Quand il s’agit de dire les choses clairement, Kathryn Bigelow n’a que peu de concurrents. On se souvient encore du magistral Zero Dark Thirty qui abordait sans concession la traque de Ben Laden, entre course à l’information quitte à user de la torture et attentats en série. Très musclée et incisive dans ses approches, Bigelow remet le couvert avec A House of dynamite. Et cela n’est pas fait pour nous rassurer.

Le cul sur un caisson de TNT

Car la dame déterre une menace oubliée : la peur d’une guerre nucléaire. Née en 1951, elle a grandi en pleine guerre froide quand les bombes A, H et consort proliféraient à la surface du globe. Avec la Détente, le péril atomique a doucement été écarté (pour preuve il déserte progressivement les épisodes de la saga James Bond qui lui préfèrent la question de l’eau, du pétrole, des médias ou d’internet et de la surveillance numérique). Mais pour Bigelow, c’est se mettre la tête dans le sable que d’ignorer un danger omniprésent dans un univers où, paradoxe des paradoxes, on communique de plus en plus mal.

D’où A House of dynamite qui revient à dire que nous avons tous le cul sur un caisson de TNT prêt à péter. Et si cela arrivait, nous serions loin de pouvoir gérer la crise. Tout commence en mode « banalité du quotidien » pour ces femmes et ses hommes impliqués à différents niveaux dans la sécurité des USA. Sauf qu’en une micro-seconde, un missile nucléaire sorti d’on ne sait où vu qu’un radar a merdé fait basculer cette quiétude qui a tout de la torpeur. Et là c’est le bordel débouchant sur le chaos. En 19 minutes, c’est plié. Le bazar n’a pu être neutralisé, il tombera à l’aveugle sur le sol américain.

Neutraliser … à l’aveuglette

A partir de là, que fait-on ? Évacuer les populations ? Pas le temps, on exfiltre les plus importants, les autres y resteront, tant pis (sympa pour Mr Tout-Le-Monde, vous et moi donc, qui seront incinérés en une micro-seconde s’ils ont la chance d’être au point d’impact). Répliquer ? Il faudrait, histoire de neutraliser d’autres lancements. Sauf qu’on ne sait pas qui a paramétré le missile et qu’en neutralisant à l’aveuglette, on encourage vivement les autres (Russes, Chinois, Coréens du Nord, Iraniens et autres) à répliquer voire même à anticiper en balançant leurs ogives sur le pays de l’oncle Sam. Se concentrant sur ces 19 minutes cruciales, Bigelow évoque trois strates décisionnelles : postes techniques (Alaska/Missile Defence), commandement central (STRATCOM), Maison-Blanche et Président. Et chaque strate, c’est juste la confusion.

Des protocoles qu’il faudrait appliquer à la lettre mais qui ont des angles morts à foison (big up au cahier de lancement des ogives nucléaires qui ressemble à un menu de restau) ; des décideurs qui perdent de précieuses minutes à douter puis à discutailler quand ils ne perdent carrément pas les pédales ; des outils qui dysfonctionnent qu’on de semande si ce n’est pas le destin qui fait exprès (écrans qui merdent, portables qui lâchent, réseaux en rideau…). Franchement pas glorieux mais si réaliste à l’heure de coupes budgétaires qui restreignent moyens technologiques et humains). Et c’est bien là que ça vous fiche un upercut. Le récit de Bigelow est réaliste. Pas du délire, mais la réalité comme se plaît à le rappeler un général au POTUS incarné par un Idriss Elba saisissant de vérité dans son angoisse et ses doutes.

Démolir le MAGA spirit

Là où il faudrait communiquer le plus fluidement possible pour éviter l’escalade et le point de non retour, c’est juste inaudible d’un bout à l’autre de la planète. L’expérience de la crise Cuba débouchant sur l’installation du téléphone rouge n’aura finalement pas servi longtemps de leçon. Retour au point 0, aberration sans nom à l’heure du tout numérique. Tout numérique qui ne sert plus à grand-chose quand il ne reste que deux minutes avant l’impact fatal et que vous n’avez d’autres options que d’appeler vos proches pour leur dire combien vous les aimez alors que vous savez qu’ils vont mourir et que vous n’y pouvez plus rien.

Clairement le film va vous secouer et pas forcément vous plaire. Pour tout dire, le Missile Defense Agency (MDA) et le Pentagone ont sorti les crocs, prétextant que leur système d’interception était infaillible (dixit The Independant), ce que le film contredit. Idem avec Trump qui n’est pas ravi ravi de l’image de vulnérabilité renvoyé par un récit qui démolit le MAGA spirit sans pitié… et à raison ? Difficile d’observer ces images, ces situations ô combien délicates sans penser à ce que ferait Trump en semblable posture. Pas dit qu’il jouerait sur la diplomatie. Or c’est de cela qu’il s’agit. Savoir stopper ses élans de soit-disant male alpha pour essayer de préserver ce qui peut encore l’être. Et cela, nous savons tous que le monsieur en est incapable.

Un scénario réaliste

On pourrait se dire que Bigelow exagère. Problème : le scénario signé Noah Oppenheim a été façonné avec des spécialistes, des experts, militaires, anciens responsables, personnes ayant travaillé dans les « rooms » de crise du Pentagone et du STRATCOM (cf l’article de Netflix expliquant le pourquoi du comment) ; il regorge de références, d’acronymes, de termes techniques), est d’une rare précision sur les protocoles, les organigrammes. Il restitue avec pertinence la montée en tension, la manière dont chacun.e va gérer ce basculement. Servi par un casting de haut vol (Elba pré-cité, Rebecca ferguson, Jared Harris, Jason Clarke, Tracy Letts, Gabriel Basso, Moses Ingram et consort), le récit fait le lien entre événement, gestion de la crise et des émotions générées.

Doute, aveuglement, anxiété, terreur, chagrin, frustration… toute la palette des sentiments les plus intenses saisit ces personnages confrontés à un impensable qu’ils sont sensés pour gérer (ils sont formés pour, comme ils aiment à le répéter). Mais peut-être le croient-ils un peu trop. Ce n’est pas la première fois, que les USA, convaincus de leur toute puissance, se plantent. Forte d’un regard journalistique sans concession, Bigelow tire ici la sonnette d’alarme à raison ; à l’heure où les tensions géopolitiques se multiplient (Russie/Ukraine, Chine/Taiwan), ce film entre docu-fiction et thriller tombe à point pour sensibiliser, sinon les puissants, du moins les populations. Et il y parvient magistralement.

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Civil War : au premier visionnage, ce film m’a laissée anéantie. Avec en bouche un goût de prémonition. Une sorte de miroir tendu où apparait la violence la plus crue. La plus inutile. Le brûlot d’Alex Garland est sorti sur les écrans en 2024. Nous terminons l’année 2025 et chaque image de ce road movie en enfer trouve écho dans la réalité. Ce qui n’a rien de rassurant.

Guerre intestine

Civil War : alors que les États-Unis se déchirent, qu’une guerre intestine ravage le pays, met à mal les populations, quatre journalistes quittent New-York et ses émeutes pour rallier Washington et obtenir une interview du président retranché dans une maison Blanche fortifiée. Leur périple va tourner à l’odyssée macabre tandis qu’ils approchent de leur but. Scène après scène, l’hyperpuissance américaines se décompose ainsi que ses valeurs démocratiques. On torture, on exécute, on massacre. Les milices de la Mort opèrent un peu partout, dans une totale impunité et sans jamais qu’on en comprenne les motivations, les revendications.

