L’hiver s’installe, le froid, le givre. À la faveur du froid, le feu devient plus qu’un motif pictural illuminant les parois des musées : il constitue soudain une promesse. Promesse de survie, de consolation, d’illumination. De Turner à Bill Viola, en passant par la flamme silencieuse de Georges de La Tour ou le soleil artificiel d’Olafur Eliasson, le feu trace une ligne continue : il sauve, il rassemble, il ouvre un passage. C’est ce fil-là que nous allons suivre : comment, de la peinture romantique à la vidéo monumentale, la chaleur devient, au cœur de l’hiver, une expérience esthétique et presque liturgique.

Georges de La Tour : la flamme comme braise intérieure

XVIIe siècle : le peintre lorrain Georges de La Tour, marqué par l’héritage du caravagisme, s’impose comme le maître absolu du clair-obscur silencieux. Ses thèmes de prédilection ? Les scènes intimes ou méditatives (La Madeleine à la veilleuse, Le Nouveau-né), les figures de saints en contemplation, les compositions dépouillées où les objets (livre, crâne, bougie) deviennent symboles. Partout la flamme qui éclaire et réchauffe dans la pénombre des intérieurs, les ténèbres nocturnes.

Georges de La Tour est un peintre de la retenue et de la profondeur : peu d’éléments, mais une immense intensité. Chez lui, la lumière ne raconte pas l’extérieur : elle révèle l’intérieur — la pensée, l’âme, la fragilité humaine.

Une chandelle pour tout chauffage

Dans La Madeleine à la veilleuse (vers 1640), la sainte est assise dans l’ombre, un crâne sur les genoux, un livre devant elle, éclairée par une unique flamme de bougie, dont la fumée est décrite avec une minutie presque scientifique.

Le dispositif est simple : pas de cheminée, pas de feu de camp, seulement une veilleuse. Mais cette chandelle, qui suffirait à peine à chauffer une pièce, devient un foyer symbolique : cette source de lumière placée au centre de la composition constitue une métaphore de la vie humaine, fragile, vacillante, menacée d’extinction.

La Tour pousse le clair-obscur jusqu’à une forme de radicalité silencieuse : tout le tableau semble construit pour que l’œil se concentre sur cette petite incandescence. La chaleur n’y est plus ressentie physiquement, elle est transposée en intensité spirituelle.

Chaleur morale contre froid du monde

Les variantes de ce thème, comme La Madeleine pénitente dite “aux deux flammes”, renforcent encore ce dispositif : le crâne, le miroir, le livre et la bougie composent un théâtre minimal où la flamme vaut à la fois pour la présence divine et pour la tension intérieure du personnage.

On pourrait presque parler d’“ascèse thermique” : plus le décor se dépouille, plus la chaleur se déplace vers le registre du sens. Dans ces nuits closes, il ne reste que la braise de la conscience. C’est un feu qui ne réchauffe pas les mains, mais sauve l’âme.

Turner : la flamme contre la neige, ou l’alliance impossible des éléments

Passons 200 ans. Peintre phare de l’art britannique du XIXeme siècle, Joseph Mallord William Turner (1775–1851) transforme la peinture de paysage en lui conférant une dimension émotionnelle et expérimentale inédite. Membre de la Royal Academy dès l’âge de 27 ans, il est souvent considéré comme le précurseur de l’impressionnisme … et l’un des maîtres absolus de la lumière.

Turner explore la mer, les tempêtes, les incendies, les brumes, les couchers de soleil… mais toujours dans une optique singulière : la lumière n’est pas un détail, elle est le sujet.
Il dissout les formes, brouille les contours, utilise des couleurs ardentes ou laiteuses pour traduire des phénomènes atmosphériques. Ses œuvres oscillent entre réalisme observé et vision presque abstraite — d’où l’impact durable de son travail.

Parmi ses thèmes majeurs, les tempêtes, où le chaos du monde se mêle à celui de la perception ; le progrès industriel, avec les bateaux à vapeur ou les machines, dont le feu intérieur devient moteur dramatique ; et les incendies. Deux exemples nous frappent.

