Éviter de faire trop de vagues

Un petit pitch pour situer : au terme d’un samedi de manifestation particulièrement musclée, Antonin, jeune primo-manifestant, est gravement touché à la tête par un tir de LBD. Les séquelles sont terribles, invalidantes à vie. Sa mère décide de porter plainte, ce qui déclenche une procédure d’enquête de la part de l’Inspection Générale de la Police Nationale (la fameuse IGPN).

Le dossier arrive sur le bureau de Stéphanie, enquêtrice aussi méthodique qu’efficace. A force de fouiller, cette dernière va identifier les policiers à l’origine du tir. Elle va les convoquer, les interroger sur le pourquoi du comment. Remonter peu à peu la chaîne des responsabilités … et voir ses investigations stoppées de plein fouet par sa hiérarchie. Pour éviter de faire trop de vagues, ce qui décrédibiliserait la profession et alimenterait le climat insurrectionnel.

Des investigations complexes et longues

On lui doit Harry, un ami qui vous veut du bien et La nuit du 12. Dominik Moll aime traiter des sujets sulfureux avec autant de retenue que de justesse et de précision. En s’attaquant au thème particulièrement glissant des exactions policières commises durant les manifestations des Gilets jaunes, le réalisateur met en lumière le travail harassant d’une Inspection générale des Services coincée entre volonté de justice et poids des institutions.

Le film colle clairement à la réalité d’investigations complexes et longues : rassembler les témoignages, chercher les photos, les vidéos, recouper les informations, identifier les policiers incriminés et les interroger, faire face au mur du silence, au corporatisme, à la réalité d’un job ingrat où l’on tutoie la violence au quotidien … cela n’a rien d’une sinécure. D’autant que ces flics, issus de la prestigieuse BRI, héros du Bataclan, n’ont rien à faire là, vu qu’ils n’ont jamais été formés au maintien de l’ordre.

Forces de l’ordre ou chiens d’attaque ?

Entre demandes d’information et rédaction des procès verbaux, Stéphanie et son équipe doivent demeurer neutres et droits, leur travail consistant à protéger la police de ces dérives, ne serait-ce que pour qu’elle conserve de la crédibilité auprès des citoyens qu’elle est censée défendre. Mission impossible avec un gouvernement en pleine déliquescence, dépassé par la colère de la population, tellement apeuré qu’il n’a d’autres échappatoire que d’instituer la terreur en faisant bousiller les manifestants par des forces de l’ordre transformées en chiens d’attaque ?

Perçus comme des traîtres par leurs collègues de terrain et comme un bouclier d’État par les victimes ou leurs représentants, les enquêteurs de l’IGPN évoluent ici dans une défiance permanente qui frôle l’impuissance. Comme le dira la mère d’Antonin à une Stéphanie défaite venue l’informer de la clôture de l’enquête : « à quoi vous servez ? » Question qui n’appelle aucune réponse sinon à rien, surtout dans un régime en train de s’enfoncer dans le fascisme. Le regard de Stéphanie, s’esclaffant en regardant des vidéos de petits chats sur les réseaux sociaux, en dit long sur ce constat d’échec. L’électrochoc est d’une rare violence pour le spectateur qui prend alors conscience du vide, des faux-semblants, de la fragilité de la justice, de l’hypocrisie des institutions. Que devient la vérité dans un univers où la police n’est plus là pour défendre le peuple mais pour préserver un gouvernement aux abois ?

Cet article Dossier 137 : « ma parole contre la leur, ça sert à rien » est apparu en premier sur The ARTchemists.

Autopsie d’un drame d’État

Revenons aux faits, que les plus jeunes d’entre vous n’ont pas forcément en mémoire. Décembre 1986, le mouvement étudiant et lycéen se mobilise contre le projet de loi Devaquet, visant (déjà) à introduire la sélection à l’entrée des universités, à augmenter les droits d’inscription et à accroître la mise en concurrence des établissements, en un mot donc à réduire drastiquement l’accès aux études supérieures. Le 5 décembre, une manifestation d’ampleur a lieu à Paris. En marge des rassemblements déjà bien surveillés par les CRS (j’étais là, je peux en témoigner), interviennent les voltigeurs ; créés en 1969 par le préfet Raymond Marcellin, ces « pelotons de voltigeurs motoportés » (PVM pour les intimes) sont sur site avec pour mission de disperser rapidement les regroupements de potentiels casseurs.

Vers minuit, Malik Oussekine, étudiant franco-algérien atteint de déficience rénale et totalement étranger aux mouvements de contestation, sort d’un club de jazz dans le 6ᵉ arrondissement de Paris. Poursuivi sans motif par deux voltigeurs, il se réfugie dans le hall d’un immeuble de la rue Monsieur-le-Prince ; il y est matraqué, frappé de plusieurs coups de pied. Il succombera à ses blessures quelques heures plus tard à l’hôpital Cochin. Il n’avait même pas participé à la manifestation.

Meurtre raciste et impunité institutionnelle

La mini-série d’ Antoine Chevrollier raconte cette histoire : qui était ce garçon ? Comment a-t-il été tué ? Le récit fonctionne à plusieurs vitesses pour mettre en avant la brutalité de ce meurtre raciste, le séisme familial qu’il engendre, les différents temps de le bataille politico-judiciaire qui a suivi. La famille Oussekine donc, la mère, les deux frères, la sœur, frappés de plein fouet par la perte du cadet, petit dernier chéri, plein de vie, de promesses … un clan soudainement confronté aux menaces xénophobes, qu’on tente de réduire au silence par tous les moyens.

Stigmatisation de la victime, lenteurs de la justice, récupération politique … il faudra attendre 1990 pour que deux des trois policiers impliqués (aucune preuve n’est retenue contre ce dernier) soient condamnés par la cour d’assises de Paris à des peines de prison … avec sursis. La sanction sera perçue par beaucoup en France comme une forme d’impunité institutionnelle, une volonté à peine voilée de protéger les corps de police envers et contre tout.

Maintien de l’ordre et brutalité institutionnalisée

Corporatisme, racisme, brutalité crasse d’une police en roue libre qui se croit tout permis et à qui on autorise tout … Si la série sonne si juste, c’est qu’elle pointe du doigt la permanence des doctrines de maintien de l’ordre en France dans l’après-guerre. Le premier épisode évoque par le biais des actualités les gazages, les mains arrachées, les manifestants frappés, avant de faire état du massacre du 17 octobre 1961 : les forces de l’ordre répriment alors un défilé en faveur de l’indépendance de l’Algérie ; les agents tirent dans la foule, noient certains manifestants. Le nombre des victimes demeure à ce jour incertain ; les historiens évoquent entre 100 et 300 morts. 1961, 1986, 2026 … Rien n’a changé ?

Certes, suite au meurtre de Malik Oussekine, le ministre de l’Intérieur de l’époque, Charles Pasqua, dissout immédiatement le peloton des voltigeurs, cédant ainsi à la pression de la rue et de l’opinion publique. Mais, trente ans plus tard, l’esprit des voltigeurs ressurgit dans l’espace public, intact. Début 2019, le préfet Michel Delpuech pose les bases des Brigades de répression des actions violentes motorisées, les redoutables BRAV-M que son successeur Didier Lallement pérennisera quelques mois plus tard. Si les autorités affirment que leur mode d’action diffère, le principe sous-jacent demeure le même : employer des unités hautement mobiles et équipées pour impacter rapidement les cortèges et disperser les manifestants, quitte à créer des tensions supplémentaires en insultant et en frappant à tour de bras, comme en témoignent observateurs des libertés publiques, Défenseur des droits et organisations internationales type Conseil de l’Europe.

Répression made in France

L’analogie entre 1986 et les mouvements sociaux contemporains réside également dans la nature même du face-à-face entre l’État et sa jeunesse. En 1986, la jeunesse mobilisée contre la loi Devaquet défendait le principe d’un accès universel et démocratique à l’enseignement supérieur. Les cortèges récents s’inscrivent dans une filiation directe, qu’il s’agisse de dénoncer la précarité étudiante, les réformes de sélection à l’université ou la gestion des politiques environnementales et sociales. Dans les deux cas, le pouvoir politique privilégie la réponse sécuritaire à la concertation politique.

