Après avoir ausculté la douleur et les zones d’ombre dans ses précédents projets, William Cardoso s’avance aujourd’hui vers la lumière. Avec DEADLINE, présenté les 11 et 12 novembre au Grand Théâtre de Luxembourg, le chorégraphe transforme la blessure en rituel, la contrainte en passage, le corps en lieu de guérison et de résistance douce aux normes.

« Aujourd’hui, je suis en quête de lumière. »

« La blessure est l’endroit par lequel la lumière entre en vous. » (Rumi) Comment interprètes-tu cette idée dans ta propre vie ? Peux-tu identifier une rupture ou une blessure qui t’a finalement ouvert à une nouvelle lumière ou compréhension ?

Chaque création est pour moi une réponse à la question « Qui suis-je aujourd’hui ? »
 Aujourd’hui, je suis en quête de lumière. J’ai longtemps eu tendance à me concentrer sur ce qui n’allait pas, sur les blessures. Mais même dans la douleur, il y a un tremplin : quelque chose qui pousse à rebondir. Ce que j’ai vécu, je préfère le nommer traumatismes, et l’art a été salvateur — il m’a permis de vomir ce qui se passait en moi.

Aujourd’hui, j’ai envie d’aller bien, d’être mon meilleur pote. Une lumière s’est allumée, et avec elle, la conscience que l’ombre fait partie de la lumière. J’essaie de choisir ce qui me fait du bien, là où il y avait tant de nœuds, et je sens un apaisement. J’ai compris que mon corps a traversé des choses qu’il n’a pas demandées, que je ne suis pas fautif. L’humain porte beaucoup — croyances, hontes, haine — mais aussi l’envie d’aimer et de vivre.
 J’ai retrouvé en moi ce petit gamin qui veut juste sourire, sentir la pelouse sous ses pieds et prendre le soleil en pleine gueule.

Deadline est une pièce de danse, mais avant tout, une traversée personnelle : une manière de mettre de la lumière sur mes ombres.

« Pour moi, une rupture, c’est à la fois un deuil et une vague. »

La rupture comme seuil : as-tu déjà vécu une rupture (amicale, amoureuse, professionnelle, spirituelle) qui, avec le recul, t’a semblé être un passage vers une version plus authentique de toi-même ? Comment as-tu traversé cette période ?

Qui n’a pas vécu de rupture ? Je l’ai vue arriver, je l’ai traversée, je l’ai ressentie — et je me suis laissé emporter par elle. Pour moi, une rupture, c’est à la fois un deuil et une vague. J’ai choisi d’y plonger, de laisser chaque émotion me traverser plutôt que de lutter. C’est dans cette immersion que j’ai commencé à me retrouver, à toucher quelque chose de plus vrai, de plus authentique en moi.

« Se briser sans être détruit, c’est ainsi que nous grandissons. » (Marina Abramović) Qu’est-ce que cela t’inspire ? Penses-tu que la société actuelle permet vraiment de vivre ces ruptures comme des opportunités de croissance, ou les craint-on trop ?

« Se briser sans être détruit », pour moi, c’est accepter de traverser les épreuves sans s’y perdre. C’est toucher à ses limites, sentir la fissure, mais comprendre que ce n’est pas une fin — c’est un passage.
 Se briser, c’est douloureux, mais c’est aussi là que quelque chose s’ouvre, que la lumière entre. C’est dans ces moments que l’on grandit, que l’on découvre une version plus vraie de soi.

« C’est dans le contact, parfois dans la friction, que l’on apprend à se connaître vraiment. »

Rituels contemporains : DEADLINE évoque des rituels modernes (méditation, pratiques respiratoires, cérémonies inventées) comme moyens de transformer la douleur en énergie vitale. Quels rituels, personnels ou collectifs, pratiques-tu ou aimerais-tu créer pour accompagner tes propres métamorphoses ?

Deadline est un mélange de rituels que je me suis créés pour aller mieux, pour apaiser et faire sourire l’enfant intérieur en moi. Ce sont des gestes du quotidien, des respirations, des moments pour me recentrer.

Je pratique beaucoup le yoga, la marche — cette marche qui fait circuler les pensées et remet le corps en mouvement —, et le breathwork, que j’utilise comme un voyage intérieur pour libérer ou soigner des traumas passés.

Tout cela me permet d’être dans le présent, ici et maintenant, et cela m’enracine.

 Nous avons besoin de l’autre. Rumi disait que la blessure est l’endroit par lequel la lumière entre en nous — mais parfois, cette lumière a besoin d’un regard extérieur pour vraiment exister. C’est à travers l’autre qu’on se découvre, qu’on guérit.

Krishnamurti rappelait que la relation est un miroir : c’est dans le contact, parfois dans la friction, que l’on apprend à se connaître vraiment. Le collectif devient alors un espace d’épreuve partagée, un lieu où nos ruptures individuelles se rencontrent, s’éclairent et se transforment.

« Si je devais imaginer une cérémonie sans dieu, elle commencerait par un geste d’expulsion. »

Le collectif comme lieu d’épreuve partagée : comment imagines-tu un espace collectif (artistique, social, politique) où la rupture individuelle pourrait être vécue et transformée grâce au soutien du groupe ?

Je rêve d’un espace collectif où l’on puisse traverser ensemble ces cassures, non pas pour les réparer, mais pour en faire des forces de création. Un lieu où l’écoute, la présence et la bienveillance deviennent des rituels en soi.

Deadline comme cérémonie sans dieu : si tu devais concevoir une « cérémonie sans dieu » pour marquer une rupture ou un nouveau départ, à quoi ressemblerait-elle ? Quels symboles, gestes ou objets y intégrerais-tu ?

Répondre à cette question, c’est presque créer toute une œuvre. Si je devais imaginer une cérémonie sans dieu, elle commencerait par un geste d’expulsion comme si j’essayais d’enlever quelque chose de ma peau, de mes organes, de me libérer de ce qui me dérange ou dont je ne veux plus être habité. 
Ce serait un passage, une manière d’ouvrir des portes par l’arrière, de laisser sortir avant de pouvoir accueillir à nouveau.