Ces séquences pourraient avoir lieu au Salvador, au Chili, en Sierra Leone, en Haïti, au Népal. Garland, qui n’évoque jamais les origines de ce conflit fratricide, scotche le spectateur en ancrant ces moments insupportables dans la riante campagne américaine, avec en toile de fond des paysages d’une beauté confondante. Grandeur imperturbable de la nature vs vide idéologique de l’affrontement humain. Personne ne brandit de manifeste, personne ne prononce de grands discours sur la liberté ou la justice. On se bousille allègrement, on fait parler les armes, pas de loi, plus de justice. Le Far West.

Fracture permanente

Prémonitoire et terriblement actuel : Garland pointe du doigt une Amérique où la fracture est instituée en état permanent, en mode de vie. La guerre n’est plus un affrontement d’idées, c’est un système par défaut, une toile de fond pour survivre. Les milices tirent sur tout ce qui bouge. Les soldats exécutent sans se poser de questions. L’apocalypse (now) surgit entre deux champs de maïs. La banalité de l’horreur est terrifiante précisément parce qu’elle n’a pas besoin de se justifier. Plus d’idéologie = plus de limite. Juste la barbarie comme langage universel.

Au cœur de ce cauchemar, quatre reporters. Lee (Kirsten Dunst, magnétique), la légendaire photographe de guerre dont le prénom évoque Lee Miller, qui a tout vu, tout enduré, tout sacrifié et qui n’en peut plus de capturer autant de brutalité avec son objectif. Joel (Wagner Moura), l’écrivain survitaminé qui carbure à l’adrénaline (avec alcool et came en prime). Sammy (Stephen McKinley Henderson), le vétéran sage, journaliste expérimenté mais si vieux qu’on se demande comment il va tenir le choc. Et Jessie (Cailee Spaeny), 23 ans, des étoiles dans les yeux et un Nikon en bandoulière, qui va ici faire son initiation. Leur boussole morale ? On photographie pour que les autres posent les questions. Cette phrase, c’est leur doctrine. Leur carapace. Leur condamnation aussi.

L’héritage Robert Capa

Le film expose la réalité du journalisme de guerre et c’est clairement un sacerdoce doublé d’un chemin de croix. Le badge « PRESS » ne protège de rien. Dans une scène glaçante, un tireur d’élite (joué par Jesse Plemons, terrifiant) leur demande froidement : « Quel genre d’Américains êtes-vous ? » avant de décider s’ils méritent de vivre ou non. La presse n’est plus un contre-pouvoir, juste une cible supplémentaire. Lucide, cruellement. Presque documentaire jusque dans la restitution du caractère de ces reporters addicts au tumulte. Lee et ses camarades ont besoin d’être au cœur de l’action, pour capter la photo qui va « changer le monde », l’info qui va faire le scoop. Leur cynisme constitue l’armure nécessaire pour continuer à regarder l’horreur en face. Ils sont les héritiers de Robert Capa, cherchant toujours à être « assez près » – quitte à y laisser leur humanité… et leur vie.

Et Garland de nous transmettre cette frénésie via l’astuce filmique des arrêts sur image. En pleine séquence d’action, il interrompt le mouvement pour nous balancer une photo fixe de cette même action. Une fraction de seconde. Un corps qui s’effondre. Un visage figé dans la terreur. Un soldat mort les yeux ouverts. Le sang poisseux qui se répand. Le feu, les explosions, l’angoisse, la colère. Ces images sont pensées comme des agressions visuelles. Le procédé force ainsi le spectateur à vivre l’expérience du reporter : faire fi du danger pour capturer l’instant, le figer, le transformer en document. En objet. En marchandise de l’horreur ? Dixit tous ces clichés atroces qu’on consomme à la pelle sur nos fils d’actu et qui nous insensibilisent ?

Tragique passation

C’est l’incohérente fatalité à l’œuvre dans cette fable qui a tout du réel. Lee, photographe émérite, talentueuse ô combien mais usée jusqu’à la corde émotionnellement et physiquement, passe le flambeau à la jeune Jessie qu’elle initie comme le ferait une grande prêtresse d’une néophyte. Jessie qui, au fil des fusillades et des escarmouches, va oublier sa peur pour s’abandonner tandis que Lee, elle, s’étiole. La passation trouvera son accomplissement tragique lors de l’assaut final sur la Maison Blanche. Une scène magistrale qui invoque le pouvoir démiurgique de l’image, la vie, l’énergie qu’on vole lorsqu’on photographie quelqu’un.

Une sorte de portrait ovale en temps de guerre, un instant d’une beauté terrifiante. Et qui laisse le spectateur sans voix, honteux, recroquevillé dans son fauteuil comme un gosse terrifié par les le fracas des rafales de fusil d’assaut, les explosions, les cris. La conception sonore du film ici est essentielle, répartie entre fusillades, hurlements, silences et morceaux de pop et country qui habillent ces séquences de combat pour les rendre encore plus intolérables.Histoire de rappeler que la destruction fait partie de l’ADN culturelle des USA en particulier et de l’humanité en général ?

Civil War donc ? Un électrochoc. Garland ne nous offre aucun réconfort, aucune catharsis. Pas de héros qui sauvent la situation. Pas de fin heureuse. Un constat glacial, visionnaire : quand une démocratie se fracture, quand la violence se banale, quand les reporters sont des cibles… il est déjà trop tard. Hommage déchirant au journalisme de guerre, à ces hommes et femmes qui risquent leur vie pour que nous sachions, le film souligne LA problématique par excellence : à quoi sert-il de témoigner si personne n’écoute ? Or aujourd’hui, plus personne n’écoute, ne regarde, ne décrypte. Garland n’évoque pas un futur dystopique mais une sinistre réalité en train de se concrétiser sous nos yeux, dans l’indifférence générale. Et quand on observe ces images, on a le sentiment qu’il est déjà trop tard.

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La Goûteuse d’Hitler ? Nous sommes en 1943, en Prusse orientale ; la jeune Rosa est réquisitionnée pour goûter les repas du Führer. Au cœur de la tanière du loup, la Wolfsschanze, elle et ses compagnes d’infortune risquent leur vie à chaque bouchée pour préserver celle d’un Hitler vieillissant et piégé dans sa démence. Avec cette intrigue, Rosella Postorino pénètre et ausculte les entrailles d’un pouvoir tyrannique jusqu’à la folie, paranoïaque intrinsèquement, à bout de souffle mais fanatique jusqu’à la destruction totale.

Une femme ordinaire dans l’ombre du tyran

« Nous sommes entrées une par une. Après plusieurs heures d’attente debout dans le couloir, nous avions besoin de nous asseoir. La pièce était grande avec des murs blancs. Au centre, une longue table en bois déjà dressée pour nous. Ils nous ont fait signe de nous y installer.

Je me suis assise et j’ai croisé les mains sur mon ventre. Devant moi, une assiette en porcelaine blanche. J’avais faim. »

Secrétaire berlinoise, Rosa Sauer a vu sa vie bouleversée par la guerre. Envoyée chez ses beaux-parents après la perte de sa maison et l’absence de son mari envoyé au front, elle n’a guère d’autres choix que d’entrer au service des nazis en tant que goûteuse. La voici incorporée à un groupe de femmes forcées de tester chaque plat qu’Hitler pourrait avaler. La mission est ambiguë, mêlant privilège matériel et angoisse permanente de mourir empoisonnée.

