Méfiance sociétale vs déploiement industriel

Avec les lunettes connectées, le débat sur la présence des caméras dans notre espace public franchit clairement un cap irréversible. Si les smartphones imposent un geste visible pour filmer (lever le bras, pointer l’écran), les lunettes intelligentes abolissent cette frontière, en rendant la prise de vue indécelable et parfaitement intégrée au regard. La chose ne laisse personne insensible. Une polarisation pour le moins musclée est en train de s’installer tandis que les offres se multiplient.

La CNIL veille au grain, car ce type d’appareil est propice aux captations illégales et non consenties de tout poil. L’inquiétude règne par ailleurs dans certains espaces culturels, établissements bancaires, écoles, casinos, boîtes de nuit, salles de spectacle et autres lieux où la captation illicite pourrait occasionner pas mal de dégâts en terme de piratage, d’atteinte à la vie privée, de vol de données ou de triche.

Exagération ? Comme un fait exprès, les géants de la Big Tech n’y vont pas de main morte pour imposer ce nouvel objet connecté/augmenté dans nos existences, déployant au passage une stratégie de normalisation à marche forcée pour le moins vicelarde.

Cas d’école : les lunettes connectées Ray-Ban Meta

Exemple type : les lunettes connectées Ray-Ban Meta. En dissimulant sa technologie dans le design iconique du modèle Wayfarer, Meta tape fort pour différentes raisons.

• Le modèle Wayfarer est l’une des paires de lunettes de soleil les plus vendues au monde depuis les années 1950 (cela se chiffre en centaines de millions de vente selon Wikipedia). La monture Ray-Ban Meta reprend exactement ce design mythique ; il est impossible de la distinguer à l’œil nu et à plus d’un mètre d’une paire de Wayfarer classiques.
• Interdire les lunettes connectées est un vœu pieux difficile à mettre en application. Cela supposerait de contraindre toutes les personnes portant des lunettes de ce style à retirer leur monture pour une inspection minutieuse (vérifier la présence de la micro-caméra dans la charnière, le bouton de capture ou la LED). On imagine les files d’attente interminables générées à l’entrée desm usées ou des banques, la friction constante avec la clientèle et lecoût humain ingérable pour les établissements.
• Si la monture est équipée de verres correcteurs, ce que permet Meta, demander à quelqu’un de retirer ses lunettes revient à lui retirer la vue. Les responsables de lieux publics vont bien évidemment hésiter à imposer une mesure perçue comme discriminatoire ou intrusive envers un accessoire de santé ou de confort visuel banalisé.

Quand je vous disais que Meta avait bien calculé le coup … En camouflant sa technologie dans un modèle iconique au point de la rendre indétectable, la firme de Zuckerberg joue sur plusieurs tableaux. Elle équipe un outil de santé qu’on ne peut pas facilement interdire dans l’espace public. Elle s’offre un partenariat avec une marque de luxe, histoire de légitimer son offre. Et ça marche : on a vendu 7 millions de Ray-Ban Meta en 2025.

Stratégies de séduction et effets de banalisation

Meta n’est pas le seul à caracoler dans ce marché décidément séduisant. D’autres ont aussi développé des stratégies de séduction et de banalisation visant à présenter des dispositifs potentiellement intrusifs comme d’inoffensifs accessoires tendance.

• Esthétique rassurante, précision médicale, architecture de luxe … en adoptant une monture ultra-fine en titane, en éliminant tout capteur visuel externe ou objectif grand angle au profit de guides d’ondes invisibles gravés dans le verre, la marque Even Realities fait passer les modèles de sa collection Even Realities G1 pour de simples lunettes de vue de designer ; l’outil d’affichage tête haute (téléprompteur invisible, IA d’assistance discrète) ajoute une touche intellectuelle, chic à un objet qui facilité l’espionnage et la triche.
• D’autres acteurs neutralisent le contrôle à l’entrée par la fragmentation de l’appareil et son intégration dans la mode interchangeable. Avec le modèle Solos AirGo 3 produit par Solos Technology, microphones multidirectionnels, capteurs d’analyse et IA sont entièrement dissimulés dans les seules branches de la monture. Celles-ci s’intègrent et se clipsent à volonté sur n’importe quel devant de lunettes traditionnel, du modèle de vue classique aux montures de soleil tendance. En présentant ce produit comme une simple expérience de « personnalisation du style », l’industrie dilue la perception du danger. La technologie n’est plus un objet identifiable qu’on peut filtrer, mais un composant modulaire totalement banalisé.
• Enfin, la stratégie de séduction passe par l’association avec l’esthétique du bien-être, du sport extrême, de la culture festive. En intégrant des micro-haut-parleurs à conduction et des capteurs au cœur de marques emblématiques de l’outdoor comme Oakley (en partenariat avec Meta) ou du son lifestyle type Bose Frames, les géants de la tech opèrent un véritable détournement de l’image de marque. L’appareil n’est plus vendu comme un outil de captation de données ou d’enregistrement clandestin, mais comme l’équipement branché du sportif ou du festivalier. En rendant la monture désirable, tendance et intrinsèquement liée aux loisirs, l’industrie désarme la vigilance collective : interdire la caméra ou le micro semble alors absurde pour des utilisateurs qui n’y voient plus qu’une simple paire de lunettes de soleil de marque.

Des war rooms aux laboratoires de la Silicon Valley : genèse express d’une technologie

Quand je vous disais que c’était vicelard … et surtout très bien pensé au niveau marketing … L’entourloupe est d’autant plus pointue qu’à la base, cette technologie n’a rien de glamour. L’affichage tête haute ( le Head-Up Display ou HUD projette des informations visuelles directement dans le champ de vision de l’utilisateur, lui permettant ainsi d’accéder aux données sans avoir à baisser le regard) et la vision embarquée ( l’intégration directe de capteurs optiques et de modules de traitement d’images au sein d’un appareil autonome type lunettes connectées ou drone afin de capturer, d’analyser et de comprendre son environnement visuel en temps réel sans dépendre d’un ordinateur externe) n’ont pas été initialement conçus pour alimenter les réseaux sociaux en vidéos immersives. Leurs origines s’enracinent dans des impératifs stratégiques et militaires. Un petit historique pour éclairer la chose ?

• Années 1960 : Les premiers systèmes HUD apparaissent dans les avions de chasse pour projeter les informations de vol et de ciblage directement dans le champ de vision du pilote, lui évitant d’abaisser le regard vers son tableau de bord.
• 1968 : Ivan Sutherland développe au MIT le premier casque de réalité augmentée baptisé du doux nom « The Sword of Damocles », un dispositif si lourd qu’il devait être suspendu au plafond par une structure mécanique.
• Années 1990-2000 : La technologie s’oriente vers la maintenance aéronautique (Boeing) et la chirurgie assistée pour afficher des données anatomiques et des schémas en temps réel durant des opérations complexes.
• 2013 : Google tente une première démocratisation grand public avec le programme « Explorer ». L’appareil suscite un rejet sociétal immédiat. Qualifiés de « Glassholes », leurs porteurs sont bannis des bars et des espaces publics, contraignant Google à retirer le produit du marché grand public dès 2015 pour se replier sur le secteur strictement industriel (comme quoi, le boycotte, ça marche, et cela vous explique pourquoi Meta et ses petits compétiteurs s’efforcent tant de rendre le produit trendy).

Un marché en pleine expansion

Il faut bien l’admettre : après une décennie de tâtonnements, le marché de la lunette connectée est sorti de sa phase d’expérimentation pour basculer dans une production de masse (dixit les ventes de Ray-Ban Meta évoquées plus haut).

• Ces ventes faramineuses interviennent dans le sillage d’un partenariat de prestige finement pensé entre Meta et le géant de l’optique EssilorLuxottica. Cette alliance a enclenché la métamorphose du marché en boostant les ventes. Avec la vente de 7 millions d’unités de lunettes intelligentes en 2025, EssilorLuxottica a triplé ses résultats par rapport aux années précédentes. Les deux groupes misent désormais sur des capacités de production de 20 millions d’unités par an, ce qui est conséquent.

