Place des Vosges, au cœur du Marais : c’est là que se situe la Maison de Victor Hugo. Le grand écrivain y a résidé de 1832 à 1848. La demeure est aujourd’hui un musée dédié à la vie et à l’œuvre de ce grand génie littéraire français. Dans cet espace unique, imprégné de sa présence, chaque pièce dévoile des fragments de son existence, de son processus créatif.

L’art de vivre selon Victor Hugo

Le visiteur, tandis qu’il pénètre cet univers, découvre meubles et objets personnels, qui racontent les différentes périodes d’une vie d’artiste, triomphes littéraires, moments d’exil. C’est ici, dans cette maison, qu’Hugo écrivit certains de ses chefs-d’œuvre, dont Ruy Blas et Les Burgraves. La diversité des pièces exposées, des portraits aux manuscrits, témoigne de la richesse de son parcours créatif.

Et de ses talents de « designer d’intérieur ». Pendant son exil à Guernesey, Hugo s’est lancé dans la décoration, mêlant art asiatique et mobilier gothique, transformant et adaptant les pièces de mobilier rustiques à sa fantaisie, créant ainsi un univers singulier. Panneaux chinois peints, meubles réinventés, chaque objet présenté reflète la créativité d’un artiste très complet.

Une notoriété universelle

L’ensemble de ces détails raconte l’atmosphère d’un XIXe siècle vibrant, où littérature et politique se mêlaient à chaque dîner, chaque réunion. Les bustes de Rodin, les tableaux de Léon Bonnat, les portraits de Juliette Drouet et de ses petits-enfants soulignent l’importance des relations personnelles dans la vie de l’auteur.

La Maison Victor Hugo offre ainsi une exploration fascinante de l’esprit de l’écrivain à travers les œuvres et souvenirs qui l’entouraient, depuis le début de sa carrière jusqu’à sa mort. la chambre où il décéda est fidèlement reconstituée, évoquant des obsèques nationales à l’image de sa notoriété : universelle.

Hugo a marqué de manière indélébile l’histoire littéraire et culturelle française. La maison qui porte son nom le rappelle à chaque pas. L’exposition permanente, enrichie par des expositions temporaires, permet de redécouvrir non seulement l’écrivain, mais aussi l’homme derrière le mythe. Pour quiconque souhaite comprendre le génie de Victor Hugo, une visite à cette maison-musée est un véritable pèlerinage littéraire.

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site de la Maison de Victor Hugo.

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Tandis que la Dauphine et Tata Dedel (surnom que notre chère rédac chef a conquis auprès de ses étudiants et forcément, on l’a aussi adopté) s’escriment à évoquer le pour et le contre de l’IA artistique, j’ajoute mon grain de sel au débat en zoomant sur Portrait of Edmond de Belamy. Chacune le cite dans son article, sans trop creuser le truc. Du coup, c’est bibi qui s’y colle. Parce que la chose vaut quand même qu’on s’y arrête.

432 500 dollars

Portrait of Edmond de Belamy donc. Un personnage imprécis, sorte d’émanation de la peinture traditionnelle avec une très légère touche contemporaine de distorsion numérique, peut-être ? Un fantôme dilué dans l’encre, une sorte de flou artistique qui évoque certaines silhouettes de Victor Hugo, les photographies d’ectoplasmes, une miniature rongée par l’âge et la poussière. Franchement, pas ce qu’il y a de plus esthétique. Pourtant, l’œuvre va faire sensation lors de sa vente aux enchères chez Christie’s : 432 500 dollars !

Bien au-delà donc de son estimation initiale. Qu’est-ce qui légitime ce montant ? Portrait of Edmond de Belamy est la première œuvre d’art générée par IA. Elle porte dans sa texture même la problématique du processus créatif mi-homme/mi-machine : l’œuvre ici présentée est-elle le fruit d’un algorithme ou d’une interprétation humaine ? Le visage non distinct marque l’effacement de la frontière entre le réel et l’artificiel, l’originalité et l’imitation, l’humain et la machine.

Ouvrir la voie

C’était en 2018 ; six ans après, les IA génératives ont fait des progrès, en témoigne l’essor de l’IA art dont nous chroniquons régulièrement les créations dans nos rubriques. Portrait of Edmond de Belamy est certes moins abouti que ses successeurs. Mais il a le mérite d’avoir ouvert la voie, positionnant le collectif Obvious qui en est l’auteur comme un pionnier audacieux. Il faut dire que Hugo Caselles-Dupré, Pierre Fautrel et Gauthier Vernier ont su taper fort pour lancer cette création. Une vente en fanfare chez Christie’s, ça, c’est de l’event !

Rien de mieux pour attirer l’attention des médias et du public, isn’t it ? Avec pareil éclat, Obvious a su mettre en avant son travail sur les liens entre art et intelligence artificielle et les possibilités créatives offertes par les algorithmes d’apprentissage automatique. Car pour accoucher de Portrait of Edmond de Belamy, le collectif a utilisé les grands moyens : un type de réseau neuronal appelé GAN (Generative Adversarial Network). Et là, ça mérite d’être un peu détaillé.

Une énigme

Développé par l’informaticien Ian Goodfellow en 2014, le GAN se compose en gros de deux réseaux en concurrence : le générateur produit des images ; le discriminateur évalue si ces images sont suffisamment réalistes par rapport aux données de formation. Obvious a entraîné le GAN sur un corpus de 15 000 portraits datant de l’époque de la Renaissance à l’art contemporain. Objectif : « enseigner » à l’algorithme le style des peintures classiques. Il a ensuite fallu orienter les paramètres de l’algorithme pour que les résultats correspondent à l’apparence d’un portrait classique, (avec une marge d’erreur et d’imperfection).

À partir de là, l’algorithme a généré une série d’images, parmi lesquelles Obvious a sélectionné Portrait of Edmond de Belamy. Un aristocrate imaginaire, au visage flou, difforme, inachevé, presque gommé. Issue d’une lignée fictive d’individus créés par l’algorithme, la créature semble flotter sur la toile, aussi mystérieuse que son identité, son caractère et son passé. Une énigme à décrypter, un clin d’œil à l’imaginaire. Le nom même du modèle, « Belamy », se veut un hommage à Ian Goodfellow, dont il est une traduction approximative en français.

Une oeuvre ou pas ?

Grand débat ! Certains affirment que l’utilisation de l’IA n’enlève rien à la créativité ; l’artiste humain demeure présent dans le choix des données de formation, l’interprétation des résultats et la sélection finale de l’image. Pour d’autres, l’automatisation de la création par un algorithme remet en cause l’unicité de l’œuvre d’art, son processus créatif intrinsèque, voire même l’idée d’un « auteur ». L’IA n’a pas « eu l’idée » de peindre un portrait, ni choisi les couleurs ou les formes. Elle a exécuté des calculs basés sur les données qui lui ont été fournies.

