Comment devient-on rebelle ?

Comme je dis toujours, un p’tit pitch … qui ne vaudra pas la queue d’un pissenlit si je ne replace pas l’histoire de Cassian Andor dans la prolifique chronologie de la saga Star Wars. La série se cale juste avant Rogue 1, qui narre comment un escadron de rebelles piquent les plans de l’Étoile Noire pour les refiler à la princesse Leia qui les refile à Obi-Wan Kenobi qui doit les délivrer à la Résistance qui va décrypter les infos et exploiter les failles de cette arme terrifiante pour l’éradiquer (ça c’est le pitch de Star Wars 4, évoqué plus haut). Ok je reprends mon souffle. Rogue One se termine sur le sacrifice de Cassian Andor qui menait le commando en charge du vol des données (OK, je spoile pas plus, sinon vous allez avoir un infarctus et me maudire sur 10 générations, ce qui est quand même un brin exagéré, vu que des extraits de cette fin circulent en boucle sur X et Insta, donc bon …).

Les studios Disney ont jugé bankable (de consacrer une série complète au parcours de ce combattant, avec comme questions centrales : comment devint-il rebelle ? Quelles furent les étapes de la gestation de cette résistance interstellaire ? Et là zou, direction Coruscant, siège d’un parlement qui voit son pouvoir s’émietter épisode après épisode deux saisons durant tandis que l’empereur Palpatine ressert l’étau, s’infiltre partout, prend le contrôle sur l’administration, les finances, l’économie, les ressources … le tout sur fond de brutalité et de terreur (en la matière, le massacre de Ghorman constitue un cas d’école). Pour faire face, plus de Jedi, décimés qu’ils furent par Skywalker/Dark Vador et ses tueurs ; quant aux sénateurs, très prudemment, ils la ferment quand ils ne collaborent pas carrément.

L’Armée des ombres en mode sci fi

Insoumis dans l’âme, Cassian Andor va progressivement embrasser la cause rebelle naissante sur un hasard. Dans son sillage, un vieil antiquaire et son assistante, une sénatrice et sa cousine, une jolie mécanicienne, un chef de gang anarchiste et camé … et toute un kyrielle de personnages issus de la plèbe ou de la bourgeoisie, qui vivent avec plus ou moins de difficulté cette autocratie de plus en plus affirmée où on se retrouve aux travaux forcés parce qu’on était là au mauvais endroit au mauvais moment (franchement, les prisons de l’empire ont un petit parfum de camp de concentration nazi qui fait flipper). De l’empereur, de Dark Vador, vous ne verrez pas un bout de cape ; pourtant leur présence est là, via la pesanteur de l’administration impériale, la présence étouffante des troupes, les contrôles d’identité constants, le détournement des matières premières, les manœuvres de prédation, l’arrestation arbitraire des parlementaires, des opposants …

Et puis, il y a le service d’espionnage de l’empire, le tristement célèbre Bureau de la Sécurité Impériale, BSI pour les intimes (un petit côté SS Gestapo dans les uniformes, les méthodes, la compétitivité), où se distingue la très intelligente, calculatrice et ambitieuse Dedra Meero, qui compte bien monter en grade à force de traquer et de démanteler cette résistance qu’elle sent se construire dans l’ombre. Dans son viseur, le très mystérieux Axe, chef de réseau et tête pensante de la rébellion : outre la chasse aux renseignements (il a des espions au sein du BSI, preuve qu’il a le bras long et des infos pour faire pression), l’Axe recrute et forme les agents, Andor en tête, monte les opérations, lève des fonds, n’hésite pas à piquer la solde des Storm Troopers, bref c’est un ennemi redoutable, à ne négliger sous aucune prétexte, d’autant qu’il commence à fédérer les autres mouvements de résistance en mode Jean Moulin. Eh oui, la résistance made in Star Wars a de grandes similitudes avec les FFI et autres FTP MOI ; de fait, Andor a la saveur du très melvillien L’Armée des ombres conjugué selon la grammaire sci fi. Et c’est carrément très très très convaincant.

Une énergique leçon de politique

Il faut dire que les studios Disney se sont lâchés : le budget oscille entre 645 à 650 millions de dollars (certains disent même 698), la série s’inscrivant ainsi parmi les productions les plus chères de l’histoire des programmes de science-fiction et de l’univers Star Wars (le budget de certains des films de la saga était plus raisonnable, c’est dire …) ; décors naturels et grandeur nature, costumes aux petits oignons (la garde robe de la sénatrice Mon Mothma vaut le détour, idem pour les tailleurs très racés des habitantes de Ghoram), casting de très haut vol (Pedro Luna, Stellan Skarsgård, Benjamin Bratt, Andy Serkis, Forest Whitaker, Fiona Shaw, Richard Sammel … bref du très beau linge), effets spéciaux ultra-léchés et surtout un scénario qui se tient, sans jamais sombrer dans la guimauve ni le ridicule. Bref un beau mélange des genres, un thriller prenant aux tripes, doublé d’une énergique leçon de politique et de civisme menée bille en tête et sans faiblir par un Tony Gilroy à qui l’on doit entre autres l’écriture des aventures de Jason Bourne (La Mémoire dans la peau et consort) ainsi que Rogue One.

