Il y a des artistes dont on comprend immédiatement, dès les premières images, qu’elles n’appartiennent à aucune école, aucun mouvement, aucune géographie fixe. Romero Pasin est de celles-là. Hispano-argentine, formée au théâtre, rodée au cirque, installée au Canada, elle pratique le collage comme d’autres écrivent des journaux intimes : pour assembler ce qui n’aurait jamais dû se retrouver ensemble, et laisser la rencontre faire sens.

Un itinéraire en forme de carte du monde

Née en Argentine, Romero Pasin grandit au Mexique, en Colombie et en Suisse — une enfance déjà nomade qui façonne un regard naturellement pluriel. À quinze ans, c’est le théâtre qui la saisit. Elle y consacre ses vingt ans en Espagne, où elle produit, dirige et écrit plusieurs pièces avec sa propre compagnie. Puis vient le cirque itinérant — des années à confectionner et réparer costumes, accessoires et décors de scène, à naviguer entre les rôles de conteuse, de clown-habilleuse, de médecin des marionnettes, toujours les mains dans la peinture et les poches pleines d’outils.

Ce parcours en zigzag, elle en fait la matière première de son art. Car c’est dans cette longue fréquentation des constructeurs de décors, des peintres, des costumiers, que se constitue une pratique artistique qui refuse catégoriquement les frontières entre disciplines. Pasin se définit elle-même comme une artiste en médiums mixtes qui n’est pas entièrement autodidacte — la nuance est précieuse, et rare.

La magie du quotidien comme programme esthétique

Ce que cherche Romero Pasin dans son atelier canadien, c’est quelque chose d’aussi simple et d’aussi insaisissable que la magie dans l’ordinaire. Ses matériaux de prédilection : des objets anciens, des images vintage, des souvenirs, des photographies trouvées, des pellicules périmées. Tout ce que le temps a rendu légèrement irréel, tout ce qui porte en soi une histoire à moitié effacée.

Son processus créatif a quelque chose de méditatif. Elle commence avec une idée, puis se perd volontairement, se détache du mental pour laisser l’intuition prendre la main. Ce qu’elle décrit ressemble au jeu du Cadavre Exquis cher aux surréalistes : des fragments déconnectés qu’on assemble jusqu’à ce qu’ils trouvent un nouveau sens et racontent une nouvelle histoire. Ce n’est pas de l’improvisation, c’est de la confiance.

Collages, poupées, numérique : un vocabulaire à trois voix

Son œuvre se déploie en trois registres distincts, chacun habité par la même sensibilité. Les collages d’abord : des assemblages d’images anciennes aux compositions délicatement surréalistes, où une silhouette victorienne côtoie un élément botanique ou une texture de papier vieilli. Les titres — The Games We Used to Play, The One Who Followed His Heart, Little Healers — donnent le ton : narratif, poétique, légèrement énigmatique.

Les art dolls ensuite : des poupées d’artiste confectionnées à la main, qui prolongent directement son expérience de costumière et de créatrice de scène. Chaque pièce est unique, habitée, avec ce quelque chose d’inquiétant et de tendre propre aux objets qui semblent avoir une vie intérieure.

Le numérique enfin : une série de compositions — The Bath, Fauna, Don’t Forget to Look Behind, Together, Sailing into the Wind — qui transportent l’esthétique du collage physique dans un espace dématérialisé sans rien perdre de la poésie de l’analogique.

Une présence internationale croissante

Depuis 2020, Romero Pasin expose régulièrement dans des cadres collectifs qui confirment l’ancrage de sa pratique au coeur de réseaux d’art indépendants et alternatifs. Outsider Art Magazine lui consacre une place en 2020. Elle participe à des expositions collectives organisées par Québec Collage, par la galerie Start à Varsovie, par Vayo Collage Gallery à Rochester (New York). En 2024, son travail est projeté dans le cadre d’une exposition virtuelle et physique à la Holy Art Gallery de Londres. En avril 2025, elle expose au sein du collectif Éveil d’avril à la Galerie Ambigu de Montréal. La même année, Assembla Magazine — publication dédiée à l’art du collage — lui consacre une place dans son numéro inaugural.

Elle a également signé la pochette d’album pour Carmine Ioanna Music Company en 2021, et participé à l’exposition El privilegio de vivir, organisée par le collectif Mujeres que cortan y pegan dans le cadre du festival de poésie NUDO à Barcelone — une belle métaphore pour une artiste qui découpe, assemble et noue des récits depuis des continents et des matières.

Son travail est à découvrir sur romeropasin.com et sur Instagram @romero_pasin.

Cet article A l’avant garde : Romero Pasin, collagiste, nomade et conteuse de l’invisible est apparu en premier sur The ARTchemists.

Certains mouvements culturels sont difficiles à cerner. Le New Romantic est de ceux-là. On visualise de Duran Duran et ses chemises à jabot, Adam Ant et ses peintures de guerre… mais encore ? Une vague impression de superficialité kitsch balayée avec délectation par les années 90 grunge ? Ce serait réducteur. Le New Romantic n’était pas ni kitsch ni superficiel. Délibérément il a fait du vêtement, de la coiffure, des mélodies synthétiques un manifeste qui tranchait avec ce qui existait avant. C’était une réponse — lucide, furieuse et flamboyante — à une Angleterre en train de se faire démolir méthodiquement. Ainsi le New Romantic a produit une des esthétiques les plus cohérentes, les plus influentes et les plus copiées de la seconde moitié du XXe siècle. Explications.

Le punk est mort. Vive le New Romantic.

Pour comprendre le New Romantic, il faut comprendre ce qu’il n’est pas — ou plutôt ce dont il est la suite directe. Le punk britannique explose en 1976-1977. Les Sex Pistols, The Clash, Siouxsie and the Banshees, The Damned, tout ce petit monde dynamite les hiérarchies musicales, crache sur l’establishment avec une précision chirurgicale. Et puis ça s’essouffle. La bombe a explosé, laissant un gros cratère où germe une vie nouvelle. En 1978-1979, ce que Jon Savage a documenté dans England’s Dreaming comme la phase post-punk voit émerger une question fondamentale dans les caves et les squats de Londres et Birmingham : maintenant qu’on a tout cassé, qu’est-ce qu’on fait ? La réponse punk originelle – rien – ne suffit plus. Il faut construire quelque chose.

