Toujours dans le cadre des 150 ans de Carmen, tournons nos regards vers l’Opéra de Rouen Normandie qui mise sur une reconstitution méticuleuse de la première version de 1875 : mêmes décors peints, costumes d’époque conçus par Christian Lacroix, mise en scène de Romain Gilbert, c’est un véritable retour aux sources esthétiques de l’opéra de Bizet que nous découvrons-là.

Une fidélité presque patrimoniale

Épaulé par le Palazzetto Bru Zane (centre de musique romantique française), le projet s’appuie sur des recherches précises : plans, croquis, livret, indications scéniques originales… l’objectif est de recréer à l’identique la toute première représentation d’une Carmen promise au succès que l’on sait, mais qui passera initialement par la case scandale.

L’intention ? Sinon ressentir les émotions vécues par le public parisien au soir du 3 mars 1875, du moins mesurer l’écart qui s’est creusé entre les spectateurs d’alors, qui hurlèrent au scandale et à la provocation, et ceux d’aujourd’hui qui assistent religieusement à cet opéra devenu emblématique. C’est vraiment qu’il y a de quoi s’interroger sur la mutation des mœurs.

Un charme d’époque assumé

Le spectacle mise sur une authenticité un brin exotique. Décors d’époque (Antoine Fontaine), lumière chaude (Hervé Gary), costumes chamarrés (signés Christian Lacroix dont on sait les influences et la rigueur), chorégraphies folkloriques, l’atmosphère plante une « Espagne imaginaire » riche en couleurs et qui a tout de la toile de Goya, du récit de voyage de la nouvelle originelle de Mérimée.

L’occasion de savourer ce charme désuet et romantique certes, mais surtout de redécouvrir une Carmen pur jus, et de méditer sur la manière dont nos aïeuls envisageaient l’opéra, la représentation et l’Ailleurs à une époque où le tourisme de masse n’existait pas, la mise en scène non plus.

Distribution et musicalité

Deepa Johnny, Stanislas de Barbeyrac, Nicolas Courjal, Iulia Maria Dan dans les rôles principaux, Ben Glassberg à la direction de l’Orchestre de Rouen Normandie, accompagné des chœurs Accentus et de la Maîtrise du Conservatoire : le casting est beau et à la hauteur du défi.

Il permet de faire ressortir les particularités de la Carmen d’origine, une héroïne miséreuse mais habillée avec soin, des attitudes surjouées, un côté mélodramatique, presque kitsch, propre à la conception du spectacle qu’on avait du temps de Bizet.

Cette version de Carmen est une véritable leçon de patrimonialité : elle replace l’œuvre dans son contexte originel, invite à la découverte des codes scéniques du XIXᵉ siècle, et offre une immersion historique rare. Elle se tourne vers un public en quête d’une expérience authentique et respectueuse de l’héritage. À l’inverse de l’approche conceptuelle de Homoki, c’est une lecture qui questionne l’évolution des attentes du public.

Cet article Carmen à Rouen : retour minutieux à l’esprit de 1875 est apparu en premier sur The ARTchemists.

Carmen : 150 années de bonheur pour la gitane la plus célèbre du répertoire lyrique ! Happy birthday !!!! Icône féministe sacrifiée sur l’autel du masculinisme crasse, l’héroïne que Bizet a piqué à Mérimée fait encore et toujours tourné les cœurs et les têtes. Passons sur le nombre de metteurs en scène qui l’ont déclinée à leur sauce, la foultitude de cantatrices qui lui ont prêté leur voix. La question est : pour celles et ceux qui n’ont qu’une vision très floue de la chose, quelle version est la plus adaptée pour s’y mettre et savourer au mieux ce magnifique et si terrible opéra ? A mon sens il n’y a que le Carmen de Francesco Rosi.

Une sordide histoire de féminicide

Déjà un petit pitch pour les néophytes : nous sommes en Andalousie au XIXe siècle. Don José est un brigadier sans histoire. Il est censé épouser la jeune et innocente Gabriella, sa petite voisine de village. Mais c’est sans compter avec la superbe, impétueuse et indomptable Carmen. Le militaire croise la sulfureuse gitane qui travaille dans une fabrique de cigarettes juste à côté de sa caserne. Il l’arrête après qu’elle ait agressé une de ses collègues.

Elle le séduit, il la laisse s’échapper, est puni pour sa négligence. Deux mois de mitard plus tard, il retrouve la belle qui se donne à lui. Une grande histoire d’amour qui ne va guère durer. Carmen le quitte. Don José, fou de désespoir et de frustration la tue au sortir des arènes. Fin de l’histoire. Cela tient sur un timbre poste, c’est une sordide histoire de féminicide.