Ainsi, les créateurs d’Obvious sont davantage des « curateurs » de la production algorithmique que des peintres au sens traditionnel. Certes, ils ont accompli une rupture historique en mettant en évidence l’IA comme outil artistique. En revanche, si l’on s’en tient à des critères esthétiques ou techniques, Portrait of Edmond de Belamy n’a rien de l’exceptionnel, surtout si on le compare aux chefs-d’œuvre intemporels des grands maîtres de la peinture.

P’tite conclusion ? On est d’accord, Portrait of Edmond de Belamy a démontré de manière spectaculaire que l’IA peut contribuer à produire des œuvres qui engendrent curiosité, émotion et réflexion. Le tableau invite à repenser les concepts d’artiste, de créativité et d’authenticité. L’IA collaborateur ? Co-créateur ? Acteur à part entière du processus créatif ? Pour le coup, cela reste à définir, avec le temps et l’évolution technologique. Est-ce souhaitable ? Là aussi, il y a gros débat. Ce qui est sûr, c’est que Portrait of Edmond de Belamy s’est plus distingué comme un manifeste sur l’avenir de l’art à l’ère numérique que comme une œuvre d’art à part entière.

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Nous vous l’expliquions en conclusion de notre article sur la série The Offer : on n’a pas encore terminé l’histoire rocambolesque de la création de The Godfather qu’on a une envie irrésistible de revoir ce film monumental et ses deux suites. De fait, à peine le dernier épisode du récit de Michael Tolkin bouclé, nous avons embrayé sur Le Parrain, avec un œil scrutateur, acéré par les révélations du feuilleton. Et nous avons savouré cette saga à sa juste valeur : celle d’un tournant majeur dans l’histoire du cinéma.

La famille Corleone

Pour ceux (rares) qui ignoreraient tout de ce chef d’oeuvre, Le Parrain est initialement un roman signé Mario Puzo. Un véritable best seller dont la Paramount a acheté les droits en vue d’une adaptation cinématographique menée tambour battant par un certain Francis Ford Coppola, avec dans son sillage l’auteur du bouquin bombardé scénariste, Marlon Brando dans le rôle titre, et une kyrielle de jeunes talents dont Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane keaton, Dick Smith au effets spéciaux, sans compter une jeune garde de producteurs et techniciens qui illustrent à eux seuls l’émergence du Nouvel Hollywood.

Le parrain, c’est Vito Corleone (impérial Marlon Brando), chef d’une des cinq familles mafieuses opérant sur New York. Respecté, craint, il protège les uns, punit les autres, fait régner l’ordre sur sa zone d’action. Objectif premier : assurer l’expansion de son clan, sa bonne santé financière, sa sécurité. Son épouse bien sûr, ses enfants, trois fils, une fille, leurs compagnons respectifs, les petits-enfants. Et puis il y a les proches, amis, lieutenants, soldats. Tous fidèles, loyaux, prêts à en découdre si un autre clan cherche la bagarre. Ou à trahir, au besoin, au profit d’un de ces gangs rivaux. Le genre de trahison qui déclenche une guerre toutes les cinq à dix ans, « pour purger le sang » comme l’explique Clemenza (Richard S. Castellano), le fidèle bras droit de Vito.

Michael Corleone : une vie de solitude

Une guerre qui se précipite alors qu’on tente d’assassiner Vito en pleine rue, sous les yeux de son puiné Fredo (John Cazale). A partir de là, tout dérape pour le cadet Michael (Al Pacino), qui jusqu’à présent se tenait à l’écart des affaires familiales, entrant dans l’armée après des études réussies pour par la suite entamer une carrière politique. Mais bon sang ne saurait mentir, des trois frères il est le seul à avoir les épaules, le mental, l’intelligence, la personnalité pour reprendre l’activité du père. Et il va faire ce qu’il faut pour, quitte à devenir un fugitif, quitte à devenir ce qu’il ne voulait pas être. Quitte à se condamner à une vie de solitude et de tourments.

Michael est le véritable héros de cette saga, les trois tomes de cette odyssée évoque trois temps de sa vie de parrain mafieux, sa prise de pouvoir, sa lutte quotidienne pour maintenir cette puissance, son désir de rendre cette puissance enfin officielle et légitime. Il y laissera beaucoup, beaucoup trop. Les sacrifices seront constants, de plus en plus lourds, de plus en plus douloureux, jusqu’au dernier, insupportable. C’est cet homme sous tension, dépassé par un destin dont on n’arrive jamais à déterminer s’il le subit ou s’il l’a choisi, que nous observons se transformer de chapitre en chapitre, dans l’ombre d’un père qu’il révère, dont il veut protéger l’héritage. Quitte à embrasser des valeurs qui ne sont pas forcément les siennes initialement.

Tragédie documentaliste

Froid, calculateur, rusé et manipulateur, Michael Corleone est plus qu’un chef mafieux, c’est véritablement un condottiere de la Renaissance, une émanation moderne du Prince selon Machiavel. Al Pacino, par son interprétation halluciné, ses changements de ton, sa nervosité contenue, son regard fixe, glacial et fiévreux à la fois, en fait même un héros de tragédie. Car c’est d’une tragédie qu’il s’agit au final, Puzo et Coppola modelant leur scénario commun en s’inspirant des Atrides, du Roi Lear de Shakespeare. Pour tout dire, Michael Corleone est « une force qui va » comme le dit Hernani, héros emblématique du drame romantique made in Victor Hugo. Rien ne peut, rien ne doit entraver sa course.

Cette tragédie est d’autant plus crédible qu’elle s’enracine dans une approche presque documentaliste. Coppola soigne les moindres détails de son récit, de ses décors, de ses costumes. Le choix de Dick Smith, pape des effets spéciaux, n’est pas un hasard, les scènes de violence et de meurtres, sans tomber dans le gore, sont crédibles, vraisemblables. Idem pour les séquences de repas, le choix de faire jouer les acteurs dans une vraie cuisine, de les faire préparer les aliments. Et puis il y a l’ancrage historique, notamment dans le second épisode, avec en toile de fond, la révolution castriste et la crise de Cuba. Qu’ils le veuillent ou non, les membres de la famille Corleone ne peuvent s’absoudre de la réalité politique. Michael, en bon entrepreneur, se doit même d’intégrer ce paramètre à sa stratégie de développement.

Le premier film moderne sur la mafia

Ce souci naturaliste, porté par une équipe en majorité italo-américaine, dont les racines baignent dans ces références, n’empêche guère la volonté de façonner une esthétique très particulière, tissée d’ombres et de lumières, à la manière de Caravage. Adepte d’un maniérisme photographique, Coppola joue sur les contrastes entre intérieur et extérieur, nature et ville, Amérique et Europe. Chaque plan est ciselé, orchestré, chorégraphié avec un souci maniaque, une exigence naturaliste qui n’est pas sans évoquer le travail du réalisateur Visconti. Le montage de  William Reynolds et Peter Zinner parachève cette approche très particulière, de même le travail des répliques (le cultissime « je vais lui faire une offre qu’il ne pourra pas refuser« ), la musique charismatique de Nino Rota, et cet enjeu incroyable de ne jamais prononcer le mot « mafia » dans un film qui en parle avec tant de brio.

