De la nouvelle originelle aux relectures scéniques les plus radicales, du naturalisme du cinéma à la reconstitution patrimoniale, Carmen se réinvente à chaque génération sans jamais renoncer à ce qui fait sa force : une héroïne qui choisit, qui refuse, qui paie de sa vie le droit de disposer d’elle-même.

Ce dossier rassemble l’ensemble des articles publiés sur Carmen à l’occasion de ses 150 ans au sein de The ARTchemists. Généalogie littéraire, mises en scène contemporaines, adaptations cinématographiques : autant de facettes d’un même mythe increvable.

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C’est une de mes lectures fessées de l’année 2026. Pas vraiment un livre relax à savourer dans son transat au bord de la piscine, cocktail à portée de main, me direz-vous ? Eh bien, vu que le temps est à la canicule chronique, que votre piscine est asséchée par un soleil de plomb, que vous ne pouvez tenir plus de deux minutes dehors sans risquer les urgences pour coup de chaleur, et que vous avez plutôt intérêt à boire de la flotte (tant qu’il nous en reste) plutôt que de l’alcool, je me dis que Cancer colère est en fait bien dans l’air du temps … qui devrait, vu les circonstances, être la la rage.

Et pourquoi donc ? Quel lien entre cancer et canicule ? Ils découlent tout deux de la folie des hommes, du capitalisme enragé, du viol constant de la nature et de l’humanité. Une résultante logique après des décennies d’empoisonnement de notre environnement. Et cela, Fleur Breteau le met en évidence de manière limpide au fil des pages de son excellent bouquin. Un bouquin riche d’enseignements à plus d’un titre.

Entre chimio et boulot

En racontant le parcours de soins suivi/subis pour tenter d’éradiquer son deuxième cancer du sein, dame Breteau échappe au discours larmoyant qu’on nous vend depuis des lustres sur le malade martyre abordant son ordalie avec courage et abnégation. Du courage, Sainte Fleur n’en manque guère, mais l’abnégation, fuck off !!!! Tandis qu’elle se traîne de consultation en séance de chimio, l’autrice détaille par le menu une feuille de route médicale qui tient du parcours du combattant. RDV longue distance, manque d’infos, personnel submergé, absence de moyens … le malade chronique est seul et doit se démerder comme il peut pour survivre et pas seulement au mal. Parfois entre chimio et boulot, il faut choisir. L’horreur.

De quoi hurler face à la connerie ambiante de celles/ceux qui ont raclé l’hosto public jusqu’à l’os pour nous laisser crever. Fallait-il faire St Cyr/ENA/Science Po pour accoucher de pareilles débilités ? On se le demande. Fleur, elle, ne sort pas de cette formation ; pur produit de la fac (lettres et ciné), elle a le bon sens de l’entrepreneuse solo et de la militante écolo. Elle observe. Et ce qu’elle voit dans les couloirs de l’institut Gustave Roussi où elle est suivie l’interpelle : elle n’est pas la seule à être foudroyée par des cancers à répétition, loin de là. Au fil des chimios, elle rencontre, échange avec d’autres compagnons d’infortune sanitaire.

Un parfum d’épidémie

Et commence à se demander si il n’y aurait pas comme un parfum d’épidémie cancéreuse qui rôde sur notre société. Jeunes, vieux, hommes, femmes, ouvriers ou cadres, le crabe frappe en série et à l’aveugle. Et Fleur d’aller enquêter les nuits d’insomnie où les produits injectés la rongent de fièvre et de douleur. Et ce qu’elle découvre la laisse sans voix … un temps, jusqu’à ce qu’elle prenne la plume pour raconter. Et faire dialoguer sa souffrance quotidienne avec les chiffres des rapports de l’industrie chimico-agro-alimentaire. Des stats effrayantes qui actent d’un empoisonnement collectif de la bouffe, de l’eau, de la terre, du vivant.

Avec explosion des cancers à la clé. Et la bonne blague, c’est que ces firmes, tout à fait conscientes de répandre la mort, investissent également dans la fabrication des traitements anti-cancer. On s’étrangle d’indignation quand on réalise jusqu’où ces gens vont pour faire du fric. Et on comprend mieux le cri de révolte on ne peut plus justifié de Sainte Fleur du haut de la tribune du public de l’Assemblée Nationale quand elle menace les députés qui viennent de voter la loi Duplomb réautorisant des saloperies pesticides. « On le fera savoir ! ».

De la fusion des combats

C’est chose faite avec ce bouquin formidable que j’ai proprement dévoré et adoré. Car il change la donne. Désormais le malade n’est plus une petite chose fragile et sans voix. Il a le droit de gueuler, de militer, de dire « fuck le système qui m’a amené sur une table d’opération et devant l’oncologue ». Une sainte colère que nous devrions tous éprouver et qui appelle à la fusion des combats (parce que là il y a urgence à passer la vitesse supérieure de la convergence des luttes, vœu pieu inabouti d’une gauche éclatée aux quatre vents de tendances irréconciliables MAIS BON DIEU LES GARS, C’EST NOUS QUI EN CHIONS AU QUOTIDIEN ALORS BOUGEZ-VOUS BORDEL, CONVERGEZ ET FISSA !!!).

Bref, je n’en dis pas plus long : si vous n’avez plus foi en rien, que vous avez baissé les bras, que vous êtes rongé.e d’anxiété face à ce monde de merde, au futur qu’on nous prépare, lisez Cancer Colère, ces lignes vont vous rebooster, vous filer la patate, la pêche, l’envie de vous battre et de ne plus vous laisser bouffer sans rien dire.

PS : et si ça vous tente de rejoindre le combt, dirigez-vous vers le site de l’asso Cancer Colère, il y a du pain sur la planche.

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Le saviez-vous ? Le calendrier scolaire japonais débute le 1^er avril en pleine floraison des cerisiers. Pas étonnant donc que ce élément administratif et bureaucratique ait engendré une des matrices narratives les plus productives de l’histoire du manga.

Le lycée japonais est un espace de fiction particulièrement inspirant. Slam Dunk et Your Lie in April, Blue Period et Fruits Basket, Great Teacher Onizuka et Nana, ces œuvres très disparates ont en commun ce décor spécifique, ces couloirs, ces uniformes, ces trois ans qui durent toute une vie.

Question : pourquoi ce dispositif-là, dans cette culture-là, à ce moment-là du calendrier, produit des histoires qui traversent les frontières, les générations, les médiums ? Éléments de réponse.

Le premier avril : quand le calendrier fabrique du récit

Commençons par le commencement. Au Japon, la rentrée scolaire — pour le lycée comme pour l’université, pour les entreprises comme pour les administrations — se fait le premier avril. Ce choix date de la réforme Meiji de la fin du XIXe siècle, qui a calé le calendrier administratif national sur l’année fiscale. Résultat : tous les grands départs, toutes les ruptures, toutes les arrivées dans un lieu nouveau se font au printemps, sous les cerisiers en fleur.

Cette coïncidence entre le début institutionnel et le renouveau naturel est d’une puissance symbolique rare. Elle a été analysée par l’anthropologue Emiko Ohnuki-Tierney dans Kamikaze, Cherry Blossoms, and Nationalisms : The Militarization of Aesthetics in Japanese History (University of Chicago Press, 2002). L’auteur y démontre que le cerisier — le fameux sakura — est un opérateur symbolique complexe qui condense simultanément la beauté, l’éphémère, le commencement et la mort. La fleur dure une semaine, au même titre que la jeunesse.

Quand un mangaka place la première case de son histoire sous des cerisiers en fleur avec un personnage en uniforme neuf, il charge donc la scène d’une signification que tout lecteur de manga perçoit immédiatement : quelque chose commence ici qui sera beau, bref, et irréversible. Le pacte de lecture est posé en une image.

Sharon Kinsella, dans son étude Adult Manga : Culture and Power in Contemporary Japanese Society (University of Hawaii Press, 2000), documente comment cette association printemps-lycée-cerisiers a dicté, dès les années 1970, un code visuel suffisamment stable pour fonctionner comme genre à part entière — avec ses conventions, ses différentes manières de jouer avec les attentes des lecteurs.

Slam Dunk : le lycée comme terrain d’apprentissage du monde réel

Publié dans le Weekly Shonen Jump de 1990 à 1996, Slam Dunk est un hit. 31 volumes, 120 millions d’exemplaires vendus dans le monde : le manga de basket de Takehiko Inoue est probablement l’une des dix oeuvres les plus influentes de l’histoire du médium — et l’une des plus mal comprises.