La série Oussekine met remarquablement en lumière l’effet de matraquage indifférencié qui transforme une protestation citoyenne en traumatisme collectif. La violence subie par Malik Oussekine est le produit d’une doctrine axée sur le contact coercitif plutôt que sur la désescalade, une orientation historique typique du maintien de l’ordre à la française, beaucoup plus dure que les méthodes de désescalade employées dans d’autres pays européens comme l’Allemagne ou le Royaume-Uni.

La série Oussekine rappelle que la question des violences policières ne saurait se résumer à une succession de « bavures » isolées ou de « brebis galeuses ». Elle relève d’un problème structurel qui touche à la responsabilité de l’État et aux choix politiques d’encadrement des libertés publiques. Rigoureux dans son approche, ce récit constitue un outil de salubrité publique. Il contraint la société à regarder en face ce que la mémoire institutionnelle a parfois tendance à lisser : la violence d’État exercée à l’encontre de sa propre jeunesse est une constante historique dont il faut interroger les résurgences, neutraliser la logique et stopper sur le champ les effets délétères.

Cet article Oussekine : dénoncer la violence d’État comme constante historique est apparu en premier sur The ARTchemists.

Un patrimoine conçu pour traverser les siècles… mais pas pour un climat qui change si rapidement

Les monuments anciens ont été construits en fonction de conditions climatiques relativement stables. Les matériaux utilisés par les bâtisseurs — pierre, bois, terre cuite, pigments naturels, mortiers traditionnels — ont été choisis et employés dans des environnements précis. Or, le changement climatique modifie ces équilibres. Les périodes de fortes chaleurs plus fréquentes, l’alternance entre sécheresses et épisodes de fortes pluies, l’augmentation de certains phénomènes extrêmes ou encore la modification des cycles de gel et de dégel peuvent accélérer la dégradation des matériaux.

La pierre, que l’on imagine souvent indestructible, s’avère particulièrement vulnérable. Deux exemples parlants ?

• La cathédrale Notre-Dame de Paris en France : Les épisodes d’extrême sécheresse et les vagues de chaleur fragilisent les mortiers historiques et provoquent des phénomènes de contraction-dilatation au cœur du calcaire, fissurant les voûtes et les structures sculptées.
• Les cités en terre de Bagerhat au Bangladesh : Dans cette cité mosquée du XVᵉ siècle classée au patrimoine mondial, l’augmentation des températures couplée à la remontée des sels marins fait littéralement s’effriter les briques de terre cuite et ronge les maçonneries traditionnelles.

Bref et en résumé, selon le Centre du patrimoine mondial de l’UNESCO, le changement climatique constitue désormais l’une des principales menaces pesant sur de nombreux biens culturels et naturels inscrits sur la Liste du patrimoine mondial.

Les œuvres fragilisées face aux nouveaux défis climatiques

Les monuments ne sont pas seulement des architectures : ils abritent aussi des œuvres parfois extrêmement sensibles. Les fresques, peintures murales, sculptures ou décors intérieurs peuvent être affectés par les variations de température et d’humidité. Or, ces éléments sont souvent irremplaçables : ils témoignent de techniques artistiques, de croyances et de modes de vie disparus. Là encore deux cas d’école :

• Les grottes de Mogao à Dunhuang en Chine : Écrin millénaire de la route de la Soie abritant des milliers de peintures murales bouddhiques, le site subit des pluies diluviennes de plus en plus fréquentes. L’augmentation brutale de l’humidité à l’intérieur des cavités provoque le décollement et la décoloration irréversible des pigments anciens.
• Les églises peintes de la région du Troodos à Chypre : Les variations microclimatiques intérieures, accentuées par des étés méditerranéens toujours plus étouffants, provoquent des efflorescences salines qui détruisent les fresques byzantines d’une valeur inestimable.

La difficulté consiste désormais à maintenir des conditions suffisamment stables pour préserver ces œuvres, alors même que le climat extérieur devient plus difficile à contrôler. Conservateurs et restaurateurs doivent repenser leurs méthodes : surveillance accrue des bâtiments, adaptation des systèmes de protection, nouvelles recherches sur les matériaux ou encore documentation numérique des œuvres.

Des sites archéologiques exposés aux bouleversements du climat

Les sites archéologiques en plein air subissent de plein fouet l’érosion climatique. Les sols qui protégeaient autrefois les structures s’assèchent ou s’effondrent sous le coup de précipitations extrêmes. Illustration ?

• Les terrasses de riz des cordillères des Philippines : Façonnées il y a plus de 2 000 ans, ces structures paysagères souffrent de glissements de terrain massifs causés par la recrudescence de typhons violents.
• Le village néolithique de Skara Brae en Écosse : Vieux de 5 000 ans et remarquablement conservé, ce site côtier est directement menacé par l’érosion des falaises et l’assaut de tempêtes d’une violence inédite, contraignant les autorités à bâtir des digues de protection provisoires.

Le patrimoine archéologique pose alors une interrogation vertigineuse : faut-il protéger tous les sites à tout prix, déplacer certains vestiges au risque de les décontextualiser, ou accepter qu’une partie de la mémoire humaine ne s’efface ?

Quand la mer menace les lieux de mémoire

La montée du niveau des océans et la submersion marine représentent l’un des défis les plus imminents. Des cités entières et des sanctuaires insulaires doivent adapter leurs stratégies de conservation.

• Venise et sa lagune en Italie : Symbole mondial de cette vulnérabilité, la Cité des Doges subit la répétition des épisodes d’acqua alta. L’eau salée s’infiltre dans la pierre poreuse de la Basilique Saint-Marc, cristallise et fait éclater les marbres ainsi que les mosaïques du XIIIᵉ siècle.
• Les Moaï de Rapa Nui sur l’Île de Pâques : Les mythiques statues géantes dressées en bord de mer subissent une érosion marine accélérée. La hausse du niveau marin gruge les socles rocheux (ahu), menaçant de faire basculer ces géants de pierre dans l’océan.

Préserver le passé … sans figer le monde

Face à ces menaces, la tentation pourrait être de vouloir figer les monuments dans un état idéal. Pourtant, le patrimoine a toujours été mouvant. Les grandes restaurations de l’Histoire montrent que les sociétés ont sans cesse adapté leurs édifices à leurs contraintes techniques et environnementales.

La question actuelle réside donc dans une transmission intelligente. Comment protéger sans dénaturer ? À l’image des digues amovibles du système MOSE à Venise ou des programmes de végétalisation thermique des édifices historiques, la conservation moderne cherche l’équilibre entre respect de l’authenticité et adaptation climatique.

Que transmettrons-nous aux générations futures ?

Pendant longtemps, préserver un monument signifiait lutter contre le temps. Aujourd’hui, il s’agit aussi de composer avec une accélération sans précédent des transformations environnementales.

Les monuments sont les témoins des civilisations qui nous ont précédés. Ils racontent leurs savoir-faire, leurs croyances et leur capacité à créer. Mais ils nous renvoient également à notre propre responsabilité. Dans quelques siècles, les générations futures ne jugeront pas seulement ce que nous avons édifié : elles observeront ce que nous avons su sauvegarder.

La sauvegarde du patrimoine face au changement climatique pose une interrogation profondément culturelle et éthique : quelle mémoire voulons-nous transmettre ?

Cet article Quand les monuments souffrent du climat : quel patrimoine transmettrons-nous aux générations futures ? est apparu en premier sur The ARTchemists.

Une déambulation à la croisée des arts et de la pierre

Les 19 et 20 septembre, la capitale du Perche s’est donc métamorphosée en un théâtre à ciel ouvert où l’art contemporain est venu converser sans artifices avec le végétal et les vieilles pierres.

La véritable prouesse de cette initiative réside dans sa capacité à offrir un parcours intimiste et itinérant. À travers 18 lieux investis, pour la plupart des parcelles privées d’ordinaire soustraites aux regards des curieux, les promeneurs ont pu redécouvrir l’urbanisme nogentais sous un jour profondément poétique. Qu’il s’agisse de ruelles historiques, de cours intérieures ombragées ou de jardins clos nichés au pied du château Saint-Jean, chaque étape constituait un écrin sur mesure pour les œuvres présentées.

