C’est un must du répertoire, LA pièce de Molière par excellence : depuis sa création en 1670, Le Bourgeois Gentilhomme a inspiré un nombre incalculable de mises en scène. En costumes d’époque ou anachroniques, collant au texte ou fantaisistes, c’est selon, mais toujours avec un enjeu : ne pas sombrer dans le ridicule ni le lourd. Et ce n’est pas évident du tout, surtout quand on décide de jouer la carte du burlesque. Il faut un maître pour rester en équilibre sur le fil ténu séparant la comédie de mœurs de la blague maladroite. À ce jeu, Christian Hecq et Valérie Lesort se révèlent virtuoses, accouchant d’un Bourgeois Gentilhomme d’exception.

Clownesque

Tourbillon burlesque : cela résume assez bien cette lecture complètement dingue, où l’or dialogue avec le sombre, où les tables se transforment en podium, où les plats se mettent à chanter, où les costumes mêlent la démesure de Jean-Paul Gaultier et la majesté du cirque. Objectif : la farce moliéresque doit sauter à la face du spectateur et le faire hurler de rire. Mission accomplie au terme d’une heure trente de spectacle complètement clownesque.

On connaît l’histoire, désormais enracinée dans le patrimoine littéraire français : Monsieur Jourdain, bourgeois richissime, rêve de grandeur aristocratique. Cela implique les cours de danse, musique, escrime, philosophie, l’habit de cour et la conquête de la jolie Dorimène. Cela implique de marier sa fille à un noble, même si elle est amoureuse de Cléonte qui le lui rend bien. Cela implique surtout d’attirer à soi nombre d’escrocs qui exploitent cette passion dévorante et plument ce marchand naïf à qui mieux mieux.

Molière Underground

À partir de là, le tandem Hecq/Lesort s’offre un pur délire, une version jouissive, ludique, emportée cadencée par les accents tziganes d’un orchestre qui n’a rien à envier aux rythmes de Goran Bregovic. Il y a d’ailleurs un peu de la dinguerie du cultissime Underground de Kusturica dans la dérive grandiloquente d’un Jourdain ingérable, empêtré dans sa folie et que personne n’arrive à raisonner. Un Jourdain remarquablement interprété par Hecq lui-même, au mieux de sa forme pour mener ce véritable marathon scénique.

Dans son sillage, Alain Lenglet, Sylvia Bergé, Françoise Gillard, Véronique Vella, Laurent Stocker, Gaël Kamilindi, Yoann Gasiorowski, Jean Chevalier, Marie Oppert, Clément Hervieu-Léger, Nicolas Lormeau. Avec un petit plus pour de grands effets, j’ai nommé Mister Guillaume Gallienne, sidérant dans le rôle du maître de philosophie… et d’un palmier qui danse. Bref, si vous avez besoin de vous vider la tête intelligemment, si vous êtes en manque de fantaisie, de délire, regardez Le Bourgeois Gentilhomme made in Hecq/Lesort. Vous allez adorer !!!!

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Pourquoi ce soudain intérêt pour le ukulélé ? Peut-être parce que je viens de revoir Certains l’aiment chaud de Billy Wilder ? Et que Marilyn Monroe grattant frénétiquement son ukulélé en entonnant « Runnin’ wild » m’a donné envie de m’y mettre ? En tout cas, de m’y intéresser ? Who knows ? En tout cas, force est de constater que ce petit instrument, qu’on a désormais tendance à trouver au rayon « Jouets » ou « Musique » des enseignes culturelles comme  Bax Music , en a pourtant sous le capot. On l’associe aux plages ensoleillées d’Hawaï, ce qui n’est pas faux, mais c’est ignorer le potentiel et le parcours d’un élément iconique de la culture pop.

Du Portugal à Hawaï

Qui dit « ukulélé » dit Hawaï. Le terme signifie littéralement « puce sautillante ». Une manière pour le moins poétique de désigner l’agile vivacité des doigts des musiciens sur les cordes. Une autre interprétation culturelle existe : « uku » signifie « cadeau » ou « récompense », et « lele » signifie « voler » ou « sauter ». Certains Hawaïens voient donc le ukulélé comme un « cadeau qui vole », en référence à sa capacité à transmettre des émotions et à voyager d’une âme à l’autre. Bref, étymologiquement, le ukulélé est empreint de joie, de liberté, de malice… et de croisement patrimonial ?

Sa naissance a en effet tout du conte de fées exotique. À la fin du XIXᵉ siècle, des immigrants portugais originaires de l’île de Madère débarquent à Hawaï. Dans leurs valises, un petit instrument à cordes appelé « braguinha », proche du cavaquinho portugais. Les Hawaïens sont immédiatement séduits par le son de cet instrument ; ils l’adoptent et le rebaptisent « ukulélé », probablement fascinés par le jeu des doigts sur les cordes.

Un symbole culturel

Le ukulélé ne va pas se contenter de son île. Très vite, il sort d’Hawaï au gré des échanges maritimes qui s’y déroulent, franchit les mers et les océans pour venir animer San Francisco et son Exposition universelle de 1915 ; le pavillon hawaïen a en effet eu l’idée pour le moins ingénieuse de lui donner la vedette. Succès au rendez-vous : le ukulélé s’impose comme le porte-étendard et le symbole de la culture hawaïenne. Et devient une source d’inspiration pour les artistes américains.

