Il est des lieux discrets, presque modestes, qui vous marquent davantage que bien des institutions prestigieuses. Les Muséales de Tourouvre, nichées au cœur du Perche ornais, appartiennent à cette catégorie rare : celle des musées intelligents, précis, sensibles, portés par une vraie vision culturelle.
J’y ai découvert un travail d’une qualité exemplaire, tant dans la rigueur historique que dans la mise en scène muséographique. Ici, la mémoire n’est pas exposée : elle est habitée.

Un musée pluriel et vivant

Les Muséales de Tourouvre ne sont pas un simple musée : elles forment un ensemble patrimonial à plusieurs voix, regroupant deux espaces complémentaires.

• D’abord, le Musée de l’Émigration française au Canada, qui retrace le destin de ces familles percheronnes parties au XVIIᵉ siècle tenter leur chance en Nouvelle-France.
• Ensuite, le Musée des Commerces et des Marques, fascinant cabinet de curiosités où la culture de la consommation se lit à travers des objets du quotidien, des enseignes, des publicités d’époque.

Deux récits, deux temporalités, deux regards sur un même sujet : le mouvement, la mémoire, l’identité.

Le Musée de l’Émigration française au Canada : Perche/Québec, une historie d’amour

Dans une scénographie à la fois sobre et poétique, le Musée de l’Émigration française au Canada fait revivre les départs des Percherons vers la Nouvelle-France, quand l’Ancien régime peuplait ses colonies du bout du monde. De vitrine en cartel, on découvre des noms, des visages, des cartes maritimes, des objets modestes, mais surtout des histoires. Les dispositifs interactifs, les archives projetées, les extraits de lettres composent une épopée collective sans emphase ni folklore.

Ce qui frappe ici, c’est l’équilibre : le propos reste local (l’émigration partie du Perche), mais sa portée est universelle. Car c’est bien de cela qu’il s’agit : du désir de recommencement, de cette énergie qui pousse les humains à partir, à reconstruire ailleurs, sans jamais oublier leurs racines.
Un musée d’histoire, oui — mais aussi un musée d’émotions.

Le Musée des Commerces et des Marques : la mémoire des gestes

Changement d’ambiance. Ici, tout respire la matière et la couleur : les vitrines anciennes, les boîtes métalliques, les réclames d’époque, les enseignes peintes à la main. Ce musée raconte un autre voyage : celui des objets dans le temps, celui du commerce qui façonne les liens sociaux et les imaginaires.

Plus de 30 000 pièces y sont exposées, soigneusement restaurées, mises en scène dans des boutiques reconstituées. L’effet est saisissant : on passe d’une épicerie des années 1930 à une mercerie d’après-guerre, d’un salon de coiffure rétro à une pharmacie d’époque.
Mais derrière la nostalgie, il y a un vrai discours sur la société : la publicité, le travail, la valeur du service, l’évolution des métiers. C’est un musée du détail, mais aussi du regard : celui porté sur la consommation, sur la beauté des gestes simples, sur le design populaire.

Une scénographie à hauteur d’humain

Ce qui distingue vraiment Les Muséales de Tourouvre, c’est la qualité de la médiation.
Tout y est clair, lisible, fluide. Le parcours se construit naturellement, les textes sont justes, les dispositifs numériques s’intègrent avec discrétion. On sent un souci constant de dialogue entre savoir et émotion.

L’accueil y est chaleureux, les parcours adaptés à tous les publics, les supports pédagogiques d’une grande finesse. C’est le signe d’une institution pensée non comme un lieu d’archives, mais comme un laboratoire de transmission : une culture vivante, partagée, généreuse.

Un ancrage territorial fort

Enfin, il faut saluer la manière dont le musée s’inscrit dans son environnement. Les Muséales de Tourouvre ne sont pas un espace hors sol : elles dialoguent avec le Perche, avec ses paysages, son histoire, son artisanat, ses habitants.

Ce lien entre culture et territoire leur confère une force rare : ici, la mémoire n’est pas figée — elle irrigue le présent. Le travail réalisé par l’équipe — chercheurs, scénographes, médiateurs — témoigne d’une conscience aiguë du rôle du musée aujourd’hui : raconter le monde pour mieux le relier.

Un modèle discret, mais exemplaire

Il serait temps que l’on parle davantage de ce type d’établissements : loin du sensationnalisme ou du spectaculaire, ils incarnent la meilleure définition du patrimoine contemporain — celle d’un art de la mémoire, ancré dans le réel, ouvert sur le monde.

Les Muséales de Tourouvre rappellent qu’un musée n’a pas besoin d’être monumental pour être essentiel. Il suffit qu’il soit juste. Et ici, tout est juste : le ton, la forme, l’intention. Un lieu à découvrir, à revisiter, et surtout à soutenir.

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site des Muséales de Tourouvre.

Cet article Les Muséales de Tourouvre : la mémoire, le geste et le territoire est apparu en premier sur The ARTchemists.

Flashback : la série Une amie dévouée m’a laissée en bouche une saveur de malaise. Comment une telle imposture a-elle pu s’installer ? Comment cette fille a pu convaincre autant de personnes marquées par un traumatisme collectif, sans jamais jouer d’empathie ? Certes la fiction donne une lecture efficace de ce fait divers, mais j’ai voulu aller plus loin, comprendre la mécanique intime et sociale derrière ce mensonge hors norme.

Je me suis donc plongée dans La Mythomane du Bataclan d’Alexandre Kauffmann, qui a servi de socle à la série. Une enquête minutieuse, qui met à plat un mensonge d’ampleur et interroge notre rapport à la vérité, à la mémoire des attentats, et aux figures qui en tirèrent parti

Une figure très appréciée

Car c’est bien de cela qu’il s’agit. Petit rappel pour situer la chose. Au lendemain des attentats du 13 novembre 2015 à Paris, Florence M. intègre les groupes de victimes sur Facebook. « Flo Kitty » affirme avoir un “meilleur ami” — Greg — gravement blessé au Bataclan. Proche de victime, elle fait partie des dommages collatéraux. Empathique, à l’écoute, elle rassure, encourage, gagne la confiance de ses interlocuteurs, participe à leurs actions, puis s’investit dans l’association Life for Paris.

