Longtemps cantonné aux marges — salles de sport, pratiques individuelles, performance ou loisir — le sport s’invite aujourd’hui dans un territoire inattendu : l’entreprise. Et cela n’a rien d’une injonction supplémentaire à “faire mieux” ; il s’agit d’une réponse concrète à un malaise plus profond : celui de corps de plus en plus immobiles dans des sociétés qui exigent toujours plus de disponibilité mentale.

Le travail moderne : un corps mis en pause

Le monde du travail occidental repose aujourd’hui sur un paradoxe : jamais les corps n’ont été aussi peu sollicités physiquement, et jamais ils n’ont été aussi fatigués. Postures prolongées, écrans, tensions diffuses, stress chronique : le corps est présent… mais rarement mobilisé de manière fonctionnelle. La sédentarité s’avère ainsi une contrainte silencieuse, qui fragilise à la fois le physique et le psychique.

Le sport santé : une autre idée du mouvement

Contrairement aux représentations classiques du sport — performance, compétition, dépassement — le sport santé repose sur une philosophie radicalement différente. Il s’agit de :

• restaurer des fonctions de base (mobilité, équilibre, respiration),
• prévenir plutôt que réparer,
• adapter le mouvement à la réalité des corps,
• intégrer l’activité physique dans le quotidien réel, non idéalisé.

Dans ce cadre, l’entreprise devient un terrain d’intervention logique… et symbolique.

Pourquoi l’entreprise devient un lieu de mouvement

Introduire le sport santé dans l’entreprise, ce n’est pas “faire faire du sport aux salariés”.
C’est reconnaître que le travail impacte directement le corps — et que ce corps mérite une attention collective.

Ateliers posturaux, séances de mobilité, pauses actives, respiration guidée : ces pratiques discrètes déplacent la focale. Elles rappellent que le corps n’est pas un outil interchangeable, mais un support vivant de l’activité professionnelle.

Une réponse aux maux contemporains du travail

Le sport santé en entreprise agit là où les discours abstraits échouent souvent. Il touche :

• les troubles musculo-squelettiques,
• la fatigue chronique,
• la perte de concentration,
• le stress,
• le désengagement progressif.

Surtout, il redonne au salarié une capacité d’action sur son propre corps, là où celui-ci est souvent subi.

Corps, posture et communication

Un aspect rarement évoqué mérite pourtant l’attention : le corps influence profondément la communication professionnelle. Posture fermée, respiration bloquée, tensions constantes modifient :

• la manière de parler,
• d’écouter,
• de se positionner dans un collectif.

Le sport santé, en travaillant la conscience corporelle, agit indirectement sur la relation à l’autre, la présence, la confiance. Il ne “corrige” pas les individus : il réouvre des possibles.

Une culture du soin plutôt que de la performance

Ce qui rend le sport santé en entreprise culturellement intéressant, c’est son renversement de logique. On ne veut plus optimiser, rentabiliser, accélérer.

On cherche à :

• préserver,
• stabiliser,
• rendre durable.

Dans un monde professionnel encore marqué par l’idéologie du dépassement, cette approche propose une autre narration du corps au travail.

Un enjeu collectif, pas individuel

Le sport santé en entreprise n’est pas une affaire de motivation personnelle. C’est un choix collectif, presque politique, qui pose une question simple : quelle place voulons-nous accorder au corps dans nos organisations ? Le considérer comme un facteur de risque à gérer… ou comme un élément central de l’équilibre humain et social ?

En conclusion

Le sport santé en entreprise n’est ni un gadget managérial, ni une mode passagère. Il constitue le symptôme d’une prise de conscience plus large : celle d’un monde du travail qui commence à reconnaître que le corps ne peut plus être mis entre parenthèses. À ce titre, il mérite d’être observé, interrogé… et compris comme un véritable fait de société.

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Trois jours, 29 millions de spectateurs. Ce n’est rien de dire que le Frankenstein de Guillermo del Toro a fait un carton. Déboulant sur Netflix après une sortie en salle au compte goutte dans plusieurs pays, ce récit gotique en diable a su conquérir un public chauffé à blanc par une campagne de communication particulièrement bien troussée. Restait à savoir si la qualité serait au rendez-vous : c’est le cas et haut la main. Il faut dire que del Toro a pris son temps. Déjà en 2007, le réalisateur évoquait la chose… avec passion. 20 ans plus tard, il accouche d’un petit bijou de long-métrage de prime abord horrifique, au final aussi poétique que baroque, et qui ne demande qu’à être décortiqué. Car l’auteur de Crimpson Peak, Le Labyrinthe de Pan ou La Forme de l’eau ne pouvait s’emparer de la création littéraire magistrale de Mary Shelley sans en faire un hybride foisonnant, hypnotique et riche d’enseignement.

De Shelley à del Toro

Revenons un instant au socle mythique posée par Mary Shelley en 1818. Le roman Frankenstein; or, The Modern Prometheus repose sur un double pari : reprendre la légende de Prométhée (l’homme qui vole le feu divin) et la transposer dans une ère de conquêtes scientifiques, médicales et technologiques qui questionne la responsabilité du créateur. Mary Shelley dans ce récit dément interroge l’humanité du monstre, l’irresponsabilité du savant, la solitude existentielle, la frontière floue entre l’humain et le non-humain.

Del Toro s’empare de l’oeuvre, contourne le piège d’une transposition au pied de la lettre, métamorphose l’ensemble, élabore son propre cocktail gotico-horrifico-poétique. Mythe en mutation : ce qu’il emprunte à Shelley, il le croise avec les éléments clés de son univers artistique, ces thématiques qui le hantent depuis le début de sa carrière, le temps qui passe sans qu’on puisse le maîtriser, la volonté de contrôle de ce qui ne peut l’être, l’amour absolu et impossible magnifié, le trop lourd sentiment du rejet, la question de l’intégration, de la normalisation. Son Frankenstein lui ressemble — qui efface la confuse limite entre créateur et monstruosité.

Éléments de métamorphose

Quelques points saillants d’appropriation/transformation ?

• Le film, bien que restituant l’époque victorienne ou proche, affiche une esthétique baroque, gothique, steampunk, qui tranche avec le contexte du roman. Les décors, les costumes, la lumière, grandioses, ne visent pas à une « vraie reconstitution », mais à planter un monde « à la del Toro ».
• Là où Shelley montre un savant outré par sa créature, del Toro fait de Victor Frankenstein LE monstre de ce conte, un monstre par ses actes, ses obsessions, sa puissance destructrice… et son égo infini. Clairement, la créature est bien plus humaine que son « père » qui restitue sans même s’en rendre les sévices subis dans son enfance par un géniteur plus que maltraitant.
• La fiancée (Elizabeth Lavenza, parfaite réplique d’une mère adorée morte prématurément) est placée au cœur non seulement du triangle romantique/tragique, mais aussi de l’empathie et de la métamorphose. Par son biais, le film aborde les thèmes de la paternité/maternité, de la transmission, de la violence, de l’industrialisation, de l’armement.

Un témoin, une conscience, un miroir

La fiancée justement. Dans cette adaptation, Elizabeth (Mia Goth, d’une justesse touchante) ne se contente pas d’être l’ombre passive du créateur ou de la créature, la pauvre jeune fille convoitée par l’un et l’autre, une victime en puissance. Non, ici, elle est empathie, reconnaissance, humanité. Un trait d’union, un témoin, une conscience, un miroir. Quelqu’un qui répare ou tente de le faire par tous les moyens à sa disposition. Ses tenues, pensées comme des carapaces d’insecte (les scarabées, le malachite… références récurrentes dans le cinéma de del Toro, dixit Mimic), expriment à la fois sa fragilité et sa force.

