1818 : une jeune femme de dix-neuf ans publie un roman qui n’est pas seulement un chef-d’œuvre précoce, mais un texte-origine. Un texte-matrice. Un texte qui, bien avant la biologie moderne, les greffes, la robotique, l’intelligence artificielle ou la quête de post-humanité, interroge déjà l’axe central de notre modernité : qu’arrive-t-il quand l’homme prétend créer à la place de la Nature ?

Avec Frankenstein ou le Prométhée moderne, Mary Shelley explose le cadre du récit d’horreur et du roman gothique pour développer une réflexion d’une rare justesse sur la responsabilité, la solitude, la filiation, la fabrication du vivant, l’ambition scientifique, la dérive de l’ego, et l’éternelle question du « cœur humain ». Ce roman de science-fiction avant la lettre accouche d’un mythe tellement fécond qu’il irrigue encore nos débats sur le transhumanisme, la bioéthique et les technologies de l’IA.

Naissance d’un mythe : une nuit d’orage, une compétition littéraire, un cauchemar

L’histoire est connue, presque trop : en 1816, Mary Godwin — future Mary Shelley — séjourne à Genève avec Percy Shelley, Lord Byron et John Polidori. À cause du « year without a summer », conséquence de l’éruption du Tambora, les orages succèdent aux averses : on lit, on s’ennuie, on se défie. Byron lance l’idée d’écrire chacun une histoire de fantômes.

Mary Shelley, incapable d’écrire pendant plusieurs jours, fait un cauchemar : une silhouette éveillée par une « étincelle de vie », un corps inerte rendu vivant par un savant dont les ambitions dépassent le cadre moral. La vision est si intense qu’elle devient le cœur du roman. Pourtant Mary ne raconte pas la vengeance d’un monstre. Elle relate la chute d’un homme.

Victor Frankenstein : le rêveur devenu démiurge

Victor Frankenstein n’est pas un sorcier. C’est un scientifique prometteur, pétri de lectures anciennes, fasciné par les alchimistes autant que par la science naissante de Galvani.
Le roman repose sur un paradoxe magnifique : Frankenstein croit que l’homme peut devenir créateur ; Mary Shelley démontre qu’il n’en a pas la stature morale. Ses motivations ne sont pas maléfiques — elles sont narcissiques : désir de gloire, volonté de transcender les limites humaines, refus de la mortalité, ambition d’inscrire son nom dans l’histoire.

La créature n’est pas le fruit d’une science exacte : elle résulte d’une obsession qui dévore le savant. Mary Shelley ne décrit jamais précisément le procédé scientifique : elle crée un flou volontaire, un espace symbolique. Ce silence technique fait du mythe une parabole universelle. Ce n’est pas la méthode qui importe, mais la transgression.

La Créature : premier être post-humain de la littérature

On l’appelle « monstre », alors qu’elle est l’un des personnages les plus émouvants du XIXᵉ siècle. Dotée d’une sensibilité extrême, d’un esprit vif, d’un profond besoin d’amour et d’éducation, la Créature n’est initialement pas un être maléfique. C’est parce qu’elle est abandonnée, rejetée, traquée, incomprise qu’elle tombe dans la violence la plus destructrice.

Mary Shelley construit une figure d’une modernité stupéfiante : cet être façonné par les mains d’un humain, sans mère, sans langage, sans insertion sociale, doit apprendre seul la morale, la sensibilité, la compassion ; face au rejet, il développe une colère tragique. La Créature est un fil migratoire vers notre présent : elle préfigure les dilemmes contemporains autour des intelligences artificielles sensibles, des chimères génétiques, des clones, de tous ces êtres que nous pourrions créer un jour sans être capables de leur offrir un cadre éthique ou affectif.

Le cœur du roman : la responsabilité du créateur

Dans ces pages, Mary Shelley jamais ne juge la science. Ce qu’elle accuse, c’est le détournement moral de la science. Frankenstein crée la vie, mais refuse la charge qui l’accompagne. Il ne nomme pas sa créature. Il la fuit. Il l’abandonne avant de tout faire pour l’éradiquer.

Le roman devient alors une méditation d’une rare profondeur sur la responsabilité : responsabilité du savant envers sa création, responsabilité du parent envers l’enfant, responsabilité de la société envers les marginalisés. Tout ce que devient la Créature découle du refus de son créateur d’assumer.

Nous sommes loin du mythe pop-culturel du savant fou. Nous sommes dans l’éthique crue : Qu’arrive-t-il lorsqu’un être humain produit un être qu’il refuse immédiatement ? C’est une question qui, aujourd’hui, irrigue les débats sur les robots autonomes, les IA conscientes, les manipulations génétiques, les biotechnologies de la reproduction ou les interfaces neuronales.

La modernité du mythe à l’ère du transhumanisme

Le XXIᵉ siècle fait de Frankenstein une allégorie brûlante.

• Le roman met en garde contre le fantasme du dépassement absolu : l’idée que l’homme pourrait outrepasser la mort, perfectionner le vivant, augmenter l’humain jusqu’à l’effacement des limites. Victor Frankenstein est le premier transhumaniste tragique de la littérature.
• La Créature pose la question fondamentale aujourd’hui agitée par les philosophes de l’IA :
  Si nous créons une intelligence, sommes-nous prêts à répondre à ses besoins affectifs, sociaux, émotionnels ? Mary Shelley répond : non, pas encore.
• Dans un monde où l’on fabrique, modifie, optimise, la Créature nous rappelle que les relations entre créateur et créé ne sont jamais purement fonctionnelles.
  Elles deviennent vite éthiques, affectives, politiques.
• Mary Shelley illustre comment une société rejette ce qu’elle ne comprend pas. La Créature devient le symbole poignant des corps non normés, des identités marginalisées, des êtres que la société refuse d’intégrer.

Un roman polyphonique, élégant, déchirant

Au-delà des thématiques, Frankenstein est un chef-d’œuvre formel. Le roman adopte une architecture en poupées russes — lettres, récits enchâssés, confessions croisées — qui renforcent sa dimension introspective. Il est traversé par les paysages sublimes des Alpes, par le romantisme noir, par la solitude, par la quête impossible d’un foyer.

Il est écrit avec une maturité déconcertante pour une autrice de dix-neuf ans. Shelley y mêle la philosophie, le lyrisme poétique, la critique sociale, le gothique, la spéculation scientifique.
C’est un roman total.

Une œuvre plus vivante que jamais

Deux siècles plus tard, Frankenstein n’a rien perdu de sa puissance.
Il ne parle pas seulement d’un cadavre animé par une étincelle scientifique : il parle de nous.

De nos peurs.
De notre désir de grandeur.
De notre incapacité à prendre soin de ce que nous créons.
De notre fascination pour le dépassement du corps.
De notre difficulté à accepter l’altérité.

Mary Shelley, sans le savoir, nous tend un miroir moral dont nous n’avons toujours pas appris à détourner les yeux.

Son roman n’est pas un avertissement :
c’est une prophétie douce-amère, une légende fondatrice que chaque génération relit à la lumière de ses propres inventions.

Aujourd’hui, à l’heure du transhumanisme, de la bio-ingénierie, de l’IA générative et des chimères de laboratoire, Frankenstein a plus que jamais valeur de mythe.
Non pour nous effrayer, mais pour nous rappeler que créer ne suffit pas : il faut aussi aimer, nommer, accueillir et protéger.

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Quand j’étais au lycée, j’ai découvert Dune de Frank Herbert. Un monument de la science-fiction … et une lecture ardue pour l’ado que j’étais. J’en garde le souvenir d’un univers fascinant, mais dense, laborieux à cerner. Relire ce pavé aujourd’hui ? Impossible, je n’en aurais ni le temps ni l’énergie. Pourtant, je peux à nouveau parcourir Arrakis — non plus en tournant les pages, mais en écoutant le roman. C’est là toute la force des audiobooks : rendre accessibles, vivants et actuels des textes que l’on croyait réservés à une poignée de lecteurs passionnés. 

Lire avec les oreilles : une vieille histoire revisitée 

L’audiobook, une invention contemporaine ? Oui… mais non. Le concept s’enracine dans une tradition ancienne : celle de l’oralité. Avant l’imprimerie, la littérature se transmettait par la parole — les conteurs, les bardes, les griots, les troubadours. Lire à voix haute a longtemps été la norme. 

Au XXe siècle, les premiers « livres parlés » apparaissent pour les personnes aveugles, enregistrés sur vinyles ou cassettes. Dans les années 1980-90, l’audiobook se démocratise avec le CD, mais reste un produit de niche. Il faudra l’essor du smartphone et du streaming, à partir de 2010, pour qu’il devienne un véritable marché mondial. 

Aujourd’hui, écouter un livre n’est plus une solution de substitution réservée aux malvoyants : c’est une pratique culturelle à part entière, choisie par des millions de lecteurs… ou plutôt d’auditeurs. 