Modération, accueil, conseil, administration, événementiel… elle est partout, s’imposant comme une figure centrale très appréciée. Mais des incohérences commencent à apparaître dans son récit : ainsi personne n’a jamais rencontré Greg, “hospitalisé” puis parti à l’étranger se refaire une santé. Des failles de ce type, les bénévoles de l’asso vont en découvrir plusieurs. Le doute s’installe vraiment lorsqu’on remarque que Flo reçoit des indemnisations du Fonds de garantie des victimes. Une escroc doublée d’une redoutable manipulatrice et qui n’en est pas à son coup d’essai.

Capter l’argent… et l’attention

Flo sera condamnée à quatre ans et demi de prison ferme en 2018. La démarche journalistique d’Alexandre Kauffmann dépasse le cadre de l’histoire choc pour accoucher d’un travail d’enquête minutieux et pertinent : le reporter questionne les témoignages, fouille le passé, ausculte non seulement les mensonges de Flo, leur mécanique, leur « logique » mais aussi leurs racines. Accès aux pièces de l’enquête policière, rencontre avec des victimes flouées, des proches, des membres de l’association Life for Paris, Kauffmann, par delà le “scandale”, met à jour un tissu psychologique, social, médiatique complexe.

Le terme « mythomane » n’est pas exagéré : le personnage principal, Florence M. (Christelle dans la série, remarquablement interprétée par Laure Calamy), apparaît au fil de ces pages rédigées avec énergie et un sens très net de la tension, comme une femme douée pour le mensonge. Depuis des années, elle forge des histoires pour détourner de l’argent … et capter l’intérêt d’autrui. Blessures personnelles, désirs de reconnaissance, de présence, il ne s’agit pas uniquement de s’enrichir mais aussi de se faire valoir.

Une redoutable manipulatrice

Ce qui frappe ? L’aisance avec laquelle elle invente une vie, la rapidité avec laquelle elle rebondit sur les événements pour produire un récit vraisemblable, sa grande faculté à repérer et exploiter les failles émotionnelles des individus qu’elle croise. Flo est un caméléon insaisissable, une redoutable manipulatrice. Et elle évolue dans un contexte dont elle sait immédiatement tirer parti. Onde de choc de l’attentat, traumatisme d’une population, ultra-médiatisation de l’événement, le climat est à l’émotion démultipliée. Ce que Flo va exploiter avec un talent certain.

Elle se présente à ses interlocuteurs (toujours des victimes complètement déboussolées et encore sous le coup de la terreur) comme une styliste passionnée de rock et de tatouages, une bénévole infatigable qui a subi des revers, est atteinte de maladie, mais se met au service de la communauté. Son sens de l’écoute et de l’observation la rendent très vite populaire puis indispensable. Derrière la superposition des lieux communs (douleur, solidarité, commémoration), apparaît un agenda personnel : reconnaissance, prestige, médias, financement, position sociale.

Exploiter la détresse

Kauffmann scrute le milieu associatif des victimes, il expose ses dynamiques internes, ses affrontements, ses fragilités. Composé en grande partie de personnes instables, durement touchées par les attentats et qui n’arrivent pas à s’en remettre, cet environnement attire les aigrefins. Un escroc peut s’y insérer lentement, presque imperceptiblement, jusqu’à en devenir incontournable. Flo n’est d’ailleurs pas la seule, et c’est ce que le livre met en avant.

Démêler le vrai du faux : difficile à faire à chaud, dans la tourmente de sentiments contradictoires, horreur, colère, chagrin, refus… Il faudra un certain temps avant que les compagnons de Flo comprennent ce qui se passe réellement. On imagine le choc : victimes de nouveau, trahis dans leur confiance, dans leur besoin de résilience. Le livre met en exergue cette granularité qui dérange : les doutes, les vacillations, les zones d’ombre psychologiques, toute cette détresse que Flo exploite.

Neutralité et précision

Pourtant jamais Kauffmann ne juge. Neutre, il adopte un ton rigoureux, presque clinique, à la fois distance, précision et immersion : son objectif est de mettre en évidence les rouages d’une emprise, sans fournir de diagnostic complexe ou disculper. Il présente les faits, les témoignages, les incohérences, et ménage une zone de réflexion au lecteur. Son livre rappelle que chaque “vérité” publique est le résultat d’une construction — de paroles, de preuves, de doute. Il permet de comprendre la machine médiatique à l’œuvre.

La Mythomane du Bataclan offre une approche très pointue, parfois désagréable, mais nécessaire. Plus qu’un récit de scandale, c’est un témoignage sur ce que la douleur collective permet, ce qu’elle suscite — parfois des excès, des impostures — et ce que la société doit apprendre : à douter, à vérifier, à ne pas donner immédiatement sa confiance, même à ceux qui paraissent les plus sincères.

Ce livre élargit le regard : ce n’est pas seulement “l’histoire de Flo”, c’est l’histoire de nos vulnérabilités, de nos désirs de reconnaissance, de notre rapport à la vérité. Pour qui a vu la série, la lecture du livre double l’expérience : elle la complique, lui donne de l’épaisseur, des angles morts, des zones d’ombre. Elle fait que la douleur, la mémoire, la culpabilité, la compassion ne sont pas des terrains lisses.

Cet article La Mythomane du Bataclan : un livre-enquête déroutant sur la fabrique du mensonge est apparu en premier sur The ARTchemists.

Sinners : je tombe sur la bande annonce au détour d’un post Facebook, je craque, je visionne. Et je reste dubitative devant cet OVNI cinématographique qui croise film d’horreur, chronique sociale et comédie musicale. Ai-je aimé ? En tout cas j’ai été interpellée. Explications.

Vampires mélomanes

Sinners : les pécheurs. Terme fort, surtout dans les églises du Mississippi où les Noirs tâchent de fuir leur condition en se réfugiant dans la foi. Ou la musique. Nous sommes dans les années 20 : les jumeaux Elijah « Smoke » et Elias « Stack » reviennent dans leur ville natale, au milieu des champs de coton. Vétérans de la Première Guerre Mondiale, ils sont ensuite passés par Chicago pour s’enrichir en bossant avec la pègre. Ils reviennent au bercail avec la ferme intention d’ouvrir un dancing pour attirer les jeunes du coin qui veulent se divertir.