Puis viendrait le retour : ramener vers moi, avec envie, force et soulagement, de nouvelles énergies, de nouvelles informations pour remplir ce corps différemment .
J’y vois des seaux d’eau, des tables, des peignoirs, des armures, de la peau. Des corps à genoux, des corps qui marchent, des corps immobiles et méditatifs. Des dessins dans l’espace, des traces du vivant.

« La contrainte est devenue passage, le mur est devenu tremplin. »

Costumes et effacement de l’identité : les costumes de Deadline jouent sur l’anonymat et la transformation. Comment perçois-tu le lien entre l’effacement de l’identité (par le costume, le masque, le silence) et la possibilité de renaissance ?

En effaçant l’identité du visage, en le cachant ou en le couvrant, l’interprète peut plonger plus profondément dans son corps, dans la chair, dans le muscle et rejoindre ainsi son esprit. Cela crée un espace de lâcher-prise qu’on n’atteint pas toujours quand on est exposé, quand on montre son identité.

Il y a quelque chose de fascinant chez l’être humain : il se révèle souvent davantage lorsqu’il est caché. Le masque, le silence, l’anonymat deviennent alors des portes vers l’intérieur. 
Et cette connexion à l’intérieur, à ce qui est nu sans être visible, c’est déjà une forme de renaissance.

Scénographie et contrainte : Le podium est à la fois obstacle et passage. Dans ta propre vie ou dans un projet artistique, quel « podium » (contrainte, limite, défi) as-tu transformé en tremplin pour un saut vers l’inconnu ?

J’ai changé de regard sur la même situation. La contrainte est devenue passage, le mur est devenu tremplin.

Musique comme entité vivante : la musique de Deadline est décrite comme une symbiose entre corps, voix et technologie. Si tu devais associer une musique ou un son à une rupture que tu as vécue, lequel choisirais-tu et pourquoi ?

Devagarinho de Gilons et Mariana Volker. Ce morceau me ramène à la personne en question à ce lien, à cette rupture, à tout ce qui reste suspendu entre douceur et nostalgie.

« Deadline ne dénonce pas, il ouvre. »

En quoi le projet Deadline s’inscrit-il dans la continuité (ou la rupture) avec tes œuvres précédentes, aussi bien en solo qu’en duo notamment au regard de ton approche contradictoire, imprévisible et engagée, qui mêle intimité personnelle et critique des normes hétéronormatives et patriarcales.

Deadline pointe le doigt vers la lumière, et il a envie d’y aller.
Les projets précédents pointaient davantage le mal-être, la douleur, les zones d’ombre. Celui-ci marque un tournant : c’est un projet plus spirituel, plus tourné vers la guérison.

La gestuelle reste ancrée dans le réel, connectée au monde dans lequel on vit, mais l’énergie est différente, plus douce, plus apaisée. Deadline ne dénonce pas, il ouvre. Il cherche moins à questionner les normes qu’à respirer au-delà d’elles.

Tu as remporté le prix « Op der Bün », qui récompense le texte, le concept, la chorégraphie et la mise en scène au cours de ces deux dernières années, pour les chorégraphies de « Baby » et «Angriff ». Ce n’est pas ton premier prix. Quel regard portes-tu sur ces « trophées » ? 

C’est bizarre, oui. J’ai encore du mal à voir mon travail et sa valeur de l’extérieur. Moi, je vois surtout les questionnements, les doutes, les moments où je me tape la tête contre les murs à la recherche de réponses… ou peut-être de nouvelles questions.

Recevoir ce prix, c’est une belle surprise. Je ne pensais pas que cela m’arriverait un jour. Ça m’a permis de sortir un instant de ma chambre, de prendre du recul et de voir que mon travail touche réellement le monde autour de moi.
C’est touchant. Et je suis fier de mon enfant intérieur — celui qui avance, malgré la peur et les doutes, et qui, quelque part, par son chemin, parvient à toucher les autres.

Merci à William Cardoso pour son temps et ses réponses.

Pour en savoir plus sur son travail et ses créations, consultez le site Williamcardoso.com.

Crédit photo : William Cardoso

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De Galilée à la réalité virtuelle, l’art a toujours cherché à multiplier les fenêtres par lesquelles le monde entre en nous. L’art immersif, quant à lui, nous propose non plus de regarder à travers une fenêtre, mais d’entrer dans une chambre d’écho, dans un périmètre où l’on est entouré. Mais derrière cette promesse de totalité, se cachent des enjeux esthétiques, économiques et philosophiques majeurs. Et la question qu’on doit se poser : est-ce une vraie révolution ou un mirage superficiel ?

On n’est plus devant l’œuvre, on y séjourne

L’art immersif désigne des œuvres ou des installations dans lesquelles le spectateur ne se contente pas de regarder : il entre, il circule, il est enveloppé, parfois même manipulé par l’espace, le son, la lumière, la technologie. On n’est plus devant l’œuvre, on y séjourne. Parfois l’interactivité entre en jeu : ce que fait le spectateur (se déplacer, bouger, toucher, intervenir) modifie parfois ce qu’il voit, ce qu’il entend.

Selon Wikipedia, l’art immersif contemporain compterait parmi ses précurseurs le cinéma. Dans les années 1960-70, la notion émerge avec des artistes qui veulent dépasser le tableau, l’objet, pour investir l’espace tout entier. Ainsi, Gustav Metzger en 1965 conçoit Liquid Crystal Environment, des œuvres qui sortent de la toile pour envelopper le spectateur. Quant aux environnements immersifs de Lucio Fontana, ils manipulent l’espace, la lumière, la perception pour casser les murs traditionnels du tableau ou de l’œuvre statique.

Une proposition muséale spectaculaire

Il s’agissait alors d’art expérimental : l’immersion était le fait de l’artiste, sa volonté et l’œuvre allait dans ce sens. Aujourd’hui, l’immersif est surtout une proposition muséale. Les grandes rétrospectives immersives des œuvres de Van Gogh, Monet, Klimt, les expositions type Atelier des Lumières à Paris, Frameless à Londres, Superblue à Miami, Hall des Lumières à New-York utilisent la projection numérique pour immerger le visiteur dans des peintures.

