation du terme « maudit », ça ne s’invente pas) est écrivain ; pour être honnête, c’est un auteur en panne d’inspiration, qui après un premier succès fulgurant où il évoquait sa vie d’alcoolique, de voyou et de taulard, a dû se rabattre sur des petits boulots de ghostwriter. Il faut bien bouffer, non ? Surtout quand on partage la vie de Norah, petit génie de l’épigénétique et nana au caractère bien trempé.

Adrien, un jour, est contacté par un certain Albert, qui veut rédiger ses mémoires. Le job a l’air peinard, est bien payé. Adrien accepte … mettant ainsi le doigt dans un engrenage maléfique. Car Albert sous ses airs de vieux pépère tranquille paumé dans sa cambrousse avec son diabète et ses reins pourris, révèle un passé pour le moins obscur … de tueur en série. Une marche au meurtre vécu à deux, avec sa compagne d’alors, son grand, son unique amour, la belle Solange qu’il a rencontrée à l’école après guerre, lui l’orphelin de l’Assistance publique. Face à cette jolie petite rouquine née des amours interdites d’une pute et d’un Boche, c’est le coup de foudre … et la folie en duo.

Histoire d’une obsession

C’est que Solange attire les hommes comme la lumière les papillons. Et ça, Albert ne le supporte pas. Du coup, il bute les gars qui s’y frottent de trop près, protégeant ainsi sa Solange à coups de ciseaux de coiffeur, leur profession à tous deux. Et ce qui relève initialement de la légitime défense devant des violeurs, va devenir une course au meurtre à la Bonnie and Clyde, une chasse exaltante vécue en mode vacances, au fil de road trips à travers la France. Et Albert en déroulant ses souvenirs sanglants, de dépeindre une relation fusionnelle où personne n’a sa place, surtout pas les bébés dont Solange régulièrement avorte. Jusqu’au jour où elle disparaît …

Cette histoire, Adrien au début, n’y croit pas, puis il vérifie ; les victimes évoquées par Albert existent, ont bien été massacrées selon le modus operandi décrit par le vieillard. Terrorisé, Adrien envisage de prendre le large … sauf que là il tient un sujet. Cette histoire le fascine, l’obsède … Solange, Albert, cette fuite en avant, ça lui parle tellement qu’il en fait un bouquin. Bouquin qui deviendra un grand succès littéraire, bouquin qui déclenchera la catastrophe, bousillera son existence au fur et à mesure qu’elle éclairera son trouble passé. Car Adrien est lié à cette histoire, beaucoup plus qu’il ne le pense. C’est même cette histoire qui le définit et il va le découvrir à ses dépends.

Le livre en regard de la série

Ok je n’en dis pas plus long sur ce mystère familial interprété à la perfection, tourné de main de maître. Ce qui m’anime ici, c’est la volonté initiale des scénaristes/réalisateurs Bruno Merle et Olivier Abboux de donner vie à ce livre, livre dont la lecture éclaire l’intrigue d’une autre lumière, comme si Adrien, en se saisissant de cette mémoire, en prêtant voix au « je » d’Albert, à son style d’expression, à ses émotions, ses souvenirs, en imaginant les ressentis de Solange l’absente avec un point de vue interne à la troisième personne, commençait à lever le voile, à toucher du doigt l’atroce vérité d’un héritage génétique à laquelle on ne peut échapper.

Là où dans 89 % des cas, les scénarios adaptent des livres, ici c’est le scénario qui inspire le roman. Pour s’y coller,  Gabriel Katz, cornaqué par les éditions du Masque, endosse le pseudo de Mody et accouche des 270 pages d’un ouvrage à l’écriture incisive et captivante. Exploit rédactionnel s’il en est, ces chapitres racontent la meurtrière aventure de Solange et Albert sans faire redondance avec les épisodes de la série, tout en parsemant la narration d’indices supplémentaires qui soulignent la prescience de Mody/Adrien.

Une approche extrêmement intelligente et disruptive

Il fallait le faire, et sans se planter. Le résultat est au rendez-vous, que je qualifierai de chiadé. Haute voltige narrative que ce tandem où l’image et l’écrit dialoguent, se renvoient la balle ; quand le livre s’invite dans certaines séquences d’une série surfant sur l’esthétique flamboyante des seventies, les images sanglantes de cette dernière trouvent un approfondissement dans des pages vénéneuses. On vit ici une expérience artistique à deux visages, brillamment complétée par une version audio du récit lu par Niels Arelstrup qui interprète Albert. L’occasion de plonger tête la première dans les confessions recueillies par Adrien au fil de séances toujours plus éprouvantes.