Une ville en feu : la chaleur comme catastrophe et fascination

Avec The Burning of the Houses of Lords and Commons, 16th October 1834, Turner fixe un épisode très réel : l’incendie du Parlement britannique, qu’il observe depuis la rive opposée de la Tamise, multipliant les croquis sur le vif avant d’en tirer deux grandes toiles aujourd’hui conservées à Philadelphie et Cleveland.

Le feu y est littéralement souverain : les bâtiments se dissolvent dans une masse de jaunes, d’oranges et de rouges qui se reflètent dans l’eau, tandis que les silhouettes humaines se réduisent à une frange noire au bas de la composition. La chaleur est ici ambivalente : elle menace l’institution politique, mais elle offre au peintre une matière lumineuse presque abstraite. Catastrophe pour le pays, révélation pour la peinture.

Ce feu central, irradiant, fonctionne déjà comme un “soleil de substitution” au cœur de la nuit londonienne : dans un climat réputé froid, humide, brumeux, la conflagration impose une chaleur violente, ponctuelle, éphémère – mais d’autant plus hypnotique.

Snow Storm : le feu invisible, moteur de survie

Quelques années plus tard, Turner expose Snow Storm – Steam-Boat off a Harbour’s Mouth (1842), tableau de tempête de neige où un bateau à vapeur lutte contre des éléments déchaînés. Tout semble ici contraire à l’idée de chaleur : tourbillon de blanc, de gris et de vert, absence de point focal stable, sensation d’engloutissement. Pourtant, au cœur de ce chaos glacé se cache un autre feu : celui de la chaudière du steam-boat, feu industriel invisible mais vital, seul rempart contre l’hypothermie, seul moteur qui maintient le navire en mouvement.

La toile juxtapose ainsi deux régimes : le froid cosmique de la tempête, indifférente à l’humain ; la chaleur contrôlée de la machine, qui permet de traverser l’enfer blanc. Turner ne montre pas la flamme, mais tout le tableau en dépend. La chaleur devient alors motif salvateur précisément parce qu’elle est hors-champ : elle n’est plus spectacle, elle est condition de survie.

Peintre des forces élémentaires Turner ne fait pas que montrer le feu ; il le transforme en expérience visuelle totale. Le feu ici n’est jamais un simple décor. Il est l’événement même de la peinture, ce point d’incandescence où la toile semble brûler de l’intérieur.

Olafur Eliasson : un soleil artificiel pour conjurer la grisaille

Au début du XXIᵉ siècle, Olafur Eliasson reprend cette question de la chaleur dans un autre registre : celui du climat, réel et symbolique. Avec The Weather Project (Tate Modern, 2003), il installe dans la Turbine Hall un immense demi-disque lumineux, doublé par un plafond-miroir et baigné d’un brouillard artificiel. L’ensemble crée l’illusion d’un soleil monumental suspendu dans une atmosphère saturée de jaune.

Recréer le soleil à l’intérieur

Eliasson joue ici d’une ironie subtile : recréer à l’intérieur d’un musée londonien ce que la ville offre si rarement à l’extérieur – une lumière solaire généreuse, enveloppante. Les visiteurs, allongés sur le sol, braquent leurs téléphones vers le plafond, se contemplent dans le miroir géant, se livrent spontanément à une sorte de bain de lumière collectif.

Il ne s’agit plus, comme chez Turner, d’un feu localisé, menaçant, mais d’une chaleur diffuse, atmosphérique, qui transforme l’espace muséal en place publique d’un solstice artificiel.

Une chaleur aussi rassurante que suspecte

Cependant, cette chaleur n’est qu’un effet de lumière ; la température ne change pas. L’installation joue sur l’ambiguïté : réconfort immédiat d’un “faux été” au cœur d’une saison grise ; conscience simultanée de l’artifice, donc d’une certaine mélancolie.

Dans un contexte de préoccupations croissantes autour du réchauffement climatique, cette recréation d’un soleil intérieur prend une résonance politique : la chaleur qui nous rassure est peut-être aussi celle qui, à l’échelle planétaire, nous menace. Le motif salvateur devient ainsi, par renversement, motif d’inquiétude.

Bill Viola : le feu comme seuil entre vie et mort

Avec Bill Viola, la question de la chaleur prend une dimension métaphysique. Ses vidéos monumentales mettent en scène des figures humaines confrontées à des éléments extrêmes – feu, eau – dans des temporalités ralenties à l’extrême. Le spectateur n’est plus simple observateur : il est placé dans la position presque liturgique de celui qui assiste à un passage.

