C’est un must du répertoire, LA pièce de Molière par excellence : depuis sa création en 1670, Le Bourgeois Gentilhomme a inspiré un nombre incalculable de mises en scène. En costumes d’époque ou anachroniques, collant au texte ou fantaisistes, c’est selon, mais toujours avec un enjeu : ne pas sombrer dans le ridicule ni le lourd. Et ce n’est pas évident du tout, surtout quand on décide de jouer la carte du burlesque. Il faut un maître pour rester en équilibre sur le fil ténu séparant la comédie de mœurs de la blague maladroite. À ce jeu, Christian Hecq et Valérie Lesort se révèlent virtuoses, accouchant d’un Bourgeois Gentilhomme d’exception.

Clownesque

Tourbillon burlesque : cela résume assez bien cette lecture complètement dingue, où l’or dialogue avec le sombre, où les tables se transforment en podium, où les plats se mettent à chanter, où les costumes mêlent la démesure de Jean-Paul Gaultier et la majesté du cirque. Objectif : la farce moliéresque doit sauter à la face du spectateur et le faire hurler de rire. Mission accomplie au terme d’une heure trente de spectacle complètement clownesque.

On connaît l’histoire, désormais enracinée dans le patrimoine littéraire français : Monsieur Jourdain, bourgeois richissime, rêve de grandeur aristocratique. Cela implique les cours de danse, musique, escrime, philosophie, l’habit de cour et la conquête de la jolie Dorimène. Cela implique de marier sa fille à un noble, même si elle est amoureuse de Cléonte qui le lui rend bien. Cela implique surtout d’attirer à soi nombre d’escrocs qui exploitent cette passion dévorante et plument ce marchand naïf à qui mieux mieux.

Molière Underground

À partir de là, le tandem Hecq/Lesort s’offre un pur délire, une version jouissive, ludique, emportée cadencée par les accents tziganes d’un orchestre qui n’a rien à envier aux rythmes de Goran Bregovic. Il y a d’ailleurs un peu de la dinguerie du cultissime Underground de Kusturica dans la dérive grandiloquente d’un Jourdain ingérable, empêtré dans sa folie et que personne n’arrive à raisonner. Un Jourdain remarquablement interprété par Hecq lui-même, au mieux de sa forme pour mener ce véritable marathon scénique.

Dans son sillage, Alain Lenglet, Sylvia Bergé, Françoise Gillard, Véronique Vella, Laurent Stocker, Gaël Kamilindi, Yoann Gasiorowski, Jean Chevalier, Marie Oppert, Clément Hervieu-Léger, Nicolas Lormeau. Avec un petit plus pour de grands effets, j’ai nommé Mister Guillaume Gallienne, sidérant dans le rôle du maître de philosophie… et d’un palmier qui danse. Bref, si vous avez besoin de vous vider la tête intelligemment, si vous êtes en manque de fantaisie, de délire, regardez Le Bourgeois Gentilhomme made in Hecq/Lesort. Vous allez adorer !!!!

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« En pleine nuit, M. Deschannel tombe de son train en marche » : la Une du quotidien Le Petit Parisien en date du 25 mai 1920 préfigure le souvenir que laissera Paul Deschanel dans les mémoires. Un fou, incapable de gouverner. Une postérité bien injuste, que le film Le Tigre et le Président tente de rectifier.

Agir, changer les choses

S’appuyant sur plusieurs biographies, le réalisateur Jean-Marc Peyrefitte revient avec autant d’humour que d’émotion sur le parcours de Paul Deschanel, plus spécifiquement ce moment clé où il est élu président au lendemain de la Première Guerre Mondiale. Et c’est un homme aux convictions progressistes bien trempées, porteur d’une véritable volonté de réforme sociale, animé par la foi dans l’avenir et l’humanité, qui accède à l’Élysée, en place d’un Clemenceau revanchard et un brin conservateur.

Favorable au vote des femmes, à l’éducation des masses, à l’égalité des droits, convaincu par ailleurs que le traité de Versailles porte en germe un nouveau conflit mondial, Deschanel use des nouvelles technologies à sa disposition pour communiquer avec les Français, susciter leur adhésion, leur enthousiasme. Le statut purement honorifique de sa fonction, il n’en a cure. Il veut agir, changer les choses. Et c’est un vent de changement qui déboule avec lui durant les conseils de ministres qu’il met au pas avec esprit, humour et fermeté.