Ce quelque chose, une poignée de gamins décident que ce sera de la beauté. Pas la beauté classique, bourgeoise, celle qu’on vous enseigne dans les musées et les salons. Une beauté fabriquée, excessive, agressive dans sa splendeur — une beauté qui hurle « je suis là, je compte, vous ne pouvez pas faire comme si je n’existais pas ». Le mouvement qui va naître de cette impulsion s’appellera New Romantic. Ce nom émerge progressivement d’abord sous la houlette de Rusty Egan et Steve Strange à Londres, au sein du club The Rum Runner à Birmingham où les futurs membres de Duran Duran passent leurs nuits. Un article du journaliste musical Robert Elms publié dans The Face en 1980, officialise la chose.

Le style vestimentaire : un collage délibéré et érudit

Le New Romantic a une esthétique immédiatement reconnaissable — et c’est voulu. Dans un mouvement où l’apparence est un acte politique, être reconnaissable, c’est affirmer son existence. Les références visuelles sont un collage délibéré et érudit :

• l’époque romantique du XIXe siècle, celle de Byron et Shelley — d’où le nom — pour les cols en dentelle, les jabots, les redingotes ;
• la période Régence et son goût pour l’excès décoratif ;
• la figure mélancolique et poudreuse du Pierrot ;
• Bowie période Ziggy Stardust et Aladdin Sane.

Androgynie assumée, maquillage/armure, identité comme construction volontaire : les Blitz Kids fréquentent le Victoria and Albert Museum, feuilletent des livres d’histoire du costume, scrutent les portraits de Reynolds et Gainsborough … et se demandent comment transposer tout ça en 1980 avec un budget anorexique et de vieilles machines à coudre.

Résultat de l’opération : des vêtements faits à la main, souvent à partir de matériaux récupérés — rideaux de velours transformés en manteaux, uniformes militaires de surplus décousus et recousus autrement, kilts portés avec des boots de moto, tutus superposés sur des pantalons de ville. Le maquillage est élaboré, jamais genré, les garçons se maquillent autant sinon plus que les filles. La coiffure est sculpturale, crêpée, laquée, rasée sur les côtés, teinte en noir de jais ou en platine.

Ted Polhemus, dans Street Style : From Sidewalk to Catwalk a consacré au New Romantic plusieurs des analyses les plus précises qu’on ait sur le phénomène. Il y pointe quelque chose d’essentiel : contrairement au punk qui déconstruisait les vêtements existants en les lacérant et les épinglant, le New Romantic les reconstruisait. C’est une différence philosophique fondamentale. L’un détruisait. L’autre créait. Même urgence, même colère de fond, geste inverse.

La bande-son : Kraftwerk passé à travers un miroir brisé

Le New Romantic développe une sonorité aussi précise et précieuse que son esthétique visuelle. une esthétique mélodique biberonnée aux synthétiseurs disponibles en ce tournant des années 1980.

Les influences sont documentées et assumées. Kraftwerk en tête — Trans-Europe Express (1977) et The Man-Machine (1978) sont des disques que tout le monde dans ce milieu connaît sur le bout des doigts. Mais l’électronique polaire, mécanique, désincarnée des Allemands, le New Romantic va la réchauffer, la dramatiser, l’envelopper dans des arrangements qui empruntent autant à la soul de Philly qu’au cabaret de Weimar. Le cocktail engendre une musique synthétique saturée d’émotions.

Gary Numan sort The Pleasure Principle en 1979 avec « Cars » comme single entre synthés omniprésents et esthétique androïde froide. C’est le précurseur direct, la charnière entre le post-punk et ce qui va suivre. Visage sort « Fade to Grey » en 1980 : le titre commence par une voix en français — « nous ne sommes pas des héros » — et part dans une spirale de synthés qui ne ressemble à rien d’autre. Spandau Ballet publie « Journeys to Glory » en 1981, Duran Duran sort son premier album la même année. En dix-huit mois, un son cohérent et reconnaissable s’est installé dans les charts.

Simon Reynolds, dans Rip It Up and Start Again : Postpunk 1978-1984, insiste sur un point que la vulgate historique omet souvent : ces musiciens étaient techniquement sérieux et formés. Ils comprenaient leurs machines, ils expérimentaient, ils n’improvisaient pas l’électronique, ils la maîtrisaient. Steve Strange avait une culture musicale pointue. Midge Ure, avant Visage et Ultravox, avait joué dans Thin Lizzy. Ces gens savaient ce qu’ils faisaient.

Les figures : qui a fait quoi, qui était qui

Le New Romantic n’a pas de leader, de figure de proue. C’est peut-être la raison de sa longévité. Il a des figures, des pôles, des artistes qui en incarnent des facettes différentes.

