5eme édition du Printemps asiatique oblige, le très parisien Musée des Arts décoratifs (MAD) a orchestré l’exposition Bambou. Du motif à l’objet , nous conviant ainsi à une immersion élégante et contemplative au cœur de l’un des plus anciens symboles de la culture extrême-orientale.

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Une exposition en plusieurs actes

Conçue par Béatrice Quette, conservatrice responsable des collections asiatiques, assistée de Louise Lartillot, cette exposition-dossier dévoile près de cent œuvres — estampes, pochoirs katagami, papiers peints, netsuke, céramiques, ivoires, bronzes, accessoires du thé et vanneries — souvent jamais présentés en public. En investissant successivement le cabinet des Dessins, Papiers peints et Photographies, puis les galeries permanentes du XIXᵉ siècle, l’exposition s’organise en trois grands thèmes : le motif graphique, l’usage artisanal, puis l’écho esthétique dans l’art européen.

Du motif à l’objet : une dynamique visuelle

L’un des aspects les plus remarquables de l’exposition est sa façon de déployer la virtuosité graphique du bambou. Dans les premiers espaces, les pochoirs japonais katagami (ère Meiji, XIXᵉ siècle) révèlent la sophistication du travail artisanal : feuilles découpées avec une précision méticuleuse, éclats de motif jouant avec la lumière. À leurs côtés, les estampes et papiers peints illustrent la diversité de la représentation végétale : forêts stylisées, nœuds géométriques, jeux d’ombre et de lumière où le bambou devient, à la fois, motif abstrait et métaphore de la nature.

L’objet quotidien élevé au rang d’art

La deuxième partie de l’exposition explore le passage du motif à l’objet concret : vanneries, céramiques, ivoires, accessoires de la cérémonie du thé en bambou mettent en lumière la richesse du matériau. Le visiteur découvre comment tiges flexibles, tressées ou incrustées, deviennent utilitaires — paniers, louches, vases — tout en gardant une esthétisation qui parle de culture et de rituel. Ce processus de transposition du végétal dans la vie quotidienne, et son usage sophistiqué dans les arts de la table, montre à quel point le bambou incarne une union de l’utile et du beau.

Une inspiration transversale

La partie finale offre un dialogue esthétique entre Orient et Occident : des objets européens du XIXᵉ siècle, comme des vases ou panneaux décoratifs, montrent clairement l’influence du bambou asiatique sur un art nouveau ou l’Art déco naissant — littéralement un miroir des modèles venus de Chine et du Japon. Parmi eux figurent des pièces associées à Hippolyte Boulenger (1836–1892) qui témoignent de cette fascination importée dans l’art décoratif français.

Bouleverser le regard sur un végétal

Au-delà de sa beauté formelle, l’exposition révèle la charge symbolique du bambou, tant en Asie qu’en Europe. En Chine, il incarne la droiture, la résilience, parfois même la noblesse — avec le pin, l’orchidée et le chrysanthème, il compose les « Quatre Gentilshommes ». À travers ses qualités physiques — souplesse, ténacité, résistance — le bambou devient une figure morale. Au Japon, il est un pilier des arts zen, un matériau noble dans la cérémonie du thé, et un symbole de la force intérieure (wabi-cha).

Une scénographie soignée

Le parcours s’appuie sur une mise en scène sobre et épurée : éclairages doux, vitrines aérées, grand format appuyé sur le calme et la contemplation. L’exposition valorise chaque pièce, laissant le bambou s’exprimer pleinement — tant dans ses qualités iconographiques que matérielles. Le choix d’exposer des œuvres jamais vues avant renforce la dimension d’une découverte précieuse, à la fois artistique et culturelle.

Une invitation à la contemplation

Bambou – du motif à l’objet n’est pas qu’une exposition sur un végétal : elle est une odyssée du regard, une méditation sur la beauté contenue dans la simplicité, un hommage à la façon dont la nature et l’artifice dialoguent depuis des siècles. À mi-chemin entre botanique, sagesse philosophique et design, elle mérite à la fois l’attention des amateurs de jeunesse de dessins, des collectionneurs d’objets rares, et des curieux en quête d’évasion sensible. Jusqu’au 14 septembre, la grâce silencieuse du bambou vous attend dans les salons majestueux du MAD.