Deux animaux politiques ?

Tout irait très bien, s’il n’était déjà très surmené, intellectuellement et émotionnellement épuisé. Un brin dépressif au passage. La charge de ses attributions ne va guère l’aider, au contraire. Accablé par un emploi du temps démentiel où il perd de précieuses heures à inaugurer des monuments aux Morts, rencontrer des anciens combattants, visiter des usines, serrer des mains et embrasser des enfants, Deschanel va bon train, c’est le cas de le dire, vers le burn-out. Et ses opposants ont très bien saisi la chose, qui attendent sa chute pour se saisir du pouvoir et écraser ses velléités de changement.

En tête de cette meute, Clemenceau donc, le Tigre, va-t-en-guerre impénitent qui veut faire payer l’Allemagne à tout prix, par ailleurs représentant d’une caste dominante qui n’entend pas céder un pouce de ses prérogatives. Le vieux roublard va tout faire pour assurer la déchéance de cet idéaliste exalté dont il ne supporte ni l’esprit ni le bon sens. Y parviendra-t-il, tandis que l’élection surprise de son rival le condamne à un semi-exil dans une campagne qui lui est intolérable ? De fait, Jean-Marc Peyrefitte met en scène la confrontation de ces deux animaux politiques animés, sinon d’idées similaires, du moins d’une énergie commune.

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Portrait tragique d’un visionnaire

On s’attendrait à une comédie, et le jeu d’André Dussolier, parfait dans le rôle du Tigre, va dans ce sens, de même, l’interprétation de Christian Hecq en Millerand. Mais le portrait d’un Deschanel dévoré par son idéal, consumé par sa dépression, est d’autant plus tragique que cet homme était visionnaire, et que s’il avait eu suffisamment de force et d’équilibre pour rester à l’Élysée, il aurait pu, espérons-le, éviter cette Seconde Guerre Mondiale dont il avait perçu, à raison, la menace. Fragile et élégant à la fois, Jacques Gamblin apporte un relief incroyable à ce personnage qu’on caricaturait jusqu’à présent.

Ce n’est désormais plus possible, le film de Peyrefitte est passé par là, pour réhabiliter cette figure historique méconnue. Son récit offre par ailleurs l’opportunité de méditer sur les dangers du pouvoir. Il ne fait pas bon être trop pétri de valeurs et de droiture quand on pénètre les couloirs de la politique, et qu’on envisage d’en changer le cours. Deschanel fut-il terrassé par sa maladie mentale, ou psychiquement écrasé par un entourage qu’il gênait trop, et qui voulait sa perte ? Ou est-ce un peu des deux ? On ne saura jamais. Ce qui est sûr, c’est que c’était un grand homme ; nous ne pouvons que pleurer sa perte, car, c’est certain, il aurait changé la face des choses.

Le film Le Tigre et Le Président est disponible

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Que faire quand on veut larguer une maîtresse trop encombrante pour épouser une jeune et naïve héritière ? Le plus simple serait encore de le dire ouvertement, sauf que Mr de Bois d’Enghien, aristocrate ruiné qui a bien besoin de ce mariage pour redorer son blason, a bien du mal à annoncer la chose à la volcanique Lucette Gautier, son amante passionnée et encombrante, par ailleurs chanteuse de cabaret en vogue. Lâcheté masculine séculaire ? Ou simplement désir inconscient de ménager la chèvre et le chou ? Notre héros peine à rompre ce fil à la patte. 

Des allures de guerre de Troie comiquissime

Il faudra un contrat de mariage raté et le scandale qui va avec (dans le Paris Jetset de la fin du XIXeme siècle, ce genre d’affaire vous ruine une réputation) pour que le fiancé se décide à agir de façon énergique. Cette intrigue pourrait tenir sur un timbre-poste, me direz-vous. Oui, mais c’est Feydeau qui en déroule le fil justement de ce vaudeville génial, et avec Feydeau, ce genre d’affaire prend vite des allures de guerre de Troie comiquissime, avec rebondissements en cascades, mensonges tous plus gros les uns que les autres, situations rocambolesques à la clé. Si l’on résume, en réglant un problème, Bois d’Enghien en engendre cinq. Et s’enfonce. Pour notre plus grand plaisir.