Les avancées technologiques permettent ce genre de manifestation : mapping vidéo, projections panoramiques, écrans ou surfaces à 360°, réalité virtuelle ou réalité augmentée, installations sonores immersives, environnements physiques recomposés (maquettes, miroirs, brouillard, modulation de lumière), usage de technologies numériques, LED, électronique interactive. On ne manque guère de moyens pour plonger le visiteur dans l’oeuvre, avec un effet spectaculaire indéniable.

Promesses et forces de l’immersion

C’est que l’art immersif a tout pour séduire :

• Cette expérience sensorielle forte possède une très forte attractivité de par les émotions procurées, grandeur, perte de repères, enveloppement.
• Pour beaucoup, c’est une façon d’entrer dans l’art de façon “moins intimidante” qu’avec une toile dans un musée silencieux. On peut toucher, marcher, se perdre. L’art devient accessible.
• L’art immersif propose un renouveau esthétique, en inventant de nouveaux langages visuels et sensoriels, en croisant les disciplines et en hybridant l’art avec la technologie.
• L’immersion permet de questionner notre rapport au réel, à la virtualité, à la surveillance, à la représentation. Un film ou une peinture vous montrent une image, mais l’immersion vous met dans la peau d’un espace, vous rend plus actif, plus conscient.

Les dérives, les critiques : où est l’escroquerie ?

Mais là où beaucoup applaudissent, d’autres crient au spectacle creux. Les critiques ne manquent guère qui ciblent des risques très réels.

• Le show avant l’idée : on transforme Van Gogh, Monet ou d’autres grands maîtres en background lumineux, en décor Instagram. Ce qui prime, c’est le visuel spectaculaire, la photo souvenir, pas la compréhension de l’œuvre, de sa matière, de son contexte. Beaucoup d’expos profitent simplement d’un nom prestigieux pour attirer les foules, sans investir dans la profondeur ou dans la réflexion critique.
• Le rapport qualité-prix : les billets coûtent souvent cher pour ce que c’est : une heure ou moins d’expérience dans un espace digital, souvent très peu interactif ou très “guidé”. On paye l’effet “grandiose” plus que l’intensité artistique. Pour beaucoup de visiteurs, l’expérience est jolie, plaisante, mais ne laisse pas de trace ou ne pousse pas à penser.
• L’uniformisation esthétique et le phénomène de mode : la mode des expositions immersives a donné naissance à un “copié-collé” décoratif : projections XXL sur murs, musique immersive, brouillard, etc. Très peu d’innovation dans la narration ou le fond, effet de saturation garanti : partout les mêmes expériences, les mêmes recettes technologiques, les mêmes produits d’appel basés sur des artistes “classiques” que le public “reconnaît”.
• Une dévalorisation de l’expérience traditionnelle, de l’objet physique, de la matière : l’expérience immersive demande presque toujours que l’on sacrifie le contact direct avec l’œuvre (la toile, le médium, la texture). On perd ce “ce qui fait œuvre” dans sa matérialité. Les musées, pour attirer, s’adaptent, mais risquent de transformer leur mission (préservation, éducation, critique) en une simple attraction.
• Une inégalité flagrante : qui peut y accéder vraiment ? Prix souvent élevés, lieux urbains, installations temporaires – l’expérience immersive élitiste devient un luxe. Le public est souvent déjà “sensibilisé” : amateur d’art contemporain, curieux technophile. Ceux qui n’ont pas de culture visuelle ou ceux éloignés des milieux branchés peuvent se sentir exclus ou dépassés.

Alors : modernité ou escroquerie ?

L’art immersif est une arme double. Il peut être radicalement libérateur : repenser l’espace, reconnecter le spectateur, réveiller la curiosité sensorielle et critique. Mais il peut aussi devenir une marchandise étincelante, un mirage tech pour touristes urbains, une offre branding+marketing déguisée en œuvre.

Ce qui compte au final, ce n’est pas la technologie en soi, mais l’intention derrière elle. Il convient alors de se poser les bonnes questions :

• Est-ce que l’œuvre permet de penser quelque chose ?
• Est-ce qu’elle interroge, perturbe, trouble, secoue ?
• Est-ce qu’elle dialogue avec le contexte, l’histoire, la matière, la politique ?
• Est-ce qu’elle engage le corps, mais aussi l’esprit, la mémoire, la critique ?

Si l’immersion est simplement un décor spectaculaire, un lieu où l’on passe sans penser, alors oui, c’est de l’arnaque. Mais dans ses meilleures formes, l’art immersif peut être une mutinerie poétique contre l’aliénation visuelle, contre la superficialité du scroll, contre la culture-clip.

Résumons …

L’art immersif n’a rien d’un sauveur culturel, mais il peut avoir ses avantages. Symptôme d’une époque en quête de sensation directe et d’évasion, il possède le potentiel pour éveiller le spectateur endormi. Le tout est de ne pas se laisser capturer par le mirage : rester exigeant, exiger du fond, de la pensée. Ne pas accepter la simple beauté lumineuse comme substitut de la profondeur.

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Fatigue chronique, stress, douleurs articulaires, kilos qui s’installent… Dans nos sociétés ultra-connectées et sédentaires, les corps tirent la sonnette d’alarme. Longtemps, la réponse a été simple : “faites du sport”. Mais derrière ce conseil se cache un piège. Car pratiquer comme un athlète ou s’épuiser à coups de programmes miracles n’est pas à la portée — ni même à l’intérêt — de tout le monde.

C’est là qu’entre en scène une autre approche : le sport santé. Ni gadget ni tendance passagère, il propose une nouvelle manière de considérer l’activité physique : non plus comme une performance, mais comme un outil de prévention, d’équilibre et de mieux-être global.

Bouger pour mieux vivre

Le sport santé, c’est l’ensemble des pratiques physiques et sportives qui visent avant tout à préserver ou améliorer la santé. Autrement dit, bouger pour mieux vivre. Cela peut prendre mille formes : une marche régulière, une séance de yoga, de la natation, du vélo, de la gymnastique douce, un renforcement musculaire adapté…

Ce qui compte, ce n’est pas la discipline choisie, mais la façon dont elle est pratiquée :

• progressive, pour éviter blessures et découragement ;
• personnalisée, en fonction de l’âge, de la condition physique, des pathologies éventuelles ;
• régulière, car les bénéfices apparaissent dans la durée.