Une série, un livre, un enregistrement, le projet, ambitieux, sort des autoroutes balisées de la prod à une voie, pour proposer une approche extrêmement intelligente et disruptive, qui piège le spectateur/lecteur/auditeur dans les affres émotionnelles subies par les protagonistes de cette histoire de fous. Approche qui ne pourrait fonctionner sans les talents qui en tissent la toile, réals et auteur bien sûr, mais aussi les interprètes, notamment le tandem Albert/Adrien avec Niels Arelstrup bien sûr qu’on ne présente plus et qui compose un Albert tout en nuances, tout en douceur, d’une tendresse incroyable, et Nicolas Duvauchelle absolument parfait pour incarner l’errance d’un Adrien Mody rongé de violence et de peur.

En bref et pour faire court, bénis soient celles et ceux qui ont accouché de ce magnifique objet narratif dont on aimerait qu’il fasse des émules, car franchement l’expérience est intense, inoubliable, formatrice et et addictive.

Cet article Les Papillons noirs : un polar tricéphale au charme vénéneux est apparu en premier sur The ARTchemists.

Un dyptique dramaturgique brillantissime

Sous-titré avec une ironie mordante « comédie identitaire », le spectacle s’articule autour d’un diptyque dramaturgique brillantissime où s’affrontent deux registres scéniques.

Le spectacle s’ouvre sur le stand-up hystérique de Nicolas Sarkozy. Porté par la scansion nerveuse et la présence saisissante de Clovis Fouin, cette incarnation de l’ancien chef de l’État investirait presque la scène d’un comedy club moderne. L’exercice théâtral met à nu le cœur même du sarkozysme : la sur-exposition de soi, le culte de la volonté pure, la transgression verbeuse, une quête frénétique d’approbation. Mais lorsque le parterre d’électeurs-spectateurs finit par le chasser des planches, le pouvoir glisse vers son double antinomique.

Entre alors en scène la figure du clown François Hollande, interprété par un Valentin Boraud au jeu remarquablement nuancé, qui s’avance vers nous sous les traits d’un auguste mélancolique pétri de bonnes intentions mais si peu sûr de lui. Tout y est : le bureau de travers, la maladresse touchante, l’ambition sincère d’apaiser un pays fracturé sous le slogan « Le changement, c’est maintenant ». Mais face au poids démesuré des crises économiques, du chômage de masse et de la tempête terroriste, le geste clownesque s’effondre sous la gravité du réel. La farce cède la place à un désenchantement amère.

Leïla et Ludovic : l’intime fracturé par l’Histoire

SarkHollande dépasse le simple pastiche politique en introduisant un troisième fil conducteur fondamental. En contrepoint de cette joute présidentielle, la pièce donne la parole à Leïla Merabet (incarnée par une Ada Harb magistrale). Au soir du 6 mai 2012, jour d’ébullition démocratique, la jeune femme rencontre Ludovic Müller, artiste issu de cette France périphérique dont les discours politiques s’emparent sans jamais la comprendre.

À travers le récit de cet amour naissant puis déchiré, la pièce opère un basculement intime. Les velléités idéologiques de la décennie cessent d’être des abstractions partisanes pour devenir des stigmates concrets dans la vie des citoyens. Confronté aux traumatismes collectifs des attentats de 2015, le couple se fracture au même rythme que le tissu social français. La « comédie identitaire » révèle alors sa face sombre : le drame d’une société en quête de repères, fascinée par ses propres démons, incapable de préserver la possibilité d’un destin commun.

Le miroir de notre mémoire récente

Coécrit par Julien Campani, Léo Cohen-Paperman et Clovis Fouin, le texte d’une acuité remarquable accomplit une double prouesse : réveiller un passé si proche qu’il nous brûle encore les doigts, tout en maintenant cette distance ludique indispensable au grand théâtre populaire. La mise en scène, vive et épurée, passe sans heurt du rire libérateur à l’émotion retenue, rendant hommage à la fois aux figures de la commedia dell’arte et au théâtre documentaire.