Une conscience ambivalente

Cette ambiguïté transpire dès les premières lignes du roman. Narré à la première personne, le récit laisse transparaître les pensées intérieures de Rosa : ses peurs, ses doutes, ses souvenirs, sa culpabilité de « mauvaise Allemande ». Nullement acquise à la cause nazie, elle se sent complice par le simple fait de survivre, de s’alimenter via cette fonction pourtant dangereuse. Les restrictions pèsent alors sur ses concitoyens ; Rosa, elle, mange à sa faim, quitte à en mourir.

Postorino dissèque ainsi la conscience ambivalente d’une femme soumise à un système dont elle devine le caractère atroce puisqu’elle en subit l’impact jour après jour. Pour ce faire, l’autrice s’inspire du témoignage réel de Margot Wölk, la seule goûteuse survivante, un témoignage tardif, 70 ans après les faits ; mais Rosa, elle est inventée de toutes pièces, pour incarner une vérité narrative plus profonde, une intensité psychologique rare.

Climat de défiance

Le rythme du récit est mesuré, le langage très tenu, très sobre. Loin des bombardements, des scènes de combat ou d’extermination, l’accent est mis sur l’ennui oppressant des jours, la contradiction entre manger à sa faim et craindre la mort à chaque bouchée, la sensation de normalité qui se fissure peu à peu. Ironie subtile, lucidité glaçante : le plaisir du goût devient une torture morale, vécue différemment par chacune de ces femmes qui s’affrontent au quotidien dans un climat de défiance insupportable.

Et sans jamais se rebeller, ou alors pas de manière concrète. Ainsi, La Goûteuse d’Hitler interroge le lecteur sur la manière dont des individus ordinaires sont absorbés par des systèmes totalitaires, comment ils sont contraints, soumis, exploités, manipulés. À travers un regard féminin et intime, l’histoire révèle la complexité de ces choix imposés. Lauréate de prestigieux prix littéraires en Italie et en France (Campiello, Jean Monnet…), Rosella Postorino réussit à rendre palpable l’irréalité du quotidien sous un régime extrême : c’est à la fois poignant et percutant.

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9 juillet 2025 : après 14 éditions dont la dernière s’est achevée le 25 juin, le Champs‑Élysées Film Festival (CEFF) annonce sa disparition. « Clap de fin » vont claironner les médias en relayant l’info à chaud. Habituellement, ce genre d’info, nous évitons de les diffuser sur The ARTchemists, nous attachant plus à filer des pistes et des recos pour ouvrir/enrichir l’horizon culturel de chacun.e. Mais en l’état, cet événement nous a interpellé.es de par sa signification, ce qu’il traduit de l’état de la culture en France et ailleurs, ce qu’il laisse présager. Explications.

Un rendez-vous incontournable du cinéma indépendant

Posons le cadre pour ceux/celles qui ignoreraient de quoi il s’agit : né en 2012, le festival des Champs-Élysées s’est imposé comme le rendez-vous incontournable du cinéma indépendant, un tremplin pour des réalisateurs trop marginaux pour bénéficier des circuits de diffusion classiques. Chaque été, les salles prestigieuses de la plus belle avenue du monde – Publicis, Le Balzac, UGC George V, entre autres – accueillent avant‑premières, masterclasses, conférences avec à la clé une sélection ambitieuse dédiée aux cinéastes émergents.

A l’origine de cette initiative, Sophie Dulac. Productrice et distributrice, exploitante de salle, reconnue pour son engagement en faveur du cinéma d’auteur, elle est née dans une famille liée au monde des médias (c’est la petite-fille de Marcel Bleustein-Blanchet, fondateur de Publicis). Œuvrant d’abord dans le recrutement, elle va finalement se tourner vers le cinéma, fonde Sophie Dulac Productions dès 1999, rachète en 2001 la chaîne Les Écrans de Paris (qui regroupe des salles indépendantes comme l’Arlequin, le Reflet Médicis ou le Majestic Bastille). En 2003, Dulac Distribution voit le jour, une locomotive de la diffusion de films d’auteur, de documentaires et de premières œuvres.

Un pilier des coproductions franco-américaines

Aujourd’hui ce qui est devenu Maison Dulac Cinéma distribue environ dix à douze films par an et compte un catalogue riche de plus de cent titres. Bref, Dame Dulac et ses sociétés sont enracinées dans l’univers du cinéma ; le Champs-Élysées Films Festival a été façonné dans cette perspective de développement, afin de construire des ponts entre la France et les USA. Un véritable levier stratégique pour les entités sus-citées : en mettant en lumière de jeunes talents de part et d’autre de l’Atlantique, le CEFF constitue un sas entre les marchés européens et nord-américains, favorisant l’émergence de projets communs en partenariat avec par exemple US In Progres.

Cette ligne éditoriale assumée a permis à la Maison Dulac d’identifier des films à fort potentiel, de tisser des liens avec des agents internationaux et de positionner ses productions sur des circuits festivaliers majeurs comme Sundance ou Tribeca (dixit FilmFreeway). Cette logique s’inscrit dans une volonté plus large de faire de la Maison Dulac Cinéma un acteur incontournable des coproductions franco-américaines et de la diffusion d’un cinéma d’auteur international. Dit autrement, le CEFF permet à la constellation Dulac de propulser ses films, d’alimenter ses réseaux de distribution.

La dislocation d’une interface économique et culturelle

Rien d’étonnant, nombre de festivals intégrant une partie pro ont cet objectif (cf le festival de Cannes ou le MaMA). Là où ça devient problématique, c’est que la fin du CEFF ne marque pas seulement la disparition d’un événement cinéphile ; elle représente la dislocation d’une interface économique et culturelle, au service d’une vision artisanale du cinéma à l’ère des géants du streaming. Le point culminant d’un malaise latent ?

• Rappelons le licenciement abusif du directeur historique du Reflet Médicis, en écho aux témoignages de management toxique au sein des structures Dulac, témoignages relayés dans les médias, notamment Libé, et évoquant climat d’angoisse, pression incessante, harcèlement. Ces révélations ont d’ailleurs conduit plusieurs membres du jury de l’édition 2025 à démissionner, dans un climat de tension palpable (dixit Les Inrocks).
• Cette ultime édition a eu lieu sur fond de démantèlement des aides publiques et de fermeture progressive des salles emblématiques sur l’avenue. Une fragilité économique sur laquelle Sophie Dulac rebondit pour expliciter la fin de l’événement.

Ce que cela révèle du monde du cinéma indépendant

La disparition du CEFF cristallise clairement plusieurs mutations profondes du paysage cinématographique.