Le tout est une réussite d’autant plus appréciable que le tournage a dû s’adapter à l’épidémie de COVID. Autre challenge, imposé par la production à cette fine plume : ne jamais prononcer le terme « fascisme » durant la promo, alors que n’importe quelle personne un brin censée reconnaît dans ce récit un démontage systématique et lucide des rouages de la tyrannie sous toutes ses formes. Accrochez-vous, car cette fable vaut aussi par son côté humain. Exit les grands héros épiques, les chevaliers blancs ou noirs, les Sith, on passe de l’autre coté du miroir, chez les quidams, Mr Tout Le Monde, nous en somme et c’est cela qui fait la force de cette histoire. Nous pourrions en être les héros. D’ailleurs, certaines séquences évoquent cruellement les images d’actualité, les manifs réprimées, les opposants qu’on veut faire taire, les friqués qui préfèrent l’ombre du totalitarisme pour y prospérer plutôt que le partage des richesses. Ainsi Andor offre une grille de lecture de notre présent, devenant en cela un outil de formation redoutable, un élément d’éducation populaire d’une rare efficacité.

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Les soirées La Velu.e et Beautiful Skin sont désormais implantées dans le paysage nocturne parisien, fidélisant un public conquis, la Gang Bambi fait doucement son trou … à la clé, une quête sans fin de jeunes talents qui des platines qui du cabaret, une communauté qui se rassemble sous le signe du rire et de la fête … et des safe spaces où l’on se tolère et s’entraide. C’est là l’important aujourd’hui. Vu le climat, la peur qui règne, profiter d’un safe space le temps d’une soirée, c’est un luxe qui ne se refuse pas, surtout quand le safe space fait aussi office de lieu d’échange, de conseil et d’éducation populaire.

Ce sera le cas lors de l’event Nos luttes font du bruit organisée à la Rotonde par le collectif Nous Toutes Ile-de-France Antiraciste. Au programme de cette « soirée de lancement des mobilisations contre les violences de genre, sociales et d’état » :

• une parenthèse clubbing en mode carte blanche aux membres du Bragi Pufferfish que sont Loki Starfish, Fabisounours, Louna Driol et Jackie Fuego (ça, c’est pour clore la soirée sur une touche djset + dancefloor = je m’éclate sur des rythmes electro/techno/house et plus si affinités, histoire de vider le trop plein de tension – c’est bien connu, l’activité physique, c’est bon pour faire baisser le stress, ne nous en privons donc pas surtout les Bragi sont aux platines).
• de 22h à minuit, du stand up !!!!! Stand-up assuré par Tatiana Urss, Déelle, Violaine Henry et Juliette Clocher, soit quatre donzelles au verbe acéré et à la langue bien pendue, qui déboulonnent patriarcat, capitalisme, racisme et autres saloperies sociétales avec une allégresse communicative qui vous fera beaucoup de bien au mental (et en plus elles ne manquent guère d’arguments, donc vous moissonnerez le plein d’idées pour dézinguer le tonton facho lors du prochain repas de famille, pas dit que votre maman apprécie, mais ça vous fera tellement de bien – au passage cliquez sur leurs noms, lesl iens amènent directement sur leurs comptes Insta, vous aurez un avant-goût de leurs prouesses, clairement elles ont du ressort et du talent, c’est juste jouissif).
• un drag show animé/boosté/survitaminé par Nick Lebel, Angel Ick, Malédiction et Gotyosin, attendez-vous là aussi à ce que ça tape fort et à raison sur les dysfonctionnements actuels, le racisme, l’homophobie ambiante au autres pollutions de l’esprit qui auraient largement tendance à se décomplexer par les temps qui courent.
• le live de Mozzaika, profil artistique pluridisciplinaire des plus réjouissants, qui mêle les cultures, les sons, les tendances pour affirmer son identité et la nôtre dans une poésie travaillée mais directe en mode « ta norme m’ennuie » et « j’existe et j’t’emmerde ».

Il y aura probablement d’autres surprises de dernière minute dont je ne sais rien, mais c’est justement ça l’attrait de la surprise.

J’ajoute un élément qui me semble crucial. Une table ronde en accès libre ouvrira la soirée sur une « prise de parole et des échanges sur les violences de genre, sociales et d’État » en d’autres termes, l’occasion de pour chacun.e de vider son sac, d’évoquer ses peurs, sa colère, sa frustration tout en dialoguant sur ce qui ce passe actuellement.

Exprimer, réfléchir, rire, analyser, partager, se sentir moins seul.e face au monde qui nous entoure, la brutalité étatique qui nous frappe : c’est aussi ça un safe space, et cela revêt une fonction cathartique et fédératrice essentielle lors des crises sociales comme celle que nous traversons.

Pour en savoir plus et préparer votre venue, consultez le compte Instagram de Bragi Pufferfish et du collectif Nous Toustes IDF antiraciste.

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Foutre le merdier

Scindé en deux volets intitulés respectivement « L’âge de fer » et « J’écris ton nom » sortis en 2026, La Bataille de Gaulle relate le combat acharné que Charles de Gaulle, tout juste promu général de brigade dut mener au sein des cabinets ministériels et des ambassades pour conserver intacte le peu d’autonomie qui restait d’une France vaincue d’abord, collabo ensuite.

Pas évident, évident d’incarner la grandeur et l’indépendance d’une nation dirigée par Pétain, Laval et consort, prompts comme l’éclair à lécher le cul d’Hitler et des troupes d’occupation. Sans aucune reconnaissance légale, décrété traître et déserteur, sans moyens ni réseaux, de Gaulle, tout seul derrière un micro de la BBC un certain 18 juin 1940, va foutre un merdier pas possible dans les rangs vichystes comme parmi les Alliés.

Une approche chronologique et spectaculaire

Arrimé tel un morpion au cul des Britanniques, les secouant quand besoin est (et cela arrive souvent, vu que le premier ministre anglais Churchill n’est pas forcément toujours bienveillant) le grand Charles n’aura de cesse de rallier les bonnes volontés patriotiques pour rappeler à tous que la France n’est pas Pétain et ses collabos mais bien un peuple de résistance et de combat.