Sa rencontre avec la créature est un moment d’une grande poésie, un « love at first sight » particulièrement romantique et poignant qui s’accompagne d’un geste de charité, d’un désir de protection. Quelque chose de La forme de l’eau transparaît ici , qui va à contre-courant des récits fantastico-horrifiques. Le monstre n’est pas celui qu’on croit, et c’est une femme qui le révèle aux yeux de tous, quitte à y laisser la vie.

Incarner l’Autre

Victor Frankenstein (joué par un Oscar Isaac frénétique) est représenté non comme un savant fou typique, mais comme un artiste-entrepreneur, un visionnaire obsédé, une rockstar. Costume, attitude, discours, tout le montre, par exemple ces gants rouges qui ne le quittent jamais, et qui symbolisent le sang qui tâchent ses mains, la tâche originelle déposée sur lui par sa mère à l’agonie. Sa passion également, son manque de recul, de pondération. La violence aussi qui l’anime, dans sa relation aux autres, et à ce « fils » qu’il ne va pas assumer.

Ce « père » va tenter de dresser cet « enfant » comme un animal de foire, démontrant ainsi son manque d’empathie. Puis quand il jugera qu’il ne peut progresser, il voudra s’en débarrasser comme on le fait d’un cobaye gênant. Face ce sommet d’égoïsme et de vanité, la créature (jouée par un Jacob Elordi tout en fragilité et colère) s’avère un être vulnérable en quête de sens. Exit l’allure d’un cadavre composite verdâtre et couturé de partout ; diaphane et naturellement élégant dans son allure, sa maladresse, cet être aux allures d’ange ou d’extraterrestre questionne, souffre, apprend. Doté d’une beauté étrange que peu perçoivent, il est rejeté non plus pour sa laideur mais parce qu’il incarne l’Autre.

Un film-frankenstein

Del Toro met ainsi en scène de manière magistrale la quête de reconnaissance de ceux que le monde dit « normal » écarte avec cruauté. Un sujet qui revient en boucle dans ses films : la notion de différence y est questionnée sans cesse, idem pour l’impossible intégration de ceux qui ne correspondent pas aux normes et en souffrent (Hellboy se limant les cornes « pour s’intégrer »). Sujet d’actualité dans une Amérique trumpienne qui traque la différence (personnes trans, intellectuels opposants ou immigrés) avec une assiduité effrayante. Originaire du Mexique, del Toro connaît la sujet. Il sait qu’on est toujours le monstre de quelqu’un. Et cette monstruosité naît uniquement dans le mental, la perception erronée qu’on a du monde.

Son film se veut donc une créature-synthèse, un grand métissage de références, de connaissances, d’émotions. La somme, la fusion de toutes ses obsessions de cinéaste, de ses références culturelles. Son enfance traumatique, son goût des monstres comme métaphores de l’exclu, sa passion pour la mort, le sacrifice, la métamorphose , ses références à l’art pictural, à la peinture baroque, au surréalisme. Le film devient un tableau en mouvement, un film-frankenstein : un corps composé, un monstre d’hybridation cinématographique, littéraire et visuelle.

En somme, le Frankenstein de del Toro est un acte d’amour autant que de réinvention : un hommage à Shelley, mais aussi un manifeste esthétique et émotionnel. Il inverse le regard, métamorphose les rôles, transcende les genres. Il fait de la créature plus humaine que son créateur — et de son film, une œuvre-créature à part entière.

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Avant même que la pellicule ne se déroule, avant que les lumières de la salle ne s’éteignent, avant que le récit ne s’impose aux spectateurs, il y a une image. Non pas celle du film, mais celle qui l’annonce, qui le promet, qui le vend : l’affiche.

Objet placardé sur les murs des villes, imprimé en grand format, exhibé à la porte des cinémas, l’affiche constitue la première rencontre avec une œuvre cinématographique. Elle suscite l’attente, aiguise le désir, oriente l’imaginaire. Longtemps considérée comme un simple outil promotionnel, elle a pourtant acquis au fil des décennies une autonomie esthétique et culturelle qui lui vaut désormais d’être exposée dans les musées, étudiée par les historiens de l’art, et collectionnée à prix d’or.

Aux origines : l’héritage du spectacle forain et du théâtre

L’affiche de cinéma naît en même temps que le cinématographe lui-même, à la fin du XIXᵉ siècle. Les frères Lumière, Georges Méliès et Léon Gaumont comprennent rapidement qu’il ne suffit pas de projeter des images en mouvement : il faut attirer le spectateur, l’arracher à son quotidien pour le convaincre d’entrer dans la salle obscure.

L’affiche reprend alors les codes du théâtre et des foires : typographies massives, couleurs vives, figures spectaculaires. Les lithographies d’époque montrent souvent des foules ébahies, des appareils fantastiques, ou des scènes exotiques. Ce n’est pas encore un art, mais déjà un langage : l’affiche traduit visuellement la promesse du cinéma, cette « attraction foraine » qui fascine les foules urbaines du début du siècle.

De la publicité à l’art graphique

Très vite, les artistes investissent ce champ nouveau. L’Art nouveau, qui triomphe à la Belle Époque, marque les premières affiches cinématographiques : arabesques florales, visages féminins idéalisés, palette chatoyante. Puis viennent les avant-gardes : le constructivisme russe transforme radicalement le rapport texte-image, les diagonales dynamisent la composition, les couleurs franches exaltent la révolution culturelle du cinéma soviétique.

En France, Boris Bilinsky impose dans les années 1920 un style géométrique et puissant, tandis qu’aux États-Unis, les studios hollywoodiens mobilisent toute une industrie graphique destinée à standardiser l’image de leurs stars. L’affiche devient alors un champ d’expérimentation esthétique : on y retrouve l’influence du cubisme, du surréalisme, du fauvisme. Elle n’est plus seulement un outil de communication, elle est une forme artistique à part entière.

Fabriquer une affiche : des pierres lithographiques au pixel numérique

Comprendre l’affiche, c’est aussi s’intéresser à ses techniques de production.

• À l’origine, on recourt à la lithographie : dessins tracés sur pierre, encres grasses, impressions en plusieurs passages. Ces contraintes déterminent la composition : aplats de couleur, contours nets, simplification des formes.
• Au milieu du XXᵉ siècle, l’offset et la sérigraphie permettent des tirages massifs, des dégradés plus subtils, des couleurs plus nombreuses. L’affiche devient une industrie. Les imprimeurs, souvent invisibles, jouent un rôle crucial dans la diffusion de l’esthétique cinématographique.
• Aujourd’hui, le numérique règne : Photoshop et Illustrator produisent des images hyper-réalistes, multipliant les personnages, superposant les effets spéciaux. Si la puissance visuelle y gagne, l’uniformisation menace : blockbusters et franchises recyclent des codes graphiques devenus stéréotypés — visages alignés, explosions en arrière-plan, titres en lettres métalliques.

L’affiche comme arme de séduction massive

Au-delà de l’art, l’affiche demeure un outil stratégique. Elle doit séduire en une seconde, intriguer, provoquer l’achat du billet. Les codes varient selon les genres :

• L’horreur affectionne les contrastes rouges et noirs, les visages déformés, les silhouettes menaçantes.
• La comédie privilégie des couleurs vives, des attitudes exagérées.
• Le blockbuster aligne ses héros dans une composition pyramidale.

Mais l’affiche est aussi un outil politique : elle peut censurer, édulcorer, ou au contraire provoquer. Certaines affiches étrangères modifient le ton d’un film pour correspondre aux sensibilités locales, créant ainsi une pluralité d’images pour une même œuvre.