Pour ce faire, ils misent sur le cocktail musique + dance + alcool + jeu + sexe. Et engagent entre autres Sammie Moore, un jeune guitariste génial. Le soir de l’ouverture, ils affichent complet. Un vrai succès. C’est sans compter avec l’arrivée d’une bande de vampires menée par le fringant et très mélomane Remmick qui a bien l’intention de transformer/convertir tout ce petit monde, y compris et surtout ce petit prodige de la guitare dont le talent attire les démons.

Le pouvoir duel de la musique

Aux commandes du projet et derrière la caméra, Ryan Googler à qui l’on doit Black Panther et Creed, devant l’objectif Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Delroy Lindo ou Jack O’Connell (génial dans le rôle de Remmick). L’ensemble ne manque guère de talent ou de conviction pour développer cette histoire qui mêle Une nuit en enfer, La Couleur pourpre, Mississippi Burning et The Get down dans une atmosphère électrique et réjouissante à plus d’un titre.

Non que l’intrigue en elle-même soit exceptionnelle. Le thème de la petite communauté humaine assiégée par la horde vampirique est un classique depuis l’incontournable Je suis une légende de Richard Matheson ou le mythique Salem de Stephen King. Mais en narrant ce conte horrifique, Googler interroge le pouvoir duel de la musique, maléfique ou divine, peut-être les deux confondues ?

Melting pot

Et s’appuie sur la légende de la naissance maléfique du blues (le prétendu pacte avec le Diable signé par le guitariste et bluesman Robert Leroy Johnson sur un chemin dans les années 20) pour célébrer les racines du rock, du rap, du hip-hop, des musiques folkloriques d’Afrique, de Chine ou d’Irlande dans deux séquences de danse tenant de la transe collective qui passeront selon moi dans les annales du cinéma et qui justifient amplement de visionner ce long-métrage.

A l’heure où les USA tournent à la dictature qui ne dit pas son nom, où Trump et ses séides mènent une politique raciale infecte, Sinners rappelle que la culture américaine s’enracine aussi bien dans les croyances indiennes que dans le patrimoine vaudou apporté par les esclaves dans les cales des bateaux négriers. Et qu’on le veuille ou non, c’est ainsi. Personne, ni une bande de vampires assoiffés d’hémoglobine et de bon son ni le Ku Klux Kan (qui se prend d’ailleurs une raclée bien méritée au cours du film) ne pourront effacer ce melting pot.

S’affranchir du système

Certes le film présente quelques longueurs, certaines maladresses. On aime ou on n’aime pas. Mais le propos est clair : marre de se faire défoncer sans réagir par les racistes ou les goules, ce qui revient au même, des créatures qui en exploitent d’autres. Un air de déjà vu ? Rappelez-vous La Nuit des morts-vivants de Romero ; nous sommes en 69, en pleine lutte pour l’égalité raciale et le héros du premier grand film de zombis est interprété par Duane Jones, un acteur noir.

Un des premiers coups de canon de la blaxploitation des années 70 qui connaît aujourd’hui un renouveau salutaire et nécessaire avec Sinners. Un film que Googler a pu réaliser sans la pression des producteurs, sans avoir à couper de séquence, et dont il a touché les bénéfices dès les premiers dollars engrangés. Exceptionnel dans une industries mise en coupe réglée par les studios, et une manière de s’affranchir du système qui devrait faire date.

Cet article Sinners : blues, vampires et émancipation est apparu en premier sur The ARTchemists.

Août. Les villes se vident, les silences s’allongent, les esprits s’échauffent. Les nuits sont trop chaudes, les pensées trop pleines. On voudrait tout lâcher, mais tout reste accroché. Alors on écoute. On cherche les failles dans les rythmes, les soupirs dans les synthés, les cris retenus derrière les refrains. Cette semaine, la musique suinte la tension et le vertige. Elle tremble, elle flotte, elle frappe.

Les 10 artistes à l’honneur :

Nico Amara – « L’Ora Vuota »

Un spoken word italien murmuré/susurré sur fond de beat lancinant. Une prière moderne, lente et hypnotique. La voix de Nico Amara claque comme un murmure sec. On pense à la solitude des métropoles, au spleen romain, à une colère qui mijote. Fascinant.

Edgär – « Enemy »

Edgär : duo français, électro-pop tendue. Une chanson de rupture, mais sans plainte : juste le constat lucide du poison. Voix feutrée, basse qui tord le ventre, refrains qui cognent avec élégance. L’ennemi, c’est l’intérieur.

They Call Them Savages – « Ravenous »

Bête féroce. Ce morceau de They Call Them Savages déboule comme un fauve. Rock sombre, guitares tranchantes, énergie brute. Ça suinte l’angoisse contemporaine, la rage canalisée en cri froid. Un hymne pour survivants nerveux.

Bliss My Heart x Cliff Estatoff – « Sinner Sinner »

Électro dark-pop, duo intense, esthétique goth chic. Le combo Bliss My Heart x Cliff Estatoff offre un chant d’errance nocturne, entre damnation sensuelle et battement d’alarme. Mélancolique et charnel. On aime se perdre dedans.

Parcels – « Yougotmefeeling »

Retour au chill lumineux, funk doux et voix planante avec Parcels. Mais derrière les paillettes, une certaine langueur. Un morceau qui sourit les yeux mouillés. Parfait pour un after en slow motion, à 5h du mat’.

Still Corners – « Summer Nights »

La bande-son d’un rêve qui se dissout. Doux, éthéré, presque irréel. La nuit d’été prend ici la texture d’un souvenir trop beau pour être vrai. C’est beau, triste, sublime. C’est Still Corners.

Cate Le Bon – « Heaven Is No Feeling »

Pop expérimentale, guitare anguleuse, étrangeté maîtrisée. Cate Le Bon brise les formats et déplie ses émotions à contretemps. Une chanson qui ne cherche pas à plaire mais à troubler. Mission accomplie.

Salarymen – « Let Me Go »

Indie pop énergique, ultra propre mais pas lisse. Salarymen, c’est une demande de liberté chantée avec le sourire. Riffs efficaces, voix qui claque, et un refrain qu’on chantonne en courant vers la sortie.

Astéréotypie – « Cheese bad girl »

Poésie brute, texte parlé sur rock distordu. Inclassable, bizarre, jouissif. Astéréotypie, ce sont des uppercuts verbaux dans un écrin noise. Ici, ça dérange, et ça fait du bien.

Lord Huron – « Bag of Bones »

Western spectral. Guitare surf, voix sépulcrale, ambiance crépusculaire. Le morceau de Lord Huron sent la poussière, le désespoir élégant, les fantômes du désert. Un final parfait, lent et obsédant.