Durant les Années folles, Cliff “Ukulele Ike” Edwards, Roy Smeck, Laurel et Hardy, Buster Keaton, les ukulélistes prolifèrent aux USA, certains fondant l’ensemble de leur carrière et de leur succès sur l’usage du petit instrument si riche en effets mélodiques et comiques. Le ukulélé va aussi s’exporter en Europe : ainsi Maurice Chevalier va carrément promouvoir une méthode d’initiation en dix minutes.

Le sens de l’adaptation

Elvis Presley, John Lennon, Joni Mitchell, Eric Clapton, Brian May… le ukulélé va perdurer dans le temps en s’infiltrant notamment dans la sphère du rock et de la pop musique. Aujourd’hui encore, il continue d’inspirer des pointures comm Israel Kamakawiwo’ole et son célèbre medley « Over the Rainbow/What a Wonderful World » ou Jake Shimabukuro (dont l’interprétation de « While My Guitar Gently Weeps » prouve que le ukulélé peut rivaliser avec les guitares électriques les plus hurlantes). Eddie Vedder de Pearl Jam, lui consacre même un album entier en 2011 : Ukulele Songs élève alors l’instrument au rang d’icône indie.

Un beau parcours, n’est-ce pas ? Pas un hasard du reste si le ukulélé plaît tant. Compact, facile à prendre en main avec ses quatre cordes, orné parfois de couleurs acidulées, il attire les débutants qui veulent apprendre la musique sans y laisser leur compte en banque ni envahir leur séjour. C’est que ce petit instrument est facile à apprendre. Et puis il a su s’adapter remarquablement. S’il est initialement fabriqué en bois de koa, une essence locale hawaïenne, on trouve des versions en plastique dès les années 1950, ce qui le rend accessible aux petits budgets.

Un monde sonore

Un jouet ? Que nenni. Sous cette apparente simplicité se cache un monde sonore infiniment riche, capable de mêler la mélancolie des ballades à l’énergie brute du rock’n’roll. Nul besoin d’être un virtuose pour s’en emparer : quelques accords suffisent à transformer un dimanche pluvieux en fiesta improvisée. Le ukulélé apporte une légèreté bienvenue dans un monde souvent lourd et bruyant. À la fois intime et universel, il peut être mélodieux ou dissonant, acoustique ou amplifié. Il ne se contente pas d’être un simple instrument : il devient un prolongement de celui qui le joue, un moyen d’exprimer sa créativité sans limites.

Récapitulons : le parcours du ukulélé, de ses racines modestes à son statut d’icône musicale mondiale, illustre sa capacité à transcender les cultures et les époques. Plus qu’un simple instrument, il est le symbole d’une fusion réussie entre tradition et modernité. Revenons à Marilyn et son ukulélé, dans Certains l’aiment chaud : le ukulélé y apparaît drôle, charmant, déroutant, terriblement efficace quand il s’agit de capter l’attention, de transmettre une émotion. Que vous soyez fan de punk rock, de jazz, de pop acidulée, attrapez un ukulélé et laissez-vous emporter. Car comme le prouve Marilyn, parfois, il suffit de quatre cordes pour donner le ton !

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L’univers des chevaliers vous fascine ? Alors direction Paris pour une escale grandiose au Musée de l’Armée. Niché dans l’iconique Hôtel des Invalides, le passé martial de la France s’y étale dans toute sa splendeur, des premiers chevaliers aux généraux napoléoniens.

Un sanctuaire de l’histoire militaire

Rappelons que l’Hôtel des Invalides est un lieu chargé d’histoire. Construit sous Louis XIV pour recueillir les soldats blessés et vieillissants, il abrite aujourd’hui plusieurs musées et collections exceptionnelles, dont le Musée des Armées, véritable coffre au trésor des arts et techniques de la guerre. Mais attention, ici, pas de glorification aveugle : on explore les codes, les évolutions, et surtout l’humanité derrière les armes.

Pour rester dans le thème des chevaliers, cap sur la galerie des armures anciennes. Une collection phénoménale, où les harnois étincelants semblent tout droit sortis d’une épopée médiévale. Ces armures racontent bien plus que des batailles : elles dévoilent les avancées technologiques, les enjeux de pouvoir et même la mode de l’époque. Car les chevaliers avaient aussi leur sens du style.

La chevalerie à travers les siècles

Ce qui frappe, c’est la filiation entre les chevaliers et les figures militaires ultérieures. Le code d’honneur, la discipline, l’art du combat : tout cela s’est métamorphosé, mais reste profondément ancré dans l’identité militaire. La visite nous transporte à travers les siècles, montrant comment la noblesse de la chevalerie a influencé les soldats des temps modernes.

Entre les armes, les armures, les peintures monumentales et les reconstitutions, le Musée des Armées offre une immersion totale. Mention spéciale aux spectacles audiovisuels et parcours interactifs, qui donnent vie à des siècles d’histoire. Et puis, comment ne pas évoquer la majesté de la coupole dorée des Invalides, qui ajoute un supplément d’âme à l’expérience ?