En invitant 42 artistes et artisans d’art à dialoguer avec ces espaces d’exception, Label Friche a tissé une trame esthétique où la sculpture, la peinture, la céramique et les installations contemporaines ne s’imposent pas comme des objets d’exposition froids, mais s’intègrent naturellement à l’esprit des lieux.

Célébrer la vitalité de la création locale

Le visiteur, guidé par le simple plaisir de la flânerie, s’est laissé surprendre au détour d’un bosquet par une figure sculptée, au fond d’une cour pavée par une toile contemporaine.

Loin de toute posture élitiste ou de l’importation artificielle de signatures parisiennes, l’événement a délibérément fait le choix de célébrer le vivier créatif local. Donner à voir le talent des plasticiens et artisans d’art du Perche et des territoires limitrophes relève d’une démarche aussi exigeante qu’indispensable : elle offre à ces créateurs une vitrine méritée tout en révélant aux résidents la richesse insoupçonnée de leur propre terroir.

Cette alchimie entre art contemporain et patrimoine végétal réactive en outre une fonction essentielle des Journées du Patrimoine aui est d’insuffler une vie nouvelle à ce qui pourrait n’être perçu que comme un héritage figé. Les jardins ne sont plus de simples décors immobiles, ils deviennent des scènes vivantes ; la pierre ancienne ne témoigne plus seulement du passé, elle accueille les questionnements et les formes du présent.

Une stratégie culturelle exemplaire

Il convient de saluer la perspicacité d’un tel dispositif. En misant sur un format déambulatoire, gratuit et immersif, Label Friche et la municipalité de Nogent-le-Rotrou sont parvenues à surmonter les réticences traditionnelles qui éloignent parfois le grand public de l’art contemporain. L’art ne se réclame plus d’un sanctuaire intimidant ; il vient à la rencontre du flâneur, au détour d’une promenade dominicale.

En conviant les habitants à ouvrir leurs jardins, l’événement suscite également un sentiment d’appartenance et de fierté partagée. Ce maillage solidaire entre acteurs culturels, municipalité, propriétaires privés et plasticiens démontre avec une belle élégance que la culture en milieu rural n’est nullement vouée à la résignation ou à la frugalité. Elle exige simplement de la vision, de la complicité et un profond respect des lieux qui l’accueillent.

Au HasART des Jardins s’impose ainsi, dès sa seconde édition, comme un rendez-vous pérenne et exemplaire. Il prouve de façon magistrale qu’il suffit parfois d’accorder le bon ton à la bonne demeure pour que les petites villes de province deviennent, le temps d’un week-end, le théâtre des plus belles effervescences artistiques.

Pour en savoir plus, consultez le compte Instagram de Label Friche

Cet article Au HasART des Jardins 2026 : quand la création contemporaine rencontre le patrimoine nogentais est apparu en premier sur The ARTchemists.

« On ressort de Vincennes beaucoup moins bête, et surtout très autonome »

Nous avons déjà évoqué cette histoire via notre article consacré au remarquable documentaire de Virginie Linhart Vincennes, l’université perdue, avec à la clé ce constat : « on ressort de Vincennes beaucoup moins bête, et surtout très autonome ». Ce constat, les réalisateurs Benjamin Charbit et Dominique Baumard vont le placer au cœur de la série Camarades, soit huit épisodes qui nous racontent les aventures de plusieurs personnages clés au sein de cette fac expérimentale aux allures d’utopie : Gérard le prof maoïste, Françoise l’étudiante révolutionnaire, Amadéo l’activiste homosexuel, Jimmy l’agent de surface en grève ; ajoutons à ce quatuor, Merloux, philosophe bombardé président de cette université ingérable, Nino secrétaire administrative et militante PCF enragée et quelques autres figures de cet esprit libertaire en ébullition.

Psychose autoritaire et années de plomb

Et pour observer tout ça, Jacques, flic gaulliste et nervis des Renseignements généraux bien décidé à foutre en l’air ce nid de gauchiasses (le terme n’est alors pas usité mais l’intention est déjà là) ; pour y parvenir, cet espion raté, ne trouve rien de mieux, que d’envoyer une taupe au cœur du vivier gauchiste, histoire de flairer un potentiel projet d’attentat (eh oui on est dans les années de plomb, avec leur lot de Brigades rouges, Action Directe, Fraction Armée Rouge et autre bande à Baader, autant d’organisations promptes à l’enlèvement et à l’assassinat de personnalités politiques et économiques jugées réactionnaires, du coup les autorités ont tendance à psychoter pas mal et à surveiller beaucoup).

Ensemencer les consciences

La taupe en question ? Claudine, prostituée dont la caravane est située en plein bois à quelques encablures de la fac, et dont Jacques est l’amant. Claudine, un brin cruche, inéduquée, sans diplôme, la prolo parfaite. Seulement voilà : Claudine, en pénétrant les locaux de la Berkeley française, va se découvrir une vocation/passion pour les études, la lutte des classe et l’émancipation féministe et humaniste. Et le projet de torpillage de cette maudite université de prendre une tournure aussi inattendue que loufoque … et intellectuelle. Et les images de nos héros en quête de révolution de se mêler aux archives d’époque pour mettre en avant et illustrer les courants de pensée qui irriguent ce projet, s’y déploient et ensemencent les consciences fertiles.

Vincennes vs la grande casse sociale

C’est un pur régal, doublé d’un festival d’idées, d’échanges, de débats, d’argumentations, de contre-argumentations … En toile de fond, des revendications d’égalité, de partage, de liberté d’expression … L’épisode évoquant comment les étudiantes, privées d’espace à elles, se barrent dans les clairières pour y monter un campement féministe, laissant en rade l’effectif masculin bien en peine de taper des tracts politiques sans faute d’orthographe est à se tordre. L’ensemble du récit est de cette facture, drôle, romantique, incisive et, il faut bien le reconnaître, d’une actualité troublante. Droits des femmes, des LGBT, des personnes racisées, accès à l’éducation, à la pensée peu importe l’origine, le sexe, le métier, la formation initiale, l’appartenance sociale … à l’heure de la grande casse sociale opérée par le centre et la droite, ce propos est plein d’espoir.

« Je préfère une révolution de gauche ratée, à une révolution de droite réussie »

Et la série de sensibiliser le spectateur avec subtilité à cette perspective d’ouverture. Car l’esprit de Vincennes n’est pas mort, loin s’en faut, les livres restent, les enregistrements, les films … Camarades en diffuse l’essence par bribes, chaque épisode proposant l’exploration d’une citation qui de Derrida, qui de Deleuze, quand il ne s’agit pas de dialoguer avec Lacan ou d’écouter Foucault … L’ensemble aboutit à un point de bascule d’une rare lucidité avec notre actualité quand Claudine, au bord des larmes, explique la folie du capitalisme à venir, la gauche, privée de laboratoire de réflexion, réduite à ses petits arrangements, l’émergence d’un fascisme d’autant plus dangereux qu’il se voudra « joyeux », propulsé par des capitalistes rendus fous par leur enrichissement, leur seul plaisir. Et de conclure « je préfère une révolution de gauche ratée, à une révolution de droite réussie ».

Cet article Camarades : l’esprit de Vincennes n’est pas mort est apparu en premier sur The ARTchemists.

Avorter a un prix

Le titre de la série parle de lui-même : dans nombre de pays, avorter a un prix. Souffrance, mort, mise au ban de la société, condamnation … Les clichés de la photojournaliste franco-polonaise Kasia Strek s’enchaînent, montrant des femmes, parfois de très jeunes filles, en pleur, dans la douleur, la honte, le désespoir, résignées … ou décédées.

Pologne, Colombie, France, Philippines, Égypte, USA, Nigeria, Salvador, Irlande, partout à la surface de la planète, des femmes crèvent de ne pas avoir pu interrompre leur grossesse. Toutes ont essayé d’avorter, ont été contraintes de le faire clandestinement sans mesures d’hygiène adaptées. Violées, malades, trop jeunes, portant des enfants morts dans leur ventre … condamnées par des lois iniques et criminelles à disparaître plutôt qu’à bénéficier du geste médical que constitue une IVG.

Urgences vitales

On demeure sidéré.e devant ces images poignantes, ces larmes silencieuses, ces corps tordus de douleur, ces ventres scarifiés … Pudiques mais sans concession, explicités par de courts cartels, ces clichés mettent en évidence la réalité d’avortements pratiqués entre urgence, brutalité, précarité, chagrin : y apparait la chair marquée de femmes doublement, triplement victimes.