Une reconstitution réaliste

Sauf que Bizet en a fait un chef-d’œuvre. Un opéra de toute beauté, passionné, mordant, prenant aux tripes, dont les airs vrillent le cerveau, restent en mémoire. Un opéra qui transpire l’Espagne de Goya, la fièvre andalouse, un vent de liberté, de folie. En 1984, Francesco Rosi, cinéaste italien de renom à qui l’on doit Le Christ s’est arrêté à Eboli et Main basse sur la ville, met en images cette histoire en la replaçant dans son cadre initial : l’Andalousie. Et c’est juste génial.

Son Carmen respire la poussière, le soleil ardent, les ombres des oliviers, le parfum des roses, la nuit épicée et torride, les échos du flamenco. La culture ibérique, vivante et passionnée, transparaît dans chaque cliché, chaque paysage, chaque décor. Ce travail de reconstitution impressionnant mise sur le réalisme : pas d’ouvrières en beaux costumes mais en guenilles, les arènes du dernier acte sont celles de Ronda, d’époque. Et ainsi de suite.

Une approche à la fois crue et enivrante

L’effet est d’autant plus sidérant que le casting est crédible, porté par la direction de Lorin Maazel qui mène l’Orchestre National de France dans une version ample, énergique, parfaitement enregistrée. Placido Domingo est plus que crédible dans le rôle d’un Don José complètement dépassé par cette amour qui le frappe et le bouffe de l’intérieur, Ruggiero Raimondi a la morgue et l’élégance d’Escamillo. Et pour incarner Carmen, Julia Migenes-Johnson, fine, brune, sourire ravageur, allure provocante, voix envoûtante.

Un trio de très grands interprètes pour une approche naturaliste, tout à fait vraisemblable. Qu’on se souvienne du moment où Carmen et ses amies viennent prier une statue de la Vierge qui pleure : la manière dont elles l’encouragent, leurs cris de joie, les fleurs qu’elles lancent, la pauvreté de leur mise qui contraste avec leurs sourires, c’est là la volonté de vérité du cinéaste qui propose une approche à la fois crue et enivrante de ce mythe.

Tout le film est à l’encan. Saturé de couleurs, de saveurs, de parfums. Traversé d’une sensualité incroyable, d’une violence à fleur de peau. Et qui donne vie à cette incroyable héroïne, à sa soif de liberté, son refus de la domination, quelle qu’elle soit.

Cet article Carmen selon Rosi : un regard naturaliste et bouleversant est apparu en premier sur The ARTchemists.

Nous en parlons régulièrement dans nos articles : le dark art. Cet « art sombre », désigne un mouvement artistique qui explore des thématiques liées à l’obscurité, à la mort, à la peur, au surnaturel et à l’inconnu. Il s’inscrit dans une longue tradition d’art macabre et fantastique, mais adopte une approche contemporaine en s’emparant de nouveaux supports et de techniques modernes. Cette forme d’art n’hésite pas à briser les tabous pour explorer les aspects les plus troublants de l’existence humaine, alliant esthétisme et angoisse.

Dark art, d’hier à aujourd’hui

L’inspiration du dark art peut être retracée jusqu’à des mouvements anciens comme l’art gothique du Moyen Âge, où les représentations de la mort et des damnés étaient omniprésentes dans l’architecture, la peinture et la sculpture. L’art macabre se développe également à travers les vanités de la Renaissance : la fugacité de la vie et la présence omniprésente de la mort y sont mises en scène à travers des crânes, des sabliers, des bougies vacillantes.

Plus récemment, le dark art puise son énergie dans le surréalisme et le symbolisme, des mouvements qui se sont également penchés sur l’inconscient, les rêves et les cauchemars. Les œuvres de Goya, avec ses gravures des Caprices et sa série Les Désastres de la guerre, posent les bases de ce dialogue artistique avec l’horreur et la condition humaine.

Le dark art contemporain émerge dans les années 1980 et 1990, en parallèle à des sous-cultures comme le gothique, l’industriel et le punk. Des artistes comme H.R. Giger (connu pour ses conceptions biomécaniques dans le film Alien) ont permis de populariser cet univers dans la culture populaire.

Dark art : thématiques des ténèbres

Le dark art se caractérise par des thématiques profondément ancrées dans l’exploration des aspects sombres de l’humanité et de la vie. Parmi les thèmes récurrents, on retrouve :

• La mort et la finitude : Le trépas est omniprésente dans le dark art. L’art funéraire, les squelettes, les crânes, les corps décharnés sont des représentations classiques qui interrogent la fugacité de la vie et la permanence de la mort.
• L’angoisse et la folie : De nombreux artistes explorent les thèmes de la démence et de la psyché humaine. Le dark art met souvent en scène des visages tourmentés, des figures en proie à des cauchemars et des visions déformées de la réalité.
• Les créatures fantastiques : Des monstres mythiques aux créatures inventées par l’artiste, les figures surnaturelles et fantastiques tiennent une place de choix dans le dark art, exprimant souvent les peurs et les angoisses collectives.
• Le sacré et le profane : Nombreux sont les artistes qui jouent avec les symboles religieux pour interroger les frontières entre le bien et le mal, le sacré et le blasphème.