Au point d’incarner le vent de folie créatif qui a secoué les studios américains dans les années 70, engendrant ce Nouvel Hollywood si prolixe en chefs-d’œuvre et en talents, et de devenir une référence en la matière, d’accoucher du premier film moderne sur la mafia, avec à la clé un pattern récurrent désormais inscrit dans les films et séries traitant du sujet, qu’il s’agisse de The Good Fellas de Scorcese ou de la magistrale série Peaky Blinders. Et de s’inscrire parmi les meilleurs films au monde si l’on en croit un certain Stanley Kubrick (le second après Citizen Kane, selon l’American Film Institute en 2007), multiprimé, conservé à la bibliothèque du congrès pour son « importance culturelle, historique ou esthétique ». Comme quoi, il n’y a pas de hasard.

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Une France au bord de la faillite, 200 milliards de dette à rembourser, l’ensemble des pays de l’Union Européenne qui guettent le dernier sursaut pour dépecer la République de nos pères, avec en prime un président qui disparaît et un ministre de l’Intérieur qui veut devenir calife à la place du calife : voici la délicate situation avec laquelle Alphonse Dumoulin va devoir composer. Alphonse Dumoulin, professeur d’Histoire devenu président du Sénat, se retrouve président de la République par intérim, puisque le responsable officiel de la plus haute fonction de l’État s’est évaporé dans ses toilettes.

Un regard impertinent sur les arcanes de la géopolitique hexagonale

Alphonse président donc… C’est le titre de la série TV menée avec brio et une énorme dose de folie par Nicolas Castro pour le compte de OCS qui récupère là un certain esprit Canal du temps des Guignols et du tandem Lescure/De Greef. Il faut dire qu’Alphonse va bien ramer pour tenter de sauver les meubles et les dorures de Marianne, … et que sa première ministre ne va guère lui faciliter les choses. Car autant Alphonse est « vieille France », inspiré par la Révolution, De Gaulle et Victor Hugo, autant Amandine est école de commerce, ENA et geek à mort. Forcément ça a du mal à coller.

Mais il faut savoir faire contre mauvaise fortune bon cœur. Il va bien falloir la sauver, cette France tant aimée que chacun sert à sa manière, mais toujours fidèlement. Pas forcément avec succès, mais toujours avec imagination et en payant de sa personne… quitte à exploser les limites du ridicule. En dix épisodes format court mais coup de poing, Amandine et Alphonse se démènent pour les trouver, ces deux cents milliards, et tous les moyens sont bons pour y parvenir, ce qui nous vaut quelques séquences désopilantes emmenées par un Michel Villermoz exceptionnel (quand on débute dans l’anthologique Vibroboy de Jan Kounen pour finir sur les planches de la Comédie Française, on est forcément exceptionnel), et un regard impertinent sur les arcanes de la géopolitique hexagonale.

https://www.theartchemists.com/alphonse-president-2-sus-a-davos/

De la difficulté de rassembler

Un regard impertinent et assez juste, sur les relations complexes dans l’Union européenne, les revendications actuelles en termes d’autonomie, les avides ambitions des politiques, leurs petites tractations de pouvoir, le fonctionnement d’un ministère et ces délicates interactions entre ministre et conseiller (ici un Bruno Gouery survolté dans ce personnage d’énarque qui en prend plein la tête, véritable souffre-douleur d’une petite peste propulsée ministre qui le traite comme une bouse), l’équilibre entre législatif et exécutif… et toujours la courbe du chômage, le poids de l’économie, des finances, des entreprises, du CAC 40 … Surtout l’obligation de parler à tous, d’être rassembleur des différentes classes sociales, des générations…

Si l’intrigue d’Alphonse président est traitée comme une farce (au même titre que le très bon José, également produit par OCS), avec un enchaînement de péripéties rocambolesques, le fond est plus fin qu’il n’y paraît. La politique n’est pas si simple, la cohabitation non plus, la négociation encore moins. On pense immédiatement aux magnifiques documentaires La Négociation et L’Assemblée, aux films La Loi ou La Conquête, tous calqués sur la réalité, et on se dit que la fable de Castro a ceci d’opportun qu’elle fait rire de ce cirque, … mais en montre la nécessité et la difficulté.

Et plus si affinités

Vous pouvez regarder la première saison d’Alphonse président en VoD sur OCS ou Madelen.

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Les touristes s’y précipitent, les grandes marques de luxe y exhibent leurs vitrines, les cinémas y pullulent, on s’y promène, on s’y exhibe : la plus belle avenue du monde n’en finit plus de fasciner les foules et pourtant que sait-on vraiment des Champs Élysées ? Ce haut lieu de la vie parisienne n’a pas acquis sa réputation par hasard. Et il revient à Claude Maggiori d’en évoquer l’attrait au travers du livre Champs Élysées – Quand l’Histoire de France passe par la plus belle avenue du monde.

Une avenue mythique

En deux cents pages où se croisent récits et documents d’archives, gravures et photographies, témoignages et analyses, l’auteur met en évidence le lien très fort que cette avenue devenue mythique a entretenu avec la France en majesté. Tracée en 1670 sur des terrains marécageux assainis sur l’ordre de Marie de Médicis, cette allée traversait initialement bois et jardins pour progressivement rallier Paris et Versailles. Petit à petit, on va construire, des cabarets, puis des hôtels particuliers. Au fur et à mesure qu’elle se développe, l’allée devient avenue et cristallise les événements de poids.

Parigramme : parce que Paris est une fête, racontons-la !!!

Tensions et réconciliations

Affrontements des royalistes et des républicains durant la Révolution, cortège des milliers de Parisiennes parties chercher Louis XVI et sa famille à Versailles, veillée funèbre du cercueil de Victor Hugo, défilé des troupes nazies entrant en conquérantes dans Paris, joie des Parisiens libérés quatre ans plus tard qui acclament De Gaulle, les Champs Élysées sont un réceptacle des victoires et des chagrins, des tensions et des réconciliations. En racontant son histoire, c’est celle de la France que l’auteur met en exergue, d’une manière particulièrement originale, ainsi que celle de Paris, capitale sans cesse en développement, qui mérite ici son surnom de Ville Lumière.

Et plus si affinités

Pour en savoir plus sur le livre Champs Élysées – Quand l’Histoire de France passe par la plus belle avenue du monde, vous pouvez consulter le site de l’éditeur Glénat.