Comme l’expliquait très bien Simone Veil, interdire l’avortement n’a jamais empêché les femmes d’avorter, par contre elles avortent en secret et sans aucune sécurité. Avec cette série au long cours, Kasia Strek démontre magistralement ce qu’il advient lorsque le droit d’avorter est restreint ou prohibé. On n’y parle pas de confort ou de caprice, comme les conservateurs de tout poil aimeraient le faire croire, on y parle d’urgence vitale, de femmes forcées, violées, malades … et abandonnées, niées, dans leur préservation même.

Une faute impardonnable

Ces photographies tracent les contours de sociétés où la femme est réduite à sa seule fonction reproductrice. Le seul fait de vouloir interrompre une grossesse non désirée ou parce que l’enfant, non viable, représente un danger pour la mère, relève d’une faute impardonnable qui légitime la mort, morale, sociale, voire physique. C’est cela que Strek révèle et c’est odieux, abject.

Le terme « obscurantisme » semble presque trop faible pour désigner pareille croyance confrontée à des réalités de terrain aussi sordides. La série illustre par ailleurs le combat militant pour faire bouger les lignes, promouvoir l’éducation sexuelle, le droit à la contraception, la légalisation de l’IVG. Une lutte au quotidien, qui en dit long sur son importance et l’extrême fragilité du statut de la femme dans un XXIe siècle qu’on pensait voué au progrès technologique et à l’émancipation des individus quel que soit leur sexe.

Cet article A l’avant-garde : Kasia Strek, documenter les réalités de l’avortement pour combattre l’obscurantisme est apparu en premier sur The ARTchemists.

Méfiance sociétale vs déploiement industriel

Avec les lunettes connectées, le débat sur la présence des caméras dans notre espace public franchit clairement un cap irréversible. Si les smartphones imposent un geste visible pour filmer (lever le bras, pointer l’écran), les lunettes intelligentes abolissent cette frontière, en rendant la prise de vue indécelable et parfaitement intégrée au regard. La chose ne laisse personne insensible. Une polarisation pour le moins musclée est en train de s’installer tandis que les offres se multiplient.

La CNIL veille au grain, car ce type d’appareil est propice aux captations illégales et non consenties de tout poil. L’inquiétude règne par ailleurs dans certains espaces culturels, établissements bancaires, écoles, casinos, boîtes de nuit, salles de spectacle et autres lieux où la captation illicite pourrait occasionner pas mal de dégâts en terme de piratage, d’atteinte à la vie privée, de vol de données ou de triche.

Exagération ? Comme un fait exprès, les géants de la Big Tech n’y vont pas de main morte pour imposer ce nouvel objet connecté/augmenté dans nos existences, déployant au passage une stratégie de normalisation à marche forcée pour le moins vicelarde.

Cas d’école : les lunettes connectées Ray-Ban Meta

Exemple type : les lunettes connectées Ray-Ban Meta. En dissimulant sa technologie dans le design iconique du modèle Wayfarer, Meta tape fort pour différentes raisons.

• Le modèle Wayfarer est l’une des paires de lunettes de soleil les plus vendues au monde depuis les années 1950 (cela se chiffre en centaines de millions de vente selon Wikipedia). La monture Ray-Ban Meta reprend exactement ce design mythique ; il est impossible de la distinguer à l’œil nu et à plus d’un mètre d’une paire de Wayfarer classiques.
• Interdire les lunettes connectées est un vœu pieux difficile à mettre en application. Cela supposerait de contraindre toutes les personnes portant des lunettes de ce style à retirer leur monture pour une inspection minutieuse (vérifier la présence de la micro-caméra dans la charnière, le bouton de capture ou la LED). On imagine les files d’attente interminables générées à l’entrée desm usées ou des banques, la friction constante avec la clientèle et lecoût humain ingérable pour les établissements.
• Si la monture est équipée de verres correcteurs, ce que permet Meta, demander à quelqu’un de retirer ses lunettes revient à lui retirer la vue. Les responsables de lieux publics vont bien évidemment hésiter à imposer une mesure perçue comme discriminatoire ou intrusive envers un accessoire de santé ou de confort visuel banalisé.

Quand je vous disais que Meta avait bien calculé le coup … En camouflant sa technologie dans un modèle iconique au point de la rendre indétectable, la firme de Zuckerberg joue sur plusieurs tableaux. Elle équipe un outil de santé qu’on ne peut pas facilement interdire dans l’espace public. Elle s’offre un partenariat avec une marque de luxe, histoire de légitimer son offre. Et ça marche : on a vendu 7 millions de Ray-Ban Meta en 2025.

Stratégies de séduction et effets de banalisation

Meta n’est pas le seul à caracoler dans ce marché décidément séduisant. D’autres ont aussi développé des stratégies de séduction et de banalisation visant à présenter des dispositifs potentiellement intrusifs comme d’inoffensifs accessoires tendance.

• Esthétique rassurante, précision médicale, architecture de luxe … en adoptant une monture ultra-fine en titane, en éliminant tout capteur visuel externe ou objectif grand angle au profit de guides d’ondes invisibles gravés dans le verre, la marque Even Realities fait passer les modèles de sa collection Even Realities G1 pour de simples lunettes de vue de designer ; l’outil d’affichage tête haute (téléprompteur invisible, IA d’assistance discrète) ajoute une touche intellectuelle, chic à un objet qui facilité l’espionnage et la triche.
• D’autres acteurs neutralisent le contrôle à l’entrée par la fragmentation de l’appareil et son intégration dans la mode interchangeable. Avec le modèle Solos AirGo 3 produit par Solos Technology, microphones multidirectionnels, capteurs d’analyse et IA sont entièrement dissimulés dans les seules branches de la monture. Celles-ci s’intègrent et se clipsent à volonté sur n’importe quel devant de lunettes traditionnel, du modèle de vue classique aux montures de soleil tendance. En présentant ce produit comme une simple expérience de « personnalisation du style », l’industrie dilue la perception du danger. La technologie n’est plus un objet identifiable qu’on peut filtrer, mais un composant modulaire totalement banalisé.
• Enfin, la stratégie de séduction passe par l’association avec l’esthétique du bien-être, du sport extrême, de la culture festive. En intégrant des micro-haut-parleurs à conduction et des capteurs au cœur de marques emblématiques de l’outdoor comme Oakley (en partenariat avec Meta) ou du son lifestyle type Bose Frames, les géants de la tech opèrent un véritable détournement de l’image de marque. L’appareil n’est plus vendu comme un outil de captation de données ou d’enregistrement clandestin, mais comme l’équipement branché du sportif ou du festivalier. En rendant la monture désirable, tendance et intrinsèquement liée aux loisirs, l’industrie désarme la vigilance collective : interdire la caméra ou le micro semble alors absurde pour des utilisateurs qui n’y voient plus qu’une simple paire de lunettes de soleil de marque.

Des war rooms aux laboratoires de la Silicon Valley : genèse express d’une technologie

Quand je vous disais que c’était vicelard … et surtout très bien pensé au niveau marketing … L’entourloupe est d’autant plus pointue qu’à la base, cette technologie n’a rien de glamour. L’affichage tête haute ( le Head-Up Display ou HUD projette des informations visuelles directement dans le champ de vision de l’utilisateur, lui permettant ainsi d’accéder aux données sans avoir à baisser le regard) et la vision embarquée ( l’intégration directe de capteurs optiques et de modules de traitement d’images au sein d’un appareil autonome type lunettes connectées ou drone afin de capturer, d’analyser et de comprendre son environnement visuel en temps réel sans dépendre d’un ordinateur externe) n’ont pas été initialement conçus pour alimenter les réseaux sociaux en vidéos immersives. Leurs origines s’enracinent dans des impératifs stratégiques et militaires. Un petit historique pour éclairer la chose ?