Les supports et techniques du dark art

Le dark art s’exprime à travers une diversité de supports. Bien qu’il soit souvent associé à des formes traditionnelles telles que la peinture et la sculpture, il se manifeste également dans des médiums contemporains.

• La peinture et le dessin : Ce sont les techniques les plus utilisées dans le dark art. Les artistes travaillent souvent sur des toiles sombres avec des contrastes saisissants, utilisant des palettes de couleurs sombres, avec une forte prédominance du noir, du rouge et du gris.
• Les installations : Certaines œuvres de dark art prennent la forme d’installations immersives où le spectateur est confronté à des environnements angoissants et dérangeants, où les objets du quotidien sont transformés en éléments perturbants.
• La photographie : Les artistes de la photographie dark créent des scènes quasi théâtrales où la lumière et l’obscurité s’entrelacent pour révéler la beauté dans la déchéance. Les photos sont souvent mises en scène avec des modèles, des accessoires et des décors gothiques.
• Le numérique et l’intelligence artificielle : De plus en plus, le dark art s’approprie les technologies modernes, avec des artistes comme Valesia Obscura, qui utilisent l’intelligence artificielle pour créer des vidéos sombres, mêlant imagerie digitale et univers fantastiques.

Dark art : esthétique de la distorsion

Le dark art obéit à des codes visuels spécifiques qui définissent une esthétique fondée sur la distorsion des formes, des êtres et des âmes.

• Symbolisme : Les crânes, les corbeaux, les bougies, les miroirs et les poupées sont des symboles récurrents dans le dark art, utilisés pour représenter la fragilité de la vie, le passage du temps, et la vanité des ambitions humaines. Ces éléments s’entrelacent souvent avec d’autres symboles plus subtils comme les sabliers, les squelettes ou les masques, chacun chargé de significations profondes. L’artiste manipule ces objets pour évoquer des thèmes universels tels que la mort, la mémoire et l’éphémère, tout en invitant le spectateur à une réflexion plus introspective.
• Surréalisme macabre : Les artistes de dark art utilisent des images issues de rêves ou de cauchemars, où les scènes sont souvent déconnectées de la réalité, créant des distorsions mentales et émotionnelles. Cela inclut la juxtaposition de créatures hybrides, de paysages surréalistes et de scènes oniriques.
• Textures organiques et matières brutes : L’utilisation de textures rugueuses, de matières brutes comme le bois ou la toile brute, et de teintes terreuses peut renforcer le sentiment d’inconfort, d’abandon ou de pourriture dans l’œuvre. Les œuvres de dark art peuvent également inclure des éléments naturels en décomposition (os, feuilles mortes, chair) pour renforcer ce lien avec la mortalité.
• Contraste extrême et saturation réduite : En jouant sur un fort contraste, souvent entre les noirs profonds et les teintes pâles, les artistes accentuent le dramatique. Une palette de couleurs délavées ou monochromatiques, avec des tons sombres et des nuances de gris, est aussi couramment utilisée pour susciter un sentiment de mélancolie et de désespoir.
• Clair-obscur : L’utilisation du clair-obscur permet de créer une atmosphère dramatique et envoûtante. L’artiste accentue les zones de lumière pour faire ressortir des détails précis, tout en plongeant d’autres parties dans l’obscurité, laissant planer une incertitude inquiétante. Ce jeu subtil avec la lumière et les ombres renforce le caractère mystérieux et souvent angoissant des œuvres.
• Fragmentation du corps humain : Les œuvres de dark art fragmentent souvent le corps humain, le disloquant ou le réduisant à ses parties les plus dérangeantes. Des crânes, des organes ou des figures humaines mutilées et démembrées deviennent des métaphores de la fragilité de l’existence.
• Usage de la lumière artificielle : En jouant avec la lumière artificielle, souvent froide et clinique, les artistes du dark art créent une atmosphère angoissante. L’éclairage peut provenir de sources improbables ou non naturelles, comme des néons ou des projecteurs, ajoutant une touche de modernité et d’étrangeté.
• Distorsion spatiale : Le dark art aime jouer avec la perspective et l’espace pour désorienter le spectateur. Les architectures tordues, les espaces infinis ou impossibles, et les horizons distants créent un sentiment de vertige et de désespoir.
• Collage et techniques mixtes : L’utilisation du collage, en combinant des images issues de différents médias ou réalités, permet de créer des œuvres fragmentaires qui brouillent les frontières entre rêve et cauchemar. L’artiste peut aussi superposer divers matériaux pour ajouter de la texture et de la profondeur.