Devenir culte : quand l’affiche dépasse le film

Certaines affiches survivent à leurs films, les transcendent, deviennent des icônes culturelles indépendantes :

• Metropolis (1927) : l’affiche expressionniste de Heinz Schulz-Neudamm, mêlant architecture futuriste et visage métallique, est devenue un symbole de la modernité.
• Vertigo (1958) : Saul Bass révolutionne l’art de l’affiche par une abstraction hypnotique. Le film est complexe, mais l’affiche, avec sa spirale rouge, s’imprime dans les mémoires.
• Jaws (1975) : le requin gigantesque, gueule ouverte sous la silhouette fragile d’une nageuse, résume en une image l’angoisse du film.
• Star Wars (1977) : sabres laser, figures héroïques, espace infini : l’affiche crée le mythe avant même la première projection.
• Pulp Fiction (1994) : Uma Thurman en couverture de magazine pulp, cigarette à la main, image rétro-sexy devenue icône pop.
• La Haine (1995) : visage frontal, slogan percutant (« Jusqu’ici tout va bien ») : une affiche devenue manifeste politique.

Ces images circulent au-delà des salles obscures, se reproduisent sur t-shirts, mugs, posters, devenant des symboles générationnels.

L’affiche comme patrimoine et comme marché

Aujourd’hui, l’affiche de cinéma est un objet de collection. Les ventes aux enchères atteignent des sommets : une affiche originale de Metropolis s’est vendue plus d’un million de dollars, record absolu. Des galeries spécialisées (Posteritati à New York, Cinémathèque française à Paris) consacrent des expositions entières à cet art longtemps considéré comme mineur.

Parallèlement, le marché du vintage explose : rééditions officielles, sérigraphies d’artistes contemporains (Mondo, par exemple) qui revisitent les grands classiques. L’affiche devient ainsi un produit dérivé à part entière, au même titre que la figurine ou le DVD collector.

Mutation numérique : de l’affiche au thumbnail

Mais quel avenir pour l’affiche à l’heure du streaming ? Sur Netflix, Disney+, Prime Video, l’affiche n’existe plus en tant que poster monumental : elle est réduite à une vignette numérique de quelques centimètres carrés. L’exercice graphique change : il faut condenser l’identité du film dans une miniature lisible sur smartphone.

Certains y voient une disparition ; d’autres une métamorphose. L’affiche, déclinée en bannières animées, teasers vidéo, stories Instagram, devient une entité protéiforme. Pourtant, le public reste attaché au poster papier : décor de chambre, objet de collection, souvenir tangible dans un univers dématérialisé.

A retenir ?

De l’art forain à l’art contemporain, de la pierre lithographique au pixel, l’affiche de cinéma a parcouru un chemin vertigineux. Elle n’est plus seulement un outil de communication, mais un miroir des sociétés, un champ d’expérimentation artistique, un objet patrimonial et commercial. Elle reflète les styles, les idéologies, les goûts d’une époque ; elle façonne l’imaginaire collectif autant qu’elle le reflète.

Qu’elle se donne à voir sur les murs d’une ville ou sur l’écran d’un smartphone, l’affiche de cinéma demeure un langage universel : une promesse, une séduction, une icône. Le film commence toujours par là.

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Entre reprise quotidienne et moments suspendus, rendez-vous à la très parisienne Fondation Jérôme Seydoux-Pathé pour visiter l’exposition Faire impression. Quand l’affiche de cinéma s’invente. Une escapade visuelle et historique idéale pour tous les amoureux du cinéma, du graphisme et des arts visuels !

Les débuts de l’affiche de cinéma

Cette exposition retrace les débuts de l’affiche de cinéma, quand le simple support promotionnel devient un art à part entière. Une cinquantaine d’affiches, provenant des collections de la Fondation mais aussi de collections privées, côtoient photographies, dessins, documents promotionnels, extraits de films, et même des images filmées.

Le but ? Donner à voir l’affiche non seulement comme visuel isolé, mais dans son contexte : artistique, urbain, social. L’exposition s’intéresse à plusieurs courants artistiques (Art nouveau, fauvisme, avant-garde russe) et à la manière dont les artistes (comme Fernand Léger, Boris Bilinsky, Bernard Lancy…) explorent les formats, les couleurs, le lettrage, et l’impact sur le regard du passant.

Comprendre l’affiche dans tous ses rôles

La Fondation Jérôme Seydoux-Pathé offre un écrin remarquable à cette exposition : le bâtiment imaginé par Renzo Piano conserve la façade sculptée de Rodin, avec une coque de verre moderne, des espaces d’exposition lumineux et une salle de projection dédiée au cinéma muet.

L’exposition ne s’adresse pas seulement aux spécialistes : son montage, ses objets, la scénographie, ainsi que les activités autour (films, visites, colloque) la rendent très accessible tant aux curieux qu’aux amateurs. C’est une invitation à comprendre l’affiche dans tous ses rôles : communication, art, reflet des sociétés et de leurs évolutions.

Pourquoi y aller ?

• Pour savourer cette beauté visuelle : couleurs, formes, typographies d’un autre temps…
• Pour se reconnecter au cinéma dans sa dimension historique et artistique ; retrouver le plaisir de la surprise visuelle, derrière l’affiche, derrière l’écran.
• Pour profiter d’un moment contemplatif, stimulant : s’évader un peu, apprendre sans pression, dans un lieu qui sait transmettre la passion.
• Pour découvrir les liens entre art graphique, culture urbaine, industrie du cinéma — des thèmes très actuels, même dans notre époque numérique.

Pour en savoir plus, consultez le site de la fondation Jérôme Seydoux-Pathé.

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Elle fait partie des séries qui ont bousculé nos écrans cette année : avec L’Eternaute, le réalisateur argentin Bruno Stagnaro adapte la bande dessinée d’Héctor Germán Oesterheld et Francisco Solano López (1957‑59). L’occasion de prouver que les USA n’ont pas le monopole du genre, et que ce dernier, une fois de plus, sert à introduire une réflexion poussée sur notre société.

La neige qui tue

Buenos Aires : un soir d’été. Chacun vaque à ses occupations, qui une balade en mer, qui une partie de cartes. Soudain plus d’électricité. La nuit noire s’abat sur la capitale, bientôt striée de petits éclats blancs. De la neige. Une neige qui tombe drue, recouvre tout et semble tuer à l’instant celles et ceux qui ont le malheur de s’aventurer à l’air libre.

Juan Salvo et ses amis, piégés dans la demeure de l’un d’entre eux, sont confrontés à ce cauchemar. Quid des proches, des épouses, des enfants disséminés un peu partout dans la ville ? Quid de la survie dans un univers à l’arrêt par manque d’énergie ? Quid de la violence qui s’installe progressivement dans cette atmosphère de rivalité ?

Faire face

De fil en aiguille, nous voyons ces rescapés prendre la mesure de la catastrophe, trouver des parades pour sauver leur peau. Le groupe fait face, avec des frictions, des coups de gueule. Ce sont des amis, ils sont complémentaires, se font confiance. Ils se retroussent les manches, s’adaptent au froid polaire, au manque de ressources, à l’absence de communication.

Et affrontent l’extérieur, en quête d’autres survivants. Des survivants, il y en a mais pas forcément aussi amènes que nos héros, ni aussi désireux de faire corps pour affronter l’inconnu. Car inconnu il y a, qui va s’avérer épouvantable, dévorateur. Une épreuve, une ordalie. Un basculement dans une autre dimension.

Fantômes, spectres et démons

Si vous détestez les grosses bestioles, évitez la série, vous pourriez y laisser votre santé. Idem si la perspective d’une société glissant dans l’aveuglement fasciste vous révulse. Parce que c’est de cela qu’il s’agit au final. Une communauté dont les démons extrémistes n’ont pas totalement été exorcisés avec la chute de la junte militaire et qui ne demandent qu’un bouleversement pour reprendre du service de la pire des manière.

