Ok, ok, Trump par-ci Trump par là, POTUS Trump colonise actuellement le devant de la scène médiatique avec ses projets d’invasion tout azimut, sa manière de gérer l’immigration et l’opposition en mode facho, sans compter sa mauvaise foi, son égo surdimensionné et sa manière clairement assumée de nous prendre tous.tes pour des cons. Si vous êtes comme moi, vous frisez l’overdose et la crise de panique. Raison de plus pour visionner l’excellent si juste et un brin prophétique The Apprentice. Et prions tous pour que nos dirigeants aient aussi regardé le film d’Ali Abbasi qui peut faire figure de mode d’emploi de Mister Orange.

Des règles simples

The Apprentice : l’apprenti, le novice. Titre aussi simple et dépouillé que juste puisque ces 122 minutes échevelées évoquent comment petit poussin Trump est devenu le charognard qu’on connaît aujourd’hui. Issu d’une meute menée de main de fer par un patriarche peu amène, Trump jeune adulte n’a guère d’aura, encore moins de pratique et surtout pas de réseau. S’il a les dents longues, elles ne brillent encore pas et ne trouent pas le parquet.

Tout ça va changer quand Roy Cohn le prend sous son aile. Avocat à droite toute qui se targue d’avoir conduit Ethel Rosenberg à la chaise électrique, Cohn est connu pour être un vrai salopard sans principe qui n’hésite pas à défendre les pontes de la mafia et se conduit un peu comme un parrain. Ses règles sont simples :

1. Attaquer, attaquer, attaquer : Ne jamais se défendre passivement. Toujours contre-attaquer, intimider, saturer l’espace médiatique. L’offensive permanente comme stratégie de domination.

2. Ne jamais admettre ses torts. Même face à l’évidence. Reconnaître une faute, c’est perdre. Le déni devient une arme politique et psychologique.

3. Toujours proclamer la victoire, peu importe la réalité des faits. Il faut affirmer qu’on a gagné, imposer son propre récit, jusqu’à ce qu’il devienne la vérité perçue.

Un prédateur aux appétits d’ogre

Voici donc le socle idéologique et comportemental que Cohn inculque à son protégé. La grille de lecture nécessaire pour comprendre un Trump qui va construire son personnage public selon cette triade. Deux heures durant, nous voyons le petit affairiste de l’immobilier muter en business prédateur aux appétits d’ogre et aux goûts pour le moins douteux. Au bureau ou chez soi, en public ou dans l’intimité, le portrait n’est guère flatteur, le monsieur imprévisible et égocentrique. Surtout lâche, déloyal et traître.

Cohn en fera les frais, de même sa première épouse Ivana, séduite puis progressivement abandonnée car lui faisant de l’ombre. Scène après scène, le portrait s’affine, les ressorts psychologiques apparaissent, les mécanismes se mettent en place. Au final c’est un Trump enfermé dans sa vision du monde qui s’impose, prêt à écraser tout ce qui ne lui convient pas. Tyrannique, infantile, incapable d’émotions pleutre, résolu à tout bouffer, y compris le fric de ses parents.

Fauves politiques et profils retors

Mais qui recule quand on lui dit non. Ce que Cohn aurait dû faire rapidement. Raté. Il se fera bouffer sans pitié … et sans combattre. Peut-être en visionnant ce parcours initiatique, vous vous direz que c’est un peu exagéré. Si seulement… mais non. Aux commandes du scénario, le journaliste Gabriel Sherman à qui l’on doit The Loudest Voice in the Room: How the Brilliant, Bombastic Roger Ailes Built Fox News – and Divided a Country, enquête qui servit de base à l’excellente série The Loudest voice. Un portrait aussi juste qu’effrayant de Roger ailes qui façonna Fox news.

En d’autres termes Sherman s’y connaît en fauves politiques et en profils retors et sans vergogne. Son récit est servi par une mise en scène nerveuse, speedée, dans une new-York des années 80 entre lumières et déchéance, nouveaux riches et misère crasse. Le binôme Sebastian Stan (sidérant en Trump junior maladroit mais motivé) / Jeremy Strong (impeccable Roy Cohn) saisit aux tripes un spectateur subjugué, fasciné. Et flippé quand il comprend de quel monstre Cohn va accoucher sans même s’en rendre compte.

Preuve que le film voit juste, on a peiné à le diffuser aux USA où la team de campagne de Trump a tout fait pour bloquer la sortie en salles (on comprend pourquoi). Raison de plus pour le visionner maintenant et fissa, histoire de comprendre un peu plus la logique et la conception du monde trumpienne. Un mode d’emploi très utile par les temps qui courent.

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Vous avez visionné la série Monster: The Ed Gein story ? Alors une référence a peut-être dû vous accrocher la rétine : celle du photographe Weegee. Coïncidence ? Aucune. Si Ed Gein, le boucher de Plainfield, a incarné la monstruosité à l’état pur, Weegee en fut le chroniqueur avant l’heure, photographiant la photographié une Amérique qui jouit de sa propre violence. Là où Gein disséquait les corps, Weegee disséquait la société — à coups de flash. Ce qui vaut bien un petit détour explicatif/analytique.

Shooter le crime

Commençons par le commencement. Qui était Weegee ? Arthur Fellig débarque dans le New York des années 1930, l’œil vissé à une Speed Graphic, une oreille branchée sur la fréquence de la police. Proto paparazzo avant l’invention du mot, ce chasseur d’ombres suit les sirènes des voitures pie avec acuité. Dormant dans sa voiture, il traque meurtres, accidents, incendies, tout ce qui témoigne du désastre urbain ambiant. Son nom de guerre, Weegee, vient du mot ouija, la planche qui permet d’entrer en contact avec les défunts. Parfait pour celui qui semble deviner où frappera la mort, vu qu’il arrive souvent sur les scènes de crime AVANT les flics.