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C’est dit, annoncé, relayé, encensé : le 30 novembre 2021, Joséphine Baker entrera au Panthéon … et par la grande porte. Hommage plus que mérité pour cette femme combative et investie, qui s’impliquera dans la résistance avec courage et abnégation, luttera contre le racisme, la tyrannie, l’intolérance sa vie durant. Un honneur amplement mérité, une reconnaissance nationale riche de significations à différents points de vue. Et de questionnements multiples. Explications.

A lire également : Joséphine Baker : la Néfertiti du temps présent

La première femme de couleur à entrer au Panthéon

La décision a été prise durant l’été par le président Macron : Joséphine Baker sera la première femme noire à rejoindre la crypte des Grands Hommes (il était temps), histoire de grossir le groupe des 5 dames qui y reposent déjà, j’ai nommé Sophie Berthelot, Marie Curie, Germaine Tillion, Geneviève de Gaulle – Anthonioz, Simone Veil. Et de compléter  parmi les 75 membres masculins de cette prestigieuse assemblée, la maigre délégation des personnes de couleur, Alexandre Dumas, Félix Eboué, et les mannes de Toussaint Louverture, général franco-haïtien qui combattit l’esclavage, ou Aimé Césaire, poète de la négritude (dont les restes sont demeurés à sa demande aux Antilles), honorés par des plaques commémoratives (eh oui, on peut intégrer le Panthéon par inscription interposée, en témoignent les quelque mille noms gravés sur les murs, auteurs morts au combat, Justes, généraux prestigieux …).

Cela faisait déjà un certain temps que l’idée courait, défendue par des fans inconditionnels : une première pétition drivée par Régis Debray en 2013 avait rassemblé 38 000 signatures, reprise en 2019 par celle de Laurent Kupferman. Le “conseiller mémoire” du président Macron,  Bruno Roger-Petit, a remis le sujet sur le tapis par la grâce du collectif “Osez Joséphine Baker !” avec à l’appui des voix célèbres comme celle du fils adoptif de l’artiste, Brian Bouillon-Baker, ou du chanteur Laurent Voulzy. Un forcing productif qui tient du lobbying : l’assentiment du chef d’état a été assorti d’un gracieux “ ça a de la gueule » (cf Libération) qui n’aurait pas forcément déplu à la meneuse de revue dont le côté direct était proverbial. Panthéonisation validée donc, avec son lot de significations fortes, inscrites dans une tradition républicaine bien spécifique.

Le Panthéon : un symbole patriotique fort

Pour bien comprendre la chose, il faut une grille de lecture … qui s’enracine dans l’histoire du monument. Commanditée par Louis XV, l’église construite par Germain Soufflot dans un style néo-classique très prisé à l’époque (et un brin inspiré par le Panthéon de Rome) était initialement vouée à accueillir les restes de Sainte Geneviève, protectrice attitrée de la capitale, et éventuellement les dépouilles de la famille des Bourbons, d’où la superficie de la crypte, dont les trois quarts sont toujours inoccupés (ce qui laisse de la place pour accueillir bien d’autres héros, on pense par exemple aux membres du groupe Manouchian assassinés par les nazis). Nous sommes en 1764 ; arrivent 1789, la Révolution française, la chute progressive de la monarchie, l’An I de la République qui se profile.

Un régime politique en pleine mutation, qui a besoin de symboles patriotiques forts pour fédérer la population et marquer sa légitimité. Il faut bien proposer une alternative au profil du monarque absolu, décrété de droit divin. 1791 : l’Assemblée décrète en fanfare le changement de statut de l’église Sainte Geneviève, dorénavant destinée à accueillir la dépouille des grands chantres et héros de l’esprit révolutionnaire dans un véritable processus de déification républicaine : Mirabeau, Voltaire, Rousseau, Marat …. Finalité : créer un pendant à la grande nécropole royale de Saint Denis, qui sera du reste saccagée en 1792, pour récupérer le métal des cercueils et en faire des canons (les restes seront vidés dans une fosse commune). Le pli est pris, le Panthéon continuera d’accueillir les Grands Hommes sous Napoléon Ier qui récompense ainsi feu ses serviteurs les plus dévoués.

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Panthéoniser n’est jamais neutre

La Restauration monarchique conserve le principe tout en l’atténuant, restituant au monument sa fonction religieuse initiale. Idem sous Napoléon III. La IIIeme République relance le processus en 1885 avec l’intronisation magistrale de Victor Hugo (grand opposant du Second Empire, dixit Les Châtiments et le vers célèbre « Et s’il n’en reste qu’un, je serai celui-là« ) et un décret officiel des plus clairs, stipulant noir sur blanc que “les restes des grands hommes qui ont mérité la reconnaissance nationale” reposeront de facto dans les souterrains du Panthéon. Les grands hommes : politiciens, militaires, auteurs, scientifiques, résistants, des figures exemplaires qui incarnent les valeurs inscrites dans la Constitution, qui ont servi la France par leurs actions, leurs combats, parfois jusqu’à la mort (dixit Jean Jaurès, Jean Moulin ou Pierre Brossolette). Panthéoniser n’est donc jamais futile, encore moins neutre. 

Fait du prince, qu’il soit roi, empereur ou président, la décision est porteuse de sens, puisqu’il s’agit de mettre en lumière ce qui fait l’exception des valeurs françaises … et l’orientation du pouvoir en place. A ce titre, il est intéressant de considérer ceux qui ont été exclus du Temple de la Nation après y avoir été installés en grandes pompes : Mirabeau, viré du saint des saints quand on découvrit combien il était corrompu … ou Marat, dépanthéonisé le 8 février 1795 après avoir été installé six mois auparavant dans un des blancs sépulcres le 21 septembre 1794. Prétexte officiellement invoqué : un citoyen ne peut rallier le club sélect du Panthéon que dix ans après son décès. Officieusement, la violence extrême du révolutionnaire, ses incessants appels au massacre, son influence sur le peuple … autant de facteurs devenus embarrassants.

Panthéon médiatique : y entrer … ou pas ?

C’est que se sont enchaînées coup sur coup la chute de Robespierre, la fin de la Terreur, la Convention thermidorienne. Marat n’est plus en odeur de sainteté patriotique dans un pays en quête de réconciliation, sinon d’oubli. Traduction : on panthéonise ou pas pour le service de l’Etat, afin de porter une ligne politique définie. Car la cérémonie est ultra-codifiée. Validé par un décret, organisé par le ministre de la culture, le rituel implique la remontée de la rue Soufflot, le discours du président, l’entrée du corps dans le bâtiment, la mise au tombeau … sans compter des préparatifs étalés sur deux mois ou plus, avec la paperasse nécessaire à l’exhumation du corps, son transport, le marquage et la sécurisation du parcours, la gestion des invitations, la couverture presse … bref un instant hautement protocolaire dont la portée médiatique est incontournable.