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Dans le monde fascinant de l’art textile contemporain, Jeanne Vicérial incarne une figure visionnaire, à la croisée des chemins entre tradition et avant-garde. Héritière de maîtres comme Chiharu Shiota et Olga de Amaral, elle réinvente le médium avec une audace rare, fusionnant techniques artisanales ancestrales et innovations technologiques pour créer des œuvres d’une profondeur émotionnelle et d’une richesse inouïe. Son travail, à la fois sculptural et expérimental, questionne les limites de la matière et du vêtement, redéfinissant les codes de l’art textile et de la mode.

Tricotissage : une technique révolutionnaire

Née d’une double formation en réalisation de costumes pour le théâtre et le cinéma à l’école Paul Poiret, puis à l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, Jeanne Vicérial a tout d’abord appris à maîtriser les gestes traditionnels de l’artisanat d’art. C’est pourtant dans l’exploration des frontières du textile et de la mode qu’elle trouve son véritable terrain de jeu. Docteur en Arts, Sciences, Création et Recherche, elle repousse les limites de la création vestimentaire pour interroger les relations entre l’art, la science et la matière.

Parmi ses réalisations les plus marquantes, l’invention du tricotissage fait de Jeanne Vicérial une véritable pionnière. Cette méthode textile inédite, inspirée des fibres musculaires, fusionne le tricot et le tissage pour créer des pièces sur mesure et uniques en leur genre. Une approche qui, tout en s’ancrant dans la tradition artisanale, fait dialoguer la matière et l’innovation. À travers cette technique, l’artiste incarne un pont entre le passé et l’avenir.

Clinique Vestimentaire et reconnaissance internationale

En 2015, Jeanne Vicérial fonde la Clinique Vestimentaire, un studio de design, de recherche et d’innovation dédié à la conception vestimentaire contemporaine. Véritable laboratoire expérimental, cet espace interroge les méthodes traditionnelles de fabrication des vêtements et propose des alternatives novatrices, alliant artisanat et technologies modernes. À l’image des grands maîtres de l’art textile, Vicérial utilise le vêtement comme un médium artistique pour explorer de nouvelles frontières sensorielles et émotionnelles.

De plus en plus sollicitée par les grandes institutions artistiques, son travail a été largement salué en France et à l’étranger. En 2023, l’artiste a dévoilé ARMORS à Paris, une exposition où ses créations, sculpturales et organiques, initiaient une mise en scène de la guerre et de la protection, tout en explorant la mémoire et les symboles du corps. Vicérial participe également à des expositions collectives de grande envergure, comme Des cheveux et des poils au Musée des Arts Décoratifs de Paris, et Au-Delà, Rituels pour un nouveau monde à Lafayette Anticipations, explorant l’art du vêtement et du textile dans des contextes où le sacré et le quotidien se rencontrent.

Une artiste à la croisée des disciplines

Lauréate du concours « Mondes Nouveaux » du ministère de la Culture en 2022, Jeanne Vicérial incarne la nouvelle génération d’artistes qui brouillent les frontières entre art, design et artisanat. Son travail a été enrichi par sa résidence à l’Académie de France à Rome – Villa Médicis en 2019-2020, où elle a développé des recherches et élargi sa pratique artistique. Plus qu’une créatrice de vêtements, elle devient une véritable poétesse de la matière, utilisant le textile comme un langage pour raconter des histoires, interroger le corps et les rituels.

Jeanne Vicérial représente une nouvelle génération d’artistes qui voient dans le textile bien plus qu’une matière : un vecteur de sens et d’émotion. À travers ses pièces, elle crée une nouvelle relation entre l’individu et son vêtement, transformant l’objet en une forme d’art vivant. Les liens entre le fil, le corps et l’histoire s’entrelacent dans une danse infinie qui résonne profondément avec les préoccupations contemporaines, où la mode et l’art se réconcilient et se redéfinissent.