Fantômes de la guerre des Malouines, spectre de la dictature, l’esprit de la bande dessinée initiale n’est pas loin. Le sens du sacrifice, la nature de la violence, la fragilité humaine dans l’extrême s’opposent avec la quête de pouvoir, l’opposition des égos, la barbarie à l’œuvre. Pour incarner ces personnages issus du commun, Ricardo Darín, Carla Peterson, César Troncoso, Andrea Pietra, Aron Park … un casting d’excellence tout en nuances et en tension, qui déploie son talent dans le décor oppressant d’une ville dévastée.

Les temps forts ne manquent guère dans cette première saison menée sur une cadence infernale. On attend le second volet de cette descente aux enfers avec une impatience rare, tant le premier chapitre est de qualité.

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En France comme au Québec, les grandes entreprises de télécommunications dominent largement le marché de l’accès à Internet. Offres complexes, frais cachés, service client impersonnel : nombreux sont les utilisateurs à exprimer leur lassitude face à ces géants. Mais de l’autre côté de l’Atlantique, une autre voie se dessine. Au Québec, des fournisseurs Internet indépendants commencent à se faire une place en proposant des services plus humains, plus transparents, et davantage ancrés dans les réalités locales. Une tendance qui, bien que moins développée en France, résonne avec les aspirations croissantes des consommateurs pour une économie plus responsable et une relation de confiance avec leurs prestataires. Cet article propose un détour par l’expérience québécoise pour explorer ce que peut offrir un fournisseur Internet indépendant. Une approche dont certains acteurs, comme Bravo Telecom, se font aujourd’hui les porte-voix.

Fournisseurs indépendants : ce qui les distingue

Souvent de taille régionale ou locale, ces entreprises ne font pas partie des grands conglomérats nationaux. Ce positionnement leur permet d’adopter une approche différente sur plusieurs plans.

• Un service client de proximité
  Leur échelle plus réduite facilite une relation directe avec les usagers. Dans certains cas, le support est basé dans la même région que les clients, ce qui permet une meilleure compréhension des besoins et une plus grande réactivité.
• Des tarifs plus lisibles
  Beaucoup de ces fournisseurs mettent en avant des offres sans engagement et sans frais cachés. Une transparence tarifaire qui séduit les consommateurs lassés des surprises sur leur facture.
• Une capacité d’adaptation rapide
  Moins contraints par la lourdeur administrative des grandes structures, ces fournisseurs peuvent parfois innover plus vite : mise à jour du matériel, déploiement de la fibre dans des zones spécifiques, soutien à des initiatives locales.
• Une attention particulière à la vie privée
  Le lien de proximité avec les clients, et la logique artisanale de certaines structures, favorisent une gestion plus éthique des données. Certains fournisseurs indépendants revendiquent des pratiques plus respectueuses en matière de confidentialité.

Confiance et responsabilité : au-delà du marketing

Les enjeux liés à la protection des données sont devenus centraux. Des rapports comme Who Has Your Back? de l’Electronic Frontier Foundation soulignent régulièrement les écarts de pratiques entre grandes entreprises et acteurs plus modestes.

À titre d’exemple, le fournisseur américain Sonic est souvent cité pour ses efforts en matière de transparence et de respect de la vie privée. Ce genre d’initiative montre qu’il est possible, même à plus petite échelle, de faire mieux que certains poids lourds en matière de gouvernance numérique.

Un impact communautaire concret

En plus de fournir un service, certains fournisseurs indépendants jouent un rôle actif dans le développement local :

• Ils soutiennent l’économie régionale, en réinjectant leurs revenus dans l’emploi local ou les infrastructures de proximité.
• Ils améliorent l’inclusion numérique, en desservant des zones délaissées par les grands groupes.
• Ils tissent des liens avec les acteurs locaux, via des partenariats avec des écoles, des événements, ou des projets éducatifs.
• Ils s’impliquent dans des causes sociales, autour de la fracture numérique ou de la neutralité du Net.

Le cas de Bravo Telecom

Parmi les fournisseurs québécois qui revendiquent cette approche, Bravo Telecom met en avant son ancrage local et son service de proximité.

• Une implantation au Québec : le support est basé dans la province, ce qui permet un accompagnement bilingue et adapté aux réalités régionales.
• Des forfaits simples : pas de contrat, pas de frais cachés, plusieurs options selon les profils (étudiants, familles, télétravailleurs).
• Un engagement communautaire : participation à des événements locaux, programmes de sensibilisation à l’usage du numérique.

Bravo Telecom fait partie de ces entreprises qui cherchent à se positionner comme une alternative aux grandes enseignes, avec une offre pensée pour répondre à des besoins de proximité, tant en termes de service que de valeurs.

« Bravo Telecom a soutenu notre événement local sans hésiter. C’est plus qu’un fournisseur, c’est un vrai partenaire. » – Caroline B., organisatrice communautaire

« J’ai quitté un gros fournisseur pour Bravo et je ne reviendrai jamais en arrière. Meilleur service, meilleure transparence, et on sent qu’on compte. » – Youssef D., Laval

« Enfin un forfait Internet sans frais cachés ! Ce que j’ai vu sur le site, c’est exactement ce que j’ai payé. » – Marc-André P., Longueuil

« Dès le premier appel, j’ai eu un agent qui parlait ma langue et comprenait mes besoins. Aucun robot, juste un vrai service humain. » – Nadia L., Montréal

 Repenser la connexion, localement

L’exemple québécois montre qu’il est possible d’imaginer un autre rapport à la technologie : plus proche, plus transparent, plus engagé. En optant pour un fournisseur Internet indépendant, les usagers ne choisissent pas seulement une prestation technique, mais affirment aussi un certain rapport au monde : privilégier la proximité, soutenir l’économie locale, et reprendre un peu de pouvoir sur leurs données et leur facture.

Si cette dynamique est encore marginale en France, elle ouvre des pistes de réflexion. À l’heure où la numérisation de nos vies est incontournable, pourquoi ne pas questionner le modèle dominant ? Le modèle québécois nous rappelle que la souveraineté numérique ne passe pas seulement par les géants du cloud, mais aussi par des choix quotidiens, concrets — comme celui de notre fournisseur d’accès.

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Il était une fois Christelle. Allure de rockeuse, revendiquée manageuse rock, un sens acéré de la psychologie. Et touchée de plein fouet par les attentats du 13 novembre : son petit ami était au Bataclan, il est dans le coma, sur un lit d’hôpital. Voici comment Christelle va entrer dans la vie de plusieurs rescapés du massacre. Pour les aider, les écouter, les épauler. Et les tromper car Christelle n’est rien de tout ce qu’elle prétend. Voici la trame du foudroyant Une amie dévouée.

Quête de reconnaissance

Adaptée du livre La mythomane du Bataclan d’Alexandre Kauffmann, la série Une amie dévouée détaille les mécanismes d’un mensonge. Un mensonge ancré dans une faille psychique. Christelle n’en est pas à son coup d’essai, elle a déjà monté des escroqueries, c’est une menteuse compulsive et experte. Ici nous la voyons d’abord plonger dans la sidération des attentats (nous l’avons toutes et tous été) ; mais très vite elle se reprend, parce qu’elle comprend comment elle peut exploiter cet événement à son avantage. Les rouages de la mystification se mettent alors en place à une allure folle.

De séquence en séquence, on voit Christelle tisser sa toile, repérer ses victimes, prendre contact, monter un scénario qu’elle enrichit d’échange en échange, recouper les informations pour ne pas se trahir. Elle s’invente un fiancé de toute pièce, crée un faux profil sur Facebook, petit à petit s’impose comme un pilier dans cette petite communauté traumatisée qui cherche à survivre et qu’elle aide au quotidien. Altruiste en apparence, en vérité en quête de fric, d’un job, d’un appart… et d’un statut. D’une reconnaissance. D’amour.