Le dark art est ses ambassadeurs

• Hieronymus Bosch : Même s’il est un peintre de la Renaissance, Bosch est souvent considéré comme un précurseur du dark art. Ses scènes infernales et ses représentations grotesques des tourments humains dans des œuvres comme Le Jardin des délices continuent d’inspirer les artistes contemporains.
• Francisco Goya : Bien que souvent classé parmi les grands maîtres classiques, son travail dans les Caprices et Les Désastres de la guerre représente l’un des premiers exemples d’un art profondément ancré dans l’angoisse et la noirceur humaine.
• H.R. Giger : Cet artiste suisse est une figure incontournable du dark art, notamment grâce à ses créations biomécaniques qui fusionnent le corps humain avec la machine. Son esthétique a largement influencé le cinéma et la culture populaire.
• Zdzisław Beksiński : Peintre et photographe polonais, Beksiński est connu pour ses paysages dystopiques et ses représentations de corps torturés. Ses œuvres évoquent des mondes post-apocalyptiques où règne une atmosphère de désespoir.
• Mark Ryden : Connu pour son style appelé « surréalisme pop », Mark Ryden mélange l’innocence enfantine à des éléments sombres et macabres, créant des images à la fois dérangeantes et captivantes. Son travail explore des thèmes comme la mort, le rêve, et la dualité entre pureté et corruption.
• David Stoupakis : Artiste américain, David Stoupakis est célèbre pour ses peintures gothiques et sombres. Son style distinct combine l’art surréaliste et fantastique avec des scènes mélancoliques et mystiques, souvent peuplées d’enfants aux airs perdus.
• Chet Zar : Cet artiste californien a commencé sa carrière dans les effets spéciaux avant de se consacrer à la peinture. Les œuvres de Chet Zar, souvent qualifiées de dark surrealism, représentent des créatures grotesques et déformées, avec une ambiance à la fois macabre et fantastique.
• Alex Pardee : Illustrateur et peintre, Alex Pardee se spécialise dans des représentations monstrueuses et colorées. Ses œuvres marient une esthétique cartoon à des éléments horrifiques, créant une fusion entre l’univers enfantin et l’épouvante.
• Mab Graves : Artiste américaine influencée par le pop surréalisme, Mab Graves crée des œuvres qui oscillent entre l’adorable et le dérangeant. Ses peintures montrent souvent des enfants dans des environnements mystérieux, explorant des thèmes de la mort et de la solitude.
• Saturno Buttò : Le peintre italien combine iconographie religieuse et érotisme sombre. Saturno Buttò réalise des portraits qui confrontent des thèmes tels que la foi, la souffrance, et le sacré, avec une touche subversive et provocante.

Mouvement artistique fascinant s’il en est, le dark art allie tradition et modernité, puissant véhicule explorant l’inconnu. Nous confronter à la peur, cultiver la beauté du laid : à une époque où la technologie et l’intelligence artificielle redéfinissent les frontières de la création, le dark art continue de repousser les limites du possible tout en restant fidèle à ses racines macabres.

Cet article Dark art : exploration du macabre créatif est apparu en premier sur The ARTchemists.

Il y a des artistes qui désirent cerner l’essence même de l’imaginaire. Vallesia Obscura agrippe cet imaginaire, le tord, l’ingère, le régurgite … à travers les yeux d’une intelligence artificielle. «In search of Beauty in the Dark» : envoûtantes, troublantes, les œuvres qui en résultent transcendent les frontières de l’art numérique pour nous emporter dans un univers ténébreux, fantastique, surréaliste, où la technologie devient le médium ultime de la création. Mais ne nous y trompons pas : derrière chacune de ces vidéos, il y a une vision humaine profondément intime, celle d’une artiste qui explore les coins les plus sombres de l’âme humaine, les peurs non avouées et les rêves inaccessibles.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par VALLESIA OBSCURA (@vallesia.obscura)

Une esthétique de l’obscur

Le premier contact avec les œuvres de Vallesia Obscura, que ce soit via ses vidéos ou ses créations visuelles, laisse une impression indélébile. Son compte Instagram est une galerie de visages émaciés aux yeux écarquillés d’horreur, où les silhouettes se disloquent, les membres se diluent en un long cauchemar. Des figures humaines déformées, des paysages nocturnes à la fois familiers et étranges, des créatures hybrides flottant dans des limbes numériques : Vallesia excelle dans l’art de l’inconfort visuel. Ses oeuvres ne sont pas là pour rassurer, mais pour interroger par le malaise qu’elles suscitent.