• Steve Strange (1959-2015) en est l’architecte social. C’est lui qui, avec Rusty Egan, crée les soirées Bowie Night au Billy’s puis au Blitz. C’est lui qui tient le cloakroom, sélectionne ou refuse à la porte, définit par ce geste quotidien ce que le mouvement est et n’est pas. Son groupe Visage produit quelques-uns des objets sonores les plus parfaits du genre — « Fade to Grey » reste inégalé. Il mourra d’une crise cardiaque à cinquante-cinq ans, seul dans une chambre d’hôtel en Égypte, après des années de galères et d’addictions. Sa trajectoire est le revers du mythe glamour.
• Boy George — George O’Dowd — est la figure la plus médiatisée du mouvement, et de loin. Avec Culture Club, il porte le New Romantic dans les foyers du monde entier à partir de 1982. « Do You Really Want to Hurt Me », « Karma Chameleon » : des hits construits sur le malentendu calculé — une voix soul somptueuse, une androgynie totale, un discours sur l’identité qui n’a pas besoin de se formuler parce qu’il est littéralement incarné. Son autobiographie Take It Like a Man demeure un des témoignages les plus honnêtes sur cette époque.
• Duran Duran — Simon Le Bon, Nick Rhodes, John et Andy Taylor, Roger Taylor — sont le versant pop et commercial du mouvement, et ils l’assument. Depuis le Rum Runner de Birmingham, pas Londres, ils vont s’emparer de cette esthétique, en saisir le potentiel visuel et produire des clips conçus comme des oeuvres d’art à part entière. Précieuse anticipation alors que MTV émerge. Rio (1982) est un disque parfait.
• Adam Ant — Stuart Goddard au civil — précède le mouvement, le traverse, le dépasse. Son passage du post-punk glam avec Adam and the Ants à l’esthétique New Romantic tribale et guerrière — peintures de guerre, uniformes napoléoniens, rythmes Burundi superposés à des guitares punk — produit quelque chose d’unique. Malcolm McLaren, qui avait géré les Sex Pistols, lui vole ses musiciens en 1980 pour former Bow Wow Wow et lui recommande en échange de lire quelques livres d’ethnomusicologie. Adam Ant en tirera « Antmusic » (1980) et « Prince Charming » (1981) — deux des singles les plus fous de la décennie.

D’autres figures moins connues ont autant compté : Leigh Bowery, dont les tenues au Taboo club de Londres dans les années 1985-1994 ont poussé l’expérimentation corporelle et vestimentaire à des endroits que la mode mainstream n’avait pas imaginés — il deviendra le modèle favori de Lucian Freud. Marilyn, dont l’androgynie frontale a ouvert des voies que Boy George a ensuite rendues populaires. Philip Sallon, impresario et clubber qui a servi de point de connexion entre des mondes qui ne se parlaient pas.

La mode : quand la rue a précédé les podiums

Le New Romantic est un des rares mouvements de rue qui a précédé la mode institutionnelle plutôt que de la suivre (mode institutionnelle qui s’est ensuite jetée dessus avec une avidité qui en dit long sur la direction des influences).

Vivienne Westwood fait le lien entre les deux mondes. Elle avait habillé le punk depuis la boutique Sex sur King’s Road avec Malcolm McLaren, les t-shirts déchirés et les épingles à nourrice. Quand le New Romantic émerge, elle pivote avec une fluidité qui n’appartient qu’aux grandes. Sa collection Pirate de l’automne-hiver 1981 — le premier défilé hors de la Fashion Week officielle, dans une petite salle à Covent Garden — est directement nourrie par ce qu’elle voit dans les clubs : les vêtements construits, les références historiques assumées, le refus de la mode consensuelle. Si elle n’a pas inventé l’esthétique New Romantic, elle l’institutionnalise avec le génie qu’i lui est propre.’on lui connaît.

Dans la même mouvance, des designers sortis du Royal College of Art et de Saint Martins commencent à attirer l’attention : John Galliano diplômé de Saint Martins en 1984, développe une collection intitulée Les Incroyables, directement inspirée des dandys post-révolutionnaires français. Ce que la génération du Blitz portait dans les clubs du West End se retrouve sur les podiums trois ou quatre ans plus tard.

MTV et la mort du mouvement : quand le marché arrive

La chaîne MTV voit le jour en août 1981. Tout bascule alors pour le New Romantic — pour le meilleur et pour le pire.

Le mouvement était visuellement en avance sur l’ensemble du monde musical. Une esthétique aussi travaillée, aussi cohérente, aussi immédiatement traduisible en images, c’était exactement ce dont une chaîne qui ne diffuse que des clips avait besoin. Duran Duran, Culture Club, Spandau Ballet deviennent des stars mondiales en quelques mois. Le New Romantic traverse l’Atlantique à la vitesse d’un cheval au galop, initiant ce que la presse américaine baptisera la « Second British Invasion », après celle des Beatles et des Rolling Stones vingt ans plus tôt.

Malheureusement, cette mondialisation commerciale à marche forcée va diluer ce qui faisait la force du mouvement. Muée en produit exportable, l’esthétique New Romantic perd sa charge politique. Les jabots et les synthés envahissent les publicités, les shows télévisés, les imitations pullulent expurgés de l’intention d’origine. Le trendy efface ce que des gamins avaient fabriqué à la main dans des squats de Pimlico pour survivre à Thatcher.

Vers 1984-1985, le mouvement se fragmente. Certains basculent vers un funk électronique plus accessible — Duran Duran, Wham!. D’autres vont vers une électronique plus sombre qui préfigure l’industrial et le goth — Soft Cell, The The, certains titres de Siouxsie. D’autres encore disparaissent. Prophétique, le Blitz ferme ses portes dès 1980, annonçant la fin du cycle.

L’héritage : ce qu’on n’a pas fini de lui devoir

Quarante ans après, l’héritage du New Romantic est pourtant partout, sans que personne le sache.

La reconnaissance de l’identité gender fluid dans la mode et la culture pop mainstream — de Bowie à Prince en passant par Harry Styles, Lil Nas X ou Billy Porter — doit beaucoup à ces kids qui se maquillaient dans des clubs de Soho en 1980, quitte à se faire traiter de tous les noms.

L’idée que le clip est une oeuvre artistique à part entière est en grande partie liée à l’esthétique New Romantic. Les réalisateurs de l’époque, Russell Mulcahy ou David Mallet ont constitué un vocabulaire visuel — surexposition, théâtralité, décors non réalistes, qui va servir de fondation pour ce genre de contenu

Plus que tout, le New romnatic a démontré que la créativité n’a pas besoin de moyens pour être radicale. Des gosses sans argent coincés dans une Angleterre en récession ont su façonner une esthétique qui va influencer la mode, la musique, la culture visuelle mondiale pendant des décennies. Coudre sa veste à la main un samedi soir pour aller frimer dans un club est un acte politique autant qu’un acte artistique.