C’est ce combat que Baudry raconte, étape par étape, dans une approche chronologique où l’énergie le dispute au spectaculaire. Certains historiens ont un brin vu rouge en constatant les libertés prises avec le réalisateur, mais il faut bien reconnaître que ces libertés ont du chien, et le mérite de captiver le spectateur emporté par ce récit épique mené avec ardeur.

Morceaux de bravoure

Il faut dire que les péripéties ne manquent guère dans cette aventure à la Don Quichotte, où un de Gaulle placide et ironique (Simon Abkarian, excellent) mais farouchement déterminé, rassemble autour de lui une bande de « Inglorious Bastards » bien décidés à bouter le nazi hors de l’Hexagone, quitte à se torcher avec les ordres des états-majors anglais et américains.

Cela nous vaut quelques morceaux de bravoure, notamment le récit de la bataille de Bir Hakeim, conduite bille en tête et sans faiblir par le général Koenig (Benoit Magimel) et ses troupes, ou le général Leclerc (Niels Tavernier) chargeant seul dans sa jeep les panzers allemands en plein désert. Autres temps forts (nombreux), la manière dont de Gaulle recadre ses différents interlocuteurs, convainc les indécis, inverse les tendances. Patient, rusé, psychologue, cette « diva » comme le qualifient Churchill et ses ministres, ne s’en laisse jamais compter quand il s’agit de préserver la liberté de sa chère France.

Rafraîchir les mémoires

On aime ou on n’aime pas. Mais on ne retirera pas au long métrage de Baudry le mérite de rafraîchir les mémoires à grands coups de jet d’eau glacé. Quand beaucoup se disent « On n’a jamais essayé », ces images, ce récit rappellent que si, on a déjà essayé, et que c’est un miracle que nous ayons pu nous débarrasser d’une part de l’hydre du nazisme allemand, du monstre fasciste pétainiste de l’autre qui a bien failli demeurer en place, toléré qu’il était par Roosevelt, en dépit de ses exactions, de sa brutalité.

De Gaulle dut faire des pieds et des mains pour empêcher l’adoubement et s’imposer comme rempart, avant, une fois la France libérée, de restaurer un peu d’ordre dans le bordel ambiant (pour ceux qui doutent, lisez la saga Sadorski de Romain Slocombe, vous comprendrez l’étendue des dégâts à la Libération). Le scénario rappelle la chose, tout en insistant sur le rôle joué par les colonies, Algérie en tête. Là aussi, la chose importe, qu’on zappe trop souvent.

Bref, si le film La Bataille de Gaulle n’est pas d’une rigueur historique intransigeante, il ouvre des portes, donne à voir un ensemble, un tout, une complexité que les livres de cours gomment, synthèse des programmes oblige. « Seul un fou continuerait ce combat » est-il dit au début de cette épopée. Certes, mais le combat valait le coup … et il est toujours d’actualité.

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De Courbet à Banksy : un siècle et demi de liberté créatrice

Pensée sous le commissariat d’Adèle Taillefait et de Virginie Guffroy (puis Maël Vandewalle), avec la complicité scientifique du spécialiste Tancrède Ramonet, l’exposition embrasse plus d’un siècle et demi de création. Loin de se limiter à une simple pochade historique, le parcours explore la manière dont les idées libertaires, de l’émancipation sociale à la critique radicale du capitalisme et des ravages écologiques, ont nourri l’avant-garde artistique.

Le voyage commence au XIXe siècle, au cœur des bouleversements de la Révolution industrielle, pour s’arrêter sur les figures tutélaires de cette pensée, de Gustave Courbet (et son célèbre portrait de Proudhon) aux maîtres néo-impressionnistes et nabis. On y croise les paysages harmonieux de Paul Signac (Au Temps d’Harmonie), les gravures percutantes de Félix Vallotton (L’Anarchiste), les visions de Maximilien Luce ou encore les audaces colorées des Fauves, à l’instar de Maurice de Vlaminck, dont la palette éclatante propose une alternative picturale au jet de bombe.

L’art comme premier pavé de la contestation

L’exposition a le grand mérite de ne pas édulcorer la complexité de l’histoire anarchiste. Elle met en lumière les tensions de la « période attentiste » des années 1890, le choc de la Commune de Paris, la force de frappe de la presse militante et des « feuilles de choux », mais aussi la parenthèse révolutionnaire de l’Espagne de 1936.

Le parcours glisse ensuite habilement vers les résurgences modernes : la philosophie de vie libertaire portée par la chanson de Georges Brassens et Léo Ferré, la déferlante contestataire de Mai 68, l’énergie brute et subversive du mouvement punk, des Sex Pistols à Bérurier Noir, pour s’achever sur les terrains contemporains du web, de la bande dessinée (Anarchy Comics) et du street art, incarné par l’anonymat provocateur d’un Banksy.

Une exposition hors normes et vivante

S’appuyant sur des prêts exceptionnels du musée d’Orsay et de la Bibliothèque nationale de France, cette coproduction menée avec le musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon (qui l’accueillera au printemps 2027) impressionne par sa pluridisciplinarité. Arts plastiques, mode, design, architecture, cinéma et musique s’entrecroisent pour montrer que l’anarchisme n’est pas un dogme figé, mais une force en mouvement, sans cesse réinventée.

En parallèle, La Piscine célèbre en grande pompe ses 25 ans d’existence ce même mois d’octobre, prouvant, s’il le fallait, que le dynamisme culturel de ce lieu unique n’a pas fini de faire des vagues. Une visite indispensable pour tous ceux qui pensent que l’art, par essence, doit refuser les lignes tracées d’avance.

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site de la Piscine de Roubaix.