Inspirée par les thèmes du fantastique, du gothique et du surréalisme, elle puise dans des références culturelles variées, allant des œuvres de Goya à celles de David Lynch en passant par l’expressionnisme allemand. La manière dont elle fusionne ces influences avec l’intelligence artificielle est tout simplement fascinante. Son travail nous renvoie à la question fondamentale : quelle est la place de l’humain dans un monde où les machines peuvent créer, interpréter et redéfinir l’art ?

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par VALLESIA OBSCURA (@vallesia.obscura)

Alchimie artistique

Ce qui distingue Vallesia Obscura des autres créateurs numériques, c’est justement l’utilisation qu’elle fait de l’intelligence artificielle. Elle ne se contente pas de manipuler des outils technologiques ; elle collabore littéralement avec la machine pour produire des œuvres qui semblent sortir d’un autre monde. Chaque vidéo est une exploration de ce que l’IA peut produire lorsqu’elle est guidée par une perception artistique forte et radicale.

Dans l’univers de Vallesia, l’IA ne remplace pas la main de l’artiste, elle l’amplifie, un peu comme le ferait la potion du Dr jekyll. C’est là tout le paradoxe de son travail : générées par des algorithmes, les images portent en elles une empreinte humaine palpable. Les textures numériques, les mouvements saccadés, les atmosphères inquiétantes qui caractérisent ses vidéos révèlent un contrôle minutieux, une maîtrise technique qui tirent parti des glitches, des erreurs pour en faire des éléments de monstruosité. L’IA, ainsi dirigé, devient une sorte d’alchimiste moderne.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par VALLESIA OBSCURA (@vallesia.obscura)

Entre fascination et malaise

Scruter une création de Vallesia Obscura, c’est entrer dans un espace liminal, onirique et cauchemardesque, où le réel se dissout dans l’imaginaire. Ses vidéos, courtes (format reel) mais intensément visuelles, dépeignent des mondes aux frontières poreuses, où les formes humaines se métamorphosent en créatures chimériques et où la lumière vacille comme dans un souvenir enfoui.

La beauté esthétique élaborée par l’artiste suisse contraste avec le malaise que suscitent les scènes qu’elle compose. Ses personnages, souvent solitaires, semblent pris dans une boucle infinie, prisonniers d’un univers qui se dérobe constamment sous leurs pieds. C’est une expérience immersive, presque hypnotique, qui nous fait naviguer entre le familier et l’inconnu, entre ce que nous sommes prêts à voir et ce que nous préférerions éviter. Au coeur de cet univers, la métamorphose dans ce qu’elle a de plus déroutant, de plus menaçant, de plus magnétique.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par VALLESIA OBSCURA (@vallesia.obscura)

L’IA est-elle l’avenir du dark art ?

Avec Vallesia Obscura, l’intelligence artificielle devient un outil de déconstruction/reconstruction du réel. La technologie n’est plus seulement un moyen d’exprimer des idées ; elle est partie intégrante de l’œuvre elle-même, elle en est la texture et le souffle, la raison d’être, le principe. Les créations de Vallesia posent la question essentielle du rôle de l’artiste dans un futur où la machine devient créatrice.

Son travail résonne fortement avec les questionnements actuels sur l’intelligence artificielle et l’automatisation de la création artistique. Jusqu’où peut-on pousser cette collaboration avec la machine ? L’IA peut-elle vraiment comprendre l’art, ou n’est-elle qu’un outil sophistiqué manipulé par l’artiste ? Vallesia, elle, semble avoir trouvé une réponse : l’art, le dark art a fortiori, reste fondamentalement humain, même lorsqu’il est créé par des algorithmes qui demeurent des outils.

Voir cette publication sur Instagram

Une publication partagée par VALLESIA OBSCURA (@vallesia.obscura)

L’IA, muse et outil ?

L’ensemble de son œuvre témoigne d’une maîtrise poétique et philosophique qui démontre que l’avenir de l’art, loin d’être effacé par la technologie, sera enrichi par elle. Vallesia Obscura est une artiste qui ne craint pas d’explorer les ténèbres, tant extérieures qu’intérieures, et l’IA l’aide dans ce périple, lui ouvre des portes, déffriche de nouveaux chemins esthétiques. Il s’agit d’offrir un miroir à nos propres peurs et fascinations, tout en repoussant les limites de la création numérique.

La collaboration avec l’intelligence artificielle ne fait pas que produire des images spectaculaires ; elle génère une réflexion sur ce que signifie créer dans un monde où la technologie est omniprésente. Dans son univers, l’IA n’est pas une menace, mais une muse qui nous pousse à explorer les recoins les plus sombres de notre psyché. Et dans ce dialogue entre l’artiste et la machine, c’est l’art qui en ressort, vibrant, mystérieux et envoûtant.