Événementiel, relations publiques, stratégie de communication : aucun cynisme dans ces mots. Le général De Gaulle a toujours fermement refusé d’être panthéonisé (il l’a même stipulé dans son testament), le fils d’Albert Camus a également écarté les offres concernant son illustre père ; en question : la peur d’une récupération politique, qui plane forcément sur ce type de décision officielle que seul le président peut entériner. Et en filigrane, une certaine conception de la société, du bien commun. En témoignent également les nombreux dossiers en souffrance, dont la presse se fait régulièrement le relais : La Fayette par exemple ou Descartes … Et puis il y a les suggestions défendues avec rage par des personnalités et/ou des associations promptes aux techniques d’influence les plus pointues pour privilégier leur poulain. 

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Panthéonisation et tendances sociales

Olympe de Gouges, Louise Michel, Denis Diderot … les options ont chacune leurs adeptes, convaincus du bien-fondé de leur choix. Problème : il faut que la sélection corresponde aux tendances de l’opinion publique. Ce n’est pas pour rien qu’en 2013, une consultation participative a été lancée sous la houlette du président Hollande afin de recueillir les avis des Français sur les personnalités à panthéoniser. Ceux qui franchissent le seuil de la nécropole doivent rallier les suffrages, et ne surtout pas froisser les consciences. Ainsi, le président Macron a retoqué la potentielle panthéonisation de Gisèle Halimi, pourtant réclamée par les associations féministes (34 000 signatures, ce n’est pas rien) ; en cause l’engagement de l’avocate contre la guerre d’Algérie, un facteur de clivage selon le chef de l’Etat, comme l’évoque L’Express. 

Quant à Rimbaud, la proposition fut rejetée en début d’année comme l’évoque 7sur7 au grand soulagement de la famille qui voulait éviter le rapprochement avec la dépouille de Verlaine (qui a quand même tenté de flinguer Rimbaud) et le risque de réduire le parcours du jeune poète à cette seule relation homosexuelle. Une féministe et anti-colonialiste convaincue, un homosexuel libertaire devenu marchand d’armes … deux potentielles pommes de discorde, qui pourraient fâcher les prudes et les réactionnaires, dont les votes sont pourtant bien précieux en période de réélection ? Tant qu’à rassembler, autant le faire avec une personnalité moins “clivante” pour reprendre le terme à la mode, plus fédératrice et représentative d’une intégration réussie à l’heure où les gosses de banlieue sont en quête de reconnaissance. Médisante, je suis ? Ou lectrice intriguée du très marquant Propaganda d’Edward Bernays ? Tout simplement au fait de l’importance des rituels dans une société en manque de repères, surmédiatisée et oublieuse de son Histoire ?

L’hypocrite caution des puissants

Revenons-en à Joséphine Baker, son sourire éclatant en toutes circonstances, qu’elle porte une ceinture de bananes ou son uniforme et ses décorations, quelle pose pour les cubistes ou Harcourt, qu’elle s’échappe des ghettos américains ou qu’elle s’occupe de ses gosses adoptés aux quatre coins du monde, sa tribu arc-en-ciel, dans un château dont elle peine à payer l’entretien (peut-être aurait-on pu alors l’aider financièrement pour la dédommager de ce qu’elle a fait pour la liberté et la justice, et on ne remerciera jamais assez Grace de Monaco, son amie, de l’avoir recueillie pour lui éviter la misère). La dame avait du cran, des valeurs, du courage en plus du talent. Modeste, humble. Avec du cœur, beaucoup, sans compter, jamais. La voir rejoindre Zola et Jaurès n’est que fierté et justice, car Joséphine Baker possède ces principes inscrits au fronton de nos institutions : liberté, égalité et surtout fraternité. Un symbole fort, qu’on aimerait tant être celui de la réconciliation …

Ce qui est plus gênant, c’est le contexte (toujours regarder le contexte dans ces histoires-là) : si panthéoniser Joséphine devenait urgent pour des raisons évidentes de reconnaissance, pour ses engagements et ses luttes, le faire à l’orée d’une bataille électorale clé, au cœur d’une pandémie interminable, après une gestion pour le moins nébuleuse de la crise sanitaire du covid, alors que les hôpitaux sont en déshérence (elle qui servit la Croix-rouge avec tant de dévouement, pas dit qu’elle apprécierait), que les DOM-TOM sont ravagées, que notre territoire, historiquement terre d’asile, a été brutalement fermé aux afghans fuyant le régime taliban (n’oublions pas qu’elle a milité auprès d’un certain Martin Luther King, participant en 1963 à la célèbre marche pour l’émancipation des Afro-Américains où elle prit la parole aux côtés du pasteur) … Cette femme en quête de justice et d’équité aimerait-elle incarner les valeurs de pareille société ? Etre “l’allégorie” de cette nation-là, pour reprendre les termes de Jennifer Guesdon, membre du collectif “Osez Joséphine Baker !” sus-nommé ? 

La question mérite d’être posée. Et méditée. Les morts, jamais, ne doivent être l’hypocrite caution des puissants. 

Et plus si affinités : 

Voici les articles que nous avons consultés pour rédiger ce texte ; n’hésitez pas à les parcourir pour compléter votre approche et affiner votre jugement.

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Décidément, Ryan Murphy n’en finit plus de s’imposer comme LA référence de ce début de XXIeme siècle en matière de séries à la fois qualitatives, divertissantes et engagées. Nouveau joyau à inscrire à son palmarès : le superbe Halston.

Succès, chute et rédemption

Cinq épisodes de 45 minutes chacun pour narrer le destin du couturier américain depuis ses débuts de modiste préféré de Jackie Kennedy jusqu’à sa chute et sa rédemption en passant par un succès planétaire éclatant sur les catwalks du monde entier. Dans le sillage de cet Icare de la mode, des personnalités flamboyantes comme Liza Minelli, Elsa Peretti, Victor Hugo … Pour illuminer son apogée, la folie du Studio 54, la drogue et les orgies à gogo … pour annoncer sa décadence, l’épidémie de SIDA qui l’emportera. Et pour valider sa légende, les magnifiques costumes dessinés pour la chorégraphe Martha Graham.

La grandeur d’un nom

Le tout emballé dans une adaptation du livre de Steven Gaines Simply Halston : The untold story, adaptation flamboyante, ultra dynamique et sans concession comme seuls Murphy et son comparse Ian Brennan savent en faire. L’occasion de rendre à Halston la grandeur de son nom, nom qui lui fut littéralement volé par des investisseurs peu scrupuleux. La série donne à voir, outre cette folie créatrice à l’œuvre durant les 70’s, la manière dont le secteur de la mode est alors devenue un juteux business où s’engouffrèrent des hommes d’affaire plus désireux de s’enrichir à tout va que de protéger les arts.

https://youtu.be/yCgdWHwEnrg

Les démons de la finance

Styliste génial mais toujours en quête d’argent pour réaliser ses rêves, Halston paiera bien trop cher ce pacte avec les démons de la finance. Outre sa santé rongée par l’épuisement créatif, la drogue et le sida, il y laissera son entreprise, sa célébrité, son nom. Et son inspiration. Pour interpréter ce géant aux pieds d’argile, égocentrique, insécure et attachant, Ewan McGregor, proprement stratosphérique, qu’il s’agisse de draper une robe, de se rouler dans la fange ou de pleurer de chagrin devant sa vie gâchée. Et pour l’accompagner un casting percutant où Krysta Rodriguez se distingue, époustouflante Liza Minelli.