Une réponse aux obstacles de la lecture 

En France, la lecture est en crise. Selon le Baromètre Ipsos / CNL 2025, seuls 56 % des Français se déclarent lecteurs réguliers, contre 61 % en 2023. La moyenne annuelle de livres lus est tombée à 18 en 2025, contre 22 deux ans plus tôt. 1 jeune sur 5 ne lit jamais par plaisir. 

Les freins sont multiples : 

• Le temps – dans une société saturée d’écrans et de notifications, beaucoup estiment ne plus avoir l’espace mental nécessaire pour se plonger dans un livre. 
• Les difficultés scolaires – près d’un élève sur cinq est en difficulté face à l’écrit dès l’entrée en 6ᵉ (Insee). 
• Les troubles spécifiques – la dyslexie touche entre 5 % et 17 % de la population, selon les études (planetesante.ch). 
• L’illettrisme – environ 10 % des adultes en France ont des difficultés durables de lecture et d’écriture (Insee). 

Face à ces barrières, l’audiobook agit comme un passeur. Il ne remplace pas le livre papier, mais il offre une voie parallèle : on n’a pas besoin de maîtriser parfaitement l’écrit pour accéder à l’histoire, au style, à l’univers d’un auteur. 

L’expérience de l’écoute : entre performance et intimité 

Écouter un audiobook, ce n’est pas seulement transformer le texte écrit en son. C’est une expérience sensorielle et émotionnelle. 

La voix du narrateur devient acteur, guide, parfois metteur en scène. Son intonation, son rythme, ses silences influencent notre perception du texte. Certaines productions vont plus loin, en intégrant bruitages et musiques, transformant l’audiobook en création hybride entre roman, théâtre et cinéma pour l’oreille. 

Cette oralité réactive une mémoire archaïque : celle du conte, du récit transmis de bouche à oreille. Elle permet aussi une intimité particulière : un livre qu’on écoute seul, au casque, devient une voix qui nous parle directement, presque chuchotée. Là où la lecture est une activité solitaire et silencieuse, l’audiobook introduit une présence humaine. 

Un outil d’inclusion et de liberté 

La force démocratisante des audiobooks se révèle dans leur capacité à inclure ceux que la lecture excluait. 

• Pour les personnes malvoyantes, ils sont essentiels : écouter permet un accès direct aux textes contemporains, souvent en simultané avec leur sortie papier. 
• Pour les publics dyslexiques, ils offrent une alternative précieuse, évitant la fatigue cognitive liée au déchiffrage. 
• Pour les actifs pressés, ils permettent de « lire » dans les interstices du quotidien : transports, sport, cuisine, ménage. 
• Pour les jeunes éloignés de l’écrit, ils représentent une porte d’entrée vers la littérature, parfois plus ludique et immersive qu’un livre papier. 

Ainsi, loin de s’opposer au livre imprimé, l’audiobook agit comme un vecteur de transmission élargi. Il donne la possibilité d’entrer en littérature autrement. 

Un marché en plein essor mondial 

Le phénomène n’est pas marginal : c’est une industrie en pleine explosion. 

• Le marché mondial pesait 6,8 milliards USD en 2023 et pourrait atteindre 14 milliards en 2030, avec une croissance annuelle de plus de 10 % (actuallitte.com). 
• Au Royaume-Uni, les téléchargements d’audiobooks ont bondi de 17 % entre 2022 et 2023, pour une hausse de revenus de 24 % (The Guardian). 
• En Allemagne, 46 % des lecteurs déclarent avoir écouté au moins un audiobook ou un podcast littéraire en 2024 (publishersweekly.com). 

En France, le format reste minoritaire mais progresse rapidement grâce à Audible, Spotify, Deezer, Storytel et aux initiatives des éditeurs. De plus en plus d’auteurs enregistrent eux-mêmes leurs œuvres, renforçant le lien entre texte et voix. 

Les critiques : lecture trahie ou lecture augmentée ? 

Tout n’est pas rose. Les audiobooks suscitent aussi des débats. Certains puristes estiment que l’écoute est une forme de lecture « passive », moins formatrice que la lecture silencieuse. Ils craignent une perte de concentration, une superficialité. 

Mais les études en sciences cognitives nuancent ce discours : la compréhension et la mémorisation d’un texte sont proches, qu’on le lise ou qu’on l’écoute. L’expérience diffère, mais la richesse cognitive reste comparable (researchgate).  

D’autres critiques portent sur l’industrie : domination des grandes plateformes (Audible/ Amazon en tête), rémunération insuffisante des auteurs et menace que représentent les narrateurs synthétiques générés par l’intelligence artificielle. Là encore, la démocratisation se heurte aux logiques économiques. 

 Lire demain : avec les yeux, avec les oreilles 

De Dune à Zola, de Harry Potter à Marguerite Duras, les audiobooks ouvrent un accès inédit à la littérature. Ils réconcilient publics empêchés et lecteurs pressés, redonnent vie aux classiques, amplifient les voix contemporaines. 

Plutôt qu’un concurrent du livre papier, ils apparaissent comme un allié, prolongeant l’expérience de lecture dans nos vies saturées. Lire avec les oreilles, c’est renouer avec une oralité millénaire, et surtout, remettre la littérature à la portée de tous. 

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Bienvenue dans le cerveau coupé-collé d’une machine misanthrope qui a tout d’un humain ? C’est un peu beaucoup ce que m’évoque la série Murderbot. Imaginez un robot de combat, sarcastique, allergique à la socialisation, bouffé d’angoisses sous ses airs froids et qui trompe son anxiété en visionnant des séries à la pelle : voici le schéma mental de SecUnit 238776431, le Murderbot du titre. Un Asassynth programmé pour assurer la sécurité de ses propriétaires. En théorie. Car du moment où il est adopté par une bande de scientifiques un brin idéalistes, le destin de SecUnit va bifurquer. Et pas qu’un peu.

Tueur, nounou, psychologue et fantasme sexuel

Adaptée du roman All Systems Red de Martha Wells par les frères Weitz (Paul et Chris), la série est un vrai régal, qui tranche avec les fictions SF du moment, plutôt axées sur le tragico-épique. Insolence de bon aloi en perspective ! L’humour cynique de notre héros est d’autant plus contagieux que ses observations sont d’une grande justesse.

Il faut dire que la bande d’explorateurs galactiques dont il a la charge n’a rien de l’esprit guerrier nécessaire pour jouer les conquérants sur des planètes vierges ô combien hostiles. Agent de sécurité programmé pour occire aveuglément, SecUnit s’institue à la fois nounou, psychologue et fantasme sexuel. Pour le pire et le meilleur car grâce à cet échantillon d’humains eux-mêmes neuroatypiques, il va découvrir la liberté.

Une dynamique de famille dysfonctionnelle

C’est que Murderbot (excellent Alexander Skarsgård) est tiraillé entre son instinct de survie (éviter qu’on repère ses envies de liberté, cristallisées par le débranchement du programme censé le neutraliser) et un élan de protection sincère pour ces doux dingues, émanations post-futuristes du « faisons l’amour pas la guerre » : Dr. Ayda Mensah (Noma Dumezweni), chef de mission posée, empathique, le cœur même de l’équilibre moral, Gurathin (David Dastmalchian), homme augmenté et fana de tech avare de confiance, mais un roc risible et touchant, Pin‑Lee (Sabrina Wu), Arada (Tattiawna Jones), Ratthi (Askhay Khanna), Bharadwaj (Tamara Podemski).

Voici une équipe complémentaire et solidaire, démocrate et qui va adopter SecUnit comme un membre à part entière, non en user comme d’un esclave robotique. Une dynamique de famille dysfonctionnelle s’installe progressivement, délicieusement loufoque, puissante cependant, porteuse de valeurs.

Capitalisme spatial en marche

Derrière les péripéties déjantées, les montées d’adrénaline, les instants d’émotions, les dialogues mordants et l’humour absurde, la série pointe du doigt une problématique d’envergure, à savoir l’asservissement des intelligences artificielles par une société fondée sur l’exploitation des plus faibles : une facette de l’arrogance et de la bêtise humaines, humanité qui en profite pour bousiller l’écosystème des planètes conquises et continuer de s’enrichir sans vergogne sur le dos des plus pauvres.

Le capitalisme spatial est en marche, mes amis, et Murderbot en dévoile le visage de manière acérée, via les confessions de ce robot paramétré pour taper sur les manifestants, flinguer les opposants. Un délicieux OVNI télévisuel donc qui dénonce avec acuité les dérives de notre société en s’infiltrant dans la psyché pas si numérique que ça d’un héros neurodivergent, queer‑codé, revendiquant son droit à l’introversion, au repos, à l’ironie. Il faut croire que cela plaît, la saison 2 est annoncée ! Vite !

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Orchestrée par ce temple de l’image moderne qu’est Le Jeu de Paume, l’exposition Le Monde selon l’IA propose un parcours d’une richesse rare, aussi dense que nécessaire, articulé autour de deux grands axes :

• l’IA analytique – celle qui observe, trie, classe, profile ;
• l’IA générative – celle qui crée, simule, fabrique de l’illusion.