En auscultant cette décennie charnière, Léo Cohen-Paperman n’émet aucun jugement moralisateur. Il tend au spectateur le miroir d’une époque qui a vu naître nos failles sociétales actuelles. SarkHollande prouve une fois de plus que la saga Huit Rois ne se contente pas de raconter l’histoire de nos chefs d’État : elle dresse, avec une finesse et une humanité rares, le portrait en creux du peuple qui les a élus.

Cet article SarkHollande : la République entre standup et clownerie est apparu en premier sur The ARTchemists.

Un patrimoine conçu pour traverser les siècles… mais pas pour un climat qui change si rapidement

Les monuments anciens ont été construits en fonction de conditions climatiques relativement stables. Les matériaux utilisés par les bâtisseurs — pierre, bois, terre cuite, pigments naturels, mortiers traditionnels — ont été choisis et employés dans des environnements précis. Or, le changement climatique modifie ces équilibres. Les périodes de fortes chaleurs plus fréquentes, l’alternance entre sécheresses et épisodes de fortes pluies, l’augmentation de certains phénomènes extrêmes ou encore la modification des cycles de gel et de dégel peuvent accélérer la dégradation des matériaux.

La pierre, que l’on imagine souvent indestructible, s’avère particulièrement vulnérable. Deux exemples parlants ?

• La cathédrale Notre-Dame de Paris en France : Les épisodes d’extrême sécheresse et les vagues de chaleur fragilisent les mortiers historiques et provoquent des phénomènes de contraction-dilatation au cœur du calcaire, fissurant les voûtes et les structures sculptées.
• Les cités en terre de Bagerhat au Bangladesh : Dans cette cité mosquée du XVᵉ siècle classée au patrimoine mondial, l’augmentation des températures couplée à la remontée des sels marins fait littéralement s’effriter les briques de terre cuite et ronge les maçonneries traditionnelles.

Bref et en résumé, selon le Centre du patrimoine mondial de l’UNESCO, le changement climatique constitue désormais l’une des principales menaces pesant sur de nombreux biens culturels et naturels inscrits sur la Liste du patrimoine mondial.

Les œuvres fragilisées face aux nouveaux défis climatiques

Les monuments ne sont pas seulement des architectures : ils abritent aussi des œuvres parfois extrêmement sensibles. Les fresques, peintures murales, sculptures ou décors intérieurs peuvent être affectés par les variations de température et d’humidité. Or, ces éléments sont souvent irremplaçables : ils témoignent de techniques artistiques, de croyances et de modes de vie disparus. Là encore deux cas d’école :

• Les grottes de Mogao à Dunhuang en Chine : Écrin millénaire de la route de la Soie abritant des milliers de peintures murales bouddhiques, le site subit des pluies diluviennes de plus en plus fréquentes. L’augmentation brutale de l’humidité à l’intérieur des cavités provoque le décollement et la décoloration irréversible des pigments anciens.
• Les églises peintes de la région du Troodos à Chypre : Les variations microclimatiques intérieures, accentuées par des étés méditerranéens toujours plus étouffants, provoquent des efflorescences salines qui détruisent les fresques byzantines d’une valeur inestimable.

La difficulté consiste désormais à maintenir des conditions suffisamment stables pour préserver ces œuvres, alors même que le climat extérieur devient plus difficile à contrôler. Conservateurs et restaurateurs doivent repenser leurs méthodes : surveillance accrue des bâtiments, adaptation des systèmes de protection, nouvelles recherches sur les matériaux ou encore documentation numérique des œuvres.

Des sites archéologiques exposés aux bouleversements du climat

Les sites archéologiques en plein air subissent de plein fouet l’érosion climatique. Les sols qui protégeaient autrefois les structures s’assèchent ou s’effondrent sous le coup de précipitations extrêmes. Illustration ?

• Les terrasses de riz des cordillères des Philippines : Façonnées il y a plus de 2 000 ans, ces structures paysagères souffrent de glissements de terrain massifs causés par la recrudescence de typhons violents.
• Le village néolithique de Skara Brae en Écosse : Vieux de 5 000 ans et remarquablement conservé, ce site côtier est directement menacé par l’érosion des falaises et l’assaut de tempêtes d’une violence inédite, contraignant les autorités à bâtir des digues de protection provisoires.

Le patrimoine archéologique pose alors une interrogation vertigineuse : faut-il protéger tous les sites à tout prix, déplacer certains vestiges au risque de les décontextualiser, ou accepter qu’une partie de la mémoire humaine ne s’efface ?