Un personnage aussi détestable que pathétique

Il faudra un certain temps pour la percer à jour. Un moment poignant car cette héroïne hors normes est aussi détestable que pathétique. L’impression est étrange, malsaine, perturbante. Cette fille est-elle responsable, malade ? Avec beaucoup de talent et un sens consommé de la nuance, Laure Calamy prête à ce personnage retors une intensité, une énergie qui vacille entre résilience et destruction. Chaque regard, chaque attitude laisse deviner une névrose, un trouble mental profondément ancré, une absence de limites, de morale.

Et une sacrée efficacité ; c’est d’ailleurs là qu’on perd pied car c’est un immense gâchis. Cette fille a tout pour réussir, un talent rare pour la communication, des compétences évidentes pour l’événementiel, une connaissance pointue de la scène rock. Mais elle ne peut s’empêcher de manipuler. Empathie perverse de la prédatrice qui se nourrit de la détresse de ses proies. La série ne moralise pas, ne dit pas si c’est bien ou mal, elle montre, avec une mise en scène au cordeau signée Just Philippot, énergique, nerveuse qui souligne la vitesse vertigineuse avec laquelle Florence s’infiltre dans les consciences.

Et embarquer tous ces gens dans ses mensonges, pour mieux les vampiriser. On s’identifie forcément : toutes et tous, nous avons été touché.es par cet événement atroce. Toutes et tous, nous aurions pu être tompé.es par une Christelle. Là aussi, la série Une amie dévouée fait mouche en soulignant une atmosphère de chaos propice à ce type de déviance : survivants, profiteurs, rescapés, faux amis, vrais salauds : tout se mélange. Et peut-être que c’est ça, le pire.

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Cela va peut-être étonner les plus candides d’enter vous, mais le monde de la géopolitique n’est pas uniquement peuplé de tanks, de missiles, de discours onusiens et de négociations barbouziennes. Non, non, non, dans cette histoire il faut aussi compter avec le soft power. Vous avez peut-être déjà entendu le mot, sans trop capter de quoi il s’agit vu que la notion est assez retorse. Dommage car la logique est vraiment efficace, et que nous sommes tous.tes touché.es. Attachez vos ceintures, on plonge dans le monde fascinant du pouvoir doux !

Qu’est-ce que le Soft Power ?

Déjà une petite définition la plus claire possible : le soft power, c’est l’art de séduire et d’influencer sans recourir à la force brute. Concrètement ça donne quoi ? Imaginez une soirée où vous devez convaincre quelqu’un de choisir votre série préférée. Plutôt que de crier et de menacer, vous sortez vos arguments les plus subtils : les critiques élogieuses, les scènes marquantes, le charisme des acteurs. Eh bien, c’’est exactement ce que font les pays sur la scène internationale avec le soft power : ils utilisent la culture, les valeurs et les politiques attractives pour gagner des alliés, diffuser leur point de vue et influencer l’opinion mondiale pour aller dans leur sens.

Le terme a été forgé à la fin des années 1980 par le politologue américain Joseph Nye, professeur à Harvard, dans son ouvrage Bound to Lead: The Changing Nature of American Power (1990). Nye y conteste le déclin annoncé de la puissance américaine après la Guerre froide, en proposant une nouvelle grille de lecture du pouvoir : selon lui, la capacité d’un pays à influencer les autres sans contrainte, par l’attraction plutôt que par la coercition, constitue une forme de puissance à part entière. Nye oppose ainsi le hard power, fondé sur la force militaire et les pressions économiques, au soft power, qui repose sur la culture, les valeurs politiques (liberté, démocratie, droits humains) et la légitimité de la politique étrangère. C’est une puissance plus diffuse, souvent moins visible, mais redoutablement efficace dans un monde interconnecté où l’image et la narration jouent un rôle crucial.

Dans ses ouvrages ultérieurs, notamment Soft Power: The Means to Success in World Politics (2004) et The Future of Power (2011), Nye affine sa pensée et introduit l’idée de smart power : une combinaison stratégique du hard et du soft power. D’autres chercheurs, politistes et spécialistes des relations internationales ont enrichi le concept :

• Pierre Bourdieu, sans utiliser le terme « soft power », a largement exploré la notion de violence symbolique et de domination culturelle, qui préfigure certaines réflexions sur l’influence douce dans un cadre global.
• Le sociologue Manuel Castells a travaillé sur le pouvoir des réseaux et l’économie de l’image dans la société de l’information, en lien avec l’idée d’une influence par la communication.
• Dans une perspective critique, des auteurs comme Edward Saïd (avec le concept d’orientalisme) ont souligné que le soft power peut aussi masquer des dynamiques néocoloniales, lorsque la séduction culturelle sert des objectifs de domination.

Soft power in real life

Ok mais sur le terrain, in real life, ça donne quoi ? Comment se décline le soft power ? Quelle tournure ? Quelle logique ? Voici quelques exemples géographiques pour mieux cerner la chose (vous allez voir, en fait vous connaissez bien le concept sauf que vous ne le saviez pas mais heureusement The ARTchemists sont là).

Les États-Unis : Hollywood et McDonald’s

Ah, les États-Unis ! Pas pour rien que l’idée vient de là. Les Américains ont compris depuis longtemps l’importance du soft power. Hollywood, c’est un peu la machine à rêves mondiale. Les blockbusters américains envahissent les écrans de la planète, façonnant les imaginaires et les aspirations de millions de personnes. Ajoutez à cela des marques comme McDonald’s et Coca-Cola, des réseaux sociaux comme Facebook ou X et vous avez un cocktail explosif de soft power. Ces éléments véhiculent une image de liberté, de succès et de prospérité, mais au finish il s’agit d’implanter les valeurs made in USA un peu partout dans nos petits crânes.

La Corée du Sud : K-pop et K-dramas

Qui aurait cru il y a vingt ans que la Corée du Sud deviendrait une superpuissance culturelle ? Avec la montée en puissance de la K-pop (merci BTS !) et des dramas coréens, le pays a su s’imposer comme une référence mondiale en matière de divertissement. En 2020, par exemple, le film Parasite a remporté l’Oscar du meilleur film, une première pour un film non anglophone, illustrant parfaitement cette ascension fulgurante.

La Chine : les routes de la soie culturelles

La Chine n’est pas en reste, au contraire. Elle utilise le soft power pour améliorer son image sur la scène internationale, notamment à travers des initiatives comme les Instituts Confucius, présents dans le monde entier afin de promouvoir la langue et la culture chinoises. De plus, elle investit massivement dans des productions cinématographiques internationales,organise des événements culturels de grande envergure, comme les Jeux olympiques de Pékin en 2008, et prête des pandas en leasing aux zoos les plus célèbres de la planète.

Soft power : facettes stratégiques

Les avantages du soft power ? Innombrables et bien pratiques. Tout principalement, cette méthode d’influence :

• évite les coûts humains et financiers des conflits armés,
• crée des alliances durables fondées sur l’admiration et le respect mutuel plutôt que sur la peur ou la coercition.

Bref c’est juste génial, ça évite de s’égorger. Et ça donne une excellente image du pays qui soft powerise. Ainsi, la France s’est imposée au fil des années comme un modèle de culture et de sophistication grâce à son cinéma, sa cuisine, son art de vivre, ce qui renforce son influence mondiale sans un seul coup de fusil.

Allons un peu plus loin dans cette analyse. Quelles sont les composantes d’un soft power abouti ?