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site du musée de l’Armée.

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Excalibur (1981) : plus qu’un film, une œuvre magistrale qui a redéfini à jamais la légende arthurienne. Cinéaste audacieux et visionnaire à qui l’on doit entre autres Zardoz et Delivrance, John Boorman a transfiguré le mythe pour en faire une fresque brutale, mystique. Une référence.

Magie et sauvagerie

L’histoire, on la connaît. Un jeune écuyer, fils bâtard et caché d’un roi destructeur, dégaine une épée magique coincée depuis des lustres dans un rocher d’où personne n’avait pu la déloger. L’écuyer devient le roi Arthur, fédérateur et juste. Mais le Mal, la trahison le cernent, l’écrasent, le plongeant dans la douleur ; avec lui l’ensemble du pays sombre dans un gouffre de souffrance. Il devra combattre les forces obscures, triompher par son sacrifice pour ramener la vie dans le monde.

Christique : l’histoire du roi Arthur, avec en son sein la quête du Graal, est fondatrice de la chevalerie dont elle va inspirer les codes. C’est aussi un pilier de la culture littéraire occidentale, un mythe incontournable. Qui va s’éroder avec le temps avant que Boorman ne le réveille. Avec violence. Car sa vision si elle est teintée de magie, de sorcellerie, est aussi d’une grande rudesse. Les armures que portent les acteurs sont lourdes, ô combien, les combats d’une rare sauvagerie.

Une chevalerie revisitée

Loin des récits édulcorés, Excalibur explore une chevalerie âpre et féroce. Boorman ne s’intéresse pas qu’aux affrontements ou aux questions d’honneur : il plonge dans les zones d’ombre, les failles humaines, les contradictions de ses héros. La Table ronde se révèle un idéal impossible à maintenir ; la quête du Graal s’avère une métaphore spirituelle lourde de sacrifices.

Ce réalisme cru contraste avec la dimension mystique omniprésente : Merlin, énigmatique, excentrique même, semble détaché des notions humaines de bien et de mal ; l’épée Excalibur devient un totem, un lien sacré entre l’homme et le divin. Les mains diaphanes de la Dame du Lac, les incantations maléfiques de Morgane… Boorman mêle le sacré et le profane, comme les chevaliers eux-mêmes, écartelés entre des idéaux élevés et leurs passions terrestres.

Une œuvre d’art totale

Visuellement, Excalibur est une claque. Il ne peut en être autrement. Les armures scintillantes capturent chaque rayon de lumière, des éclats verts qui captent la nature qui les cerne, transformant ces guerriers en figures presque surnaturelles. Les scènes de bataille, chorégraphiées avec une brutalité réaliste et sanglante, contrastent avec des moments d’onirisme pur, où le temps semble suspendu.

La musique amplifie la puissance du film, le haussant au stade du récit épique d’envergure. Wagner et Orff dominent la bande-son, conférant une dimension opératique à l’ensemble. L’iconique Carmina Burana lors des batailles est ainsi devenu indissociable de l’imagerie arthurienne. Chaque note, chaque image, chaque dialogue paraît taillé pour graver la légende dans l’éternité.

Un pari fou

La genèse du film vaut le détour. Boorman rêvait depuis longtemps d’adapter Le Seigneur des Anneaux ; faute d’accord avec Tolkien, il s’est tourné vers Le Morte d’Arthur de Sir Thomas Malory (un texte fondateur de la mythologie arthurienne). Cette contrainte s’est révélée une bénédiction : elle a donné naissance à un projet où les ambitions du réalisateur pouvaient s’exprimer pleinement.

• Tourné en Irlande, le film s’appuie sur des paysages d’une beauté stupéfiante (Boorman sait filmer la nature, en saisir la vibration, la puissance dévastatrice), qui posent le cadre sublime de ce conte où lumière et osbcurité s’affrontent.
• L’équipe inclut des noms désormais mythiques : Nigel Terry en roi Arthur, Helen Mirren en Morgane, Nicol Williamson en Merlin… Un casting brillant, complété par de jeunes talents alors inconnus comme Liam Neeson ou Gabriel Byrne.
• Mais c’est la direction artistique, avec ses armures étincelantes et ses jeux de lumière presque divins, qui marque durablement les esprits.

À sa sortie, Excalibur divise : trop dense, trop étrange, trop baroque pour certains. Mais c’est justement cette singularité qui va en faire une œuvre culte. Le film a influencé des générations de réalisateurs et d’artistes ; il reste une référence incontournable de la culture geek et du monde cinéphile.

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Manon Lescaut : ce roman n’est pas seulement une lecture obligée pour les lycéens préparant leur bac, c’est une véritable pépite de la littérature française. Publié en 1731 par l’Abbé Prévost, ce chef-d’œuvre ancré dans la première partie du siècle des Lumières a traversé les siècles sans perdre une once de son éclat. Histoire d’amour et de déchéance, tragédie psychologique, plongée dans un univers marginal, ce tourbillon émotionnel possède différentes facettes qui font sa singularité.