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Autopsie d’un drame d’État

Revenons aux faits, que les plus jeunes d’entre vous n’ont pas forcément en mémoire. Décembre 1986, le mouvement étudiant et lycéen se mobilise contre le projet de loi Devaquet, visant (déjà) à introduire la sélection à l’entrée des universités, à augmenter les droits d’inscription et à accroître la mise en concurrence des établissements, en un mot donc à réduire drastiquement l’accès aux études supérieures. Le 5 décembre, une manifestation d’ampleur a lieu à Paris. En marge des rassemblements déjà bien surveillés par les CRS (j’étais là, je peux en témoigner), interviennent les voltigeurs ; créés en 1969 par le préfet Raymond Marcellin, ces « pelotons de voltigeurs motoportés » (PVM pour les intimes) sont sur site avec pour mission de disperser rapidement les regroupements de potentiels casseurs.

Vers minuit, Malik Oussekine, étudiant franco-algérien atteint de déficience rénale et totalement étranger aux mouvements de contestation, sort d’un club de jazz dans le 6ᵉ arrondissement de Paris. Poursuivi sans motif par deux voltigeurs, il se réfugie dans le hall d’un immeuble de la rue Monsieur-le-Prince ; il y est matraqué, frappé de plusieurs coups de pied. Il succombera à ses blessures quelques heures plus tard à l’hôpital Cochin. Il n’avait même pas participé à la manifestation.

Meurtre raciste et impunité institutionnelle

La mini-série d’ Antoine Chevrollier raconte cette histoire : qui était ce garçon ? Comment a-t-il été tué ? Le récit fonctionne à plusieurs vitesses pour mettre en avant la brutalité de ce meurtre raciste, le séisme familial qu’il engendre, les différents temps de le bataille politico-judiciaire qui a suivi. La famille Oussekine donc, la mère, les deux frères, la sœur, frappés de plein fouet par la perte du cadet, petit dernier chéri, plein de vie, de promesses … un clan soudainement confronté aux menaces xénophobes, qu’on tente de réduire au silence par tous les moyens.

Stigmatisation de la victime, lenteurs de la justice, récupération politique … il faudra attendre 1990 pour que deux des trois policiers impliqués (aucune preuve n’est retenue contre ce dernier) soient condamnés par la cour d’assises de Paris à des peines de prison … avec sursis. La sanction sera perçue par beaucoup en France comme une forme d’impunité institutionnelle, une volonté à peine voilée de protéger les corps de police envers et contre tout.

Maintien de l’ordre et brutalité institutionnalisée

Corporatisme, racisme, brutalité crasse d’une police en roue libre qui se croit tout permis et à qui on autorise tout … Si la série sonne si juste, c’est qu’elle pointe du doigt la permanence des doctrines de maintien de l’ordre en France dans l’après-guerre. Le premier épisode évoque par le biais des actualités les gazages, les mains arrachées, les manifestants frappés, avant de faire état du massacre du 17 octobre 1961 : les forces de l’ordre répriment alors un défilé en faveur de l’indépendance de l’Algérie ; les agents tirent dans la foule, noient certains manifestants. Le nombre des victimes demeure à ce jour incertain ; les historiens évoquent entre 100 et 300 morts. 1961, 1986, 2026 … Rien n’a changé ?

Certes, suite au meurtre de Malik Oussekine, le ministre de l’Intérieur de l’époque, Charles Pasqua, dissout immédiatement le peloton des voltigeurs, cédant ainsi à la pression de la rue et de l’opinion publique. Mais, trente ans plus tard, l’esprit des voltigeurs ressurgit dans l’espace public, intact. Début 2019, le préfet Michel Delpuech pose les bases des Brigades de répression des actions violentes motorisées, les redoutables BRAV-M que son successeur Didier Lallement pérennisera quelques mois plus tard. Si les autorités affirment que leur mode d’action diffère, le principe sous-jacent demeure le même : employer des unités hautement mobiles et équipées pour impacter rapidement les cortèges et disperser les manifestants, quitte à créer des tensions supplémentaires en insultant et en frappant à tour de bras, comme en témoignent observateurs des libertés publiques, Défenseur des droits et organisations internationales type Conseil de l’Europe.

Répression made in France

L’analogie entre 1986 et les mouvements sociaux contemporains réside également dans la nature même du face-à-face entre l’État et sa jeunesse. En 1986, la jeunesse mobilisée contre la loi Devaquet défendait le principe d’un accès universel et démocratique à l’enseignement supérieur. Les cortèges récents s’inscrivent dans une filiation directe, qu’il s’agisse de dénoncer la précarité étudiante, les réformes de sélection à l’université ou la gestion des politiques environnementales et sociales. Dans les deux cas, le pouvoir politique privilégie la réponse sécuritaire à la concertation politique.

La série Oussekine met remarquablement en lumière l’effet de matraquage indifférencié qui transforme une protestation citoyenne en traumatisme collectif. La violence subie par Malik Oussekine est le produit d’une doctrine axée sur le contact coercitif plutôt que sur la désescalade, une orientation historique typique du maintien de l’ordre à la française, beaucoup plus dure que les méthodes de désescalade employées dans d’autres pays européens comme l’Allemagne ou le Royaume-Uni.

La série Oussekine rappelle que la question des violences policières ne saurait se résumer à une succession de « bavures » isolées ou de « brebis galeuses ». Elle relève d’un problème structurel qui touche à la responsabilité de l’État et aux choix politiques d’encadrement des libertés publiques. Rigoureux dans son approche, ce récit constitue un outil de salubrité publique. Il contraint la société à regarder en face ce que la mémoire institutionnelle a parfois tendance à lisser : la violence d’État exercée à l’encontre de sa propre jeunesse est une constante historique dont il faut interroger les résurgences, neutraliser la logique et stopper sur le champ les effets délétères.