Objectif : voir comment les machines nous voient. Débusquer ce que l’intelligence artificielle produit de faux, d’ambigu, de biaisé — mais aussi ce qu’elle rend visible, malgré elle. Le tout dans une scénographie pensée comme un parcours critique et sensoriel, ponctué de “capsules temporelles” qui font dialoguer l’histoire des images avec les technologies actuelles.

Voir sans comprendre, comprendre pour mieux voir

Dans un monde où plus de 70 % des images circulant en ligne sont générées par des IA (étude Capgemini 2024 citée par aestheticsofphotography.com ), et où 76 % des internautes se disent incapables de faire la différence entre une image artificielle et une photographie réelle (étude Getty Images citée par La Réclame), former le regard devient une urgence démocratique.

L’IA n’est plus une nouveauté. Elle est un paysage. Et elle est partout : dans les filtres de nos selfies, dans les caméras de surveillance, dans les visuels publicitaires, dans les archives manipulées. Mais que produit-elle vraiment ? Que masque-t-elle ? Que dit-elle de nous ? L’exposition propose des clés pour répondre : artefacts visuels, biais esthétiques, prompts narratifs, fantômes historiques… Autant de fils à tirer pour dénouer la grande illusion.

Quand l’IA voit à notre place

Le premier versant de l’exposition est consacré à l’IA analytique. On y découvre comment les algorithmes de vision par ordinateur détectent, classent, catégorisent — souvent à notre insu.

Des œuvres comme Faces of ImageNet de Trevor Paglen ou Calculating Empires de Kate Crawford & Vladan Joler exposent la brutalité douce de ces systèmes : des visages enfermés dans des cases absurdes, des infrastructures gigantesques d’extraction de données invisibles, des micro-travailleurs sous-payés pour entraîner les modèles. L’IA analytique ne se contente pas de voir. Elle réduit, elle décide, elle profile. Et cela, sans nous demander notre avis.

Quand l’IA fabrique des fictions crédibles

Le second volet s’ouvre sur le monde flottant de l’IA générative : une machine à images, à rêves, à simulacres. Ici, les artistes (Grégory Chatonsky, Hito Steyerl, Agnieszka Kurant, Christian Marclay…) manipulent les réseaux neuronaux comme des pinceaux : ils reconstruisent des mémoires disparues, rejouent des mythes esthétiques, interrogent les biais implicites des datasets (peaux claires, visages lisses, stéréotypes dominants).

Mais ce n’est pas une fête de la technologie : c’est une déconstruction critique. L’image générée n’est jamais neutre. Elle est toujours culturelle, politique, orientée.

Apprendre à voir, c’est aussi apprendre à douter

Tout au long du parcours, des outils sont proposés pour affûter le regard :

• repérer les artefacts générés (flous, géométries étranges…) ;
• interroger les prompts invisibles derrière chaque image ;
• déconstruire les normes esthétiques imposées par les IA ;
• comparer avec les archives historiques, dans une tension permanente entre vrai et vraisemblable.

L’art devient ici école du doute. Une école précieuse à l’heure où les IA s’invitent dans le journalisme, la politique, la mémoire collective.

Un art qui pense, une pensée incarnée

C’est sans doute la force de cette exposition : ne pas se contenter de montrer, mais faire penser en montrant.

Les œuvres sont belles, parfois dérangeantes, souvent puissantes. Mais surtout, elles nous renvoient la balle : et nous, comment voyons-nous ? Que croyons-nous voir ? Et à quoi avons-nous renoncé en laissant la machine faire à notre place ?

Le Monde selon l’IA n’est pas une célébration, ni une dénonciation. C’est un espace critique, un champ de tensions fécondes entre imaginaire algorithmique et conscience humaine. Un lieu pour s’inquiéter, pour comprendre, pour résister. Et pour commencer à voir autrement.

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Stop aux « j’y connais rien en art » et aux « c’est joli mais bon… » ! Regarder une peinture, c’est pas juste un hobby d’intello coincé dans un musée poussiéreux. C’est une expérience brute, une claque visuelle qui peut te remuer si tu prends le temps de regarder VRAIMENT. Alors, on arrête les banalités et on apprend à analyser une peinture avec méthodologie, sans se prendre pour un expert (il faut des années d’études pour ça) mais en ayant du répondant et un peu de logique.

Ouvre les yeux : arrête de scroller et regarde

Tu passes combien de temps devant une œuvre ? 10 secondes avant de scroller/swipper sur la suivante ? ERREUR. Fixe-la. Absorbe-la. Ressens-la. Prends le temps et concentre-toi sur tes ressentis, tes perceptions.

• Premier impact : T’as envie de fuir ou de rester scotché ? Malaise, euphorie, colère, sérénité ? Ton instinct a déjà bossé pour toi.
• Où ton regard se pose-t-il en premier ? Pas un hasard. L’artiste a tout planifié pour guider ton œil.
• Des éléments qui ressortent ? Un détail qui t’intrigue ? Un truc qui cloche ? Bingo, t’as trouvé un point d’accroche.

La construction : l’artiste est un stratège, décrypte son plan

La première impression passée, on pénètre l’œuvre. Et pour cela, il faut suivre une méthodologie précise qui scrute la composition. En d’autres termes, c’est organisé comment, ce bazar ?

• Équilibre ou chaos ? Tout est structuré comme une symphonie ou c’est un bordel assumé ?
• Perspective : T’as l’impression d’être aspiré dans l’œuvre ou de cogner un mur plat ?
• Lignes de force : Y a-t-il une direction qui attire ton regard ? Diagonales nerveuses ou courbes paisibles ?

Et les couleurs ? Les lumières ? Les ombres ? On en fait quoi ?

• Couleurs pétantes ou tons éteints ? Énergie ou mélancolie ?
• Contrastes violents ou tout en douceur ? Les ombres et lumières guident ton ressenti.
• Quelle atmosphère dégage l’ensemble ? Un Caravage va te coller une tension dramatique, un Rothko t’absorber dans une méditation hypnotique.

Le contexte : l’art n’est pas juste esthétique, il est politique, social, historique

Eh oui derrière toute œuvre, il y a une volonté, une thématique, un message, parfois même un combat.

• L’artiste, c’est qui ? Un génie torturé, un rebelle, un vendeur de concepts ?
• Quand et pourquoi il a peint ça ? Révolte, hommage, critique cachée ?
• Le style, il sort d’où ? Renaissance, dadaïsme, surréalisme… Une œuvre est rarement isolée.

L’interprétation : décode les indices

Il y a un message donc, mais pas forcément limpide. Il va falloir fouiller, s’interroger, se secourer les méninges, c’est le but du jeu.

• Personnages et objets : ils sont là pourquoi ? Une main levée, un regard fuyant, une pomme qui traîne ? RIEN n’est laissé au hasard.
• Symboles et métaphores : Un crâne = la mort, une bougie = le temps qui passe, une montre molle chez Dalí = le délire absolu.
• Regarde l’œuvre comme si c’était une enquête : Quel message l’artiste balance-t-il dans ta face ? Quels indices place-t-il dans ton champ de vision ?

Et toi, t’en penses quoi ?

L’analyse technique, c’est cool, mais ton ressenti est tout aussi valable.

• Ça te parle ou ça te laisse froid ? Pourquoi ?
• Quel souvenir ça va te laisser ? Est-ce une œuvre qui marque, choque, obsède ? Ou tu as tout zappé au bout de 15 minutes ?
• Tu peux résumer en une phrase ce que tu as compris de cette peinture ? Ou te faut-il beaucoup plus, chercher tes mots, détailler tes ressentis ?

Conclusion : l’art, c’est pas du blabla, c’est une expérience à vivre de bout en bout. Mieux un exercice intellectuel. Analyser une peinture n’a rien d’un exercice académique chiant. C’est un dialogue entre le spectateur et l’artiste, un puzzle visuel à reconstruire. Si tu regardes une œuvre en cherchant à comprendre son intention, ses techniques et son message, tu ne la verras plus jamais comme avant.

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Article en mode coup de gueule parce que trop, c’est trop. Aujourd’hui, on scrolle, on like, on swipe. L’information arrive en rafale, digérée en trois secondes, aussitôt oubliée. Qui prend encore le temps de lire un livre, d’aller au musée, de s’immerger dans une œuvre sans chercher à la résumer en un tweet ? Bref d’enrichir sa culture ? Et pourtant, se cultiver, c’est vital. Pas pour jouer les bourgeois ou les premiers de la classe. Mais pour comprendre, analyser, enrichir son imaginaire, sa vision du monde. Et surtout, ne pas se faire manipuler.

L’art, c’est la liberté

Les régimes totalitaires l’ont toujours compris : un peuple sans culture, c’est un peuple docile. Quand Hitler brûlait les livres, quand les talibans dynamitaient les Bouddhas de Bâmiyân, quand la censure s’abattait (s’abat, devrais-je dire, les ciseaux d’Anastasie frappent toujours) sur des œuvres jugées trop subversives, l’objectif est le même : empêcher les gens de penser librement.