1. La crise des festivals indépendants : le CEFF était une anomalie vertueuse : petit par l’échelle, mais fort par l’identité. En fédérant passionnés et professionnels autour du cinéma exigeant entre France et États-Unis, il jouait un rôle essentiel dans l’émergence des auteurs indépendants. Sa disparition laisse un vide d’autant plus perceptible qu’il n’existe pas d’équivalent identitaire dans la capitale.
2. La pression des plateformes numériques : face à l’ascension irrésistible de Netflix, Prime Video ou Disney+, les festivals traditionnels se voient obligés de réinventer leur modèle. Beaucoup d’indépendants sont désormais limités à des espaces virtuels ou à des plateformes spécialisées. Or, un festival physique comme le CEFF offrait une visibilité, un point de rencontre et d’échange, une expérimentation collective impossible à reproduire sur écran.
3. L’urgence de l’éthique et du respect humain : le scandale du management toxique touche un nerf : aujourd’hui, la culture ne peut plus être dissociée du bien‑être des personnes qui la font vivre. L’arrêt du festival pointe du doigt l’incompatibilité entre exaltation artistique et pratiques managériales précaires – un signal fort : protéger les équipes est autant une condition qu’un impératif pour porter des projets culturels.
4. La fragilité économique de la filière : les festivals tiers – souvent structurés comme de petites PME – subissent la baisse généralisée des subventions et la raréfaction des lieux physiques. La fermeture du CEFF démontrerait que, sans appui financier stable et vision politique, aucun projet n’est à l’abri, même valorisé par le public.

L’après-CEFF : un défi à relever

Ci-gît le CEFF. La question alors se pose : quel futur pour le cinéma indépendant à Paris ?
Un vide symbolique et logistique vient de s’ouvrir… et suscite un appel à la créativité. Collectivités, associations, entrepreneurs culturels vont-ils valoriser ce moment pour redéfinir un projet hybride ? En ont-ils seulement les moyens à l’heure de la grande tonte des subventions ? Un festival plus modeste, tourné vers l’humain, flexible, connecté, mais surtout éthique et durable, pourrait certes reprendre le flambeau, mais comment ?

Le CEFF ne disparaît pas simplement d’un calendrier culturel — il ramène sur le devant de la scène la vitalité et les fragilités du cinéma indépendant. Sa disparition émeut, questionne sur les conditions d’une renaissance. Les amateurs de cinéma, spectateurs de l’ombre et cinéphiles passionnés, sont prêts à le soutenir. Reste à savoir qui aura le courage, la créativité, les moyens… et l’honnêteté, de construire ce projet.

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Difficile d’évoquer Les Hommes du président et Gaslit sans ajouter à cette liste déjà prestigieuse la série The White House Plumbers. Sortie en 2023, Les Plombiers de la Maison Blanche, vient compléter la fresque télévisuelle autour du scandale du Watergate de flamboyante et grotesque manière, avec une particularité non négligeable : exit le thriller le drame psychologique, on mise ici sur la satire ! Objectif : raconter comment des hommes convaincus de sauver l’Amérique ont précipité la chute de sa présidence… en accumulant les ratés. Résultat ? Une comédie grinçante, absurde, parfois pathétique et terriblement lucide.

Des “plombiers” pour colmater les fuites

C’est ainsi que Howard Hunt et G. Gordon Liddy se baptisent, allant jusqu’à fièrement afficher cette qualification sur la plaque qui orne l’entrée de leur bureau à la Maison Blanche. Ces deux anciens agents (de la CIA pour l’un, du FBI pour l’autre) ont initialement été recrutés pour éviter les fuites d’informations compromettantes dans les médias. C’est qu’au cœur du pouvoir, on se remet mal de la diffusion des Pentagon papers en une des grands quotidiens nationaux, New-York Times et Washington Post en tête. Et des infos compromettantes, on en a beaucoup, beaucoup en réserve.

Du coup, on prend désormais les devants. Mission pour le binôme Hunt/Liddy : empêcher que d’autres grandes magouilles du gouvernement soient divulguées à la presse par un lanceur d’alerte en quête de justice. Et pour ce faire, les deux barbouzes ont carte blanche. Seulement voilà : ce n’est rien de dire que ce sont des zéros pointés. Obsédés par leur vision d’une Amérique conservatrice et anti-communiste, paranoïaques au possible, patriotes jusqu’au fanatisme, Hunt/Liddy multiplient les opérations clandestines grotesques pour discréditer les opposants à Nixon. Et c’est là qu’on apprend que l’effraction ratée du Watergate, qui fera basculer l’Histoire, n’est que le point d’orgue d’une longue série de ratages.

Ubu roi version USA

Des ratages dignes d’un numéro de clowns. The White House Plumbers se distingue de récits plus sérieux comme All the President’s Men, en prenant carrément le contre-pied de l’approche press movie : ici l’affaire du Watergate apparaît pour ce qu’elle est : une farce. Bévues énormes, égos surdimensionnées, convictions absurdes… c’est Ubu roi version USA ! Avec à la clé une morale mémorable : la chute d’un régime se joue certes dans les hauteurs du pouvoir, les colonnes d’un journal … mais aussi via les décisions incongrues de sous-fifres convaincus d’avoir raison.

Alex Gregory et Peter Huyck à la création, Woody Harrelson en Hunt, Justin Theroux en Liddy, le duo fonctionne à merveille pour camper ce couple improbable et fusionnel. Ajoutons entre autres Lena Headey, Ike Barinholtz, Domhnall Gleeson, Judy Greer à ce casting flamboyant. La série repose sur des bases plus que saines pour donner à voir ce côté burlesque/cartoonesque totalement inattendu mais véridique (chaque épisode se termine par un encart soulignant la véracité des faits relatés, histoire de bien enfoncer le clou, de souligner que si un scénariste avait inventé pareille intrigue, on lui aurait jeté son texte à la figure).

Une caste profondément pourrie

On rit, on rit jaune, mais on rit. Et plus on rit, plus on est mal à l’aise. Parce que les “plombiers” sont ridicules. Parce que leur ridicule va engendrer un séisme politique majeur. Parce qu’avec leur incompétence crasse, ils vont entraîner leurs familles, leur pays dans leur chute. Aveuglement idéologique, radicalisation insidieuse, extrémisme politique, les mécanismes du fanatisme sont ici autopsiés avec beaucoup d’acuité. La corruption également. Le cynisme dirigeant aussi : les cinq épisodes de cette fresque tonitruante mettent en avant une constellation de scandales composant les racines de ce monument de connerie qu’est le Watergate.

On en parle peu ou pas, mais mises bout à bout, ces affaires éclairent le profond pourrissement d’une caste prompte à tous les coups bas pour conserver sa position dominante. Quitte à envoyer au casse-pipe des pauvres gars qui croient en un président qui va les abandonner sans aucun scrupule. Comme l’explique très bien la conclusion de la série, Nixon, s’il démissionne, ne sera jamais poursuivi, ne fera jamais de prison, contrairement à ses hommes de main. Il y a dans ce récit un peu de la morgue de James Ellroy, fin narrateur des trafics secrets propres au pouvoir américain ; il y a aussi un lien intéressant avec la série Gaslit, une approche satirique et un regard complémentaire sur les dommages collatéraux.

Les hommes du président furent eux aussi frappés de plein fouet. Abandonnés à leur sort. Oubliés, méprisés par un président qu’ils adulaient, prêts à tout pour le conserver à sa place alors qu’il était déjà certain de remporter le pouvoir. On les devine dès les premières images incompétents et obtus, on les découvre au fil de leur déchéance naïfs et manipulables. Comme quoi il ne faut jamais vénérer un politique, quel qu’il soit ?

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Le film Pentagon Papers (2017) se termine sur l’effraction du Watergate, reprenant presque plan par plan le début du film culte d’Alan J. Pakula. Réalisé en 1976 Les Hommes du président (All the President’s Men) poursuit la saga médiatique entamée par Spielberg quarante après, s’imposant ainsi comme une référence incontournable du press movie. Un classique du genre et un choc filmique qui n’a rien perdu de sa puissance ni de sa justesse : au coeur de ce récit, le scandale du Watergate tel qu’il fut dévoilé par le Washington Post.