Car, pour couronner le tout et lui compliquer singulièrement la tâche, notre fringant fiancé est cerné de personnages tous plus ravagés les uns que les autres, entre un clair de notaire névrosé qui écrit des chansons paillardes, une baronne collet monté, une fiancée oie blanche qui gère son histoire d’amour suivant les lois de l’offre et de la demande, un général au sang chaud et à l’accent latino incompréhensible… et tout ce petit monde ajoute son lot de bourdes, de courses-poursuites échevelées entre appartements bourgeois et escaliers de service, de punchlines à se tordre…

Deux versions historiques

Deux versions s’imposent, trustées par la Comédie-Française à quarante ans d’écart :

• la lecture survoltée de Jacques Charon datée de 1970, avec la troupe du français au complet, soit Charron – Boudet – Piat – Gence – Samie – Hirsch – Duchaussoy – Deiber – Noëlle qui nous entraînent dans une sarabande proprement hallucinante, avec son lot de gags, de quiproquos, un vrai délire qui n’a pas pris une ride.
• la version de 2011 par Jérôme Deschamps à qui revient le redoutable honneur de prendre la suite de la première version, historique, sans faire redondance. Et le père des Deschiens y parvient, grâce à un casting aussi éclatant que la première affiche (Guillaume Gallienne passe du rôle de Cheneviette, l’ex de Lucette, à celui de la gouvernante anglaise avec une aisance déconcertante, Christian Hecq est à se rouler de rire dans le personnage de Bouzin, et c’est tout à son crédit, vu qu’il prend la succession de Robert Hirsch, qui a marqué l’histoire de la troupe et du théâtre français avec son interprétation) ; on ajoutera la fameuse touche Deschiens donc, dans les gags et la diction, mais aussi dans les décors kitch (le papier peint où dialogue des séries de fées et d’escargots), les costumes un peu dingues (les fourrures de la Baronne qui assemblent des ours en peluche).

Vous hésitez ? Ne choisissez pas, regardez les deux, pour le plaisir d’abord, la crise de rire ensuite, la leçon de théâtre également : en deux mises en scène, la Comédie-Française démontre ici son pouvoir d’adaptation, sa griffe singulière quand il s’agit de s’emparer d’un texte et d’en apporter une lecture à la fois ancrée dans l’époque et intemporelle. Et puis le rire n’a pas d’âge, Le Fil à la patte est un prodige de légèreté, c‘est drôle, c’est léger, superbement écrit, plein d’imagination, c’est à voir, revoir, rerevoir !

Et plus si affinités

Vous pouvez visionner la version 1970 de la pièce Le Fil à la patte sur le site Madelen de l’INA, 

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Marier son fils devrait être un grand bonheur ; pour Geneviève, c’est surtout l’occasion de prendre la tête à toute la noce … et de faire le point sur une vie de merde. Voici en gros le pitch de la pièce Emportée par mon élan de et avec Florence Muller, un seul-en-scène à la fois dynamique, éblouissant et nostalgique.

Femme mûre, rêves avortés

Jouée en 2019 au théâtre du Petit Saint-Martin, captée par la team d’Opsis TV qui l’inscrit désormais dans son catalogue en ligne, Emportée par mon élan s’avère une comédie pour le moins mordante sur une femme mûre qui mesure le temps passé et perdu alors qu’elle accompagne son fils aîné à l’autel pour y épouser Magalie, qui se situe dans la moyenne avec sa robe en carton, son air de je-sais-tout et son extraction bourgeoise. Union ratée, enfants décevants, famille-boulet, rêves avortés, Geneviève prend conscience de ce qui l’attend : elle aussi finira dans une urne funéraire, comme sa mère dont elle trimbale les cendres sous le bras.

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Réveiller son élan intérieur

Comment alors sublimer ces dernières années avant la mort ? Tandis que le mariage se déroule, photo de groupe, bénédiction nuptiale, champagne et gâteau, dancefloor, Geneviève décide d’inverser ce bilan peu glorieux, de réveiller la bête qui sommeille depuis trop longtemps en elle. Un élan qui l’emportera au cœur des forêts, loin de la connerie et de la méchanceté du monde, pour y retrouver sa fraîcheur, sa liberté, sa force … avant de disparaître. Un pétage de câble, diront certains. Mais drivé par Florence Muller, Emportée par mon élan s’avère une fable à la fois drôle, cynique et touchante sur la vie.