• Parallèlement aux initiatives de Meta, on assiste à une réorganisation stratégique des grands acteurs de la Big Tech, bien décidés eux aussi à se tailler la part du lion. D’un côté, Google orchestre un retour offensif en abandonnant sa démarche isolée au profit d’un écosystème partenarial puissant (association avec Samsung pour le matériel, collaboration avec Qualcomm pour les puces informatiques dédiées, afin de créer un environnement Android spatial unifié). De l’autre, Apple adopte une trajectoire de miniaturisation progressive ; fort des avancées logicielles et optiques développées pour son casque Vision Pro, le géant de Cupertino adapte désormais ses technologies de calcul spatial à des formats de montures nettement plus légères, élégantes et adaptées au quotidien.
• Cette convergence des géants industriels confirme que la lunette connectée s’impose comme le nouveau terrain d’affrontement prioritaire de l’informatique personnelle. En d’autres termes, vous n’avez pas fini d’en bouffer de la lunette connectée. Il faut dire que les projections financières sont alléchantes. Le marché mondial est estimé à plus de 13 milliards de dollars en 2026, avec des projections prévoyant un dépassement des 60 milliards de dollars à l’horizon 2034.

Usages légitimes et promesses fonctionnelles

Ok donc un marché juteux doublé d’un terrain d’affrontement pour les grands noms des Big Tech par l’odeur du fric alléchés. Mais encore ? Quid de l’objet en lui-même, de ses avantages éventuels, hormis briller devant les potes en affichant ce nouveau symbole de la réussite sociale cool et branchée en mode « si t’as pas des Ray Ban connectées à 30 c’est que t’as raté ta vie » ? Reconnaissons-le, si le dispositif suscite la polémique, c’est aussi parce qu’il apporte de réelles révolutions d’usage dans plusieurs secteurs d’activité (vous allez voir c’est assez étonnant).

Dans le domaine de l’accessibilité, ces montures représentent une avancée majeure pour les personnes déficientes visuelles grâce à la lecture vocale instantanée de panneaux, de menus ou de documents, couplée à une description synthétique de l’environnement par l’intelligence artificielle. L’intégration d’applications d’assistance comme Be My Eyes sur les paires grand public ou le déploiement de dispositifs dédiés comme les Envision Glasses permettent désormais aux usagers d’obtenir une description vocale complète de leur environnement, la lecture d’une étiquette de médicament ou d’une recette de cuisine en gardant les mains libres.

Dans le monde du travail, elles facilitent l’assistance à distance pour les techniciens de maintenance sur les lignes de production, la téléchirurgie et la formation professionnelle. Dans le secteur logistique, le géant DHL a généralisé le « Vision Picking » : les préparateurs de commandes reçoivent leurs instructions de prélèvement directement incrustées dans leur champ de vision, réduisant les erreurs de manipulation tout en optimisant les temps de parcours. Côté santé, des plateformes comme Augmedix utilisent ces montures pour retranscrire automatiquement les consultations médicales en temps réel, restituant ainsi du temps médical précieux aux praticiens.

Dans la vie quotidienne,les usagers bénéficient de la traduction simultanée s’affichant en incrustation ou diffusée à l’oreille, ainsi que d’une navigation GPS piétonne fluide sans qu’il soit nécessaire de consulter un écran de smartphone. Dans le domaine culturel, elles offrent des fonctionnalités de sous-titrage en direct au théâtre (la Comédie Française en propose à ses spectateurs, idem pour le théâtre de l’Odéon avec le dispositif Panthea) ou de reconstitution archéologique enrichie. Quant à la pratique du sport, des marques spécialisées type Engo intègrent l’affichage de métriques de performance (vitesse, rythme cardiaque, tracé) en surimpression transparente sur le verre pour éviter toute perte de concentration sur la route.

Espionnage, voyeurisme, piratage et vol de données : la face sombre du dispositif

Bref, les usages bénéfiques sont au rendez-vous dans plusieurs secteurs. Mais ce n’est pas une nouveauté : toute médaille a son revers. C’est dans ses dérivations intimes et sécuritaires que la lunette connectée révèle son potentiel le plus toxique. Et « toxique » tient ici de l’euphémisme.

• Atteinte à l’intimité corporelle et captations sauvages – Le port de lunettes caméras dans des lieux semi-privés ou intimes (soirées, bars, vestiaires, lieux nocturnes) permet la prise de vue à l’insu des victimes. Le risque de captation de rapports sexuels ou de moments de nudité sans consentement s’en trouve démultiplié, alimentant les réseaux de revenge porn, de chantage et la création de deepfakes intimes. Le voyeurisme devient ici techniquement invisible.
• Espionnage industriel et vol de données d’accès – Portées dans un cadre professionnel ou institutionnel, ces montures transforment n’importe quel individu en vecteur de fuite de données. Un simple regard posé sur un clavier permet d’enregistrer la saisie d’un mot de passe ou d’un code PIN au distributeur. De même, la consultation de documents confidentiels sur un bureau, l’inspection de prototypes dans un salon professionnel ou la captation de réunions à huis clos s’effectuent sans laisser de trace.
• Pillage de la propriété intellectuelle et captation d’œuvres d’art – Dans le domaine culturel, la possibilité de filmer en continu sans lever les mains menace le droit d’auteur. Des salles de cinéma aux théâtres, en passant par les galeries et les musées, les œuvres d’art et les représentations peuvent être piratées et numérisées en haute définition à des fins de revente ou de diffusion illégale.
• Piratage et captations clandestines – En déplaçant l’informatique directement sur le visage de l’usager, les géants de la tech ont créé des capteurs ambulants braqués en permanence sur notre environnement. Là où le piratage d’un objet connecté ordinaire menace la confidentialité de données statiques, la compromission d’une paire de lunettes intelligentes (par faille micrologicielle, détournement d’applications compagnons ou interférence avec les flux d’IA embarqués) transforme l’appareil en un outil d’espionnage total à l’insu même de son porteur. Captation clandestine d’images et d’échanges oraux, vol de mots de passe ou de données bancaires saisis à portée de vue, aspiration de flux biométriques constituent désormais la face sombre d’un dispositif où la frontière entre assistant personnel et cheval de Troie n’a jamais été aussi ténue.
• Le doxxing physique par la reconnaissance faciale – L’association de ces lunettes à des outils de recherche faciale en temps réel constitue la dérive la plus critique pour les libertés publiques. Des expérimentations (comme le projet I-XRAY mené à Harvard) ont démontré qu’il est techniquement possible de coupler des lunettes Ray-Ban Meta à des bases de données publiques et à des moteurs comme PimEyes. Résultat : en croisant un inconnu dans la rue, le porteur de lunettes peut voir s’afficher instantanément le nom, l’adresse, le numéro de téléphone et les profils familiaux de la personne filmée à son insu.

Écologie, santé et colonisation de l’attention : l’envers du décor matériel

Ok je sens votre fascination pour les lunettes connectées faiblir d’un coup. J’enfonce le clou ? Outre les risques sur la vie privée, le modèle industriel des lunettes intelligentes pose aussi un problème écologique et sanitaire aigu.

• Pour conserver un design fin et élégant, les fabricants intègrent des micro-batteries lithium-ion scellées directement dans les branches en plastique ou en acétate. La durée de vie de ces batteries dépasse rarement deux à trois ans de cycles de charge quotidiens. Une fois la batterie dégradée, la monture entière devient inutilisable. IFixit sur Mac4ever et les organismes de réparabilité attribuent à ces objets des notes désastreuses : collées et moulées, ces lunettes ne se démontent pas. Le mélange indissociable de métaux rares, de circuits intégrés, de résines et de verre rend leur recyclage industriel extrêmement difficile et coûteux, générant une montagne de déchets électroniques complexes.
• Une lunette connectée n’est pas un système autonome : elle fonctionne en envoyant en continu des flux audio et des images haute définition vers des serveurs distants. L’analyse de l’environnement par des modèles d’intelligence artificielle générative requiert une puissance de calcul massive dans des data centers, engendrant une consommation énergétique et hydrique accrue (pour le refroidissement) totalement disproportionnée par rapport au service rendu (dixit Balkan Green Energy News).
• L’exposition prolongée à des micro-écrans situés à quelques millimètres de la rétine soulève des inquiétudes chez les ophtalmologistes (cf l’ANSES). La perturbation de l’accommodation visuelle, la sécheresse oculaire sévère et le risque de sursollicitation cognitive sont documentés. De plus, l’incrustation constante d’informations dans le champ de vision produit une fragmentation de l’attention, coupant l’utilisateur de toute présence au monde réel.

Régulation et cadre juridique : l’impasse française et européenne

Ok le rapport bénéfiques/risques commence à largement pencher du côté dangers multiples. Là aussi j’enfonce le clou ; en France comme à l’échelle de l’Union européenne, l’arsenal réglementaire est faiblard, le cadre législatif manque pour endiguer la prolifération et les usagers problématiques de ces capteurs ambulants. Face à des dispositifs qui ancrent la captation dans le quotidien, le droit positif se heurte à d’importantes limites d’application.