C’est peut-être ça, la leçon la plus dure à avaler pour ceux qui réduisent le New Romantic à des coiffures improbables et des synthés datés. Ce mouvement a prouvé que l’époque la plus hostile est parfois celle qui produit la culture la plus vivante. Thatcher voulait une Angleterre grise et productive. Elle a eu « Fade to Grey » et les jabots de Spandau Ballet. Ce n’est que justice.

Cet article New Romantic : le mouvement qui a habillé une décennie à coups de mascara et de synthés est apparu en premier sur The ARTchemists.

Associer collage et broderie est toujours affaire délicate. À ce jeu tout en nuances et subtilités, Marjolein Burbank est passée maîtresse, s’imposant comme une référence du genre. Son univers ? Entre merveilleux, féminisme et critique sociale, il joue sur la finesse, la transparence, la poésie. une artiste textile néerlandaise dont le travail explore des thèmes tels que le féminisme, le genre et la discrimination. elle se décrit comme une conteuse, utilisant ses œuvres pour aborder des questions sociétales contemporaines.

Expériences multiculturelles

Née en 1957 à Eindhoven, Marjolein Burbank est thérapeute de formation. Elle s’est tournée progressivement vers l’art textile, comme une passion, au fil de ses voyages. Au côté d’un époux contraint à l’expatriation de par ses occupations professionnelles, elle a vécu dans divers pays, dont le Panama, le Pérou, la Bolivie, l’Autriche et la Thaïlande.

Elle a rapporté de chacun de ces séjours, une vision enrichie du monde, une perspective artistique élargie. Ces expériences multiculturelles ont enrichi sa perspective artistique, l’incitant à développer son propre style. Initialement adepte du patchwork, elle va profiter de ses séjours en Asie pour développer des œuvres plus personnelles.

Des inspirations sans limite

Au cœur de sa créativité, on trouve un savant mélange de textiles, de photographies vintage, de vieux textes imprimés auxquels elle associe divers matériaux susceptibles d’être cousus : clés, feuilles mortes, éclats de céramique… Ses inspirations sont sans limite, ses créations variées.

Elle évolue de la surface plane à la sculpture au gré de ses humeurs, de ses rêveries. Les matériaux se superposent, légers ou épais, papier glacé ou carton, autant de couches de sens à décrypter pour le regard du spectateur.

Une oeuvre comme un conte

Les textes jouent un rôle central dans ce processus : actualités, faits historiques, lettres, notes personnelles. Avec comme fil directeur (souvent de couleur rouge) la question de la place de la femme dans notre société.

Ainsi dans la série « Under/Over Wear », Burbank recycle de vieux sous-vêtements sur lesquels elle brode des messages tels que « WE ALL BLEED THE SAME ». Une artiste engagée ? Burbank se considère comme telle, usant des mécanismes de l’apologue et du conte pour secouer les consciences, enclencher la réflexion.

Elle a exposé ses travaux dans divers pays, continue de présenter ses créations aux Pays-Bas. Prolixe, elle créée en continu, des pièces tout en discrétion, qu’il faut observer un temps pour en savourer la composition, la pertinence, la justesse.

Pour en savoir plus sur l’univers de Marjolein Burbank, consultez son site web ainsi que son compte Instagram.

Cet article A l’avant garde : Marjolein Burbank est apparu en premier sur The ARTchemists.

Dans l’univers délicieusement piquant de l’art urbain, Petite Poissone s’impose comme un éclat de spontanéité poétique. Derrière ce pseudonyme aquatique se cache une créatrice dont l’âme joueuse et la plume incisive transforment les rues en recueils poétiques à ciel ouvert.

L’absurde et le sublime

De ses premières années, l’artiste grenobloise conserve une passion pour le dessin et l’écriture, une obsession douce-amère pour la création sous toutes ses formes. En 2011, ses premières interventions urbaines prennent vie : des phrases tendres ou ironiques, délicatement typographiées, qu’elle sème sur les murs comme des épigrammes destinées à surprendre, parfois à déranger.

Les œuvres de Petite Poissone portent en elles une force singulière. Ses sentences transfigurent l’anonymat du béton en un support littéraire. Elle choisit ses surfaces avec une précision quasi-scientifique, accordant autant d’importance à l’esthétique du lieu qu’au message lui-même. Sa calligraphie soignée fait écho à une démarche où chaque mot est une étincelle, chaque phrase une interrogation. L’absurde flirte alors avec le sublime.

Bousculer les conventions

Son travail n’hésite pas à bousculer les conventions. Petite Poissone aborde des sujets tels que le féminisme, les désillusions amoureuses, les absurdités de notre société. Elle se plaît à égratigner la surface des apparences : sous le vernis des mots, l’authenticité d’un message peut déranger, éveiller, tout simplement faire sourire. Ses créations, marquées d’un humour incisif, interpellent le passant, soudain complice d’une réflexion aussi personnelle qu’universelle.

En parallèle de ses collages urbains, Petite Poissone explore les supports anciens, chinés ici et là : photographies oubliées, cartes postales surannées. Elle y juxtapose des mots de notre temps, créant un contraste audacieux entre passé et présent. Ce choix de l’anachronisme, tel un écho à l’impermanence des époques, résonne avec une grâce intemporelle. Chaque collage, chaque pochoir est ainsi une invitation à une contemplation fragile et fugace, un instant suspendu entre mémoire et modernité.

Avec une légèreté étudiée et une audace parfaitement dosée, Petite Poissone réinvente l’art de rue. Ses œuvres, mélange de fragilité et de provocation, s’imposent en silence, rappelant que la beauté réside souvent dans les détails, et que le monde n’est qu’un vaste poème en quête de vers inachevés.

Pour en savoir plus, consultez le site de Petite Poissone ainsi que son compte Instagram.

Cet article À l’avant-garde : Petite Poissone est apparu en premier sur The ARTchemists.