Le sport santé ne vise pas l’exploit, mais le quotidien. C’est une hygiène de vie, une démarche préventive, un dialogue permanent entre le corps et l’esprit.

Écouter son corps

À première vue, on pourrait croire qu’il s’agit simplement de sport loisir. Des nuances s’imposent.

• Là où le sport compétitif cherche la performance, le sport santé recherche la durabilité.
• Là où le fitness “corps parfait” promet transformation express, le sport santé privilégie l’équilibre.
• Là où le sport loisir repose souvent sur le défoulement, le sport santé intègre une dimension éducative : apprendre à écouter son corps, à gérer son souffle, à comprendre ses limites et ses ressources.

C’est une démarche qui se situe entre la médecine préventive et l’activité ludique. Un pied dans le soin, un pied dans le plaisir.

“Le sport, c’est la santé”

L’idée que “le sport, c’est la santé” existe depuis toujours. Mais le concept structuré de sport santé s’est forgé au tournant des années 1980-1990, quand les recherches médicales ont commencé à démontrer l’impact de l’activité physique régulière sur les maladies chroniques.

Les chiffres parlent d’eux-mêmes : pratiquer 30 minutes d’activité physique adaptée par jour réduit drastiquement les risques de diabète, d’hypertension, de maladies cardiovasculaires, de dépression.

En France, une étape symbolique est franchie en 2016, quand la loi autorise les médecins à prescrire une activité physique adaptée aux personnes souffrant d’affections de longue durée. Le sport santé devient alors une composante officielle de la prise en charge médicale, au même titre que les médicaments ou la rééducation.

Une philosophie du quotidien

Pratiquer le sport santé, c’est plus qu’une méthode : c’est une philosophie.

• Retrouver confiance en son corps, surtout après une blessure, une maladie ou une longue période d’inactivité.
• Réapprendre la régularité : mieux vaut dix minutes de marche par jour que trois heures de sport intense une fois par mois.
• Privilégier le plaisir : l’effort devient un allié, pas une punition.
• Favoriser la conscience de soi : respiration, posture, récupération… chaque geste devient une manière d’habiter son corps.

Le sport santé n’exige pas de podium ni de chrono. Il valorise les petits pas, les progrès invisibles, l’énergie retrouvée.

Une réponse aux défis d’aujourd’hui

Pourquoi cette approche rencontre-t-elle un tel écho ? Parce qu’elle répond à une réalité sociale et sanitaire.

• Vieillissement de la population : rester actif longtemps devient un enjeu vital.
• Sédentarité massive : nos modes de vie sédentaires favorisent obésité, stress, burn-out.
• Recherche de bien-être : les individus veulent prendre soin d’eux, au-delà du culte du corps ou de la compétition.
• Monde du travail : les entreprises s’y intéressent pour améliorer la qualité de vie et réduire l’absentéisme.

En clair, le sport santé n’est pas un luxe : il est une réponse pragmatique aux grands défis de notre époque.

Bouger autrement

Le sport santé n’est pas réservé à une élite ni aux “accros” du sport. Il s’adresse à toutes et tous, à chaque étape de la vie. Il n’impose pas un modèle unique mais propose un principe simple : faire du mouvement une ressource quotidienne.

Dans un monde qui va trop vite, il nous invite à ralentir pour mieux avancer. À prendre soin de soi non pas pour briller, mais pour durer. À réinventer notre rapport au corps, au plaisir et à la santé.

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Saisir l’histoire de la mode, c’est observer la manière dont la coupe, l’organisation des ateliers, le rapport au corps et à l’image se reconfigurent à chaque époque. Quatre expositions offrent actuellement une approche limpide de la question : Worth (acte de naissance de la haute couture), Paul Poiret (révolution moderne et mise en scène), Coco Chanel (les Années folles et l’invention d’un style de vie), Rick Owens (rituels et minimalisme monumental). Ensemble, elles dessinent un siècle et demi d’inventions, d’industries et d’imaginaires.

Worth, inventer la haute couture – Petit Palais : le prototype du système

La rétrospective Worth. Inventer la haute couture déploie plus de 400 œuvres sur 1 100 m² pour raconter comment Charles Frederick Worth structure un écosystème : maison, mannequins, collections saisonnières, étiquettes, clientèle internationale — bref, la méthode qui fait encore autorité aujourd’hui. Dates, ampleur, et enjeux d’atelier (fournisseurs, commandes, photographies) sont articulés avec clarté.
Au-delà de la robe, le propos insiste sur l’infrastructure (du négoce des tissus aux liens avec d’autres maisons de luxe) et sur l’héritage multigénérationnel de la maison Worth, souvent qualifié de “père de la haute couture”. Un panorama rare, jugé difficilement reproductible par la presse spécialisée tant les prêts et restaurations ont été importants.

Paul Poiret, la mode est une fête – MAD Paris : la modernité spectaculaire

Le MAD consacre à Paul Poiret une exposition d’envergure (environ 550 œuvres, du vêtement aux arts décoratifs) qui restitue son double geste : libérer le corps (déconstruire le corset, repenser la ligne) et mettre en scène la mode comme expérience totale (parfums, fêtes, collaborations artistiques, marketing avant l’heure).
Le parcours rappelle aussi les paradoxes d’un créateur visionnaire, passé par la maison Worth, dont la flamboyance aura autant construit son mythe que fragilisé son entreprise — un récit utile pour comprendre la tension durable entre création et économie dans la mode.

Les Années folles de Coco Chanel – NMNM – Monaco : le style comme art de vivre

À la Villa Paloma, Coco Chanel est lue à l’aune de trois axes des années 1920 : l’outdoor (plages, sports, Riviera), l’influence slavophile (Ballets russes, cultures d’Europe de l’Est) et le dialogue mode/arts. Plus de 200 pièces (modèles, accessoires, photographies) entrent en conversation avec des œuvres modernes (de Van Dongen à Picasso), soulignant l’invention d’un style de vie autant que d’une coupe.