Son terrain de jeu ? Manhattan by night, une vraie jungle où les rêves du New Deal s’écrasent dans le sang. Weegee photographie les victimes étendues sur l’asphalte, les veuves en pleurs, les badauds fascinés. Il photographie surtout leur regard — celui des vivants qui scrutent le travail de la Faucheuse. C’est là sa modernité. Ses clichés exposent le voyeurisme collectif, la jouissance morbide qui colle à la peau de l’Amérique, nation brutale depuis le berceau. L’Amérique de la Bible et du colt, de la morale et du lynchage.

Le spectacle du mal

La force de Weegee ? Il ne cherche jamais à enjoliver. Ses photos sont brutes, de véritables uppercut visuels. Les spectateurs de ses clichés — policiers, badauds, journalistes — sont fascinés par l’horrible, au même titre que les lecteurs de tabloïds, les spectateurs de télévision, les consommateurs de true crime dont ils préfigurent l’émergence. Avant la télé, avant Netflix, avant les podcasts criminels, Weegee invente la pulsion scopique américaine. Celle qui transforme la douleur en spectacle, la mort en marchandise.

C’est l’autre versant du rêve américain : pendant que les uns construisent des gratte-ciels, d’autres prennent des photos de cadavres. Quand on regarde une image comme Coney Island, Sunday, 1940, cette foule en transe sur la plage, on comprend que Weegee ne photographie pas seulement le crime, mais le vertige collectif. Il voit la ville comme un organisme vivant, haletant, hystérique, où la violence n’est pas l’exception, mais le rythme cardiaque.

L’Amérique schizophrène

C’est ce que Brennan et Murphy ont compris en insérant Weegee dans leur série sur Ed Gein : le meurtrier et le photographe sont les deux faces d’un même pays. L’un agit, l’autre contemple. L’un tue, l’autre révèle. Mais tous deux participent à une mythologie où la violence devient un miroir identitaire. Les États-Unis se construisent sur un paradoxe : une nation puritaine obsédée par le péché, fascinée par le sang. Une société qui condamne la perversion tout en la vénérant dans ses fictions.

Weegee, sans le vouloir, met à nu cette contradiction. Ses photos montrent une humanité dévastée, qui trouve dans le crime un exutoire. Regardez ses clichés de couples endormis dans des cinémas miteux, de prostituées interpellées, d’enfants jouant à côté d’un cadavre : tout est là, la beauté et l’abjection. Une esthétique de la dissonance, qui inspire plus tard le film noir, le polar, et toute une lignée de créateurs, Kubrick, Warhol, Lynch, Cronenberg, Scorsese.

De l’instantané au mythe

Weegee ne se contente pas de capturer la réalité : il la théâtralise. Ses cadrages sont millimétrés, ses contrastes calculés. Le réel devient mise en scène. C’est pourquoi ses photos s’imposent aujourd’hui comme une préfiguration du cinéma américain moderne. Quand Kubrick tourne Dr. Strangelove, il s’inspire de Weegee pour créer son personnage halluciné — jusqu’à l’imiter dans son phrasé et son accent.

Plus tard, Warhol s’en servira comme icône du voyeurisme urbain. Dans le fond, Weegee est l’inventeur du “crime pop”, bien avant Tarantino. Il transforme le fait divers en art, le sordide en icône. Pas par cynisme, mais par lucidité. Parce qu’il a compris que l’Amérique ne pouvait pas se comprendre sans ses cadavres.

Le voyeur et le miroir

Ce qui trouble, c’est que Weegee n’est pas un observateur neutre. Il rit, il provoque, il compose. Il se met parfois en scène, grimé, facétieux. Il aime ce qu’il fait, il en joue. Et c’est peut-être là que tout bascule : le photographe devient acteur du drame, le témoin s’avère complice. Cette complicité, c’est celle de toute une culture : celle du tabloïd, du fait divers, de la fascination pour la chute.

L’Amérique s’observe dans la mare de sang qu’elle a elle-même versée. Et Weegee lui tend le miroir. Aujourd’hui encore, ses images continuent de hanter les consciences. On les retrouve dans l’imaginaire des séries, des jeux vidéo, des blockbusters — jusque dans les reconstitutions de true crime où les morts sont rejoués comme des stars. Tout est spectacle. Tout est consommable.

La violence comme ADN

Ce que Weegee a photographié, ce n’est pas seulement la misère ou la criminalité : c’est la structure même du regard américain. Celui qui transforme la violence en produit culturel. Celui qui fabrique des héros à partir de meurtriers, de Bonnie & Clyde à Ted Bundy. La série sur Ed Gein ne fait que prolonger cette fascination. On ne regarde plus la mort, on la scénarise, on la binge-watch.

Et c’est précisément parce que Weegee a su capturer cette pulsion — sans filtre, sans morale — qu’il reste aujourd’hui d’une actualité brûlante. Il nous rappelle que la violence, aux États-Unis, n’est pas un accident : c’est un langage, un imaginaire, une industrie. Et que derrière chaque flash, chaque cliché, chaque série Netflix sanglante, se cache toujours le même désir : celui de voir, encore et encore, la fin du rêve américain.