Et pour cause : la culture, c’est l’antidote à l’ignorance. L’art, la littérature, le cinéma, l’histoire nous apprennent à questionner le monde, à mettre en perspective les discours dominants. Prenons Orwell. 1984 n’a jamais été aussi actuel. Surveillance de masse, fake news, réécriture du passé… Tout est là. Sauf que sans culture, impossible de faire le lien. Impossible de comprendre que la manipulation ne passe pas que par la politique, mais aussi par la pop culture, la pub, les médias.

La culture, c’est l’antidote à la bêtise algorithmique

Aujourd’hui, l’intelligence artificielle trie pour nous ce que nous devons voir et penser. Netflix nous suggère ce qu’on doit regarder. Spotify choisit notre bande-son. Google nous montre ce qui va conforter nos opinions. Résultat : on est enfermés dans des bulles cognitives. La culture, la vraie, permet de sortir de ce piège.

Regarder un film iranien au lieu du dernier blockbuster formaté, lire un roman de science-fiction au lieu d’un post LinkedIn motivant… Ce sont ces choix qui enrichissent la pensée, qui nous confrontent à d’autres réalités. Sinon, on reste dans un monde où tout est mâché, où on ne fait qu’absorber ce qui nous est servi. En résumé, pour se cultiver, il faut sentir des sentiers battus, des chemins tracés.

Lire, voir, écouter : un cerveau qui fonctionne mieux

La culture, c’est aussi une musculation mentale. Lire régulièrement améliore la mémoire, renforce la concentration et booste la créativité. Des études montrent que les personnes qui lisent plus de livres développent une meilleure capacité d’analyse et une plus grande empathie.

Mieux encore : la musique classique améliore les performances cognitives, l’apprentissage d’une langue et d’une culture étrangères retarde les maladies neurodégénératives. Donc oui, se cultiver, c’est utile. Ce n’est pas juste pour briller en société, c’est aussi développer son cerveau et s’armer intellectuellement dans un monde où l’information est devenue un champ de bataille.

Sans culture, pas d’émancipation

L’histoire le prouve. Chaque mouvement de libération s’est accompagné d’un éveil culturel. La Renaissance, les Lumières, Mai 68… Partout, la culture a été un moteur de révolution. Aujourd’hui, certains veulent nous faire croire que la culture, c’est pour l’élite. Que lire un essai, aller voir une expo, c’est pour les « bobos ». Mensonge !

Frida Kahlo, Banksy, le hip-hop, le punk… Autant d’expressions artistiques issues du peuple, qui bousculent, qui questionnent. Qui rappellent que la culture appartient à tout le monde. Pas aux élites, pas aux académiciens. À ceux qui veulent s’en emparer.

Alors, on fait quoi ?

Je pourrais en rajouter, en faire des tartines sur le sujet. Mais je synthétise : arrêtons de dire qu’on manque de temps, qu’on n’est pas à la hauteur, qu’on n’y comprend rien, que c’est un truc d’intello. Une heure de scroll peut être remplacée par une heure de découverte. Un podcast intelligent au lieu d’un énième replay d’émission creuse. Un documentaire au lieu d’une série formatée. Chaque choix compte. Chaque livre lu, chaque film vu, chaque œuvre admirée, c’est une brique posée dans la construction d’un esprit libre.

La culture, ce n’est pas un bonus. Ce n’est pas un passe-temps. C’est une nécessité.

Et si on arrêtait de la snober ?

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Flashback : la semaine dernière, nous éditions une chronique du livre Algérie-Une histoire millénaire paru aux éditions Géorama. Un magnifique livre mêlant textes et photographies en une exploration de l’Algérie méconnue. Paysages majestueux, villes féériques, digne héritier des récits de voyage de la fin du XIXeme siècle, le travail de Frédéric Soreau nous a beaucoup impressionnés. Suffisamment en tout cas pour que nous nous intéressions à ce Monsieur de plus près.

Photographe professionnel, guide et conférencier, auteur et reporter, professeur de langues étrangères et de FLE (Français Langue Etrangère) : Soreau cultive un profil en apparence atypique mais finalement d’une rare cohérence. Trait d’union de ces différentes disciplines qu’il pratique de front : l’amour de l’Ailleurs. L’échange également entre les cultures, les êtres humains. A l’heure du tout numérique, de l’automatisation échevelée, Soreau s’enracine dans le concret, la vérité du dialogue, le travail de terrain.

Le partage In Real Life, loin des sirènes du social media (il y opère depuis peu, il faut bien se tenir à la page, mais avec autant de discrétion que d’élégance), c’est son ambition : qu’il s’agisse de faire découvrir le monde à des voyageurs, de partager les beautés de la langue françaises avec des amateurs venus des quatre coins du monde, de raconter en texte et en images ses périples à la surface de la planète.

Un OVNI ? Il y a de ça. Et surtout une sacrée rencontre, pour une personnalité d’une rare richesse, aussi inspirée que rigoureuse et pertinente, qu’il s’agisse de prendre la plume ou l’objectif. On vous relate le tout dans cette interview.

« L’amour de l’Ailleurs, l’ouverture aux autres »

• Pouvez-vous vous présenter et nous parler de votre parcours professionnel ?

J’ai plusieurs casquettes, je suis photographe professionnel, j’écris des livres et des guides de voyage. Je suis également guide-accompagnateur. Parallèlement à ces activités, je donne des cours de français langue étrangère et je suis examinateur-correcteur pour les tests de langue. Plusieurs activités donc, complémentaires avec un thème commun : l’amour de l’Ailleurs.

• Qu’est-ce qui vous a initialement amené à vous lancer dans tous ces domaines ?

En ce qui concerne la photographie, j’ai commencé très jeune. Je faisais en amateur des stages photos et j’étais inscrit dans un club photos dans le 18eme à Paris. On faisait du noir et blanc, on développait les tirages argentiques. C’était magique de voir la photo apparaître dans le bac du révélateur. Avec l’argentique, on faisait très attention à la prise de vue, au cadrage, avant d’appuyer sur le bouton. Les pellicules photos coûtaient chers et je pense qu’on faisait plus attention qu’aujourd’hui ; avec le numérique, on a juste à appuyer sur le bouton.

J’ai aussi toujours été attiré par les cultures étrangères. Lorsque j’étais étudiant à l’École du Louvre, les cours d’histoire de l’Art sur les civilisations orientales m’ont vraiment ouvert l’esprit, c’était un sujet passionnant. J’étais fasciné par ces cultures si différentes de la nôtre.

A la même période, j’ai eu l’opportunité d’accompagner des groupes de voyageurs pour une association, la FUAJ (Fédération Union des Auberges de Jeunesse) ; ils organisaient des voyages/aventures à travers le monde et m’ont proposé d’accompagner un circuit en Indonésie et en Malaisie. Le voyage s’est très bien passé et ils m’ont proposé par la suite d’accompagner d’autres groupes dans différents pays. A l’époque, il n’y avait pas internet, les accompagnateurs devaient réserver les hôtels sur place et s’occupaient des transports, de la gestion du groupe. Il fallait être débrouillard et parler les langues étrangères.

• Comment ces différentes activités s’articulent-elles ?

Toutes ces activités, que ce soient l’accompagnement de voyage, la photographie, l’écriture de livres de voyage, l’enseignement du français langue étrangère ont un point commun : l’ouverture aux autres.

« Le voyage et la photographie ? Un prétexte pour aborder l’autre, mieux comprendre l’autre ».

• Qu’est-ce qui vous attire le plus dans la photographie de voyage ?

La photo de voyage permet d’explorer de nombreux domaines, c’est très diversifié. Je fais des photos de paysages, de portraits, des scènes de rue, de l’animalier, des photos de fêtes, d’événements et de festivals. L’objectif est de donner un aperçu du pays, sans tomber dans les clichés (rires).

• La photographie de voyage demande une sensibilité particulière. Comment parvenez-vous à capturer l’âme d’un lieu ou d’une culture à travers l’objectif ?

Je n’ai pas de processus créatif à proprement parler. Mais je suis particulièrement sensible à la lumière. En général, j’essaye de faire beaucoup de photos tôt le matin et en fin d’après-midi. La lumière dorée est plus belle, elle sublime les espaces, les sites, les êtres.

• Quels sont les défis particuliers que vous rencontrez en tant que photographe de voyage ?

J’essaye toujours de photographier le plus possible les habitants du pays dans lequel je me rends, parce que je m’intéresse à l’humain, dans son quotidien. Or qui n’est pas toujours facile. Cela dépend du pays et du rapport que les habitants ont avec la photographie. Je fais toujours attention à me fondre dans la masse pour pouvoir photographier les gens de façon plus naturelle. Plus que les paysages, ce sont les visages qui m’attirent. C’est important de respecter l’autre, s’il ne veut pas être photographié pour des raisons religieuses ou par superstition ; certains peuples croient qu’en les photographiant on leur vole leur âme : dans ces cas-là, je n’insiste pas. Parfois c’est le contraire ; les gens sont heureux et fiers d’être pris en photo. Je me rappelle qu’en Inde, un habitant du Rajasthan m’a suivi à vélo dans le village pour que je le photographie. Après l’avoir photographié, son visage s’est illuminé et j’ai vu la joie que cela lui procurait ; c’est à ce moment-là que j’ai réalisé un deuxième cliché et c’était la bonne photo.