Pour en savoir plus sur l’unviers de Jeanne Vicérial, consultez son site web ainsi que son compte Instagram.

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Aujourd’hui, direction le musée de la Renaissance à Écouen pour découvrir les fastes et les misères de la Renaissance. Situé dans un splendide château du XVIe siècle, ce parcours muséographique constitue une authentique perle rare pour tous les amateurs d’histoire et d’art, qui offre une immersion à la fois riche, scientifique et élégante dans un univers aussi somptueux que brutal.

Refléter l’esprit de la Renaissance

Aucun hasard dans le choix du lieu : le château d’Écouen, pur joyau de l’architecture Renaissance, a été érigé dans les années 1530 par Anne de Montmorency. Célèbre connétable de France, ce personnage ô combien influent, proche des rois François Iᵉʳ et Henri II, souhaitait construire un édifice reflétant le prestige et la magnificence de son rang. Ce bâtiment majestueux, témoin des audaces architecturales et esthétiques de l’époque, était donc fait pour abriter le Musée National de la Renaissance.

Inauguré en 1977, ce dernier a pour but de préserver et de mettre en valeur les trésors artistiques et historiques de cette période chargée d’Histoire. Ce siècle charnière a en effet vu l’émergence d’un souffle créatif inédit en Europe, entre renouveau des arts, des sciences et de la pensée humaniste ; mais il a également accouché de l’horreur des Guerres de religion, d’affrontements politiques terribles, de conflits meurtriers, d’une barbarie fanatique impitoyable.

Des collections exceptionnelles

S’étendant du XIVe au XVIIe siècle, la Renaissance fut une époque de profonds bouleversements culturels, intellectuels, politiques, diplomatiques. S’inspirant des œuvres de l’Antiquité, les artistes et penseurs humanistes ont redéfini les canons de la beauté, de l’harmonie et du savoir. L’Italie, berceau de ce mouvement, a vu naître des génies tels que Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël, dont l’influence s’est étendue à travers toute l’Europe.

À travers ses collections, le château d’Écouen nous permet de plonger dans cette époque foisonnante, d’en apprécier les subtilités et d’en comprendre les innovations. Le musée abrite œuvres d’art, pièces de mobilier, tapisseries, objets décoratifs, armes et autres artefacts témoignant de l’extraordinaire créativité et de l’ingéniosité artisanale de ce temps. Parmi les pièces maîtresses, on trouve notamment un somptueux cabinet vénitien, la série de tentures illustrant l’épisode biblique des amours de David et Bethsabée, une statuette en argent et corail représentant Daphné, une des héroïnes des Métamorphoses d’Ovide…

Un musée vivant

Le musée de la Renaissance propose par ailleurs des expositions temporaires dont nous nous faisons souvent l’écho dans nos rubriques, explorant divers aspects de cette période fascinante. Parmi les expositions passées, notons Pathelin, Cléopâtre, Arlequin – Le théâtre dans la France de la Renaissance, LA FRANCE DES FONDEURS – Art et usage du bronze aux XVIe et XVIIe siècles ou FRANCOIS 1er ET SOLIMAN LE MAGNIFIQUE – Les voies de la diplomatie à la Renaissance.

Ce véritable lieu de vie et d’échanges culturels propose par ailleurs nombre d’événements variés, accueillant certains concerts du festival baroque de Pontoise, la Nuit européenne des musées ou les Journées du patrimoine, organisant des visites théâtralisées. Les conférences, souvent animées par des historiens de l’art, offrent un éclairage approfondi sur les collections et les expositions du musée.

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Elle est blonde platine, démesurément grande, bronzée à la perfection et envahit les chambres des petites filles du monde entier depuis cinq décennies et les écrans des cinémas depuis quelques jours. Barbie, malgré les ans, n’a rien perdu de sa prestance, bien au contraire. La célèbre poupée se porte même formidablement bien, ignorant les rides et le passage du temps pour s’inscrire toujours plus profondément dans l’actualité de nos sociétés modernes. C’est dans ce sens qu‘allait l’exposition hommage orchestrée par le Musée des Arts décoratifs en 2016, ainqi que le catalogue qui en conserve la mémoire, un catalogue qui met remarquablement en exergue cette formidable success story et bien davantage.