Weegee ne juge pas. Il montre. Et ce faisant, il met le doigt dans la plaie. Une plaie béante, qui ne s’est jamais refermée. Celle d’une nation née dans le sang et qui, pour ne pas sombrer, s’invente sans cesse de nouvelles mythologies violentes. Il y a dans chaque photo de Weegee une vérité que l’Amérique n’a jamais voulu entendre : sa violence n’est pas un dysfonctionnement, c’est son moteur.

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Londres en vitrine, l’argent comme carburant, les frontières qui s’effacent : la série McMafia suit Alex Godman (James Norton), fils d’exilés russes décidé à rester “clean”… jusqu’à ce que la réalité du milieu grignote ses principes. Le pitch a tout du drame moral : quand les circuits de la finance légale et du crime organisé se confondent, on ne “tombe” pas dans la mafia — on y glisse. Créée par Hossein Amini et James Watkins d’après l’enquête de Misha Glenny (2008), la série déroule huit épisodes au cordeau, diffusés début 2018 sur BBC One puis AMC. Et c’est juste un régal.

Londres, carrefour des clans, incubateur de mafieux

Le cœur de l’intrigue, c’est Londres : clubs feutrés, bureaux vitrés, penthouses anonymes. Autour d’Alex, jeune trader prometteur, gravitent son père Dimitri (ex-patron russe repentant), Vadim Kalyagin (baron moscovite), et Semiyon Kleiman (homme d’affaires israélo-russe, faussement philanthrope). En apparence de fructueux businessmen, en réalité de dangereux criminels.

Deux pôles mafieux, russe et israelien, s’affrontent : Alex, pris en étau, apprend à arbitrer, puis à dominer. C’est l’axe dramatique : la mue d’un financier en jeune parrain, par rationalisation froide plutôt que par pulsion. Pour sauver sa famille, protéger ceux qu’il aime… peut-être aussi car Alex est fait pour ça ? Et sans se l’avouer, qu’il adore/adopte ce mode de vie qui lui convient, le révèle à lui-même ?

La méthode Watkins : froid clinique, tension constante

Réalisée par James Watkins, la mise en scène refuse la surenchère baroque. Cadres rigides, palette glacée, montage qui serre — et une BO électronique signée Tom Hodge & Franz Kirmann qui pulse comme un ECG de salle des marchés. Ici pas de romantisme du gangster : on suit des process (blanchiment, écrans juridiques, banques complaisantes) et des chaînes logistiques qui relient Londres à Zagreb, Tel-Aviv, Mumbai, Prague… La mondialisation n’est pas un décor, c’est le sujet.

La série s’interdit les absolus. Semiyon (David Strathairn) séduit parce qu’il parle démocratie et investit dans des start-up… avant de sortir les couteaux. Vadim (Merab Ninidze) froid et calculateur, est aussi un père aimant et protecteur. Rebecca (Juliet Rylance) aimerait croire au “bon” Alex — mais l’escalade des compromis fait loi. Cette zone grise, pensée par Amini/Watkins et revendiquée par Strathairn lui-même, donne à McMafia son nerf politique.

Glaçant parce que plausible

McMafia filme Londres comme une zone franche : paradis de la compliance, capitale du “clean dirty money” où l’anglais parfait, le costume ajusté et le family office servent de paravent. Le décor n’est pas “pittoresque” ; il est structurel — un hub qui normalise la violence exportée. De ce point de vue, la trajectoire d’Alex n’est pas une chute : c’est une adaptation. Une révélation, un aboutissement.

Ancré dans les faits du livre de Glenny, le récit cartographie le crime transnational et ses “enablers” (avocats, banquiers, États). Il est donc crédible. Alex Godman n’est pas un Tony Montana qui cherche à prouver sa valeur, à échapper à la misère ; c’est un gestionnaire, doté d’une éthique mais aussi calculateur. Son “ascension” est un tableur : matrices de risques, arbitrages, puis l’irréversible. C’est glaçant parce que plausible.

Récompensé par l’International Emmy du meilleur drama (2019), McMafia tient par sa rigueur et son refus du tape-à-l’œil. On y voit naître un parrain d’Excel, nourri aux flux, aux deals, aux risques calculés. Et ça, c’est peut-être la définition contemporaine du pouvoir mafieux. Une vision qui tranche avec les portraits haut en couleur de Guy Ritchie mais recoupe la trajectoire d’un Thomas Shelby et colle avec les enquêtes d’un Roberto Saviano.

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Cela faisait un certain que je voulais m’y mettre, je m’y suis enfin mise et franchement je regrette d’avoir autant attendu : car Rogue Heroes est un pur régal, un bonheur de série, un vrai plaisir !!! Et une putain de réussite !

Un bataillon fantôme

Rogue Heroes : héros et voyous. Tout est dit. C’est de bad boys pur jus dont nous allons entendre parler. Ceux qui créèrent le SAS, le très britannique Special Air Service, qui a collé le dawa dans le désert égyptien, empêchant ainsi Rommel et ses troupes de se ravitailler, donc de progresser, donc de conquérir l’Afrique du Nord. Il s’en est fallu d’un cheveu, car à la base, les troupes de Sa Majesté avaient du mal à s’en sortir face aux méthodes musclées de l’armée allemande.

C’était sans compter avec la combativité d’un trio de militaires anglais un brin rebelles qui composèrent un bataillon fantôme de franc-tireurs complètement barrés, des tueurs indomptables, des forts caractères incapables de se soumettre à la discipline militaire. En un mot, des protopunks, c’est du moins ainsi que les présente Steven Knights à qui l’on doit par ailleurs … The Peaky Blinders. Et Rogue Heroes de s’en inspirer au moins au niveau de la bande originale (où pullulent AC/DC, The Damned, The Clash et autres icônes punk rock) et du façonnage des personnages.