Slam Dunk raconte l’histoire de Hanamichi Sakuragi, un voyou de première, grand et roux, qui se met au basketball pour séduire une fille. Et qui va bien sûr, malgré lui et contre toute logique narrative facile, se découvrir une vocation. Le génie d’Inoue ne réside pas dans les matchs, aussi brillamment chorégraphiés soient-ils (cette maîtrise de l’espace et du mouvement n’a à ce jour jamais été égalée dans le manga sportif) mais dans la transformation.

Le lycée dans Slam Dunk constitue un laboratoire, un espace où les hiérarchies du monde adulte n’existent pas encore tout à fait, mais où leurs règles fondamentales sont déjà à l’oeuvre : l’effort, le collectif, l’échec, la douleur, l’orgueil qu’il faut savoir dompter. Inoue a expliqué dans plusieurs interviews avoir voulu montrer que le sport pouvait être un espace de formation morale authentique et d’engagement volontaire.

La conclusion de Slam Dunk — abrupte, refusant toute résolution sentimentale — est l’une des fins les plus discutées de l’histoire du manga. Inoue laisse les trois ans de lycée se fermer sur eux-mêmes, sans prolongation artificielle. Pourquoi ? Parce que c’est ça, le lycée japonais dans la logique narrative qui nous intéresse : il a une durée. Et cette durée est sa force.

Your Lie in April : le printemps comme compte à rebours

Si Slam Dunk utilise le lycée comme terrain d’apprentissage, Your Lie in April de Naoshi Arakawa en fait quelque chose de plus radical, un espace où le temps est littéralement limité, où la beauté est inséparable de son extinction imminente.

L’histoire est celle de Kousei Arima, pianiste prodige traumatisé qui ne peut plus entendre sa propre musique depuis la mort de sa mère ; Kaori Miyazono, violoniste solaire et chaotique, va l’amener à rejouer. Le récit débute en avril, sous les cerisiers pour se terminer un an plus tard à la même période. Toute la structure narrative est une boucle temporelle tendue entre deux printemps, deux floraisons, deux versions du même personnage.

Ce dispositif porte une réflexion sur la compression temporelle systématique opérée par le manga de lycée. Il prend des années qui durent normalement leur durée et les sature d’une intensité qui les rend mémorables. Le psychologue Daniel Kahneman, dans Thinking, Fast and Slow (Farrar, Straus and Giroux, 2011), a théorisé ce qu’il appelle le « moi mémoriel », à savoir notre tendance à juger la valeur d’une expérience non pas à sa durée mais à ses moments de pic émotionnel et à sa conclusion. Your Lie in April est une démonstration narrative parfaite de cette théorie : ce qui reste, ce n’est pas la longueur, mais l’impression ressentie au terme du récit.

Arakawa a voulu écrire l’histoire de quelqu’un qui apprend à jouer pour quelqu’un d’autre. Cette formulation simple cache une question philosophique : qu’est-ce qu’on fait de soi quand on sait que le temps est compté ? Question qui prend une dimension supplémentaire dans l’univers d’un lycée.

Blue Period : le lycée comme espace de la première décision vraie

Blue Period de Tsubasa Yamaguchi est le manga de lycée le plus récent et le plus intelligent de cette liste — probablement aussi celui qui pousse le dispositif dans ses retranchements les plus contemporains.

Yatora Yaguchi est un bon élève, socialement adapté, qui découvre la peinture par accident et décide — contre toute logique de rentabilité et contre l’avis implicite de tout son entourage — de préparer le concours des Beaux-Arts de Tokyo. Or cet établissement est l’un des plus sélectifs du Japon avec quelques dizaines de places pour des milliers de candidats. C’est absurde, perdu d’avance à moins que …

Blue Period érige le lycée en espace de la première décision importante d’une vie : pour la première fois, le héros choisit pour lui-même, contre les attentes, contre la sagesse collective, par pure nécessité intérieure. Objectif : explorer le prix d’une décision, d’une orientation, d’une passion dans une société qui récompense la soumission, l’adaptation mais pénalise l’obsession.

Blue Period se distingue par ailleurs en abordant la question de l’art avec un sérieux rare dans le manga. Les questions techniques liés à la peinture, les débats sur ce que signifie avoir un regard propre, la différence entre la technique et la vision — tous ces thèmes sont traités avec une rigueur qui a fait son succès international. L’adaptation animée produite par Seven Arcs en 2021 a été saluée par la critique pour avoir su transposer avec justesse à l’écran ces problématiques sans dénaturer le propos du médium original.

La mécanique du shounen et du shoujo : deux façons d’habiter le même lycée

Il est bon de rappeler par ailleurs qu’une distinction éditoriale fondamentale structure le manga de lycée, distinction qui explique comment une même matrice narrative peut engendrer des oeuvres radicalement différentes selon le prisme qu’elle adopte.

• Le shounen — manga destiné aux jeunes garçons, publié dans des magazines comme le Weekly Shonen Jump ou le Weekly Shonen Magazine — traite le lycée comme un espace de performance et de dépassement. Le conflit est externe : l’adversaire, la compétition, le record à battre. Slam Dunk est archétypal de ce rapport, Haikyuu!! de Haruichi Furudate (Shueisha, 2012-2020) aussi — 402 chapitres sur le volleyball, consacrés à des équipes de lycée que personne ne remarque et qui s’imposent, par le seul fait de vouloir gagner ensemble.
• Le shoujo — manga destiné aux jeunes filles, publié dans des magazines comme Bessatsu Margaret ou Ribon — traite le même lycée comme un espace de relation et d’intériorité. Le conflit est interne, les sentiments sont tus, les identités se cherchent, les liens se nouent et se rompent. Nana de Ai Yazawa en est l’exemple le plus brutal : deux filles nommées Nana se rencontrent dans un train et partagent un appartement, mais leurs trajectoires vont diverger de façon déchirante. Yazawa prolonge le dispositif du lycée dans la vie adulte, illustrant à quel moment les trois ans de lycée finissent de vous construire, ou de vous briser.

Ce que Frederick Schodt avait déjà noté dans Manga ! Manga ! The World of Japanese Comics (ce livre publié en 1983 est le premier ouvrage sérieux en anglais sur le phénomène manga) demeure d’actualité quarante ans plus tard : la division shounen/shoujo n’est pas seulement commerciale mais aussi structurelle. Elle produit deux épistémologies du lycée, deux façons de poser la question de ce qu’on devient.

L’export global : pourquoi le lycée japonais a colonisé l’imaginaire mondial

Une interrogation demeure : pourquoi est-ce que ce type de récit séduit hors du Japon ? Pourquoi des lecteurs qui n’ont jamais mis les pieds à Tokyo, qui ne parlent pas un mot de japonais, qui n’ont aucune expérience du système scolaire nippon, pleurent sur Your Lie in April et relisent Slam Dunk en boucle ?

La réponse est simple : cette structure est universelle. Si le lycée japonais est suffisamment exotique pour être dépaysant (uniformes, clubs, système des senpai et des kohai, omniprésence des cerisiers), l’intrigue demeure suffisamment proche dans ses enjeux émotionnels fondamentaux pour être immédiatement lisible. Qui n’a pas vécu l’expérience d’arriver dans un nouvel établissement sans savoir ce qu’il va devenir dans le futur ? Qui n’a pas connu la douleur d’un lien intense limité dans le temps ?

Marc Steinberg, dans Anime’s Media Mix : Franchising Toys and Characters in Japan (2012), analyse comment le manga et l’anime ont construit un « système médiatique » capable de voyager précisément parce qu’il encode ses émotions dans des formes visuelles stables — des codes graphiques qui fonctionnent indépendamment de la maîtrise culturelle complète. Nul besoin de tout connaître de la société japonaise pour comprendre qu’un personnage qui fixe les cerisiers depuis la fenêtre de sa classe est en train de ressentir une émotion intense ou de la mélancolie.

L’explosion des plateformes de streaming — Crunchyroll, Netflix, Amazon Prime — a amplifié ce phénomène à une échelle inimaginable pour les éditeurs des années 1990. En 2024, Crunchyroll revendiquait 15 millions d’abonnés payants mensuels. Une part considérable de ce public consomme, chaque printemps, une nouvelle fournée de mangas et d’animes de lycée — avec la même régularité saisonnière que la floraison des cerisiers.

Ce que le lycée japonais dit qu’aucun autre espace ne peut dire

Si le manga de printemps parle toujours de lycée, c’est parce que le lycée japonais — tel que le manga l’a construit et encodé sur cinquante ans — est l’un des dispositifs narratifs les plus efficaces jamais inventés pour parler de la durée limitée. Ces trois ans d’études ont un terme programmé — et cette fin imminente rend chaque moment vécu plus dense, chaque choix plus grave, chaque relation plus précieuse. Aucun autre cadre narratif ne produit aussi naturellement cette intensité du provisoire.