• Le Droit à l’image et l’article 9 du Code civil (France) : Fixer, enregistrer ou diffuser l’image d’une personne sans son consentement explicite dans un lieu privé ou public constitue une atteinte à la vie privée réprimée par l’article 9 du Code civil et l’article 226-1 du Code pénal. Dans les faits, le caractère indécelable de la prise de vue par lunettes connectées rend l’infraction quasiment impossible à prouver et à poursuivre sur le plan individuel.
• Le RGPD et le traitement illicite de données biométriques (UE) : La captation continue et passive du visage des passants par un porteur de lunettes constitue un traitement massif de données personnelles et biométriques sans base légale ni consentement préalable, en violation directe des articles 6 et 9 du RGPD. Le Comité européen de la protection des données (EDPB) et le Contrôleur européen de la protection des données (EDPS) soulignent que le porteur de la monture dépasse le cadre de « l’exception pour activité purement personnelle ou domestique » dès lors que les données sont analysées ou stockées par les serveurs d’un tiers industriel.
• L’IA Act européen face à l’analyse en temps réel (UE) : Adopté par l’Union européenne pour encadrer l’intelligence artificielle, le Règlement sur l’IA (AI Act) interdit l’usage de systèmes d’identification biométrique à distance en temps réel dans l’espace public, sauf exceptions sécuritaires très strictes. Or, les fonctionnalités d’analyse visuelle de scène embarquées dans ces lunettes (reconnaissance de visages, d’objets ou de texte par IA générative) frôlent en permanence ces interdictions, créant une zone grise réglementaire quant à la responsabilité des fabricants.
• L’inefficacité structurelle des témoins lumineux (CNIL et CEPD) : Pour avertir l’entourage qu’un enregistrement est en cours, les constructeurs intègrent un voyant lumineux (LED) sur la face avant de la monture. La CNIL ainsi que le Comité européen de la protection des données ont alerté sur le fait que ce mécanisme de réassurance est notoirement inopérant : il reste trop discret dans un environnement lumineux, méconnu du grand public et très facile à neutraliser matériellement (à l’aide d’un morceau de ruban adhésif, d’une pointe de peinture ou d’une altération du circuit imprimé). .

Quel devenir pour les montures connectées ?

Récapitulons : si elles possèdent nombre d’avantages indéniables notamment dans le domaine de l’inclusivité, les lunettes connectées engendrent moult dérives, difficiles à stopper.

La polémique qu’elles suscitent s’enracine dans un objectif sociétal plus vaste : quitte à passer en force et sans notre consentement, les pontes de la Big Tech veulent clore l’ère déjà très invasive du smartphone pour imposer celle de l’intelligence artificielle comme filtre permanent entre l’humain et son environnement. Cette dynamique unilatérale rejoint l’analyse du « capitalisme de surveillance » développée par Shoshana Zuboff dans son ouvrage L’Âge du capitalisme de surveillance. Les lunettes connectées s’inscrivent dans une volonté affirmée de développer des infrastructures incontournables de la perception humaine qui remplaceront la spontanéité sociale par des algorithmes d’évaluation en temps réel (dixit Evgeny Morozov dans Pour tout résoudre, cliquez ici : L’aberration du solutionnisme technologique).

Passons sur les recherches actuellement menées pour développer des verres d’affichage reflétant l’information directement sur la rétine et autres micro-OLED transparents, transformant chaque monture en une interface spatiale invisible. Ces projets amplifient la portée de l’homme augmenté, déjà en marche. Un homme augmenté, colonisé, dépendant toujours plus d’une technologie qui l’exploite. L’appropriation par les entreprises de notre champ de vision pose la question de la souveraineté : en cartographiant en temps réel l’intérieur de nos logements, nos espaces de travail et nos rues, des multinationales privées se constituent un jumeau numérique 3D exhaustif du monde réel aux dépens de notre vie privée.

La viabilité de cette technologie ne résidera donc pas dans ses seules prouesses techniques, mais dans sa capacité à respecter un pacte social qu’elle est en train de dynamiter phase par phase et dans l’aveuglement général (un comble quand il s’agit de lunettes). A moins que faute d’un cadre éthique strict, d’une réparabilité réelle, d’un respect absolu du droit à l’intimité, les lunettes connectées alimentent un rejet populaire massif et fassent l’objet d’interdictions systématiques dans l’espace public avec le cortège de problème que cela déclenchera pour 75 % de la population française obligée de porter des verres correcteurs.

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Mélodies frénétiques et tourisme sexuel

La metteuse en scène, à qui l’on doit par ailleurs des lectures particulièrement réussies de 20 000 lieux sous les mers et de la comédie Le Bourgeois gentilhomme, n’a pas tort. Vitrine du Second Empire, la capitale dans laquelle prospère le compositeur de La Belle Hélène est clairement un phare assumé du tourisme sexuel. Dames de petite vertu et grandes horizontales y pullulent qui permettent à ces nobles messieurs, aristocrates ou richissimes banquiers, de « s’en fourrer jusque là ». Tandis que les expositions universelles servent de show room aux avancées technologiques d’une révolution industrielle au top de sa forme, restaurants à la mode et bordels de luxe accueillent les visiteurs venus s’encanailler au bras de magnifiques courtisanes avant de les trousser dans d’improbables alcôves.

Nana de Zola confirme la chose de manière certes moins cocasse que le livret de Meilhac et Halévy, livret électrisé par les mélodies frénétiques d’un Offenbach survolté vantant les douceurs parisiennes avec bien plus d’efficacité que toutes les réclames d’alors. Passons sur le nombre de hits, cancan final inclus, qui parsèment les mésaventures du baron de Gondremarck, débarqué de sa Suède natale avec la ferme intention de trousser petites danseuses et actrices tandis que le beau Gardefeu tente de lui souffler son épouse.

Un esprit basse-cour

C’est cet aspect que souligne Valérie Lesort … qui décide d’aborder la chose pour ce qu’elle est : une gigantesque partie de jambes en l’air en devenir. De jambons, devrais-je dire … Gros porcs, petites cocottes … les acteurs déboulent sur scène avec groin, oreilles retroussées, queue en tir-bouchon, les actrices, serties de plumes, arborent crânement crête et bec et en jouent à merveille. Et tout ce petit monde de grogner, caqueter, se renifler, se dandiner, se courir après dans un esprit basse-cour dont on se demande quand il tournera à la bacchanale.

Redoutable équation burlesque qui démolit d’une pichenette la vision paillarde/égrillarde qu’on avait jusqu’alors de la chose pour dire clairement les choses : Paris made in 1860 est une basse cour où l’orgie bat son plein, ramenant les dignes représentants du patriarcat occidental à ce qu’ils sont en vérité, un ramassis de bouffeurs/buveurs/baiseurs impénitents qui envoient balader leurs grands principes pour se vautrer dans le sturpe avec une volupté bestiale. Et ces dames d’en profiter également, quitte à s’abandonner aux joies du triolisme (dixit la courtisane Metella qui réglera le conflit Bobinet/Gardefeu en instituant un plan à trois des plus pratico-jouissifs).

Des plumes, des groins

Des plumes, des groins, des croupions, de la fange … on a compris le propos, qui rejoint la célèbre phrase de Zola décrivant les clients de Nana tels une « meute derrière une chienne, qui n’est pas en chaleur et qui se moque des chiens qui la suivent » ; quant à la célèbre demi-mondaine, elle incarne cette « mouche d’or » lâchée sur la société du Second empire pour en saper les fondations tout en dévoilant la corruption à l’œuvre. Quand je vous disais que l’approche zolienne était moins marrante que la lecture d’Offenbach revisité par dame Lesort …

Impossible de porter cette version #balancetonporc de La Vie parisienne sans un casting de haut vol capable de pousser la chansonnette sur la scène du théâtre du Châtelet, historiquement temple de l’opérette française et partenaire de la maison de Molière dans le cadre d’un programme « hors les murs » décidément prometteur. Je cite Christian Hecq, Benjamin Lavernhe, Elsa Lepoivre, Véronique Vella, Nicolas Lormeau, Jéméry Lopez, Yoann Gasiorowski (baronne de Gondremarck, il fallait y penser, le rôle étant habituellement endossée par d’accortes actrices dont une certaine Madeleine Renaud dans la version historique de 1958 drivée par la Compagnie Renaud-Barreau), Sefa Yeboah, Baptiste Chabauty, Melissa Polonie … et Marie Oppert, délicieuse Gabrielle, gantière le jour, veuve de colonel la nuit, voix superbe en toutes occasions.