Deux journalistes face à l’État

Washington, 1972. Une étrange effraction a eu lieu dans les locaux du Parti démocrate, au sein de l’élégant complexe du Watergate. Une affaire mineure ? Pas pour Bob Woodward (Robert Redford) et Carl Bernstein (Dustin Hoffman), deux jeunes journalistes du désormais très couru Washington Post. Leur flair ne les trompe pas : ce banal fait divers cache en fait une véritable affaire d’État.

Manipulations, pressions politiques et menaces se multiplient. À force d’obstination, de recoupements et de nuits blanches, les deux reporters, cornaqués par un certain Ben Bradlee, rédacteur en chef du post et initiateur de la publication des Pentagon papers, remontent la piste jusqu’à la Maison-Blanche. Résultat : la démission, deux ans plus tard, du président républicain Richard Nixon, qui préfère jeter l’éponge que d’être reconnu coupable d’avoir orchestré cette opération d’espionnage et d’avoir tout fait pour l’escamoter, quitte à mentir et trahir.

Un thriller d’investigation

Sous ses dehors de film “parlé”, Les Hommes du président démontre de manière éclatante le pouvoir de la presse et de sa nécessité démocratique, une pure émanation, fondatrice du reste, du journalisme drama, autrement appelé press movie. Mais c’est aussi un thriller frénétique, d’une redoutable efficacité.

Pas de courses-poursuites, pas de scènes de crime : tout se joue dans les silences, les appels téléphoniques, les classeurs poussiéreux, les cafés tièdes et les machines à écrire. Alan J. Pakula filme cette enquête comme une descente dans les sous-sols du pouvoir, avec une mise en scène au scalpel. La lumière aveuglante de la salle de presse où les deux reporters rédigent leurs articles dialogue avec les ombres des parkings où des sources anonymes dévoilent les dessous de cette sale histoire de barbouzes. Plans séquence prenants, gros plans scrutateurs, c’est le triomphe du réalisme, sans effets ni glamour.

Redford/Hoffman : le duo parfait

Robert Redford et Dustin Hoffman, qui incarnent Woodward et Bernstein (le duo était surnommé Woodstein par leur rédacteur en chef), livrent des performances sobres et tendues. Ils campent deux journalistes ordinaires, déterminés, maladroits, humains. Leur alchimie repose sur leurs différences : l’un est méthodique, l’autre instinctif. Ensemble, ils incarnent la presse dans ce qu’elle a de plus précieux : le doute, la rigueur, l’obsession de la vérité.

Au-dessus d’eux plane la figure de Ben Bradlee (Jason Robards), rédacteur en chef droit dans ses bottes, qui leur donne les moyens d’agir… mais aussi la responsabilité qui va avec. Il fallait ce casting (et l’excellente B.O. de David Shire) pour donner de l’épaisseur au scénario et porter cette réflexion sur le rôle des institutions, le courage individuel, la place du citoyen face au pouvoir, cela sans tomber dans la leçon morale.

Quatre Oscars et un modèle

Pas de grands discours : le film montre, il ne théorise pas. Il fait confiance au spectateur pour saisir l’ampleur du scandale, l’importance du travail de fond, et les menaces sourdes qui pèsent sur les libertés. En cela, il reste très actuel. À l’ère des infox, de la défiance envers les médias et des intimidations politiques, ce film des années 70 sonne comme un avertissement.

Sorti en 1976, à peine deux ans après la démission de Nixon, le film est un coup de poing démocratique. Il a reçu quatre Oscars, dont celui du meilleur scénario adapté, ce qui est plus que justifié. Car ce longt métrage constitue le modèle du film de journalisme, influençant toute une génération de cinéastes, d’enseignants… et de journalistes eux-mêmes.

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Steven Spielberg n’a jamais eu peur d’affronter l’Histoire. Avec Pentagon Papers (The Post, 2017), il signe un film d’une actualité brûlante, en explorant l’un des tournants les plus décisifs de la liberté de la presse américaine. Porté par Meryl Streep et Tom Hanks, ce thriller politique met en scène la course contre la montre du Washington Post pour publier les « Pentagon Papers », ces documents confidentiels révélant les mensonges de l’administration américaine sur la guerre du Vietnam. Un film sur le passé ? Peut-être. Mais surtout, une alerte sur notre présent.

Scandale d’État et journalisme d’investigation

Tout commence en 1971. Daniel Ellsberg, analyste militaire et premier lanceur d’alerte de l’histoire moderne s’il en est, divulgue à la presse une étude secrète commandée par le Pentagone, qui montre que les gouvernements successifs, de Truman à Nixon, savaient que la guerre du Vietnam était une impasse, mais ont sciemment menti à l’opinion publique pour ne pas perdre la face, quitte à sacrifier les vies des jeunes soldats envoyés là-bas (58 209 morts sur les 2 millions de victimes du conflit). Le New York Times commence à publier les documents… avant d’être bloqué par une injonction de la Maison-Blanche.

Publier, c’est risquer une accusation de haute trahison, ce qui n’est pas rien. Le Washington Post, alors dirigé par Katharine Graham (Meryl Streep), hésite : publier à son tour ou se soumettre ? Risquer la prison, la faillite, la perte de crédibilité (au moment où le quotidien entre en bourse)… ou défendre le droit fondamental d’informer et de révéler la vérité ? Comme à son habitude et avec le talent qu’on lui connaît, Spielberg, en grand amateur d’Hitchcock qu’il est, transforme ce dilemme médiatico-politique en un suspense haletant, où les enjeux moraux, économiques et sociétaux se mêlent.

Une ode aux femmes qui prennent le pouvoir

Sous ses allures de thriller politique à l’ancienne, Pentagon Papers est aussi le portrait d’une femme qui s’affirme dans un monde d’hommes. Katharine Graham, veuve discrète devenue éditrice par nécessité, se retrouve propulsée en première ligne d’un combat médiatique, juridique et idéologique qui ne la dépasse pas tant que ça.

Son cheminement intérieur — de la peur et de l’effacement à la détermination — donne au film une dimension intime, vibrante, profondément féministe. Le personnage de Ben Bradlee (Tom Hanks), rédacteur en chef énergique et pur jus « old school » (qui sera au coeur de l’enquête sur le scandale du Watergate), vient contrebalancer cette évolution. Ce tandem incarne deux faces complémentaires de la presse libre : le feu de l’investigation et la prudence stratégique.

Spielberg, chef d’orchestre engagé

Réalisé en quelques mois seulement, dans une urgence assumée, Pentagon Papers est un film au rythme tendu, au découpage d’une efficacité redoutable. Spielberg y déploie tout son savoir-faire : mouvements de caméra fluides, montage nerveux, ce sens du cadre qui donne du souffle à la parole.

Mais c’est surtout un film profondément politique. Spielberg, Streep et Hanks s’engagent ouvertement contre la montée des populismes, la remise en question de la presse, les attaques contre la vérité. Le film, tourné sous l’administration Trump, fait ainsi écho à des débats toujours d’actualité :

• Quelle est la place du journalisme face au pouvoir ?
• Jusqu’où peut-on aller pour défendre le droit de savoir ?
• La démocratie peut-elle survivre sans une presse libre ?