Inventer la guerre de demain

On ne va pas se le cacher : les rogue heroes pourraient être les fils de Thomas et Arthur Shelby. Ingérables, tacticiens, borderline, fonceurs également, poètes aussi. Ils ne reculent devant rien, inventant la guerre de demain à grand renfort d’actions commando, de massacre au couteau et de cuites monumentales. Envoyés par delà les lignes ennemies en mode Inglorious Bastards, ils font du dégât, beaucoup de dégâts. Ils y restent aussi, physiquement, mentalement.

Les deux saisons de la série suit leur progression, depuis le désert égyptien jusqu’en Sicile puis en Italie, tandis qu’ils ouvrent la voie aux troupes alliées dans la reconquête de l’Europe. L’occasion pour nous de plonger tête la première dans ces univers peu connus, avec un luxe de détails qui fait écho à Band of Brothers 1 et 2 et Masters of the air. C’est que la guerre en Afrique et le débarquement italien sont peu évoqués dans nos livres d’histoire.

De la graine de guerriers

Si la série insiste sur le fait qu’elle n’est pas un cours magistral, il n’en demeure pas moins, qu’inspirée par le livre de Ben Macintyre, elle propose un récit pour le moins vraisemblable et c’est d’ailleurs le côté comique de l’histoire. Car les aventures rocambolesques de nos rogue heroes n’ont rien d’inventé. Ces types étaient donc de la graine de guerriers qui n’avaient pas froid aux yeux, aussi motivés et efficaces qu’indisciplinés et retors.

Une version britannico-militaire du désormais classique : « les gentilles filles vont au paradis, les garces là où elles veulent aller » ? il y a de ça, sachant que nos rogue heroes ont tout à fait conscience qu’ils sont « expendables » et en profitent pour être encore plus ingérables. Il faut cela pour survivre dans ce conflit mondialisé où, face à la barbarie nazie, les Alliés se tirent la bourre. Espions en tout genre et de tous bords, résistants qui trahissent, mafia qui veille et se vend au plus offrant, l’éventail est large qui brouille les pistes.

Et nos loulous, remarquablement incarnés par une pléiade d’acteurs particulièrement énergiques (big up à Jack O’Connel, inégalable en Paddy Maine) de foncer au milieu de tout ça, bondissant d’une oasis à un port sicilien en scandant des vers de Yeats et en se bourrant la gueule au whisky. Jouissif !

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Italie fin des années 80 : après les années de plomb, la patrie de Dante et Machiavel va-t-elle retrouver un peu de sérénité ? Selon vous ? Non bien sûr. Car ces années 80 vont voir l’avènement politique d’un certain Berlusconi, qui de fil en aiguille va conquérir le pouvoir. Dans un climat de chaos marqué. C’est l’histoire de cet avènement que raconte la série 1992 – 1993 – 1994, sur fond de corruption et de mutation sociale. Avec des accents de tragédie.

Une conquête vécue depuis les coulisses du pouvoir

Cette conquête, nous allons la vivre depuis les coulisses. Devant nous, plusieurs personnages :

• Leonardo Notte, publicitaire cynique et sans scrupules, qui va tirer profit du chaos politico-judiciaire italien pour faire gagner SON candidat, un Berlusconi dont il va façonner la légende.
• Pietro Bosco, ancien soldat au tempérament emporté, adeptes des actions musclées et spectaculaires ; propulsé de la très populiste et (un brin d’extrême-droite) Lega Nord, il se trouve piégé entre ses convictions, sa probité et les compromis qu’il faut immanquablement faire en politique.
• Veronica Castello, prostituée de luxe, maîtresse de ces deux messieurs, et qui va s’engouffrer dans le show-biz et la télé réalité de l’empire médiatique berlusconien pour y faire carrière.

Trois visages, trois tempéraments qui se croisent, s’aiment, se quittent, sur fond de transformation du paysage politique italien en trois actes : état des lieux, effondrement, prise de pouvoir. Autour de ces trois héros, de vieux députés corrompus, des millionnaires corrompus véreux, une héritière camée, une journaliste arriviste, des enquêteurs prêts à tout pour démanteler ce système pourri jusqu’à la moelle. Et bien sûr des mafieux, parce que la mafia est incontournable dans cette mécanique ancestrale.

Histoire d’un effondrement

Tout ce petit monde évolue initialement en pleine affaire Mani Pulite (mains propres). Un brin d’histoire italienne moderne : au début des années 90, cette enquête d’envergure met à jour un système généralisé de détournements de fonds et de pots-de-vin. Résultat des courses : débâcle des partis traditionnels (Démocratie chrétienne, Parti socialiste), recomposition du paysage politique. Un « Nouvel Âge » se dessine progressivement qui s’avérera aussi gangrené que le précédent.

Déclinée sur ces trois années clés que sont 1992, 1993 et 1994, la montée en puissance de Berlusconi s’opère sur fond de procès (le fameux procès Enimont qui va entraîner le naufrage du PS de Craxi), d’attentats mafieux de Florence, Rome et Milan, de campagne électorale ultra-marketée. L’atmosphère, qui n’est pas à la confiance, déséquilibre les alliances, met en péril les relations ; les individus, passionnés, extrêmes, font écho à cette instabilité institutionnelle et sociale.