Il parle de la première version de soi. Avant le lycée, on subit. Après le lycée, on gère. Pendant le lycée — dans la logique narrative qui nous intéresse — on devient. C’est l’espace de la formation de l’identité, de la première décision morale, du premier amour, du premier échec qu’on encaisse seul. C’est du récit d’initiation à l’état pur.

Le manga de lycée japonais est aussi, presque toujours, un texte sur le deuil de cette période — sur l’impossibilité de rester dans cet espace où tout était encore possible, encore ouvert, encore en train de se décider. Les cerisiers perdent leurs fleurs. L’année se termine. Les personnages partent vers autre chose. C’est pour ça qu’on y revient, parce que cette structure-là, ce printemps-là, ces trois ans-là expriment quelque chose de profondément humain : avoir commencé, savoir qu’on finira, et faire quelque chose de ce qui arrive entre les deux.

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Bon c’est pas le tout mes p’tits choux, mais on a bien entamé le mois d’avril 2026 et il serait temps de se pencher sur la soirée La Velu.e de ce mois où il ne faut en principe pas se découvrir d’un fil. Cela ne risquera pas d’arriver avec cette soirée cabaret où le poil est mis à l’honneur !

Pour cette nouvelle édition cornaquée as usual par Dame Ughett comme maîtresse de cérémonie, avec Edouard Liotard en orchestrateur, Fabisounours et Loki Starfish derrière les platines et Madame Tiff à l’accueil, sur quelle programmation pouvons-nous compter pour ébouriffer nos petits cerveaux en quête de talents ?

• Tout en paillettes, plumes et faux-cils, Martin Poppins déboulera de chez Madame Arthur pour venir pousser la chansonnette et nous réconcilier avec l’opéra (sa voix est superbe!!!)

• Pour le stand up, comptez sur Mahaut Drama et sa lecture sans concession de l’actualité et de la société. Un régal !!!!

• Pour la partie danse, Patricia Badin viendra twerker et vu son mantra « Le twerk libre, c’est danser pour soi, sans règles, juste avec le feu du corps », ça promet d’être Mé-mo-ra-bleuuuuuuuh !

• Entre drag king et clown, Miroslav Toi Les Mains passera notre vague à l’âme au karcher du rire et franchement on en a vraiment besoin !

Petit plus, l’illustratrice Estelle Reb sera sur site avec ses œuvres acidulées ! L’occasion de repartir de la soirée avec un petit tableau pour illuminer votre salon et votre santé mentale !!!

Bon maintenant vous savez tout, vous n’avez plus d’excuse ! Prenez vite votre billet et allez vous éclater au Hasard Ludique qui n’attend que vous pour vous faire un gros câlin !!!!!

Pour préparer votre venue, consultez la page Instagram des soirées La.Velue.

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On pensait les avoir enterrées sous des litres de laque, des monceaux de vestes à épaulettes et de cassettes VHS poussiéreuses. Mais non : les années 80 s’invitent encore partout, comme un refrain qu’on n’arrive pas à se sortir du crâne (cf l’expo sur le New Romantic). Ciné, mode, musique, design : tout le monde pompe et repompe, détourne et redétourne, remixe et reremixe. Et si ça marche encore quarante ans plus tard, ce n’est pas juste une histoire de nostalgie de quadras bedonnants. For sure, les 80s sont une boîte noire esthétique qui continue de nourrir notre présent.

MTV, VHS et l’invention du « clip world »

1981, MTV balance Video Killed the Radio Star by The Buggles. Et c’est exactement ce qui se passe : l’image dévore le son. Le clip devient un langage global. Couleurs saturées, coupes improbables, montages syncopés : tout est là. TikTok n’a rien inventé — il a juste compressé le format à 60 secondes et mis un algorithme à la place du VJ.

En parallèle, le VHS déboule dans les salons. Résultat ? Le cinéma sort de la salle obscure pour coloniser le canapé. Tu loues, tu copies, tu visionnes tes films de genre jusqu’à l’usure de la bande. C’est la naissance de la culture on demand, version analogique. Pas étonnant qu’on la ressuscite aujourd’hui en mode streaming. Et pas étonnant non plus que l’esthétique grain de la cassette — le fameux VHS filter — soit devenue un effet recherché par des millions de créateurs sur Instagram et After Effects. Vive la dégradation de l’image comme signe de l’authenticité, le défaut élevé au rang d’art.

Il y a même un nom pour ça : la lo-fi aesthetic. Les chaînes YouTube de musique lo-fi chill — celle à l’anime girl qui bosse pour l’éternité — cumulent des centaines de millions de vues en jouant exactement sur cette texture eighties : synthé doux, grain visuel, ralentissement du temps. Les 80s comme bruit de fond rassurant d’une époque anxieuse.

La règle des 30 ans, carburée aux algorithmes

Chaque génération recycle celle d’avant, c’est dans l’ordre des choses. Les 80s auraient dû rester dans les cartons de grenier. Mais Spotify, Netflix et YouTube ont transformé la madeleine en business modèle. L’algorithme ne connaît pas la date de péremption.

La preuve ? Stranger Things. La série des Duffer Brothers a transformé l’esthétique eighties en produit planétaire. Bilan ? 287 millions d’heures vues pour la saison 4 la première semaine, record absolu à l’époque. Effet collatéral immédiat : Running Up That Hill de Kate Bush (1985) propulsé, dixit Rolling Stone, numéro 1 des charts UK en… 2022. Trente-sept ans après sa sortie. Merci l’algorithme.

Le même phénomène touche la city pop japonaise. Plastic Love de Mariya Takeuchi (1984) devient un tube mondial quarante ans après sa sortie, propulsé par YouTube qui la glisse dans les recommandations de n’importe quel auditeur de synth-pop. Sans promo, sans label, sans tournée. Juste un algorithme qui a flairé l’affinité esthétique entre 1984 et 2024.

C’est ça la vraie révolution : avant, la nostalgie était réservée à ceux qui avaient vécu l’époque. Aujourd’hui, des gamins de 18 ans se passionnent pour une chanteuse japonaise des années 80 qu’ils n’auraient jamais découverte sans les plateformes. La nostalgie est devenue transgénérationnelle. Et donc infinie.

Creed, Terminator : les franchises ressortent leurs vieux héros

Hollywood participe à cette lame de fond — et pas seulement en mode remake paresseux. Top Gun: Maverick engrange 1,5 milliard de dollars au box-office en jouant la carte « héros d’hier, technologie d’aujourd’hui ». Le Flic de Beverly Hills 4 explose les compteurs Netflix en 2024 avec 41 millions de vues en première semaine. Résurrection également pour la franchise Rocky rebaptisée pour l’occasion Creed (2015) ; réalisé par Ryan Coogler, le film opère le meilleur démarrage de toute la saga Rocky avec 30 millions de dollars le premier week-end, surpassant même le quatrième opus de 1985.

La recette de cette fulgurance ? Une passation de témoin. Rocky devient le mentor, Adonis Creed prend le relais. L’ADN des 80s comme socle, une histoire nouvelle par-dessus. Creed III (2023) est allé encore plus loin en s’émancipant totalement de l’héritage Stallone — premier film de la saga sans lui — pour devenir le plus gros succès de toute la franchise avec 276 millions de dollars au box-office mondial.

Terminator suit un chemin parallèle chaotique. La franchise née en 1984 avec le T-800 d’Arnold Schwarzenegger a remis le couvert même si elle peine à définir un équilibre entre héritage et renouvellement. Ironie suprême, la franchise qui avait anticipé la menace de l’IA en 1984 se retrouve dépassée par la réalité de l’IA en 2024. Il fallait le faire, quand même !

Qu’on se le dise donc : les années 80 sont une mine d’IP en or massif. Et on ne parle même pas des reboots, spin-offs et autres prequels qui pullulent. Le risque ? La paresse créative. Mais quand c’est bien fait — quand on recycle pour construire du neuf plutôt que pour flatter la nostalgie — ça électrise encore.

Mode, design : armures et néons

Et du côté des catwalks ? Les podiums 2024–2025 remettent en scène les épaules au carré. Power dressing reloaded. Chez Balenciaga, Demna l’a théorisé jusqu’à l’obsession : sa collection « New Fashion Uniforms » — une relecture du power dressing, vision contemporaine du vestiaire professionnel — s’articulait autour d’une ligne d’épaule exagérée comme dans les années 1980, surplombant les mannequins de plusieurs centimètres. Plus affûté, plus cynique, mais tout aussi dominateur.