Le dérangeant miroir de notre époque

Dans un monde saturé d’informations, de désinformation et de manipulation, Pentagon Papers sonne comme un rappel essentiel : la vérité a un prix. Et ceux qui la défendent, journalistes, lanceurs d’alerte, éditeurs, prennent des risques — pour nous.

C’est aussi un hommage à la presse papier, aux rotatives, aux bouclages de nuit, aux doutes de dernière minute, aux discussions en salle de rédaction. Une autre époque, pas si lointaine, où on savait enquêter, où tenir tête au pouvoir n’était pas une stratégie marketing, mais un acte de courage, un engagement citoyen.

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Les articles sur l’actu à chaud, c’est pas forcément notre truc. Mais quelquefois ça a du bon. Je profite donc de la chronique sur le documentaire Opération Trump pour revenir un instant sur le travail de sape culturelle que la figure de proue des MAGA a accompli depuis son retour à la tête des USA. Un travail de sape déjà bien bien entamé via une série de décisions et d’actions coup de poing qui remodèlent (« bousillent», faut appeler un chat un chat) le paysage culturel et artistique des États-Unis. Avec des effets délétères qui dégagent une odeur de souffre fasciste et pas mal de questions de survie artistique.

Haro sur le monde de la culture et de l’art made in USA

Les mesures adoptées manu militari et tout en muscle par Trump et ses séides pour démanteler le tissu créatif américain suivent un process méthodique. Objectif : on tire à vue sur tout ce qui ressemble à de la diversité. Concrètement ça donne quoi ?

La réduction du soutien fédéral aux arts (je traduis : on coupe les vivres)

Trump a réduit les financements pour les arts en modifiant les priorités budgétaires des agences fédérales, notamment le National Endowment for the Arts (NEA). Dans son nouveau plan budgétaire, il a redirigé les fonds vers des projets conservateurs qui reflètent sa vision politique. Un exemple selon le site Axios.com ? « The National Endowment for the Arts (NEA) is prioritizing grants to arts organizations that « celebrate and honor the 250th anniversary of the signing of the Declaration of Independence, » per an agency email obtained by Axios. » (Le National Endowment for the Arts (NEA) donne la priorité aux subventions accordées aux organisations artistiques qui « célèbrent et honorent le 250e anniversaire de la signature de la Déclaration d’indépendance », selon un courriel de l’agence obtenu par Axios.) Cette réallocation des ressources met en péril de nombreuses initiatives culturelles qui favorisent la diversité, l’inclusion et l’art non conventionnel.

La dissolution du comité pour les arts et les sciences humaines (je traduis : les musées sont mis en coupe réglée, des expos annulées par dizaines)

Le Comité présidentiel pour les arts et les sciences humaines (PCAH) a été dissous en janvier 2025, annulant ainsi une initiative clé qui conseillait le président sur les politiques culturelles. Ce comité soutenait les projets artistiques fédéraux, mais Trump a opté pour la suppression de cet organisme, réduisant l’impact des conseils sur la direction artistique nationale. Le site beauxarts.com précise : « Dès le 23 janvier dernier, la National Gallery of Art de Washington a été contrainte de mettre fin à tous ses programmes de diversité (présentés comme sa priorité en 2021) et de fermer son bureau d’appartenance et d’inclusion. Même chose, dès le 28 janvier, pour la Smithsonian Institution à Washington, qui regroupe 21 centres de recherche et musées de la ville, dont le National Museum of African American History and Culture. »

La prise en main du Kennedy Center (je traduis : on noyaute les grandes institutions culturelles et on les met au pas)

Comme l’explique Libération, « Donald Trump a pris par surprise la tête du conseil d’administration du Kennedy Center le mois dernier, une décision qui a profondément choqué le monde de la culture (et ça se comprend). Fondée en 1971, cette institution accueille deux millions de visiteurs par an ainsi que plus de 2 200 performances et expositions. Mais Trump a décidé de changer les choses à sa manière car en 2023, «le Kennedy Center a présenté un spectacle de drag-queens visant spécifiquement notre jeunesse». Il a ainsi promis une nouvelle programmation qui «ne sera pas woke».Ce geste a été interprété comme un signe de contrôle sur les formes d’expression culturelle jugées non conformes à son idéologie. Exit donc les spectacles de drag queens au Kennedy Center… et dans d’autres institutions qui ont suivi le mouvement.

Le démantèlement des équipes dirigeantes des institutions (je traduis : on place à la tête des infrastructures des personnes qui nous sont dévouées et qui feront ce qu’on ordonnera sans rechigner)

Ces mesures s’accompagne bien évidemment d’une refonte brutale des équipes directrices. Trump modifie les gouvernances de lieux culturels à qui mieux mieux, virant les membres jugés progressistes, imposant une programmation plus conservatrice, dixit Apnews à propos du Kennedy Center déjà cité : « President Donald Trump says he is firing members of the board of trustees for the John F. Kennedy Center for the Performing Arts and naming himself chairman» (Le président Donald Trump a annoncé qu’il renvoyait les membres du conseil d’administration du John F. Kennedy Center for the Performing Arts et qu’il se nommait lui-même président).
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La censure et l’intimidation dans le domaine du livre (je traduis : on fait en sorte que les livres qui ne vont pas dans le sens de notre idéologie ne voient JAMAIS le jour)

Les politiques de Trump incluent aussi des formes de censure implicite, en particulier en matière de politique sociale et de représentation de certains groupes. Le monde de l’édition est frappé de plein fouet comme en témoigne cet article du journal Le Monde : « Encouragées par la Maison Blanche, les campagnes d’intimidation visant les librairies et les bibliothèques ont pris une nouvelle ampleur. Leur objectif, bannir des rayonnages les ouvrages sur la sexualité, l’identité de genre ou traitant de la lutte contre les discriminations. La crainte est forte que les éditeurs renoncent à publier certains auteurs. »

Les pleins pouvoirs sur l’architecture officielle (je traduis : maintenant nos villes vont ressembler à ce que nous pensons être le mieux, le plus convenable, le plus approprié, le plus représentatif de la grandeur américaine)

La volonté de torpiller la culture et l’art touche également l’architecture. Comme le souligne un article de beauxarts.com : « le nouveau président des États-Unis Donald Trump a inauguré son mandat par la signature de nombreux décrets, dont un visant à imposer un certain style d’architecture aux bâtiments publics américains. Baptisé « Promouvoir une belle architecture civique et fédérale », ce dernier ordonne que les futurs bâtiments publics recourent à une architecture « traditionnelle, régionale et classique » afin de redonner sa « noblesse » à la nation américaine ».

Un démantèlement méthodique et expéditif

Investiture le 20 janvier 2025. A peine deux mois plus tard, l’ensemble des structures culturelles américaines est touché en profondeur. En parallèle, les mesures visant à protéger l’environnement, les politiques sociale et d’intégration subissent le même sort. Le démantèlement de la fresque « Black lives matter » symbolise cette politique d’effacement menée de manière expéditive pour revenir au modèle d’une Amérique WASP où il ne fait pas bon être de couleur, femme, queer, athée ou autre que protestant et pauvre.

