Dernièrement, j’ai visionné Adolescence… et parcouru les centaines d’articles/posts/vidéos analysant la série brintannique du point de vue du masculinisme toxique et destructeur, comme si c’était un modèle du genre. Et puis je me suis rappelée la série Les Tudors. Que j’ai revisionnée dans la foulée, les quatre saisons en mode binge-watching comme j’adore le faire. Et pour être franche, en bouclant ce passionnant feuilleton, pour ce qui est du masculinisme toxique, on fait difficilement pire.

Une fresque monumentale et burnée

Il faut dire que le personnage central de cette saga, Henri VIII pour ne pas le nommer, a de l’abattage en la matière, éclusant cinq femmes durant son règne, qu’il répudie ou fait décapiter au choix, quand elles ne meurent pas en couche. La seule à lui survivre sera la dernière, Catherine Parr, mais il s’en sera fallu d’un cheveu qu’elle ne subisse le sort d’Ann Boleyn ou Catherine Howard, toutes deux livrées au bourreau et raccourcies de manière expéditive. Bref, Henri VIII est un ogre, Barbe-Bleue version souverain du XVIᵉ siècle, souverain éduqué, savant même, mais absolu, tyrannique, violent, changeant, colérique, manipulateur et la queue baladeuse par-dessus le marché.

J’en étais restée à une vision rock’n’roll, burnée et libertine/libertaire de ce récit signé Michael Hirst, scénariste et showrunner de renom dont on ne compte plus les trophées, notamment les deux volets du film Elizabeth avec Cate Blanchett. Mais revoir les 38 épisodes de cette monumentale fresque servie par un casting de compétition (Jonathan Rhys Meyers, Henry Cavill, Sam Neill, Natalie Dormer, Joely Richardson, Peter O’Toole, Jeremy Northam…) a été profitable, car j’y ai repéré des trucs que je n’avais pas captés initialement.

« Mais c’est une vraie girouette, ce mec ! »

Entre autres, le côté prédateur du personnage, qui bouffe tout autour de lui, épouses et maîtresses bien sûr, mais aussi collaborateurs, ministres et amis, sans parler de sa progéniture qui y laissera sa stabilité mentale. Si ce récit pour le moins enlevé prend bien des libertés avec la vérité historique, il n’en demeure pas moins que cela donne du relief aux crises existentielles que traversent cette sarabande de protagonistes soumis aux desiderata d’un monarque pour le moins impulsif et retours, que mon compagnon, qui visionnait la chose pour la première fois à mes côtés a résumé en ces termes : « Mais c’est une vraie girouette, ce mec ! ».

Girouette certes, qui passe sa vie à s’allier avec l’Espagnol contre la France, puis à tourner casaque pour s’allier avec la France contre l’Espagne. Qui n’hésitera pas à plonger son royaume dans une crise religieuse meurtrière, embrassant le protestantisme pour pouvoir se démarier de l’encombrante Catherine d’Aragon, convoler avec la farouche Ann Boleyn et en profiter pour démanteler tous les couvents/monastères du pays et faire main basse sur leur richesse, omettant au passage que nombre de ces institutions étaient essentielles à la survie des plus pauvres de ses sujets qui y trouvaient asile et un peu d’aumône.

Shakespeare made in Marvel

Entre épidémie de suette, famine, guerres et complots, Henri VIII et sa smala de bonnes femmes, de courtisans et de moutards est, reconnaissons-le un peu obligé de naviguer avec le vent très changeant de la Renaissance. Humaniste certes mais un brin pervers narcissique et totalement obsédé par l’idée d’avoir un fils à qui léguer sa couronne. Tout ça ne pousse guère à la sérénité, convenons-en. Mais tout de même. Masculiniste donc, menaçant, capricieux… et confronté à des épouses qui ne s’en laissent pas compter, chacune à sa manière. Forcément, Monsieur n’aime guère et en arrive aux plus fâcheuses extrémités pour se débarrasser d’encombrantes compagnes qui lui renvoient une image peu amène.

Résumons. Tout ce petit monde passe son temps et les 38 épisodes à bouffer/baiser/comploter/trahir/s’entretuer. Ça, c’est pour le côté Shakespeare made in Marvel, saga historique dans des décors somptueux et en costumes éclatants (d’ailleurs, petite remarque en matière de réalisme stylistique, la série Wolf hall est beaucoup plus proche des looks et du lifestyle de l’époque). Après, la déclinaison d’un patriarcat doublé d’un machisme viscéral est flagrante et donne à réfléchir sur l’ancrage de cette mentalité dans les racines de notre monde. Idem pour le côté génétiquement pervers et sadique de l’homme de pouvoir.

Les Tudors reste malgré tout incontournable. Parce que c’est franchement du grand spectacle, de la série tout terrain travaillée au corps, avec un scénar qui tient la route, des personnages solides et crédibles, des affrontements prenants. Pas un instant de répit, l’ensemble prend aux tripes et restitue le climat de grande brutalité qui régnait alors. Et puis ce récit haut en couleurs et en émotions, produit de 2007 à 2010 (il y a donc 15 ans) témoigne de l’émergence du business de la série-fleuve. Et rien que cela vaut le détour.