En bref :

• Pour danser doucement au bord du gouffre : Parcels, Salarymen
• Pour vaciller entre colère et vertige : Nico Amara, Edgär, They Call Them Savages
• Pour hanter l’été comme un mirage : Still Corners, Cate Le Bon, Lord Huron
• Pour frapper les murs intérieurs : Bliss My Heart, Astéréotypie.

Bon appétit à vos oreilles et à la semaine prochaine, pour d’autres secousses.

Et si vous voulez d’autres sensations mélodiques, c’est par ICI :

Cet article Playlist #368 – Éclats d’ombre, fièvres d’été est apparu en premier sur The ARTchemists.

2025: l’héroïne de Bizet revient en fanfare à l’Opéra Comique, lien originel de sa création le 3 mars 1875. Aujourd’hui, plus de stupeur ni de scandale comme à l’heure de sa création. Le caractère provocateur de l’opéra n’est plus ; au contraire, le succès de la belle et indomptable gitane aurait tendance à l’étouffer. Comment célébrer ce siècle et demi sans tomber dans la redite ? Pour relever ce défi, le metteur en scène Andreas Homoki propose une de ces approches méta théâtrales dont il a le secret.

S’affranchir des carcans

Le méta-théâtre, mais encore ? Il s’agit d’un théâtre qui se dévoile, se dénude, pour réfléchir à ce qu’il est. Coulisses, machinistes, acteurs conscients de jouer… Voici la carte que joue Homoki pour explorer les dessous d’une Carmen devenue l’opéra le plus joué au monde.

Sur scène pas de décors, juste un rideau de théâtre rouge sang, le mur de brique du fond de scène ; des costumes mélangeant les époques, effaçant les appartenances, les origines. Cette Carmen mondialement connue et adulée n’appartient plus ni au patrimoine lyrique français ni au XIXe siècle finissant : une fois de plus elle s’échappe, s’affranchit des carcans.

Un somptueux phénix

Son coup de cœur fatal pour un Dom José jaloux et brutal reflète certes toutes les violences faites aux femmes au fil des décennies, mais elle constitue également l’acte dramatique par excellence. Cette essence du drame que Homoki dissèque scène après scène en jouant avec les limites temporelles.

De fait sa Carmen ne cesse d’être désirée, convoitée, intemporelle, traversant le temps sans une ride. Séductrice et libre, elle renaît de ses cendres tel un somptueux phénix pour de nouveau être poignardée à mort par son ex-amant.

Une interprétation talentueuse

La ritournelle de mort nous fascine, nous public, nous fait frémir, nous emporte. Dans cet univers sans accroche temporelle, demeurent les chanteurs, des voix somptueuses doublées d’un sens profond du tragique.

Gaëlle Arquez, Saimir Pirgu, Jean-Fernand Setti … chaque interprète de cette fresque universelle doit rivaliser de talent pour occuper un espace épuré, où la composition de Bizet se déploie dans toute sa richesse.

Carmen : un opéra à écouter ?

Soulignons la maîtrise du chef d’orchestre Louis Langrée, qui dirige l’orchestre des Champs-Elysées, le travail des choeurs, Accentus et la Maîtrise populaire de l’Opéra-Comique. L’ensemble, homogène, rend hommage au génie de Bizet, son sens du détail.

L’atmosphère qu’il campe si bien au fil de mélodies construites avec soin et précision trouve ici sa dimension. Carmen : un opéra à écouter ? C’est l’idée, dans cette version débarrassée des ors de la scène pour ne conserver que l’intensité de la musique.

Que retenir au final ? Cette production anniversaire de Carmen signe un retour aux origines doublé d’un regard contemporain, où le lieu et l’histoire dialoguent avec l’œuvre. Homoki convoque la mémoire collective de la salle Favart, interroge la frontière entre représentation et réalité, tout en s’appuyant sur une exécution vocale et musicale de haute tenue.

Cet article Carmen à l’Opéra‑Comique : 150 ans après, retour à la source est apparu en premier sur The ARTchemists.

Aujourd’hui, zoom sur la Savonnerie de la Chapelle. Une belle histoire artisanale dédiée à l’amour des savons et des cosmétiques de qualité, des petits plaisirs de la vie, entre protection de l’environnement, expérience sensorielle et bien-être retrouvé.

Saponification à froid : une technique ancestrale

La boutique, vaste, se situe place du Blé à Bellême, petite ville médiévale de l’Orne. Quand on y pénètre, première surprise : on n’y est pas assailli par une puissante vague de parfums entêtants, mais par une nuance olfactive très douce, rassurante, bienveillante. Andalou, Fruits du soleil, Miel orange douce, Rosée matinale, Chocolat, Fleur des sables, Roches… les blocs de savon sont tous là, sagement alignés dans leur enveloppe de papier. Agrumes, lavande, rose, citronnelle… il y en a pour tous les goûts, toutes les fragrances, toutes les envies. A chacun.e son savon, respiré, reconnu, adopté.

Des savons réalisés selon l’ancestrale (et très probablement gauloise si l’on en croit Pline l’Ancien) technique de la saponification à froid : pas de chauffage des mélanges (contrairement aux savons de Marseille ou d’Alep), repos des préparations un mois durant. Patience et douceur au programme pour des savons beaucoup plus doux, dont les ingrédients (d’origine normande) conservent leur efficacité, les parfums, leur subtilité. Textures suaves adaptées aux épidermes, process de fabrication respectueux de l’environnement, produits de base locaux sélectionnés avec soin… l’équation est d’une rare efficacité

Exigence de qualité et volonté de transparence

Huiles végétales, beurres nobles, parfums et teintures naturels : une exigence de qualité signée Paul‑Henry Neyt, adorable jeune homme au cœur de ce beau projet familial, érigé au fil des années en entreprise florissante. Une entité ancrée donc dans Bellême (outre la boutique, on compte désormais des laboratoires, des entrepôts, des bureaux, tous logés dans la commune) et qui ne cesse de croître, s’adaptant aux évolutions du marché tout en respectant ses valeurs et en s’imposant une volonté de transparence. Pour preuve, les étapes de fabrication des savons sont observables depuis la boutique.