Une trilogie réaliste et ambitieuse

D’où la mise en valeur de la valse hésitation amoureuse entre Veronica, Leonardo et Pietro, trouple qui ne dit pas son nom et dont chacun.e à sa façon érige le monde de demain, qui avec son cynisme et son sens de la manipulation, qui avec son charme et ses atouts féminins, qui avec sa brutalité et son virilisme. L’occasion pour les créateurs/réalisateur de la série Alessandro Fabbri, Ludovica Rampoldi, Stefano Sardo, Giuseppe Gagliardi de mettre en évidence l’importance du marketing et des médias dans cette transformation qui ne fait que rebattre les cartes sans rien changer fondamentalement. Car la corruption demeure, financière, sexuelle, morale.

Esthétique soignée, interprétation d’excellence ( Stefano Accorsi qui a eu l’idée de la série, Miriam Leone, Guido Caprino, Domenico Diele, Tea Falco, Giovanni Ludeno…), la trilogie a fait mouche dès la première saison. Parce qu’elle est ambitieuse, parce qu’elle est réaliste, parce qu’elle propose un cours de politique d’une rare finesse. Parce qu’elle ne juge pas : chacun.e ici évolue comme il peut dans cette course au pouvoir, avec ses moyens, sa volonté de survie. Jusqu’à la dernière seconde et au retournement final, on suite ces personnages attachants car humains, pris dans une spirale qu’ils ne contrôlent pas ou si peu.

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23 mai 1992 : le juge Giovanni Falcone, son épouse ainsi que trois de leurs gardes du corps périssent dans l’explosion de leurs voitures. Le principal initiateur du maxi-procès contre la mafia sicilienne n’est plus, assassiné sur ordre du parrain Toto Riina. Mais mort, il accède au rang de martyr. Un martyr dont Roberto Saviano relate le long et pénible cheminement judiciaire.

De la patience, des preuves, une méthode

Né à Palerme, Giovanni Falcone entre dans la magistrature dans les années 70, alors que la Cosa Nostra s’est infiltrée dans toutes les strates de la société, politique, finance, institutions. Ce jeune juge comprend rapidement que pour vaincre cet ennemi, il va falloir de la patience, des preuves, une méthode. Et il va le prouver. Son travail minutieux, notamment avec le juge Paolo Borsellino, mène à l’instruction du Maxi-procès de Palerme (1986-87), où 475 mafieux seront jugés, 19 condamnés à perpétuité.

Une première historique, qui met à mal l’organisation de Cosa Nostra. Mais Falcone dérange. Menacé, critiqué. Isolé. Mis à l’index par la magistrature, écarté de Palerme, il s’apprête à monter un pôle de juges spécialisés à Rome quand une bombe placée sous l’autoroute près de Capaci le tue ainsi que son épouse et son escorte. L’attentat, d’une violence spectaculaire, fera la Une des journaux, marquera à jamais les esprits d’une population écœurée par la corruption régnant dans l’île.

Des pages semées de cadavres

Saviano ne livre pas ici une biographie classique. D’une écriture tendue, douloureuse, il décrit la solitude grandissante d’un magistrat intègre confronté aux lâchetés du pouvoir, à la barbarie des parrains, à la mort brutale de ses collègues. Ces pages sont semées de cadavres, ceux des mafieux qui s’entre-tuent pour prendre le pouvoir, mais aussi et surtout ceux des malheureux qui leur déplaisent et qu’ils liquident sans pitié. Ceux des juges qui s’interposent.

On apprend ainsi que Falcone est un martyr parmi tant d’autres, un nom sur une longue liste d’hommes à abattre, policiers, avocats, politiciens. Son combat aboutit parce que d’autres avant, ont posé les bases, un socle. C’est une course de relai, un marathon où celui qui tombe sous les balles passe le témoin à ceux qui vivent encore. Tous se savent en sursis. Falcone comme les autres. Ils échappent aux tentatives de meurtres, aux exécutions, jusqu’au jour où un tueur plus futé, plus rapide, mieux renseigné met un terme à leur existence dans un flot de sang.

L’angoisse au jour le jour

Intelligent, fin, observateur, plein d’humour, Falcone sait qu’il joue avec sa vie. Il en a conscience et cela le taraude, le dévore. Il sait qu’il est un « mort-vivant ». Et Roberto Saviano lui prête cette émotion, ce détachement spécifique… car il vit cela au quotidien. Un homme traqué par ses mots parle dans ces pages d’un homme traqué pour ses actes. L’auteur de Gomorra, sous protection policière permanente, vit au jour le jour l’angoisse qu’a ressenti Falcone.

La mort est partout, face à la vie, le plaisir de la mer, les repas succulents entre amis, les nuits d’amour, la fièvre de la traque aussi, car Falcone est un très bon juge, organisé, logique, qui développe sa stratégie avec bon sens. Et qui veut faire déraciner ce mal qui ronge son pays, sa ville, sa société. Un homme droit dans ses bottes, pétri de valeurs de justice, d’égalité. Et qui va jusqu’au bout, trouvant toujours des solutions, s’adaptant, rebondissant. Malgré l’épuisement, le désespoir, le sentiment de combattre dans le vide des ennemis qui se dérobent.

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C’est probablement pour cela qu’on l’a tué. Parce qu’il réussissait. Un modèle à suivre ? A l’heure où le crime organisé s’est globalisé, dans l’indifférence générale, au moment où les personnages de mafieux font l’objet d’une adulation cinématographique dérangeante, Giovanni Falcone ne fait pas que rendre hommage à un très grand homme devenu une figure mythique de l’Italie contemporaine ; véritable arme littéraire, le livre de Saviano remet aussi et sans ménagement l’église au milieu d’un village qu’il conviendrait d’expurger, enfin et avec la plus grande rigueur.