Culture et patriotisme

Au cœur du non-programme culturel de Trump, la tradition et l’histoire de l’Amérique blanche. Dans ses discours comme dans ses actions, Trump fait le lien entre culture et patriotisme. Sa vision de l’art valorise clairement l’identité nationale, au détriment des tendances artistiques contemporaines ou progressistes. Sa politique culturelle s’inscrit donc dans une logique de défense des « valeurs traditionnelles » de l’Amérique, excluant souvent les expressions artistiques qui, selon lui, remettent en question ces valeurs. Expressions artistiques actuellement mises à mal par les récentes décisions. Nous avons évoqué les secteurs impactés, l’architecture étant un exemple particulièrement frappant de cette politique rétrograde. Une autre facette est révélatrice : la conception pour le moins rétrograde de l’éducation artistique et des subventions fédérales pour les arts.

Sous sa première administration déjà, Trump avait tenté à plusieurs reprises de réduire ou d’éliminer le financement de certaines initiatives éducatives en lien avec l’art et la culture, notamment celles qui soutiennent les programmes d’arts dans les écoles publiques.Dans le cadre de son budget proposé pour 2018, il avait proposé de couper les financements de l’Art and Humanities Program et du National Endowment for the Arts (NEA) cité précédemment du reste. Or ces institutions sont au coeur de la promotion de l’éducation artistique et de la création culturelle. Mais leurs programmes ont été jugés par l’administration Trump comme des dépenses inutiles dans un contexte de réduction drastique des budgets publics, notamment pour des activités considérées comme « non essentielles ».

Éducation rentable et non marxiste

Dans ses propositions budgétaires, Trump met l’accent sur un soutien accru pour les initiatives éducatives liées aux sciences, à la technologie, à l’ingénierie et aux mathématiques. Cette vision est en grande partie motivée par le désir de moderniser l’économie américaine et de répondre aux besoins d’une économie de plus en plus tournée vers la technologie. En d’autres termes, on arrête d’investir dans des programmes perçus comme « non rentables », ignorant au passage l’impact des arts sur l’esprit critique, la créativité et la culture civique, des valeurs essentielles à une société démocratique. Avec en prime le dégraissage violent entrepris par Elon Musk au sein des administrations américaines, le département de l’éducation se retrouve à la peine, le ministère menacé d’une dissolution complète, cf Slate.

Petite précision qui date de là tout de suite via les médias et plus spécifiquement Le Monde : Trump vient de signer le décret sabordant le ministère de l’éducation. L’ensemble de ses prérogatives, si jamais le Sénat valide cette décision au terme d’un vote exigeant 60 voix sur 100 passerait aux Etats, qui feraient alors ce qu’ils veulent avec l’éducation. Exit donc ce chantier initié par un Jimmy Carter désireux de promouvoir l’égalité des chances face à la transmission des savoirs. Et l’occasion pour le clan trumpiste de dénoncer un projet mené par une bureaucratie marxiste et à forte tendance raciste (comprenez « anti-blanc »).

La fac visée en profondeur

Rien de surprenant au finish. Le démantèlement du ministère de l’éducation va de pair avec le dynamitage en règle des universités. En mars 2025, l’administration Trump a annoncé l’annulation de 400 millions de dollars de subventions fédérales à l’Université de Columbia (l’une des plus prestigieuse du pays quand même dixit Fundit.fr qui précise : « Classée 1re aux États-Unis pour la recherche, elle figure au 6e rang mondial (4e aux États-Unis) du classement CUWR des 1000 meilleurs universités mondiales et au 8e rang mondial du Classement Shanghai des universités. L’université administre chaque année le Prix Pulitzer. » ). Cette décision était motivée par ce que l’administration considérait comme une inaction face au harcèlement présumé d‘e ’étudiants juifs sur le campus, en violation des lois fédérales antidiscriminatoires.

Un prétexte. D’autres sont concernées. Selon Newslooks.com, l’administration Trump a ainsi suspendu 175 millions de dollars de financement fédéral à l’Université de Pennsylvanie en raison de ses politiques concernant les athlètes transgenres, qualifiées de « dégradantes, injustes et dangereuses pour les femmes et les filles ». Les exemples de ce type pullulent. Toutes les facultés américaines se retrouvent donc confrontées à un dilemme : se conformer aux directives de l’administration pour éviter des pertes de financement fédéral et des enquêtes, ou résister et risquer des sanctions financières. On imagine l’ambiance dans les campus : suppressions de postes, refus de bourses, sujets de thèse rejetés car non conformes à la nouvelle idéologie, programmes de recherches scientifiques impactés.

Des retombées catastrophiques

On imagine bien qu’avec pareil traitement de choc, les USA vont tanguer à plus d’un titre. Pas besoin d’être voyante pour se faire une idée assez sombre de l’avenir scientifico-artistico-culturel du pays.

Une vision culturelle vitrifiée

Selon ce modèle culturel reposant sur un nationalisme culturel étroit, seules les voix et les perspectives jugées conformes à une certaine version « patriotique » de l’Amérique vont être valorisées. La culture va s’uniformiser (c’est déjà bien parti avec l’hégémonie du modèle de récit netflixien et la main mise des réseaux sociaux), les formes d’art alternatives marginalisées. Exit l’expérimentation et l’innovation.

La régression des libertés artistiques

Censure à tous les niveaux = contrôle des contenus culturels = réduction de la liberté d’expression et de création. Exit l’accès à des œuvres critiques abordant le racisme, les inégalités sociales ou la diversité des orientations sexuelles, virées des collections de musées, des classes, des sujets de recherche ; exit également l’émergence de jeunes artistes visionnaires du moins par le biais des circuits éducatifs publics (traduction : il faudra avoir de l’argent pour accéder à une formation culturelle digne de ce nom).

Déclin intellectuel en vue

Petit rappel : les arts et l’éducation créative sont essentiels pour développer la pensée critique, l’innovation et l’empathie. En éradiquant ces disciplines, on prive les générations futures de l’outillage intellectuel nécessaire pour comprendre et naviguer dans des sociétés complexes et mondialisées. Et cerise sur le gâteau, on enclenche la raréfaction des talents créatifs nécessaires pour renouveler la scène artistique mais aussi l’industrie cinématographique, musicale et littéraire des États-Unis.

Conclusion en forme de résistance

C’est le soft power à l’américaine qui va en prendre un sacré coup. Quelle marge d’action pour les acteurs du secteur ? La démission outragée ? L’annulation des spectacles ? Les manifs ? Les pétitions ? La mobilisation collective devient une urgence pour renforcer les réseaux de soutien et les coalitions afin de défendre les droits artistiques et promouvoir la diversité culturelle.​ Cela passe par :

• L’engagement juridique aka contester les décisions gouvernementales perçues comme anticonstitutionnelles ou portant atteinte à la liberté d’expression devant les tribunaux.​
• Le plaidoyer public, la sensibilisation via les médias aux enjeux actuels de la liberté artistique, afin de générer un soutien large et informé.​
• La diversification des financements. L’argent, c’est le nerf de la guerre il va falloir trouver des sources de financement alternatives, mécénats privés, campagnes de financement participatif, subventions internationales.

Dans un contexte de crise internationale, pas évident que ça marche. Reste la rébellion. Le travail en clandestinité. Le retour au DIY. Le partage des moyens, des connaissances. L’art confronté à la connerie humaine de masse type fascisme a toujours trouvé des manières de s’organiser pour survivre. A suivre donc avec attention et le doigt sur le clavier pour repérer/partager/soutenir ce que feront les artistes américains pour ne pas se laisser égorger comme des moutons.