Dans le respect des normes sanitaires bien évidemment : les produits cosmétiques qui complètent la gamme sont élaborés en laboratoire. Il n’en demeure pas moins que l’équipe de la Savonnerie de la Chapelle (en référence à la Chapelle-Montligeon où l’aventure est née en 2013, au cœur des ateliers Buguet ) veut diffuser ses savoir faire : visites commentées du site de fabrication, ateliers pour apprendre à faire son propre savon. La transparence est de mise, de même qu’une volonté revendiquée de toujours améliorer les process pour plus de qualité, de préservation de la nature et de variété.

Un petit instant d’harmonie

Savon à la coupe, packaging papier, utilisation des chutes (le fameux savon Arlequin ou l’usage des paillettes de savon pour parfumer les armoires – excellent pour éloigner les nuisibles type mites) : ici rien ne se perd, tout se transforme… et s’enrichit. Outre les savons, la savonnerie de Bellême propose aujourd’hui des eaux florales, des huiles, des baumes et des crèmes pour le corps et le visage, des shampoings solides, toute une série d’accessoires porte-savon, éponges, gants… ainsi qu’une gamme de produits nettoyants pour la maison.

Concrètement cela donne quoi ? Depuis 6 mois, nous avons adopté ces savons au quotidien, et c’est un régal. Parce que leur qualité est indéniable, parce qu’ils n’irritent pas (nous avons tous au sein de la team ARTchemists des terrains atopiques, des peaux fragiles, pourtant aucune réaction). Et puis il y a le petit plus : le bien-être mental. Ces savons, quand on les respire, quand on les touche, offrent une véritable expérience de pleine conscience, une sorte de réancrage agréable dans le réel, un petit instant d’harmonie, une minute de lâcher-prise.

Dans un monde moderne devenu fou, synthétiser en un savon un produit éco-friendly, made in France, de qualité, abordable (5,90€) et qui fait du bien au mental et au moral, c’est un luxe à portée de main. Pour celles et ceux qui s’aventureraient jusque dans le Perche (vous verrez, l’équipe est adorable, l’ambiance agréable) mais aussi pour les internautes qui n’ont qu’à cliquer pour consulter le site de la Savonnerie et y faire leurs emplettes.

Cet article Savonnerie de la Chapelle, l’art du savon au naturel est apparu en premier sur The ARTchemists.

Il était une fois Christelle. Allure de rockeuse, revendiquée manageuse rock, un sens acéré de la psychologie. Et touchée de plein fouet par les attentats du 13 novembre : son petit ami était au Bataclan, il est dans le coma, sur un lit d’hôpital. Voici comment Christelle va entrer dans la vie de plusieurs rescapés du massacre. Pour les aider, les écouter, les épauler. Et les tromper car Christelle n’est rien de tout ce qu’elle prétend. Voici la trame du foudroyant Une amie dévouée.

Quête de reconnaissance

Adaptée du livre La mythomane du Bataclan d’Alexandre Kauffmann, la série Une amie dévouée détaille les mécanismes d’un mensonge. Un mensonge ancré dans une faille psychique. Christelle n’en est pas à son coup d’essai, elle a déjà monté des escroqueries, c’est une menteuse compulsive et experte. Ici nous la voyons d’abord plonger dans la sidération des attentats (nous l’avons toutes et tous été) ; mais très vite elle se reprend, parce qu’elle comprend comment elle peut exploiter cet événement à son avantage. Les rouages de la mystification se mettent alors en place à une allure folle.

De séquence en séquence, on voit Christelle tisser sa toile, repérer ses victimes, prendre contact, monter un scénario qu’elle enrichit d’échange en échange, recouper les informations pour ne pas se trahir. Elle s’invente un fiancé de toute pièce, crée un faux profil sur Facebook, petit à petit s’impose comme un pilier dans cette petite communauté traumatisée qui cherche à survivre et qu’elle aide au quotidien. Altruiste en apparence, en vérité en quête de fric, d’un job, d’un appart… et d’un statut. D’une reconnaissance. D’amour.

Un personnage aussi détestable que pathétique

Il faudra un certain temps pour la percer à jour. Un moment poignant car cette héroïne hors normes est aussi détestable que pathétique. L’impression est étrange, malsaine, perturbante. Cette fille est-elle responsable, malade ? Avec beaucoup de talent et un sens consommé de la nuance, Laure Calamy prête à ce personnage retors une intensité, une énergie qui vacille entre résilience et destruction. Chaque regard, chaque attitude laisse deviner une névrose, un trouble mental profondément ancré, une absence de limites, de morale.

Et une sacrée efficacité ; c’est d’ailleurs là qu’on perd pied car c’est un immense gâchis. Cette fille a tout pour réussir, un talent rare pour la communication, des compétences évidentes pour l’événementiel, une connaissance pointue de la scène rock. Mais elle ne peut s’empêcher de manipuler. Empathie perverse de la prédatrice qui se nourrit de la détresse de ses proies. La série ne moralise pas, ne dit pas si c’est bien ou mal, elle montre, avec une mise en scène au cordeau signée Just Philippot, énergique, nerveuse qui souligne la vitesse vertigineuse avec laquelle Florence s’infiltre dans les consciences.

Et embarquer tous ces gens dans ses mensonges, pour mieux les vampiriser. On s’identifie forcément : toutes et tous, nous avons été touché.es par cet événement atroce. Toutes et tous, nous aurions pu être tompé.es par une Christelle. Là aussi, la série Une amie dévouée fait mouche en soulignant une atmosphère de chaos propice à ce type de déviance : survivants, profiteurs, rescapés, faux amis, vrais salauds : tout se mélange. Et peut-être que c’est ça, le pire.

Cet article Série « Une amie dévouée » : anatomie d’une mythification est apparu en premier sur The ARTchemists.