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Difficile d’aborder les dessous du scandale Watergate sans faire écho à la trilogie Underworld USA. Il faut bien reconnaître qu’avec cette série de romans, James Ellroy a posé une pierre fondatrice en matière de thriller politique et d’analyse désabusée de la corruption made in America. Si l’on veut comprendre l’ampleur du fiasco Nixon, la logique qui en a été le déclencheur et la toile de fond, parcourir ces trois pavés est indispensable. Car les micros planqués, les enregistrements pirates, les chantages, les pressions, les menaces, les coups fourrés ne sont pas l’apanage de Dirty Dick, d’autres avant lui se sont distingués dans cet exercice périlleux. Hommes de l’ombre, barbouzes extrémistes, agents doubles, politiciens véreux : James Ellroy, avec sa plume corrosive de « Demon Dog » nous plonge avec autant de délice que de dégoût dans les spectres de cette Amérique souterraine.

Une tragédie politique en trois temps

Underwold USA est constituée de trois romans pensés comme trois actes d’une tragédie politique d’envergure.

American Tabloïd (1995) : Les fondations du chaos

Dans ce premier volet, Ellroy nous transporte de 1958 à 1963, période charnière où l’Amérique vacille entre espoir et désillusion. On y suit les trajectoires de Pete Bondurant, Kemper Boyd et Ward Littell, trois hommes aux allégeances floues, naviguant entre le FBI, la CIA, la mafia et les Kennedy. L’auteur expose les liens troubles entre le pouvoir politique et le crime organisé, suggérant que l’assassinat de JFK n’était pas un acte isolé, mais le résultat d’un enchevêtrement de trahisons et de manipulations.

American Death Trip (2001) : L’Amérique en déliquescence

Poursuivant American Tabloïd, ce second tome s’ouvre sur l’assassinat de JFK en 1963 et se clôt sur ceux de Martin Luther King Jr. et Robert F. Kennedy en 1968. Ellroy y adopte un style plus dépouillé encore, plus organique et primaire, reflétant la brutalité, la crudité de l’époque. La guerre du Vietnam, les tensions raciales, les manipulations politiques irriguent ce récit cauchemardesque, offrant une vision sombre et désabusée d’une nation en perte de repères.

Underworld USA (2009) : La descente aux enfers

Dernier opus de la trilogie, Underworld USA couvre les années 1968 à 1972, période marquée par la désillusion post-68. Ellroy y introduit de nouveaux personnages, tels que Don Crutchfield, un détective privé, et explore des thèmes comme l’infiltration du FBI dans les mouvements révolutionnaires, la corruption politique et les opérations secrètes à l’étranger. Ces pages sonnent comme une conclusion intense et violente de la trilogie.

Une fresque de la corruption systémique

À travers ces trois romans, Ellroy dresse le portrait implacable d’une Amérique gangrenée par la corruption, où les idéaux sont sacrifiés sur l’autel du pouvoir. Les méthodes des barbouzes Hunt et Liddy, l’aveuglement de Mitchell et sa clique, décrits dans Les Hommes du président, Gaslight et The White House Plumbers trouvent leurs racines dans les pratiques décrites par Ellroy : manipulations médiatiques, assassinats politiques, infiltrations, coups tordus en tout genre.

En revisitant les décennies précédant le Watergate, l’auteur du mythique polar Le Dahlia Noir offre une perspective unique sur les mécanismes qui ont conduit à l’un des plus grands scandales politiques américains. Il va plus loin ; balzacien dans l’âme, il décrypte une mentalité, la psychologie d’une époque, une idéologie mortifère qui dévore les âmes, gangrène les esprits, soumet les volontés, dissout l’esprit de justice et d’égalité. Sa trilogie n’est pas seulement une œuvre de fiction, elle déroule une analyse profonde des dérives du pouvoir et de la fragilité des institutions démocratiques.

En somme, la trilogie Underworld USA est une plongée vertigineuse dans les ténèbres de l’histoire américaine, une lecture indispensable pour quiconque souhaite comprendre les racines profondes du Watergate et les mécanismes de la corruption politique.

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La réplique fait mouche et mal. Elle résume parfaitement l’ampleur d’une tâche titanesque devenue quasi impossible à mener dans un monde moderne en proie au chaos. Cette révélation porte le potentiel d’un thriller politique prenant ; mais le film Conclave ajoute à l’intrigue une pointe de crise mystico-éthique d’une actualité saisissante. Et c’est ce qui fait justement tout son intérêt.

Des millions de consciences catholiques

Le titre synthétise l’histoire : un pape qui décède brutalement, un conclave qui se rassemble pour élire son successeur, à huis clos comme il se doit. Et là, les ambitions se déchaînent, ça complote à qui mieux mieux pour s’emparer du trône pontifical qui n’a rien perdu de son aura, bien au contraire. À la clé, prendre en charge des millions de consciences catholiques, et tracer la voie pour ce troupeau.

Voie qui peut s’orienter vers la régression la plus totale, un quasi-retour à la chrétienté en mode Moyen Âge avec tout ce que cela comporte de violence, de rejet, d’intolérance, de bêtise. Ou bien chemin certes hasardeux, mais conscient vers la modernité, avec à la clé l’amour de son prochain et l’entente cordiale entre les êtres, peu importe leur couleur de peau, leur orientation sexuelle.

Les ambitions des uns, le fanatisme des autres

L’enjeu est crucial et le cardinal Lawrence (Ralph Fiennes), en charge de superviser ce conclave, l’a très bien compris. Il va falloir naviguer entre les ambitions des uns, la folie des autres. Lequel dans ce groupe d’ecclésiastiques aux dents longues, est vraiment digne de succéder à un pontife qui avait défriché le chemin vers demain, imposant des modernisations que d’aucuns avaient eu du mal à digérer ? Préserver un héritage, le faire fructifier.