Énergie, vibration, sincérité

Auteur du texte, l’actrice, seule en scène, incarne Geneviève, Geneviève qui mène ce mariage comme si c’était le sien, qui envahit l’espace de son empressement gênant, de ses remarques acerbes, de ses névroses assumées. Comme une petite revanche, une étape à franchir vers la seconde et ultime partie de sa existence. Le jeu de la comédienne, dirigée par Julie-Anne Roth, est impressionnant, son énergie, sa vibration, son auto-dérision, sa sincérité. En arrière plan, Christian Hecq, échappé un instant de la Comédie-Française, a apporté son œil d’expert, histoire d’ajouter à la justesse du propos une véritable folie libératrice. L’ensemble est savoureux.

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France, 1899 : la Belle Époque. La IIIeme République, accouchée dans la débâcle de Sedan, sort de ses langes. Fragile, vacillante, constamment menacée par une extrême-droite virulente, violemment antisémite, excitée par la condamnation de Dreyfus, plus encore par la perspective de sa réhabilitation. Pour couronner le tout, Felix Faure, président de son état, vient de mourir de plaisir entre les lèvres de sa maîtresse, suscitant un scandale qui déséquilibre fortement le gouvernement et la crédibilité des parlementaires. C’est dans ce climat nauséabond que débute la série Paris Police 1900 pour nous conter, entre autres, les événements de Fort Chabrol. Et il faut reconnaître que la nouvelle production de Canal + fait ce qu’il faut pour nous prendre aux tripes.

Des valises sur la Seine

Des tripes justement, les huit épisodes de cette saisissante enquête n’en manquent pas, qui pataugent dans la boue sanglante des abattoirs de la Villette. Où on n’égorge pas que du bétail visiblement. Peut-être est-ce là qu’on a découpé cette mystérieuse jeune femme dont on retrouve les morceaux bien rangés dans deux valises flottant sur la Seine. Une énigme que le jeune inspecteur Jouin est chargé de résoudre, histoire d’alourdir un peu plus la charge émotionnelle qui terrasse ce grand sensible prompt à la bagarre et au coup de colère à chaque nouvelle scène de crime. Là aussi, il y a de quoi faire dans un Paris où pullulent prostituées, souteneurs, assassins, violeurs, drogués, maîtres chanteurs, émeutiers, informateurs …

Lépine, archange républicain

Les couloirs de la police judiciaire n’échappent pas à cette atmosphère d’intrigue ; tous les coups sont permis pour monter dans la hiérarchie, briguer la place de l’autre, accumuler du pouvoir … quitte à oublier la vocation première de la police qui est de protéger les citoyens. Une mission que la plupart des gardiens de la paix n’a pas tout à fait intégrée dans ses principes, et que le préfet Lépine, archange républicain d’une intransigeance exemplaire, va se charger de positionner comme socle idéologique d’une police moderne, efficace et fiable. Usage de la bicyclette et du téléphone, identité judiciaire, collecte des éléments de preuve sur la scène de crime, examen médico-légal … chaque épisode apporte son lot d’innovations.

https://youtu.be/P4BzlXazvrg

Crasse des bas-fonds, décadence des salons

Le bertillonnage est alors à la mode. Tout le monde y passe, criminels, racoleuses, femmes adultères, la préfecture au grand complet, les bourgeoises parisiennes en manque de sensation … Et pendant ce temps, le pogrom menace, un coup d’état s’orchestre dans l’ombre, … auquel notre inconnue, éparse dans sa valise flottante, n’est peut-être pas étrangère ? Brodant sur cette intrigue, Fabien Nury, scénariste de BD qui inscrit à son palmarès quelques pépites comme Je suis légion, W.E.S.T. ou La Mort de Staline, tisse une trame obscure et déjantée, où les actions se croisent, se recoupent, s’emmêlent dans un climat irrespirable qui vaut largement celui de Babylon Berlin. Crasse des bas-fonds, décadence des salons … Paris Police 1900, c’est Braquo en mode Art Nouille.