Pour en savoir plus sur l’univers de Vallesia Obscura, consultez sa page Instagram ainsi que son site web.

Cet article À l’avant-garde : Vallesia Obscura, l’éclat sombre du dark IA art est apparu en premier sur The ARTchemists.

Bon on va taper direct dans le dur : Trance est dingue, superbe et prenant. Non, je ne raconte pas de bobard, c’est du vécu. Explication : étant arrivée à la bourre de 5 minutes à la projection presse pour cause de grève RER sauvage, je m’installe dans une salle obscure où le film a déjà déroulé son générique et ses trois premières minutes. Du coup, pas le temps de potasser le dossier de presse et de prendre connaissance du synopsis.

Intrigue diabolique et contrôle des consciences

C’est donc pure comme l’agneau qui vient de naître que je me fais happer par cette tornade incroyable, qui débute par un casse retentissant, rondement mené où, ironie du sort, est dérobé le tableau de Goya Vol de sorcières, que j’avais eu la joie de contempler auparavant à l’inauguration presse de l’expo L’Ange du bizarre. Il n’y a pas de hasard. En effet, ce sulfureux tableau dicte toute la logique du film de Danny Boyle, qui retrouve ici son compagnon en écriture John Hodge pour scénariser une intrigue diabolique aux rouages pervers interrogeant de façon spectaculaire la notion de contrôle des consciences.

Au cœur du processus, l’hypnose et sa « trance », à laquelle des malfrats ont recours pour retrouver les souvenirs de leur complice, commissaire-priseur endetté et amnésique, incapable de se rappeler de l’endroit où il a planqué le tableau, avant de subir le traumatisme crânien qui l’a envoyé dans les limbes. Et pour déterrer la mémoire de Simon que même la torture n’a pu exhumer, Franck, à la tête du gang, décide d’utiliser les services d’Elizabeth, véritable spécialiste en la matière. Moderne sorcière ? À partir de là, je ne vous dis plus rien hormis que ça ne va pas du tout se passer comme on l’attend et que bien sûr la vérité va vous sauter à la gorge comme un loup enragé. L’équipe voulait explorer les comportements extrêmes ?

Gone girl : toujours se méfier des apparences

Petits meurtres entre amants

Croyez-moi, pour le coup, c’est réussi, et vous allez vivre ici un parcours éprouvant, dont vous allez goûter chaque étape avec les tripes nouées. Car, si le trio Rosario Dawson/Vincent Cassel/James McAvoy contribue très très très largement à tenir cette course poursuite synaptique haletante avec un brio rare, le réalisateur et son directeur de la photographie, Anthony Dod Mantle, ajoutent à une ambiance étouffante la richesse de plans colorés où les nuances froides voisinent la brûlure des rouges et des jaunes flamboyants comme autant d’oxymores visuels, démultipliés par la valse des miroirs et des vitres qui jouent la carte du reflet des âmes.

Le tout est enlevé, malsain, tortueux, frénétique, inquiétant, et débouche sur une des pires vengeances qu’il m’a été donné d’apprécier (et Dieu sait si la littérature et le théâtre sont truffés de ce genre de récit peu amène sur la nature humaine). Pour finir, big up à Danny Boyle et sa team pour Trance, ce petit bijou qui affirme une fois de plus le talent britannique en matière cinématographique. À voir au plus vite ce « petits meurtres entre amants », et surtout soyez attentifs dès les premières secondes, chaque élément ayant sa signification. Bon jeu de piste au cœur du cortex !!!!

Et plus si affinités

Vous pouvez visionner le film Trance en VoD ou en DVD.

Cet article Trance : Danny Boyle signe un film hypnotique ! est apparu en premier sur The ARTchemists.

Un atelier d’artiste ? Direction Paris, 9eme arrondissement vers la rue de la Rochefoucault où se dresse l’hôtel particulier de Gustave Moreau. Le peintre symboliste y a installé son logis et son atelier en 1852. La façade ornemente le quartier alors en vogue de La Nouvelle Athènes, place forte des artistes romantiques, des actrices de renom et des hommes d’affaire de l’époque. Quatre étages qui abritent les appartements de la famille et les locaux de production du créatif.

14 000 œuvres !

Un créatif particulièrement prolixe qui va saturer l’espace libre avec les quelques 14 000 œuvres dont il a l’auguste paternité. Tableaux, dessins, aquarelles, études, croquis, envahissent les parois, occupent chaque centimètre carré des murs, s’accumulent dans des classeurs orchestrés avec soin, cadres de bois protégeant les précieuses esquisses sous verre. Si les pièces à vivre sont feutrées, confortables, luxueuses même, étalant la réussite sociale du maître par un mobilier cossu, des bibelots précieux et exotiques, les deux derniers niveaux, reliés par le fameux escalier torsadé, se veulent monumentaux, preuve que l’art est tout ce qui compte pour Moreau. Les grands volumes y sont exposés jusqu’au plafond, et en les observant on hésite.