Nous en parlons régulièrement dans nos articles : le dark art. Cet « art sombre », désigne un mouvement artistique qui explore des thématiques liées à l’obscurité, à la mort, à la peur, au surnaturel et à l’inconnu. Il s’inscrit dans une longue tradition d’art macabre et fantastique, mais adopte une approche contemporaine en s’emparant de nouveaux supports et de techniques modernes. Cette forme d’art n’hésite pas à briser les tabous pour explorer les aspects les plus troublants de l’existence humaine, alliant esthétisme et angoisse.

Dark art, d’hier à aujourd’hui

L’inspiration du dark art peut être retracée jusqu’à des mouvements anciens comme l’art gothique du Moyen Âge, où les représentations de la mort et des damnés étaient omniprésentes dans l’architecture, la peinture et la sculpture. L’art macabre se développe également à travers les vanités de la Renaissance : la fugacité de la vie et la présence omniprésente de la mort y sont mises en scène à travers des crânes, des sabliers, des bougies vacillantes.

Plus récemment, le dark art puise son énergie dans le surréalisme et le symbolisme, des mouvements qui se sont également penchés sur l’inconscient, les rêves et les cauchemars. Les œuvres de Goya, avec ses gravures des Caprices et sa série Les Désastres de la guerre, posent les bases de ce dialogue artistique avec l’horreur et la condition humaine.

Le dark art contemporain émerge dans les années 1980 et 1990, en parallèle à des sous-cultures comme le gothique, l’industriel et le punk. Des artistes comme H.R. Giger (connu pour ses conceptions biomécaniques dans le film Alien) ont permis de populariser cet univers dans la culture populaire.

Dark art : thématiques des ténèbres

Le dark art se caractérise par des thématiques profondément ancrées dans l’exploration des aspects sombres de l’humanité et de la vie. Parmi les thèmes récurrents, on retrouve :

• La mort et la finitude : Le trépas est omniprésente dans le dark art. L’art funéraire, les squelettes, les crânes, les corps décharnés sont des représentations classiques qui interrogent la fugacité de la vie et la permanence de la mort.
• L’angoisse et la folie : De nombreux artistes explorent les thèmes de la démence et de la psyché humaine. Le dark art met souvent en scène des visages tourmentés, des figures en proie à des cauchemars et des visions déformées de la réalité.
• Les créatures fantastiques : Des monstres mythiques aux créatures inventées par l’artiste, les figures surnaturelles et fantastiques tiennent une place de choix dans le dark art, exprimant souvent les peurs et les angoisses collectives.
• Le sacré et le profane : Nombreux sont les artistes qui jouent avec les symboles religieux pour interroger les frontières entre le bien et le mal, le sacré et le blasphème.

Les supports et techniques du dark art

Le dark art s’exprime à travers une diversité de supports. Bien qu’il soit souvent associé à des formes traditionnelles telles que la peinture et la sculpture, il se manifeste également dans des médiums contemporains.

• La peinture et le dessin : Ce sont les techniques les plus utilisées dans le dark art. Les artistes travaillent souvent sur des toiles sombres avec des contrastes saisissants, utilisant des palettes de couleurs sombres, avec une forte prédominance du noir, du rouge et du gris.
• Les installations : Certaines œuvres de dark art prennent la forme d’installations immersives où le spectateur est confronté à des environnements angoissants et dérangeants, où les objets du quotidien sont transformés en éléments perturbants.
• La photographie : Les artistes de la photographie dark créent des scènes quasi théâtrales où la lumière et l’obscurité s’entrelacent pour révéler la beauté dans la déchéance. Les photos sont souvent mises en scène avec des modèles, des accessoires et des décors gothiques.
• Le numérique et l’intelligence artificielle : De plus en plus, le dark art s’approprie les technologies modernes, avec des artistes comme Valesia Obscura, qui utilisent l’intelligence artificielle pour créer des vidéos sombres, mêlant imagerie digitale et univers fantastiques.

Dark art : esthétique de la distorsion

Le dark art obéit à des codes visuels spécifiques qui définissent une esthétique fondée sur la distorsion des formes, des êtres et des âmes.

• Symbolisme : Les crânes, les corbeaux, les bougies, les miroirs et les poupées sont des symboles récurrents dans le dark art, utilisés pour représenter la fragilité de la vie, le passage du temps, et la vanité des ambitions humaines. Ces éléments s’entrelacent souvent avec d’autres symboles plus subtils comme les sabliers, les squelettes ou les masques, chacun chargé de significations profondes. L’artiste manipule ces objets pour évoquer des thèmes universels tels que la mort, la mémoire et l’éphémère, tout en invitant le spectateur à une réflexion plus introspective.
• Surréalisme macabre : Les artistes de dark art utilisent des images issues de rêves ou de cauchemars, où les scènes sont souvent déconnectées de la réalité, créant des distorsions mentales et émotionnelles. Cela inclut la juxtaposition de créatures hybrides, de paysages surréalistes et de scènes oniriques.
• Textures organiques et matières brutes : L’utilisation de textures rugueuses, de matières brutes comme le bois ou la toile brute, et de teintes terreuses peut renforcer le sentiment d’inconfort, d’abandon ou de pourriture dans l’œuvre. Les œuvres de dark art peuvent également inclure des éléments naturels en décomposition (os, feuilles mortes, chair) pour renforcer ce lien avec la mortalité.
• Contraste extrême et saturation réduite : En jouant sur un fort contraste, souvent entre les noirs profonds et les teintes pâles, les artistes accentuent le dramatique. Une palette de couleurs délavées ou monochromatiques, avec des tons sombres et des nuances de gris, est aussi couramment utilisée pour susciter un sentiment de mélancolie et de désespoir.
• Clair-obscur : L’utilisation du clair-obscur permet de créer une atmosphère dramatique et envoûtante. L’artiste accentue les zones de lumière pour faire ressortir des détails précis, tout en plongeant d’autres parties dans l’obscurité, laissant planer une incertitude inquiétante. Ce jeu subtil avec la lumière et les ombres renforce le caractère mystérieux et souvent angoissant des œuvres.
• Fragmentation du corps humain : Les œuvres de dark art fragmentent souvent le corps humain, le disloquant ou le réduisant à ses parties les plus dérangeantes. Des crânes, des organes ou des figures humaines mutilées et démembrées deviennent des métaphores de la fragilité de l’existence.
• Usage de la lumière artificielle : En jouant avec la lumière artificielle, souvent froide et clinique, les artistes du dark art créent une atmosphère angoissante. L’éclairage peut provenir de sources improbables ou non naturelles, comme des néons ou des projecteurs, ajoutant une touche de modernité et d’étrangeté.
• Distorsion spatiale : Le dark art aime jouer avec la perspective et l’espace pour désorienter le spectateur. Les architectures tordues, les espaces infinis ou impossibles, et les horizons distants créent un sentiment de vertige et de désespoir.
• Collage et techniques mixtes : L’utilisation du collage, en combinant des images issues de différents médias ou réalités, permet de créer des œuvres fragmentaires qui brouillent les frontières entre rêve et cauchemar. L’artiste peut aussi superposer divers matériaux pour ajouter de la texture et de la profondeur.