Une figure de proue de la femme contemporaine

Car Barbie est bien plus qu’un simple jouet : le fabricant Mattel en a fait une figure de proue de la femme contemporaine, à la pointe de la mode et de l’émancipation. Première poupée adulte placée entre les mains des enfants, elle est dotée d’une plastique de femme séductrice, au point de gêner initialement certains marchés qui en refusent l’exploitation. Bien mal leur en prend, car le public, lui, adore. Bonne copine, maman accomplie, élégante raffinée, sportive accomplie, femme d’entreprise émérite, Barbie va progressivement endosser toutes les fonctions de la femme du XXᵉ siècle au rythme de libertés conquises de haute lutte.

Quitte du reste à en refléter les contradictions et enfermer ses jeunes utilisatrices dans des schémas de vie difficiles à accomplir, car oxymoriques pour ne pas dire schizophréniques. Qu’à cela ne tienne : Barbie devient une muse, pour les créateurs, les grands couturiers, les artistes. Occidentale, africaine, eurasienne, ronde, handicapée, sirène, princesse, chanteuse, footballeuse, secrétaire, dentiste… elle sert de miroir aux femmes du monde entier, cette aventurière des temps modernes, sans jamais se départir d’une féminité soulignée à grands traits de khôl.

Les dessous d’une entreprise en constante évolution

Les différentes salles de l’exposition commissionnée par Anne Monier, conservatrice du département des jouets, retraçaient ce conte de fée, éclairant par ailleurs les dessous d’une entreprise en constante évolution : origines du projet, apparition de la première Barbie, étapes du succès, fabrication d’une Barbie, relation aux marques de prestige, liens avec le monde du cinéma, … rien n’a été laissé au hasard, dans cette farandole composée de quelque 700 modèles, assortis de documents issus des archives de Mattel.

La scénographie imaginée par Nathalie Crinière traçait un parcours d’exposition ludique, mais où le concret apparaissait judicieusement de bout en bout. Le message s’adaptait aussi bien aux enfants qu’à leurs parents, jusqu’à cette salle ultime où des milliers de tenues classées par nuances de couleurs donnaient une vertigineuse perception de l’ampleur du phénomène au travers des époques. Le catalogue prolonge cet effet en donnant à voir et à raconter cette fabuleuse aventure.

Et plus si affinités

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Quand on dit Versailles, on pense automatiquement château. C’est oublier qu’à quelques encablures du palais de Louis XIV, se trouve un petit bijou d’hôtel particulier, devenu au fil du temps le Musée Lambinet. Un musée voué à raconter l’art de vivre à la versaillaise, un musée qui a récemment rouvert ses portes après trois ans de travaux. Et le résultat est juste ravissant.

Un « musée des collectionneurs »

Bienvenue donc dans les murs de la demeure Lambinet, du nom des riches entrepreneurs qui y vécurent au XIXᵉ siècle. La famille Lambinet n’excellait pas que dans le commerce, tous étaient des collectionneurs passionnés d’art. En 1929, Nathalie Lambinet décide de léguer ce somptueux bâtiment à la ville de Versailles. Trois ans plus tard est inauguré ce qui va devenir un véritable « musée des collectionneurs ».

Un musée qui, ces trois dernières années, a profité d’une cure de jouvence visant à isoler le lieu tout en magnifiant les pièces qui y sont présentées. Nouveau parcours muséal, scénographie repensée, ces mutations illustrent la politique culturelle de développement initiée par la municipalité. Au cœur de cette modernisation, une triade où l’espace Richaud et le Carré à la Farine complètent le musée d’art et d’histoire de Versailles.