Entre académisme et modernité

Symbolisme dit-on, … Klimt le viennois transparaît dans les détails des tissus, la dentelle discrète apposée sur les robes des héroïnes majestueuses, des vierges compassées, comme une vision de l’avenir … certains traits évoquent l’onirisme surréaliste d’un Clovis Trouille, le contour de plusieurs figures annonce les profils épurés de Cocteau, d’autres étrangement nous ramènent au mysticisme du Greco, aux angoisses de Goya, … On redescend les étages avec la tête renversée par les images de ces dieux, de ces personnages mythiques ou historiques, et la conviction que Moreau fut un trait d’union puissant entre l’ académisme classique et la modernité sous toutes ses formes. On comprend mieux alors ce désir obsessionnel de classer son travail, de le conserver pour les générations futures, dans le cadre familier qui protégea sa vie.

Et plus si affinités

http://musee-moreau.fr

Cet article Musée Gustave Moreau : visite d’un atelier symboliste … est apparu en premier sur The ARTchemists.

Cette semaine, notre chronique cinéma se concentre sur un premier film qui fait déjà beaucoup de bruit. Récompensé par le Prix de la mise en scène au festival de Sundance puis par le prix du jury Syfy à Gerardmer 2016, The Witch s’impose dés les premières séquences comme un film de genre particulièrement oppressant mais dont le message dépasse le cadre du simple récit horrifique.

Foi extrême

Le réalisateur Robert Eggers retrace en une heure trente d’images aux tons froids le devenir d’une famille puritaine qui, bannie de la communauté où elle s’était implantée, choisit de vivre sa foi extrême à l’orée d’une forêt de Nouvelle Angleterre. Nous sommes au début du XVIIeme siècle au temps des premiers colons, dans une Amérique sauvage où l’isolement n’est pas la meilleure solution en matière de survie. Mais ici le danger ne viendra pas d’une nature hostile, de la faim ou de la maladie, des tribus indiennes. S’appuyant sur des documents historiques, des récits, des gravures, Eggers et son équipe composent un tableau particulièrement frappant des mentalités d’alors, évoluant entre fanatisme religieux et superstition ancestrale.

A lire également :  Suspiria 2018 : la danse qui tue

L’enfer est pavé de bonnes intentions

L’intrigue est simple : qui ici s’en prend à ce couple et ses cinq enfants ? Des bêtes féroces ? Le diable ? Une de ses servantes ? Ou l’un des membres du clan ? La problématique explore le cheminement lent de la folie, l’abandon progressif de valeurs extrêmes, la quête de vertu absolue qui conduit au Mal. C’est bien connu, l’enfer est pavé de bonnes intentions. Accouplant les ouvrages de théologie Daemonology de Jacques VI d’Ecosse et Le Marteau des Sorcières, fondateurs des chasses aux enchanteresses qui sévirent à la Renaissance, avec des influences comme les tableaux de Goya, Le 7eme Sceau et Cris et chuchotement d’Igmar Bergman, Les Sorcières de Salem d’Arthur Miller, Shining de Kubrick ou Le Projet Blair Witch de Daniel Myrick et Eduardo Sánchez, Eggers montre avant tout les ravages mentaux suscités par l’ignorance et la foi aveugle.

A lire également :  L’Affaire des poisons : sorcières vintage à la mode française

L’engrenage de la persécution

Peur des élans du corps, refus de la nature humaine, recherche forcenée d’une vertu qui frise à la contrition constante et nourrit les frustrations et les angoisses diverses, l’engrenage de la persécution s’enclenche tout naturellement dans un microcosme familial isolé du reste de l’humanité et confronté à une force dont il ignore la nuisance. Décors naturels superbes car farouches, costumes d’une grande justesse, la vraisemblance est soulignée par la puissance du jeu des acteurs, notamment Anya Taylor-Joy dans le rôle de la jeune Thomasin et Harvey Scrimshaw qui interprète son petit frère Caleb. Refusant la facilité des effets spéciaux et du gore, Eggers privilégie une tension psychologique perceptible dans le travail des lumières, les cadrages, le rythme du montage, l’alternance de séquences très longues et pesantes avec des moments de crise.

Sans être un absolu chef d’oeuvre, The Witch a ainsi le mérite de proposer une analyse intéressante tout en plongeant le spectateur dans une époque et une logique qui en disent beaucoup sur les errances de notre propre siècle.