Fire Woman : une vision terminale

Dans Fire Woman (2005), l’artiste décrit lui-même l’image comme celle qui apparaît “dans l’œil intérieur d’un homme mourant”. Sur l’écran vertical, une silhouette féminine se tient de dos, devant un mur de flammes qui semble occuper tout l’horizon. La figure finit par se laisser tomber, et la surface en feu se révèle pour ce qu’elle est : un reflet inversé dans une nappe d’eau noire. Le feu se replie, bascule, se dissout dans l’onde.

Ici, la chaleur est à la fois violence (mur de flammes, bruit sourd, saturation de l’image) et issue (le basculement final ouvre sur une autre dimension, presque silencieuse). On assiste moins à une scène de brûlure qu’à un passage : la flamme est un seuil, un rideau qu’il faut traverser pour quitter le monde.

The Crossing : purification par le feu, salut par l’extinction

Dans The Crossing (1996), deux projections face à face montrent un homme qui marche vers la caméra. Sur l’un des écrans, il est progressivement submergé par une cascade d’eau ; sur l’autre, il est dévoré par le feu. Le dispositif met en balance les deux éléments : l’eau éteint, absorbe, noie ; le feu consume, éclaire, transfigure.

Le spectateur, pris entre les deux images, vit une sorte de double baptême inversé : le feu et l’eau, au lieu de s’opposer, se rejoignent dans une même logique de purification. La chaleur, ici, n’est plus un simple confort : elle est ce qui permet de brûler le superflu, de franchir une étape, d’accéder – peut-être – à une autre forme d’être.

Avec Viola, la chaleur n’est plus éprouvée physiquement mais visuellement : c’est une chaleur d’image, qui passe par la saturation des rouges, par l’échelle monumentale de la projection, par le son immersif. Le “motif salvateur” ne consiste plus à se rapprocher d’un foyer, mais à accepter d’entrer dans un récit où la destruction et le salut sont inextricablement liés.

Se rassembler autour d’images-feux

De Turner à Bill Viola, une même intuition se déploie : l’hiver, réel ou symbolique, n’est pas seulement une saison météorologique, c’est un état du monde – tempêtes, nuit, crises, fatigues – auquel l’art oppose des foyers de chaleur.

• Chez La Tour, une veilleuse suffit à tenir tête à l’obscurité intérieure.
• Chez Turner, le feu affronte la neige et la nuit, entre catastrophe et survie.
• Chez Eliasson, un soleil artificiel rassemble des corps en manque de lumière.
• Chez Viola, la flamme devient un seuil entre vie et mort, destruction et renaissance.

L’image du feu, motif salvateur par excellence, nous rappelle que la culture joue aujourd’hui un rôle comparable à celui du foyer d’autrefois : un espace où l’on se rassemble, où l’on raconte, où l’on cherche une forme de chaleur – parfois physique, souvent symbolique, toujours profondément humaine.

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Une ligne de basse glaciale, un beat qui tape sec comme une claque dans une cave berlinoise, une voix qui tremble à peine, mais qui saigne beaucoup. Minuit Machine nous engloutit dans la darkwave comme dans un bain de chrome tiède. On danse certes, on s’exorcise un peu au passage. Parce qu’avoir mal, c’est quelque part prouver qu’on est vivant ?

Le point de départ : deux meufs, une machine

L’histoire commence en 2013, quelque part dans les bas-fonds de la scène coldwave française. Hélène de Thoury (ex-Phosphor, future Hante.) cherche une voix. Elle poste une annonce. Amandine Stioui répond. Deux cerveaux, une âme commune : celle de la nuit électronique. Très vite, Blue Moon, premier EP, pose les bases : son synthétique, minimal, lyrics au scalpel, poésie désespérée, glamour charbonneux.

Live & Destroy : premier uppercut

2014 : Live & Destroy déboule. Coup de poing dans le circuit. Ça sent l’underground européen, les clubs moites, les afters en ruines. La voix d’Amandine plane entre Siouxsie et une Patti Smith sous opiacés. Les nappes de synthé sont sèches, chirurgicales. On danse les poings serrés, les larmes sèches, les cuirs huilés.