La mode est ici abordée comme une culture visuelle et une pratique sociale (corps sportif, plein air, médias). Maillots, ensembles fluides, iconographie photographique, la Riviera se décline en laboratoire du chic moderne.

Rick Owens, Temple of Love – Palais Galliera : le rituel et l’architecture du vêtement

Le Palais Galliera signe la première grande exposition parisienne dédiée à Rick Owens : un itinéraire des débuts à Los Angeles aux collections récentes, où la coupe radicale rencontre la spiritualité du rituel, le minimalisme sculptural et des références littéraires/cinématographiques (de Huysmans au Hollywood du début du XXᵉ).

La mode contemporaine se veut expérience (corps, son, scénographie) et langage critique.
Manteaux-monolithes, drapés lourds, bottes-totems : l’exposition orchestre le silence et la ferveur autour de pièces devenues iconiques.

Que retenir de ces quatre expositions ?

1. Worth institutionnalise : la mode se dote d’une organisation reproductible (atelier, saison, clientèles), qui lui donne puissance et visibilité.
2. Poiret théâtralise : le couturier devient metteur en scène de son univers, entre arts, parfum, événement.
3. Chanel civilise le quotidien : le vêtement épouse les usages (sport, plein air), dessine une modernité vivable.
4. Owens spiritualise et radicalise à la fois : le vêtement devient architecture et rite, explorant les limites du corps, du genre, de la beauté.

A chaque étape, la mode réécrit le contrat social du vêtement (qui le porte, où, comment, avec quel récit).

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L’été est devenu une image. Une image d’abondance, de calme, de luxe : piscine turquoise, parasol rayé, paume vernie autour d’un cocktail pastel. Or cette image n’est pas innocente. Elle est stylisée, vendue, rejouée à l’infini — jusqu’à devenir une vitrine.
Et quand l’art contemporain s’en empare, ce n’est jamais sans ironie.

Le kitsch estival comme mythe visuel

Il y a bien sûr David Hockney, peintre du soleil chic et des piscines idéales.
Mais aussi Alex Israel, qui pousse jusqu’à l’absurde le stéréotype californien.
Ou encore Slavs and Tatars, Ed Ruscha, Laure Prouvost… Tous jouent avec cette iconographie du “cool”, pour mieux la désosser.

Palmiers et transats ne disent rien d’authentique. Ils racontent un été en vitrine : faux calme, faux bonheur, faux corps.

Photographie de mode : esthétique ou fétiche ?

Depuis les années 1950, la photographie de mode s’est emparée du décor estival pour célébrer l’oisiveté photogénique. Slim Aarons en a fait un style : millionnaires au bord de l’eau, verres givrés, tenues pastel.
Mais à force de répétition, ce luxe devient plastique, désincarné, presque parodique.

Les photographes contemporains comme Viviane Sassen, Juergen Teller, ou Harley Weir injectent alors une dose de bizarrerie, de distorsion, de sueur. Le parasol se déforme. La piscine déborde. La vitrine craque.

Installations en trompe-l’œil, ambiance vacances pour galeries white cube

Certaines expositions recréent l’été en intérieur : sable au sol, transat de galerie, projection de mer calme.
Mais ce n’est pas du tourisme — c’est une illusion, souvent sarcastique.
Des artistes comme Elmgreen & Dragset, Jeremy Deller, Camille Henrot construisent des dispositifs où le décor d’été devient objet de contemplation critique.

C’est l’art du simulacre, du presque-vide.
Un monde en apparence léger, mais où chaque élément est un leurre.

Farniente ou fake ? L’été comme posture sociale

L’esthétique estivale dans l’art révèle un idéal : celui du corps qui se repose, du temps qui s’étire, de l’espace sans contrainte.
Mais cet idéal est construit, exclusif, marketé.
Il repose sur des codes visuels très précis, souvent classistes ou genrés. Le corps lisse. Le cocktail cher. L’ombre rare.

Quand les artistes s’en emparent, ils dénoncent le fantasme.
Ce n’est pas l’été qui est faux, c’est son image.

En conclusion : vitrine ou critique de la vitrine ?

L’art contemporain ne célèbre pas vraiment l’été. Il observe sa mise en scène. Il capte la brillance du soleil, oui — mais pour mieux montrer ce qu’elle aveugle. Piscines, palmiers, parasols : ce ne sont pas des motifs innocents. Ce sont des miroirs.
Et il appartient à chacun de décider s’il veut s’y admirer… ou les briser.

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Face à l’inflation et à la montée des inégalités économiques, de nombreux Français voient leurs loisirs culturels mis entre parenthèses. Concerts, musées, festivals, livres, abonnements numériques… autant d’expériences vitales qui deviennent inaccessibles, faute de moyens financiers. Pourtant, des solutions existent pour continuer à nourrir sa curiosité sans exploser son budget : bons plans, codes promo… faisons le point.

Crise économique : la culture en première ligne

Si la crise du pouvoir d’achat n’épargne aucun secteur, il faut bien convenir que la culture est particulièrement exposée. Selon une étude du Crédoc parue en 2023, 40 % des foyers les plus modestes ont diminué leurs dépenses culturelles.

• Billets de cinéma, livres, sorties au musée ou plateformes de streaming : tous ces postes de dépense sont sacrifiés pour assurer le paiement de l’énergie, l’alimentation et les loyers.
• C’est d’autant plus vrai que les structures culturelles, elles aussi frappées de plein fouet par la crise, voient leurs tarifs augmenter ; ainsi les billets de musée comme en témoigne Le Quotidien de l’art.

Or, la culture n’est pas un luxe ni un amusement. C’est, nous ne cessons de le répéter sur The ARTchemists, un besoin essentiel : la culture forme l’esprit critique, stimule l’imaginaire, renforce le lien social, ouvre les horizons. Son accès ne devrait pas être conditionné à un niveau de revenu. Le fait que cela soit de plus en plus le cas est une catastrophe.