Une passion tumultueuse

Posons le cadre : Des Grieux, jeune noble destiné à entrer dans les ordres, tombe éperdument amoureux de Manon Lescaut, une toute jeune fille d’une beauté envoûtante et d’un caractère pour le moins complexe. Leur passion, tumultueuse et semée d’embûches, va conduire le jeune garçon aux pires extrémités. Joueur, tricheur, voleur, assassin, il fera tout pour préserver sa relation avec une Manon pourtant bien légère, prompte à séduire, à trahir, à abandonner. Ensemble, ils connaîtront bien des revers, fuyant jusqu’en Louisiane où se scellera leur tragique destinée.

Un roman à plusieurs facettes

Une histoire d’amour intense et déchirante : ce roman n’aurait pas lieu d’être sans cette relation enflammée qui brûle tout sur son passage. Cet amour sans compromis, qui défie les conventions et les lois, rappelle que les passions humaines sont universelles, intemporelles, et que personne ne peut y échapper. Mais Manon Lescaut, c’est aussi un roman d’aventures, pour ne pas dire un roman picaresque. Les deux amants vont connaître bien des revers, perdant leur argent, connaissant la prison, s’évadant, forcés à l’exil. À chaque chapitre, une nouvelle épreuve à surmonter. Les paysages changent, les dangers se multiplient, mais toujours Des Grieux doit affronter le sort pour conserver sa chère Manon.

Des Grieux : une énigme psychologique

Des Grieux justement : narrateur désespéré d’un amour mort, il occupe la place centrale du livre, tandis que l’auteur donne à voir sa folie passionnelle, sa lente déchéance. Cette plongée dans les méandres d’une âme humaine aussi ardente que pitoyable, dévoile des dilemmes moraux douloureux, des réflexions à la fois profondes et torturées sur le destin et la faiblesse d’âme. Si Manon est un modèle d’ambiguïté, à la fois victime et manipulatrice, fragile et forte, Des Grieux est un héros de roman d’apprentissage avant l’heure, une sorte de Frédéric Moreau du XVIIIᵉ siècle, voué à l’échec, grandi par la perception de sa chute.

Un reflet de l’auteur ?

Difficile de ne pas percevoir dans les traits de ce jeune héros l’ombre d’un auteur qui a lui-même vécu une vie pour le moins décousue. Moine défroqué, soldat, écrivain, l’abbé Prévost a constamment hésité entre la vie monacale et les plaisirs de la séduction. Son existence, aussi mouvementée que celle de ses personnages, a été marquée par l’errance et les passions dévorantes qui transparaissent dans ses écrits, ce qui apporte un petit côté vivant et crédible à son récit. La dualité de Des Grieux, tiraillé entre raison et passion, vertu et vice, à la fois grand de cœur et prompt au mensonge et à la manipulation, se teinte alors de récit autobiographique, avec en perspective une invitation à la méditation pour chaque lecteur.

Une lecture télévisuelle fidèle

Récit à multiples facettes, mêlant aventure, amour et introspection psychologique, Manon Lescaut a maintes fois été adapté à l’écran, avec plus ou moins de liberté de ton. Histoire du chevalier Des Grieux et de Manon Lescaut, en reprenant le titre initial du livre, propose une lecture télévisuelle d’une rare fidélité et dans les péripéties relatées et dans le ton adopté. Tourné en 1978 par Jean Delannoy avec une Fanny Cottençon troublante de candeur et un Franck Cabot-David vibrant de passion et de fragilité, la série n’a rien perdu de son charme ni de sa justesse. Peut-être est-ce dû à la plume de Jean Anouilh qui signe là une adaptation scénaristique particulièrement réussie ?

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Une trouvaille dans le sillage du très orléanais Hop Pop Hop 2023 (eh oui, les festivals, ça sert aussi à ça) : Decius nous arrive dans la gueule à la vitesse d’un X-wing pourchassé par un T-Rex intergalactique rose fluo. C’est un peu le ressenti. Pink, perché et dévorant.

Acid house tétanisante

Decius donc, empereur romain resté dans les mémoires pour avoir persécuté les chrétiens dans faire de détail avant de mourir sur le champ de bataille face aux Goths. On ne choisit jamais un nom de groupe par hasard. Aux origines du projet : Lias Saoudi from Fat White Family, la fratrie May de Trashmouth records et Quinn Whalley échappé de Warmduscher. Le quatuor accouche d’une électro coup de poing, tétanisante acid house matinée de techno ravageuse.

Écoutez « Look like a man », « Macbeth », « House of Con-Fu-Sion », « Gay futures »l’intégralité des EP Masculine Encounter, Rupture boutique, Bread & Butter : il y a de quoi bien s’étourdir les tympans. Le groupe est pour le moins prolixe, assénant ses beats comme un chevalier médiéval, sa masse d’arme, sa hache à double tranchant. Pas de quartier ! Le projet est ultra-queer pour sûr, pour autant bien couillu. Le tout s’avère foutrement efficace, méchamment virulent, déconstruit et orgiaque. J’insiste : car le côté très cohérent de la décadence assumée s’affirme en live.