Quand la mer menace les lieux de mémoire

La montée du niveau des océans et la submersion marine représentent l’un des défis les plus imminents. Des cités entières et des sanctuaires insulaires doivent adapter leurs stratégies de conservation.

• Venise et sa lagune en Italie : Symbole mondial de cette vulnérabilité, la Cité des Doges subit la répétition des épisodes d’acqua alta. L’eau salée s’infiltre dans la pierre poreuse de la Basilique Saint-Marc, cristallise et fait éclater les marbres ainsi que les mosaïques du XIIIᵉ siècle.
• Les Moaï de Rapa Nui sur l’Île de Pâques : Les mythiques statues géantes dressées en bord de mer subissent une érosion marine accélérée. La hausse du niveau marin gruge les socles rocheux (ahu), menaçant de faire basculer ces géants de pierre dans l’océan.

Préserver le passé … sans figer le monde

Face à ces menaces, la tentation pourrait être de vouloir figer les monuments dans un état idéal. Pourtant, le patrimoine a toujours été mouvant. Les grandes restaurations de l’Histoire montrent que les sociétés ont sans cesse adapté leurs édifices à leurs contraintes techniques et environnementales.

La question actuelle réside donc dans une transmission intelligente. Comment protéger sans dénaturer ? À l’image des digues amovibles du système MOSE à Venise ou des programmes de végétalisation thermique des édifices historiques, la conservation moderne cherche l’équilibre entre respect de l’authenticité et adaptation climatique.

Que transmettrons-nous aux générations futures ?

Pendant longtemps, préserver un monument signifiait lutter contre le temps. Aujourd’hui, il s’agit aussi de composer avec une accélération sans précédent des transformations environnementales.

Les monuments sont les témoins des civilisations qui nous ont précédés. Ils racontent leurs savoir-faire, leurs croyances et leur capacité à créer. Mais ils nous renvoient également à notre propre responsabilité. Dans quelques siècles, les générations futures ne jugeront pas seulement ce que nous avons édifié : elles observeront ce que nous avons su sauvegarder.

La sauvegarde du patrimoine face au changement climatique pose une interrogation profondément culturelle et éthique : quelle mémoire voulons-nous transmettre ?

Cet article Quand les monuments souffrent du climat : quel patrimoine transmettrons-nous aux générations futures ? est apparu en premier sur The ARTchemists.

Une déambulation à la croisée des arts et de la pierre

Les 19 et 20 septembre, la capitale du Perche s’est donc métamorphosée en un théâtre à ciel ouvert où l’art contemporain est venu converser sans artifices avec le végétal et les vieilles pierres.

La véritable prouesse de cette initiative réside dans sa capacité à offrir un parcours intimiste et itinérant. À travers 18 lieux investis, pour la plupart des parcelles privées d’ordinaire soustraites aux regards des curieux, les promeneurs ont pu redécouvrir l’urbanisme nogentais sous un jour profondément poétique. Qu’il s’agisse de ruelles historiques, de cours intérieures ombragées ou de jardins clos nichés au pied du château Saint-Jean, chaque étape constituait un écrin sur mesure pour les œuvres présentées.

En invitant 42 artistes et artisans d’art à dialoguer avec ces espaces d’exception, Label Friche a tissé une trame esthétique où la sculpture, la peinture, la céramique et les installations contemporaines ne s’imposent pas comme des objets d’exposition froids, mais s’intègrent naturellement à l’esprit des lieux.

Célébrer la vitalité de la création locale

Le visiteur, guidé par le simple plaisir de la flânerie, s’est laissé surprendre au détour d’un bosquet par une figure sculptée, au fond d’une cour pavée par une toile contemporaine.

Loin de toute posture élitiste ou de l’importation artificielle de signatures parisiennes, l’événement a délibérément fait le choix de célébrer le vivier créatif local. Donner à voir le talent des plasticiens et artisans d’art du Perche et des territoires limitrophes relève d’une démarche aussi exigeante qu’indispensable : elle offre à ces créateurs une vitrine méritée tout en révélant aux résidents la richesse insoupçonnée de leur propre terroir.

Cette alchimie entre art contemporain et patrimoine végétal réactive en outre une fonction essentielle des Journées du Patrimoine aui est d’insuffler une vie nouvelle à ce qui pourrait n’être perçu que comme un héritage figé. Les jardins ne sont plus de simples décors immobiles, ils deviennent des scènes vivantes ; la pierre ancienne ne témoigne plus seulement du passé, elle accueille les questionnements et les formes du présent.