• Comment choisissez-vous les sujets et les lieux que vous souhaitez photographier ?

Lorsque je réalise un reportage photos dans un pays que je ne connais pas, je me renseigne beaucoup avant de partir. Je lis beaucoup de livres sur le pays, je regarde des documentaires. Arrivé sur place, le premier jour, je ne fais pas de photos. Je me promène dans les rues de la ville, j’observe, je fais des repérages, je regarde comment les gens réagissent. Pour certaines photos, il m’arrive de faire des croquis sur un carnet, de repérer des endroits susceptibles d’être intéressant comme angle de prises de vue. Par exemple à Cuba à La Havane, il y a un quartier avec beaucoup de murs peints représentant des héros de la révolution. Lorsque j’y suis allé il y a 1O ans, j’avais fait des repérages la veille puis j’étais revenu le lendemain matin pour réaliser les photos.

J’essaye aussi de faire des photos de fêtes et de festivals. Je pense que c’est important car cela reflète l’âme d’un pays. Cela peut être une fête religieuse comme la Semaine Sainte au Guatemala à Antigua ou des carnavals comme à Rio au Brésil. Là-bas justement, le carnaval a lieu chaque année au Sambodrom ; j’avais préparé mon voyage en amont et j’avais fait une demande d’accréditation pour pouvoir avoir accès à certains lieux.

• Quel rôle la photographie joue-t-elle dans votre manière d’explorer et de comprendre d’autres cultures ?

Pour moi, le voyage et la photographie sont un prétexte pour aborder l’autre, mieux comprendre l’autre. Heureusement on ne vit pas tous de la même manière dans tous les pays du monde. Les coutumes, les traditions, le rapport à la religion, au spirituel sont très différents selon les cultures. Le fait d’avoir beaucoup voyagé m’a ouvert l’esprit. Si je n’étais pas photographe, je pense que je n’aurais pas eu la possibilité d’accéder à certains endroits et aussi de rencontrer certaines personnes. Je pense à Naguib Mahfouz, à Youssef Chahine, à Gamal Ghitany, à Sonallah Ibrahim que j’ai eu l’honneur de rencontrer lorsque nous avions avec Olivier Dalle réalisé deux ouvrages sur le Caire (Le Caire 1999 et Regards sur Le Caire aux éditions Romain Pages).

• Quelles sont vos principales sources d’inspiration, tant sur le plan professionnel que personnel ? Y a-t-il des mentors ou des figures influentes qui ont marqué votre parcours ?

D’une manière générale, je suis inspiré de manière inconsciente par tous les arts : le cinéma, la musique, la littérature et bien entendu la photo. J’aime beaucoup l’œuvre de Cartier-Bresson, son sens de la composition , de la géométrie , son intuition, son humanisme. Chacune de ses photos est bien équilibrée. Tous les éléments sont à leur place, un peu comme dans une peinture.

La peinture, notamment la peinture de la Renaissance, est aussi l’une de mes sources d’inspiration. Elle me donne des idées pour travailler la lumière, la couleur ou la composition. Mes cours d’histoire de l’art à l’école du Louvre m’ont donné un bagage culturel ; grâce à des professeurs de grande qualité, j’ai découvert l’art dans le monde ; cela n’a pas de prix.

Je suis aussi sensible à l’œuvre de Steve McCurry , grand photographe voyageur et portraitiste, grand maître du courant coloriste.

La nature est aussi une de mes sources d’inspiration : elle nous invite à être humble et patient. C’est une source d’inspiration inépuisable car la nature est constamment changeante.

« Dévoiler le patrimoine naturel et culturel d’un pays »

• Votre nouveau livre de photos se concentre sur l’Algérie. Pourquoi avoir choisi ce pays comme sujet principal de votre ouvrage ? Qu’est-ce qui vous a attiré vers ce projet ?

Mon dernier livre paru aux éditions GEORAMA s’intitule effectivement Algérie une histoire millénaireet ce n’est pas un hasard. 12 chapitres, 156 pages, plus de 200 photos… Le titre rappelle que l’Algérie est au carrefour de nombreuses civilisations qui s’y sont succédé : les Phéniciens, les Romains, les Vandales, les Turcs, les Espagnols, les Français. Dans ce pays, le patrimoine est exceptionnel, mais méconnu : il y a à la fois le désert, la mer Méditerranée, les montagnes, des sites archéologiques, des vestiges du passé de toute beauté, des villes ou il fait bon vivre comme Oran et Constantine. J’ai voulu mettre cela en avant, faire découvrir ces merveilles. En 2022 l’Algérie a fêté les 60 ans de son indépendance. A cette occasion, j’ai eu l’envie de réaliser un beau livre, j’en ai parlé avec mon éditeur qui accepté.

• L’Algérie est un pays que vous connaissez bien. Quel rôle la découverte de ce pays a-t-elle joué dans votre propre parcours personnel et professionnel ?

J’ai eu la chance de pouvoir me rendre en Algérie plusieurs fois auparavant et de l’explorer du nord au sud, d’est en ouest. La première fois, c’était en 2009 ; les éditions du Jaguar m’avait missionné en tant qu’auteur pour effectuer la mise à jour d’un guide L’Algérie aujourd’hui. C’est là que je suis tombé en amour avec ce pays magnifique.

• Pouvez-vous nous parler du concept et du contenu de ce livre ? Quel est le processus créatif derrière ce livre ? Comment avez-vous sélectionné les images et quelle histoire souhaitiez-vous raconter à travers elles ?

La collection « Regards sur notre monde » des éditions GEORAMA a pour objectif de montrer au grand public le patrimoine naturel et culturel d’un pays. Or j’ai remarqué en maintes occasions que peu de personnes connaissent le patrimoine de l’Algérie. Lorsqu’on parle de ce pays, c’est souvent sous un angle politique ou économique, rarement d’un point de vue culturel. Or il y a de nombreux trésors dans ce pays, des trésors cachés. Depuis quelques années, l’Algérie ouvre timidement ses portes aux touristes ; de nombreux lieux historiques comme le palais à Alger ont été restaurés. Mais il reste encore beaucoup à faire. C’était le point de départ du livre. Quant au choix des images, il a été douloureux. Il faut se rappeler que l’Algérie est un pays immense ; sa superficie fait quatre fois la France. Il est impossible de tout traiter dans un livre de 156 pages. Il a donc fallu synthétiser, sélectionner les photos parmi plus de 5000 images. Un très gros travail.

• Quels ont été les principaux défis rencontrés lors de la création de ce livre ?

Lorsqu’on va en Algérie, comme dans tout pays dans le monde du reste, il y a des règles à respecter. On ne peut pas tout photographier ; pour des raisons de sécurité, il est par ailleurs conseillé de partir avec une agence de voyage et un guide, notamment dans certaines régions comme le désert. Cela a parfois orienté mes choix. Autre impératif : mettre en évidence les grands sites culturels mais aussi des lieux moins connus.

• À qui cet ouvrage s’adresse-t-il ?

Ce livre s’adresse à tous ceux qui ne connaissent pas l’Algérie, à ceux qui ont le projet de s’y rendre, qui vont y aller ou qui y sont allés, à ceux qui n’iront pas mais qui voyageront en tournant les pages de ce livre. C’est en cela une invitation au voyage, un hommage à un des plus beaux pays du monde.

Ce livre s’adresse aussi aux franco-algériens qui se rendent en Algérie et qui veulent approfondir certaines connaissances sur l’histoire et sur le patrimoine culturel d’un pays au patrimoine remarquable. Ils peuvent d’ailleurs en être fiers.

• Quelle place occupe l’écriture par rapport à la photographie dans votre démarche créative ?

Les deux activités l’écriture et la photographie ont beaucoup de points communs. Photographier c’est écrire avec la lumière, c’est exprimer une émotion, raconter une histoire. C’est une autre manière d’écrire.

« Faire aimer et comprendre un pays »

• Vous êtes également guide de voyages, emmenant des groupes de personnes découvrir des pays lointains. Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans ce rôle de passeur de cultures ?

En tant que guide-accompagnateur, j’ai toujours pris en charge des petits groupes limités à 12-15 participants pour des associations ou des agences de voyage qui ont une éthique, qui sont respectueuses des peuples et de l’environnement. J’ai commencé à la FUAJ puis j’ai travaillé avec Nouvelles Frontières, ADEO et ARVEL. Aujourd’hui j’accompagne des groupes pour Autentika voyages. Il y a un esprit d’aventure, de découvertes. Je m’occupe des réservations d’hôtels, des transports, parfois je suis aussi chauffeur et je conduis le minibus. Il faut être polyvalent, avoir des qualités humaines, être toujours attentif à la sécurité, savoir gérer un budget et gérer un groupe. Ce n’est pas forcément facile mais c’est passionnant. J’aime transmettre ma passion et mes connaissances pour un pays.

• Vous avez voyagé dans de nombreux pays à travers le monde. Y a-t-il un moment ou une destination qui a particulièrement marqué votre parcours et influencé votre vision artistique et professionnelle ?