Comment consommer malin pour continuer à apprendre

Heureusement, il existe aujourd’hui des alternatives pour continuer à se cultiver sans se ruiner. Certaines bibliothèques municipales proposent l’accès gratuit à des plateformes de vidéo à la demande ou de presse en ligne. Les musées multiplient les journées de visite gratuites chaque mois. De plus en plus de théâtres ou de cinémas indépendants proposent des tarifs solidaires ou « suspendus ».

À l’heure du numérique, les codes promo et les réductions en ligne deviennent eux aussi des alliés précieux. Ils permettent de bénéficier de remises immédiates sur des abonnements culturels, des livres, des billets d’entrée ou encore du matériel créatif. Une solution simple et rapide à adopter pour équilibrer passion et portefeuille.

Des plateformes spécialisées recensent ces bons plans et facilitent la recherche par secteur d’intérêt ou par type d’offre. Elles peuvent aussi alerter les utilisateurs en temps réel lors de promotions ponctuelles, ventes flash ou offres partenaires. Il suffit de trouver les bonnes, et d’en suivre l’actualité pour saisir des opportunités souvent excellentes.

L’économie de la débrouille : un art de vivre moderne ?

Au-delà des bons plans, cette quête d’économie devient un acte militant. Elle questionne notre rapport à la consommation, à la culture, à la créativité. Pourquoi payer plein tarif lorsqu’on peut mutualiser, troquer, récupérer ou partager ? L’essor des réseaux d’échange de livres, des ressourceries culturelles ou des scènes ouvertes locales montre une volonté de se réapproprier la culture sans passer par la case surconsommation.

Cette dynamique de débrouille touche aussi les créateurs et créatrices. Côté coulisses, beaucoup d’artistes et de professionnel·les de la culture ont eux aussi recours à ces bons plans pour produire à moindre coût, accéder à des ressources, se former ou diffuser leurs œuvres. Logiciels libres, matériel d’occasion, plateformes de diffusion alternatives… L’économie de la culture ne tient souvent que grâce à l’ingéniosité de celles et ceux qui la font vivre.

Une culture pour tous, même en temps de crise ?

C’est l’objectif. À l’heure où l’inflation fragilise l’accès à la culture pour beaucoup, il devient crucial de partager les bons plans et outils qui permettent à chacun de préserver sa vie culturelle. Qu’il s’agisse de découvrir une nouvelle expo, de s’abonner à une plateforme de films ou de s’offrir un beau livre, chaque initiative qui allège la note contribue à démocratiser l’accès au savoir et à la beauté.

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Cela faisait un certain que je voulais m’y mettre, je m’y suis enfin mise et franchement je regrette d’avoir autant attendu : car Rogue Heroes est un pur régal, un bonheur de série, un vrai plaisir !!! Et une putain de réussite !

Un bataillon fantôme

Rogue Heroes : héros et voyous. Tout est dit. C’est de bad boys pur jus dont nous allons entendre parler. Ceux qui créèrent le SAS, le très britannique Special Air Service, qui a collé le dawa dans le désert égyptien, empêchant ainsi Rommel et ses troupes de se ravitailler, donc de progresser, donc de conquérir l’Afrique du Nord. Il s’en est fallu d’un cheveu, car à la base, les troupes de Sa Majesté avaient du mal à s’en sortir face aux méthodes musclées de l’armée allemande.

C’était sans compter avec la combativité d’un trio de militaires anglais un brin rebelles qui composèrent un bataillon fantôme de franc-tireurs complètement barrés, des tueurs indomptables, des forts caractères incapables de se soumettre à la discipline militaire. En un mot, des protopunks, c’est du moins ainsi que les présente Steven Knights à qui l’on doit par ailleurs … The Peaky Blinders. Et Rogue Heroes de s’en inspirer au moins au niveau de la bande originale (où pullulent AC/DC, The Damned, The Clash et autres icônes punk rock) et du façonnage des personnages.

Inventer la guerre de demain

On ne va pas se le cacher : les rogue heroes pourraient être les fils de Thomas et Arthur Shelby. Ingérables, tacticiens, borderline, fonceurs également, poètes aussi. Ils ne reculent devant rien, inventant la guerre de demain à grand renfort d’actions commando, de massacre au couteau et de cuites monumentales. Envoyés par delà les lignes ennemies en mode Inglorious Bastards, ils font du dégât, beaucoup de dégâts. Ils y restent aussi, physiquement, mentalement.

Les deux saisons de la série suit leur progression, depuis le désert égyptien jusqu’en Sicile puis en Italie, tandis qu’ils ouvrent la voie aux troupes alliées dans la reconquête de l’Europe. L’occasion pour nous de plonger tête la première dans ces univers peu connus, avec un luxe de détails qui fait écho à Band of Brothers 1 et 2 et Masters of the air. C’est que la guerre en Afrique et le débarquement italien sont peu évoqués dans nos livres d’histoire.

De la graine de guerriers

Si la série insiste sur le fait qu’elle n’est pas un cours magistral, il n’en demeure pas moins, qu’inspirée par le livre de Ben Macintyre, elle propose un récit pour le moins vraisemblable et c’est d’ailleurs le côté comique de l’histoire. Car les aventures rocambolesques de nos rogue heroes n’ont rien d’inventé. Ces types étaient donc de la graine de guerriers qui n’avaient pas froid aux yeux, aussi motivés et efficaces qu’indisciplinés et retors.

Une version britannico-militaire du désormais classique : « les gentilles filles vont au paradis, les garces là où elles veulent aller » ? il y a de ça, sachant que nos rogue heroes ont tout à fait conscience qu’ils sont « expendables » et en profitent pour être encore plus ingérables. Il faut cela pour survivre dans ce conflit mondialisé où, face à la barbarie nazie, les Alliés se tirent la bourre. Espions en tout genre et de tous bords, résistants qui trahissent, mafia qui veille et se vend au plus offrant, l’éventail est large qui brouille les pistes.

Et nos loulous, remarquablement incarnés par une pléiade d’acteurs particulièrement énergiques (big up à Jack O’Connel, inégalable en Paddy Maine) de foncer au milieu de tout ça, bondissant d’une oasis à un port sicilien en scandant des vers de Yeats et en se bourrant la gueule au whisky. Jouissif !