Une stratégie culturelle exemplaire

Il convient de saluer la perspicacité d’un tel dispositif. En misant sur un format déambulatoire, gratuit et immersif, Label Friche et la municipalité de Nogent-le-Rotrou sont parvenues à surmonter les réticences traditionnelles qui éloignent parfois le grand public de l’art contemporain. L’art ne se réclame plus d’un sanctuaire intimidant ; il vient à la rencontre du flâneur, au détour d’une promenade dominicale.

En conviant les habitants à ouvrir leurs jardins, l’événement suscite également un sentiment d’appartenance et de fierté partagée. Ce maillage solidaire entre acteurs culturels, municipalité, propriétaires privés et plasticiens démontre avec une belle élégance que la culture en milieu rural n’est nullement vouée à la résignation ou à la frugalité. Elle exige simplement de la vision, de la complicité et un profond respect des lieux qui l’accueillent.

Au HasART des Jardins s’impose ainsi, dès sa seconde édition, comme un rendez-vous pérenne et exemplaire. Il prouve de façon magistrale qu’il suffit parfois d’accorder le bon ton à la bonne demeure pour que les petites villes de province deviennent, le temps d’un week-end, le théâtre des plus belles effervescences artistiques.

Pour en savoir plus, consultez le compte Instagram de Label Friche

Cet article Au HasART des Jardins 2026 : quand la création contemporaine rencontre le patrimoine nogentais est apparu en premier sur The ARTchemists.

« On ressort de Vincennes beaucoup moins bête, et surtout très autonome »

Nous avons déjà évoqué cette histoire via notre article consacré au remarquable documentaire de Virginie Linhart Vincennes, l’université perdue, avec à la clé ce constat : « on ressort de Vincennes beaucoup moins bête, et surtout très autonome ». Ce constat, les réalisateurs Benjamin Charbit et Dominique Baumard vont le placer au cœur de la série Camarades, soit huit épisodes qui nous racontent les aventures de plusieurs personnages clés au sein de cette fac expérimentale aux allures d’utopie : Gérard le prof maoïste, Françoise l’étudiante révolutionnaire, Amadéo l’activiste homosexuel, Jimmy l’agent de surface en grève ; ajoutons à ce quatuor, Merloux, philosophe bombardé président de cette université ingérable, Nino secrétaire administrative et militante PCF enragée et quelques autres figures de cet esprit libertaire en ébullition.

Psychose autoritaire et années de plomb

Et pour observer tout ça, Jacques, flic gaulliste et nervis des Renseignements généraux bien décidé à foutre en l’air ce nid de gauchiasses (le terme n’est alors pas usité mais l’intention est déjà là) ; pour y parvenir, cet espion raté, ne trouve rien de mieux, que d’envoyer une taupe au cœur du vivier gauchiste, histoire de flairer un potentiel projet d’attentat (eh oui on est dans les années de plomb, avec leur lot de Brigades rouges, Action Directe, Fraction Armée Rouge et autre bande à Baader, autant d’organisations promptes à l’enlèvement et à l’assassinat de personnalités politiques et économiques jugées réactionnaires, du coup les autorités ont tendance à psychoter pas mal et à surveiller beaucoup).

Ensemencer les consciences

La taupe en question ? Claudine, prostituée dont la caravane est située en plein bois à quelques encablures de la fac, et dont Jacques est l’amant. Claudine, un brin cruche, inéduquée, sans diplôme, la prolo parfaite. Seulement voilà : Claudine, en pénétrant les locaux de la Berkeley française, va se découvrir une vocation/passion pour les études, la lutte des classe et l’émancipation féministe et humaniste. Et le projet de torpillage de cette maudite université de prendre une tournure aussi inattendue que loufoque … et intellectuelle. Et les images de nos héros en quête de révolution de se mêler aux archives d’époque pour mettre en avant et illustrer les courants de pensée qui irriguent ce projet, s’y déploient et ensemencent les consciences fertiles.

Vincennes vs la grande casse sociale

C’est un pur régal, doublé d’un festival d’idées, d’échanges, de débats, d’argumentations, de contre-argumentations … En toile de fond, des revendications d’égalité, de partage, de liberté d’expression … L’épisode évoquant comment les étudiantes, privées d’espace à elles, se barrent dans les clairières pour y monter un campement féministe, laissant en rade l’effectif masculin bien en peine de taper des tracts politiques sans faute d’orthographe est à se tordre. L’ensemble du récit est de cette facture, drôle, romantique, incisive et, il faut bien le reconnaître, d’une actualité troublante. Droits des femmes, des LGBT, des personnes racisées, accès à l’éducation, à la pensée peu importe l’origine, le sexe, le métier, la formation initiale, l’appartenance sociale … à l’heure de la grande casse sociale opérée par le centre et la droite, ce propos est plein d’espoir.