En pleine tourmente religieuse, doutant de son engagement et de sa foi, Lawrence va louvoyer pour dévoiler au grand jour les dérives des uns, les mensonges des autres. Dans son ombre, un cardinal étrange, protégé du pape défunt, un inconnu venu de nulle part, sorte d’ange mystérieux et discret, placé là comme une protection, un avertissement ? Une sœur énergique, bien décidée à défendre la justice et faire triompher le bien. Un archevêque qui tisse un lien ténu, mais essentiel avec l’extérieur, rassemblant informations et preuves pour un Lawrence qui s’improvise enquêteur.

Le poids des siècles

C’est qu’une fois les portes du conclave verrouillées, la tempête commence… et ne prendra fin que sur un coup de théâtre magistral. Voici à quoi nous convie cette remarquable adaptation du roman de Robert Harris, dopée par la mise en scène d’Edward Berger à qui l’on doit entre autres À l’Ouest rien de nouveau. Dans l’atmosphère feutrée des couloirs du Vatican, sous le marbre séculaire, au fil des colonnes et des tableaux gigantesques, le poids des siècles est présent. La tradition aussi, inscrite dans les rituels, les cérémonies, les gestes, les vêtements.

Jouant sur les différents types de plan, Berger saisit les expressions, les regards, les attitudes, resituant ce jeu de dupes dans un ensemble plus vaste, la fourmilière du Vatican où tous se confondent au service de Dieu. Mais servir Dieu n’est-ce pas au final servir l’humanité ?

Courants contradictoires

L’atmosphère tendue du conclave n’est pas une nouveauté ; il suffit de visionner Les Rois Maudits pour s’en convaincre. Le film de Berger met à jour les problématiques de la chrétienté made in XXIeme siècle, problématiques qu’on trouve également inscrites dans Ainsi soient-ils ; le Vatican apparaît traversé de courants contradictoires, tirant vers le passé, allant vers le futur, cherchant l’équilibre entre tradition et modernisme, essayant de conjuguer au présent des valeurs qui devraient être universelles, mais dont beaucoup trahissent l’essence.

Magnifiquement servi par un casting d’exception où brillent, outre Ralph Fiennes, Stanley Tucci, John Lithgow, Sergio Castellitto et Isabella Rossellini, Conclave a su se distinguer, engrangeant entrées en salle et nominations. Outre une immersion intense dans les coulisses du Vatican, le film vaut pour sa réflexion sur le pouvoir, la foi et le devenir d’une des institutions les plus énigmatiques au monde.

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« Life on Mars » : le tube phare de David Bowie… et le titre d’une série anglaise devenue culte, dont le pitch prouve qu’on peut accoucher d’intrigues complètement barrées, trouver un producteur assez fou pour suivre, et un large public d’aficionados. Bref, si vous en avez marre des standards et des scénarios plan-plan industrialisés par des marketeux émasculés de la moindre imagination, il faut visionner Life on Mars. C’est un must have seen.

Manchester 1973

Le thème ? Nous sommes en 2006 à Manchester ; au cours d’une enquête, l’inspecteur Sam Tyler est renversé par une voiture ; il perd connaissance alors que résonne le tube de Bowie « Life on Mars »… Et il se réveille en 1973, exactement à la même place, exactement avec la même musique dans les oreilles… sauf qu’autour de lui, tout a changé. Le décor, les fringues, les bagnoles, les modes de communication, les comportements. Complètement paumé, le pauvre garçon se retrouve parachuté dans la Manchester des Seventies. Qu’est-ce qui a bien pu lui arriver ? Coma ? Démence ? Possession ? Des extraterrestres ?

Le cauchemar commence pour Sam, qui, non content de lutter pour préserver le peu de santé mentale qui lui reste (et sa vie dans la perspective d’un coma que ses proches pensent dépassé), doit aussi s’intégrer dans cette nouvelle vie, à savoir travailler avec Gene Hunt et son équipe. Gene Hunt : l’antithèse de Sam Tyller. Un flic de la vieille école, brut de décoffrage, méthodes musclées, absolument aucune psychologie, qui cogne avant de dialoguer, insultant à tout-va. Un brin raciste, un brin sexiste, un brin corrompu, prêt s’il le faut à pactiser avec les mafias locales pour préserver la paix sociale de sa ville.

Good cop / bad cop

Autant dire que l’intègre Sam va en chier sous l’autorité de Genie Gene, d’autant qu’il doit aussi se passer des nouvelles technologies et des apports de la science médico-légale, alors inexistantes. Pas d’ordinateurs, pas de logiciels, pas de téléphone portable, pas d’ADN, bref retour à l’ère préhistorique ou presque. Et face à lui, assassins, violeurs, terroristes, gangs, bref l’arsenal habituel de la brutalité humaine qu’il faut combattre avec les moyens du bord. Pas évident, évident, quand on n’arrive pas à savoir exactement où on en est de sa vie et qu’en prime, on croise au détour d’enquêtes ses parents, sa famille, avec 33 ans de moins.

On le voit, l’intrigue accouchée par les showrunners Matthew Graham, Tony Jordan et Ashley Pharoah est on ne peut plus glissante, et il fallut un certain temps avant que ces messieurs trouvent un producteur suffisamment dingo et/ou futé pour miser sur cette histoire. Mais le jeu en valait la chandelle, magnifiquement alimentée par ce Back to the future à la manchusienne, doublée d’un petit côté Flic ou voyou / Starsky et Hutch à la sauce british. Eh oui, le tandem good cop/bad cop, ça marche toujours, en témoigne un autre grand succès sériel britannique, j’ai nommé Whitechapel.