Une production ambitieuse

Pour les décors, Eric Ruff, pour les costumes Vanessa Sannino, sur les planches le choeur Ensemble la Marquise et une ribambelle de danseurs/danseuses menés par le chorégraphe Rémi Boissy, dans la fosse Alexandra Cravero dirigeant avec autant d’humour que de virtuosité Les Frivolités Parisiennes. Petit plus pour Cyril Casmèze de la Compagnie Singe Debout qui a initié tout le casting aux joie du mouvement animal. Bref une belle production, originale, ambitieuse et surtout très juste par delà le côté burlesque de la chose.

Preuve une fois de plus des talents conjugués d’une troupe qui retrouve là les racines moliéresques de la farce, puise dans sa maîtrise du vaudeville à la Feydeau et dévoile ses compétences dans le domaine du chant. Le cocktail est explosif, les crises de fou rire au rendez-vous, la surprise marque la conclusion de ce morceau de bravoure, avec une approche pour le moins inattendue du cancan final et une traduction bien en chair du célébrissime « Feu partout ! Lâchez-tout ! ». Cerise sur le gâteau : la mise en scène est visionnable en replay ICI … et gratuitement ! N’en faits donc pas l’économie. Offenbach aurait tellement aimé …

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Unkuntshop — la pierre comme talisman

Il y a quelque chose d’un peu chamanique dans le geste de Sitoë Thiam : ramasser des pierres dans la nature alentours, dans le jardin, au détour d’une promenade de quartier, puis les envelopper avec la patience d’une brodeuse dans une cordelette de fibre naturelle. Le résultat tient à la fois du bijou, du fétiche, de l’amulette — une pierre ordinaire qui, une fois liée et tressée, se met soudain à raconter une histoire.

Ce projet tout particulier a été pensé en collaboration avec le compte gastronomique et culturel Gastrodiplomacy World, mariage inattendu entre minéralogie de poche et diplomatie du goût. L’artiste travaille avec les cordes naturelles de la maison Hemptique, dont elle revendique l’admiration sans contrepartie ni sponsoring — un détail qui, dans l’époque du placement de produit permanent, dénote d’une vision et de valeurs.

On aime cette économie de moyens et cet engagement : rien n’est acheté, tout est trouvé, et pourtant chaque pierre wrappée exprime une force sacrée, une singularité spirituelle.

📷 Voir la publication Instagram

Carin Jones — l’orfèvre des boîtes en fer-blanc

Installée du côté de Seattle, Carin Jones a vécu un parcours aussi riche qu’atypique, entre une enfance passée sur les chantiers aux côtés de son père et de son grand-père et une formation en zoologie. De cette double hérédité — l’observation du vivant, la rugosité du bâti — naît une bijouterie contemporaine qui interroge sans relâche la beauté, la permanence et la valeur.

Sa série actuelle, Urban Taxidermy, déplace le regard : plus de moulages organiques, mais des spécimens d’un autre genre — de vieilles boîtes en fer-blanc, vestiges publicitaires ou domestiques, serties avec le soin qu’on réserverait à une pierre précieuse. En substituant le métal précieux au gemme et l’objet trouvé au trésor attendu, Carin Jones renverse discrètement la hiérarchie du bijou : ce n’est plus la matière qui fait la valeur, mais le regard qu’on lui porte.

On est interpellé par la charge de mémoire que ces boîtes convoquent chez qui les regarde — chacun y retrouve un peu de son propre grenier. En réinventant ainsi le bijou de famille, Carin Jones interroge ce que nous choisissons de transmettre, et pourquoi.

🔗 jonesingforjewelry.com

Alba Weirdo et ses miroirs tatoués

C’est à 17 ans, dans l’effervescence d’un studio valencien, qu’Alba Weirdo a posé pour la première fois une aiguille sur une peau. Formée au sein du No Land Tattoo Parlour, elle a d’abord flirté avec le tatouage traditionnel et ses aplats de couleur, avant de glisser vers un noir plus dense, plus minutieux : le blackwork et le pointillisme, disciplines de patience où chaque point compte.

C’est cette grammaire du minuscule et du répété qu’Alba Weirdo transpose aujourd’hui hors de l’épiderme, sur la surface froide et réfléchissante du miroir. Le geste est troublant : l’objet qui nous renvoie notre image se retrouve lui-même orné, comme s’il avait, à son tour, une histoire à porter sur son propre corps de verre. Le miroir tatoué devient alors un curieux paradoxe — un objet qui capture le reflet de l’autre tout en affichant fièrement le sien.

On y voit un prolongement logique d’un métier fait d’encre et de peau : et si le tatouage, débarrassé du corps qui le porte habituellement, pouvait se donner à n’importe quelle surface qui accepte de le recevoir ?

🔗 @weirdotattoo

Luna Floreada et ses épaulettes en macramé

Le macramé a connu ses heures de gloire dans les intérieurs des années 1970, avant de sombrer, pour un temps, dans le purgatoire du kitsch. Luna Floreada le fait renaître ailleurs — non plus suspendu au mur, mais posé sur l’épaule, comme une architecture de fils noués qui vient sculpter la silhouette.

L’épaulette, à l’origine motif militaire et codification du pouvoir dans le vestiaire ancien, se retrouve ici totalement réinventée : les nœuds remplacent le galon, la fibre naturelle remplace le métal, la douceur remplace la rigidité de l’apparat. Le résultat évoque tour à tour la parure tribale, l’armure textile et l’accessoire de haute fantaisie — un objet à la frontière du bijou et du vêtement.

C’est précisément cette ambiguïté qui séduit : une pièce que l’on ne sait plus très bien nommer, entre corsetterie douce et sculpture portable, et qui n’a besoin d’aucune étiquette pour affirmer son caractère.

🔗 @luna.floreada

Pan Ruibin , le tricot comme dynastie familiale

Il y a une dizaine d’années, un jeune traducteur de japonais nommé Pan Ruibin a quitté son emploi en ville pour retourner dans son village natal du Fuyang et transformer une passion d’enfance — le tricot, appris auprès de sa mère dès l’âge de six ans — en atelier familial. Atelier prospère baptisé Panwallzer Handmade Sweaters : le père prépare les matières, la mère ajuste les finitions, la sœur gère les envois, et une soixantaine de tricoteuses du village confectionnent, pièce après pièce, des pulls qui demandent parfois jusqu’à vingt jours de travail.

Ce qui distingue Panwallzer Handmade Sweaters , au-delà de l’anecdote familiale, c’est une conviction presque politique : refuser la production de masse, quitte à renoncer à un volume de ventes plus confortable, pour préserver un savoir-faire artisanal en voie de disparition. Chaque pull est un peu différent du précédent, ajusté aux mesures et aux envies de qui le porte — l’exact inverse de la promesse du prêt-à-porter industriel.

L’ambition affichée est grande — bâtir, à force de mailles et de patience, une maison aussi désirable qu’une maison de luxe occidentale. On aime l’idée qu’un tel songe puisse encore naître d’un rouet familial, dans un village où l’on tricotait déjà pour se réchauffer bien avant de tricoter pour se distinguer.

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Pour ceux qui nous suivent, le collectif Bragi Pufferfish et son écosystème font désormais partie du paysage culturel ARTchemisien. L’occasion de mettre en avant le vivier culturel queer et au passage de réfléchir au devenir de la condition LGBTQUIA+ au tournant des années 2020. Le parachutage de la Gang Bambi à Troyes pour assurer l’after de la marché des fiertés prévue ce 5 juin nous amène à questionner le rôle des prides de province. Explications.

Depuis Stonewall, une brève histoire

Explications qui débutent par une piqure de rappel. L’idée de gay pride s’enracine dans la nuit du 28 au 29 juin 1969, à New York, quand des client·e·s du Stonewall Inn — bar queer de Greenwich Village — refusent de se laisser embarquer lors d’une descente de police. La Marche des Fiertés LGBT+ de Paris est l’héritière directe de ces révoltes, de ces combats et de ces solidarités forgées dans l’urgence et la colère.

En France, la première marche homosexuelle indépendante est organisée en 1977 par le Mouvement de libération des femmes (MLF) et le Groupe de libération homosexuelle (GLH) à Paris, de la place de la République à la place des Fêtes, et réunit 400 personnes, en majorité lesbiennes. Longtemps événement parisien et métropolitain, la marche essaime progressivement. Elle est présente dans d’autres villes à partir de 1994, et ne cessera plus de s’étendre.

Aujourd’hui, de Calais à Compiègne, en passant par Lens, Valenciennes ou Arras, le territoire est maillé de nombreuses prides — rien que dans les Hauts-de-France. Dès le 10 mai 2025, Agen ouvrait le bal de la saison, suivie d’Orléans, Besançon, Narbonne ou Poitiers le week-end du 17 mai, Journée mondiale contre les LGBTphobies. La saison 2026 poursuit sur cette lancée, avec un maillage de plus en plus dense du territoire français.