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19 Janvier 2022, le film Nightmare Alley débarque dans les salles obscures. Adapté du roman Le Charlatan de William Lindsay Gresham, ce thriller réalisé par Guillermo del Toro raconte l’histoire de Stanton Carlisle, escroc mentaliste sans scrupules, qui va braver tous les obstacles pour gagner fortune et statut social, quitte à se brûler les ailes.

Une descente aux enfers

Bien que long et un brin prévisible dans son déroulement, ce film mérite notre attention. Avec Nightmare Alley, le réalisateur de Cronos, Mimic, L’échine du diable, Blade 2, Hellboy, Le labyrinthe de Pan, La forme de l’eau, Creamson Peak renoue avec cet univers obscur, ésotérique et satirique qu’il affectionne, pour montrer par quelle mécanique mentale le rêve américain peut se transformer peu à peu en cauchemar. Il s’agit bien sûr d’une véritable leçon de vie. Dans une société capitaliste qui pousse à tout faire pour gravir les échelons, amasser de l’argent et du pouvoir, tirons un enseignement de la descente aux enfers de Stan qui, après avoir fréquenté l’élite new-yorkaise, retombe dans les bas fonds du cirque, pour devenir ce qu’il méprisait le plus : un paria, un freak, un monstre de foire.

Guillermo del Toro – Cabinet de curiosités : collecte d’une obsession artistique

La manipulation des êtres

Guillermo Del Toro nous montre implicitement que l’argent ne doit pas être le moteur de la réussite. Cette dernière doit avant tout se nourrir de principes humains, l’humilité, l’honnêteté, le goût du travail, la patience, le respect d’autrui dans sa différence. Même dans la malhonnêteté, il y a des limites, des seuils à ne pas franchir : qui est bon, qui est mauvais ? La thématique est récurrente dans sa filmographie, comme le questionnement de ce qui fait la monstruosité humaine ou sa grandeur. En 2021, à l’ère des fake news, de la manipulation de l’information, du complotisme, Guillermo del Toro ajoute une réflexion sur la manipulation des êtres : au travers des séquences de violences physiques, sociales, verbales, psychologiques que le récit enchaîne, il ancre son œuvre dans un contexte bien plus contemporain qu’il n’y parait.

The Strain : Guillermo del Toro aux commandes de l’Apocalypse vampirique

Des ressentis contradictoires

Nightmare Alley interroge la manière dont notre rapport à la vérité est obscurci ou éclairé via nos émotions. La sensorialité y est essentielle : le récit, les images, le jeu d’ombres et de lumières nous enveloppent, nous intriguent, stimulent notre curiosité, notre intellect jusqu’au dernier moment, dans un flot de ressentis contradictoires. Dans un décor old school aussi glauque qu’esthétique évoquant les films noirs de l’âge d’or hollywoodien, les acteurs livrent une performance incroyable. Bradley Cooper dans la peau d’un Stanton Carlisle torturé et manipulateur, Cate Blanchett, intrigante et dangereuse dans le rôle de la psychologue Lilith Ritter. Autour d’eux, Rooney Mara, Toni Collette, Willem Dafoe, l’incontournable Ron Perlman… Touchants, pathétiques, ils côtoient le meilleur et le pire, et nous partageons leurs épreuves comme leurs joies dans un effet de mimétisme inquiétant. 

Mitsuku ALCE

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Monuments Men : le film de Georges Clooney relate une facette peu connue, mais essentielle de la Seconde Guerre Mondiale, à savoir l’action de la Commission Roberts, chargée par Roosevelt de retrouver et/ou protéger les œuvres d’art et le patrimoine culturel menacés par les nazis.

Une course-poursuite débridée

Quelque 350 hommes et femmes originaires de 13 pays furent mobilisés pour assurer ce vaste chantier, souvent au péril de leur vie, puisque, directeurs de musées, historiens, artistes ou restaurateurs, certains furent amenés à agir sur le terrain au cœur même des opérations militaires, dans une Europe bombardée en voie de libération. 

Vaste épopée qui interroge la valeur de l’art et de la culture : le sauvetage d’un tableau de maître vaut-il une vie ? Oui, répondent ces hommes et ces femmes qui travaillèrent de toutes leurs forces et de toute leur passion à préserver ces chefs-d’œuvre qu’Hitler, vaincu, comptait bien détruire dans sa chute.

Le long métrage de Clooney ne peut restituer l’ampleur de cette aventure, aussi en rend-il partiellement compte au travers du parcours de 7 d’entre ces « monuments men », amenés à traquer les œuvres volées et cachées par les occupants. Une course-poursuite débridée pour contrer les désirs de destruction des fascistes et l’avidité des Soviétiques, désireux de faire main basse sur ces trésors.