« Je préfère une révolution de gauche ratée, à une révolution de droite réussie »

Et la série de sensibiliser le spectateur avec subtilité à cette perspective d’ouverture. Car l’esprit de Vincennes n’est pas mort, loin s’en faut, les livres restent, les enregistrements, les films … Camarades en diffuse l’essence par bribes, chaque épisode proposant l’exploration d’une citation qui de Derrida, qui de Deleuze, quand il ne s’agit pas de dialoguer avec Lacan ou d’écouter Foucault … L’ensemble aboutit à un point de bascule d’une rare lucidité avec notre actualité quand Claudine, au bord des larmes, explique la folie du capitalisme à venir, la gauche, privée de laboratoire de réflexion, réduite à ses petits arrangements, l’émergence d’un fascisme d’autant plus dangereux qu’il se voudra « joyeux », propulsé par des capitalistes rendus fous par leur enrichissement, leur seul plaisir. Et de conclure « je préfère une révolution de gauche ratée, à une révolution de droite réussie ».

Cet article Camarades : l’esprit de Vincennes n’est pas mort est apparu en premier sur The ARTchemists.

Avorter a un prix

Le titre de la série parle de lui-même : dans nombre de pays, avorter a un prix. Souffrance, mort, mise au ban de la société, condamnation … Les clichés de la photojournaliste franco-polonaise Kasia Strek s’enchaînent, montrant des femmes, parfois de très jeunes filles, en pleur, dans la douleur, la honte, le désespoir, résignées … ou décédées.

Pologne, Colombie, France, Philippines, Égypte, USA, Nigeria, Salvador, Irlande, partout à la surface de la planète, des femmes crèvent de ne pas avoir pu interrompre leur grossesse. Toutes ont essayé d’avorter, ont été contraintes de le faire clandestinement sans mesures d’hygiène adaptées. Violées, malades, trop jeunes, portant des enfants morts dans leur ventre … condamnées par des lois iniques et criminelles à disparaître plutôt qu’à bénéficier du geste médical que constitue une IVG.

Urgences vitales

On demeure sidéré.e devant ces images poignantes, ces larmes silencieuses, ces corps tordus de douleur, ces ventres scarifiés … Pudiques mais sans concession, explicités par de courts cartels, ces clichés mettent en évidence la réalité d’avortements pratiqués entre urgence, brutalité, précarité, chagrin : y apparait la chair marquée de femmes doublement, triplement victimes.

Comme l’expliquait très bien Simone Veil, interdire l’avortement n’a jamais empêché les femmes d’avorter, par contre elles avortent en secret et sans aucune sécurité. Avec cette série au long cours, Kasia Strek démontre magistralement ce qu’il advient lorsque le droit d’avorter est restreint ou prohibé. On n’y parle pas de confort ou de caprice, comme les conservateurs de tout poil aimeraient le faire croire, on y parle d’urgence vitale, de femmes forcées, violées, malades … et abandonnées, niées, dans leur préservation même.

Une faute impardonnable

Ces photographies tracent les contours de sociétés où la femme est réduite à sa seule fonction reproductrice. Le seul fait de vouloir interrompre une grossesse non désirée ou parce que l’enfant, non viable, représente un danger pour la mère, relève d’une faute impardonnable qui légitime la mort, morale, sociale, voire physique. C’est cela que Strek révèle et c’est odieux, abject.

Le terme « obscurantisme » semble presque trop faible pour désigner pareille croyance confrontée à des réalités de terrain aussi sordides. La série illustre par ailleurs le combat militant pour faire bouger les lignes, promouvoir l’éducation sexuelle, le droit à la contraception, la légalisation de l’IVG. Une lutte au quotidien, qui en dit long sur son importance et l’extrême fragilité du statut de la femme dans un XXIe siècle qu’on pensait voué au progrès technologique et à l’émancipation des individus quel que soit leur sexe.

Cet article A l’avant-garde : Kasia Strek, documenter les réalités de l’avortement pour combattre l’obscurantisme est apparu en premier sur The ARTchemists.