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• la reconduction d’injonctions patriarcales traditionnelles axées sur la docilité, l’assujettissement sentimental et la dictature de l’apparence
• un espace d’émancipation poétique et politique où s’inventent de nouvelles formes d’affirmation de soi.

Pour tenter de cerner le shōjo, il faut donc accepter de le lire comme un texte double, à la fois miroir des normes d’une époque et atelier de leur contestation.

La cage dorée des archétypes sentimentaux

L’analyse de la structure dramatique des œuvres canoniques du genre révèle la persistance de motifs profondément conservateurs. Le schéma relationnel dominant y repose bien souvent sur la fascination exercée par une figure masculine dominante. Le stéréotype de l’« homme d’exception » incarné par le personnage du ikemen (l’homme beau, froid, ténébreux et souvent fortuné) s’oppose quasi systématiquement à une héroïne caractérisée par une maladresse constitutive, une grande naïveté et un statut social plus modeste.

Ouran High School Host Club d’Hisaya Nakajo en offre une déclinaison presque caricaturale, avec sa galerie de jeunes hommes archétypaux (le froid, le charmeur, le protecteur) organisés en catalogue de désirabilité masculine à destination d’une héroïne d’abord spectatrice de sa propre intrigue amoureuse. Dans ce dispositif, la dynamique amoureuse prend parfois un tour toxique que le récit légitime sous couvert du sentiment romantique.

• Les attitudes intrusives, l’emprise psychologique, voire les gestes de violence physique mineure (comme le célèbre kabedon, geste consistant à plaquer brutalement une femme contre un mur) sont fréquemment mis en scène comme des manifestations désirables d’un désir masculin irrépressible. Le classique Candy Candy (Kyoko Mizuki et Yumiko Igarashi) illustre cette veine ancienne : la persévérance de l’héroïne face à des figures masculines distantes ou dominatrices y est présentée comme une preuve d’amour véritable plutôt que comme un signal d’alerte. Ice genre de récit privilégie donc la romantisation de la contrainte.
• L’épanouissement de l’héroïne demeure conditionné par sa capacité à susciter l’intérêt du protagoniste masculin, suggérant implicitement aux lectrices que la valeur d’une femme se mesure à l’aune du regard d’un tiers. Le salut des héroïnes découle de leur soumission.

Loin d’être spécifique à la culture japonaise, ce schéma narratif rejoint, dans sa mécanique, les codes du roman sentimental occidental, ce qui invite à situer la critique du shōjo dans une réflexion plus large sur la culture populaire genrée.

La tyrannie du corps et les injonctions à la normativité

Sur le plan visuel et thématique, le shōjo opère également comme un vecteur d’inculcation des normes d’esthétique et de comportement liées à l’étiquette féminine japonaise. La méticulosité apportée aux détails vestimentaires, la codification extrême des visages caractérisés par de grands yeux immaculés et des traits graciles, participent à la construction d’un idéal corporel rigide.

Les thématiques du relooking (makeover) et de la métamorphose physique structurent de nombreuses intrigues. La transformation d’une jeune fille réputée « négligée » ou « banale » en un être gracieux grâce aux cosmétiques et aux vêtements souligne une injonction fondamentale : l’intégration sociale et la réussite affective exigeraient un alignement strict sur la normativité esthétique.

Fruits Basket de Natsuki Takaya, malgré la profondeur psychologique qu’il déploie, n’échappe guère à cette logique : l’acceptation sociale de son héroïne Tôru Honda reste en partie arrimée à sa capacité à incarner une douceur et une gentillesse sans faille, quasi sacrificielle. La minceur, la pâleur du teint, la retenue émotionnelle constituent les conditions préalables à toute reconnaissance : on imagine bien comment cette équation peut impacter l’estime de soi d’un lectorat adolescent en pleine construction identitaire.

Du miroir des aliénations aux territoires de l’émancipation

Réduire le shōjo manga à un simple instrument d’endoctrinement patriarcal constituerait néanmoins une erreur de lecture majeure. Historiquement, l’appropriation du genre par des autrices à partir des années 1970, sous l’impulsion du mythique Groupe de l’an 24 (porté notamment par Moto Hagio et Keiko Takemiya), a métamorphosé la bande dessinée pour filles en un laboratoire de subversion formelle et thématique.

La Rose de Versailles de Riyoko Ikeda, publiée dès 1972, en constitue une œuvre fondatrice : son héroïne Oscar de Jarjayes, élevée comme un homme et commandant la garde royale, incarne une remise en cause frontale de l’assignation genrée, bien avant que le terme d’empowerment ne s’impose dans le débat public.

Les autrices de shōjo ont su détourner les contraintes du genre pour insuffler des récits d’émancipation particulièrement novateurs :

• En introduisant des personnages androgynes ou en explorant les amours homosexuelles (aux fondations du Boy’s Love ou du Yuri), le shōjo a offert aux lectrices un espace psychique précieux pour penser le désir affranchi du carcan hétéronormatif et des rôles de genre assignés. Sailor Moon elle-même, à travers le couple des Sailor Uranus et Neptune, a introduit dès les années 1990 une représentation lesbienne rare dans un manga grand public.
• A travers le sous-genre du Magical Girl (dont Sailor Moon demeure le parangon), les héroïnes sortent de la passivité pour s’approprier la force, le combat et la sororité, affirmant que la féminité et la grâce n’excluent en rien la puissance d’action ni l’autorité politique.
• Les productions contemporaines explorent désormais le refus des carrières toutes tracées, la maternité choisie, le travail des femmes et la critique explicite du harcèlement en milieu professionnel, reflétant les mutations sociologiques de la société japonaise. Nana d’Ai Yazawa, par exemple, met en scène deux jeunes femmes qui construisent leur trajectoire, artistique pour l’une, sentimentale et personnelle pour l’autre, hors des cadres attendus, sans que l’une des deux voies soit hiérarchiquement valorisée sur l’autre.