La diplomatie culturelle

Les musées, les expositions et les festivals internationaux sont autant d’outils de diplomatie culturelle. Les pays organisent et sponsorisent ces événements pour partager leur culture et renforcer leurs liens avec d’autres nations. Par exemple, l’Inde organise à Paris depuis 2010 le festival Namasté France — une initiative de diplomatie culturelle portée par l’Ambassade d’Inde et l’ICCR, en partenariat avec l’Institut français. Ce festival pluridisciplinaire (musique, danse, artisanat, ateliers, gastronomie) a rassemblé plus de 20 000 visiteurs en 2023, illustrant un engagement durable dans le dialogue interculturel.

L’éducation et les échanges académiques

Les bourses d’études et les programmes d’échange académique sont des moyens puissants de soft power. Les étudiants étrangers sont exposés à la culture du pays d’accueil où ils partent faire leur cursus ; ils peuvent ainsi devenir des ambassadeurs culturels lorsqu’ils rentrent chez eux. Exemple type et particulièrement abouti, le DAAD, service allemand d’échanges universitaires, est l’un des plus puissants programmes de soft power éducatif au monde. Il finance des milliers de mobilités d’étudiants, d’enseignants et de chercheurs chaque année, dans une logique de coopération scientifique et culturelle. L’Allemagne s’affiche ainsi comme un pays ouvert, rigoureux, moderne, cultivant une image de partenaire fiable, particulièrement dans le monde universitaire.

Médias et divertissement

Les films, les séries télévisées, la musique, les jeux vidéo, mais aussi les formats courts ou les webtoons, sont aujourd’hui parmi les vecteurs les plus puissants du soft power culturel. Ils façonnent les représentations, véhiculent des styles de vie, font rayonner des langues, des esthétiques, des récits nationaux. Grâce aux plateformes de streaming comme Netflix, YouTube, Spotify ou TikTok, les contenus culturels circulent à une vitesse inédite et touchent des publics mondiaux — souvent bien au-delà des intentions initiales. La cinématographie indienne, avec ses codes visuels, ses récits mélodramatiques et son ancrage dans les mythologies locales, s’est imposée comme un pôle culturel majeur en Asie, en Afrique et au Moyen-Orient. Bollywood ne vend pas seulement des films, mais aussi une certaine image de l’Inde : festive, colorée, spirituelle, moderne et profondément enracinée dans ses traditions.

Soft power : un atout pour l’art et la culture… ou une menace ?

L’art et la culture ont toujours circulé, inspiré, ému au-delà des frontières. Mais dans un monde où l’image d’un pays constitue un levier stratégique, ils sont de plus en plus perçus comme des outils d’influence. Le soft power s’infiltre désormais dans les logiques de production culturelle. Est-ce une chance pour les artistes et les institutions ? Ou un risque d’instrumentalisation, voire de formatage ?

Un levier de rayonnement… et de soutien

Le soft power a indéniablement ouvert des portes à la création artistique. Dans certains pays, les politiques culturelles intègrent cette dimension stratégique pour mieux soutenir leurs artistes à l’international. La Turquie, par exemple, a misé massivement sur l’exportation de ses séries télévisées (« dizi »), devenues des succès populaires dans les Balkans, au Moyen-Orient, en Afrique et jusqu’en Amérique latine.
Des productions comme Diriliş: Ertuğrul, épopée néo-ottomane portée par des valeurs traditionnelles et une imagerie nationale forte, participent à façonner une image valorisante et influente de la Turquie contemporaine. Ce succès, aussi sincère soit-il sur le plan artistique, incarne une forme de soft power parfaitement orchestrée, mêlant récit national, nostalgie impériale et stratégie culturelle régionale.

En France, l’action culturelle extérieure repose sur un écosystème d’aides, de festivals, d’instituts et de subventions, qui favorise le rayonnement international d’une culture diverse et plurielle. Ce soutien permet à des cinéastes, des auteurs, des musiciens de faire entendre leur voix bien au-delà de l’espace francophone.

Quel est le prix culturel du soft power ?

Lorsque la culture devient un vecteur stratégique, elle risque de s’aligner sur des critères de visibilité, de désirabilité ou de conformité à une image souhaitée. Certains projets sont favorisés parce qu’ils « représentent bien » une esthétique ou un récit national, tandis que d’autres sont relégués car jugés trop critiques, trop dérangeants.

C’est le cas du cinéaste iranien Jafar Panahi, plusieurs fois emprisonné, censuré, puis interdit de tourner dans son propre pays. À l’international, ses films sont célébrés, primés à Berlin, Cannes ou Venise. Ils participent à l’image d’un Iran culturellement raffiné et intellectuel, tout en étant condamnés par les autorités qu’ils dérangent. Cette récupération paradoxale témoigne de la manière dont une œuvre dissidente peut renforcer le prestige culturel d’un pays malgré lui.

De façon inverse, certains artistes critiques sont progressivement neutralisés par la reconnaissance institutionnelle. C’est ce qu’a connu le musicien nigérian Fela Kuti, dont la musique radicale et militante a longtemps été rejetée par le pouvoir, avant d’être célébrée comme symbole de fierté nationale, une fois sa figure iconique stabilisée.

Les artistes, des ambassadeurs malgré eux ?

Beaucoup de créateurs ne se pensent pas comme des instruments diplomatiques. Leur œuvre naît d’une démarche intime, esthétique, politique. Mais dès qu’ils rencontrent le succès à l’international, ils deviennent, volontairement ou non, des symboles de leur culture d’origine.
C’est le cas de Studio Ghibli, au Japon, dont les films porteurs d’univers oniriques, d’écologie douce et de spiritualité subtile ont projeté dans le monde une vision apaisée, poétique et positive de la culture japonaise. À l’opposé, des figures comme Ai Weiwei (Chine), dont l’art est frontalement politique, sont érigées comme icônes de la liberté d’expression à l’étranger, alors qu’elles sont effacées de l’espace public national.

Une tension féconde ?

La relation entre soft power et création artistique est donc profondément ambivalente. Elle peut être fertile, lorsqu’elle offre aux artistes des moyens, une visibilité, une reconnaissance. Mais elle peut aussi être limitante, lorsqu’elle oriente les productions vers ce qui est « exportable », « positif », « non dérangeant ».

Pour préserver la vitalité artistique, il est essentiel de maintenir des espaces de création autonomes, à l’abri des impératifs diplomatiques ou des logiques d’image. Car le rôle profond de l’art n’est pas seulement de séduire ou de représenter : c’est aussi de troubler, de questionner, de résister — et c’est en cela qu’il reste, paradoxalement, l’un des vecteurs les plus puissants du soft power véritable.

Le soft power n’est ni bon ni mauvais en soi. C’est un outil, une stratégie, une énergie culturelle en mouvement. Reste à savoir qui l’emploie, dans quel but, et avec quelles limites. Car derrière la séduction douce se joue parfois une partie d’échecs bien plus rude.
Alors la prochaine fois que vous chantez un tube de BTS, regardez une série turque ou écoutez un auteur exilé à la radio, demandez-vous : suis-je juste un public ? Ou déjà un pion sur l’échiquier du pouvoir ?

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Je profite de l’article consacré par Dauphine à l’expo La saga des grands magasins pour me pencher un instant sur Le Bon Marché Rive Gauche. On ne présente plus le très parisien très prestigieux grand magasin qui servit de modèle à Zola pour son Bonheur des dames. Son architecture fait désormais partie du paysage de la capitale, l’endroit a su s’imposer comme une étape touristique incontournable, a fidélisé une clientèle huppée qui y fait régulièrement son shopping de luxe. Ce qui n’empêche pas l’enseigne de développer son offre. Parmi ses nombreuses prestations, une stratégie événementielle pour le moins dynamique : expositions immersives, spectacles, visites guidées thématiques. Objectifs : enrichir l’expérience client ; renforcer l’image de marque. Quitte à marcher sur les brisées du monde culturel ?