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Il y a dans la plage quelque chose de fondamentalement trompeur. Une horizontalité trop pure, un ciel trop vaste, un sable trop lisse. L’endroit idéal, dirait-on, pour se délasser. Pourtant, dans l’histoire de l’art, la plage n’est jamais totalement neutre. Tour à tour fantasme, échappatoire ou ligne de front, elle révèle bien plus qu’un simple décor d’été.

La plage, territoire du fantasme bourgeois

Dès le XIXe siècle, la plage se démocratise. Loin du port ou du littoral sauvage, elle devient un espace organisé, codé, presque chorégraphié. Chez Boudin, Monet ou Vallotton, la plage se peuple de vacanciers engoncés dans leur décence victorienne. On s’y montre autant qu’on s’y détend.

Plus tard, les années 1920-1930 voient émerger une plage plus libre, plus nue, plus photogénique. Le corps féminin y devient sujet — ou objet — dans les compositions de Man Ray, Jacques-Henri Lartigue, George Hoyningen-Huene. La plage devient alors un théâtre du fantasme, subtilement érotisé, impeccablement cadré.

Fuir par le sable : la plage comme échappatoire mentale

Dans une approche plus introspective, certains artistes investissent la plage comme un espace suspendu. On pense à Hopper et ses bords de mer mélancoliques, ou encore à David Hockney, dont les piscines californiennes — plages privées d’un nouveau genre — évoquent à la fois le luxe et l’ennui.

La plage devient ici une échappée, mais jamais totalement apaisée. Les lignes d’horizon y suggèrent plus souvent l’absence que la liberté. C’est un entre-deux, un seuil fragile entre le solide et le fluide, entre le monde réel et un ailleurs plus mental que géographique.

Sable sanglant : quand la plage devient politique

Mais la plage peut aussi être brutale. Elle l’a été. Elle l’est encore.

Les photographies du Débarquement de Normandie, celles de Robert Capa, transforment le rivage en théâtre de guerre. Plus récemment, les migrants échoués sur les plages européennes renvoient l’image d’une modernité cynique : celle où la mer n’est plus un rêve, mais un tombeau.

Certains artistes contemporains s’en emparent. On pense à Bouchra Khalili, Zineb Sedira, Ai Weiwei, ou encore aux photographies glaçantes de Nilüfer Demir, immortalisant le petit Alan Kurdi. Le sable n’est plus un écrin, il est une scène tragique.

Plage contemporaine : entre vacuité et vanité

Dans l’art contemporain, la plage est souvent un miroir cruel de nos contradictions.
Sur Instagram, elle est mise en scène à outrance : filtres, poses, bronzages normés. Certains artistes jouent avec cette superficialité assumée — citons Martin Parr, ses clichés criards et désenchantés des vacanciers occidentaux.

D’autres, plus radicaux, grattent sous le vernis : la plage devient alors terrain de lutte écologique, sociale, identitaire. Qu’on pense aux performances de Tino Sehgal, ou aux installations balnéaires absurdes de Elmgreen & Dragset.

Le sable comme palimpseste ?

Résumons : la plage, c’est le lieu des apparences, mais aussi celui de tous les effondrements.
Sous son calme apparent, elle cache des corps, des mémoires, des tensions. Elle est autant la promesse d’un ailleurs que le révélateur d’un présent étouffant. Une surface, oui — mais à creuser. Alors, fantasme ou champ de bataille ? Sans doute les deux. Et c’est précisément ce qui la rend si fascinante.

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Italie fin des années 80 : après les années de plomb, la patrie de Dante et Machiavel va-t-elle retrouver un peu de sérénité ? Selon vous ? Non bien sûr. Car ces années 80 vont voir l’avènement politique d’un certain Berlusconi, qui de fil en aiguille va conquérir le pouvoir. Dans un climat de chaos marqué. C’est l’histoire de cet avènement que raconte la série 1992 – 1993 – 1994, sur fond de corruption et de mutation sociale. Avec des accents de tragédie.

Une conquête vécue depuis les coulisses du pouvoir

Cette conquête, nous allons la vivre depuis les coulisses. Devant nous, plusieurs personnages :

• Leonardo Notte, publicitaire cynique et sans scrupules, qui va tirer profit du chaos politico-judiciaire italien pour faire gagner SON candidat, un Berlusconi dont il va façonner la légende.
• Pietro Bosco, ancien soldat au tempérament emporté, adeptes des actions musclées et spectaculaires ; propulsé de la très populiste et (un brin d’extrême-droite) Lega Nord, il se trouve piégé entre ses convictions, sa probité et les compromis qu’il faut immanquablement faire en politique.
• Veronica Castello, prostituée de luxe, maîtresse de ces deux messieurs, et qui va s’engouffrer dans le show-biz et la télé réalité de l’empire médiatique berlusconien pour y faire carrière.

Trois visages, trois tempéraments qui se croisent, s’aiment, se quittent, sur fond de transformation du paysage politique italien en trois actes : état des lieux, effondrement, prise de pouvoir. Autour de ces trois héros, de vieux députés corrompus, des millionnaires corrompus véreux, une héritière camée, une journaliste arriviste, des enquêteurs prêts à tout pour démanteler ce système pourri jusqu’à la moelle. Et bien sûr des mafieux, parce que la mafia est incontournable dans cette mécanique ancestrale.

Histoire d’un effondrement

Tout ce petit monde évolue initialement en pleine affaire Mani Pulite (mains propres). Un brin d’histoire italienne moderne : au début des années 90, cette enquête d’envergure met à jour un système généralisé de détournements de fonds et de pots-de-vin. Résultat des courses : débâcle des partis traditionnels (Démocratie chrétienne, Parti socialiste), recomposition du paysage politique. Un « Nouvel Âge » se dessine progressivement qui s’avérera aussi gangrené que le précédent.