Cette bascule n’est pas linéaire ni achevée : les deux logiques, reconduction des stéréotypes et travail de subversion, continuent de coexister, parfois au sein d’une même œuvre, voire d’un même personnage.

Vers une lecture éclairée et plurielle

En définitive, le shōjo manga ne peut être considéré comme un simple vestige d’archaïsmes réactionnaires, ni une panacée féministe exempte de contradictions. Il s’apparente plutôt à un palimpseste où se superposent les tensions d’une société en pleine mutation. Exercer une critique féministe sur ces œuvres ne réclame nullement leur rejet dogmatique, mais invite plutôt à une lecture lucide.

Il s’agit de célébrer la richesse visuelle, la finesse psychologique et le potentiel d’émancipation de ces récits, tout en conservant un regard acéré sur les stéréotypes qu’ils véhiculent encore. C’est à ce prix que le shōjo révèle sa véritable nature : celle d’un miroir tendu aux désirs d’émancipation de générations de lectrices et, de plus en plus, de lecteurs.

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Un patrimoine conçu pour traverser les siècles… mais pas pour un climat qui change si rapidement

Les monuments anciens ont été construits en fonction de conditions climatiques relativement stables. Les matériaux utilisés par les bâtisseurs — pierre, bois, terre cuite, pigments naturels, mortiers traditionnels — ont été choisis et employés dans des environnements précis. Or, le changement climatique modifie ces équilibres. Les périodes de fortes chaleurs plus fréquentes, l’alternance entre sécheresses et épisodes de fortes pluies, l’augmentation de certains phénomènes extrêmes ou encore la modification des cycles de gel et de dégel peuvent accélérer la dégradation des matériaux.

La pierre, que l’on imagine souvent indestructible, s’avère particulièrement vulnérable. Deux exemples parlants ?

• La cathédrale Notre-Dame de Paris en France : Les épisodes d’extrême sécheresse et les vagues de chaleur fragilisent les mortiers historiques et provoquent des phénomènes de contraction-dilatation au cœur du calcaire, fissurant les voûtes et les structures sculptées.
• Les cités en terre de Bagerhat au Bangladesh : Dans cette cité mosquée du XVᵉ siècle classée au patrimoine mondial, l’augmentation des températures couplée à la remontée des sels marins fait littéralement s’effriter les briques de terre cuite et ronge les maçonneries traditionnelles.

Bref et en résumé, selon le Centre du patrimoine mondial de l’UNESCO, le changement climatique constitue désormais l’une des principales menaces pesant sur de nombreux biens culturels et naturels inscrits sur la Liste du patrimoine mondial.

Les œuvres fragilisées face aux nouveaux défis climatiques

Les monuments ne sont pas seulement des architectures : ils abritent aussi des œuvres parfois extrêmement sensibles. Les fresques, peintures murales, sculptures ou décors intérieurs peuvent être affectés par les variations de température et d’humidité. Or, ces éléments sont souvent irremplaçables : ils témoignent de techniques artistiques, de croyances et de modes de vie disparus. Là encore deux cas d’école :

• Les grottes de Mogao à Dunhuang en Chine : Écrin millénaire de la route de la Soie abritant des milliers de peintures murales bouddhiques, le site subit des pluies diluviennes de plus en plus fréquentes. L’augmentation brutale de l’humidité à l’intérieur des cavités provoque le décollement et la décoloration irréversible des pigments anciens.
• Les églises peintes de la région du Troodos à Chypre : Les variations microclimatiques intérieures, accentuées par des étés méditerranéens toujours plus étouffants, provoquent des efflorescences salines qui détruisent les fresques byzantines d’une valeur inestimable.

La difficulté consiste désormais à maintenir des conditions suffisamment stables pour préserver ces œuvres, alors même que le climat extérieur devient plus difficile à contrôler. Conservateurs et restaurateurs doivent repenser leurs méthodes : surveillance accrue des bâtiments, adaptation des systèmes de protection, nouvelles recherches sur les matériaux ou encore documentation numérique des œuvres.

Des sites archéologiques exposés aux bouleversements du climat

Les sites archéologiques en plein air subissent de plein fouet l’érosion climatique. Les sols qui protégeaient autrefois les structures s’assèchent ou s’effondrent sous le coup de précipitations extrêmes. Illustration ?

• Les terrasses de riz des cordillères des Philippines : Façonnées il y a plus de 2 000 ans, ces structures paysagères souffrent de glissements de terrain massifs causés par la recrudescence de typhons violents.
• Le village néolithique de Skara Brae en Écosse : Vieux de 5 000 ans et remarquablement conservé, ce site côtier est directement menacé par l’érosion des falaises et l’assaut de tempêtes d’une violence inédite, contraignant les autorités à bâtir des digues de protection provisoires.

Le patrimoine archéologique pose alors une interrogation vertigineuse : faut-il protéger tous les sites à tout prix, déplacer certains vestiges au risque de les décontextualiser, ou accepter qu’une partie de la mémoire humaine ne s’efface ?

Quand la mer menace les lieux de mémoire

La montée du niveau des océans et la submersion marine représentent l’un des défis les plus imminents. Des cités entières et des sanctuaires insulaires doivent adapter leurs stratégies de conservation.

• Venise et sa lagune en Italie : Symbole mondial de cette vulnérabilité, la Cité des Doges subit la répétition des épisodes d’acqua alta. L’eau salée s’infiltre dans la pierre poreuse de la Basilique Saint-Marc, cristallise et fait éclater les marbres ainsi que les mosaïques du XIIIᵉ siècle.
• Les Moaï de Rapa Nui sur l’Île de Pâques : Les mythiques statues géantes dressées en bord de mer subissent une érosion marine accélérée. La hausse du niveau marin gruge les socles rocheux (ahu), menaçant de faire basculer ces géants de pierre dans l’océan.