La Femme au tableau : histoire exemplaire d’un combat justifié

Protéger la civilisation

Devant la caméra, un casting d’envergure : George Clooney, Matt Damon, Bill Murray, Jean Dujardin, John Goodman, Cate Blanchett, Hugh Bonneville, Bob Balaban, Dimitri Leonidas pour interpréter un scénario inégal, souvent drôle, quelquefois tragique, aux répliques parfois un peu trop plates. C’est qu’il est difficile de rendre compte dans son entière intensité de cette épopée qui aurait mérité une approche sérielle à la Band of Brothers. 

Néanmoins, il convient de ne pas faire l’économie de ce film, car il se veut hommage autant que mémoire d’une mission de civilisation. On y retrouve les thématiques à l’œuvre dans les films Hannah Arendt et La voleuse de livres, qui questionnent le rôle de l’intellectuel et de la transmission du savoir dans ces périodes hostiles. Le fait est que le temps a ignoré les Monuments Men et leur combat considéré comme dérisoire en regard du bilan humain du conflit, atroce. 

Protéger ces fruits de l’imagination et de la créativité de la sauvagerie barbare et de l’obscurantisme : avec ce sujet, Georges Clooney fait acte de mémoire. La chose est appréciable. De fait, ses acteurs ont su retranscrire la perte absolue que ressent tout humaniste devant la destruction d’une création artistique, cette fierté totale et humble d’avoir su soustraire à la bêtise fanatique des beautés absolues qui constituent le socle même de notre civilisation.

 

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Troisième et dernière bonne surprise de cet hiver hollywoodien, Carol confirme la capacité du cinéma américain à renouer avec son art de la fabrication. Cette constatation est à double tranchant pour Todd Haynes, metteur en scène à la filmographie respectable, mais justement un peu prisonnière de sa direction artistique. Depuis Loin du paradis ou la mini-série Mildred Pierce, on sait le soin apporté à chaque détail, casting, photographie, musique, décors, costumes … Mais il fallait sans doute, pour le réalisateur, passer à la vitesse supérieure, aller au-delà du vernis prestigieux qui retenait ses portraits et ses récits « à la Douglas Sirk ».

On retrouve ainsi les années 50 et cette fois l’adaptation d’un roman de Patricia Highsmith. Un New-York à l’approche de Noël. Immense magasin de jouet, petite vendeuse et grande dame. Rencontre, yeux grands ouverts et attirance. La mise en place de cette étincelle repose peut-être sur deux arguments visuels et matériels inattendus : un train électrique miniature (hypnose en boucle et existentielle, un rien triviale, de la vie aisée de Carol) et la photographie (que Therese pratique en amateur, hors de son temps de travail). Légères diversions et métaphores d’une autre vie possible pour les deux protagonistes.

Histoire d’amour ? Relation passionnelle sur fond de classes sociales ? La grande force de Carol est avant tout de décrire comment cette jeune fille et cette femme vont tenter de passer de plus en plus de temps ensemble, lors d’un déjeuner, d’une invitation. Jusqu’à cette virée en direction de Chicago, stoppée ironiquement dans la bourgade de Waterloo. Road-trip amorcé par un standard américain de Noël, à bord de la voiture de Carol, et formidable aubaine pour Todd Haynes de larguer les amarres de ses propres conventions, de se jouer des artifices de la reconstitution d’époque. On a, ici et là, beaucoup évoqué le cadrage du film à travers le motif de la vitre, mais il faut voir cette berline rouler au pas dans les rues de New-York lors d’un plan presque irréel, où le monde serait devenu maquette. L’effet est loin d’être spectaculaire ou grandiloquent, mais sa force est indiscutable dans le programme annoncé.

De restaurants (les fameux Dinner, en majesté dans ces années-là) en motels ou hôtels plus luxueux, autant d’étapes obligées et figures de style du road-movie, admirablement et sobrement photographiées par Edward Lachman, qui vont tracer et confirmer la voie vers la complicité et le désir des deux héroïnes. Il n’est alors plus question de mélodrame, mais d’échappée, de reprendre à son compte les promesses des enseignes du paysage ou rêve américain de cette époque, pour en faire un itinéraire vers la liberté … Avant que les choses ne se compliquent, que Carol ne soit ramenée à son statut de femme mariée et mère. Et que Todd Haynes, de retour à New York gère, entre dureté et délicatesse, cette romance contrariée de manière plus classique, mais tout aussi convaincante.

Tel un générique, on saluera sincèrement toute l’équipe du film, Cate Blanchett et Rooney Mara évidemment, Kyle Chandler, figure solide du père de famille isolé, déjà remarqué avec sa performance pas si lointaine dans Super 8. Et le score de Carter Burwell, passé maître dans l’utilisation, peut-être rétro, du haut-bois ou de la harpe, mais utilisés ici en instruments de velours majeurs du mélodrame.

Et plus si affinités
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