Le dark art est ses ambassadeurs

• Hieronymus Bosch : Même s’il est un peintre de la Renaissance, Bosch est souvent considéré comme un précurseur du dark art. Ses scènes infernales et ses représentations grotesques des tourments humains dans des œuvres comme Le Jardin des délices continuent d’inspirer les artistes contemporains.
• Francisco Goya : Bien que souvent classé parmi les grands maîtres classiques, son travail dans les Caprices et Les Désastres de la guerre représente l’un des premiers exemples d’un art profondément ancré dans l’angoisse et la noirceur humaine.
• H.R. Giger : Cet artiste suisse est une figure incontournable du dark art, notamment grâce à ses créations biomécaniques qui fusionnent le corps humain avec la machine. Son esthétique a largement influencé le cinéma et la culture populaire.
• Zdzisław Beksiński : Peintre et photographe polonais, Beksiński est connu pour ses paysages dystopiques et ses représentations de corps torturés. Ses œuvres évoquent des mondes post-apocalyptiques où règne une atmosphère de désespoir.
• Mark Ryden : Connu pour son style appelé « surréalisme pop », Mark Ryden mélange l’innocence enfantine à des éléments sombres et macabres, créant des images à la fois dérangeantes et captivantes. Son travail explore des thèmes comme la mort, le rêve, et la dualité entre pureté et corruption.
• David Stoupakis : Artiste américain, David Stoupakis est célèbre pour ses peintures gothiques et sombres. Son style distinct combine l’art surréaliste et fantastique avec des scènes mélancoliques et mystiques, souvent peuplées d’enfants aux airs perdus.
• Chet Zar : Cet artiste californien a commencé sa carrière dans les effets spéciaux avant de se consacrer à la peinture. Les œuvres de Chet Zar, souvent qualifiées de dark surrealism, représentent des créatures grotesques et déformées, avec une ambiance à la fois macabre et fantastique.
• Alex Pardee : Illustrateur et peintre, Alex Pardee se spécialise dans des représentations monstrueuses et colorées. Ses œuvres marient une esthétique cartoon à des éléments horrifiques, créant une fusion entre l’univers enfantin et l’épouvante.
• Mab Graves : Artiste américaine influencée par le pop surréalisme, Mab Graves crée des œuvres qui oscillent entre l’adorable et le dérangeant. Ses peintures montrent souvent des enfants dans des environnements mystérieux, explorant des thèmes de la mort et de la solitude.
• Saturno Buttò : Le peintre italien combine iconographie religieuse et érotisme sombre. Saturno Buttò réalise des portraits qui confrontent des thèmes tels que la foi, la souffrance, et le sacré, avec une touche subversive et provocante.

Mouvement artistique fascinant s’il en est, le dark art allie tradition et modernité, puissant véhicule explorant l’inconnu. Nous confronter à la peur, cultiver la beauté du laid : à une époque où la technologie et l’intelligence artificielle redéfinissent les frontières de la création, le dark art continue de repousser les limites du possible tout en restant fidèle à ses racines macabres.

Cet article Dark art : exploration du macabre créatif est apparu en premier sur The ARTchemists.

Bon on va la faire courte : au détour d’une petite virée sur Inta, je suis tombée sur une petite perle punko-nippone, j’ai nommé AKaikurage !

Power trio à la japonaise

Une gratte ravageuse, une basse millimétrée, une batterie animée par l’esprit du taiko, et la voix égrillarde de la chanteuse (antithèse du chant guttural métal, mais tout aussi secouant en termes de sensation auditive), petite poupée insupportable qui allie la mignonnitude de Candy et le côté ravageur du fantôme de Ring : le power trio Akaikurage fonctionne du tonnerre de Zeus, pour secouer les méninges d’un public qui en redemande.

Les compères ont pris le temps de rôder la formule spécifique à leur rock garage mâtiné de punk. La rencontre a lieu en 2014 ; à l’origine, Natsuo (la chanteuse guitariste) et Matsuna (le bassiste) voulaient faire du théâtre ou de la danse ; mais le démon du rock est fort heureusement passé par là, ainsi que le batteur Gerushi. Les conditions de décollage sont optimales, il n’y a plus qu’à. Le premier album sort en 2018, suivi de deux autres galettes, de tournées nationales et d’une incursion au Canada.

Lolita cannibale

10 ans plus tard, honnêtement, ça crache, et ça crashe et ça clashe ! Plutôt calme et réservée en coulisses, la donzelle se lâche sur scène que c’en est un vrai bonheur. Un véritable petit pois sauteur, un côté Lolita cannibale qui en fera fondre plus d’un, et derrière les deux acolytes, posés comme des bonzes. Un régal de foutage de gueule libérateur et jubilatoire avec des textes à l’encan. Je cite :

« 目が覚めるあの飲み物頂戴、残さず全部こぼすから。
甘ったるい言葉探して苦々しい記憶溶かします、どれだけ甘くしたっけ？忘れた、美味しけりゃいいの。 »

Traduction dans la langue de Shakespeare (chopée sur le compte insta du groupe, merci d’y avoir pensé) :

« Give me a bitter drink to wake me up. But I’ll spill it all on the floor. I’ll search for sweet words to melt my bitter memories. How sweet did I make it? I forgot, as long as it tastes good, that’s fine ».