Il y a des semaines comme ça où la playlist te regarde de travers. Pas envie de sourire, pas envie de danser, mais une furieuse envie de cramer les souvenirs et d’enregistrer des rêves bizarres sur bande magnétique. Des voix flottent, des nappes montent, les synthés grincent doucement et la basse t’étrangle avec tendresse. Plongée dans la playlist #363 by The ARTchemists :

Les 10 artistes à l’honneur :

• Rotohammer – « Waves of Time »
  Gros plan sur l’introspection mécanique. Cette entité propose une darkwave élégante, toute en lignes froides et réverbérations abyssales. « Waves of Time » donne l’impression de marcher dans un tunnel de verre, seul, la nuit, dans un rêve où le temps se tord. Le genre de morceau qui t’aspire doucement sans t’en rendre compte.
• The Spitfires – « Where Did We Go Wrong ? »
  De la rage contenue sous une couche de pop nerveuse. The Spitfires viennent de l’underground britannique avec une bonne dose d’esprit mod et un ADN résolument social. Ici, c’est l’Angleterre post-Brexit, désabusée, qui parle. Guitares tranchantes, chant tendu, urgence émotionnelle. On sent les Clash dans le rétro, une petite touche de The Specials mais en plus brisé.
• The New Division – « Hurricane »
  Synth-pop sombre et cinématographique. The New Division, héritiers évidents de Depeche Mode et Hurts, livrent un track dense, hanté, sophistiqué. « Hurricane », c’est la bande-son d’un chagrin sous la pluie, filmé en slow-motion sur VHS. Émotionnellement, ça claque plus fort qu’un épisode de Euphoria.
• The Dainty Morsels – « Hold Your Horses »
  Guitare sèche, chœurs flottants, tempo retenu : on se croirait chez Mazzy Star sous tranquillisants. The Dainty Morsels, derrière leur nom faussement sucré, livrent une ballade désarmante de simplicité. Un truc presque country dans l’âme, mais passé à travers un filtre indie éthéré. Idéal pour les fins d’après-midi sans gravité.
• Blind Delon – « Manhattan »
  Le plus sombre du lot, et de loin. Blind Delon c’est la France industrielle, celle des caves noires, des néons rouges, des beats martiaux. « Manhattan », c’est un coup de poing electro-noir, quelque part entre DAF, Lebanon Hanover et la cold wave made in Toulouse. Le morceau donne envie de danser dans un bunker soviétique sous kétamine. Et c’est un compliment.
• Pavement – « Whitchitai-To » (LA Rehearsal Session)
  C’est bancal, ça flotte, c’est totalement Pavement. Cette session fantomatique du classique « Whitchitai-To » (reprise de Jim Pepper) ressuscite le meilleur des années 90 : l’impro slacker, le bruit blanc, l’inattendu. Comme une conversation murmurée entre les murs d’un local de répèt’. Poétique, bordélique, essentiel.
• Alan Sparhawk – « Not Broken »
  Le survivant de Low revient seul, nu, tremblant. « Not Broken » est un titre minuscule et immense à la fois, comme un dernier souffle d’humanité dans un monde trop fort. Voix fatiguée, guitare minimaliste, et un vide sidéral autour. Il n’en faut pas plus pour t’achever doucement. L’émotion brute, sans fard.
• Sun Room – « Jackknife »
  Un petit coup d’énergie dans tout ce spleen : « Jackknife » est un shoot de garage-pop efficace, 90s dans l’âme, cool sans forcer. Pas de fioriture, ça joue vite, ça joue sale, ça sent le sable et la bière tiède. Les mecs de Sun Room ne révolutionnent rien, mais ils le font avec un sourire narquois et des riffs acérés.
• Rosa Damask – « Psycho, Leave Me Alone »
  Bombe électro-punk taillée pour l’implosion. Rosa Damask, c’est la voix de celles qui ne veulent plus plaire. C’est bruyant, dérangeant, dissonant, addictif. On pense à Peaches, à Atari Teenage Riot, à du punk qui aurait bouffé un virus digital. C’est aussi le morceau le plus politisé de la playlist : un cri en stéréo.
• Night Tapes – « Pacifico »
  On finit dans le coton. « Pacifico », c’est la douceur sous codéine. Une voix détachée, un beat vaporeux, des nappes qui flottent comme des souvenirs oubliés. Night Tapes font de la dreampop urbaine, délicate, idéale pour dériver dans les flux de l’été. Une sortie douce pour un voyage chaotique.

À écouter au casque, les yeux fermés ou les poings serrés. Et surtout : sans modération.

Cet article Playlist ARTchemists #363 — 10 titres entre psyché, wave & désillusions pop est apparu en premier sur The ARTchemists.

Cela va peut-être étonner les plus candides d’enter vous, mais le monde de la géopolitique n’est pas uniquement peuplé de tanks, de missiles, de discours onusiens et de négociations barbouziennes. Non, non, non, dans cette histoire il faut aussi compter avec le soft power. Vous avez peut-être déjà entendu le mot, sans trop capter de quoi il s’agit vu que la notion est assez retorse. Dommage car la logique est vraiment efficace, et que nous sommes tous.tes touché.es. Attachez vos ceintures, on plonge dans le monde fascinant du pouvoir doux !

Qu’est-ce que le Soft Power ?

Déjà une petite définition la plus claire possible : le soft power, c’est l’art de séduire et d’influencer sans recourir à la force brute. Concrètement ça donne quoi ? Imaginez une soirée où vous devez convaincre quelqu’un de choisir votre série préférée. Plutôt que de crier et de menacer, vous sortez vos arguments les plus subtils : les critiques élogieuses, les scènes marquantes, le charisme des acteurs. Eh bien, c’’est exactement ce que font les pays sur la scène internationale avec le soft power : ils utilisent la culture, les valeurs et les politiques attractives pour gagner des alliés, diffuser leur point de vue et influencer l’opinion mondiale pour aller dans leur sens.

Le terme a été forgé à la fin des années 1980 par le politologue américain Joseph Nye, professeur à Harvard, dans son ouvrage Bound to Lead: The Changing Nature of American Power (1990). Nye y conteste le déclin annoncé de la puissance américaine après la Guerre froide, en proposant une nouvelle grille de lecture du pouvoir : selon lui, la capacité d’un pays à influencer les autres sans contrainte, par l’attraction plutôt que par la coercition, constitue une forme de puissance à part entière. Nye oppose ainsi le hard power, fondé sur la force militaire et les pressions économiques, au soft power, qui repose sur la culture, les valeurs politiques (liberté, démocratie, droits humains) et la légitimité de la politique étrangère. C’est une puissance plus diffuse, souvent moins visible, mais redoutablement efficace dans un monde interconnecté où l’image et la narration jouent un rôle crucial.