• Années 1960 : Les premiers systèmes HUD apparaissent dans les avions de chasse pour projeter les informations de vol et de ciblage directement dans le champ de vision du pilote, lui évitant d’abaisser le regard vers son tableau de bord.
• 1968 : Ivan Sutherland développe au MIT le premier casque de réalité augmentée baptisé du doux nom « The Sword of Damocles », un dispositif si lourd qu’il devait être suspendu au plafond par une structure mécanique.
• Années 1990-2000 : La technologie s’oriente vers la maintenance aéronautique (Boeing) et la chirurgie assistée pour afficher des données anatomiques et des schémas en temps réel durant des opérations complexes.
• 2013 : Google tente une première démocratisation grand public avec le programme « Explorer ». L’appareil suscite un rejet sociétal immédiat. Qualifiés de « Glassholes », leurs porteurs sont bannis des bars et des espaces publics, contraignant Google à retirer le produit du marché grand public dès 2015 pour se replier sur le secteur strictement industriel (comme quoi, le boycotte, ça marche, et cela vous explique pourquoi Meta et ses petits compétiteurs s’efforcent tant de rendre le produit trendy).

Un marché en pleine expansion

Il faut bien l’admettre : après une décennie de tâtonnements, le marché de la lunette connectée est sorti de sa phase d’expérimentation pour basculer dans une production de masse (dixit les ventes de Ray-Ban Meta évoquées plus haut).

• Ces ventes faramineuses interviennent dans le sillage d’un partenariat de prestige finement pensé entre Meta et le géant de l’optique EssilorLuxottica. Cette alliance a enclenché la métamorphose du marché en boostant les ventes. Avec la vente de 7 millions d’unités de lunettes intelligentes en 2025, EssilorLuxottica a triplé ses résultats par rapport aux années précédentes. Les deux groupes misent désormais sur des capacités de production de 20 millions d’unités par an, ce qui est conséquent.

• Parallèlement aux initiatives de Meta, on assiste à une réorganisation stratégique des grands acteurs de la Big Tech, bien décidés eux aussi à se tailler la part du lion. D’un côté, Google orchestre un retour offensif en abandonnant sa démarche isolée au profit d’un écosystème partenarial puissant (association avec Samsung pour le matériel, collaboration avec Qualcomm pour les puces informatiques dédiées, afin de créer un environnement Android spatial unifié). De l’autre, Apple adopte une trajectoire de miniaturisation progressive ; fort des avancées logicielles et optiques développées pour son casque Vision Pro, le géant de Cupertino adapte désormais ses technologies de calcul spatial à des formats de montures nettement plus légères, élégantes et adaptées au quotidien.
• Cette convergence des géants industriels confirme que la lunette connectée s’impose comme le nouveau terrain d’affrontement prioritaire de l’informatique personnelle. En d’autres termes, vous n’avez pas fini d’en bouffer de la lunette connectée. Il faut dire que les projections financières sont alléchantes. Le marché mondial est estimé à plus de 13 milliards de dollars en 2026, avec des projections prévoyant un dépassement des 60 milliards de dollars à l’horizon 2034.

Usages légitimes et promesses fonctionnelles

Ok donc un marché juteux doublé d’un terrain d’affrontement pour les grands noms des Big Tech par l’odeur du fric alléchés. Mais encore ? Quid de l’objet en lui-même, de ses avantages éventuels, hormis briller devant les potes en affichant ce nouveau symbole de la réussite sociale cool et branchée en mode « si t’as pas des Ray Ban connectées à 30 c’est que t’as raté ta vie » ? Reconnaissons-le, si le dispositif suscite la polémique, c’est aussi parce qu’il apporte de réelles révolutions d’usage dans plusieurs secteurs d’activité (vous allez voir c’est assez étonnant).

Dans le domaine de l’accessibilité, ces montures représentent une avancée majeure pour les personnes déficientes visuelles grâce à la lecture vocale instantanée de panneaux, de menus ou de documents, couplée à une description synthétique de l’environnement par l’intelligence artificielle. L’intégration d’applications d’assistance comme Be My Eyes sur les paires grand public ou le déploiement de dispositifs dédiés comme les Envision Glasses permettent désormais aux usagers d’obtenir une description vocale complète de leur environnement, la lecture d’une étiquette de médicament ou d’une recette de cuisine en gardant les mains libres.

Dans le monde du travail, elles facilitent l’assistance à distance pour les techniciens de maintenance sur les lignes de production, la téléchirurgie et la formation professionnelle. Dans le secteur logistique, le géant DHL a généralisé le « Vision Picking » : les préparateurs de commandes reçoivent leurs instructions de prélèvement directement incrustées dans leur champ de vision, réduisant les erreurs de manipulation tout en optimisant les temps de parcours. Côté santé, des plateformes comme Augmedix utilisent ces montures pour retranscrire automatiquement les consultations médicales en temps réel, restituant ainsi du temps médical précieux aux praticiens.

Dans la vie quotidienne,les usagers bénéficient de la traduction simultanée s’affichant en incrustation ou diffusée à l’oreille, ainsi que d’une navigation GPS piétonne fluide sans qu’il soit nécessaire de consulter un écran de smartphone. Dans le domaine culturel, elles offrent des fonctionnalités de sous-titrage en direct au théâtre (la Comédie Française en propose à ses spectateurs, idem pour le théâtre de l’Odéon avec le dispositif Panthea) ou de reconstitution archéologique enrichie. Quant à la pratique du sport, des marques spécialisées type Engo intègrent l’affichage de métriques de performance (vitesse, rythme cardiaque, tracé) en surimpression transparente sur le verre pour éviter toute perte de concentration sur la route.

Espionnage, voyeurisme, piratage et vol de données : la face sombre du dispositif

Bref, les usages bénéfiques sont au rendez-vous dans plusieurs secteurs. Mais ce n’est pas une nouveauté : toute médaille a son revers. C’est dans ses dérivations intimes et sécuritaires que la lunette connectée révèle son potentiel le plus toxique. Et « toxique » tient ici de l’euphémisme.

• Atteinte à l’intimité corporelle et captations sauvages – Le port de lunettes caméras dans des lieux semi-privés ou intimes (soirées, bars, vestiaires, lieux nocturnes) permet la prise de vue à l’insu des victimes. Le risque de captation de rapports sexuels ou de moments de nudité sans consentement s’en trouve démultiplié, alimentant les réseaux de revenge porn, de chantage et la création de deepfakes intimes. Le voyeurisme devient ici techniquement invisible.
• Espionnage industriel et vol de données d’accès – Portées dans un cadre professionnel ou institutionnel, ces montures transforment n’importe quel individu en vecteur de fuite de données. Un simple regard posé sur un clavier permet d’enregistrer la saisie d’un mot de passe ou d’un code PIN au distributeur. De même, la consultation de documents confidentiels sur un bureau, l’inspection de prototypes dans un salon professionnel ou la captation de réunions à huis clos s’effectuent sans laisser de trace.
• Pillage de la propriété intellectuelle et captation d’œuvres d’art – Dans le domaine culturel, la possibilité de filmer en continu sans lever les mains menace le droit d’auteur. Des salles de cinéma aux théâtres, en passant par les galeries et les musées, les œuvres d’art et les représentations peuvent être piratées et numérisées en haute définition à des fins de revente ou de diffusion illégale.
• Piratage et captations clandestines – En déplaçant l’informatique directement sur le visage de l’usager, les géants de la tech ont créé des capteurs ambulants braqués en permanence sur notre environnement. Là où le piratage d’un objet connecté ordinaire menace la confidentialité de données statiques, la compromission d’une paire de lunettes intelligentes (par faille micrologicielle, détournement d’applications compagnons ou interférence avec les flux d’IA embarqués) transforme l’appareil en un outil d’espionnage total à l’insu même de son porteur. Captation clandestine d’images et d’échanges oraux, vol de mots de passe ou de données bancaires saisis à portée de vue, aspiration de flux biométriques constituent désormais la face sombre d’un dispositif où la frontière entre assistant personnel et cheval de Troie n’a jamais été aussi ténue.
• Le doxxing physique par la reconnaissance faciale – L’association de ces lunettes à des outils de recherche faciale en temps réel constitue la dérive la plus critique pour les libertés publiques. Des expérimentations (comme le projet I-XRAY mené à Harvard) ont démontré qu’il est techniquement possible de coupler des lunettes Ray-Ban Meta à des bases de données publiques et à des moteurs comme PimEyes. Résultat : en croisant un inconnu dans la rue, le porteur de lunettes peut voir s’afficher instantanément le nom, l’adresse, le numéro de téléphone et les profils familiaux de la personne filmée à son insu.