Ce qui dans l’idiome de Molière donnerait :

« Donnez-moi une boisson amère pour me réveiller. Mais je la renverserai sur le sol. Je chercherai des mots doux pour faire fondre mes souvenirs amers. À quel point l’ai-je rendu sucré ? J’ai oublié, tant que ça a du goût, c’est bien ».

Compos urticantes

Voilà, voilà. Byebye les gentilles idoles fringuées comme des petites filles modèles. Ici, on donne dans le trash assumé, l’éventration mentale, sourire aux lèvres et doigt d’honneur levé bien haut dans le ciel, sur fond de sakura en fleur. Méduse rouge ou ortie royale au gré des traductions automatiques (désolée, votre humble servante ne maîtrisant guère la langue de Kurosawa et Hokusaï, elle doit s’en remettre aux ténébreuses forces de Deepl, ça aide quand même), Akaikurage ne manque guère de piquant.

On peut même dire que les compos sont volontairement urticantes, un peu comme si on gobait un morceau de Fugu préparé par un cuisinier sous amphets. Certains iront direct vomir dans les toilettes, d’autres (dont je me revendique haut et fort) se laisseront joyeusement intoxiquer par ce poison sonore 100% made in Pays du soleil levant, option kamikaze mélodique. Et ils risquent fort de tomber accro, conquis par ce vent de fraîcheur venu d’Orient extrême pour sauver nos pauvres oreilles affamées de bon son.

Pour en savoir plus, consultez le site d’Akaikurage ainsi que son compte Instagram.

Cet article Trouvaille musique : Akaikurage est apparu en premier sur The ARTchemists.

Vous êtes plutôt noir et blanc ou couleur ? Et si ces deux esthétiques qu’on oppose trop souvent avaient tout à gagner à dialoguer ensemble ? Encore faut-il le faire avec talent et originalité… En surfant sur la toile en général et Instagram en particulier, nous avons détecté cinq artistes qui tirent leur épingle de ce jeu si ardu : Rold, Le bestiaire à lunettes, Enginervsterarts, Eyelinerb0y, Emma Margo Collage, chacun.e son médium, son style, ses thématiques avec à la clé une réflexion globale sur un duo de nuances particulièrement séduisant.

Rold

Des visages blancs, des silhouettes ombrées, des corps comme grattés, griffurés sur l’encre sèche d’un support de ténèbres. Des fonds de couleurs vives et contrastées, où se détachent des motifs ethniques, des horizons aux lignes épurées. L’univers de Rold allie finesse des expressions et brutalité des paysages dans un jeu de nuances chaudes et froides, d’où l’imperceptible fragilité humaine.

Le bestiaire à lunettes

Oh qu’ils sont attachants, ces petits personnages du Bestiaire à lunettes. Et identifiables au premier coup d’œil, tout droit échappés qu’ils sont du zoo de la Fontaine pour embrasser un look moderne émancipateur. Des figures de bande dessinée, tracées en noir sur blanc avec un grand souci du détail sur des fonds colorés aux motifs précieux de tenture Renaissance. Effet visuel garanti, avec en prime une galerie très fournie, où, forcément, chacun.e trouvera son animal totem.

Enginervsterarts

Même logique, mais changement complet de thématique et d’atmosphère avec les memento mori de Enginervsterarts. Au programme, une galerie de crânes mutants en voie de dislocation sur fond interstellaire d’aube des temps où prédominent le rouge, le violet, le vert, comme de gigantesques spirales de matières mystérieuses et corrosives. Ici, le noir et blanc percute des tonalités vives dans une danse macabre et organique captivante, qui raconte la naissance des démons primordiaux, la gestation des Enfers.

Eyelinerb0y

Des créatures échappées de l’univers lovecraftien pour traverser des paysages naïfs aux tonalités aveuglantes, des compositions abstraites mises en mouvement par des volutes turquoise, des tempêtes cosmiques sous un crâne assourdies par un grand cri de bleu et de jaune, des mutants arachnéens déambulant sur des motifs de tapis africains orangés et mauves… le monde de Eyelinerb0y a tout du rêve éveillé, et l’artiste, un talent certain pour harmoniser les forces du N/B et l’éclat des couleurs.

Emma Margo Collage

Comme son nom de guerre l’indique, Emma Margo privilégie la méthode du collage. Dans son monde, les photos en noir et blanc se mêlent aux clichés en couleur, des clichés aux teintes un peu fanées de vieux magazines people. Pourtant l’ensemble, toujours poétique et original, vibre d’une vie intérieure qui ne demande qu’à exploser. L’écho entre le N/B et les couleurs capte la rétine, invite l’imaginaire à broder des histoires sans queue ni tête pour raconter l’aventure de ces compositions chatoyantes.

Cet article À l’avant-garde : quand les artistes font dialoguer le noir et blanc et les couleurs… est apparu en premier sur The ARTchemists.

Elle se revendique comme une adepte du parasitage d’archive, mais « sans aucune mauvaise intention » précise-t-elle. Pourtant, quand on observe Naomi Vona – nom de code artistique Mariko Koda – oeuvrer, transformant les pages de magazines en icônes néo-byzantines, on se dit que la dame tient plus de la magicienne que du vampire artistique. La preuve en image.

En mode métamorphose

Première étape donc : collecter des vieux journaux, des photos vintage, des illustrations du temps jadis. Deuxième étape : se lâcher en mode métamorphose. Transformer l’image, effacer ses contours, sublimer les visages, transmuter les étoffes, faire éclater les couleurs, les motifs. À grand renfort de stylo, de feutre, de papier et de stickers. Recouvrir l’ensemble ou presque pour faire d’une vieille publicité grisâtre un éclatant hommage à Klimt.