Violent Rains : romantisme noir en désintégration

Une année passe. Deuxième round. Violent Rains, toujours aussi dark, mais plus dense. Plus intime. Une sensibilité crue, presque gothique, une fragilité transformée en force de frappe. Les filles tournent partout. Puis : silence radio. Split ? Burn out ? Le duo se met en veille. Pas mort. En veille.

Infrarouge : l’art de la métamorphose

Come-back et non des moindres. Infrarouge est une métamorphose. Plus techno, plus musclé. Les morceaux cognent. Les lives sont bestiaux. On sent que quelque chose a muté. Le projet devient plus visuel, plus radical. Le revival synthwave ? Hélène et Amandine le dépassent en traçant leur propre route, entre EBM, new wave et hématomes sentimentaux.

24, Queendom : le règne d’Amandine

Hélène part vers Hante. Amandine continue. Seule. Elle incarne maintenant le monstre. 24 (2022) puis Queendom (2025) : elle explore, elle ose. Voix plus présentes, plus théâtrales. Synthés plus gras. Rythmiques plus technoïdes. Et toujours ce même fond de douleur élégante, de rage enfouie. Une prêtresse dark qui ne prêche que pour les damnés.

Un son, un style, une claque

Minuit Machine, pas à pas, continue d’imposer son esthétique, sa philosophie de vie artistique. Un cri. Une façon d’être vulnérable sans se soumettre. D’être électronique sans devenir froide. C’est la bande-son des insomniaques sentimentaux, des clubbeurs solitaires, des goths qui dansent encore — parce qu’ils n’ont pas d’autre choix. Et Amandine, seule en scène, le sait : elle ne fait pas de la musique pour les algorithmes. Elle fait des morceaux comme des messages codés que chacun.e comprend à sa manière.

Pour en savoir plus et suivre l’actu de Minuit Machine, consultez son compte Instagram ainsi que sa page Bandcamp.

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Aujourd’hui, zoom sur la Savonnerie de la Chapelle. Une belle histoire artisanale dédiée à l’amour des savons et des cosmétiques de qualité, des petits plaisirs de la vie, entre protection de l’environnement, expérience sensorielle et bien-être retrouvé.

Saponification à froid : une technique ancestrale

La boutique, vaste, se situe place du Blé à Bellême, petite ville médiévale de l’Orne. Quand on y pénètre, première surprise : on n’y est pas assailli par une puissante vague de parfums entêtants, mais par une nuance olfactive très douce, rassurante, bienveillante. Andalou, Fruits du soleil, Miel orange douce, Rosée matinale, Chocolat, Fleur des sables, Roches… les blocs de savon sont tous là, sagement alignés dans leur enveloppe de papier. Agrumes, lavande, rose, citronnelle… il y en a pour tous les goûts, toutes les fragrances, toutes les envies. A chacun.e son savon, respiré, reconnu, adopté.

Des savons réalisés selon l’ancestrale (et très probablement gauloise si l’on en croit Pline l’Ancien) technique de la saponification à froid : pas de chauffage des mélanges (contrairement aux savons de Marseille ou d’Alep), repos des préparations un mois durant. Patience et douceur au programme pour des savons beaucoup plus doux, dont les ingrédients (d’origine normande) conservent leur efficacité, les parfums, leur subtilité. Textures suaves adaptées aux épidermes, process de fabrication respectueux de l’environnement, produits de base locaux sélectionnés avec soin… l’équation est d’une rare efficacité

Exigence de qualité et volonté de transparence

Huiles végétales, beurres nobles, parfums et teintures naturels : une exigence de qualité signée Paul‑Henry Neyt, adorable jeune homme au cœur de ce beau projet familial, érigé au fil des années en entreprise florissante. Une entité ancrée donc dans Bellême (outre la boutique, on compte désormais des laboratoires, des entrepôts, des bureaux, tous logés dans la commune) et qui ne cesse de croître, s’adaptant aux évolutions du marché tout en respectant ses valeurs et en s’imposant une volonté de transparence. Pour preuve, les étapes de fabrication des savons sont observables depuis la boutique.