Dans ses ouvrages ultérieurs, notamment Soft Power: The Means to Success in World Politics (2004) et The Future of Power (2011), Nye affine sa pensée et introduit l’idée de smart power : une combinaison stratégique du hard et du soft power. D’autres chercheurs, politistes et spécialistes des relations internationales ont enrichi le concept :

• Pierre Bourdieu, sans utiliser le terme « soft power », a largement exploré la notion de violence symbolique et de domination culturelle, qui préfigure certaines réflexions sur l’influence douce dans un cadre global.
• Le sociologue Manuel Castells a travaillé sur le pouvoir des réseaux et l’économie de l’image dans la société de l’information, en lien avec l’idée d’une influence par la communication.
• Dans une perspective critique, des auteurs comme Edward Saïd (avec le concept d’orientalisme) ont souligné que le soft power peut aussi masquer des dynamiques néocoloniales, lorsque la séduction culturelle sert des objectifs de domination.

Soft power in real life

Ok mais sur le terrain, in real life, ça donne quoi ? Comment se décline le soft power ? Quelle tournure ? Quelle logique ? Voici quelques exemples géographiques pour mieux cerner la chose (vous allez voir, en fait vous connaissez bien le concept sauf que vous ne le saviez pas mais heureusement The ARTchemists sont là).

Les États-Unis : Hollywood et McDonald’s

Ah, les États-Unis ! Pas pour rien que l’idée vient de là. Les Américains ont compris depuis longtemps l’importance du soft power. Hollywood, c’est un peu la machine à rêves mondiale. Les blockbusters américains envahissent les écrans de la planète, façonnant les imaginaires et les aspirations de millions de personnes. Ajoutez à cela des marques comme McDonald’s et Coca-Cola, des réseaux sociaux comme Facebook ou X et vous avez un cocktail explosif de soft power. Ces éléments véhiculent une image de liberté, de succès et de prospérité, mais au finish il s’agit d’implanter les valeurs made in USA un peu partout dans nos petits crânes.

La Corée du Sud : K-pop et K-dramas

Qui aurait cru il y a vingt ans que la Corée du Sud deviendrait une superpuissance culturelle ? Avec la montée en puissance de la K-pop (merci BTS !) et des dramas coréens, le pays a su s’imposer comme une référence mondiale en matière de divertissement. En 2020, par exemple, le film Parasite a remporté l’Oscar du meilleur film, une première pour un film non anglophone, illustrant parfaitement cette ascension fulgurante.

La Chine : les routes de la soie culturelles

La Chine n’est pas en reste, au contraire. Elle utilise le soft power pour améliorer son image sur la scène internationale, notamment à travers des initiatives comme les Instituts Confucius, présents dans le monde entier afin de promouvoir la langue et la culture chinoises. De plus, elle investit massivement dans des productions cinématographiques internationales,organise des événements culturels de grande envergure, comme les Jeux olympiques de Pékin en 2008, et prête des pandas en leasing aux zoos les plus célèbres de la planète.

Soft power : facettes stratégiques

Les avantages du soft power ? Innombrables et bien pratiques. Tout principalement, cette méthode d’influence :

• évite les coûts humains et financiers des conflits armés,
• crée des alliances durables fondées sur l’admiration et le respect mutuel plutôt que sur la peur ou la coercition.

Bref c’est juste génial, ça évite de s’égorger. Et ça donne une excellente image du pays qui soft powerise. Ainsi, la France s’est imposée au fil des années comme un modèle de culture et de sophistication grâce à son cinéma, sa cuisine, son art de vivre, ce qui renforce son influence mondiale sans un seul coup de fusil.

Allons un peu plus loin dans cette analyse. Quelles sont les composantes d’un soft power abouti ?

La diplomatie culturelle

Les musées, les expositions et les festivals internationaux sont autant d’outils de diplomatie culturelle. Les pays organisent et sponsorisent ces événements pour partager leur culture et renforcer leurs liens avec d’autres nations. Par exemple, l’Inde organise à Paris depuis 2010 le festival Namasté France — une initiative de diplomatie culturelle portée par l’Ambassade d’Inde et l’ICCR, en partenariat avec l’Institut français. Ce festival pluridisciplinaire (musique, danse, artisanat, ateliers, gastronomie) a rassemblé plus de 20 000 visiteurs en 2023, illustrant un engagement durable dans le dialogue interculturel.

L’éducation et les échanges académiques

Les bourses d’études et les programmes d’échange académique sont des moyens puissants de soft power. Les étudiants étrangers sont exposés à la culture du pays d’accueil où ils partent faire leur cursus ; ils peuvent ainsi devenir des ambassadeurs culturels lorsqu’ils rentrent chez eux. Exemple type et particulièrement abouti, le DAAD, service allemand d’échanges universitaires, est l’un des plus puissants programmes de soft power éducatif au monde. Il finance des milliers de mobilités d’étudiants, d’enseignants et de chercheurs chaque année, dans une logique de coopération scientifique et culturelle. L’Allemagne s’affiche ainsi comme un pays ouvert, rigoureux, moderne, cultivant une image de partenaire fiable, particulièrement dans le monde universitaire.

Médias et divertissement

Les films, les séries télévisées, la musique, les jeux vidéo, mais aussi les formats courts ou les webtoons, sont aujourd’hui parmi les vecteurs les plus puissants du soft power culturel. Ils façonnent les représentations, véhiculent des styles de vie, font rayonner des langues, des esthétiques, des récits nationaux. Grâce aux plateformes de streaming comme Netflix, YouTube, Spotify ou TikTok, les contenus culturels circulent à une vitesse inédite et touchent des publics mondiaux — souvent bien au-delà des intentions initiales. La cinématographie indienne, avec ses codes visuels, ses récits mélodramatiques et son ancrage dans les mythologies locales, s’est imposée comme un pôle culturel majeur en Asie, en Afrique et au Moyen-Orient. Bollywood ne vend pas seulement des films, mais aussi une certaine image de l’Inde : festive, colorée, spirituelle, moderne et profondément enracinée dans ses traditions.

Soft power : un atout pour l’art et la culture… ou une menace ?

L’art et la culture ont toujours circulé, inspiré, ému au-delà des frontières. Mais dans un monde où l’image d’un pays constitue un levier stratégique, ils sont de plus en plus perçus comme des outils d’influence. Le soft power s’infiltre désormais dans les logiques de production culturelle. Est-ce une chance pour les artistes et les institutions ? Ou un risque d’instrumentalisation, voire de formatage ?