Prendre goût à la vie vraie

Car le binôme Tyller/Hunt (portés avec fougue par John Simm et Philip Glenister) évolue entre détestation et fascination, engueulade et amitié, coups bas et protection, distillant sur son passage une atmosphère tragi-comique dont l’énergie n’est pas sans évoquer les films de Guy Ritchie. C’est aussi l’occasion de revenir d’épisode en épisode sur cette période spécifique de l’histoire de la Grande-Bretagne, sur fond de crise économique, de misère larvée, de vente de came. Le tournant des Trente Glorieuses se fait bien sentir, la fin d’une ère de prospérité, la modernité technologique en marche qui va transformer les relations humaines et pas forcément en bien. Car au finish, il n’y a pas que des inconvénients à remonter le temps.

En revenant en 1973, Sam va paradoxalement prendre goût à la vie, une vie vraie, avec des échanges houleux certes, mais des échanges quand même, une sincérité brutale dans les dialogues, la communication, mais au moins il y a une communication en direct, du lien humain qui se crée, l’occasion aussi de régler ses comptes avec le passé, de comprendre certaines choses, d’accepter, de faire la paix avec soi. Et de réfléchir sur ce qu’on attend de l’existence. C’est le petit côté philosophique de Life on Mars, bercé par une BO prenante, qui ravira les nostalgiques d’un temps où tout était authentique.

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Auteur d’un nombre conséquent de polars à succès, Donato Carrisi s’est singularisé par une série d’ouvrages explorant le parcours de Marcus et Sarah. Dit comme ça, cela ressemble à une bluette romantique. De fait, les trois romans qui composent cette tétralogie en devenir (car il y aura certainement d’autres opus à ajouter à cette geste) nous plongent dans les méandres les plus noires de l’âme humaine.

Le rôle des pénitenciers

• Le Tribunal des âmes (Il tribunale delle anime) 2011
• Malefico (Il cacciatore del buio) 2014
• Tenebra Roma (Il maestro delle ombre) 2016

Des titres parlants, dans la langue de Molière comme dans celle de Dante. Dante, omniprésent à chacune de ces pages infernales où l’obscurité est striée de sang. Un sang pas toujours innocent du reste, et qu’il convient de juger. C’est le rôle des pénitenciers. Des prêtres formés spécifiquement par le Vatican pour traquer les crimes les plus odieux, dont ils reniflent la trace via le secret de la confession.

Marcus et Sarah

Marcus fait partie de cet ordre ô combien occulte, qui survit depuis des siècles dans l’anonymat le plus total. Anonyme, Marcus l’est, effacé, inexistant, amnésique mais traînant les séquelles d’un passé clairement torturé. Ignorant de lui-même, il est LE pénitencier idéal, voué corps et âme à sa mission de profiler de Dieu. Et il ne manque guère de missions à accomplir, toutes plus effrayantes les unes que les autres.

Sarah, elle, est photographe pour la police scientifique. Elle possède un œil perçant, apte à saisir le moindre indice, la plus petite anomalie sur une scène de crime. Intelligente et belle, elle croise la route de Marcus, devient une alliée occasionnelle. Et possède un passé aussi difficile que lui, dont elle se souvient au quotidien et c’est ce qui fait le malheur de cette héroïne martyre. Tous deux vont devoir affronter mystères et dangers, dans un climat particulièrement irrespirable.

Le cœur de la Chrétienté

Celui de Rome, la Ville Éternelle, siège de la Papauté, cœur de la Chrétienté, et dont la lumière céleste, les palais magnifiques et les églises attirent le Mal de toutes parts, jusque dans la proximité physique du Pontife. Indéniablement, Rome est le troisième personnage clé de ces aventures inspirées du réel. Romancier, journaliste, scénariste, réalisateur, Carrisi a commencé sa carrière avec une thèse consacrée à un tueur en série italien.

C’est donc en connaisseur qu’il déroule la psyché d’assassins particulièrement horribles dont les trajectoires se croisent, se superposent, d’un livre à l’autre. Voici pourquoi il convient d’aborder cette saga dans le bon ordre, car l’action, d’un tome à l’autre, se complète, s’affine, se complexifie, de même le destin des héros, leur relation. Et les criminels qu’ils doivent traquer dans une opacité qui n’est pas qu’intellectuelle, en témoigne le dernier opus en date, qui plonge Rome dans une atmosphère à la American Nightmare.

Les limites du Bien et du Mal

Et puis il y a les pénitenciers, que l’auteur a pu rencontrer In Real Life, un notamment dont il évoque le parcours au terme d’un de ses ouvrages. La volonté documentaire est là, appuyée par des analyses, des interviews en annexes. Ces pages constituent une plongée fascinante et réaliste dans les arcanes vaticanes, avec leurs conflits d’intérêt, la course au pouvoir, la volonté de contrôler les consciences, de discerner le péché, de pardonner, de punir. Le tout dans une atmosphère digne des gialli mis en scène par Dario Argento.

Intrigues complexes, jeux de piste insoutenables, tout chez Carrisi est baroque, les personnages, le suspense, l’architecture majestueuse des églises romaines, les néons qui strient la nuit romaine. Chaque tome est une invitation au suspense et à la méditation. Quelles sont les limites du Bien et du Mal ? Sont-elles fixes ? Fluctuantes ? L’ensemble, comme tout bon polar qui se respecte du reste, offre un terrain d’entraînement à l’observation mais aussi à la connaissance, l’atout majeur de ce binôme hors normes et tout à fait attachant.

Et plus si affinités

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