Chez Mugler, même logique de résurrection armée. Casey Cadwallader assume sans détour ce penchant pour le drama des shows des années 1980 et 1990. Résultat : pour une génération élevée aux hoodies et aux leggings, les proportions exagérées et le glamour de la maison fondée par Thierry Mugler sont devenus franchement séduisants. Dua Lipa, Beyoncé, Megan Thee Stallion : les plus grosses pop stars de la planète se battent pour enfiler les catsuits.

Le design, lui, rejoue le Memphis de Sottsass : couleurs flashy, géométries tordues, kitsch revendiqué. Ce qui était un manifeste postmoderne en 1981 — né d’une bande de designers milanais qui en avaient marre du minimalisme et voulaient quelque chose de plus expressif, de plus joyeux — devient aujourd’hui un statement d’Instagram et une tendance déco de fond (Marnois). Les cabinets d’architecture d’intérieur observent une demande croissante pour ces formes sculpturales et ces palettes audacieuses, particulièrement dans les espaces professionnels créatifs et les habitats privés de la génération Z. La bibliothèque Carlton de Sottsass est redevenue un objet de désir. Ce qui était de la provoc est devenu du patrimoine.

Musique : le synthé en perfusion ?

Le son eighties, c’est comme un sérum branché en intraveineuse. Blinding Lights du Weeknd, hymne global en 2020, n’est rien d’autre qu’une lettre d’amour au synth-pop new wave. Résultat : plus gros hit du Billboard Hot 100 de tous les temps selon le classement historique du magazine.

Dua Lipa est allée encore plus loin en assumant le recyclage comme démarche artistique complète. Avec Future Nostalgia (2020), elle construisait tout un album sur des textures synthétiques et des lignes de basse qui renvoient directement aux eighties — un retour délibéré aux lignes de basse disco des seventies, aux textures synth des eighties et à l’énergie house des nineties, exécuté avec une précision qui sonnait résolument moderne plutôt que nostalgique. Et ça a marché : Don’t Start Now et Physical ont chacun franchi le cap du milliard de streams.

Pendant ce temps, la city pop japonaise refait surface sur YouTube grâce à l’algorithme. Plastic Love de Mariya Takeuchi devient un tube mondial… 40 ans après. La preuve ultime que les 80s sont un réservoir d’ADN sonore inépuisable, et que l’ère du streaming a définitivement tué la notion de « musique de son époque ».

Littérature : les 80s sur le divan

La littérature aussi s’est emparée des années 80 — mais avec deux postures radicalement opposées.

D’un côté, la nostalgie revendiquée et jouissive. Ready Player One d’Ernest Cline (2011, adapté par Spielberg en 2018) est le cas d’école. Best-seller dès sa sortie, ce premier roman regorge de références à la culture pop des années 80 : super-héros, robots, films de SF, jeux vidéo. Le livre s’est vendu à des millions d’exemplaires, devenant une bible pour les geeks du monde entier. Son univers — un futur dystopique où l’humanité se réfugie dans une réalité virtuelle saturée de références eighties — dit quelque chose d’assez troublant sur notre rapport au passé : les années 80 comme paradis virtuel, refuge idéalisé face à un présent invivable.

De l’autre côté, le regard clinique. Les Années d’Annie Ernaux (2008) est aux antipodes de la nostalgie. Ernaux parle elle-même d' »autobiographie impersonnelle » : un récit historique fondé sur son expérience singulière qui cherche à retrouver « la mémoire de la mémoire collective dans une mémoire individuelle ». Les années 80 y apparaissent comme un moment de bascule — l’euphorie consumériste, les slogans pub, le néo-capitalisme triomphant — mais disséqués avec une acuité clinique, pas glorifiés. Ernaux analyse avec finesse les bouleversements du néo-capitalisme des années 80 et de l’ultralibéralisme des années 2000, et la façon dont on a perdu beaucoup en croyant aux promesses de lendemains qui chantent. Iam Quand le Nobel lui est décerné en 2022, Les Années redevient un bestseller — et les 80s redeviennent, avec lui, un objet d’analyse politique urgent.

Entre Cline et Ernaux, deux façons d’utiliser la même décennie : l’une pour s’y réfugier, l’autre pour la comprendre. Les deux disent la même chose sur notre époque — que les années 80 sont devenues le miroir où une société regarde ce qu’elle est en train de refaire.

Pourquoi ça nous colle à la peau ?

Parce que les années 80 ont inventé un kit de survie esthétique : néons, synthés, épaules, VHS, arcades. Des symboles simples, immédiatement reconnaissables, qu’on peut ressortir, détourner, saturer.

Mais surtout parce que cette décennie a encapsulé nos contradictions : euphorie capitaliste et peur nucléaire, expansion pop et angoisse existentielle. Exactement les mêmes fractures qu’aujourd’hui. C’est pour ça que ça fonctionne : les 80s sont notre miroir grossissant.

Et maintenant, on fait quoi ? Soit on se contente de pomper l’icono pour flatter la nostalgie. Soit on fait comme Stranger Things ou The Weeknd : on recycle pour parler du présent. La différence entre une opération marketing et une vraie réinvention se joue là.

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Certains mouvements culturels sont difficiles à cerner. Le New Romantic est de ceux-là. On visualise de Duran Duran et ses chemises à jabot, Adam Ant et ses peintures de guerre… mais encore ? Une vague impression de superficialité kitsch balayée avec délectation par les années 90 grunge ? Ce serait réducteur. Le New Romantic n’était pas ni kitsch ni superficiel. Délibérément il a fait du vêtement, de la coiffure, des mélodies synthétiques un manifeste qui tranchait avec ce qui existait avant. C’était une réponse — lucide, furieuse et flamboyante — à une Angleterre en train de se faire démolir méthodiquement. Ainsi le New Romantic a produit une des esthétiques les plus cohérentes, les plus influentes et les plus copiées de la seconde moitié du XXe siècle. Explications.

Le punk est mort. Vive le New Romantic.

Pour comprendre le New Romantic, il faut comprendre ce qu’il n’est pas — ou plutôt ce dont il est la suite directe. Le punk britannique explose en 1976-1977. Les Sex Pistols, The Clash, Siouxsie and the Banshees, The Damned, tout ce petit monde dynamite les hiérarchies musicales, crache sur l’establishment avec une précision chirurgicale. Et puis ça s’essouffle. La bombe a explosé, laissant un gros cratère où germe une vie nouvelle. En 1978-1979, ce que Jon Savage a documenté dans England’s Dreaming comme la phase post-punk voit émerger une question fondamentale dans les caves et les squats de Londres et Birmingham : maintenant qu’on a tout cassé, qu’est-ce qu’on fait ? La réponse punk originelle – rien – ne suffit plus. Il faut construire quelque chose.

Ce quelque chose, une poignée de gamins décident que ce sera de la beauté. Pas la beauté classique, bourgeoise, celle qu’on vous enseigne dans les musées et les salons. Une beauté fabriquée, excessive, agressive dans sa splendeur — une beauté qui hurle « je suis là, je compte, vous ne pouvez pas faire comme si je n’existais pas ». Le mouvement qui va naître de cette impulsion s’appellera New Romantic. Ce nom émerge progressivement d’abord sous la houlette de Rusty Egan et Steve Strange à Londres, au sein du club The Rum Runner à Birmingham où les futurs membres de Duran Duran passent leurs nuits. Un article du journaliste musical Robert Elms publié dans The Face en 1980, officialise la chose.

Le style vestimentaire : un collage délibéré et érudit

Le New Romantic a une esthétique immédiatement reconnaissable — et c’est voulu. Dans un mouvement où l’apparence est un acte politique, être reconnaissable, c’est affirmer son existence. Les références visuelles sont un collage délibéré et érudit :

• l’époque romantique du XIXe siècle, celle de Byron et Shelley — d’où le nom — pour les cols en dentelle, les jabots, les redingotes ;
• la période Régence et son goût pour l’excès décoratif ;
• la figure mélancolique et poudreuse du Pierrot ;
• Bowie période Ziggy Stardust et Aladdin Sane.

Androgynie assumée, maquillage/armure, identité comme construction volontaire : les Blitz Kids fréquentent le Victoria and Albert Museum, feuilletent des livres d’histoire du costume, scrutent les portraits de Reynolds et Gainsborough … et se demandent comment transposer tout ça en 1980 avec un budget anorexique et de vieilles machines à coudre.

Résultat de l’opération : des vêtements faits à la main, souvent à partir de matériaux récupérés — rideaux de velours transformés en manteaux, uniformes militaires de surplus décousus et recousus autrement, kilts portés avec des boots de moto, tutus superposés sur des pantalons de ville. Le maquillage est élaboré, jamais genré, les garçons se maquillent autant sinon plus que les filles. La coiffure est sculpturale, crêpée, laquée, rasée sur les côtés, teinte en noir de jais ou en platine.