Depuis quelques années, je me suis spécialisé sur l’Indonésie et le Japon, dont je pratique les langues. Je me documente régulièrement sur ces pays en me rendant par exemple au musée Guimet ou au musée Cernuschi pour voir des expositions ; j’assiste à des conférences, je lis des romans, des livres d’histoire. Apprendre une langue, c’est apprendre une culture. J’aime les pays qui ont une forte culture mais qui conservent un certain mystère. C’est ce qui m’a poussé à m’intéresser au Japon. C’est un pays qui ne ressemble aucun autre, avec une certaine attirance pour tout ce qui est éphémère. Dans ce pays qui est souvent sujet à des catastrophes naturelles, on prend pleinement conscience de la valeur de la vie, de ce qui est important et de ce qui ne l’est pas. Prendre le temps de regarder, de rêver, de méditer.

• Comment parvenez-vous à rendre chaque expérience unique et immersive ?

En tant que guide-accompagnateur, j’essaye de transmettre mes connaissances, de faire aimer et comprendre un pays. Je me suis constitué un réseau dans certains pays, notamment en Indonésie et au Japon. A chaque fois que j’y vais, je contacte des guides locaux, des chauffeurs, des artistes qui travaillent avec moi régulièrement. Cela permet au groupe que j’accompagne de faire de connaissances, de rencontrer des locaux. Parfois, nous visitons des associations humanitaires comme à Danang au Vietnam ou à Calcutta en Inde ou à Salvador de Bahia au Brésil et le groupe peut échanger et dialoguer avec des personnes défavorisées, des enfants des rues. Voyager ce n’est pas que visiter des lieux touristiques, c’est aussi essayer de comprendre comment vit la population.

« Apprendre une langue, c’est apprendre une culture ».

• Vous enseignez le Français Langue Etrangère, notamment dans différentes antennes de l’Alliance Française ; vous êtes également examinateur. Qu’est-ce qui vous a poussé vers ce type d’enseigement ?

Ce qui me plaît dans l’enseignement du FLE, c’est d’abord d’enseigner à un public d’étrangers, un public très varié. Dans une classe, on peut avoir jusqu’à 10 nationalités différentes, un véritable métissage culturel ou chacun échange avec l’autre. J’enseigne, je transmets mes connaissances dans la langue et la culture français mais je m’enrichis aussi beaucoup. C’est passionnant. Comme j’ai beaucoup voyagé, je connais souvent le pays et parfois la langue des apprenants, ce qui est un plus notable.

Mes étudiants sont souvent très motivés ; ils ont fait le choix d’apprendre la langue française souvent pour vivre et travailler en France. C’est très stimulant et c’est un véritable bonheur pour moi de les voir progresser. Apprendre une langue, c’est aussi apprendre une culture. Les deux sont indissociables, « les deux facettes d’une même médaille » pour reprendre les termes de Benveniste.

• L’interculturalité semble être un fil conducteur dans toutes vos activités. Comment définiriez-vous ce concept et pourquoi est-il important pour vous ? Comment pensez-vous que le voyage et la photographie peuvent favoriser le dialogue interculturel ?

Pour moi l’interculturalité implique des échanges réciproques. Il y a le mot « culturel » précédé du mot inter (entre). L’interculturalité c’est le dialogue entre les cultures. Aujourd’hui, le problème est que les gens n’osent plus se parler. On a peur de l’autre. Or c’est en dialoguant, en pratiquant une démarche interculturelle qu’on peut contrer les stéréotypes et les préjugés. La notion d’interculturalité englobe le processus de contact culturel mais aussi le métissage des cultures et des langues. La diversité linguistique et culturelle est un enrichissement permanent.

« Il faut être polyvalent »

• Quelles sont vos prochaines ambitions ou projets, que ce soit en tant qu’auteur, photographe, guide ou enseignant ?

En ce qui concerne la photographie, je travaille depuis maintenant trois ans sur le thème des jardins japonais, au fil des saisons. C’est une réflexion sur le temps qui passe, la prise de conscience de l’éphémère. En effet, les arbres en fleurs, que ce soient les cerisiers, les glycines, les pruniers représentent la beauté éphémère de la vie et nous invite à prendre conscience de notre présence éphémère sur terre.

C’est un travail ambitieux que je compte terminer dans le courant de l’année 2025 en publiant un livre sur le sujet. Une exposition est également envisagée pour le printemps 2025, au centre culturel Tenri, une association culturelle franco-japonaise. Il s’agit de photographies noir et blanc que j’ai réalisées autour de l’œuvre de Shigemori Mirei, un paysagiste et créateur de jardins secs.

• Avec l’évolution constante du monde de la photographie et des voyages, comment envisagez-vous l’avenir de votre travail ?

J’ai appris la photographie à l’époque de l’argentique. Comme je vous l’expliquais au début de cet échange, à cette période on faisait très attention avant de prendre une prise de vue car les pellicules photos coûtaient chères : il y avait 36 vues, avant d’appuyer sur le bouton, on faisait attention à soigner son cadrage, à la lumière, à tout ce qui se passait aux bords de l’image. Aujourd’hui avec le numérique, les photographes ont tendance à appuyer le plus possible sur le bouton. Cela a considérablement impacté la profession, la manière de travailler. Aujourd’hui, tout le monde s’improvise photographe, prend des photos avec son smartphone. Devant cette multitude de photos, il devient difficile de faire le tri. Avec l’intelligence artificielle, je pense que le métier de photographe va encore évoluer. Ce qui est sûr, c’est qu’il est difficile de vivre actuellement de la photographie. Il faut avoir plusieurs métiers et être polyvalent.

Quant au métier de guide, il a peut-être plus d’avenir. Les gens voyagent beaucoup plus que dans les années 1990-2000. Depuis une dizaine d’années, le tourisme de masse se développe considérablement. On consomme du voyage. Les gens disent « j’ai fait la Grèce, j’ai fait le Japon », expression qui montre bien qu’il faut avoir vu le plus de pays en le survolant. On se prend en photo devant un monument et on poste sa photo sur Instagram pour dire « j’y étais ». Ce n’est pas du tout ma conception du voyage.

J’essaye au contraire de m’immerger dans un pays, de m’y intéresser et d’approfondir mes connaissances dans différents domaines : géographique, culturel, architectural, artistique, littéraire. Cela demande du temps : c’est ce que j’essaye de faire avec le Japon et l’Indonésie. J’ai suivi des cours à l’INALCO, je suis diplômé en indonésien, en japonais. Je vais voir des expositions, je lis beaucoup de livres et je m’informe constamment sur l’actualité culturelle de ces pays. Bref j’en fais une spécialité. Et je partage mon expertise avec les voyageurs que je guide. Et je pense qu’il y a une demande pour ce type d’approche qualitative.

1000 fois merci et plus encore à Fred Soreau pour son temps et ses réponses.

Pour en savoir plus sur ses livres, ses photographies, son actualité, n’hésitez pas à consulter son site web Studio F.Soreau.

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Nous en parlons régulièrement dans nos articles : le dark art. Cet « art sombre », désigne un mouvement artistique qui explore des thématiques liées à l’obscurité, à la mort, à la peur, au surnaturel et à l’inconnu. Il s’inscrit dans une longue tradition d’art macabre et fantastique, mais adopte une approche contemporaine en s’emparant de nouveaux supports et de techniques modernes. Cette forme d’art n’hésite pas à briser les tabous pour explorer les aspects les plus troublants de l’existence humaine, alliant esthétisme et angoisse.

Dark art, d’hier à aujourd’hui

L’inspiration du dark art peut être retracée jusqu’à des mouvements anciens comme l’art gothique du Moyen Âge, où les représentations de la mort et des damnés étaient omniprésentes dans l’architecture, la peinture et la sculpture. L’art macabre se développe également à travers les vanités de la Renaissance : la fugacité de la vie et la présence omniprésente de la mort y sont mises en scène à travers des crânes, des sabliers, des bougies vacillantes.

Plus récemment, le dark art puise son énergie dans le surréalisme et le symbolisme, des mouvements qui se sont également penchés sur l’inconscient, les rêves et les cauchemars. Les œuvres de Goya, avec ses gravures des Caprices et sa série Les Désastres de la guerre, posent les bases de ce dialogue artistique avec l’horreur et la condition humaine.

Le dark art contemporain émerge dans les années 1980 et 1990, en parallèle à des sous-cultures comme le gothique, l’industriel et le punk. Des artistes comme H.R. Giger (connu pour ses conceptions biomécaniques dans le film Alien) ont permis de populariser cet univers dans la culture populaire.