Du site de vente au parcours culturel

A l’origine de cette politique, l’équipe de création du Bon Marché, cornaquée par Frédéric Bodenes. Le directeur artistique du Bon Marché Rive Gauche joue un rôle clé dans la conception et la réalisation de ces événements. La logique est simple : métamorphoser le site de vente en parcours culturel immersif. Quitte à jouer sur plusieurs tableaux. Ainsi l’exposition Je t’aime comme un chien, prévue du 8 février à fin avril 2025 pour célébrer la place des chiens dans la société contemporaine (et qui va transformer le magasin en gigantesque parc canin) chevauche l’expo de l’artiste brésilien Ernesto Neto Le La Serpent qui se termine le 23 février.

Pas une nouveauté du reste, cela fait un bail que le BM capte l’attention avec ses expos, intégrant des œuvres souvent gigantesques dans l’enceinte du bâtiment, sous les verrières. Ai Weiwei, Joana Vasconcelos, Daniel Burren, on ne compte plus les grands noms de l’art contemporain qui ont y accroché leurs titanesques installations. Même Philippe Katerine y a eu carte rose avec son Mignonisme. « L’art fait partie de notre ADN, depuis la fondation du Bon Marché par les époux Boucicaut. C’est une évidence que le culturel et l’art prennent place dans notre Grand Magasin. Nous souhaitons qu’il devienne le prétexte « d’une agréable balade ». Un espace d’inspiration et d’échange, comme il l’a toujours été » explique Bodenes dans la Gazette du site web du BM.

Du retail expérentiel

Plus prosaïquement et parce qu’il ne faut pas oublier qu’un grand magasin à la base, c’est fait pour vendre et engranger des bénéfices (surtout quand le magasin en question appartient depuis 1984 à l’écurie LVMH, leader mondial du luxe), rappelons que cette politique événementielle poursuit plusieurs objectifs.

• Renforcer l’attractivité du magasin : En proposant des événements culturels et artistiques, le Bon Marché attire une clientèle diversifiée et curieuse.
• Créer une expérience client unique : Les expositions immersives et les spectacles offrent aux visiteurs un moment mémorable, ce qui travaille à leur fidélisation.
• Affirmer l’identité culturelle du magasin : En collaborant avec des artistes et en abordant des thématiques variées, le Bon Marché se positionne comme un acteur culturel majeur de la rive gauche parisienne.

Pas un hasard ? Le Bon Marché constitue un pilier stratégique pour LVMH en matière de retail expérientiel. Retail expérientiel ? Une approche du commerce qui va au-delà de la simple vente de produits puisqu’il s’agit d’offrir aux clients une expérience immersive et engageante. Le magasin est transformé en un lieu où l’on découvre, interagit et vit une expérience unique à travers des animations innovantes. L’objectif est de créer une connexion émotionnelle avec les clients, un lien quasi affectif, fort et durable qui permet de se différencier de la concurrence des autres magasins et du e-commerce.

Spectacles immersifs

Voilà, voilà. Cette connexion émotionnelle passe justement par un choix de thématiques et d’artistes surprenants… mais dans le bon sens. Ce n’est pas franchement là qu’on ira mettre en avant des créateurs contestataires dans l’esprit d’un Stéphane Blanquet. Le Bon Marché mise plutôt sur des sujets sociétaux actuels, des hommages culturels, tout en collaborant avec des artistes reconnus.

Il affirme ainsi son positionnement comme point de convergence entre commerce, art et culture. Et depuis quelques temps, il ajoute à son tableau de chasse artistique des spectacles. C’est d’ailleurs ce qui m’a inspiré cet article parce que le BM ne possède ni salle de théâtre ni équipements dédiés.

• J’ai plus spécifiquement tilté sur l’annonce du spectacle immersif Au Bonheur des Dames proposé en 2022 dans le cadre des nouveaux rendez-vous événementiels «Les ON et les OFF du Bon Marché » pour célébrer les 170 ans du magasin. Adapté du roman d’Émile Zola, ce parcours signé Juliette Colin invitait les spectateurs à déambuler de nuit dans les étages du Bon Marché afin de rédecouvrir l’œuvre littéraire à travers une mise en scène interactive. Certains ont adoré, d’autres moins, si l’on en croit les commentaires laissés sur Billet reduc et un peu partout sur la toile.
• Il faut cependant croire que l’expérience a convaincu la direction de remettre ça puisque deux ans plus tard, c’est le cirque qui pénètre l’enceinte du temple de la consommation made in Boucicaut. Mené bille en tête par le Cirque Le Roux, Entre Chiens et Louves met en scène neuf artistes circassiens mêlant acrobaties, danse et théâtre pour raconter à la verticale l’histoire de trois femmes à différentes époques. Cette exploration de la mémoire collective féminine fut là aussi un plein succès, le spectacle ayant joué les prolongations.

« Une vraie scène parisienne »

« La pièce « Au Bonheur des Dames » renforce notre démarche créative et appuie notre volonté de devenir une vraie scène parisienne » revendiquait Bodenes dans l’article cité plus haut. Il est sûr qu’en intégrant des spectacles vivants à sa programmation, le BM mise sur une expérience client enrichie, profitant par ailleurs de ces moments privilégiés pour mettre en lumière son patrimoine architectural et culturel de façon originale. Intégrer du théâtre dans un espace de vente, c’est effectuer en douceur et avec subtilité la fusion mentale achat/expression artistique.

Le prix des places est à ce titre parlant : 75 euros pour Au bonheur des dames, 75 euros pour les places de catégorie 1, 50 euros pour les places de catégorie 2 (au deuxième étage) pour Entre Chiens et Louves. Spectacle dont les places au sein d’un théâtre classique sont chiffrées à 23 euros. « Devenir une vraie scène parisienne » quand on n’en a pas l’équipement adéquat, c’est un pari. Surtout pour le spectateur qui va devoir débourser bonbon, largement au dessus du prix moyen de la place de spectacle partout en France. La rupture est notable, les expositions de BM étant gratuites.

Même chose en ce qui concerne les visites nocturnes du Bon Marché : 45 euros la place, bien au dessus du marché des places dexpo. S’érigeant en hub culturel, le BM ne serait-il pas en train d’ajouter une nouvelle et juteuse corde à son arc ? Car à ce stade et avec pareils tarifs, on n’est plus dans le « slow shopping » et la fidélisation émotionnelle. On est dans la mise en place d’une activité culturelle payante, dont les tarifs élevés sont justifiés par le caractère exceptionnel d’un lieu indissociable du luxe et de l’art de vivre à la française.

Le prestige de l’exclusivité ?

Je traduis : « tu veux voir un spectacle au Bon Marché ? Tu payes, et tu payes cher » pour faire partie des happy few qui auront accès à cette expérience rare. Créer du prestige et de l’aura : en attirant des artistes renommés, en proposant des performances de haut niveau, le Bon Marché affirme sa singularité … et son exclusivité. Il s’élève au rang de destination culturelle incontournable. Il n’est pas le seul du reste à suivre cette politique. Le très londonien Selfridge n’est pas en reste, El Palacio de Hierro au Mexique non plus, pour ne citer que ces exemples. Tous sont en train de tracer une nouvelle voie, une nouvelle race de grands magasins pensés comme des passeurs de culture.

Avec pour but d’initier un public non habitué ? Une exposition au Bon Marché peut effectivement inciter un visiteur à approfondir son intérêt en visitant ensuite un musée dédié. Certains musées et théâtres pourraient du reste profiter de cette dynamique en développant des partenariats avec ces enseignes : des musées pourraient prêter des œuvres pour des expositions temporaires dans des grands magasins (à condition qu’elles soient sécurisées, bien entendu) ; des compagnies théâtrales pourraient mettre en scène des performances dans ces espaces afin de capter une nouvelle audience, histoire de moderniser leur approche et d’attirer un public plus jeune.