Un show convulsif

Inspiré par Marc Almond, Lux Interior et Pierre Molinier, Lias Saoudi aborde la scène en slip à paillettes noir (quand il n’est pas en couches culotte), faux cils et rouge à lèvres pour un show sexy en diable, convulsif, hypnotique. Une transe. Venu exprès de Londres pour rallier la ville de Jeanne d’Arc, la Decius team investit la scène de l’Évêché (soit celle qui se trouve pratiquement aux portes de la cathédrale d’Orléans, dans le jardin attenant) à l’heure où les sorcières s’accouplent avec les démons, déclenchant une véritable bacchanale. 

Ironie du sort et de la programmation, volonté délibérée de choquer ? Décalé, décadent, dérangeant, le live de Decius et aussi sacrément enivrant, il faut bien le confesser. De quoi faire frémir d’horreur les bien pensants, déclencher un exorcisme public ! « Paradise is what you’re looking for » : reste à savoir ce qu’on est prêt à faire pour y parvenir. Tentateur, Saoudi et ses sbires savent, la preuve par le live, comment nous faire sombrer sans même que nous ayons le temps de réagir. Le pire ? Ils adorent ça, et nous aussi.

Et plus si affinités

Pour explorer l’univers musical de Decius, consultez le site web du groupe, son Bandcamp ainsi que son Soundcloud.

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• 2 jours
• 3 lieux
• 4 scènes
• 30 artistes
• et un challenge : imposer une prog de talents émergents !

Tu veux faire le plein de good vibes et de sons tout frais, de vibrations inédites et de chair musicalement fraîche ? Le festival Hop Pop Hop est fait pour toi. Et l’édition 2023 devrait particulièrement t’accrocher les tympans.

Pas une seule grosse tête d’affiche

Pas une seule grosse tête d’affiche accrochée au fronton du line-up du très orléanais Hop Pop Hop. Et pourtant, le festival initié en 2016 par la SMAC locale L’Astrolabe fait le plein chaque année, s’offrant même le luxe de résister à la vague covidienne. Il fallait le faire ! Il faut dire qu’aux commandes, on trouve un certain Fred Robbe. Fin connaisseur de la scène musique actuelle internationale, ce grand monsieur n’a eu de cesse, sa carrière durant de valoriser les jeunes talents.

Et il a un flair acéré pour ça, il faut bien le reconnaître ! Audacieux, enthousiaste, la tête sur les épaules : un vrai pro qui n’hésite pas à miser sur les projets les plus inattendus. Pour tout dire, ce fut le premier que nous avons croisé et interviewé durant notre premier Printemps de Bourges en 2011 (The ARTchemists venait de naître, pourtant il nous a fait confiance) : il portait alors le projet FUMUJ, groupe avec lequel il avait testé des installations permettant à des publics malentendants de sentir la musique.

Une prise de risque stylistique et financière ?

Convaincu, passionné, un chevalier JEDI qui continue à défricher inlassablement le chemin pour permettre à des groupes, des artistes d’éclore et de fleurir. Pas évident car beaucoup prétendent aujourd’hui à devenir musiciens, seulement tous n’ont pas l’étoffe, la créativité, la solidité pour ça. Il revient donc à des programmateurs comme Robbe :

• d’évaluer la durabilité des projets, leur portée et de faire le tri en amont
• de choisir volontairement des line-up moins prestigieux que les poids lourds type Rock en Seine.

Une prise de risque stylistique et financière ? Pas forcément. Il y a une place pour des festivals comme Hop Pop Hop qui servent de rampe de lancement aux Blur du futur tout en initiant des publics qui n’ont pas forcément accès aux grands festivals (ni les moyens pour se payer des billets devenus inabordables). Grands festivals par ailleurs tenus à des impératifs de rentabilité absolue. Bref, si tu veux trouver des valeurs sûres dans un paysage musical sursaturé par des produits musicaux formatés, sans couleur ni odeur, c’est vers des events type Hop Pop Hop qu’il faut te tourner !

Un décloisonnement à marche forcée

En matière de musicos bourrés de talent et de potentiel, l’édition 2023 de Hop Pop Hop n’en manque guère. Pour tout dire, je peine à choisir des favoris dans les trente noms qui composent l’affiche, ce qui est rarissime pour votre humble servante. Ils viennent des quatre coins de la planète, s’illustrent dans des genres différents, mais sont tous des flèches, des pointures. On va donc la jouer en mode transversal, et tenter une synthèse qui sera forcément castratrice.

Première claque : le grand écart stylistique opéré par la prog a tout pour te faire vivre un grand huit émotionnel. Cela se traduit par :

• Les belges de Sons, dont je savoure quotidiennement ou presque le tripant « Succed » en tête de ma playlist. Fleuron post punk chargé d’adrénaline, le quatuor déploie ici et comme à son habitude une énergie acide qui te bouffe le cerveau, les oreilels et les tripes. Grand moment !
• Aux antipodes, on trouve la douceur de Radio Hito, projet d’une infinie douceur porté par la très inspirée Zen My Nguyen, ses claviers, ses paroles en italien.