Ted Polhemus, dans Street Style : From Sidewalk to Catwalk a consacré au New Romantic plusieurs des analyses les plus précises qu’on ait sur le phénomène. Il y pointe quelque chose d’essentiel : contrairement au punk qui déconstruisait les vêtements existants en les lacérant et les épinglant, le New Romantic les reconstruisait. C’est une différence philosophique fondamentale. L’un détruisait. L’autre créait. Même urgence, même colère de fond, geste inverse.

La bande-son : Kraftwerk passé à travers un miroir brisé

Le New Romantic développe une sonorité aussi précise et précieuse que son esthétique visuelle. une esthétique mélodique biberonnée aux synthétiseurs disponibles en ce tournant des années 1980.

Les influences sont documentées et assumées. Kraftwerk en tête — Trans-Europe Express (1977) et The Man-Machine (1978) sont des disques que tout le monde dans ce milieu connaît sur le bout des doigts. Mais l’électronique polaire, mécanique, désincarnée des Allemands, le New Romantic va la réchauffer, la dramatiser, l’envelopper dans des arrangements qui empruntent autant à la soul de Philly qu’au cabaret de Weimar. Le cocktail engendre une musique synthétique saturée d’émotions.

Gary Numan sort The Pleasure Principle en 1979 avec « Cars » comme single entre synthés omniprésents et esthétique androïde froide. C’est le précurseur direct, la charnière entre le post-punk et ce qui va suivre. Visage sort « Fade to Grey » en 1980 : le titre commence par une voix en français — « nous ne sommes pas des héros » — et part dans une spirale de synthés qui ne ressemble à rien d’autre. Spandau Ballet publie « Journeys to Glory » en 1981, Duran Duran sort son premier album la même année. En dix-huit mois, un son cohérent et reconnaissable s’est installé dans les charts.

Simon Reynolds, dans Rip It Up and Start Again : Postpunk 1978-1984, insiste sur un point que la vulgate historique omet souvent : ces musiciens étaient techniquement sérieux et formés. Ils comprenaient leurs machines, ils expérimentaient, ils n’improvisaient pas l’électronique, ils la maîtrisaient. Steve Strange avait une culture musicale pointue. Midge Ure, avant Visage et Ultravox, avait joué dans Thin Lizzy. Ces gens savaient ce qu’ils faisaient.

Les figures : qui a fait quoi, qui était qui

Le New Romantic n’a pas de leader, de figure de proue. C’est peut-être la raison de sa longévité. Il a des figures, des pôles, des artistes qui en incarnent des facettes différentes.

• Steve Strange (1959-2015) en est l’architecte social. C’est lui qui, avec Rusty Egan, crée les soirées Bowie Night au Billy’s puis au Blitz. C’est lui qui tient le cloakroom, sélectionne ou refuse à la porte, définit par ce geste quotidien ce que le mouvement est et n’est pas. Son groupe Visage produit quelques-uns des objets sonores les plus parfaits du genre — « Fade to Grey » reste inégalé. Il mourra d’une crise cardiaque à cinquante-cinq ans, seul dans une chambre d’hôtel en Égypte, après des années de galères et d’addictions. Sa trajectoire est le revers du mythe glamour.
• Boy George — George O’Dowd — est la figure la plus médiatisée du mouvement, et de loin. Avec Culture Club, il porte le New Romantic dans les foyers du monde entier à partir de 1982. « Do You Really Want to Hurt Me », « Karma Chameleon » : des hits construits sur le malentendu calculé — une voix soul somptueuse, une androgynie totale, un discours sur l’identité qui n’a pas besoin de se formuler parce qu’il est littéralement incarné. Son autobiographie Take It Like a Man demeure un des témoignages les plus honnêtes sur cette époque.
• Duran Duran — Simon Le Bon, Nick Rhodes, John et Andy Taylor, Roger Taylor — sont le versant pop et commercial du mouvement, et ils l’assument. Depuis le Rum Runner de Birmingham, pas Londres, ils vont s’emparer de cette esthétique, en saisir le potentiel visuel et produire des clips conçus comme des oeuvres d’art à part entière. Précieuse anticipation alors que MTV émerge. Rio (1982) est un disque parfait.
• Adam Ant — Stuart Goddard au civil — précède le mouvement, le traverse, le dépasse. Son passage du post-punk glam avec Adam and the Ants à l’esthétique New Romantic tribale et guerrière — peintures de guerre, uniformes napoléoniens, rythmes Burundi superposés à des guitares punk — produit quelque chose d’unique. Malcolm McLaren, qui avait géré les Sex Pistols, lui vole ses musiciens en 1980 pour former Bow Wow Wow et lui recommande en échange de lire quelques livres d’ethnomusicologie. Adam Ant en tirera « Antmusic » (1980) et « Prince Charming » (1981) — deux des singles les plus fous de la décennie.

D’autres figures moins connues ont autant compté : Leigh Bowery, dont les tenues au Taboo club de Londres dans les années 1985-1994 ont poussé l’expérimentation corporelle et vestimentaire à des endroits que la mode mainstream n’avait pas imaginés — il deviendra le modèle favori de Lucian Freud. Marilyn, dont l’androgynie frontale a ouvert des voies que Boy George a ensuite rendues populaires. Philip Sallon, impresario et clubber qui a servi de point de connexion entre des mondes qui ne se parlaient pas.

La mode : quand la rue a précédé les podiums

Le New Romantic est un des rares mouvements de rue qui a précédé la mode institutionnelle plutôt que de la suivre (mode institutionnelle qui s’est ensuite jetée dessus avec une avidité qui en dit long sur la direction des influences).

Vivienne Westwood fait le lien entre les deux mondes. Elle avait habillé le punk depuis la boutique Sex sur King’s Road avec Malcolm McLaren, les t-shirts déchirés et les épingles à nourrice. Quand le New Romantic émerge, elle pivote avec une fluidité qui n’appartient qu’aux grandes. Sa collection Pirate de l’automne-hiver 1981 — le premier défilé hors de la Fashion Week officielle, dans une petite salle à Covent Garden — est directement nourrie par ce qu’elle voit dans les clubs : les vêtements construits, les références historiques assumées, le refus de la mode consensuelle. Si elle n’a pas inventé l’esthétique New Romantic, elle l’institutionnalise avec le génie qu’i lui est propre.’on lui connaît.

Dans la même mouvance, des designers sortis du Royal College of Art et de Saint Martins commencent à attirer l’attention : John Galliano diplômé de Saint Martins en 1984, développe une collection intitulée Les Incroyables, directement inspirée des dandys post-révolutionnaires français. Ce que la génération du Blitz portait dans les clubs du West End se retrouve sur les podiums trois ou quatre ans plus tard.

MTV et la mort du mouvement : quand le marché arrive

La chaîne MTV voit le jour en août 1981. Tout bascule alors pour le New Romantic — pour le meilleur et pour le pire.

Le mouvement était visuellement en avance sur l’ensemble du monde musical. Une esthétique aussi travaillée, aussi cohérente, aussi immédiatement traduisible en images, c’était exactement ce dont une chaîne qui ne diffuse que des clips avait besoin. Duran Duran, Culture Club, Spandau Ballet deviennent des stars mondiales en quelques mois. Le New Romantic traverse l’Atlantique à la vitesse d’un cheval au galop, initiant ce que la presse américaine baptisera la « Second British Invasion », après celle des Beatles et des Rolling Stones vingt ans plus tôt.

Malheureusement, cette mondialisation commerciale à marche forcée va diluer ce qui faisait la force du mouvement. Muée en produit exportable, l’esthétique New Romantic perd sa charge politique. Les jabots et les synthés envahissent les publicités, les shows télévisés, les imitations pullulent expurgés de l’intention d’origine. Le trendy efface ce que des gamins avaient fabriqué à la main dans des squats de Pimlico pour survivre à Thatcher.

Vers 1984-1985, le mouvement se fragmente. Certains basculent vers un funk électronique plus accessible — Duran Duran, Wham!. D’autres vont vers une électronique plus sombre qui préfigure l’industrial et le goth — Soft Cell, The The, certains titres de Siouxsie. D’autres encore disparaissent. Prophétique, le Blitz ferme ses portes dès 1980, annonçant la fin du cycle.

L’héritage : ce qu’on n’a pas fini de lui devoir

Quarante ans après, l’héritage du New Romantic est pourtant partout, sans que personne le sache.

La reconnaissance de l’identité gender fluid dans la mode et la culture pop mainstream — de Bowie à Prince en passant par Harry Styles, Lil Nas X ou Billy Porter — doit beaucoup à ces kids qui se maquillaient dans des clubs de Soho en 1980, quitte à se faire traiter de tous les noms.