Rumeurs destructrices

Inspirée de faits réels, de personnages authentiques, la série donne à voir une période sismique, hystérique, où règnent les rumeurs les plus destructrices, comme en témoigne l’action des frères Guérin avec Drumont comme porte-étendard d’un nationalisme abreuvé de racisme, de sexisme, de superstitions. Très graphique, Paris Police 1900 doit beaucoup à ses interprètes. On retiendra, outre les acteurs principaux particulièrement investis dans une interprétation fiévreuse, Marc Barbé, imperturbable Lépine et son épouse borderline, incroyable Valérie Dashwood, Anne Benoit, mère louve exaltée, Yann Collette en vieux militaire complotiste, Christian Hecq dans la peau d’un Bertillon superstar.

Le cœur bien accroché

Pour résumer, Paris Police 1900 est à voir absolument, même si il faut avoir le cœur bien accroché sur certaines séquences intolérables : on y découvre une société au bord du gouffre, dans un monde en pleine mutation, où il ne fait pas bon être une femme, un animal, un miséreux, un gauchiste, un progressiste, un juif ou un étranger. Le pire ? On a le sentiment trouble que rien n’a changé au fil du temps. 2021 ressemble beaucoup à 1899 : avancée technologique incroyable, et régression dans la barbarie et l’intolérance. L’être humain est décidément incorrigible.

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https://www.canalplus.com/series/paris-police-1900/

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Chère Comédie-Française, merci. Merci d’avoir mis en ligne une programmation théâtrale digne de ce nom, afin de nous faire oublier pendant quelques instants précieux l’épidémie qui nous ronge. De momentanément mettre ce cauchemar entre parenthèses en nous faisant rêver sans nous abrutir, en nous élevant l’esprit, en refusant de nous considérer comme de simples consommateurs de produits culturels à séduire, de nous réduire au stade de vulgaires porte-monnaie tout juste bons à s’ouvrir pour acquérir des merdes dont nous n’avons finalement guère besoin.

C’est pourtant la carte jouée par un nombre incalculable de marques, qui y vont de leur comm’ racoleuse pour, derrière un covidwashing de façade, nous fourguer par plateforme de e-commerce interposée, des objets aussi inutiles qu’éthiquement contestables, et peu importe si on risque la santé des préparateurs, livreurs et postiers qui achemineront ces colis. C’est que, connectés par millions, nous constituons une cible facile, recluse entre quatre murs, en manque de ce shopping dont on nous a abreuvés comme si nos vies en dépendaient. Des méthodes de dealers qui profitent du temps de cerveau disponible pour nous y fourrer l’équation faussement vitale : tu es ce que tu as.

En deux semaines de programmation organisée dans l’urgence mais avec pertinence via la toile, chère Comédie-Française, tu as fait honneur à ta vocation de service public, tout comme nos soignants du reste. Divertir, émouvoir, questionner, initier … pour sûr, Molière, du haut de son nuage, doit être fier, les Béjart avec lui et tous les membres de la Grande Maison. En d’autres temps, à chaque épidémie, les théâtres étaient bouclés pour stopper la contagion et calmer l’ire divine. Aujourd’hui, les salles, obligées de nouveau de clore leurs portes, se propulsent sur internet pour aider la population à passer le cap. On fait avec les cyber-moyens du bord, en espérant élargir les publics, toucher le cœur et l’âme de ceux qui n’ont pas forcément accès au théâtre parce qu’ils le pensent trop élitiste.

La situation est grave, l’opportunité énorme. Le cerveau humain, bien avant d’être tronçonné par les méthodes du neuro-marketing, a compris comment domestiquer le feu, a créé la roue, bâti les pyramides. Il ne va pas encore longtemps se contenter d’acheter pour acheter. Avec un sens aigu de la programmation, chère Comédie-Française, tu as saisi la Fortune aux cheveux. Pour preuve, cette magnifique, merveilleuse adaptation du chef d’œuvre de Jules Verne, 20 000 lieux sous les mers jouée en 2018 au Théâtre du Vieux Colombier, que tu viens de rediffuser pour notre plus grand bonheur. Et avec un sens aigu des circonstances. Car tu ne pouvais trouver meilleur message pour fédérer.