Une revanche

On ressort de cette série à la fois ébloui, ému, le cœur serré par semblable parcours. Mais comptez sur Murphy pour savoir réveiller les mémoires endormies. Halston tient ici sa revanche : Netflix est devenu LE prescripteur international par excellence. Cette nouvelle production, qualitative et osée à la hauteur du Saint Laurent de  Bertrand Bonello auquel elle pourrait faire écho, devrait déclencher de véritables passions pour ce génie fasciné par Balenciaga, inscrit dans la culture américaine, mais dont le nom s’était doucement effacé après avoir fait trembler la concurrence européenne.

Et plus si affinités

Vous pouvez regarder la série Halston sur Netflix.

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Un an et demi de pandémie, un troisième confinement qui s’éternise, d’autres potentiels épisodes d’enfermement au gré d’une remontada des contagions … le secteur du spectacle vivant n’en finit plus de souffrir, et plus spécifiquement celui du théâtre. Quelle marge d’action quand les salles sont bouclées, les festivals annulés, les rassemblements interdits ? Reste la rue, la clandestinité ou le live stream. Autant de solutions que nous scrutons avec intérêt depuis l’arrivée du COVID sur la scène internationale. Et de loin en loin, un nom : Opsis TV.

Le “Netflix du théâtre”

Un nom que nous avons cité une fois déjà dans notre longue réflexion sur la digitalisation express du monde de la culture, avec comme point d’interrogation sa possible monétisation. De simple exemple évoqué au détour d’une démonstration, Opsis TV est devenu un sujet en soi. La start-up voit le jour en 2016 avec un objectif pour le moins ambitieux : devenir le “Netflix du théâtre”.  Pas évident quand on sait l’attachement viscéral qu’ont les théâtreux au rapport direct avec le public, élément essentiel de la magie dramaturgique. La captation vidéo n’est qu’un outil pour améliorer la prestation, alimenter une restitution télévisée occasionnelle, être éventuellement gravée sur DVD dans les cas les plus prestigieux (Comédie-Française, Théâtre du Rond-Point, Au théâtre ce soir …).

Le Covid est passé par là qui a fichu un coup de pied dans ces certitudes. Du jour au lendemain, il a fallu survivre avec les moyens du bord : exploiter les réseaux sociaux pour conserver l’attention des fidèles, diffuser du spectacle sur le web pour maintenir le moral des troupes ; à ce titre, nous ne soulignerons jamais assez le travail magnifique d’Eric Ruf et les comédiens de la maison de Molière qui ont su investir ces outils avec un talent, une inventivité incroyables, sans jamais trahir la mission de préservation et de transmission du patrimoine dramatique qui est la leur. D’autant que cette aventure a séduit un nouveau public très impliqué, et surtout ravi d’avoir accès à ces pépites, depuis leur écran d’ordinateur.

Tous les répertoires

De grande peur, l’effet canapé est devenu une opportunité dont la team d’Opsis TV avait su mesurer l’importance en amont. Le streaming est devenu un réflexe, il vaut aussi pour la captation du spectacle vivant, concert, pièce, ballet, opéra, cirque … ARTE en est la preuve vivante, principalement en matière de live et de festivals. Pour ce qui est du théâtre proprement dit, c’est sur Opsis qu’il faut se reporter, dont le catalogue a de quoi faire rêver les férus de bons spectacles. Tous les répertoires sont représentés du classique avec Molière, Shakespeare, Victor Hugo, Corneille, Cocteau, Beaumarchais, Marivaux, au contemporain qui met en exergue de jeunes auteurs, des écritures innovantes, des acteurs et des metteurs en scène en émergence … Musique, danse, opéra sont également de la partie.

Cinq cent spectacles se partagent l’affiche d’OpsisTV, un chiffre qui augmente avec le temps et les nouvelles captations. Ajoutons un partenariat avec l’INA pour diffuser les mises en scènes historiques (Les Chaises de Ionesco avec Tsilla Chelton et Jacques Mauclair, Cyrano de Bergerac interprété par Daniel Sorano, Cocteau lu par Jean Marais …), des masterclasses où de grands comédiens, entre autres Francis Huster, Lionnel Astier, Michel Fau,  Anne Richard, expliquent leur rapport à l’art, leur manière de jouer, des documentaires explorant l’univers du spectacle sous toutes ses formes, des cours d’art dramatique, des visites guidées, des analyses et des lectures de textes … un zoom sur le festival off d’Avignon, des thématiques comme l’Histoire sur les planches ou la préparation du baccalauréat. Et des représentations en direct.

Partager un patrimoine d’une richesse infinie

Le tout pour 5,99 euros par mois, ce qui équivaut grosso modo au tiers du prix d’un billet de théâtre. La fin du spectacle vivant en direct avec de vrais acteurs et de vrais spectateurs dans la même salle au même moment ? Non, bien au contraire. Une formidable opportunité de partager un patrimoine d’une richesse infinie.

• Avec ces publics empêchés qu’on oublie trop souvent : malades, handicapés, personnes âgées, détenus … qui sont dans l’incapacité physique de se rendre dans un théâtre.
• Avec ceux qui sont trop loin géographiquement ; eh oui, tout le monde n’a pas la chance de vivre à Paris où l’offre est carrément pléthorique, ou dans le cœur d’une grande ville comme Lyon ou Marseille. Allez vous installer dans une ville moins importante, voire au cœur de la campagne et vous allez comprendre ce qu’est un désert culturel. Trois heures aller et retour dans des RER bondés et rares pour aller voir une pièce à la Comédie française, quand on sort d’une journée de boulot et qu’on doit remettre ça le lendemain matin à 8 heures pétantes, franchement faut être TRES motivé.
• Avec ceux qui n’osent pas : il y en a, beaucoup, qui ont abandonné l’idée même d’apprécier une pièce. Parce que les cours du lycée les ont dégoûtés, parce qu’ils n’ont pas grandi avec un accès à la culture, parce que la simple idée de rester deux heures le cul sur un fauteuil les fait frémir. Parce qu’ils ont une vision faussée de l’art dramatique qu’ils considèrent comme intellectuel et inaccessible.
• Avec ceux qui n’en ont pas les moyens : nous l’évoquions plus haut, une place de théâtre, c’est en moyenne 20 euros. Un budget vite présidentiel pour une famille qui voudrait aller au théâtre une fois par semaine.