Des pièces d’une rare beauté

Ce dernier vient donc de rouvrir à l’occasion de son 90ᵉ anniversaire : derrière la façade typique de l’architecture rocaille, réparties dans 35 salles rénovées et embellies, se trouvent près de 500 œuvres, tableaux et dessins, sculptures et bustes, pièces de mobilier et de décoration, accessoires… depuis son émergence jusqu’au XXᵉ siècle, Versailles y relate son histoire, temps forts de la monarchie, Révolution française, Premier Empire, Restauration, Second Empire, traité de Versailles…

On y découvre des pièces d’une rare beauté, notamment une harpe créée par le luthier de la reine Marie-Antoinette à Versailles, François-Joseph Naderman, une collection de pendules magnifiques, dont une décorée de personnages en porcelaine, les œufs de Pâques de Madame Victoire, fille de Louis XV, créés dans de véritables coquilles… Exposés en vitrine, ou placés au cœur même des appartements, tous ces objets, ces tableaux invitent à l’observation et à la rêverie.

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Beaucoup plus discret que son éminent voisin, le musée Lambinet se distingue par ce côté intimiste, on peut y prendre le temps de scruter chaque présentation, d’observer les détails des créations, l’évolution des styles. Discret et chaleureux, cet espace vous accueille pour vivre un moment de pur plaisir esthétique. N’en faites pas l’économie, ce serait péché.

Pour préparer votre visite, consultez le compte Instagram du musée Lambinet, ainsi que la page qui lui est consacrée sur le site de la ville de Versailles.

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Pénétrons ce jour d’un pas guilleret dans l’enceinte du Musée des Arts Décoratifs pour apprécier l’exposition Le design pour tous : de Prisunic à Monoprix, une aventure française.

Le beau au prix du laid

Pour sûr, le design n’est pas la chasse gardée du luxe hors de prix. La preuve avec cette exposition qui explore comment Prisunic et Monoprix, bien avant Lidl qui n’a rien inventé au final, ont su développer une stratégie marketing singulière en misant sur des gammes designées de main de maître pour un coût abordable.

« Le beau au prix du laid » : tout est dans le slogan façonné par la directrice du bureau de style de Prisunic, Denise Fayolle, dans les années 60. Au cœur de cette alchimie éclatante, le principe de collaboration avec des designers et des graphistes en vogue, des artistes célèbres tels Terence Conran, Marc Held, India Mahdavi, Constance Guisset, Ionna Vautrin, Roman Cieslewicz, Friedemann Hauss, Alexis Mabille…

Des créations iconiques

Bref une armada de talents représentatifs des grandes tendances de la seconde moitié du XXeme siècle et du début du XXIeme. De salle en salle, dans une scénographie évoquant le retail propre à la grande distribution (là-aussi il s’agit de design), nous découvrons la variété d’innovations qui vont faire date dans l’histoire des arts décoratifs, au point de devenir pour certains iconiques d’un style, d’une période.

Foulards, caddies, parapluies, vaisselle, luminaires, sièges, vases, qu’il s’agisse de Prisunic ou Monoprix (les deux marques fusionnent en 1997), l’objectif est de mettre « le plaisir de vivre à la française » à la portée de tous… tout en travaillant à renforcer l’image de marque de ces enseignes, au travers d’un merchandising inventif dont on découvre les déclinaisons entre packaging, affiches publicitaires et objets promotionnels.

Quand Dunod nous parle de design … ou comment interroger la créativité en action ?

Une page d’histoire pour sûr, et une première dans la série de manifestations orchestrées par le MAD qui met ainsi en valeur une collection déjà très complète tout en faisant état des lettres de noblesse de ce design pour tous.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site du Musée des Arts Décoratifs.

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1867 : Harper’s Baazar voit le jour aux USA pour devenir l’un des magazines de mode les plus emblématiques de la fashion planet. Une référence de la haute couture et des tendances, une vitrine pour les stylistes comme pour les photographes, un espace d’expression pour les grands auteurs.