Écologie, santé et colonisation de l’attention : l’envers du décor matériel

Ok je sens votre fascination pour les lunettes connectées faiblir d’un coup. J’enfonce le clou ? Outre les risques sur la vie privée, le modèle industriel des lunettes intelligentes pose aussi un problème écologique et sanitaire aigu.

• Pour conserver un design fin et élégant, les fabricants intègrent des micro-batteries lithium-ion scellées directement dans les branches en plastique ou en acétate. La durée de vie de ces batteries dépasse rarement deux à trois ans de cycles de charge quotidiens. Une fois la batterie dégradée, la monture entière devient inutilisable. IFixit sur Mac4ever et les organismes de réparabilité attribuent à ces objets des notes désastreuses : collées et moulées, ces lunettes ne se démontent pas. Le mélange indissociable de métaux rares, de circuits intégrés, de résines et de verre rend leur recyclage industriel extrêmement difficile et coûteux, générant une montagne de déchets électroniques complexes.
• Une lunette connectée n’est pas un système autonome : elle fonctionne en envoyant en continu des flux audio et des images haute définition vers des serveurs distants. L’analyse de l’environnement par des modèles d’intelligence artificielle générative requiert une puissance de calcul massive dans des data centers, engendrant une consommation énergétique et hydrique accrue (pour le refroidissement) totalement disproportionnée par rapport au service rendu (dixit Balkan Green Energy News).
• L’exposition prolongée à des micro-écrans situés à quelques millimètres de la rétine soulève des inquiétudes chez les ophtalmologistes (cf l’ANSES). La perturbation de l’accommodation visuelle, la sécheresse oculaire sévère et le risque de sursollicitation cognitive sont documentés. De plus, l’incrustation constante d’informations dans le champ de vision produit une fragmentation de l’attention, coupant l’utilisateur de toute présence au monde réel.

Régulation et cadre juridique : l’impasse française et européenne

Ok le rapport bénéfiques/risques commence à largement pencher du côté dangers multiples. Là aussi j’enfonce le clou ; en France comme à l’échelle de l’Union européenne, l’arsenal réglementaire est faiblard, le cadre législatif manque pour endiguer la prolifération et les usagers problématiques de ces capteurs ambulants. Face à des dispositifs qui ancrent la captation dans le quotidien, le droit positif se heurte à d’importantes limites d’application.

• Le Droit à l’image et l’article 9 du Code civil (France) : Fixer, enregistrer ou diffuser l’image d’une personne sans son consentement explicite dans un lieu privé ou public constitue une atteinte à la vie privée réprimée par l’article 9 du Code civil et l’article 226-1 du Code pénal. Dans les faits, le caractère indécelable de la prise de vue par lunettes connectées rend l’infraction quasiment impossible à prouver et à poursuivre sur le plan individuel.
• Le RGPD et le traitement illicite de données biométriques (UE) : La captation continue et passive du visage des passants par un porteur de lunettes constitue un traitement massif de données personnelles et biométriques sans base légale ni consentement préalable, en violation directe des articles 6 et 9 du RGPD. Le Comité européen de la protection des données (EDPB) et le Contrôleur européen de la protection des données (EDPS) soulignent que le porteur de la monture dépasse le cadre de « l’exception pour activité purement personnelle ou domestique » dès lors que les données sont analysées ou stockées par les serveurs d’un tiers industriel.
• L’IA Act européen face à l’analyse en temps réel (UE) : Adopté par l’Union européenne pour encadrer l’intelligence artificielle, le Règlement sur l’IA (AI Act) interdit l’usage de systèmes d’identification biométrique à distance en temps réel dans l’espace public, sauf exceptions sécuritaires très strictes. Or, les fonctionnalités d’analyse visuelle de scène embarquées dans ces lunettes (reconnaissance de visages, d’objets ou de texte par IA générative) frôlent en permanence ces interdictions, créant une zone grise réglementaire quant à la responsabilité des fabricants.
• L’inefficacité structurelle des témoins lumineux (CNIL et CEPD) : Pour avertir l’entourage qu’un enregistrement est en cours, les constructeurs intègrent un voyant lumineux (LED) sur la face avant de la monture. La CNIL ainsi que le Comité européen de la protection des données ont alerté sur le fait que ce mécanisme de réassurance est notoirement inopérant : il reste trop discret dans un environnement lumineux, méconnu du grand public et très facile à neutraliser matériellement (à l’aide d’un morceau de ruban adhésif, d’une pointe de peinture ou d’une altération du circuit imprimé). .

Quel devenir pour les montures connectées ?

Récapitulons : si elles possèdent nombre d’avantages indéniables notamment dans le domaine de l’inclusivité, les lunettes connectées engendrent moult dérives, difficiles à stopper.

La polémique qu’elles suscitent s’enracine dans un objectif sociétal plus vaste : quitte à passer en force et sans notre consentement, les pontes de la Big Tech veulent clore l’ère déjà très invasive du smartphone pour imposer celle de l’intelligence artificielle comme filtre permanent entre l’humain et son environnement. Cette dynamique unilatérale rejoint l’analyse du « capitalisme de surveillance » développée par Shoshana Zuboff dans son ouvrage L’Âge du capitalisme de surveillance. Les lunettes connectées s’inscrivent dans une volonté affirmée de développer des infrastructures incontournables de la perception humaine qui remplaceront la spontanéité sociale par des algorithmes d’évaluation en temps réel (dixit Evgeny Morozov dans Pour tout résoudre, cliquez ici : L’aberration du solutionnisme technologique).

Passons sur les recherches actuellement menées pour développer des verres d’affichage reflétant l’information directement sur la rétine et autres micro-OLED transparents, transformant chaque monture en une interface spatiale invisible. Ces projets amplifient la portée de l’homme augmenté, déjà en marche. Un homme augmenté, colonisé, dépendant toujours plus d’une technologie qui l’exploite. L’appropriation par les entreprises de notre champ de vision pose la question de la souveraineté : en cartographiant en temps réel l’intérieur de nos logements, nos espaces de travail et nos rues, des multinationales privées se constituent un jumeau numérique 3D exhaustif du monde réel aux dépens de notre vie privée.

La viabilité de cette technologie ne résidera donc pas dans ses seules prouesses techniques, mais dans sa capacité à respecter un pacte social qu’elle est en train de dynamiter phase par phase et dans l’aveuglement général (un comble quand il s’agit de lunettes). A moins que faute d’un cadre éthique strict, d’une réparabilité réelle, d’un respect absolu du droit à l’intimité, les lunettes connectées alimentent un rejet populaire massif et fassent l’objet d’interdictions systématiques dans l’espace public avec le cortège de problème que cela déclenchera pour 75 % de la population française obligée de porter des verres correcteurs.

Cet article Lunettes connectées : un cheval de Troie sur le nez ? est apparu en premier sur The ARTchemists.

Louise Bourgeois avant Louise Bourgeois : une enfance sous le régime du secret

Émigrée à New York en 1938 après son mariage avec l’historien de l’art américain Robert Goldwater, l’artiste peint ces toiles tandis qu’elle élève ses trois jeunes fils. Confrontée qu’elle est au rôle de femme au foyer avec ses contraintes, ses interdits, Bourgeois exprime également toute l’hypocrisie de cette fonction, hypocrisie dont elle a elle-même mesuré l’étendue dans son enfance.

Choisy-le-Roi, années 1910-1920. Les Bourgeois y dirigent un atelier de restauration de tapisseries anciennes ; la mère supervise le retissage, le père tient la galerie parisienne où se négocient les pièces restaurées. Très tôt, la petite Louise participe aux travaux d’aiguille, dessine les motifs manquants, apprend à réparer ce qui est abîmé. Cette formation marquera toute son œuvre à venir, jusque dans son vocabulaire : coudre, réparer, retisser, elle utilisera ces verbes comme autant de métaphores de la création elle-même.

Mais cette maison de l’enfance abrite un secret. Le père, séducteur en diable humilié par la défaite de 1914, entretient une liaison avec la jeune gouvernante anglaise, Sadie. L’épouse, malade, laisse faire. La relation adultère durera dix ans. Louise Bourgeois racontera plus tard la double trahison du père et de la gouvernante en qui elle avait placé sa confiance. La demeure familiale, dans son souvenir, s’érige en théâtre à huis clos où se joue le mensonge conjugal. Cet univers entre dissimulation et soin prend corps dans les silhouettes sans visage de Femme Maison.