Superbes opportunités ? A moins que cette montée en puissance dessine doucement mais sûrement les contours d’une dangereuse rivalité pour les institutions classiques, à l’heure où ces dernières souffrent de restrictions budgétaires plus que conséquentes. Je m’explique.

Privatisation et standardisation de la culture

Les grands magasins type BM disposent d’une liberté financière qui autorise cette liberté d’expérimentation que les institutions classiques n’ont plus forcément, loin s’en faut. Les groupes privés qui possèdent ces enseignes investissent massivement dans l’art et le spectacle vivant, ils ont l’argent pour ; là où musées, théâtres et festivals n’ont que peu de budget pour leur programmation et leur communication, Le Bon Marché et ses alter ego disposent de moyens considérables, en sus de leur prestige initial, pour promouvoir des événements, avec à la clé une médiatisation bien plus forte. Rien de mieux pour séduire un public jeune et urbain (en jouant par exemple sur les codes de la mode, du design et des tendances) … et tisser progressivement un nouveau rapport à la culture, une vision positionnant sans trop de scrupules le « retailtainment » dans une expérience globale qui superpose et confond acte d’achat et démarche culturelle.

Malin, non ? Mais il y a un hic. Cette privatisation de la culture en marche ne peut que s’accompagner d’une standardisation dictée par la logique marchande. On ne va certainement pas programmé les performances sanglantes d’un Ron Athey en pleine semaine du Blanc, cela ferait tache (sans jeu de mots quoique…). Contrairement aux établissements culturels qui ont une mission éducative et patrimoniale ou aux structures parallèles et underground qui expérimentent, les grands magasins sélectionnent leurs événements selon leur potentiel d’attractivité et de rentabilité. Le risque est donc d’avoir une offre culturelle plus légère, plus « instagrammable », moins exigeante intellectuellement. Les artistes et compagnies qui désireraient être programmés se verraient alors contraints d’adapter leurs œuvres aux attentes du marché, limitant la diversité et la radicalité des créations.

Les événements proposés par les grands magasins, même qualitatifs, restent intrinsèquement liés à une logique commerciale. Peut-on vraiment remplacer une exposition de musée, conçue dans une démarche de transmission, par une expo immersive qui vise avant tout à vendre des produits et une image ? C’est toute la question, que Zola du reste avait posé en d’autres termes, bien plus crus et directs, dans son roman : «On vend ce qu’on veut, lorsqu’on sait vendre ! Notre triomphe est là ».

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Impossible d’évoquer l’univers de la mode sans citer Karl Lagefeld. Énigmatique par-delà la mort, ce touche-à-tout de génie a hypnotisé les podiums des années durant, laissant dans son sillage un parfum de talent, de succès et de mystère. Rien d’étonnant donc à ce qu’on lui consacre moult biographies… et une série télévisée intitulée Becoming Karl Lagerfeld.

Survivre dans la fashion jungle

Inspiré du livre Kaiser Karl de Raphaëlle Bacqué (qui a rejoint l’équipe de scénaristes Jennifer Have et Isaure Pisani-Ferry), Becoming Karl Lagerfeld revient sur l’émergence du couturier depuis ses débuts chez Chloé jusqu’à son recrutement par Chanel. Objectif : autopsier une trajectoire pas si fulgurante que cela. Car il fallut beaucoup de patience à Karl pour devenir Lagerfeld. Beaucoup de patience, de flair, de sens des affaires et de la manipulation. Talentueux ô combien, Lagerfeld va devoir trouver sa place, tracer sa route, imposer sa vision.

Face à lui, la main mise esthétique et économique de l’empire Yves Saint Laurent, cornaqué par un Pierre Bergé retors et sans pitié, qui a la main mise sur le monde de la haute couture et compte bien en régir les règles. Tous les coups sont donc permis. Les six épisodes de la minisérie donnent à voir les efforts considérables déployés par Lagerfeld pour se frayer un chemin vers la réussite, la reconnaissance puis la célébrité, des efforts souvent doublés de ruse et de rouerie. Condition sine qua non pour survivre dans la fashion jungle d’alors.

Récit d’une lente initiation

Becoming Karl Lagerfeld porte bien son titre ; il s’agit de raconter une lente initiation, une adaptation complexe, ponctuée d’entreprises, réussies ou avortées, autant de coups de communication orchestrés avec brio souvent, décevants parfois, pédagogiques à coup sûr. Si l’on voit Lagerfeld en train de créer, dessinant modèle sur modèle, organisant les défilés, habillant les modèles, on l’observe surtout en train d’expliquer, de négocier, de convaincre. Et d’apprendre. De tirer des enseignements de ces échecs qu’il s’efforce de transformer en victoires.

Malgré une fortune familiale conséquente qui le met à l’abri du besoin, l’appui d’une mère aimante bien que sévère, Lagerfeld galère. Souvent. S’entête. Toujours. S’impose au final. Élégant, racé, détaché, lisse en apparence, fortement secoué au tréfonds de son être par les coups du sort. Pour incarner ce personnage hors normes, Daniel Brühl. Exceptionnel. Un choix parfait pour une interprétation au scalpel, nuancée, précise, et qui jamais ne sombre dans le grotesque ni le ridicule, encore moins l’invraisemblable. L’acteur allemand propose une prestation d’une justesse sidérante.

Jacques de Bascher et Yves Saint Laurent

Et cela sert grandement la série, jusque dans l’évocation d’une vie privée qui demeure à ce jour une énigme. La relation avec Jacques de Bascher continue d’interpeler. Amour platonique ? Jeu de domination ? Becoming Karl Lagerfeld laisse sous-entendre que le couturier eut un regard ambigu sur ce protégé qu’il adore, qu’il pousse à évoluer, mais que dans l’ombre, il jalouse. Jacques de Bascher apparaît ici fragile et autodestructeur, déstabilisé par une passion qui demeure de l’ordre du sentiment. Théodore Pellerin prête sa grâce, sa nonchalance, sa finesse au personnage, crevant littéralement l’écran à chacune de ses scènes.

Idem pour Arnaud Valois, Yves Saint Laurent dépravé et explosif, qui poursuit Bascher de ses assiduités, qui envie la rigueur prolifique de Lagerfeld, ancien ami devenu rival. Alex Lutz plante un Pierre Bergé féroce, qui est prêt à tout pour protéger son génial amant et la maison de couture qu’ils ont créé ensemble. Tâche complexe menacée par un Lagerfeld qui doucement, mais sûrement déploie son génie, prend son envol, gagne en puissance et en visibilité.

Un monstre sacré en devenir

Sens du look et de la performance, mise en scène de son identité, Lagerfeld apparaît ici comme un monstre sacré en devenir, qui manipule le style et l’élégance comme les esprits et les attirances. Le travail de reconstitution des créations et des tenues, le souci apporté aux costumes, aux gestes, aux dialogues, la volonté de recréer l’atmosphère toute particulière des années 70/80 qui ont contribué à l’émergence de ce mythe, tout dans Becoming Karl Lagerfeld participe à en faire une série de qualité, juste dans sa vision d’une carrière, d’une époque, d’un milieu.

Et sans faire l’économie des sentiments. Car Lagerfeld eut aussi une vie affective, avec ses joies et ses chagrins : la perte de la mère, l’amour qu’on ne peut pleinement vivre. Tout cela est évoqué avec beaucoup de pudeur, y compris la soif absolue de reconnaissance, le besoin quasi organique d’imposer une conception du vêtement et de la mode qui allait se révéler visionnaire et durable, car ancrée dans le vivant.

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