L’idée que le clip est une oeuvre artistique à part entière est en grande partie liée à l’esthétique New Romantic. Les réalisateurs de l’époque, Russell Mulcahy ou David Mallet ont constitué un vocabulaire visuel — surexposition, théâtralité, décors non réalistes, qui va servir de fondation pour ce genre de contenu

Plus que tout, le New romnatic a démontré que la créativité n’a pas besoin de moyens pour être radicale. Des gosses sans argent coincés dans une Angleterre en récession ont su façonner une esthétique qui va influencer la mode, la musique, la culture visuelle mondiale pendant des décennies. Coudre sa veste à la main un samedi soir pour aller frimer dans un club est un acte politique autant qu’un acte artistique.

C’est peut-être ça, la leçon la plus dure à avaler pour ceux qui réduisent le New Romantic à des coiffures improbables et des synthés datés. Ce mouvement a prouvé que l’époque la plus hostile est parfois celle qui produit la culture la plus vivante. Thatcher voulait une Angleterre grise et productive. Elle a eu « Fade to Grey » et les jabots de Spandau Ballet. Ce n’est que justice.

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Fini le sport enfermé dans sa bulle. Entre les stades climatisés à outrance, les maillots jetables fabriqués à l’autre bout du monde et les déplacements massifs de supporters, le sport moderne pèse lourd sur la planète. Trop lourd. Pourtant, une lueur d’espoir émerge : des Jeux Olympiques aux clubs locaux, une prise de conscience s’opère. Mais entre véritables avancées et écoblanchiment, où en est-on vraiment ?

Des Jeux Olympiques « verts » ? Le casse-tête carbone de Paris 2024

Quand Paris a décroché les Jeux de 2024, la promesse était claire : réduire l’empreinte carbone de 54,6 % par rapport aux éditions précédentes. Résultat ? 1,59 million de tonnes de CO₂eq, selon le bilan officiel. Comment ? En misant sur 95 % de sites déjà existants ou temporaires, des matériaux biosourcés et une électricité 100 % renouvelable sur les sites.

Le Centre aquatique de Saint-Denis, avec sa charpente en bois et ses 11 000 sièges en plastique recyclé, incarne cette volonté. Pourtant, un point noir persiste : les déplacements des spectateurs, responsables de plus de la moitié des émissions. Malgré les partenariats avec la SNCF et les incitations au covoiturage, la question reste entière : comment concilier mobilité massive et sobriété carbone ?

La réponse passe peut-être par la norme ISO 20121. Adoptée depuis Londres 2012, elle encadre la gestion durable des événements, de l’achat des matériaux à la mesure des impacts. Mais attention : derrière les labels et les certifications, se cache parfois un greenwashing bien huilé.

Fédérations et ligues : des engagements ambitieux, mais des réalités contrastées

Elles affichent des objectifs Net Zero et des plans climat ambitieux, mais les fédérations sportives peinent encore à concilier performance écologique et logiques économiques. Pour tout dire,la transition est loin d’être gagnée. Derrière les communiqués triomphants, la réalité reste plus nuancée qu’il n’y paraît.

La Formule 1, entre vitesse et lenteur écologique

La Formule 1 a annoncé un objectif Net Zero d’ici 2030, avec un carburant 100 % durable dès 2026. Les chiffres sont impressionnants : –26 % d’émissions depuis 2018, selon le site officiel. Mais derrière ces promesses chiffrées, une réalité tenace : la logistique et les déplacements (avions privés, camions) restent le talon d’Achille de la discipline, comme le souligne le Wall Street Journal.

Football et rugby : des plans climat, mais des défis colossaux

Le World Rugby a aligné son plan 2030 sur les objectifs de l’ONU, avec une réduction de 50 % des émissions sans compensation. De son côté, la FIFA vise –50 % d’ici 2030 et le Net Zero en 2040, dans le cadre de l’initiative Sports for Climate Action.

Pourtant, les grands tournois (Coupe du Monde, Tournoi des Six Nations) continuent de générer des émissions massives, liées aux déplacements internationaux des équipes et des supporters. La route est encore longue.

SailGP : l’innovation par l’émulation

La SailGP a mis en place une Impact League qui note les équipes sur 10 critères (énergie propre, zéro plastique, inclusion…). Les meilleures pratiques sont récompensées, créant une émulation vertueuse. Un modèle à suivre, mais limité aux sports nautiques, moins émetteurs que le football ou la F1.

Équipements et terrains : la circularité en action

Le sport, souvent pointé du doigt pour son gaspillage, commence par ailleurs à réinventerses outils. Entre innovations circulaires et filières de réemploi, les équipementiers deviennent peu à peu les ambassadeurs d’une révolution silencieuse.

Des médailles olympiques recyclées

Les médailles de Tokyo 2020 ont été fabriquées à partir de métaux recyclés (32 kg d’or, 4 100 kg d’argent, 2 700 kg de bronze), issus d’un programme national de collecte d’e-déchets. Un symbole fort, mais qui ne suffit pas à résoudre le problème de fond.

Chaussures et textiles : la seconde vie des équipements

• Nike a lancé Reuse-A-Shoe et Nike Grind, avec plus de 130 millions de livres de matériaux recyclés, transformés en terrains de sport ou nouvelles chaussures.
• Decathlon mise sur la seconde vie, avec la reprise, le reconditionnement et la revente d’équipements.

Ballons et accessoires : le recyclage local

L’Opération Balle Jaune, lancée par la Fédération Française de Tennis, recycle les balles usagées en sols sportifs. Depuis 2009, des millions de balles ont été collectées. Une initiative locale, mais inspirante.

Les limites du sport vert : entre bonnes intentions et défis persistants

Le sport se pare de vert, mais les obstacles restent nombreux. Réduire l’empreinte carbone ne se résume pas à quelques gestes symboliques : il faut repenser en profondeur les modèles, des déplacements des supporters — premier poste d’émissions — à la transparence des bilans carbone, trop souvent opaques. Entre greenwashing et équipements abandonnés, les défis sont immenses, mais des solutions émergent, à condition de passer des promesses aux actes.

Le transport, talon d’Achille des grands événements

Malgré les engagements écologiques, les déplacements des spectateurs restent le point noir des mega-événements. Comment concilier affluence massive et sobriété carbone ? Certains misent sur des billets couplés à des transports en commun, comme l’a fait Paris 2024 avec la SNCF, ou sur des fan-zones locales pour limiter les trajets. Mais ces mesures suffiront-elles à inverser la tendance, alors que les avions, voitures et bus continuent de saturer les accès aux stades ?

Greenwashing : le piège du recyclage cosmétique

Recycler des sièges en plastique ou afficher des matériaux biosourcés ne fait pas une politique écologique. Comme le rappelle la Plastic Pollution Coalition, il faut une évaluation complète du cycle de vie — de la production à la fin de vie — pour éviter que l’écologie ne se résume à une opération de communication. Sinon, le risque est grand de tomber dans le verdissement de façade, où quelques gestes symboliques masquent une réalité bien moins reluisante.

Transparence : publier les bilans carbone, et après ?

Pour crédibiliser leurs engagements, les fédérations et organisateurs doivent rendre publics leurs bilans carbone, avec des données vérifiées par des tiers indépendants. Il ne s’agit pas seulement de communiquer sur des objectifs, mais de détailler les méthodes, séparer clairement la réduction de la compensation, et couvrir tous les périmètres (Scopes 1, 2 et 3). World Rugby, qui publie ses rapports annuels, montre la voie. Mais trop d’acteurs se contentent encore de chiffres flous et de promesses vagues.

Héritage : et si les stades devenaient des éléphants blancs ?

Construire un équipement olympique, c’est bien. Le rendre utile après les Jeux, c’est mieux. Trop de stades et d’infrastructures finissent abandonnés ou sous-utilisés, devenant des symboles de gaspillage. La solution ? Concevoir des équipements réversibles, modulaires et accessibles, comme le Centre aquatique de Saint-Denis , qui restera ouvert au public. L’enjeu n’est pas seulement écologique, mais aussi social : ces équipements doivent servir durablement, et pas seulement briller le temps d’un événement.

Boîte à outils pour un sport vraiment durable : passer des promesses à l’action

Récapitulons. Le sport veut se mettre au vert, mais par où commencer ? Entre normes internationales, innovations locales et transparence exigeante, les outils existent pour transformer les bonnes intentions en actions concrètes. Voici comment les fédérations, les clubs et les organisateurs peuvent réduire leur empreinte sans sacrifier la performance — et éviter de tomber dans le piège du greenwashing.