Rassemblement transversal

La marche des fiertés est pour les personnes LGBT+ le seul jour de l’année où toutes les sous-communautés, sociales, politiques ou géographiques, se croisent, se rencontrent, communiquent, échangent. Cette dimension de rassemblement transversal n’existe qu’à condition que la marche ait lieu quelque part. Et ce quelque part, ce ne peut pas être seulement Paris.

Il ne s’agit pas de minimiser l’événement parisien — la Semaine des Fiertés parisienne, du 20 au 27 juin 2026, constitue un rendez-vous incontournable à l’échelle nationale. Mais concentrer le regard sur Paris, c’est aussi oublier ceux et celles qui n’ont pas les moyens — financiers, logistiques, familiaux — d’y aller.

Pour un ado gay de Troyes, de Chaumont ou de Bar-sur-Aube, rallier la capitale représente une logistique, une dépense, parfois (de plus en plus en ces temps troublés) une mise en danger. Une marche des fiertés organisée à domicile dans sa région, dans sa ville, au pied de ses administrations — c’est voir son espace ordinaire se transformer, le temps d’un samedi, en espace de visibilité et de reconnaissance.

Quand la visibilité devient urgence

Les chiffres sont têtus. Dans son rapport annuel publié en mai 2026, SOS Homophobie a recueilli 1 771 signalements de LGBTphobies en 2025 via ses différents dispositifs d’écoute. Ce chiffre marque une hausse annuelle par rapport aux 1 571 témoignages enregistrés en 2024. L’association évoque un « climat de plus en plus anxiogène et délétère » pour les personnes LGBT+.

Du côté des données officielles, les infractions anti-LGBT+ enregistrées par les services de police et de gendarmerie ont augmenté de 5 % en France en 2024. Ces actes ne se produisent pas qu’à Paris. Ils se produisent dans les lieux publics, sur Internet et les réseaux sociaux, et au sein de la famille ou de l’entourage proche. Partout.

Comme le souligne SOS Homophobie dans son dernier rapport, les LGBTphobies sont « plus insidieuses que jamais » : présentes dans la famille, le voisinage, les lieux publics, au travail — partout et sous mille visages.

Province : le double isolement

En dehors des métropoles, l’isolement prend une forme particulière. Dans de nombreuses bourgades de province, il n’existe ni bar gay de quartier, ni réseau associatif dense, pas de Marais où se fondre dans la foule du samedi soir. Les personnes queer en milieu semi-urbain ou rural font face à ce que les chercheurs appellent la double invisibilité : celle de leur identité, et celle de leur géographie.

Après le suicide de Caroline Grandjean, directrice d’école d’un petit village du Cantal victime de harcèlement lesbophobe à l’automne 2025, des personnes queer ont raconté à Franceinfo leur quotidien en milieu rural — témoignant du manque de représentation et du besoin d’exister dans l’espace public pour favoriser leur acceptation.

C’est précisément ce besoin que comble une Pride en province. Ce n’est pas un événement de plus dans un agenda chargé, mais un signal : vous n’êtes pas seul·e·s, vous existez ici, sur ces pavés, dans cette ville qui est la vôtre.En juillet 2022, le village de Chenevelles, dans la Vienne, est devenu la première commune rurale en France à accueillir une Marche des Fiertés. La symbolique est forte : même là où on ne l’attendait pas, le drapeau arc-en-ciel peut flotter.

Troyes, 6 juin 2026 : une mobilisation enracinée

La Marche des Fiertés de Troyes, organisée par l’Association pour la Pride de Troyes — structure locale LGBTQIA+ fondée pour structurer et pérenniser les événements liés aux fiertés dans l’Aube —, s’élancera le samedi 6 juin 2026 à 14h30 depuis la Place de la Libération.

Au programme : cortège militant, performances d’artistes locaux, village associatif — tout ce qui fait qu’une marche n’est pas qu’une marche, mais un espace de vie partagée. Et en clôture de soirée, l’after Gang Bambi à l’Art Déco dès 20h, avec un lineup qui mêle drag shows, performances scéniques et DJ sets dans une salle déjà partenaire de l’événement.

Ce n’est pas une copie provinciale de la Pride parisienne, c’est une Pride troyenne, avec ses acteurs locaux, ses enjeux propres, ses militant·e·s aubois·es qui travaillent à rendre leur ville plus accueillante, une année après l’autre.

Militant & festif

La tentation est parfois grande d’opposer la Pride « sérieuse et militante » à la Pride « festive et commerciale ». C’est un faux débat. Militante dans le fond, festive dans la forme, la Marche des Fiertés est à l’image des communautés qu’elle rassemble : plurielle, bruyante, intense. Elle rend visibles les invisibles, elle célèbre les marges. Et surtout, elle rappelle que les luttes ne sont pas incompatibles avec la joie.

En province, cette équation prend un relief particulier. La fête n’est pas un luxe superflu — c’est souvent l’entrée par laquelle les personnes qui n’auraient jamais osé franchir la porte d’une association militant·e vont découvrir un safe space, une communauté, un réseau.

Sources

• SOS Homophobie, Rapport annuel sur les LGBTIphobies, éditions 2025 (données 2024) et 2026 (données 2025) — sos-homophobie.org
• Wikipedia, Marche des fiertés en France — fr.wikipedia.org
• Franceinfo, « Pourquoi ça serait à moi de partir ? » — à la campagne, les personnes LGBT+ en quête de visibilité, sept. 2025 — franceinfo.fr
• AIDES / Remaides, LGBTphobies : hausse des cas en 2024 — aides.org
• Inter-LGBT, La Marche des Fiertés, c’est quoi ? — marchedesfiertes.org
• Pride de Troyes, programme officiel 2026 — pride2troyes.fr

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Ah les sœurs Bennet, chères héroïnes d’Orgueil et préjugés. En écrivant ce qui allait devenir son chef d’oeuvre, Jane Austen s’est attardée sur le sort amoureux d’Elizabeth face au faussement hautain mais si attirant Mr Darcy. Il faudra la plume de Janice Hadlow pour s’intéresser au devenir de la fade et très coincée Mary, « the other Bennet sister », une version romanesque bien troussée que Sarah Quintrell et la BBC viennent d’adapter à l’écran pour notre plaisir à toutes et tous.

Le désespoir de sa mère

Mary donc. Des cinq sœurs Bennet, c’est la moins jolie, la moins pimpante. Perdue dans ses bouquins, passionnée d’histoire et de géographie, elle fait le désespoir de sa mère qui ne sait comment ni avec qui la marier. Du coup, cette maman obsédée par l’avenir de ses gamines la prend en grippe, en fait son souffre-douleur. Pas évident évident de s’épanouir dans pareil contexte. Tandis que ses sœurs l’une après l’autre trouvent chaussure à leur pied, Mary s’étiole face aux critiques de sa génitrice, à l’indifférence de son père.

Il faudra le décès de ce dernier pour que la délivrance arrive sous la forme du tonton maternel et de sa charmante épouse. Ils accueillent Mary chez eux à Londres, sous le prétexte d’en faire la préceptrice de leurs trois enfants. Loin de sa mère castratrice, Mary enfin se métamorphose … et se retrouve bien en peine devant le nombre de soupirants que soudain elle attire par son esprit, ses réparties, son humour. Qui va-t-elle choisir, au finish ?

Le luxe de la liberté

Chut, vous verrez par vous-même, mais avec Mary, la surprise est de mise, la demoiselle mettant un point d’honneur à affirmer cette indépendance si chèrement conquise et que pour rien au monde elle n’abandonnerait, surtout au prix d’un mariage arrangé. Courageuse, droite, juste, Mary incarne une émancipation féminine à la Mary Shelley, l’opprobre et la folie d’une union libre avec un génie torturé en moins.

Pleine d’humour, elle observe les dysfonctionnements de son temps, la violence larvée des rapports sociaux dans cet univers confiné, sclérosé, où les femmes n’ont d’avenir que dans l’union forcée. Une leçon pour les trad wives et leurs supporters/trices qui n’imaginent pas un instant ce que subissaient les filles à cette époque : Mary qui n’a rien pour plaire va finalement s’offrir le luxe de la liberté tout terrain et continuer à pouvoir se regarder dans une glace.

Des sentiments justes

Prenons-en de la graine, Mesdames. Et remercions au passage l’impeccable Ella Bruccoleri qui prête ses traits à un personnage si énergique et si actuel ; big up également à ses partenaires Donal Finn et Laurie Davidson, amoureux transis qui vont ployer le genou bien bas devant la dame, à Indira Varma parfaite dans le rôle de cette tante bienveillante qui va révéler Mary à elle-même et lui mettre le pied à l’étrier d’une vie sans entrave.