Dark art : thématiques des ténèbres

Le dark art se caractérise par des thématiques profondément ancrées dans l’exploration des aspects sombres de l’humanité et de la vie. Parmi les thèmes récurrents, on retrouve :

• La mort et la finitude : Le trépas est omniprésente dans le dark art. L’art funéraire, les squelettes, les crânes, les corps décharnés sont des représentations classiques qui interrogent la fugacité de la vie et la permanence de la mort.
• L’angoisse et la folie : De nombreux artistes explorent les thèmes de la démence et de la psyché humaine. Le dark art met souvent en scène des visages tourmentés, des figures en proie à des cauchemars et des visions déformées de la réalité.
• Les créatures fantastiques : Des monstres mythiques aux créatures inventées par l’artiste, les figures surnaturelles et fantastiques tiennent une place de choix dans le dark art, exprimant souvent les peurs et les angoisses collectives.
• Le sacré et le profane : Nombreux sont les artistes qui jouent avec les symboles religieux pour interroger les frontières entre le bien et le mal, le sacré et le blasphème.

Les supports et techniques du dark art

Le dark art s’exprime à travers une diversité de supports. Bien qu’il soit souvent associé à des formes traditionnelles telles que la peinture et la sculpture, il se manifeste également dans des médiums contemporains.

• La peinture et le dessin : Ce sont les techniques les plus utilisées dans le dark art. Les artistes travaillent souvent sur des toiles sombres avec des contrastes saisissants, utilisant des palettes de couleurs sombres, avec une forte prédominance du noir, du rouge et du gris.
• Les installations : Certaines œuvres de dark art prennent la forme d’installations immersives où le spectateur est confronté à des environnements angoissants et dérangeants, où les objets du quotidien sont transformés en éléments perturbants.
• La photographie : Les artistes de la photographie dark créent des scènes quasi théâtrales où la lumière et l’obscurité s’entrelacent pour révéler la beauté dans la déchéance. Les photos sont souvent mises en scène avec des modèles, des accessoires et des décors gothiques.
• Le numérique et l’intelligence artificielle : De plus en plus, le dark art s’approprie les technologies modernes, avec des artistes comme Valesia Obscura, qui utilisent l’intelligence artificielle pour créer des vidéos sombres, mêlant imagerie digitale et univers fantastiques.

Dark art : esthétique de la distorsion

Le dark art obéit à des codes visuels spécifiques qui définissent une esthétique fondée sur la distorsion des formes, des êtres et des âmes.

• Symbolisme : Les crânes, les corbeaux, les bougies, les miroirs et les poupées sont des symboles récurrents dans le dark art, utilisés pour représenter la fragilité de la vie, le passage du temps, et la vanité des ambitions humaines. Ces éléments s’entrelacent souvent avec d’autres symboles plus subtils comme les sabliers, les squelettes ou les masques, chacun chargé de significations profondes. L’artiste manipule ces objets pour évoquer des thèmes universels tels que la mort, la mémoire et l’éphémère, tout en invitant le spectateur à une réflexion plus introspective.
• Surréalisme macabre : Les artistes de dark art utilisent des images issues de rêves ou de cauchemars, où les scènes sont souvent déconnectées de la réalité, créant des distorsions mentales et émotionnelles. Cela inclut la juxtaposition de créatures hybrides, de paysages surréalistes et de scènes oniriques.
• Textures organiques et matières brutes : L’utilisation de textures rugueuses, de matières brutes comme le bois ou la toile brute, et de teintes terreuses peut renforcer le sentiment d’inconfort, d’abandon ou de pourriture dans l’œuvre. Les œuvres de dark art peuvent également inclure des éléments naturels en décomposition (os, feuilles mortes, chair) pour renforcer ce lien avec la mortalité.
• Contraste extrême et saturation réduite : En jouant sur un fort contraste, souvent entre les noirs profonds et les teintes pâles, les artistes accentuent le dramatique. Une palette de couleurs délavées ou monochromatiques, avec des tons sombres et des nuances de gris, est aussi couramment utilisée pour susciter un sentiment de mélancolie et de désespoir.
• Clair-obscur : L’utilisation du clair-obscur permet de créer une atmosphère dramatique et envoûtante. L’artiste accentue les zones de lumière pour faire ressortir des détails précis, tout en plongeant d’autres parties dans l’obscurité, laissant planer une incertitude inquiétante. Ce jeu subtil avec la lumière et les ombres renforce le caractère mystérieux et souvent angoissant des œuvres.
• Fragmentation du corps humain : Les œuvres de dark art fragmentent souvent le corps humain, le disloquant ou le réduisant à ses parties les plus dérangeantes. Des crânes, des organes ou des figures humaines mutilées et démembrées deviennent des métaphores de la fragilité de l’existence.
• Usage de la lumière artificielle : En jouant avec la lumière artificielle, souvent froide et clinique, les artistes du dark art créent une atmosphère angoissante. L’éclairage peut provenir de sources improbables ou non naturelles, comme des néons ou des projecteurs, ajoutant une touche de modernité et d’étrangeté.
• Distorsion spatiale : Le dark art aime jouer avec la perspective et l’espace pour désorienter le spectateur. Les architectures tordues, les espaces infinis ou impossibles, et les horizons distants créent un sentiment de vertige et de désespoir.
• Collage et techniques mixtes : L’utilisation du collage, en combinant des images issues de différents médias ou réalités, permet de créer des œuvres fragmentaires qui brouillent les frontières entre rêve et cauchemar. L’artiste peut aussi superposer divers matériaux pour ajouter de la texture et de la profondeur.

Le dark art est ses ambassadeurs

• Hieronymus Bosch : Même s’il est un peintre de la Renaissance, Bosch est souvent considéré comme un précurseur du dark art. Ses scènes infernales et ses représentations grotesques des tourments humains dans des œuvres comme Le Jardin des délices continuent d’inspirer les artistes contemporains.
• Francisco Goya : Bien que souvent classé parmi les grands maîtres classiques, son travail dans les Caprices et Les Désastres de la guerre représente l’un des premiers exemples d’un art profondément ancré dans l’angoisse et la noirceur humaine.
• H.R. Giger : Cet artiste suisse est une figure incontournable du dark art, notamment grâce à ses créations biomécaniques qui fusionnent le corps humain avec la machine. Son esthétique a largement influencé le cinéma et la culture populaire.
• Zdzisław Beksiński : Peintre et photographe polonais, Beksiński est connu pour ses paysages dystopiques et ses représentations de corps torturés. Ses œuvres évoquent des mondes post-apocalyptiques où règne une atmosphère de désespoir.
• Mark Ryden : Connu pour son style appelé « surréalisme pop », Mark Ryden mélange l’innocence enfantine à des éléments sombres et macabres, créant des images à la fois dérangeantes et captivantes. Son travail explore des thèmes comme la mort, le rêve, et la dualité entre pureté et corruption.
• David Stoupakis : Artiste américain, David Stoupakis est célèbre pour ses peintures gothiques et sombres. Son style distinct combine l’art surréaliste et fantastique avec des scènes mélancoliques et mystiques, souvent peuplées d’enfants aux airs perdus.
• Chet Zar : Cet artiste californien a commencé sa carrière dans les effets spéciaux avant de se consacrer à la peinture. Les œuvres de Chet Zar, souvent qualifiées de dark surrealism, représentent des créatures grotesques et déformées, avec une ambiance à la fois macabre et fantastique.
• Alex Pardee : Illustrateur et peintre, Alex Pardee se spécialise dans des représentations monstrueuses et colorées. Ses œuvres marient une esthétique cartoon à des éléments horrifiques, créant une fusion entre l’univers enfantin et l’épouvante.
• Mab Graves : Artiste américaine influencée par le pop surréalisme, Mab Graves crée des œuvres qui oscillent entre l’adorable et le dérangeant. Ses peintures montrent souvent des enfants dans des environnements mystérieux, explorant des thèmes de la mort et de la solitude.
• Saturno Buttò : Le peintre italien combine iconographie religieuse et érotisme sombre. Saturno Buttò réalise des portraits qui confrontent des thèmes tels que la foi, la souffrance, et le sacré, avec une touche subversive et provocante.

Mouvement artistique fascinant s’il en est, le dark art allie tradition et modernité, puissant véhicule explorant l’inconnu. Nous confronter à la peur, cultiver la beauté du laid : à une époque où la technologie et l’intelligence artificielle redéfinissent les frontières de la création, le dark art continue de repousser les limites du possible tout en restant fidèle à ses racines macabres.

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Ouh là, quel titre, mes aïeuls ! Un brin grandiloquent… mais finalement assez juste !

• Parce que le MaMA de par son cycle de conférences/débats/interventions décrypte l’actu du secteur des musiques actuels à chaque nouvelle édition.
• Parce que cette année, nous n’étions pas présents sur site, mais tant pis, on a quand même décidé d’en profiter et de vous aider à en faire autant.

Explications.

Short au niveau timing

Dans notre jargon ARTchemisien, nous appelons ça chroniquer à l’aveugle. C’est-à-dire rédiger un article sur un sujet/event/lancement sans y être vraiment. Bouuuuuuuuuuuuuuh, pas bien !!! Ouep mais tant pis.

1. Déjà, on n’est pas les seuls à pratiquer la chose, d’autres s’y adonnent sans vergogne.
2. Tant qu’à le faire, on le fait bien, avec un temps de documentation relativement long.
3. On écrit le texte avec nos petites mains et pas en copiant-collant le communiqué de presse comme cela se pratique habituellement.