Préserver le passé … sans figer le monde

Face à ces menaces, la tentation pourrait être de vouloir figer les monuments dans un état idéal. Pourtant, le patrimoine a toujours été mouvant. Les grandes restaurations de l’Histoire montrent que les sociétés ont sans cesse adapté leurs édifices à leurs contraintes techniques et environnementales.

La question actuelle réside donc dans une transmission intelligente. Comment protéger sans dénaturer ? À l’image des digues amovibles du système MOSE à Venise ou des programmes de végétalisation thermique des édifices historiques, la conservation moderne cherche l’équilibre entre respect de l’authenticité et adaptation climatique.

Que transmettrons-nous aux générations futures ?

Pendant longtemps, préserver un monument signifiait lutter contre le temps. Aujourd’hui, il s’agit aussi de composer avec une accélération sans précédent des transformations environnementales.

Les monuments sont les témoins des civilisations qui nous ont précédés. Ils racontent leurs savoir-faire, leurs croyances et leur capacité à créer. Mais ils nous renvoient également à notre propre responsabilité. Dans quelques siècles, les générations futures ne jugeront pas seulement ce que nous avons édifié : elles observeront ce que nous avons su sauvegarder.

La sauvegarde du patrimoine face au changement climatique pose une interrogation profondément culturelle et éthique : quelle mémoire voulons-nous transmettre ?

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De la « Prasline » aristocratique au rose fuchsia lyonnais

On ne peut comprendre l’attachement lyonnais à ce bonbon de sucre et d’amande, sans remonter le temps.

• OK, la praline n’est pas née sur les bords de Saône. Direction le Loiret, au château de Châtillon-sur-Loing, en 1649. Clément Jaluzot, chef de cuisine du comte César de Choiseul, maréchal du Plessis-Praslin, invente la « prasline » sur un coup de hasard. La légende raconte en effet qu’un commis aurait laissé tomber des amandes dans du sucre bouillant ; le cuisinier aurait alors sauter sur cette erreur en or pour créer la friandise destinée à faciliter la digestion de son auguste patron.
• Au XIXᵉ siècle, les confiseurs du bassin lyonnais s’emparent de la recette. Pour la distinguer de sa cousine brune et lui donner un aspect festif, ils ont l’idée d’ajouter un colorant rouge (à l’origine de la cochenille, aujourd’hui des colorants naturels) au sirop de sucre cuit au chaudron de cuivre. La praline rose était née, prête à embrasser son superbe destin.
• Aujourd’hui, la praline rose tire sa saveur du « turbinage ». Les amandes ou noisettes torréfiées sont tournées dans une cuve en cuivre chaude pendant qu’on y verse progressivement le sirop de sucre. Le sucre se cristallise autour du fruit en couches successives, formant cette coque croquante et parfumée à la vanille.

Du bouchon au sommet des étoiles

Si la praline rose est devenue une institution, c’est parce que nos chefs et pâtissiers ont su la faire passer du sachet de confiserie aux plus grandes tables. Plusieurs glorieux exemples qui vont vous faire saliver ?

• La Tarte à la Praline Rose : popularisée dans les années 1970 par le grand chef trois étoiles Alain Chapel à Mionnay, cette tarte associe une pâte sablée pur beurre à un appareil fondu à base de pralines concassées et de crème liquide entière réduites à chaud. Servie tiède ou à température ambiante, elle offre un contraste saisissant entre le croustillant de la pâte et le fondant velouté du nappage.
• La Praluline© : créée en 1955 par Auguste Pralus à Roanne, cette brioche généreuse et pur beurre est pétrie avec d’immenses morceaux de pralines maison (mélange d’amandes de Valence et de noisettes du Piémont). À la cuisson, le sucre fond et imprègne toute la mie.
• Les incontournables des bouchons : les bouchons lyonnais ont également su décliner ces desserts classiques que sont l’île flottante nappée d’éclats de pralines, la glace artisanale à la praline, ou encore le fameux saucisson en chocolat farci de pralines concassées.

Le futur de la praline : quand les chefs osent l’audace

Attention cependant, si elle constitue un patrimoine culinaire, la praline ne dort pas sur ses lauriers. Le Mondial de la Praline en est la meilleure preuve : les artisans contemporains bousculent les codes pour réduire le sucre et explorer de nouvelles associations.

• L’équilibre des textures : la grande tendance actuelle est d’alléger la teneur en sucre sans perdre la gourmandise. Les pâtissiers jouent sur l’acidité des fruits (framboise, passion, citron vert) pour équilibrer la douceur de la praline.
• Le salé-sucré contemporain : de plus en plus de cuisiniers lyonnais intègrent la praline dans des plats salés ; il peut s’agir d’ajouter une panure de pralines concassées et d’herbes en croûte sur des viandes type carré d’agneau ou filet de chevreuil, d’insérer des éclats de praline insérés dans un boudin blanc ou dans une brioche saucissonne, de rehausser un foie gras avec un chutney de poire à la praline rose pour apporter du croquant et une note épicée.

Mes adresses fétiches : où célébrer la praline à Lyon ?

Pas question de vous parler de praline sans vous donner le bon itinéraire. Si vous voulez tester ce que Lyon fait de mieux, voici quelques étapes incontournables.

• Maison Pralus : le temple de la Praluline

Si vous ne devez goûter qu’une seule brioche dans votre vie, c’est celle-ci. François Pralus perpétue la création de son père avec un niveau d’exigence fabuleux. Quand vous passez devant la boutique de la Presqu’île ou de la Croix-Rousse, l’odeur de brioche chaude qui s’en échappe est une véritable invitation au délit.