S’engager dans un cadre clair et contraignant

Pour éviter les déclarations creuses, rien ne vaut un cadre normatif strict. La norme ISO 20121, spécialement conçue pour les événements durables, impose une gestion rigoureuse des impacts environnementaux, de l’organisation à la logistique. De son côté, l’initiativeSports for Climate Action de l’UNFCCC offre une feuille de route claire : -50 % d’émissions d’ici 2030 et neutralité carbone en 2040. Ces outils ne sont pas des options, mais des nécessités pour crédibiliser une démarche écologique.

Repenser la mobilité : le transport, nerf de la guerre climatique

Le transport des spectateurs et des athlètes représente souvent plus de la moitié des émissions d’un événement. Pour y remédier, plusieurs leviers existent :

• Privilégier le train via des partenariats avec les transporteurs, en rendant les billets de train moins chers que l’avion ou la voiture.
• Développer le covoiturage et les navettes électriques pour les trajets locaux.
• Créer des fan-zones décentralisées pour limiter les déplacements longue distance.

L’enjeu ? Rendre la mobilité durable aussi attractive que performante.

Décarboner l’énergie et optimiser les ressources

Les stades et équipements sportifs peuvent devenir des modèles d’efficacité énergétique ; on peut :

• Installer des toitures photovoltaïques, comme au Centre aquatique de Saint-Denis, qui couvre 20 à 25 % de ses besoins électriques grâce au solaire.
• Récupérer les eaux de pluie pour l’arrosage des pelouses ou les sanitaires.
• Utiliser des systèmes de chauffage/climatisation bas carbone, comme la géothermie ou les pompes à chaleur.

Ces mesures ne sont pas seulement écologiques — elles sont aussi économiques sur le long terme.

Favoriser l’économie circulaire : rien ne se perd, tout se transforme

Le gaspillage n’est plus une fatalité. Plusieurs pistes permettent de boucler la boucle :

• Développer la seconde main, comme le fait Decathlon avec sa plateforme Seconde Vie, qui donne une nouvelle vie aux équipements usagés.
• Miser sur la location et la réparabilité plutôt que sur l’achat systématique de neuf.
• Créer des filières locales de recyclage, à l’image de l’Opération Balle Jaune de la Fédération Française de Tennis, qui transforme les balles usagées en sols sportifs.

L’objectif ? Faire du sport un acteur de l’économie circulaire, où chaque équipement a une deuxième, troisième, voire quatrième vie.

Assurer la transparence : mesurer, vérifier, communiquer

Sans transparence, pas de crédibilité. Pour éviter les accusations de greenwashing, il faut :

• Publier des bilans GES complets, avec des données vérifiées par des tiers indépendants.
• Séparer clairement la réduction des émissions de la compensation carbone, souvent utilisée comme un alibi.
• Suivre les progrès année après année, comme le fait le World Rugby avec ses rapports annuels.

La confiance se construit dans la rigueur — pas dans les communiqués triomphalistes.

Le sport peut-il vraiment sauver la planète ?

En tout cas, il peut largement participer au sauvetage. Des solutions existent — et certaines fonctionnent déjà. Les normes se durcissent, les filières de réemploi se structurent, et les preuves d’impact se multiplient, comme à Paris 2024 ou dans les initiatives locales. Mais le vrai défi reste devant nous :

• Désintoxiquer le sport de sa dépendance aux transports polluants.
• Éradiquer le greenwashing en exigeant des évaluations complètes et transparentes.
• Concevoir des équipements durables, qui ne deviennent pas des éléphants blancs après les compétitions.

Le sport a un pouvoir unique : celui de fédérer, inspirer et faire bouger les lignes. À lui de prouver qu’il peut aussi changer la donne écologique — et pas seulement les règles du jeu.

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Que vous dire ? Le titre est d’une simplicité déconcertante, presqu’une évidence désormais, il faut en tout cas l’espérer, le souhaiter de toutes nos forces. Mais dans les années 80, quand elle croise le chemin de Gabriel Matzneff, Vanessa Springora, du haut de ses 14 ans, n’a aucunement notion de ce que représente la notion de consentement, encore moins, et c’est cela qui fait frémir, son entourage. Il faudra attendre l’année 2020 pour que la gamine devenue femme témoigne de l’enfer qu’elle a vécu dans un récit de 216 pages dont l’ironie mordante dissimule mal la détresse.

L’ironie et la colère

Cette ironie n’est pas perceptible dans l’adaptation cinématographique que je regarde initialement. Signé Vanessa Filho, remarquablement interprété par Kim Higelin et Jean-Paul Rouve, le film prend déjà à la gorge. Mais comme toute adaptation de livre à l’écran, il manque forcément quelque chose du témoignage originel. Confirmation en plongeant dans ces pages : l’ironie, la colère y sont constantes, irriguant l’écriture, assurant la vibration du souvenir, de la détresse, de la déchirure subie. Le récit débute là où le film finit, avec la volonté de « prendre le chasseur à son propre piège, l’enfermer dans un livre ».

L’autrice commence par planter le décor. Famille éclatée, père absent et violent (le héros de Patronyme édité en 2025, qui creuse le sillon ébauché dans la première œuvre), mère paumée, enfant en quête de sens qui se réfugie dans la littérature et l’écriture. Comme le précise Vanessa avec beaucoup de lucidité et un sens consommé de la synthèse qui fait mal : « Un père aux abonnés absent qui a laissé dans mon existence un vide insondable. Un goût prononcé pour la lecture. Une certaine précocité sexuelle. Et surtout, un immense besoin d’être regardée. Toutes les conditions sont maintenant réunies ».

Un prédateur au visage de bonze

L’héroïne de ce conte qui tourne au cauchemar va rejoindre la trop longue cohorte de Lolitas que Gabriel Matzneff a inscrites sur son tableau de chasse à l’adolescente (où figurent également et en bonne place les petits garçons de Manille poussés à la prostitution par la misère). Autant de victimes sacrifiées sur l’autel des fantasmes et caprices d’un auteur sulfureux alors adulé par les intellectuels du monde entier. Le prédateur au visage de bonze impassible enjôle les ingénues pour mieux les vampiriser sexuellement, affectivement, émotionnellement et littérairement. Toutes finissent abandonnées quand elles s’avèrent trop âgées (16 ans en moyenne) et/ou trop collantes. Un abandon qui les disloque, les démolit.

Vanessa aura l’occasion de découvrir cette sororité dans la destruction. Une destruction dont elle ne se remettra jamais mais qu’elle dissèque néanmoins avec acuité au fil des paragraphes, faisant au passage référence à la littérature, Nabokov en tête, pour cerner le piège tendu, le modus operandi de G.M. Elle réduit son agresseur à ses initiales, lui rendant ainsi la monnaie de sa pièce, lui qui l’a baptisée V. dans son journal. Un anonymat de façade, on reconnaît vite qui est cette jeune fille dépeinte comme une véritable harpie, dont la photographie apparaît de loin en loin au fil des confidences du romancier qui se lamente de sa perversité, lui qui cherchait dans cette idylle la rédemption.

Car supplice il y eut

Photographies, lettres, anecdotes… des pans entiers de vie ont ainsi été exposés, sans jamais demander le consentement de Vanessa. Littéralement aveuglée par un prédateur qui sait utiliser les bons leviers psychologiques pour la mettre sous sa coupe et tout obtenir d’elle, Vanessa a servi d’objet sexuel (la question même de son plaisir n’est jamais prise en compte par son « amant »), de poubelle émotionnelle, de faire valoir, de réceptacle à la colère et à la frustration de son bourreau. Car supplice il y eut. Nous voyons sombrer cette adolescente abandonnée de tous. Déscolarisation, drogue, crise psychotique : c’est un miracle qu’elle s’en soit sortie. Son témoignage, comme celui d’Eva Ionesco, victime, elle, de sa mère, et à laquelle Vanessa fait référence, met en évidence une souffrance atroce, qui marque au fer rouge, dont on ne revient jamais tout à fait.

La souffrance qu’on n’entend jamais, parce qu’on ne veut pas, parce que tout est fait pour taire la chose, parce que les victimes n’osent pas parler, rongées qu’elles sont de honte, de culpabilité, de solitude. De terreur quasi épidermique quand leur agresseur les harcèle, ce que Matzneff fait régulièrement, noyant de lettres, de coups de fil, de mails, une Vanessa qui l’a enfin fui comme on fuit la peste, quand elle comprend qu’il viole des gamins de huit ans à chaque voyage en Orient. Et que personne ne trouve rien à y redire.