L’avenir du théâtre

D’aucuns objecteront que le streaming théâtral va porter un coup aux rentrées financières des troupes et des théâtres. Pas forcément. La crise du COVID a mis en évidence la dépendance des salles face à une épidémie, ce que Shakespeare connaissait bien, du reste : à chaque cas de peste détecté dans Londres (et il y en avait régulièrement), les autorités bouclaient tous les théâtres de la capitale qui en abritait beaucoup, laissant les acteurs sur le carreau. Ces derniers ont dû s’organiser, en partant en tournée, en imprimant et vendant les textes, en jouant chez les nobles. S’ils avaient eu l’outil internet, ils en auraient fait grand usage, sans aucun doute. Et auraient saisi la balle au bond, pour exploser leur audience, toucher de nouveaux fidèles, créer autrement. Se singulariser dans un climat ultra-concurrentiel.

C’est toujours le cas. OpsisTV donne à voir des jeunes talents, des textes récents ; c’est une formidable ouverture sur l’avenir du théâtre. Et la possibilité de voir bien plus de spectacles depuis son fauteuil. En effet, l’offre en matière de spectacles est telle qu’on ne peut tous les voir. Opsis ouvre le champ des possibles, permet de “bingewatcher” des pièces relativement courtes comme on le ferait avec une série. C’est aussi l’occasion de repenser un rituel dramaturgique un peu guindé : entrer dans la salle, s’installer, ne plus bouger, écouter dans l’ombre, applaudir … ne pas parler, ne pas commenter, ne pas manger … C’est oublier qu’il y a encore deux siècles, le théâtre était un lieu de vie, où on ovationnait les acteurs au milieu des scènes, où on trinquait dans les loges, où on contait fleurette aux spectatrices … On arrivait au milieu du spectacle, on repartait avant la fin …

Revivifier le rapport au théâtre

Et que dire de la fameuse bataille d’Hernani qui a fini en véritable pugilat ? Le visionnage en mode Opsis revivifie ce rapport au théâtre, on peut regarder un spectacle, l’interrompre, le commenter, se lever pour aller chercher des gâteaux et du thé, le reprendre ultérieurement … et voir. Autre argument de taille si j’ose dire : la visibilité. Qui n’a pas eu le malheur d’être assis derrière un géant ? Ou au fin fond du poulailler au dernier étage avec un pilier devant soi ? Pour le coup, l’accroche “Soyez toujours au premier rang” devient bien plus qu’une promesse client ; c’est un véritable confort, une sérénité. On voit, on entend, on capte les changements d’attitude et d’expression sur le visage des acteurs, les détails des costumes, des décors … 

Et on a la chance de comparer. L’avant, l’après. Comment le jeu a évolué, comment la mise en scène s’est modifiée. Pas d’avenir sans mémoire. or la mémoire du théâtre est parcellaire. Combien de mises en scène prestigieuses sont perdues. L’exemple type : La Cage aux folles avec Serreau et Poiret dont il ne reste que quelques extraits. La perte est là, importante. Nombre des spectacles que nous avons chroniqués sur The ARTchemists n’existent pas en DVD, ils sont inscrits dans le catalogue des troupes qui les proposent aux programmateurs … mais si la troupe est dissoute, il n’en reste rien. Ainsi le magnifique Bettencourt Boulevard de Vinaver mis en scène par Schiaretti, vu via Mediapart et dont la captation est désormais inaccessible.

Education populaire

Bref cinq ans et une pandémie après sa création, OpsisTV démontre toute sa force de frappe. La plateforme s’inscrit dans un véritable mouvement d’éducation populaire que les institutions semblent avoir perdu de vue depuis longtemps. 

• Elle participe d’une ouverture sur la culture, un véritable décloisonnement social qui donne accès à une élévation, une réflexion.
• Elle donne à apprécier des spectacles qu’on n’irait pas forcément voir en direct, offrant une chance supplémentaire de percer pour des acteurs, des metteurs en scène, des auteurs, des troupes émergentes.
• Elle transmet un patrimoine d’une rare qualité littéraire et dramaturgique auprès de jeunes publics qui y puisent une nouvelle source d’inspiration.
• Ce faisant, elle préserve ce patrimoine, encourage sa captation, sa diffusion.

En son temps, Musset a initié le concept du théâtre dans un fauteuil, fait pour être lu. Aujourd’hui, OpsisTV, comme d’autres du reste, implante cette idée dans le terreau fertile de la VoD. Si cette dernière engendre des grosses machines comme Netflix ou Amazon Prime Video, elle inspire aussi des initiatives culturelles qui s’avèrent bien plus porteuses qu’elles ne le semblent au premier abord. Si l’outil internet influence de nouvelles formes d’écriture (Jeanne DARK opère régulièrement sur Instagram avant de rallier la scène du théâtre Olympia de Tours), il devient par ailleurs un réceptacle pour la mémoire du théâtre ainsi qu’un espace d’expression. Opsis TV participe activement de cette pouponnière où fleurissent déjà de magnifiques pousses dramatiques.

Et plus si affinités

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Censure : le terme revient en boucle, faisant dresser les cheveux des démocrates enragés, tandis que les conservateurs aimeraient bien fermer le clapet de ceux qui parlent trop de liberté. Officiellement exclue du jeu social par la Déclaration des Droits de l’Homme de 1789 qui prône la liberté d’expression comme un pilier fondamental de notre Constitution, cette peau de vache d’Anastasie a tout fait pour s’accrocher au monde artistique et intellectuel, taillant à grands coups de ciseaux dans les idées anti-conformistes, trop libertaires ou simplement contestataires.

Victor Hugo vs Anastasie

Ils furent nombreux à en faire les frais, Victor Hugo en tête. Eh oui, notre auteur le plus couillu (il en fallait de la burne pour se barrer tête haute du Second Empire érigé en rapt des consciences par Napoléon III) a souvent eu maille à partir avec les censeurs qui raturaient ses manuscrits à grands traits de plume bien pensante. Eh oui, manquerait plus que le père du roman fleuve Les Misérables secoue la matière grise du bon peuple, et on se retrouverait avec une Révolution bis et des têtes au bout de piques !

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Théâtre inflammable

Tremblants, les rois sur le retour firent donc leur maximum pour museler Hugo et ses collègues trop bavards. Et tous les moyens furent bons. C’est donc cette hypocrite institution anastasienne que Odile Krakovitch analyse avec la précision scientifique qui caractérise cette historienne spécialisée dans le sujet. Hugo censuré – La liberté au théâtre au XIXeme siècle se concentre sur l’univers dramatique, que fréquentait la population toutes classes confondues, jeunes, vieux, pauvres, riches, conservateurs ou progressistes : un univers hautement inflammable qu’il fallait à tout prix mettre en coupe réglée.