Le tout en dix épisodes dynamiques portés par des décors superbes, des costumes magnifiques, une musique prenante, des dialogues au scalpel. Et beaucoup, beaucoup de sentiments justes, d’émotions vraies, de doutes, de rêves, de souffrances, d’attirances, de rejets … Bref de la vie. Vous en avez plus que ras-la-casquette des super héros, des bluettes sirupeuses, des polars lourds, des films d’horreur redondants ? Laissez-vous porter par The Other Bennet sister, vous ne serez pas déçu.e, pas une seconde.

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Niché au cœur de la région naturelle du Perche, entre bocages, forêts profondes et fermes anciennes, l’Écomusée du Perche invite le visiteur à une expérience singulière de rencontre avec l’histoire, les paysages et les gestes d’un monde rural ancestral. En ce lieu de mémoire vive, se tissent les récits des hommes, des femmes, des métiers et des traditions qui ont façonné cette terre depuis des siècles.

Des bâtisses, des vies, des métiers

L’ancienne bâtisse percheronne rattachée au prieuré de sainte Gauburge donne le ton : en son sein, on trouve tous les objets, les accessoires propres aux vieux métiers du Perche. Sellerie, dentelle, épicerie, fabrication du cidre … toutes les activités artisanales qui firent la célébrité et la richesse de la région sont représentées avec un luxe de détails. Les collections sont mises en scène avec précaution et tendresse dans des espaces parfaitement reconstitués.

Cuisine paysanne, atelier de potier, forge témoignent ainsi du savoir‑faire et de l’intelligence des gestes traditionnels. La vie quotidienne devient récit : la façon de traire une vache, de tisser une étoffe, de ferrer un cheval sont autant de chapitres vivants d’une histoire collective. Ce lieu n’est pas qu’un coffre aux curiosités, il raconte une histoire, témoigne d’un mode de vie. Pièces à vivre, grange, écurie conservent leurs tonalités, leurs matériaux, leurs traces d’usure, comme autant de signatures du temps.

Un musée, un paysage, des vies

Situé dans le parc naturel du Perche, l’établissement permet au visiteur de découvrir le paysage propre à la région, prairies, vergers, haies vives, rivières, paysage qui fait partie intégrante de la visite. L’environnement, les bâtisses anciennes, les sentiers et les fermes forment une musique spatiale continue, d’où l’idée de musée de territoire.

La dimension anthropologique et participative constitue un axe fort de cette expérience culturelle. Les collections vivent à travers les récits, les archives sonores, les témoignages de ceux qui ont grandi ou travaillé dans la région. Les visiteurs peuvent entendre des enregistrements, lire des lettres, regarder des films qui restituent la langue, les gestes et le rythme d’une société rurale en mouvement.

Des saisons, des festivités, des savoir‑faire

Des événements ponctuent le calendrier — fêtes des moissons, foires artisanales, ateliers de savoir‑faire traditionnel (couture, poterie, cuisine paysanne), rencontres avec des bergers et des artisans locaux. Ces temps forts permettent aux visiteurs de participer activement, d’expérimenter, et de comprendre que le patrimoine n’est pas une collection immobile, mais une force vivante qui continue de se transmettre.

Cette volonté est précieuse en un temps où la connexion entre les modes de vie urbains et ruraux est rompue. Dans un monde traversé par des défis écologiques, alimentaires et sociaux, revenir aux savoirs anciens du Perche — observation de la nature, gestion durable des ressources, coexistence des espèces, rythme des saisons — permet de penser autrement notre rapport au monde.

L’Écomusée du Perche est avant tout un lieu de rencontres — entre les hommes, entre les générations, entre les temps. Il ne se contente pas de préserver des traces mortes : il prolonge les voix, les gestes, les savoirs, et façonne un paysage mémoire où chaque visiteur peut trouver une résonance intime. Plus qu’un musée, c’est une expérience sensorielle et réflexive, une méditation sur ce que signifie habiter une terre, comprendre ses rythmes, ses histoires et ses voix. Un passage par le Perche, et l’on repart avec une histoire en soi — une trace de paysage et d’humanité.

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site de l’Ecomusée du Perche.

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Février 2005 – New-York – Central Park : promeneurs et joggueurs découvrent, effarés, que, dans leur parc favori, se dressent 7 503 portails aux drapés orange. Baptisée The Gates, cette œuvre éphémère conçue par Christo (1935-2020) et Jeanne-Claude (1935-2009) métamorphose deux semaines durant l’un des paysages urbains les plus emblématiques de la planète. Cette expérience esthétique collective inédite et monumentale interroge profondément le rapport à l’espace, à la lumière, à la marche et au temps ; elle illustre magistralement ce que l’on pourrait appeler une poétique urbaine du paysage.

Une installation totale

The Gates se veut une architecture de l’itinérance : une succession de portails, établis sur 37 kilomètres de sentiers au cœur du parc, invitent à la promenade, au regard oblique, à l’expérience du paysage comme tableau en mouvement.

Chaque portail se compose d’un cadre métallique surmonté de voilures en tissu d’un orange chaleureux jouant avec la lumière du soleil, contrastant avec le nuances de l’hiver finissant, le vert timide du printemps en devenir. L’intensité chromatique souligne la nature environnante pour mieux la réécrire, la recontextualiser. Le dialogue doucement se crée avec le corps du promeneur, ses rythmes, ses pas, ses perceptions.

L’installation échappe à l’enfermement de la salle d’exposition pour envahir la ville. En ce sens, elle appartient à ce que l’on nomme aujourd’hui l’art environnemental : loin de s’opposer à l’environnement, cette discipline en devient partie intégrante, en révèle les structures invisibles — trajectoires, lignes de fuite, transparences, rythmes de la lumière — et propose une lecture augmentée du réel.

Le paysage comme tempo

Christo et Jeanne-Claude ont toujours défendu l’idée que l’art n’est pas seulement à regarder, mais à vivre. Dans The Gates, l’acte de la marche est fondamental : c’est en se déplaçant que l’on découvre l’œuvre, que l’on en mesure la profondeur, que l’on entre en résonance avec elle.

La répétition des portails crée une progression rythmique, presque musicale, qui transforme l’espace en partition sensorielle. Le regard se déplace d’un cadre à l’autre, capte les variations de lumière, croise les lignes du paysage, tandis que les voilures se parent de transparence ou d’opacité selon l’heure et la saison.

Un promeneur s’y attarde, un autre s’y perd volontairement : ce sont des trajectoires personnelles, uniques. L’œuvre ne se définit pas par une intention unique, mais par la multiplicité des lectures qu’elle permet — et par cette expérience intime du temps étiré.

Une esthétique éphémère de l’ouverture

L’une des caractéristiques les plus marquantes de The Gates demeure son caractère éphémère. Installés pour moins de trois semaines, ces portails se déploient, s’imposent, avant de disparaître — sans qu’il reste de monument fixe, immuable.

Cette temporalité est un geste radical des deux artistes : refuser à l’œuvre une pérennité muséale, la soumettre plutôt aux cycles du temps, à l’attention fugitive du public, à l’imprévisibilité de la météo. L’installation, bien qu’impressionnante, ne se fige pas ; elle se vit, puis s’éteint. Ce faisant, elle rejoint la tradition des arts du rituel et du performatif, où l’œuvre ne s’emballe pas dans le marché de l’art, mais se déploie dans l’expérience vécue.

Les portails constituent des points d’ouverture qui relient l’espace sans jamais le segmenter. En confrontant le spectateur à une série d’encadrements, ils font voir autrement le paysage, dégagent des perspectives inédites, invitent à la contemplation vive et active. Fait remarquable, l’œuvre ne se contente pas de proposer une image, elle multiplie les possibles. Elle transforme un trajet familier en événement esthétique. Elle fait de Central Park un champ perceptif réinventé.

Poétique de l’expérience et enjeux contemporains

Si The Gates peut être compris comme une installation spectaculaire, son importance dépasse la seule dimension visuelle. C’est une poétique de l’expérience, un art qui ne se contente pas de montrer, mais qui met en relation l’individu avec le paysage, avec les autres, avec soi-même. Elle s’inscrit également dans la démarche plus large de Christo et Jeanne-Claude, qui, tout au long de leur carrière, ont conçu des œuvres monumentales et temporaires — des rides sur le monde, plutôt que des pierres éternelles.

Aujourd’hui encore, The Gates fait sens. Dans un monde urbanisé où la rencontre avec la nature est biaisée, cette installation interroge notre rapport à l’espace public, au temps, à l’écologie des regards. Elle rappelle que l’esthétique n’est pas un luxe, mais une modalité d’attention au monde, une manière de percevoir le paysage non pas comme un fond, mais comme un sujet vivant.