« Mais pourquoi en êtes-vous réduits à semblables extrémités ? »

‘Mais parce que justement, nous sommes aux extrémités, en d’autres termes loin loin, paumés du côté de la province, et très occupés de surcroît, donc pas forcément le temps, le budget ni l’envie pour rallier Pigalle en bagnole/RER ce qui nous prendrait bien trois bonnes plombes ».

« Mais vous abusez, d’autres assistent à l’évènement trois jours durant ». « Oui mais nous on est un peu short au niveau timing, et en prime, on bosse à côté. Et puis on fait ce qu’on veut, on est encore dans un pays libre, enfin soi-disant. » Blablabla…

Profiter de la partie convention pro sans y être

La vérité, chers lecteurs, c’est que, comme beaucoup d’autres structures, nous devons gérer avec les moyens du bord. Public éloigné nous sommes, et nous assumons de l’être. Expérience intéressante du reste qui rappelle que la vie culturelle en dehors du Gros Paris n’est pas toujours ce qu’il y a de plus fluide. Mais ça j’aurai l’occasion de vous en parler dans un autre article que je fais actuellement mijoter à feu doux. Cette année donc, pour la 15ᵉ édition du MaMA dont, je vous le rappelle au passage, nous avons essuyé les plâtres en 2010 si ma mémoire est bonne (la vache, ça fait mal quand même), nous avons résolument pris le large avec une idée en tête : comment profiter de la partie convention pro sans y être ? Et surtout pourquoi ?

Pourquoi ? On a déjà abordé le sujet dans un compte rendu précédent : il se trouve que depuis quelques années, la version pro du MaMA prend des allures d’université automnale agrémentée de conférences, débats, worshops et autres rencontres. On y assiste comme on le ferait d’un cours magistral, avec sérieux et application. Au programme, plusieurs thématiques : musique enregistrée, musique live, artiste, management et édition, politiques culturelles et institutionnelles, tech, enjeux environnementaux, enjeux sociaux. Si vous n’avez pas imprimé que la musique est chose sérieuse, c’est maintenant le cas : on ne rigole pas avec, et cette industrie se doit de vivre avec un temps dont elle subit le contrecoup.

Action pédagogique

Pour éviter le contre et rester dans le coup, (ma pauvre Padmé, tu baisses au niveau des jeux de mots, c’est pathétique), rien de mieux que de parcourir l’ensemble des events organisés sur ces différents sujets, rassemblés sur des plannings qui donnent le tournis. Comme vous pouvez le constater, il y a de quoi faire avec, pour l’année 2024, des problématiques spécifiques :

• la question de l’IA, ou comment l’intelligence artificielle est en train de s’infiltrer dans le business, pour le meilleur et le pire, ça reste à déterminer ;
• comment vivre de sa musique aujourd’hui, entre aides et diversification des activités
• quid d’une industrie plus verte, plus eco-friendly, et durable, surtout dans le domaine des festivals ?
• comment orchestrer des événements sécurisés, inclusifs et préventifs ?
• zoom sur d’autres marchés, Grande-Bretagne, Afrique, Ukraine, Chine surtout (« Comment développer une communauté de fans en Chine », très intéressant)…
• la question des addictions dans le domaine de la musique…

Le tout enregistré et restitué sous forme de podcast, autant d’épisodes passionnants que je vous invite à écouter, car c’est une mine d’informations, de conseils, de réflexions. Là, c’est le côté pédagogico-médiatique du MaMA qui émerge. Celles/ceux qui n’ont pu être présents pour différentes raisons peuvent néanmoins tirer parti de cette manne d’enseignements en écoutant religieusement chaque enregistrement.

Histoire de ne plus chroniquer à l’aveugle ? Exactement. Et aussi pour préparer l’avenir, anticiper les chocs, continuer à créer, repérer des jeunes talents, promouvoir la diversité, protéger une filière essentielle et pas seulement au niveau du divertissement, du loisir. Il s’agit ici de culture commune, d’un patrimoine à partager, à porter dans le futur. L’actualité de l’industrie musicale décortiquée et éclairée par des pros, le tout à explorer depuis votre fauteuil : faites-en d’autant moins l’économie que c’est gratuit, et que pour le coup, vous n’en êtes pas le produit, mais l’acteur potentiel, la courroie de transmission en devenir.

Pour écouter les conférences du MaMA 2024 (et celles d’avant aussi), consultez le podcast du festival.

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L’intelligence artificielle : bien ou mal ? Une chance ou une malédiction ? On ne compte plus les fictions qui penchent pour une vision maléfique, dépeignant l’IA comme une entité menaçante et incontrôlable . La série dystopique Concordia nuance le propos en exposant une vérité plus fondamentale : ce sont les failles intrinsèques de la nature humaine qui conduisent aux pires dérives, même au sein d’une société soumise à une surveillance omniprésente. La technologie n’est qu’un simple outil, la véritable menace réside dans l’humain qui en use.

Meurtre vs utopie

Concordia est le nom d’une ville futuriste, régie par une IA surpuissante qui assure la sécurité de chacun. Au sein de cette cité eco-firendly fondée sur l’idée de paix universelle et de tolérance, des habitants qui ont voulu fuir la brutalité de la société moderne, la discrimination, la folie du racisme, de l’homophobie. Conceptrice visionnaire de cette utopie, Juliane a tout fait pour en porter le concept auprès de riches investisseurs et de politiques. Selon elle, l’IA qui surveille chaque citoyen de Concordia a pour but de protéger, de rassurer, d’apporter paix et stabilité.

Un équilibre en apparence solide mais qui risque fort de s’effondrer quand un jeune ingénieur de Concordia est retrouvé assassiné dans la proximité de la cité idéale. Qui ? Comment ? Pourquoi ? A l’heure d’un scale-up essentiel pour l’entreprise, ce meurtre n’a rien d’un fait divers. Qui avait intérêt à liquider ce garçon ? Qu’est-ce que ce dernier avait bien pu découvrir qui précipite son exécution ? Une enquête est ouverte par les autorités, mais Juliane, ses financeurs, ses collaborateurs vont mener leurs propres investigations. Et la vérité mise à jour ne va pas plaire à tout le monde, loin s’en faut.

La technologie et l’usage qu’on en fait

Au cœur des préoccupations de tous : le danger que représente cette IA invasive, façonnée pour surveiller le moindre mouvement, le moindre signe de stress. Étouffante pour le moins. Si chaque épisode débute par le témoignage enjoué et reconnaissant des habitants de Concordia, la suite du récit contredit l’engouement ambiant, en laissant transparaître des méthodes qui font froid dans le dos. Car les enjeux financiers et sociaux sont énormes. Le projet ne peut, ne doit pas échouer. À partir de là, tous les coups sont permis.

Sauf que ces coups, ce n’est pas la machine qui va les asséner, mais l’homme. Le message de la série est clair et crédible : la source véritable de l’instabilité ne réside pas dans la technologie elle-même, mais dans l’usage qu’on peut en faire, usage souvent propulsé par les pulsions et les biais cognitifs des individus. La surveillance technologique échoue à éradiquer les tendances destructrices inhérentes à l’humain qui la commande, niant les idéaux qui ont accouché de l’utopie Concordia. En d’autres termes, Concordia est bâtie sur un mensonge. Pire, sur un péché.

La série de Mike Walden et Nicholas Racz prend le contre-pied de (trop) nombreuses œuvres de fiction qui accusent l’IA de tous les maux. Ici, cette dernière est certes omniprésente mais au final incapable de stopper la catastrophe, le chaos. Elle se contente de subir et de refléter les actions humaines, exacerbant juste les tensions par son caractère intrusif. Mais en vérité, ce sont les êtres humains qui manipulent, dissimulent, exploitent les failles du système. Et la surveillance totale de la machine n’y peut rien.

Un miroir critique

Concordia agit comme un miroir critique de notre société contemporaine, à l’heure où l’usage des IA en général et dans le cadre de la surveillance de masse en particulier fait l’objet de débats croissants. La série pointe du doigt la responsabilité humaine dans l’exploitation de ces technologies, en posant une question cruciale : ne sommes-nous pas en train de projeter sur les algorithmes la responsabilité de nos propres échecs éthiques et sociaux ?

Cette réflexion résonne particulièrement dans notre époque : décriée, conspuée, la technologie est en fait érigée en bouc émissaire des déviances humaines. Concordia renverse volontairement cette perspective en rappelant que la véritable menace n’émane pas de la machine, mais bien de l’homme, de ses instincts, de ses doutes, de ses peurs, de ses choix aussi mais surtout de son incapacité à assumer ses responsabilités.

Concordia nous incite à une introspection profonde sur la question de la responsabilité humaine dans un monde de plus en plus régulé par la technologie. Ce ne sont pas les systèmes de surveillance qui induisent les dérives, mais bien ceux qui choisissent de les exploiter. Ainsi, les maux de l’humanité continuent de trouver leur origine en nous-mêmes. La série pose une question essentielle et redoutable : jusqu’où sommes-nous responsables de notre propre destruction, et de quelle manière déciderons-nous d’utiliser la technologie à l’avenir, pour améliorer plutôt que détruire notre société ?

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