Mixer médias et techniques

Réinterpréter les clichés d’une autre époque, les publicités de magazines ancestraux, repenser les icônes d’hier dans un esprit byzantin mêlé de motifs multicolores aux allures de tissus africains. Quelque chose de l’art naïf dans le trait, dans la manière de combiner les nuances, les figures ? En tout cas, un désir revendiqué de mixer médias et techniques, photographie, dessin, peinture, collage recyclart, détournement de support et upcycling.

Fantaisie et poésie

Pour le reste, laisser parler l’inconscient, l’humeur du moment, le savoir-faire acquis à Milan lors d’études de design et photographie à l’académie de Brera. Et enrichir son propre univers esthétique, réparti en plusieurs séries aux titres évocateurs : Floating Dreamers , Mongolfiere, Gentlewomen & Gentlemen, Gli Strappi Sui Muri, Saluti Dal Futuro, Unpaid Sickness… le tout en couleur et avec une fantaisie ô combien rafraîchissante et poétique.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur le travail de Naomi Vona aka Mariko Koda, n’éhésitez pas à consulter son compte Instagram ainsi que son Linktree.

Cet article À l’avant-garde : Naomi Vona aka Mariko Koda est apparu en premier sur The ARTchemists.

On se doutait que cela allait arriver, mais on ne savait pas trop quand. Eh bien, c’est fait ! La team Bragi Pufferfish vient de sauter le pas : dans le sillage des soirées Beautiful Skin, voici l’exposition du même nom.

Des nus sur les murs

Parachutée sur les murs du bar Le Duplex, l’exposition Beautiful Skin, première du nom a été initiée pour soutenir le lancement du second numéro du fanzine Beautiful Skin. Nous avions déjà évoqué la chose dans nos colonnes : ce magazine a pour objectif d’explorer la problématique riche ô combien de la nudité, avec force textes et illustrations. Ce sont ces illustrations qu’on retrouve dans cette exposition.

Une manière de mettre en exergue les artistes qui participent à la création des fascicules par leurs dessins, leurs tableaux, leurs collages, leurs photographies : des nus bien évidemment, des nus drôles, épiques, poétiques, coquins, mélancoliques, subversifs, jamais crus ni grossiers ou racoleurs, toujours racés et sensibles. Parmi les créateurs exposés, vous trouverez : Daz – Lou Lou Re Lou Lou – Maic Baxane – Otiniel Lins – Tom de Pekin – Simon Loiseau – Les Garcons bleus – Antoine Presles.

Une suite logique

Tous.tes ont placé la question du corps nu au cœur de leur univers créatif, ils en interrogent la puissance, la quiétude, les limites, les mutations, les mystères, la sensualité… Voici l’occasion de découvrir leur travail IRL, in real life, dans leur taille initiale, avec leurs couleurs, leurs textures d’origine. Une manière d’élargir le champ d’action de Beautiful Skin la militante.

Inscrite dès sa création en première ligne d’une action de sensibilisation et d’inclusion portant sur le naturisme et le body positivism , la soirée Beautiful Skin prolonge la stratégie éditoriale amorcée avec son fanzine dans le dur. Première expo donc, comme une évidence, une suite logique… et un succès si l’on en croit la foule présente lors d’un vernissage animé platine au poing par Fenouil 2000 et Lucifer.

Une vision à 360°

Objectif : faire connaître ces artistes, leur offrir un espace d’expression, leur permettre aussi de vendre leur art, avec à la clé des originaux mais aussi des tirages ou des risographies numérotés et signés, c’est selon. Avec cette première fois, Bragi Pufferfish passe une nouvelle vitesse, ajoutant à son arc une nouvelle corde : après la production de DJ set, l’organisation de soirées, l’édition, le collectif entre de plein dans l’univers de la galerie d’art nomade.

Il était temps. Nombreux sont les artistes émergents de la communauté LGBT qui peinent à trouver des interlocuteurs capables de reconnaître leur talent sans brider leur imagination. C’est désormais le cas et on en est ravi. Toujours un peu plus loin dans l’élaboration d’un safe space intellectuel, d’un brassage des genres et des styles, la musique, la danse, le cabaret, la performance, l’écriture, désormais les beaux-arts… Une vision à 360°. On en redemande !

Et plus si affinités

Pour en savoir sur cette exposition, consultez le compte Instagram des soirées Beautiful Skin.

Cet article Beautiful Skin : après les soirées et le fanzine… l’expo ! est apparu en premier sur The ARTchemists.

Encore un qui n’y va pas de main morte avec les chefs-d’œuvre des grands maîtres. Scalpel et stylet en main, Rob Draper taille dans la masse, pour le meilleur du design, mais jamais au détriment de l’art !

Une totale recomposition

Tout part d’un tableau, un portrait généralement. Une reproduction que l’artiste britannique va soigneusement graffer, tatouer, taillader, projeter dans un autre univers. Une totale recomposition, une mise en abyme qui sublime le modèle initial en lui apportant une dimension moderne, des couleurs, un mouvement.

Anamorphose en marche

Anamorphose en marche, le jeu d’illusion s’amuse des ombres, des nuances, des graphismes. De vidéo en vidéo, le processus semble le même, mais l’aisance est trompeuse. Il faut un œil expert, une notion très précise de la profondeur, le sens de l’équilibre, savoir à temps s’arrêter avant que l’image soit déséquilibrée, saturée. Pas d’ordinateur ni d’IA, tout est réalisé à la main dans la plus tradition du collage.

Élégante rêverie

Sur des supports recyclés, de vieilles boites de carton striées de feuilles d’or comme des icônes byzantines, les découpes se superposent. C’est là la préciosité de la chose, le plaisir palpable de la réécriture d’une œuvre. Une appropriation ? Plus un hommage, une élégante rêverie, un cadavre exquis visuel qui ne dit pas son nom. Chaque re-création possède son potentiel poétique, flatte l’imaginaire.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus, consultez le compte Instagram de Rob Draper.

Cet article À l’avant-garde : Rob Draper est apparu en premier sur The ARTchemists.