• Maison Sève : la haute couture de la tarte

Pour la tarte à la praline rose, Richard Sève demeure le maître incontesté. Sa version est d’une précision chirurgicale : une pâte sablée parfaitement croustillante qui accueille un appareil à la praline au nappage miroir, ni trop lourd, ni trop sucré. C’est l’équilibre idéal entre le fondant de la crème et le croquant du fruit sec. Si vous cherchez la tarte qui mettra tout le monde d’accord lors d’un repas de famille, c’est ici qu’il faut commander.

• Sébastien Bouillet : l’audace pâtissière

La boutique de Sébastien Bouillet à la Croix-Rousse est un passage obligé. Ce pâtissier-chocolatier s’amuse à déstructurer les grands classiques lyonnais. Il propose des macarons à la praline à tomber, des entremets qui associent la praline rose à l’acidité des fruits rouges, et des créations saisonnières toujours surprenantes. C’est moderne, c’est beau, et c’est sacrément bon.

• Maison Voisin et Saint-Jean Délices : le savoir-faire brut

Pour celles et ceux qui veulent cuisiner leurs propres desserts ou simplement grignoter des pralines brutes, direction Voisin ou La Praline de Saint-Jean. Chez Voisin, maître chocolatier et torréfacteur lyonnais depuis 1897, la praline est travaillée dans les règles de l’art au chaudron. Dans le Vieux Lyon, Saint-Jean Délices vous permet même d’observer le travail de cuisson sous vos yeux.

Bon maintenant que vous en savez plus sur la praline et ses richesses, allez vous régaler !

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Avorter a un prix

Le titre de la série parle de lui-même : dans nombre de pays, avorter a un prix. Souffrance, mort, mise au ban de la société, condamnation … Les clichés de la photojournaliste franco-polonaise Kasia Strek s’enchaînent, montrant des femmes, parfois de très jeunes filles, en pleur, dans la douleur, la honte, le désespoir, résignées … ou décédées.

Pologne, Colombie, France, Philippines, Égypte, USA, Nigeria, Salvador, Irlande, partout à la surface de la planète, des femmes crèvent de ne pas avoir pu interrompre leur grossesse. Toutes ont essayé d’avorter, ont été contraintes de le faire clandestinement sans mesures d’hygiène adaptées. Violées, malades, trop jeunes, portant des enfants morts dans leur ventre … condamnées par des lois iniques et criminelles à disparaître plutôt qu’à bénéficier du geste médical que constitue une IVG.

Urgences vitales

On demeure sidéré.e devant ces images poignantes, ces larmes silencieuses, ces corps tordus de douleur, ces ventres scarifiés … Pudiques mais sans concession, explicités par de courts cartels, ces clichés mettent en évidence la réalité d’avortements pratiqués entre urgence, brutalité, précarité, chagrin : y apparait la chair marquée de femmes doublement, triplement victimes.

Comme l’expliquait très bien Simone Veil, interdire l’avortement n’a jamais empêché les femmes d’avorter, par contre elles avortent en secret et sans aucune sécurité. Avec cette série au long cours, Kasia Strek démontre magistralement ce qu’il advient lorsque le droit d’avorter est restreint ou prohibé. On n’y parle pas de confort ou de caprice, comme les conservateurs de tout poil aimeraient le faire croire, on y parle d’urgence vitale, de femmes forcées, violées, malades … et abandonnées, niées, dans leur préservation même.

Une faute impardonnable

Ces photographies tracent les contours de sociétés où la femme est réduite à sa seule fonction reproductrice. Le seul fait de vouloir interrompre une grossesse non désirée ou parce que l’enfant, non viable, représente un danger pour la mère, relève d’une faute impardonnable qui légitime la mort, morale, sociale, voire physique. C’est cela que Strek révèle et c’est odieux, abject.

Le terme « obscurantisme » semble presque trop faible pour désigner pareille croyance confrontée à des réalités de terrain aussi sordides. La série illustre par ailleurs le combat militant pour faire bouger les lignes, promouvoir l’éducation sexuelle, le droit à la contraception, la légalisation de l’IVG. Une lutte au quotidien, qui en dit long sur son importance et l’extrême fragilité du statut de la femme dans un XXIe siècle qu’on pensait voué au progrès technologique et à l’émancipation des individus quel que soit leur sexe.

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Pour mémoire, la Beautiful Skin est une soirée naturiste. Traduction : c’est dans le plus simple appareil que vous vous éclaterez sur les dancefloors du Klub. Ce qui implique quelques règles de savoir vivre des plus élémentaires : pas de racisme, de misogynie, d’homophobie, de transphobie, d’abléisme, d’agisme, de grossophobie et autres comportements de gros porc mal éduqué, intolérant et brutal. Juste de la gentillesse, de l’écoute, de l’amour et du fun … et surtout le sens du savoir-vivre et être ensemble, bref le socle même de toute civilisation digne de ce nom.

Cela dit, quid du programme de cette édition du 12 septembre ???

Pour les performance, on comptera sur Le Phalène, Violente Violette et Nin Amore, qui ont par le passé déja animé des soirées made in Bragi Pufferfish, donc des habitués, donc on sait qu’ils feront le job et plieront le game pour notre plus grand bonheur.

Pour les DJ sets, on misera sur :

Whistles of Loreley

Vikken

Pamela en personne

Sophie Braun

Fabisounours

Loki Starfish

Bon, ùmaintenant que vous êtes bien ambiancé.e, vous n’avez plus d’excuse !

Pour en savoir plus et préparer votre venue, consultez le compte Instagram des soirées Beautiful Skin.

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