L’œuvre invite aussi à penser la ville comme un territoire d’expériences sensibles, où l’art ne se niche pas seulement dans des institutions, mais dans les circulations mêmes des corps et des regards.

The Gates de Christo et Jeanne-Claude n’est pas une simple intervention plastique dans l’espace urbain. C’est un phénomène esthétique total, une expérience du paysage articulée autour du mouvement, de la lumière, de la couleur et de la durée. En transformant Central Park en une succession de cadres orchestrés, l’œuvre nous rappelle que voir, c’est habiter le monde autrement, et que l’art, en quête d’ouverture, demeure l’un des moyens les plus puissants de réinventer notre rapport à l’espace.

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Si vous venez de lire l’article sur les mutations du whodunit, vous avez pigé que le genre est plus complexe qu’il y paraît. En surface, un meurtre et une enquête ; dans les profondeur une horlogerie narrative d’une précision redoutable, où chaque ingrédient compte. Trop d’effets, et la mécanique se voit. Pas assez, et l’ennui guette. Ce qui vaut pour la version littéraire est encore plus marquant pour la version cinématographique. Alors, que faut-il pour réussir un whodunit filmé ?
Voici la recette.

Ingrédient n°1 : un crime central (clair, net, problématique)

Tout bon whodunit commence par un crime lisible. Pas forcément spectaculaire, mais structurant. Il doit créer une rupture nette, un avant et un après. Le crime n’est pas là pour choquer mais pour organiser le récit. Un bon whodunit ne multiplie pas les meurtres à l’aveugle. Il choisit un crime pivot, autour duquel tout va se reconfigurer.

Ingrédient n°2 : un cercle fermé de suspects

Le plaisir du whodunit repose sur une promesse implicite : le coupable est dans la pièce. Manoir, train, île, villa, hôtel de luxe, plateau télé, domaine familial… Peu importe le décor, tant qu’il crée un espace clos — physique ou symbolique. Le spectateur doit pouvoir dresser mentalement la liste des suspects. Trop de personnages tuent l’énigme. Pas assez, et la solution devient évidente.

Ingrédient n°3 : un enquêteur (ou un regard) identifiable

Hercule Poirot, Miss Marple, Benoit Blanc… Le whodunit a besoin d’un centre de gravité narratif. Pas forcément un détective officiel, mais un regard structurant, capable de faire circuler l’information. L’enquêteur n’a pas besoin d’être infaillible. Au contraire. Ses angles morts, ses manies, son excentricité participent au plaisir. Ce n’est pas un super-héros : c’est un chef d’orchestre du soupçon.

Ingrédient n°4 : les points de vue multiples (et contradictoires)

Le cinéma a un avantage décisif sur le roman : l’image. Un whodunit filmé réussi exploite pleinement cette richesse. Flashbacks, récits fragmentés, scènes rejouées depuis différents points de vue… Chaque version modifie légèrement la perception des faits. Ce qui semblait évident devient douteux. Ce qui paraissait secondaire devient central. La clé ? Ne jamais mentir au spectateur, seulement déplacer son regard.

Ingrédient n°5 : un casting prestigieux (et idéalement à contre-emploi)

Le whodunit adore les visages connus. Pourquoi ? Parce que le spectateur arrive avec des attentes. Et ces attentes sont de la matière narrative.

Un casting prestigieux permet :

• de jouer avec les stéréotypes
• de créer de fausses évidences
• de détourner les rôles habituels.

Le contre-emploi est un outil redoutable. Un acteur associé à l’héroïsme devient suspect. Une figure comique cache une noirceur inattendue. Le casting constitue une fausse piste en soi.

Ingrédient n°6 : des indices visibles (mais mal interprétés)

Un bon whodunit respecte une règle fondamentale héritée d’Agatha Christie : le spectateur doit avoir accès aux mêmes indices que l’enquêteur. Clés, regards, objets, phrases anodines, gestes furtifs… Tout est là. Le plaisir vient du fait que l’on voit, mais que l’on ne comprend pas encore. Le twist final ne doit jamais tomber du ciel.
Il doit faire dire : “Mais oui, c’était sous nos yeux.”

Ingrédient n°7 : un montage précis comme une horloge

Le montage est l’arme secrète du whodunit filmé (cf le fameux et très bien orchestré Mort sur le Nil version 1978). C’est lui qui décide :

• quand révéler une information
• quand la masquer
• quand la répéter sous un autre angle.

Un bon montage sait ralentir le temps, insister sur un détail, puis l’oublier pour mieux y revenir. Il crée un rythme qui stimule l’attention sans jamais perdre le spectateur.

Ingrédient n°8 : une mise en scène lisible (sans tape-à-l’œil inutile)

Contrairement à ce que l’on croit, le whodunit n’aime pas l’esbroufe. La mise en scène doit être au service de la compréhension, pas de la démonstration.

Caméra trop agitée, montage illisible, effets gratuits : autant de poisons pour l’énigme. Le spectateur doit pouvoir reconstruire mentalement l’espace, les déplacements, les temporalités.

La clarté est une forme d’élégance.

Ingrédient n°9 : une couche méta (facultative, mais savoureuse)

Les whodunits contemporains aiment se regarder fonctionner. Clins d’œil aux codes, dialogues conscients du genre, personnages qui commentent l’enquête en train de se faire… Utilisé avec parcimonie, le méta ajoute une jouissance supplémentaire dixit les trois opus de la franchise Benoît Blanc qui regorgent de clins d’oeil.

Attention cependant : trop de méta tue la tension. L’ironie ne doit jamais remplacer l’enjeu dramatique.

Dressage final : la révélation

Le moment de la révélation est sacré. C’est là que tout se joue. Elle doit être claire, logique, satisfaisante et idéalement, dire quelque chose du monde.

Un bon whodunit ne se contente pas de désigner un coupable. Il révèle un système, une dynamique sociale, une vérité plus large que le crime lui-même.

Une cuisine de précision

Réussir un whodunit filmé, ce n’est pas empiler des twists. C’est :

• cuisiner avec précision, respect et malice.
• tromper le spectateur sans jamais le trahir.
• faire de l’enquête un jeu, mais aussi un miroir.

Car au fond, le whodunit pose toujours la même question : que révèle un crime de celles et ceux qui l’entourent ? Et tant que cette question restera pertinente, le genre aura encore de beaux jours devant lui.

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Londres, 1979. Une porte rouge dans une ruelle de Covent Garden. Derrière, un cloakroom tenu par un gamin de dix-sept ans en robe de mariée customisée qui vous regarde de haut si vous n’avez pas fait l’effort de vous habiller. Bienvenue au Blitz. Ce club mythique n’a duré que dix-huit mois, durant lesquels il a tout changé. Vous en doutez ? alors vite, vite, traversez le Channel et RDV au Design Museum de Londres qui lui consacre une exposition phare.

Immersion totale

L’expo joue la carte de l’immersion totale à raison, parce que l’ambiance d’un club, ça se respire de l’intérieur. Dès l’entrée, on y est : bar reconstitué, piste de danse, DJ booth, bandes-son d’époque qui sortent des enceintes avec la chaleur légèrement saturée des sound systems de l’ère pré-numérique. Rusty Egan, DJ résident historique du Blitz, a supervisé la sélection. C’est Bowie, c’est Kraftwerk, c’est Numan, c’est la vague électronique qui déferlait sur une Angleterre thatchérienne grise et brutale.

Les vitrines en témoignent généreusement. Les fringues d’alors n’étaient pas des costumes mais des actes de foi : vestes militaires dépecées et recousues, tutus portés sur des bottes de moto, maquillages entre Bowie et Weimar. A scruter également, les flyers photocopiés qui circulaient de main en main dans les squats et les coiffeurs du West End, les cassettes, les numéros de i-D et de The Face, plus pamphlets illustrés que magazines.

On va être beaux à en faire saigner les yeux

Pour comprendre ce que le Blitz a représenté, il faut remonter le temps jusque dans l’Angleterre de 1979. C’est l’hiver du mécontentement : les grèves paralysent le pays, les poubelles débordent dans les rues de Londres, Thatcher remporte les élections en mai avec un programme de destruction sociale méthodique. Le punk a explosé deux ans plus tôt, brûlant ce qu’il avait à brûler ; il n’en reste que des cendres et les regrets de gamins qui se demandent quoi en faire ensuite. Steve Strange et Rusty Egan ouvrent le Blitz dans ce désert culturel.