Et les deux jours de Hop Pop Hop sont comme ça : un éventail de ressentis particulièrement forts, une explosion des codes, des définitions, des émotions. Bref un décloisonnement à marche forcée qui fiche un grand coup de latte dans la pétaudière des hits pré-formatés dont on nous gave à longuer de post Insta. Oxygénation intellectuelle en urgence : HPH remplit sa mission d’ouverture des méninges avec un succès incontestable, et nous rappelle au passage que la musique, ce n’est pas que la daube infecte dont nous alimentent les algorithmes.

Tendances à suivre !

Ce qui m’amène à un deuxième constat : vive les mélanges, les croisements, les expérimentations. Ici les genres bougent, nous sommes dans un labo où chaque artiste donne à voir sa manière de trafiquer les styles pour accoucher d’un projet bien à soi, dans lequel chaque spectateur se reconnaître.

• À ce titre, la Botte est ici représentée de manière dynamique par des pépites comme l’electro Dame Area ou Ada Oda (un groupe belge qui chante en italien) et son rock en lame de rasoir, preuve que la patrie de Dante n’a rien perdu de son mordant.
• L’Ailleurs enraciné dans l’Ici ? Kutu, Nana Benz du Togo, Etran de l’Aïr, trois façons de mêler grattes, synthés, machines et folklore, de repenser intégralement les musiques du monde, l’influence ethnique.
• La poésie des sons ?
  • Borja Flame et son approche onirique de la compo sur laquelle s’enroulent des textes en espagnol ;
  • Hippie Hourrah, venu de son Canada natal avec une valise de compos psyché ciselées comme de magnifiques hanaps de cristal ;
  • Nikola qui branche un rock en apparence sage avec un flow rap ; l’effet est plus que séduisant.
• Power duos are the best !
  • O. : Une fille, un garçon, des drums, un saxo = un power duo en apparence allumé, en fait structuré à la note près, qui hybride rock, jazz et dub sans faire de quartier. D’une efficacité redoutable !
  • Elles sont punk, elles sont deux : Grife. Diane et Victoria, une basse, un tom, un goût affirmé pour le tronçonnage comme syndrome prémenstruel. Génial et guttural, des guerrières qui ont la langue et le mediator bien pendu !
• Vive ces dames justement : pas de bonne prog sans une focale sur la prod au féminin. On retiendra quatre noms
  • Cate Hortl et son électro glaciale comme la banquise avant le réchauffement climatique, à moins qu’il ne s’agisse d’une lame de guillotine suspendue dans l’air, prête à frapper ?
  • Lisa Ducasse, venue de son Île Maurice natale avec des mélodies envoûtantes de sirène mélancolique en mal d’amour.
  • Eloi, des textes dark, des cadences torturées, une dark pop matinée de minimal et une tendance certaine à brûler ses rêves comme ses ours en peluche.
  • Alice : trois Suissesses, un synthé, une boite à rythme, des textes mélancoliques faussement candides, poignants de souffrance contenue, pudiques… et un sens certain de la mise en scène rentre dedans avec de tout petits moyens. Arte Povera vaincra !!!!
• Accords bruitistes avec les Anglais de Maruja, les Irlandais de Gilla Band, le belge Bothlane : trois façons d’aborder la distorsion mélodique comme un art de vivre, de penser, de dévorer la mélodie

C’est un bref aperçu que j’effectue ici, le mieux est encore d’être sur site et de se laisser porter d’une scène à l’autre pour savourer les prestations scéniques de tout ce petit monde. Car un bon live ne ment jamais. Cela entre aussi dans l’équation. Là aussi, mission accomplie. Après deux jours de festoches, nous revenons avec le plein de talents à suivre, de musiques à écouter/réécouter pour le meilleur du meilleur ! Mission accomplie pour Hop Pop Hop 2023 et à l’année prochaine !

Et plus si affinités

Pour suivre l’actu du festival Hop Pop Hop, voir les photos de l’édition 2023 et vous informer de l’édition 2024, suivez le site de l’événement ainsi que son compte Instagram.

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La pièce Collaboration date de 2008. Ronald Harwood complète ainsi A torts et à raisons publié en 1995 et qui évoque le procès en dénazification du chef d’orchestre Furtzwängler. Creusant le thème de l’artiste confronté à la folie du nazisme, le dramaturge anglais revient sur la coopération entre Richard Strauss et Stefan Zweig, coopération menacée par l’arrivée au pouvoir d’Hitler. La pièce explore ainsi la question de la créativité confrontée à cette fameuse Bête, issue d’un ventre malheureusement toujours fécond, et dont Brecht stigmatisera la récurrence dans La Résistible ascension d’Arturo Ui.

Un besoin viscéral de produire

Le nazisme, la monstruosité froide et calculatrice, inhumaine ou trop humaine : nombre d’artistes eurent à affronter, souvent balayés, écrasés par ce vent de folie. Comme Brecht, l’auteur autrichien Stefan Zweig prendra le chemin de l’exil pour survivre, signifier son refus d’intellectuel et d’humaniste ; le compositeur Richard Strauss, lui, restera en Allemagne, soutien d’un régime qu’il croit pouvoir manipuler. Deux actions ratées : Sweig se suicidera, Strauss sera avalé par le système. Leur collaboration ne survivra pas à cette tempête. C’est cette histoire tragique qu’autopsie Harwood dans cette pièce terrible.