Déclinée sur ces trois années clés que sont 1992, 1993 et 1994, la montée en puissance de Berlusconi s’opère sur fond de procès (le fameux procès Enimont qui va entraîner le naufrage du PS de Craxi), d’attentats mafieux de Florence, Rome et Milan, de campagne électorale ultra-marketée. L’atmosphère, qui n’est pas à la confiance, déséquilibre les alliances, met en péril les relations ; les individus, passionnés, extrêmes, font écho à cette instabilité institutionnelle et sociale.

Une trilogie réaliste et ambitieuse

D’où la mise en valeur de la valse hésitation amoureuse entre Veronica, Leonardo et Pietro, trouple qui ne dit pas son nom et dont chacun.e à sa façon érige le monde de demain, qui avec son cynisme et son sens de la manipulation, qui avec son charme et ses atouts féminins, qui avec sa brutalité et son virilisme. L’occasion pour les créateurs/réalisateur de la série Alessandro Fabbri, Ludovica Rampoldi, Stefano Sardo, Giuseppe Gagliardi de mettre en évidence l’importance du marketing et des médias dans cette transformation qui ne fait que rebattre les cartes sans rien changer fondamentalement. Car la corruption demeure, financière, sexuelle, morale.

Esthétique soignée, interprétation d’excellence ( Stefano Accorsi qui a eu l’idée de la série, Miriam Leone, Guido Caprino, Domenico Diele, Tea Falco, Giovanni Ludeno…), la trilogie a fait mouche dès la première saison. Parce qu’elle est ambitieuse, parce qu’elle est réaliste, parce qu’elle propose un cours de politique d’une rare finesse. Parce qu’elle ne juge pas : chacun.e ici évolue comme il peut dans cette course au pouvoir, avec ses moyens, sa volonté de survie. Jusqu’à la dernière seconde et au retournement final, on suite ces personnages attachants car humains, pris dans une spirale qu’ils ne contrôlent pas ou si peu.

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Aujourd’hui, zoom sur la Savonnerie de la Chapelle. Une belle histoire artisanale dédiée à l’amour des savons et des cosmétiques de qualité, des petits plaisirs de la vie, entre protection de l’environnement, expérience sensorielle et bien-être retrouvé.

Saponification à froid : une technique ancestrale

La boutique, vaste, se situe place du Blé à Bellême, petite ville médiévale de l’Orne. Quand on y pénètre, première surprise : on n’y est pas assailli par une puissante vague de parfums entêtants, mais par une nuance olfactive très douce, rassurante, bienveillante. Andalou, Fruits du soleil, Miel orange douce, Rosée matinale, Chocolat, Fleur des sables, Roches… les blocs de savon sont tous là, sagement alignés dans leur enveloppe de papier. Agrumes, lavande, rose, citronnelle… il y en a pour tous les goûts, toutes les fragrances, toutes les envies. A chacun.e son savon, respiré, reconnu, adopté.

Des savons réalisés selon l’ancestrale (et très probablement gauloise si l’on en croit Pline l’Ancien) technique de la saponification à froid : pas de chauffage des mélanges (contrairement aux savons de Marseille ou d’Alep), repos des préparations un mois durant. Patience et douceur au programme pour des savons beaucoup plus doux, dont les ingrédients (d’origine normande) conservent leur efficacité, les parfums, leur subtilité. Textures suaves adaptées aux épidermes, process de fabrication respectueux de l’environnement, produits de base locaux sélectionnés avec soin… l’équation est d’une rare efficacité

Exigence de qualité et volonté de transparence

Huiles végétales, beurres nobles, parfums et teintures naturels : une exigence de qualité signée Paul‑Henry Neyt, adorable jeune homme au cœur de ce beau projet familial, érigé au fil des années en entreprise florissante. Une entité ancrée donc dans Bellême (outre la boutique, on compte désormais des laboratoires, des entrepôts, des bureaux, tous logés dans la commune) et qui ne cesse de croître, s’adaptant aux évolutions du marché tout en respectant ses valeurs et en s’imposant une volonté de transparence. Pour preuve, les étapes de fabrication des savons sont observables depuis la boutique.

Dans le respect des normes sanitaires bien évidemment : les produits cosmétiques qui complètent la gamme sont élaborés en laboratoire. Il n’en demeure pas moins que l’équipe de la Savonnerie de la Chapelle (en référence à la Chapelle-Montligeon où l’aventure est née en 2013, au cœur des ateliers Buguet ) veut diffuser ses savoir faire : visites commentées du site de fabrication, ateliers pour apprendre à faire son propre savon. La transparence est de mise, de même qu’une volonté revendiquée de toujours améliorer les process pour plus de qualité, de préservation de la nature et de variété.

Un petit instant d’harmonie

Savon à la coupe, packaging papier, utilisation des chutes (le fameux savon Arlequin ou l’usage des paillettes de savon pour parfumer les armoires – excellent pour éloigner les nuisibles type mites) : ici rien ne se perd, tout se transforme… et s’enrichit. Outre les savons, la savonnerie de Bellême propose aujourd’hui des eaux florales, des huiles, des baumes et des crèmes pour le corps et le visage, des shampoings solides, toute une série d’accessoires porte-savon, éponges, gants… ainsi qu’une gamme de produits nettoyants pour la maison.

Concrètement cela donne quoi ? Depuis 6 mois, nous avons adopté ces savons au quotidien, et c’est un régal. Parce que leur qualité est indéniable, parce qu’ils n’irritent pas (nous avons tous au sein de la team ARTchemists des terrains atopiques, des peaux fragiles, pourtant aucune réaction). Et puis il y a le petit plus : le bien-être mental. Ces savons, quand on les respire, quand on les touche, offrent une véritable expérience de pleine conscience, une sorte de réancrage agréable dans le réel, un petit instant d’harmonie, une minute de lâcher-prise.

Dans un monde moderne devenu fou, synthétiser en un savon un produit éco-friendly, made in France, de qualité, abordable (5,90€) et qui fait du bien au mental et au moral, c’est un luxe à portée de main. Pour celles et ceux qui s’aventureraient jusque dans le Perche (vous verrez, l’équipe est adorable, l’ambiance agréable) mais aussi pour les internautes qui n’ont qu’à cliquer pour consulter le site de la Savonnerie et y faire leurs emplettes.

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