Dénoncer l’acceptation

C’est l’un des points forts du livre Le consentement : la dénonciation de l’acceptation, du consentement de la société. Tout le monde a l’air de trouver ça normal, charmant, drôle même. La seule à dénoncer la chose publiquement ? Denise Bombardier, autrice québecoise qui monte au créneau en pleine émission littéraire pour dénoncer les attirances pédophiles de Matzneff. L’émission s’appelle « Apostrophes », elle est cornaquée par Bernard Pivot, vue par des milliers de spectateurs. Nous sommes en 1990 et Bombardier sera raillée par les invités, critiquée pour son manque d’ouverture d’esprit, conspuée pour avoir attaqué une auteur de génie.

Ou quand l’agresseur devient victime, par la grâce d’une société complice où la femme qui se plaint est une mégère, les gamines des allumeuses hystériques qui n’ont de valeur que parce qu’elles alimentent une œuvre littéraire. La prise de conscience opérée via l’écriture de Springora est brutale et sans concession. Devenue éditrice, elle dénonce la complicité de ceux qui ont publié la prose pédopornographique de Matzneff. Ils savaient, ils n’ont rien fait, pire, ils ont encouragé ces propos. Aujourd’hui, ce genre d’écrit n’ayant plus la faveur du public, il n’intéresse plus les maisons d’édition. La douleur profonde et irréversible des victimes, elle, demeure.

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Pour celles/ceux qui nous lisent régulièrement, nos focales sur la soirée Velu.e ne sont plus une nouveauté vu que cela fait trois ans à la louche que nous évoquons la programmation de ce « cabaret viscéral changeforme et détonnant » pour reprendre les termes de l’équipe qui drive ce projet ô combien rafraîchissant. Un projet qui n’est pas sans évoquer l’Eldorado tel qu’il sévissait durant les années 20/30 à Berlin. Zoom sur un phénomène de société au travers du documentaire Eldorado : Le Cabaret honni des nazis que lui ont consacré Benjamin Cantu et Matt Lambert en 2023.

Un laboratoire des libertés

Direction Berlin des années folles. Le cabaret Eldorado est au coeur de la révolution queer en marche dans la foisonnante capitale allemande. Le mythique nightclub constitue alors une « safe zone » où gays, lesbiennes, personnes trans, drag queens et kings s’épanouissent sans crainte. Dans une Allemagne déchirée par la crise économique, les soubresauts de la république de Weimar, ce véritable laboratoire social accouche au quotidien d’une modernité audacieuse, où l’art, la transgression et la liberté sexuelle se déploient avec une vitalité inouïe.

Parmi les dizaines de bars et clubs queer qui animent la ville, l’endroit se distingue par son ambiance inclusive et son public bigarré. Ici, la clientèle queer côtoie des hétérosexuels fascinés par cette effervescence, dans un élan commun de curiosité. Les spectacles de drag, les bals costumés, les performances artistiques se succèdent frénétiquement, fleurissant dans ce formidable terreau d’émancipation. À l’entrée, une phrase résume l’esprit des lieux : « Hier ist’s richtig » (« Ici, c’est juste »). Un manifeste en trois mots, une promesse d’acceptation inconditionnelle.

Portraits croisés : les visages de l’Eldorado

L’endroit attire les célébrités, donnant ainsi à voir les contrastes de la société allemande de cette époque. On y croise, entre autres :

• Magnus Hirschfeld, sexologue et militant infatigable de la cause LBGT, fondateur de l’Institut pour la science sexuelle, pionnier des recherches sur la diversité des genres. Son héritage, aujourd’hui célébré, fut violemment réprimé par les nazis.
• Charlotte Charlaque et Toni Ebel ; considérées comme deux des premières femmes trans à avoir subi une opération de réassignation sexuelle, ces véritables icônes incarnent la visibilité et la résilience de la communauté trans sous Weimar. Leur histoire, à la fois lumineuse et tragique, illustre les possibilités offertes par cette époque — et leur brutale interruption.
• Ernst Röhm, chef de la SA et bras droit d’Hitler, et son lieutenant Karl Ernst, tous deux homosexuels. Leur fréquentation assidue du cabaret révèle une hypocrisie glaçante : ces mêmes hommes, piliers du régime nazi, seront assassinés en 1934 lors de la Nuit des Longs Couteaux, une purge visant à « nettoyer » le parti de ses éléments « indésirables », dont les homosexuels. Leur destin rappelle cruellement comment la communauté queer, y compris en son sein, fut trahie par l’idéologie qu’elle côtoyait.

La fin d’un rêve : répression et devoir de mémoire

Avec l’arrivée d’Hitler au pouvoir, le paragraphe 175 — qui criminalise l’homosexualité — est renforcé. L’Eldorado ferme ses portes en 1932. Ses clients sont traqués, déportés, assassinés. La Gestapo éradique méthodiquement la scène queer berlinoise, effaçant des décennies de progrès sociaux et culturels.

Eldorado : Le Cabaret honni des nazis est un miroir tendu à notre époque, un rappel que les libertés sont fragiles et que les espaces de résistance, comme l’était l’Eldorado, restent vitaux pour les communautés marginalisées. En redonnant voix aux survivants, en questionnant les experts, en honorant les disparus, le film accomplit un geste essentiel : il préserve une mémoire trop souvent effacée, et célèbre la résilience d’une culture queer qui, malgré tout, a survécu.

Pourquoi ce récit résonne-t-il aujourd’hui ? Parce qu’il nous parle de liberté, de courage, et des dangers de l’oubli. L’Eldorado fut bien plus qu’un cabaret : ce fut un symbole de ce que la tolérance et l’audace peuvent construire — et de ce que la haine peut détruire. À l’heure où les droits des personnes LGBTQ+ sont encore menacés dans de nombreux pays, ce documentaire est un appel : se souvenir, pour mieux résister.

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Dans la série « Streetartistes qui méritent le détour », je demande Théo Haggaï. La trentaine, les mains usées par l’usage de la ponceuse, l’œil à l’affût et les pieds ancrés au sol, Haggaï a délaissé fresques gigantesques et bombes de peinture pour jouer les colmateurs de brèches en mode minimaliste/miniaturiste. Petit Poucet persévérant et poétique, il parsème ainsi l’espace urbain de délicates mosaïques gravées aux allures de peintures primitives où le noir et le bleu dialoguent avec l’or.

Opération créative en plusieurs temps

Son mode opératoire est désormais rôdé :

• repérer une brèche, un trou, une fissure dans un mur lors d’une balade ;
• en prendre l’empreinte avec un morceau d’argile extrait d’une poche ou prélever l’éclat de pierre qui manque de se déceler ;
• revenir à l’atelier, trouver un motif (Haggaï n’en manque guère, il en a dessiné des blindes quand il bossait encore comme caissier chez Monop à Lyon) ;
• peindre la surface du morceau en noir, graver le motif, le rehausser d’or ;
• une fois sec, retourner le replacer pour terminer le colmatage … et transformer le mur ainsi rebouché en œuvre d’art. Et en message visant à interpeler le passant.

L’espoir des lendemains meilleurs

Et le faire réfléchir. La silhouette du Rêveur, ce petit bonhomme aux contours imprécis, désigne l’humanité, les laissés pour compte, ceux qu’on ne voit plus mais qui avancent dans la vie malgré tout, avec l’espoir des lendemains meilleurs. Jérôme Mesnager avait son homme en blanc pour animer en grandeur nature les murs des grandes villes, Théo Haggaï, lui, joue la discrétion, la fragilité, pour insuffler de la délicatesse dans les parois anonymes et sales des cités modernes.

Geste d’amour, tendresse du regard, constance du projet : entre kintsugi, peinture aborigène, mandalas et dessins de Keith Harring, les créations de Haggaï ont beau être discrètes, elles chantent bien haut le besoin d’être ensemble, en écho, en osmose. Et de s’envoler au dessus des masses de béton pour retrouver un peu d’oxygène mental.

Vandalisme inversé

Ne vous y trompez pas cependant : sous ses airs de modeste poète, Haggai pratique un acte de vandalisme inversé. Là où certains dégradent, lui répare. Là où la ville s’effrite dans l’indifférence, il injecte du luxe (l’or) et de la sueur (la ponceuse). C’est un « do it yourself » viscéral : pas besoin de l’autorisation de la mairie pour soigner une plaie de béton. C’est ça, la street culture : reprendre le pouvoir sur son environnement, un éclat de pierre après l’autre.

Alors, la prochaine fois que vous traînez vos pompes dans le 20ème ou ailleurs, levez le nez de votre smartphone et ouvrez l’oeil. L’art de Théo ne vous saute pas à la gorge, il se mérite. C’est une chasse au trésor urbaine où le gros lot n’est pas une liasse de billets, mais un petit électrochoc intellectuel, un shoot de lucidité poétique pour court-circuiter la grisaille et l’intolérance qui règne.

Pour aller plus loin

Découvrez le travail de Théo Haggai sur son site web.

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