Bâillon culturel

Partant de l’affaire Le Roi s’amuse, drame hugolien écrasé dans l’oeuf malgré son succès, l’auteure démonte avec une évidente passion les rouages de cette mécanique du bâillon mental et culturel. Que censurait-on ? Comment ? Quelles étaient les peines encourues ? En quelques trois cents pages, rédigées comme une enquête policière, l’auteur raconte la force destructrice de la censure … et sa mort lente. Publiée en 1997 chez Calmann Levy, cette étude aussi pertinente que percutante, retrace un long démantèlement … et interroge notre actualité. Anastasie n’est plus dans sa forme première, … mais n’a-t-elle pas survécu autrement ? C’est tout la question, et comparer le XIXeme siècle romantique et notre XXIeme siècle commençant amène forcément à douter.

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J’entends déjà les fanas et les puristes hurler au charron. Mais que voulez-vous ? En revisionnant Barry Lyndon sur ARTE l’autre soir, j’ai immédiatement pensé au sketch de Coluche. Parce qu’il faut bien le reconnaître, Barry Lyndon, c’est un peu ça. Voire complètement. Au XVIIIeme siècle, en dentelles et robes à panier, mouches et tricornes certes. Mais c’est quand même ça. L’histoire d’un mec.

Tout foirer. Dans les grandes largeurs.

L’histoire d’un mec, qui fuit sa cambrousse irlandaise après avoir buté en duel le fiancé de son amour d’enfance, du moins le croit-il, et qui décide de conquérir le monde et une place sociale élevée dans une Angleterre figée dans ses codes, ses clans, ses interdits et sa dépravation. Il va y parvenir un temps, après moult péripéties, à grands coups de mensonges, de tricheries, de manipulations, de trahisons … mais une fois marié à une lady de la haute noblesse, riche, adulé, célébré, respecté … il va tout faire foirer. Dans les grandes largeurs. Perdre ce qu’il aime le plus haut monde. Se détruire. Et revenir à la case départ. Pour y sombrer dans la misère, la solitude, l’oubli. Trop d’ambition tue l’ambition. Et il faut bien avouer que Barry devenu Lyndon demeure un bouseux sans éducation, un grossier personnage, un malotru. Un raté.

Ce personnage avide de fortune, pervers et auto-destructeur, est à l’origine le héros du roman picaresque éponyme de Thackeray. Cet auteur victorien d’un rare cynisme ferait passer les œuvres de Dickens pour une cueillette aux fraises. En témoignent La Foire aux vanités ou L’Histoire de Pendennis, pour ne citer que ces exemples assez traumatiques, qui mettent en lumière la dureté de la haute société britannique d’alors, sa cruauté, son hypocrisie. Et la fascination qu’elle exerce sur ceux qui rêvent de lui appartenir … et se font éjecter tôt ou tard, car aristocrates et riches, ils ne sont guère de naissance. Exactement le parcours absurde de Barry Lyndon, sur lequel le réalisateur Kubrick jette son dévolu dans les années 70, pour compenser l’échec de son projet de biopic sur Napoléon.

Un fêlé touché par la grâce

Et là, c’est l’histoire d’un autre mec. Un génie artistique, un metteur en scène visionnaire, exigeant, d’une dureté incroyable avec ses acteurs et ses collaborateurs. Un fêlé touché par la grâce qui tourne son film à la lumière de chandelles quand tout le monde lui crie que c’est juste impossible. Qui travaille des mois durant à rassembler une documentation ultra-détaillée, pour tourner dans des décors sidérants de beauté, avec des costumes du XVIIIeme siècle authentiques, ou fabriqués d’après les peintures et gravures d’alors. Qui, dans chacun de ses plans nourris de sa passion de photographe, rend hommage aux grands maîtres Turner, Hogarth, Reynolds, Gainsborough, Constable, Stubbs. Qui tourne deux jours durant des séquences de portraits avec des comédiens quasi immobiles, pour obtenir le grain d’image qu’il souhaite.

Un mec qui fait répéter la même scène des dizaines de fois à son leading man Ryan O’Neal, jusqu’à le faire craquer et obtenir enfin l’intensité émotionnelle souhaitée. Qui condamne son actrice principale Marisa Berenson au silence ou presque, pour souligner sa beauté évanescente, la réification dont elle est l’objet de la part du héros devenu son époux plus par intérêt que par amour. Qui constitue la BO du film à partir de très grands pièces de compositeurs comme Haendel, Bach, Mozart, Vivaldi, s’autorisant un seul écart chronologique avec le trio pour piano et cordes n°2 de Schubert, afin d’ apporter la touche tragique nécessaire pour souligner la chute du héros, sa course à l’abîme.

L’initiation la plus terrible qui soit

Un mec qui va accumuler 300 jours de tournage, éclatés sur deux ans, avec en prime des menaces de l’IRA puisque une partie du set a lieu en Irlande, où l’on voit d’un mauvais œil les références du film à la présence de l’armée anglaise. Qui claque un budget de 11 millions de dollars avec un raté à la clé, puisque le film ne percera pas au box-office … mais deviendra culte en Europe. Une véritable leçon de cinéma qui n’a pas pris une ride. Un film contemplatif, diraient certains, dont les paysages absolument superbes tranchent avec l’ambition du héros. Un héros tout petit devant la puissance des éléments, de la Nature, de la vie … un anti héros romantique, une force qui va, dirait Victor Hugo, dans le mur tant qu’à faire.

Car l’aventure picaresque de Barry Lyndon est en fait une roman d’initiation, la plus terrible qui soit, la perte de l’enfant aimé, de la chair de sa chair, détruite en un instant, emportée par la mort sous forme de moutons empanachés de noir. Pas besoin de beaucoup de dialogue pour énoncer ce fracas intérieur, qui se heurte à la beauté du monde, avec une ironie bien plus mordante que les remarques pince sans rire d’un narrateur omniscient qui conclut cette navrante histoire par un épilogue sans appel : « Ce fut sous le règne du roi Georges III que ces personnages vécurent et se querellèrent ; bons ou mauvais, beaux ou laids, riches ou pauvres, ils sont tous égaux maintenant ». Et la Nature majestueuse demeure.

Cette histoire d’un mec racontée avec brio par un autre mec qui a tout compris à la tragédie du premier mec, car elle reflète notre tragédie à tous … Malheureux qui, comme Ulysse, a fait un long voyage dont il aurait finalement pu se passer, car cela ne l’a mené qu’au désordre et à la vacuité. Se brûler les ailes, réaliser qu’on n’a pas les épaules, perdre le goût des choses et finir par se suicider socialement, à la faveur d’un duel où on laisse l’adversaire gagner … parce qu’on n’a plus envie. Seul Kubrick pouvait capter cette profondeur, la restituer avec autant d’intensité et accoucher d’un chef d’œuvre véritable, universel.

Pour Taoufik.

Et plus si affinités

https://www.universcine.com/films/barry-lyndon

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