Un levier de rayonnement… et de soutien

Le soft power a indéniablement ouvert des portes à la création artistique. Dans certains pays, les politiques culturelles intègrent cette dimension stratégique pour mieux soutenir leurs artistes à l’international. La Turquie, par exemple, a misé massivement sur l’exportation de ses séries télévisées (« dizi »), devenues des succès populaires dans les Balkans, au Moyen-Orient, en Afrique et jusqu’en Amérique latine.
Des productions comme Diriliş: Ertuğrul, épopée néo-ottomane portée par des valeurs traditionnelles et une imagerie nationale forte, participent à façonner une image valorisante et influente de la Turquie contemporaine. Ce succès, aussi sincère soit-il sur le plan artistique, incarne une forme de soft power parfaitement orchestrée, mêlant récit national, nostalgie impériale et stratégie culturelle régionale.

En France, l’action culturelle extérieure repose sur un écosystème d’aides, de festivals, d’instituts et de subventions, qui favorise le rayonnement international d’une culture diverse et plurielle. Ce soutien permet à des cinéastes, des auteurs, des musiciens de faire entendre leur voix bien au-delà de l’espace francophone.

Quel est le prix culturel du soft power ?

Lorsque la culture devient un vecteur stratégique, elle risque de s’aligner sur des critères de visibilité, de désirabilité ou de conformité à une image souhaitée. Certains projets sont favorisés parce qu’ils « représentent bien » une esthétique ou un récit national, tandis que d’autres sont relégués car jugés trop critiques, trop dérangeants.

C’est le cas du cinéaste iranien Jafar Panahi, plusieurs fois emprisonné, censuré, puis interdit de tourner dans son propre pays. À l’international, ses films sont célébrés, primés à Berlin, Cannes ou Venise. Ils participent à l’image d’un Iran culturellement raffiné et intellectuel, tout en étant condamnés par les autorités qu’ils dérangent. Cette récupération paradoxale témoigne de la manière dont une œuvre dissidente peut renforcer le prestige culturel d’un pays malgré lui.

De façon inverse, certains artistes critiques sont progressivement neutralisés par la reconnaissance institutionnelle. C’est ce qu’a connu le musicien nigérian Fela Kuti, dont la musique radicale et militante a longtemps été rejetée par le pouvoir, avant d’être célébrée comme symbole de fierté nationale, une fois sa figure iconique stabilisée.

Les artistes, des ambassadeurs malgré eux ?

Beaucoup de créateurs ne se pensent pas comme des instruments diplomatiques. Leur œuvre naît d’une démarche intime, esthétique, politique. Mais dès qu’ils rencontrent le succès à l’international, ils deviennent, volontairement ou non, des symboles de leur culture d’origine.
C’est le cas de Studio Ghibli, au Japon, dont les films porteurs d’univers oniriques, d’écologie douce et de spiritualité subtile ont projeté dans le monde une vision apaisée, poétique et positive de la culture japonaise. À l’opposé, des figures comme Ai Weiwei (Chine), dont l’art est frontalement politique, sont érigées comme icônes de la liberté d’expression à l’étranger, alors qu’elles sont effacées de l’espace public national.

Une tension féconde ?

La relation entre soft power et création artistique est donc profondément ambivalente. Elle peut être fertile, lorsqu’elle offre aux artistes des moyens, une visibilité, une reconnaissance. Mais elle peut aussi être limitante, lorsqu’elle oriente les productions vers ce qui est « exportable », « positif », « non dérangeant ».

Pour préserver la vitalité artistique, il est essentiel de maintenir des espaces de création autonomes, à l’abri des impératifs diplomatiques ou des logiques d’image. Car le rôle profond de l’art n’est pas seulement de séduire ou de représenter : c’est aussi de troubler, de questionner, de résister — et c’est en cela qu’il reste, paradoxalement, l’un des vecteurs les plus puissants du soft power véritable.

Le soft power n’est ni bon ni mauvais en soi. C’est un outil, une stratégie, une énergie culturelle en mouvement. Reste à savoir qui l’emploie, dans quel but, et avec quelles limites. Car derrière la séduction douce se joue parfois une partie d’échecs bien plus rude.
Alors la prochaine fois que vous chantez un tube de BTS, regardez une série turque ou écoutez un auteur exilé à la radio, demandez-vous : suis-je juste un public ? Ou déjà un pion sur l’échiquier du pouvoir ?

Cet article Soft power : outil de rayonnement ou piège culturel ? est apparu en premier sur The ARTchemists.

La première datait du 5 juillet 2020… sur Youtube. Mais des playlists on en diffuse depuis le début du webmag ou presque. D’abord en publication avant de se limiter aux réseaux sociaux. Mais on en a un brin marre de tourner uniquement sur Insta/Facebook et consort. On a eu envie de revenir aux bases, aux fondamentaux. publier chez nous, dans nos murs, notre Villa Médicis digitale. Donc voilà la playlist #361 (à mon sens on en a bossées plus, mais bon en quinze ans, on a perdu le fil).

Et toujours la même histoire : on est tombés dessus par hasard, dans un coin d’algorithme mal éclairé, entre deux clics, deux digressions, deux cafés. Dix artistes. Dix morceaux. Dix raisons de penser que la scène musicale actuelle n’a pas besoin de paillettes pour briller. Il suffit d’écouter — vraiment écouter.

Cette semaine, dans cette fameuse playlist ARTchemists #361 qui renoue avec la tradition de la chronique slasheuse, il y a du bizarre, du brut, du bancal, du beau aussi. De quoi chahuter les oreilles trop sages, interpeler les curieux de bon son, de mélodies inédites. Au programme :

Pourquoi cette playlist ?

Parce qu’on en a marre d’attendre que les artistes explosent pour les écouter.
Parce que la musique ne se résume pas à ce que te sert Spotify en boucle.
Parce que chaque semaine, quelque part dans un studio, une chambre, une cave ou un squat, des sons naissent et méritent d’être entendus.

Chez The ARTchemists, on les capte. Et on vous les file.

Faites-la tourner, partagez, commentez, et surtout : soutenez la scène émergente.

Parce que l’avenir de la musique, c’est pas dans les charts.
C’est là. Dans cette playlist.
Et dans les précédentes, les suivantes.

Pour écouter les playlists The ARTchemists,

Cet article Playlist ARTchemists #361 — Quelques sons qu’on n’entend pas assez sur les ondes (et c’est bien dommage) est apparu en premier sur The ARTchemists.