Anatomie d’une fusion : le corps confisqué par l’architecture

Les toiles de la série, de format vertical et de dimensions modestes, jouent toutes la même partition avec des variations : un corps féminin nu, parfois debout, parfois assis ou allongé, dont la tête ou le buste entier a été remplacée par une structure architecturale. Maison à pignon, immeuble à étages, gratte-ciel miniature : l’édifice se substitue purement et simplement à ce qui faisait, jusque-là, l’identité du sujet peint, son visage, son regard, sa capacité à regarder en retour celui qui la regarde. Dans certaines versions, une longue chevelure s’échappe encore de sous la la maçonnerie, seul indice organique subsistant, signature que la commissaire du MoMA Deborah Wye a associée à la propre chevelure de l’artiste, lisant ainsi ces toiles comme des autoportraits déguisés.

Le choix du titre est lui-même un jeu de mots caractéristique de Bourgeois, qui y mêle français et anglais : Femme Maison peut se lire aussi bien « femme-maison » que « maison de femme », glissant du côté de la « femme au foyer » sans jamais s’y fixer complètement. L’ambiguïté est ancrée dans l’œuvre. Bourgeois elle-même a décrit cette figure comme une femme qui ignore être à moitié nue ; plus elle tente de se cacher, plus elle se dévoile. Plus la maison protège, plus elle l’expose ; plus elle abrite, plus elle empêche de voir et d’être vue autrement que comme façade.

Refuge ou prison ? L’ambivalence structurelle de la maison

La force critique de la série se situe dans cette ambivalence Tout au long de sa carrière, Bourgeois emploiera le motif de la maison, puis plus tard des « Cells » grillagées et vitrées dans les années 1990, autant d’espaces à double fond, lieux de refuge et d’enfermement, cocons et cages à la fois. Femme Maison annonce cette dualité dès 1945 : l’architecture n’y est jamais univoque, elle absorbe la femme sans qu’on puisse trancher s’il s’agit d’une protection ou d’une capture.

Du point de vue de l’histoire sociale, ce motif entre en résonance frappante avec ce que la sociologue et essayiste américaine Betty Friedan théorisera quinze ans plus tard sous le nom de « problème sans nom », ce malaise diffus des femmes au foyer de la banlieue américaine d’après-guerre, sommées de s’accomplir dans la maison, la maternité et l’entretien du confort domestique. Bourgeois peint ces toiles en plein essor du mythe de la housewife triomphante tandis que la presse et la publicité américaines célèbrent à l’envi la femme au foyer équipée de son électroménager flambant neuf. Sa série, elle, montre l’envers exact de cette imagerie, dénonce comment l’épanouissement domestique camoufle l’effacement pur et simple du sujet féminin sous le poids de la fonction qui lui est assignée.

Une œuvre repêchée par l’histoire : de la marge au manifeste

Le trajet de Femme Maison est singulier. Peintes en 1945-47 dans le sillage du surréalisme européen que Bourgeois côtoie alors à New York (elle expose dès 1945 à la Bertha Schaefer Gallery, avec la complicité de Marcel Duchamp), ces toiles restent longtemps anecdotiques dans une carrière qui décollera véritablement dans les années 1970, quand Bourgeois a déjà passé soixante ans.

Le mouvement féministe de la seconde vague redécouvre alors ces tableaux. Critiques et historiennes dont Lucy Lippard y voient une préfiguration saisissante des interrogations que le mouvement met alors sur la table : représentation du corps féminin, identité confisquée par les rôles domestiques, articulation entre vie privée et statut social.

Bourgeois elle-même a pourtant toujours entretenu un rapport ambigu avec cette récupération : elle ne se revendique pas explicitement féministe, préférant ancrer son travail dans l’analyse (elle entamera d’ailleurs une thérapie de plus de trente ans après la mort de son père en 1951) plutôt que dans le militantisme frontal. C’est bien là ce qui rend l’œuvre si intéressante pour une lecture contemporaine engagée : Femme Maison n’a rien d’un manifeste conçu comme tel ; cette image surgie de l’intime va rétrospectivement éclairer une condition collective.

L’écho troublant de Womanhouse

Il existe une coïncidence lexicale presque trop belle pour être fortuite entre le titre peint par Bourgeois en 1945 et celui d’un événement fondateur de l’art féministe américain, un quart de siècle plus tard, à savoir Womanhouse.

Comme nous l’avions évoqué dans un article précédent, l’installation collective organisée en 1972 par Judy Chicago et Miriam Schapiro à Los Angeles dans le cadre du Feminist Art Program de CalArts convoque une vingtaine d’artistes qui transforment une villa délabrée en une suite de pièces-manifestes sur la condition domestique des femmes — cuisine nourricière, salle de bain menstruelle, chambre du mariage. Femme Maison, Womanhouse … même racine, même intuition, la maison constitue un espace irrémédiablement genré, où se noue et se dénoue ce que la société attend des femmes.

Une matrice pour toute une œuvre

Loin d’être un accident de parcours, Femme Maison fonctionne comme une matrice pour cinquante années de création à venir. L’architecture reviendra sans relâche dans le travail de Bourgeois :

• les Cells des années 1990 évoquées plus haut, cages de métal et de verre abritant des fragments de mobilier, de vêtements suspendus ou d’objets chargés de mémoire familiale, empruntent leur vocabulaire directement à l’atelier de restauration de tapisseries de Choisy-le-Roi — jusqu’aux dévidoirs à fils transformés en portants funèbres.
• Destruction of the Father (1974) met en scène, elle, un autre huis clos domestique : la table familiale comme lieu d’un rituel de mise à mort symbolique du père tyrannique. D’une décennie à l’autre, la maison ne cesse, chez Bourgeois, d’être ce lieu double — matrice et tombeau, cocon et piège — où se rejoue indéfiniment le théâtre de l’enfance.

Femme Maison : un miroir de l’avenir en marche

Près de quatre-vingts ans après sa création, Femme Maison n’a rien perdu de sa charge critique. À l’heure où le débat public s’empare enfin de la notion de charge mentale, où l’on interroge la répartition du travail domestique et la manière dont l’espace du foyer continue d’absorber le temps, l’identité et parfois jusqu’au nom des femmes qui l’habitent, la série de Bourgeois agit comme un miroir de l’avenir en marche.

Elle rappelle, avec une économie de moyens redoutable, que l’architecture n’est jamais neutre : elle façonne les corps qu’elle abrite autant qu’elle les efface, protège autant qu’elle engloutit. En substituant une maison à un visage, Louise Bourgeois n’a pas seulement peint une image frappante — elle a formulé, dès le milieu des années 1940, une question que l’art contemporain engagé n’a toujours pas fini d’explorer : à qui appartient, au juste, l’espace domestique, et que perd-on de soi à y être réduite ?

Cet article Femme Maison : Louise Bourgeois ou le corps des femmes comme architecture est apparu en premier sur The ARTchemists.

Yayoi Kusama, ou la santé mentale sortie du silence

Kusama n’a jamais caché ce que la plupart des artistes de sa génération auraient dissimulé à tout prix. Dès l’enfance, elle a été traversée par des hallucinations envahissantes — des champs de pois qui recouvraient les murs, le sol, son propre corps, jusqu’à la sensation de disparaître dans le motif lui-même. Plutôt que de taire ce vécu, elle en a fait la matière première de toute son œuvre : filets infinis, citrouilles à pois, chambres de miroirs où le visiteur se perd dans une répétition sans fin. Elle expliquera plus tard avoir cherché, par la peinture, à soigner ce qu’elle appelait elle-même sa maladie.

En 1977, après des années de fragilité et une tentative de suicide, elle entre volontairement dans un hôpital psychiatrique de Tokyo — et n’en ressortira jamais, continuant pendant près d’un demi-siècle à rejoindre chaque matin son atelier voisin sous escorte. Ce choix, rendu public sans fard, a fait d’elle l’une des premières artistes mondialement célèbres à normaliser l’idée qu’on puisse créer une œuvre majeure tout en vivant, ouvertement, avec une maladie psychique. Longtemps avant que la parole sur la santé mentale ne se libère dans l’espace public, Kusama en avait déjà fait un sujet d’exposition, visité par des millions de personnes qui n’imaginaient pas toujours ce que ces points de couleur recouvraient.