Et plus si affinités
https://www.canalplus.com/cinema/the-witch/h/6939173_40099

Cet article The Witch : la fabrique aux sorcières est apparu en premier sur The ARTchemists.

Rétrofuturiste … le terme lui colle à la peau. Une étiquette qui contraint l’illustratrice Kyoko Nakamura plutôt qu’elle ne l’émancipe, elle dont l’univers n’a pas de règles ni de bornes. Un univers coloré, poétique, drôle et tendre, entre jeu vidéo, manga, estampe japonaise du XIXeme siècle … Souvenirs des quartiers populaires, aspirations adolescentes …

Dans un esprit très 80’s se succèdent des intérieurs de restaurants ou de boutiques, des chambres d’enfant, des postes de télé transformés en niches pour animaux … Un foisonnement de détails multicolores où se côtoient des personnages faussement innocents, des mascottes malicieuses … Entre shojo, kawai attitude et conte fantastique. 

Le style de Kyoko Nakamura se nourrit des techniques traditionnelles de dessin à la gouache comme des astuces numériques les plus performantes. Ses mondes éclatants parlent à l’imaginaire, chaque création porte une histoire que chacun déroulera à sa manière.

Et plus si affinités

https://www.instagram.com/n_muragoya/

https://twitter.com/n_muragoya

Cet article A l’avant-garde : Kyoko Nakamura est apparu en premier sur The ARTchemists.

On vient de les voir fleurir sur la toile, pour illustrer le grand contingentement. Pourtant la série « Espaces cachés » de l’espagnol Josè Manuel Ballester date de quelques années déjà, nous interrogeant en substance sur tout ce qui fait un tableau qui n’est pas humain.

Le principe est simple et redoutable d’efficacité : effacer toute trace de personnage à la surface des grandes toiles de maîtres. La Vénus de Botticelli ? Désintégrée ainsi que les zéphyrs et les nymphes qui l’entourent de leur admiration. Restent la mer, et une coquille vide. Le Radeau de la Méduse de Géricault ? Soudain allégé de ses naufragés, il flotte sous les nuages. La Cène de Léonard de Vinci ? Sans Jésus et les Apôtres, une table qu’il faut débarrasser après un repas.

Le gommage numérique effectué est sans pitié … et révélateur. L’espace enfin apparaît, une scénographie essentielle, l’épaisseur du décor, accessoires, meubles, les éléments naturels, la perspective … des détails insoupçonnés nous sautent aux yeux, ils étaient pourtant là, mais on n’avait d’attention que pour le drame des protagonistes, leur attitude, leur regard, leurs interactions. Dommage …

La flaque de sang caillé, la lumière blafarde d’une lanterne en disent autant sinon plus sur l’horreur du Tres de Mayo de Goya que les condamnés fusillés bras écartés par les soldats de Napoléon. Car ils posent question, forcent l’imaginaire, imposent de remplir ce vide avec notre doute, nos fantasmes, nos peurs. cette tactique du manque est finalement très pertinente pour donner à percevoir ce qui fait la force de la peinture, cet art de la représentation dans ce qu’il art de plus subtil.

Et plus si affinités

http://www.josemanuelballester.com

Cet article A l’avant garde : Josè Manuel Ballester – Espaces cachés est apparu en premier sur The ARTchemists.

Il n’y a pas à dire, le pedigree de l’artiste lituanienne en impose : Lydia Courteille, Sony BMG, Metropolis records, Actes Sud, Bloomsbury Publishing, Le Livre de Poche … visiblement sources de artworks multiples, les talents d’illustratrice de Nathalie Shau sont également prisés en galerie, où elle expose avec une régularité de métronome.

C’est que son univers de moderne Circé a tout pour inquiéter … et séduire. On y croise de voluptueuses vampires aux formes généreuses, des sirènes alanguies dépitées de ne pouvoir porter des Louboutin, des anges destructeurs prêts à s’entre-tuer, des duchesses qui pratiquent le shibari avec des tiges de roses constellées d’épines … Alice, extatique, y boit du thé de lune, menacée par un lapin blanc aux allures de bouchère sophistiquée, une sainte sertie de dentelles y pleure des larmes de sang, agrippée à son crucifix …

Et de temps à autre, un chat glamour constellé de bijoux égyptiens traverse le paysage … bref le paysage mental de Nathalie Shau est voué à décliner le gothique dark au féminin dans une esthétique qui mêle lowbrow art, symbolisme et Goya … un cocktail heureux et ironique dans sa démesure, qui reconfigure les grandes figures tragiques du fantastique, particulièrement les Véra et morte amoureuse chères aux romantiques noirs.

Et plus si affinités

https://natalieshau.carbonmade.com/

Cet article A l’avant garde : Nathalie Shau est apparu en premier sur The ARTchemists.