Ces deux sommets de la créativité exacerbée s’étaient rencontrés, avaient sympathisé, décidé de travailler ensemble sur un opéra, La femme silencieuse. L’un comme compositeur, l’autre comme librettiste. Strauss, génie musical en mal d’inspiration, dévoré par les notes qui martelaient son cerveau, avait un besoin viscéral de produire. Il sollicitera Sweig, introverti, émotif et maniaque, pour lui modeler une histoire et rétablir le processus d’écriture. En admiration devant l’auteur du Chevalier à la Rose, Sweig hésitera d’abord, … puis foncera.

Une histoire d’amitié

Ces deux artistes vont faire fi de leurs peurs, de leurs égoïsmes de créateur et travailler ensemble. Se tolérer. S’accepter. Faire des concessions qu’ils n’accorderaient pas même à leurs compagnes. Devenir amis. Jusqu’à ce que Hitler prenne le pouvoir. Je n’en dirai pas plus sur l’intrigue. Mais sachez qu’en s’attaquant à ce sujet épineux, le dramaturge Ronald Harwood propose un regard à la fois drôle, tendre et pénétrant sur cette histoire d’amitié et le contexte historique qui va la mettre en péril.

Fidèle au principe des poupées russes du metteur en scène Giorgio Strelher (une expérience personnelle englobée dans un passage d’Histoire englobé dans la tragédie de l’Humanité), Georges Werler en 2011 s’empare du sujet et lui apporte les nuances du cœur, les résonances émotives, le relief des doutes. Michel Aumont en Strauss, Didier Sandre en Sweig : choix on ne peut plus judicieux que ces deux interprètes qui prêtent à leurs prestigieux personnages des visages humains, des voix, des intonations, une vibration intérieure. Sans pour autant dévorer tout l’espace, se situant en équilibre entre la relation intime et les évènements extérieurs qui grondent, les prises de conscience et la façade sociale.

Face à la machine nazie

Les autres acteurs évoluent autour d’eux en cercles concentriques, les épouses d’abord jouées par Christiane Cohendy et Stéphanie Pasquet, Mme Strauss qui a toujours couvé son mari et se caractérise par un franc-parler et une personnalité de dominante qui pliera à peine devant les officiers SS, Mme Sweig à l’inverse si effacée qu’elle refusera même que son mari cite son nom sur la lettre d’adieu où le couple annonce son suicide (moment fort et subtil à la fois).

Et puis les autres, dont notamment l’émissaire de Goebbels, dont les menaces à peine voilées piègent Strauss au moment où le compositeur s’y attend le moins : la scène est effrayante de justesse et en quelques instants, on saisit le caractère impitoyable de la machine nazie, pourquoi tant d’individus se sont retrouvés écrasés ou embringués malgré eux. Est-il possible de choisir son camp devant pareille manipulation ? La seule solution est-elle la fuite ?

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Créativité et conflits intérieurs

Et Ronald Harwood de mettre alors en perspective le besoin irrépressible de créer qui secoue l’artiste et l’amène soit à refuser en bloc ce système car il en a perçu les ténèbres dévoratrices, soit de s’y plier tout en s’enfermant dans sa bulle d’imagination, en pensant que l’orage va passer. Il passera certes, mais à quel prix. Décors subtils, discrets et intimistes, lumières et ombres, costumes entre couleurs de terre pour Sweig et bleu marine/noir de la diplomatie et de l’effacement pour Strauss, tout est mis en œuvre pour placer au centre de la démarche les conflits intérieurs des deux artistes et ce lien ténu mais indéfectible de la création engendrée à deux.

Cette mise en scène de Collaboration datée d’il y a plusieurs années n’a pas eu l’heur d’être préservée en DVD ou disponible en streaming. C’est fort dommage car le récit de Harwood a beau s’ancrer dans une période spécifique, il est intemporel, toujours d’actualité. N’hésitons pas alors à lire ses mots, à parcourir les scènes de ce texte remarquable, pour en méditer le message. On trouvera une version en anglais et un numéro d’Avant-Scène Théâtre consacré à la traduction de la pièce ainsi qu’à la mise en scène de Werler.

Et plus si affinités

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C’est le propre des grands mythes que de poser beaucoup de questions et de faire couler beaucoup d’encre. Star Wars n’échappe pas à cette règle d’or. Depuis 1977 et la sortie du premier opus de ce space opera d’anthologie, on ne compte plus les publications qui dissèquent par le menu et sous tous les angles le chef-d’œuvre consacré de George Lucas. Parmi cette bibliographie conséquente, soulignons l’existence de deux tomes de la série Agir et penser comme… publiés par les éditions Opportun et dédiés à Dark Vador et Maître Yoda.

Passer au crible des méthodologies contraires

On ne peut faire plus antithétique que ces deux personnages phares de la saga Star Wars. Les deux Jedi illustrent de façon magistrale et chacun à sa façon les côtés lumineux et obscur de la force.

• Yoda, petit, vert et grandes oreilles, grammaire inversée mais redoutable escrimeur, sage, posé, pédagogue rigoureux, patient, intègre, méfiant également.
• Dark Vador, grand, noir, masqué, armure de samouraï électronique aux allures de chevalier fasciste, mi-homme mi-machine, qui fait régner la terreur jusque parmi ses lieutenants qu’il étrangle à la moindre erreur.