Aux commandes de cette féerie steampunk, Christian Hecq et Valérie Lesort proposent une lecture fascinante et cocasse, où les humains donnent la réplique aux marionnettes pour conter les voyages sous-marins du capitaine Nemo et de ses invités à bord du Nautilus. Nous connaissons tous cette histoire, mise en images par Disney. Et pourtant … Ici tout est nouveau, surprenant, drôle. Superbement interprété, dans un décor particulièrement bien pensé … qui évoque l’intérieur majestueux du submersible … ou un grenier dans lequel s’amuseraient des gamins. C’est notre enfance qui soudain nous saute au visage, avec la joie d’un chien trop longtemps oublié. De l’insouciance, de la fantaisie, du rêve, disais-je …

Tu n’imagines pas, chère Comédie-Française, combien cela nous a ravis. Cela nous a fait du bien, vraiment. Profondément. Nous en avons tant besoin. Pour faire le vide, distancer la bêtise d’un monde que Nemo aurait haï sans aucun doute, lui le rebelle, le scientifique, si épris de justice et de liberté. Pour retisser du lien car ce spectacle peut être vu par tous, tous âges confondus. Pour reprendre un peu confiance dans l’humanité, car tant que nous pourrons imaginer des textes et des spectacles de pareille envergure, ma foi, nous ne serons pas complètement perdus.

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Il est flambant neuf, élégant, un brin coquin avec ses coquelicots, et orne la chevelure d’une belle dame en goguette au bras d’un fougueux militaire. Zim boum ! Au détour d’une allée du bois de Vincennes, le chapeau s’envole, au gré d’une étreinte passionnée pour finir … dans l’estomac du cheval de Mr Fadinard.

• Problème 1 : la dame au chapeau n’est pas mariée au militaire, et la perte du chapeau constituera une preuve solide d’adultère pour son soupçonneux mari.

• Problème 2 : Fadinard est en route pour sa noce avec la jolie Hélène, qui déboule, suivie de son papa poule prêt à rompre ses engagements s’il prend son gendre en défaut et de huit fiacres d’invités avides de fiesta.

• Problème 3 : le militaire désireux de sauvegarder l’honneur de sa maîtresse déboule chez Fadinard et investit les lieux, menaçant le futur mari de tout péter chez lui s’il ne retrouve pas un chapeau identique.

• Problème 4 : ce chapeau est unique ou presque, il ne s’en trouve qu’un seul autre semblable dans Paris.

Et Fadinard de suivre le couvre-chef à la trace, poursuivi par sa smala, dans l’espoir de le récupérer et de solutionner ce problème dont il a hérité à son corps défendant.

Voici les ingrédients de l’équation hystérique que Labiche va résoudre en cinq actes désopilants. Jouée pour la première fois en 1851, cette comédie irrésistible nous entraîne dans des situations ubuesques avant l’heure, qui ne souffrent aucune rupture de rythme et s’accommodent parfaitement d’un gros brin de démence. Plus difficile cependant d’en assurer la conversion temporelle, et de placer cette frénésie dans le monde contemporain, sans risquer de faire capoter l’ensemble et de sombrer dans le grotesque lourd et maladroit, sachant qu’en prime la pièce comporte des parties chantées.

En 2013, Giorgio Barberio Corsetti va pourtant s’y essayer avec succès, en entraînant la troupe de La Grande Maison dans une farandole abracadabrante aux accents 60’s, qui évoquerait un Jacques Demy sous acide. Au casting de cette version survoltée, Pierre Niney campe un Fadinard halluciné, qui rebondit de péripétie en péripétie avec l’agilité d’un Arlequin, Christian Hecq dans le rôle du beau-père et de son myrte, Danièle Lebrun en baronne passionnée de musique … bref l’ensemble est raccord dans l’exubérance, avec un moment d’anthologie quand Hecq et Niney massacrent allègrement « Le Hussard de la garde », transformant la chanson paillarde en morceau de musique bruitisto-rap.