La réponse au punk n’est pas un nouveau nihilisme, bien au contraire. Une nouvelle esthétique va voir le jour, délibérée, obsessionnelle. Le Blitz cristallise la conviction collective que, si le monde est moche, on va être beaux à en faire saigner les yeux. L’historien Jon Savage, dans England’s Dreaming — la bible du punk britannique datée de 1991— a bien montré comment le mouvement New Romantic naît précisément en réaction à l’esthétique de la destruction punk : même énergie, direction opposée. Là où le punk déchirait, le Blitz cousait. Laborieusement, somptueusement, sans budget mais avec une inventivité décuplée par le manque de fric et de moyens. Ce contexte, l’expo y consacre une section entière : photos de rue, unes de journaux, matériaux d’archives replacent le club dans sa ville et dans son époque, histoire de bien comprendre pourquoi une porte rouge dans une ruelle de Covent Garden a eu l’importance qu’elle a eue.

Un espace de permission radicale

Le Blitz avait une politique d’entrée explicite et assumée : si on n’avait pas fait un effort vestimentaire, on restait dehors. Jean et t-shirt blanc étaient bannis. La banalité sans message n’avait rien à faire sur ce dancefloor. « Reviens quand t’as quelque chose à dire avec ce que tu portes ». Cette politique était unique. Dans son autobiographie Take It Like a Man, Boy George éclaire le propos. Au sein du Blitz, être bizarre était non seulement toléré mais constitutif d’une appartenance, d’une identité. C’était un espace de permission radicale, où l’androgynie était encouragée. Les gars se maquillaient, les filles avaient le crâne rasé, tous.tes portaient des corsets sur des treillis militaires ; personne ne voyait rien à y redire, tout le monde faisait pareil.

L’expo documente cette philosophie de vie avec un grand souci du détail : photos de soirées, portraits de clubbers dont certains sont devenus célèbres, conviction partagée que l’identité n’était pas donnée mais construite — et que le samedi soir était le bon moment pour en repousser les limites. Philip Sallon, Marilyn, Leigh Bowery un peu plus tard : toutes ces figures ont poussé l’expérimentation corporelle et vestimentaire au-delà de ce que le monde mainstream pouvait envisager. L’influence sur la mode à venir, le drag des décennies suivantes est inestimable.

Une pépinière artistique et musicale fertile

Sans intention commerciale initiale, Le Blitz va ainsi constituer une pépinière artistique et musicale fertile. Spandau Ballet s’enracine dans cette énergie, enregistrant son premier single en 1980, « To Cut a Long Story Short », posant l’électronique froide et romantique qui lui servira de griffe et qui doit autant à Numan qu’à Bowie. Visage sort « Fade to Grey » en 1980, avec Midge Ure au clavier et Steve Strange au chant ; le single, qui atteint le numéro huit au hit-parade britannique, demeure à ce jour l’un des objets sonores les plus parfaits que la New Romantic ait produits.

Impossible d’écouter cette musique, démos, enregistrements de répétitions et autres, telle qu’elle est diffusée dans le contexte de l’expo, sans être frappé par le soin avec laquelle elle est travaillée. Ces gamins qui bricolaient leurs fringues dans des squats de Pimlico avaient aussi une conscience musicale aiguisée — ils connaissaient Kraftwerk, Eno, Can, le krautrock, la soul de Philly. Simon Reynolds en parle dans Rip It Up and Start Again : Postpunk 1978-1984, soulignant cette capacité rare du post-punk à absorber et recombiner des influences hétérogènes avec une vitesse et une liberté que le rock classique n’aurait pas tolérées — constat qui désigne parfaitement la logique créative à l’œuvre au sein du Blitz.

Un geste politique quoi qu’on en dise

L’expo a ouvert en octobre 2025. Le public qui la traverse n’a rien d’homogène. Les quinquagénaires retrouvent avec un brin de nostalgie le feu créatif de cette période maudite et enchantée à la fois. Quant aux ados qui n’ont aucune référence directe à cette époque, ils découvrent fringues et photos avec une curiosité intense. Cette génération qui a grandi avec le gender fluid, se retrouve dans la radicalité tranquille du Blitz, dans cette atmosphère où l’identité se construit, se choisit, se fabrique avec ce qu’on a sous la main, où la contrainte matérielle n’est pas un obstacle à l’expression de soi mais parfois son meilleur moteur.

Comment alors ne pas faire le lien entre hier et aujourd’hui. Le Blitz naît sous Thatcher ; la jeunesse de cette époque rejette le gris du monde qui l’entoure, produit de la couleur, du bruit et de la beauté dans un pays qui les a condamnés au chômage et à l’austérité. C’est un geste politique quoi qu’on en dise. On ressort de l’exposition convaincu que des espaces comme le Blitz ne sont jamais des accidents de l’histoire. Ils émergent quand une communauté décide, dans un contexte hostile, que la créativité n’est pas un luxe mais une nécessité vitale.

User de la laideur du monde ambiant comme combustible ET moteur. C’est l’idée, le mantra. Le Blitz a duré dix-huit mois. Cela a suffi pour que Boy George devienne Boy George, que Spandau Ballet enregistre ses premiers singles, que la New Romantic traverse l’Atlantique et redessine les codes visuels d’une décennie entière. Dix-huit mois dans une ruelle de Covent Garden avec une porte rouge et un cloakroom tenu par un gamin en robe de mariée.

Si d’aventure, mon petit texte vous a plu et que vous décidez de traverser le Channel pour aller visiter Blitz : The Club That Shaped the 80s, s’il vous plaît, faites un effort sur le dress code. Par respect et pour le fun.

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Dans la série « Streetartistes qui méritent le détour », je demande Théo Haggaï. La trentaine, les mains usées par l’usage de la ponceuse, l’œil à l’affût et les pieds ancrés au sol, Haggaï a délaissé fresques gigantesques et bombes de peinture pour jouer les colmateurs de brèches en mode minimaliste/miniaturiste. Petit Poucet persévérant et poétique, il parsème ainsi l’espace urbain de délicates mosaïques gravées aux allures de peintures primitives où le noir et le bleu dialoguent avec l’or.

Opération créative en plusieurs temps

Son mode opératoire est désormais rôdé :

• repérer une brèche, un trou, une fissure dans un mur lors d’une balade ;
• en prendre l’empreinte avec un morceau d’argile extrait d’une poche ou prélever l’éclat de pierre qui manque de se déceler ;
• revenir à l’atelier, trouver un motif (Haggaï n’en manque guère, il en a dessiné des blindes quand il bossait encore comme caissier chez Monop à Lyon) ;
• peindre la surface du morceau en noir, graver le motif, le rehausser d’or ;
• une fois sec, retourner le replacer pour terminer le colmatage … et transformer le mur ainsi rebouché en œuvre d’art. Et en message visant à interpeler le passant.

L’espoir des lendemains meilleurs

Et le faire réfléchir. La silhouette du Rêveur, ce petit bonhomme aux contours imprécis, désigne l’humanité, les laissés pour compte, ceux qu’on ne voit plus mais qui avancent dans la vie malgré tout, avec l’espoir des lendemains meilleurs. Jérôme Mesnager avait son homme en blanc pour animer en grandeur nature les murs des grandes villes, Théo Haggaï, lui, joue la discrétion, la fragilité, pour insuffler de la délicatesse dans les parois anonymes et sales des cités modernes.

Geste d’amour, tendresse du regard, constance du projet : entre kintsugi, peinture aborigène, mandalas et dessins de Keith Harring, les créations de Haggaï ont beau être discrètes, elles chantent bien haut le besoin d’être ensemble, en écho, en osmose. Et de s’envoler au dessus des masses de béton pour retrouver un peu d’oxygène mental.

Vandalisme inversé

Ne vous y trompez pas cependant : sous ses airs de modeste poète, Haggai pratique un acte de vandalisme inversé. Là où certains dégradent, lui répare. Là où la ville s’effrite dans l’indifférence, il injecte du luxe (l’or) et de la sueur (la ponceuse). C’est un « do it yourself » viscéral : pas besoin de l’autorisation de la mairie pour soigner une plaie de béton. C’est ça, la street culture : reprendre le pouvoir sur son environnement, un éclat de pierre après l’autre.

Alors, la prochaine fois que vous traînez vos pompes dans le 20ème ou ailleurs, levez le nez de votre smartphone et ouvrez l’oeil. L’art de Théo ne vous saute pas à la gorge, il se mérite. C’est une chasse au trésor urbaine où le gros lot n’est pas une liasse de billets, mais un petit électrochoc intellectuel, un shoot de lucidité poétique pour court-circuiter la grisaille et l’intolérance qui règne.

Pour aller plus loin

Découvrez le travail de Théo Haggai sur son site web.

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