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Pour comprendre le présent, il faut se tourner vers le passé. C’est très exactement ce que fait Antoine Vitkine avec le documentaire Opération Trump, les espions russes à la conquête de l’Amérique. Réalisé en 2024, ce documentaire d’une exceptionnelle qualité passe au crible les relations entre l’ancien promoteur immobilier américain et la Russie. Et cette love story pose à la fois question et problème.

Quand l’extrême droite américaine chante les louanges de Poutine

Les problèmes, on les découvre au quotidien, depuis que Trump a repris la main sur le pouvoir américain. Abandon de l’Ukraine laissée sans armes ni moyens, négociation de paix menée à la manière d’un mafieux avec des méthodes de voyou, Russie brossée dans le sens du poil de toutes les façons possibles : c’en est gênant tellement c’est grossier et brutal. Derrière Trump, c’est tout un pan de la droite américaine, la plus extrême, la plus dure, qui chante les louanges du régime de Poutine. Et ce n’est pas une nouveauté.

Le documentaire a le mérite de replacer cet engouement contraire au positionnement traditionnel des USA dans le cadre plus large d’un conflit géopolitique vieux de près d’un siècle. À peine la Seconde Guerre mondiale terminée, les Soviétiques veulent noyauter l’empire capitaliste américain et ils vont tout faire pour y arriver. C’est le KGB qui se charge de l’opération dans l’atmosphère hypertendue de la Guerre Froide. Les agents infiltrés se multiplient, qui espionnent… et qui influencent.

Éloge de la patience et de la ténacité ?

Objectif : approcher des pontes de l’économie américaine pour en faire des ambassadeurs de l’URSS. Cela prendra le temps qu’il faudra. L’URSS un jour s’effondre mais la logique reste. Les graines semées dans les années 60 vont faire souche avec la Russie d’après la chute du mur de Berlin : aujourd’hui, nous en récoltons les fruits plus qu’amers. S’appuyant sur des archives, explications et témoignages, qui de politiques, qui d’enquêteurs, qui d’anciens du KGB, Vitkine met à plat une mécanique qui a pris des décennies à se mettre en place.

Éloge de la patience et de la ténacité ? Il est sûr qu’on reste un brin ébahi par l’obstination de Poutine… et la malléabilité de Trump. La narration du documentaire permet de faire le lien entre le calendrier russe et les déclarations du clan Trump. Et il faut bien dire que les coïncidences sont plus que nombreuses, pour ne pas dire méthodiques. Le mot est rarement prononcé et jamais de manière intelligible, mais on flirte ici avec la haute trahison dont je rappelle au passage la définition selon Wikipédia :

« un crime qui consiste en une extrême déloyauté à l’égard de son pays, de son chef d’État, de son gouvernement ou de ses institutions. Ce crime est souvent associé avec celui d’intelligence avec l’ennemi ».

Quid de l’avenir ? En évoquant le passé, Vitkine interroge des lendemains dont les contours sont on ne peut plus flous. Poutine a placé un pantin à la tête de la Maison Blanche en s’invitant discrètement mais très efficacement dans les deux campagnes présidentielles de Trump. Maintenant que la chose est actée, que va-t-il se passer ? Jusqu’où Trump va-t-il aller avant que ses pairs ne le stoppent ? Est-ce seulement possible ? La situation est non seulement inédite mais contraire à la vision du monde dictée par un siècle d’impérialisme à l’américaine. Les cartes à coup sûr sont redistribuées, mais de quelle manière, cela reste à voir. Ce qui est spur, c’est que l’ingérence russe, telle qu’elle est mise à jour par Opération Trump, les espions russes à la conquête de l’Amérique, risque fort de faire régresser le statut dominant des USA. Quitte à déliter cette superpuissance ?

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Amateurs d’architecture et de design ou simples curieux désireux de parfaire votre culture, il est une visite dont vous ne devez pas faire l’économie. Perchée sur les hauteurs de Poissy, la Villa Savoye, n’attend que vous. Imaginée par l’architecte visionnaire Le Corbusier, cette villa d’agrément achevée en 1931 est bien plus qu’une simple maison de vacances : c’est un manifeste architectural, un trésor de l’art moderne, un lieu où l’espace, la lumière et les formes se rencontrent avec une audace fascinante.

Un fleuron de l’architecture moderniste

Cet édifice d’une blancheur aveuglante incarne à lui seule les cinq points de l’architecture moderne définis par Le Corbusier, de son vrai nom Charles-Edouard Jeanneret-Gris. Suisse d’origine, naturalisé français, il va marquer l’histoire de l’urbanisme et de l’architecture avec ses idées révolutionnaires, transformant radicalement la manière de concevoir l’habitat dans les années 30.

Formes épurées, fonctionnalité, simplicité, la rupture avec les styles traditionnels est explicité dans l’ouvrage Les cinq points de l’architecture moderne publié en 1926, dont la villa Savoye est une pure émanation : la structure repose sur des pilotis qui élèvent la maison, offrant une légèreté visuelle à la construction. Les fenêtres en bandeau baignent l’intérieur d’une lumière naturelle en continu, créant une sensation d’espace fluide entre les pièces.

Une austérité feinte

Visiter la Villa Savoye, c’est découvrir de l’intérieur l’esprit d’un visionnaire qui a profondément marqué l’architecture du XXe siècle. Le Corbusier a en son temps voulu réinventer l’habitat, en alliant la beauté formelle à la praticité quotidienne. Chaque pièce, chaque perspective révèle l’intelligence de la conception. Le plus fascinant demeure l’austérité feinte de la villa, derrière laquelle se cache en réalité une complexité de pensée et une attention aux moindres détails.

Pour les amoureux d’histoire, ce voyage dans l’avant-garde des années 1930 met en évidence la volonté des architectes de l’époque de changer la manière de vivre, de développer des lignes épurées, des superficies ouvertes. Pour les passionnés de design, c’est une immersion dans un espace où l’esthétique moderniste se déploie à chaque coin de pièce, depuis les rangements intégrés dans les murs jusqu’à la formidable salle de bain en passant par la rampe d’accès aux étages.

Dialogue avec l’environnement

La Villa Savoye est une véritable leçon d’architecture à ciel ouvert. On y apprend l’importance de la lumière, de l’espace, et de la relation entre l’intérieur et l’extérieur. Le Corbusier voulait que cette villa soit en dialogue constant avec son environnement, et vous le ressentez en déambulant dans les pièces baignées de lumière, en admirant les perspectives qui s’ouvrent sur la verdure environnante. C’est aussi un lieu qui interroge notre rapport à l’habitat moderne : comment concevoir des aires de vie fonctionnelles tout en restant en phase avec la nature et le bien-être ?

Le toit-terrasse illustre cette problématique, qui transforme cette maison en un véritable jardin suspendu, une ouverture vers la nature, loin des conventions architecturales de l’époque. L’ensemble est un exemple parfait d’équilibre entre fonction et esthétique, où chaque détail est pensé pour offrir une expérience sensorielle unique. Explorer la Villa Savoye, c’est comme pénétrer dans une œuvre d’art, un lieu où l’architecture devient un langage à part entière, langage qui ne cesse d’inspirer des générations d’architectes, d’artistes et de visiteurs.

Alors, si vous cherchez une escapade culturelle à deux pas de Paris, ne cherchez plus : la Villa Savoye vous attend, prête à vous enchanter et à vous révéler les secrets d’une architecture en avance sur son temps. À vos agendas !

Pour en savoir plus et organiser votre visite, consultez le site de la villa Savoye.

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