Alchimie éditoriale

C’est cette alchimie éditoriale toute particulière que l’exposition Harper’s Baazar, premier magazine de mode met en lumière, en la resituant parmi la concurrence, de Vogue notamment, et en mettant en exergue son rôle moteur dans les grands mouvements de style qui vont marquer le XXeme siècle. Car cette véritable institution va dicter sa loi, faire et défaire les réputations, en un mot avoir une influence notable sur un marché en pleine mutation. Son credo ? Du haut de gamme, du glamour, de l’artistique, de l’inédit … Des couturiers comme Poiret, Chanel, Dior, Balenciaga … Des illustrateurs prestigieux comme Erté, Dali … des photographes comme Avedon, Lindberg, Hiro, des chroniqueurs comme Colette, Sagan, Beauvoir, Woolf, Capote, des mannequins comme Eva Evangelista, Kate Moss … Les plus grands ont participé à l’aventure, ont nourri le magazine de leur talent.

La carte de l’inédit et du disruptif avant l’heure

De fait Harper’s Baazar joue la carte de l’inédit et du disruptif avant l’heure, porté par des rédacteurs et rédactrices en chef particulièrement inspirés. Principalement  Mary L. Booth, suffragette et abolitionniste, qui, dés le début, prend en main le train éditorial d’une publication initialement destinée à éduquer le lectorat féminin. Car on n’y parle pas que de mode. Culture, art, société, Harper’s Baazar bouscule les conventions, encourage l’émancipation féminine. Et façonne les mythologies autour des grands couturiers. Chronologique, le parcours de l’exposition met en regard les robes griffées devenues célèbres en couverture et les photographies qui ont participé de leur légende. Il donne par ailleurs à voir comment le magazine s’est constitué en organe de presse puissant et avant-gardiste, ouvrant ses rubriques à la publicité, à l’aura cinématographique.

Et plus si affinités

Pour plus d’informations, rendez-vous sur le site du MAD.

Vous pouvez également suivre la visite virtuelle de l’exposition.

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Ce n’est pas le tout, mais si on s’offrait un peu de gamification intelligente du côté du design et de la décoration ? Direction le site du Musée des Arts décoratifs pour découvrir le Jeu du mobilier.

Histoire des styles et des tendances

Inspiré des applications qui proposent d’agrémenter un intérieur, le Jeu du mobilier nous invite à décorer des pièces selon le temps qui passe : Moyen Age, Renaissance, XVIIeme siècle, période de Lumières … les mouvements défilent jusqu’aux années 2000-2020 pour nous plonger dans « Une histoire des styles et des tendances » particulièrement intéressante.

Enfant, amateur, expert, free style : le jeu se décline de quatre façons pour nous faire comprendre comment et pourquoi le mobilier et les éléments de décoration se sont développés, transformés, améliorés au fil du temps. Et le joueur de devoir placer dans une salle une table, un meuble de rangement, un siège, une source d’éclairage, une horloge.

Formes et matériaux

L’enjeu : trouver les formes correspondant à la période et au décor général de la pièce. Et ce n’est pas si aisé qu’on le pense. Car plus les années passent, plus la technologie progresse, les matériaux s’enrichissent, et les formes évoluent. Plusieurs tendances et mouvements se succèdent durant le XVIIIeme siècle, ça s’accélère au XIXeme, puis au Xxeme.

Chaque pièce placée est complétée d’un encart explicatif précieux qui déroule l’origine, la date, le créateur, le cadre de fabrication, les matières, les singularités … des fiches explicatives très éclairantes qui donnent à voir les collections du musée dont elles sont tirées. Sur le côté, le portrait d’un des donateurs du musée (Niki de Saint-Phalle, Moïse de Camondo, Jules Maciet, Alexandrine Grandjean …) qui expose son point de vue de collectionneur.

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Les intérieurs sont nés de la plume du dessinateur Laurent de Commines, les mécènes portraiturés par Flo’ch. Le jeu lui-même est le fruit de la collaboration des équipes du MAD, de l’agence mosquito et du studio de développement 23Forward. L’ensemble, très ludique, peut s’aborder seul ou à plusieurs. C’est drôle, pédagogique, assez addictif … et cela prouve tout l’intérêt qu’ont les musées à jouer la carte de la gamification numérique.