Visiblement très sensibles à ces deux icônes, Gwendal Fossois et Fred Staal, en fin connaisseurs de la tétralogie, leur consacrent deux ouvrages dans lesquels ils passent au crible ces méthodologies contraires, qui néanmoins peuvent inspirer nos chemins de vie. Avec autant de pertinence que d’ironie, les auteurs interrogent les philosophies que portent Yoda « sage, respectueux, puissant, curieux, mystérieux, iconique… » et Vador, « stratège, mystérieux, manipulateur, persévérant, puissant… ». Duquel nous réclamons-nous ? Lequel aimerions-nous être ? Lequel pourrait nous inspirer ?

Dégager des voies pédagogiques inédites

Et si la réponse était, non dans la confrontation, mais dans l’hybridation ? Et s’il y avait du bon à prendre chez Vador, des zones plus opaques chez Yoda ? Et si nous avions tout intérêt à dépasser les apparences pour opérer une synthèse de ces deux existences hors normes et en tirer des enseignements communs, tracer ainsi notre route sous leurs férules réconciliées ? Ce qui est sûr, c’est que ces deux ouvrages se complètent harmonieusement pour renouer avec le développement personnel, la psychologie, la philosophie, la métaphysique…

Voici également l’opportunité de mesurer la profondeur du récit fondateur tissé par Lucas, tout en dégageant des voies pédagogiques inédites, une manière inattendue mais passionnante, d’embrasser des disciplines dont la platitude de l’enseignement classique nous avait détournés depuis longtemps. Heureusement, la force est avec les deux auteurs comme avec nous pour nous rappeler que les voies menant au savoir sont, sinon impénétrables, du moins toujours surprenantes quand elles sont ludiques. En d’autres termes, ruez-vous sur ces deux ouvrages, vous allez adorer et peut-être en faire vos livres de chevet.

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Aujourd’hui encore, le Chevalier d’Éon demeure un mystère… et un mythe. Homme ou femme ? Hétéro, homo ? Réalité ou légende ? Et si les vraies questions étaient ailleurs ? C’est l’impression qui se dégage de la remarquable biographie signée Evelyne et Maurice Lever.

Exciter la curiosité, déclencher l’admiration

Les deux spécialistes du XVIIIe siècle ne pouvaient ignorer bien longtemps le sort de cet étrange personnage qui suscita bien des passions en son temps. C’est que deux règnes durant, d’Éon va faire parler de lui partout en Europe, dans les salons comme dans les gazettes, excitant la curiosité, déclenchant l’admiration, alimentant des paris insensés et faisant vibrer d’inquiétude ses prestigieux employeurs, Louis XV en tête.

C’est que notre sémillant chevalier fut un agent secret émérite, un pilier du Secret du Roi, service d’espionnage privé du Bien-Aimé, qui, quand il ne séduisait pas les donzelles, menait une politique parallèle assez complexe afin de préserver la suprématie de la France. Intrigues de cour, messages codés, observations et fichages de potentiels contacts, d’Éon s’infiltre un peu partout, en Russie et en Angleterre notamment, pour accomplir un travail de renseignement digne du Bureau des Légendes.

Querelles picaresques

Homme ou femme ? La question va se poser petit à petit, envahissante, occultant la véritable singularité de cet individu hors normes, sa richesse réelle. Un intellectuel, lecteur assidu, bibliophile impénitent, redoutable escrimeur, soldat courageux, pour ne pas dire téméraire, diplomate rusé, patriote et loyal. Issu de la petite noblesse de province, nous voyons le chevalier.chevaliere se hisser dans les hautes sphères du pouvoir avec brio.

Et fierté. Au point de refuser d’être rétrogradé au rang de secrétaire après avoir été ambassadeur intérimaire à Londres. C’est d’ailleurs le point de départ de querelles particulièrement spectaculaires avec ministres et aristocrates de haut rang, querelles aux allures de roman picaresque avec chantage, risques d’enlèvement, écrits diffamatoires, procès, condamnations, et en ligne de mire, l’envie de revenir en France pour servir une monarchie bien ingrate.

Fidélité et psychologie

Scrutant documents, lettres et messages, les Lever mettent en évidence un chevalier d’Éon à l’esprit acéré, à l’ironie facile, qui fréquente les grands hommes de son temps (la rencontre avec Beaumarchais est particulièrement houleuse), se passionne pour le féminisme tel qu’il s’affirme au temps des Lumières, et malgré tous ses succès, demeure chaste sa vie durant. Manipulateur sans aucun doute, fin psychologue, très bon communicant.

Surtout admis dans une société qui le juge rarement, le révère souvent, peu importe ses vêtements. Habillé en dragon ou en jupons, le chevalier.chevaliere sait se faire apprécier, même quand il est contraint, par décision de justice, de se vêtir en femme pour revenir dans son pays natal qu’il adore, et que jamais il n’a trahi. Cette fidélité, cet attachement à ses racines, à son pays qu’il veut toujours servir l’honore autant que la modernité de son esprit.

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