Son legs dépasse largement l’histoire et le marché de l’art : elle a contribué à déplacer le regard porté sur la vulnérabilité psychique, en la présentant non comme un défaut à cacher, mais comme une source de création aussi légitime qu’une autre.

Dolly Parton, l’émancipation par le contrôle

Dolly Parton a construit sa carrière dans un milieu — la country, puis l’industrie du divertissement dans son ensemble — historiquement verrouillé par des hommes. Sa réponse n’a jamais été le discours frontal, mais la maîtrise totale de son image et de son patrimoine artistique : elle a très tôt repris possession des droits de ses propres chansons, y compris de celles qu’elle avait laissé partir à d’autres artistes, refusant au passage une fortune que lui proposait un géant de l’industrie musicale pour racheter l’un de ses titres les plus célèbres, préférant en garder la propriété.

Avec 9 to 5, elle a donné un hymne aux travailleuses de bureau exploitées et sous-payées ; avec la Dollywood Foundation et l’Imagination Library, elle a construit un empire philanthropique qui a distribué des dizaines de millions de livres à des enfants à travers le monde. Femme d’affaires autant qu’artiste, elle a démontré qu’on pouvait cultiver une image hyper-féminine, presque outrancière, sans jamais céder le pouvoir sur sa propre carrière — beaucoup d’artistes féminines lui sont encore redevables de cette avancée.

Il faut aussi mentionner ce que les hommages ont parfois glissé sous le tapis : sans jamais s’afficher comme militante, Parton est devenue au fil des décennies une icône queer à part entière, adoptée par un public qui trouvait dans sa générosité et son refus du jugement un espace rare de bienveillance.

Tim Curry, le désordre assumé des identités

Il suffit parfois d’un rôle pour impacter une culture entière. En 1975, Tim Curry enfile le corset, les bas résille et le rouge à lèvres du Docteur Frank-N-Furter dans The Rocky Horror Picture Show — un savant fou extraterrestre, ouvertement séducteur, qui ne se soucie ni de genre ni de norme. D’abord accueilli tièdement, ce film va devenir un rituel de minuit où des générations de spectateurs queer, mal à l’aise ailleurs, vont pouvoir afficher leur travestissement ; le désir fluide et l’excès ny sont plus punis mais célébrés.

Curry a porté ce rôle avec une conviction totale, sans ironie ni distance protectrice, à une époque où l’interprète d’un personnage aussi ouvertement transgressif pouvait payer cher ce choix de carrière. Frank-N-Furter est devenu, bien au-delà du film culte, l’un des symboles les plus durables de la culture camp et de la libération sexuelle au cinéma — un personnage cité, réinterprété et célébré par des décennies de communauté queer.

Le carrefour : trois combats, un même geste

A lire ces trois trajectoires ensemble, on réalise qu’aucune de ces batailles n’a été menée selon le discours militant classique. Kusama n’a pas manifesté pour la santé mentale : elle a peint son hôpital. Parton n’a pas théorisé le féminisme : elle a gardé ses droits d’auteur. Curry n’a pas revendiqué la fluidité des genres : il a arboré un corset avec un aplomb total et ce sourire ravageur qui jamais ne s’effacera de nos mémoires. Tous trois ont fait avancer ces causes en les rendant simplement visibles, désirables, impossible à ignorer — la stratégie la plus efficace qui soit.

Quel héritage ? Celui d’avoir montré, chacun à sa manière, qu’on ne change forcément les lignes en les combattant de front, mais en les habitant si pleinement qu’elles finissent par se déplacer d’elles-mêmes.

Cet article Trois icônes, trois combats : ce que Kusama, Parton et Curry laissent derrière eux est apparu en premier sur The ARTchemists.

Mail de démission et cri de guerre

Petite précision préalable : Séverine Bavon collectionne les burn-out comme d’autres les séries limitées de légos moches, les stylos plumes rouillés et/ou les pintes à bière. Autant vous dire qu’elle connaît bien bien le truc, et que c’est en experte qu’elle prend la plume pour accoucher d’un Ciao les nazes tonitruant comme un grand cri de libération … et de guerre ! Un bouquin en forme de longue lettre de démission balancée à la face d’un N+1 qu’elle ne peut plus voir en peinture et qui l’a prise pour une conne une fois de trop.

Alors un soir à 18h alors qu’elle devrait rentrer chez elle profiter d’un repos mérité mais relativement fragile vu la charge mentale qui l’attend at home, elle craque et envoie chier son manager par mail interposé. Mail qui se transforme en 19 chapitres bien troussés où la belle règle son compte à l’entreprise telle que nous la vend ce monde fabuleux du capitalisme sauvage, féroce et cannibale dont on nous vante pourtant les beautés fallacieuses à longueur d’interviews de patrons et d’hommes politiques. Croyez-moi : après avoir bouclé ce livre merveilleux, le premier qui vous chantera les louanges du travail en mode sacrifice expiatoire sur l’autel du profit, vous lui ferez bouffer son ordi en commençant par toutes les lettres du clavier. Et cela sera justice.

Acuité d’entomologiste et ironie à l’acide

Chiffres, rapports et références à l’appui, dame Bavon démonte, pièce par pièce et avec une acuité d’entomologiste, la machine à broyer qu’est devenu le monde du travail moderne : réunions qui ne servent à rien, mails passifs-agressifs signés « bien à toi », grandes valeurs d’entreprise gravées sur un mur et vidées de tout contenu, tout y passe y compris cette angoisse made in 2025 qui plane désormais sur des open spaces bouffés au bord du sabordage, à savoir se faire remplacer par une IA avant d’avoir pu finir son café. Bavon tire à vue sur le yoga en entreprise, le babyfoot, la salle de sieste, bref tous ces pansements que les patrons collent sur une fracture ouverte et purulente avec un sourire satisfait de mecs qui se croient cool et humains. OK, ça fait des posts LinkedIn sympa, mais ça ne soigne rien, pour tout dire, c’est même se foutre allègrement de la gueule des salariés qui en bavent.

Si l’autrice cite études et sondages, elle sait aussi manier les punchlines électriques et l’ironie à l’arsenic. Hilarant, son bouquin fait aussi grincer des dents quand on s’y reconnaît, ce qui arrive pratiquement à toutes les pages. Le constat est là : nous sommes tous concernés. Le vrai sujet, ce n’est donc pas votre boss relou ou Jean-Kevin de la compta qui parle de la communion du petit dernier à la machine à café. C’est un système entier qui a pris l’habitude de refiler des problèmes collectifs à chacun individuellement, en mode « et si tu essayais la méditation ? » — pendant que la structure, elle, ne bouge jamais d’un pouce.

Un livre de chevet en devenir

Uppercut. Surtout quand on comprend que si nous sommes si dociles, c’est que nous l’avons appris auprès de Papa/Maman qui ont tout fait pour que nous réussissions dans la vie y compris nous inculquer la notion de l’effort, le l’implication et de la loyauté, sans se douter qu’ils nous livraient pieds et poings liés à un système prédateur d’une violence incroyable. Heureusement Ciao les nazes ! arrive à point nommé pour enfin vous inviter à ne plus faire semblant (une invitation en mode « coup de pied au cul » mais faut ce qu’il faut pour nous faire réagir).

Parce que oui, nous sommes tous un brin enkystés dans des croyances délétères qui nous dévorent à petit feu, et c’est misère que de devoir accumuler les burn-out (avec les risques que cela constitue à long terme pour la santé psychique et physique) pour finir acculer à la démission car on n’a plus la force d’encaisser une pression qui n’aurait jamais dû être. Miracle, cet ouvrage précieux va vous ouvrir les chakras en vous fournissant par ailleurs des armes pour vous battre et torpiller votre job en 19 étapes, comme le dit si bien le sous-titre d’un Ciao les nazes ! qui a de fortes chances de devenir votre livre de chevet !

Cet article Ciao les nazes : zéro pitié pour l’entreprise prédatrice est apparu en premier sur The ARTchemists.