A vous de jouer !

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https://histoiredesstyles.madparis.fr/

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Et plus spécifiquement le musée des Arts décoratifs et du Design qui revient sur la manière dont la chaussure de sport est progressivement devenue objet de consommation et icône culturelle. Une aventure marketing propre à l’industrialisation galopante du XXeme siècle mais également un défi créatif pour les stylistes … et un coup de chaud pour tous les collectionneurs/afiscionados/fans qui risquent fort de se précipiter dans l’agglomération girondine pour en profiter.

Ils auraient tort de se priver. Le parcours, alimenté par 600 pièces, modèles, documents, photos, films, interviews, épluche par le menu cette success story où se croisent grands sportifs, rapeurs, rockeurs, skateurs, designers et techniciens. Car si elle est affaire d’apparence, la sneaker est aussi enjeu technologique. Belle, confortable, elle participe de la réussite des athlètes comme du lifestyle des jeunes urbains.

Et est devenue la raison d’être d’enseignes mythiques comme Puma, Converse, Keds, Adidas, Onitsuga Tiger, Nike … tout en participant aux grands moments de notre Histoire moderne, en témoignent les Puma Crack que Tommie Smith et John Carlos portaient sur le podium des JO de Mexico en 1968 quand ils tendirent le poing en l’air en hommage aux Black Panthers.

Bref si vous passez par Bordeaux, vous n’avez aucune excuse car en prime la scénographie, signée Mathieu Lehanneur et Arthur Fosse, est accrocheuse, directement inspirée des ambiances concept stores ultra tendance, avec néons et couleurs flashy, un pur revival 90’s qui devraient en ravir plus d’un.

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https://madd-bordeaux.fr/expositions/playground-le-design-des-sneakers

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Dans le feu de l’été, elle était restée en retrait. c’est pourtant un moment essentiel de notre culture qui s’est joué cet été avec l’inauguration le 10 juillet dernier de la Cité internationale de la tapisserie d’Aubusson. L’occasion de redonner ses lettres de noblesse à un art qui fit jadis la fortune de la France, grande productrice dans l’Europe de l’Ancien Régime. Luxe, art, les lissiers de la Creuse furent en leur temps des pionniers et des maîtres, qui s’imposèrent par cinq siècles de création, d’innovation et de virtuosité. Il fallait bien un musée dédié pour véhiculer dans le futur ce savoir faire séculaire.

En projet depuis 1981, cette structure qui fut d’abord départementale dut muter devant l’essor de ses collections. Avec une enveloppe de 8,5 millions d’euros à la clé, l’institution investit les locaux de l’ancienne École Nationale d’Arts Décoratifs soit 1600 m² d’espace où installer salles d’exposition permanente et éphémère, ateliers de restauration et de création, site de formation, médiathèque collectant les ressources. Objectifs assumés :

• sauvegarder les fruits de cette industrie traditionnelle d’exception,

• en relancer la production tout en ouvrant un nouveau pôle économique lié au tourisme,

• multiplier les collaborations entre artistes contemporains et artisans lisseurs d’aujourd’hui,

• transmettre les fondamentaux et les secrets de cette technique aux générations futures.

C’est donc l’Histoire d’un genre qui se déroule, s’active et perdure dans ces murs multicolores, avec par exemple la Nef des tentures qui scénographie les différentes périodes de ce savoir faire, la répartition en zones géographiques spécifiques des créations venues du monde entier, la plateforme d’innovation destinée à la recherche. Exemples significatifs de cette ouverture vers un avenir radieux fait d’excellence et d’originalité visionnaire : la Peau de licorne de Nicolas Buffe tissée par l’Atelier Patrick Guillot, cis à Aubusson, et récompensée par le Grand Prix 2010 ou Confluentia de Bina Baitel réalisée par le Tissage Atelier Françoise Vernaudon de Nouzerines.

Et plus si affinités

http://www.cite-tapisserie.fr/

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