Aucun temps mort dans cette course poursuite, même les saluts sont exaltés. Et le pari gagné : Labiche revisité par Giorgio Barberio Corsetti passe crème, on pourrait même dire qu’il y puise une seconde jeunesse, un petit quelque chose de la folie italienne à la Ettore Scola peut-être ? Tout en demeurant dans le degré d’exigence de la Comédie Française, tenue, élocution, pluridisciplinarité, qu’on trouvait déjà dans les mises en scène plus conventionnelles concoctées par Jacques Charon, Jean-Laurent Cochet ou Jean Le Poulain. Bref à la problématique : comment adapter les auteurs classiques pour qu’ils parlent au public contemporain sans perdre l’essence de leur discours d’origine, la Grande Maison a su apporter une solution idoine sans trahir ses engagements ni son ADN, ou son public. On ressort de ces deux heures ragaillardi et rigolard, avec le sentiment d’avoir partagé le plaisir pur de ces comédiens qui se prennent au jeu, s’y roulent comme des chiens fous et heureux.

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Pour son entrée au répertoire de la Comédie Française, Eric Ruf a voulu booster la pièce de Feydeau par une équipe de choc. Ainsi, c’est l’actrice comique Isabelle Nanty qui hérite de la mise en scène avec le couturier Christian Lacroix dans son sillage à la scénographie et aux costumes. Un beau duo qui joue la carte des grands espaces et de la nostalgie des contes pour propulser une version misant sur le thème de l’amour déçu … au risque d’écorner la sacro-sainte rythmique du vaudeville, frénésie dont il ne faut ralentir la vitesse sous aucun prétexte.

Or l’approche ici proposée, portée par un casting de haut vol avec Anne Kessler, Michel Vuillermoz, Jérôme Pouly et Laurent Lafitte pour ne citer qu’eux, aurait tendance à freiner la course d’obstacles que constitue cet exercice de style. Et Dieu sait s’il y en a, des obstacles, et des gros encore, sur la route de Pinglet, constructeur de son état, affublé d’une épouse on ne peut plus acariâtre, et qui louche avec appétit sur la compagne de son ami et associé. En effet Monsieur Paillardin délaisse sa femme, qui lassée, décide de tenter la grande aventure de l’adultère avec Pinglet. Profitant du départ de leurs conjoints, nos deux tourtereaux rallient l’Hôtel du Libre Échange dont le patronyme annonce les activités pour le moins coquines.

Jusque là pas de souci : mais le malicieux Feydeau va placer sur la route des amants une expertise d’architecte, un ami bègue affublé de ses filles à peine pubères, un neveu collégien venu réviser la théorie des passions de Descartes avec la bonne de la famille, des fantômes, une descente de police et autres fantaisies qui vont transformer cette roucoulade en véritable cauchemar. Il va falloir beaucoup d’énergie, de volonté et un sens de l’impro particulièrement aiguisé aux héros de cette infortunée escapade pour se sortir de l’ornière. Ils y parviendront bien sûr comme dans tout bon Feydeau qui se respecte, mais en frôlant l’infarctus à chaque réplique, chaque péripétie. Or c’est cette rupture d’anévrisme latente qui manque très sérieusement dans la version ici développée.

Au contraire on serait plutôt dans l’hypotension, avec des dialogues qui se traînent quand ils devraient claquer, des jeux de scènes et des mimiques qui alourdissent l’action, on pense notamment aux attitudes de Mme Pinglet/Anne Kessler qui très vite évoquent les caricatures de Claire Bretecher, aux accents de Mr Paillardin/ Jérôme Pouly qui se calent sur la diction des Deschiens. Seul à littéralement exploser en scène au point de bouffer tout l’espace, Christian Hecq incarne Mathieu magistralement, avec le ressort et la démesure qui lui sont propres, imposant sa frénésie à chaque entrée sur le plateau. Il apporte une dimension autre, ce côté personnage de cartoon survolté, qui tranche heureusement avec les interprétations plus classiques du théâtre de boulevard.

On aurait aimé que l’ensemble de la pièce soit de cette facture, comme le laisse entendre par ailleurs la prestation de Laurent Lafitte, parfait dans son rôle de concierge d’hôtel borgne. Les passages chantés étaient-ils nécessaires ? Eux aussi participent d’un ralentissement de la cadence, et c’est bien dommage, car dés que le rythme est là, le spectacle devient irrésistible.

Et plus si affinités

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