Dans le respect des normes sanitaires bien évidemment : les produits cosmétiques qui complètent la gamme sont élaborés en laboratoire. Il n’en demeure pas moins que l’équipe de la Savonnerie de la Chapelle (en référence à la Chapelle-Montligeon où l’aventure est née en 2013, au cœur des ateliers Buguet ) veut diffuser ses savoir faire : visites commentées du site de fabrication, ateliers pour apprendre à faire son propre savon. La transparence est de mise, de même qu’une volonté revendiquée de toujours améliorer les process pour plus de qualité, de préservation de la nature et de variété.

Un petit instant d’harmonie

Savon à la coupe, packaging papier, utilisation des chutes (le fameux savon Arlequin ou l’usage des paillettes de savon pour parfumer les armoires – excellent pour éloigner les nuisibles type mites) : ici rien ne se perd, tout se transforme… et s’enrichit. Outre les savons, la savonnerie de Bellême propose aujourd’hui des eaux florales, des huiles, des baumes et des crèmes pour le corps et le visage, des shampoings solides, toute une série d’accessoires porte-savon, éponges, gants… ainsi qu’une gamme de produits nettoyants pour la maison.

Concrètement cela donne quoi ? Depuis 6 mois, nous avons adopté ces savons au quotidien, et c’est un régal. Parce que leur qualité est indéniable, parce qu’ils n’irritent pas (nous avons tous au sein de la team ARTchemists des terrains atopiques, des peaux fragiles, pourtant aucune réaction). Et puis il y a le petit plus : le bien-être mental. Ces savons, quand on les respire, quand on les touche, offrent une véritable expérience de pleine conscience, une sorte de réancrage agréable dans le réel, un petit instant d’harmonie, une minute de lâcher-prise.

Dans un monde moderne devenu fou, synthétiser en un savon un produit éco-friendly, made in France, de qualité, abordable (5,90€) et qui fait du bien au mental et au moral, c’est un luxe à portée de main. Pour celles et ceux qui s’aventureraient jusque dans le Perche (vous verrez, l’équipe est adorable, l’ambiance agréable) mais aussi pour les internautes qui n’ont qu’à cliquer pour consulter le site de la Savonnerie et y faire leurs emplettes.

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Prenons la direction Argentan pour découvrir ce jour le Musée Fernand Léger – André Mare. Inauguré en juillet 2019 au sein de la maison d’enfance du célèbre peintre, ce cadre intime magnifiquement aménagé rend aujourd’hui hommage à ces deux figures majeures de l’art du XXe siècle.

Cubisme et Art déco

Pour la petite histoire, il faut savoir que Fernand Léger, pionnier du cubisme, et André Mare, cofondateur du mouvement Art déco, ont partagé une amitié profonde durant leurs jeunes années. Cette passion commune pour l’art s’épanouit à Argentan où les deux artistes en herbe débutent leur carrière. Le musée retrace leur cheminement, depuis leurs premiers pas jusqu’à leur reconnaissance internationale, mettant en lumière leurs influences mutuelles et leurs choix esthétiques.

Une collection variée

Établi sur plusieurs étages reliés par une structure métallique qui évoque l’atmosphère du tableau Les Constructeurs de Léger, le parcours comprend sept étapes, l’initiation aux arts, la guerre, la maison cubique… Il met ainsi met en valeur tout un ensemble d’oeuvres et de pièces, de dessins et d’artefacts qui illustrent l’évolution des deux créateurs. Des outils numériques de pointe permettent de mieux saisir la portée de cette construction, le caractère innovant pour ne pas dire révolutionnaire de leur regard sur le monde.

Un dispositif muséal pédagogue

Très finement pensé et agencé, ce musée donne à voir et à comprendre la naissance de deux destins artistiques fortement ancrés dans une période vouée à une modernité souvent violente et trouble. On notera la pédagogie d’un dispositif muséal fait pour mettre en exergue le caractère inédit et contemporain de ces deux figures, et amener le visiteur, quel que soit son âge à questionner ces vocations, cette volonté presque farouche de faire bouger les choses, de repenser l’art.

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site du musée Fernand Léger – André Mare d’Argentan.

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Les évènements mémorables sont ceux qui marquent les esprits par leur côté à la fois ludique et interactif. Quoi de mieux pour y parvenir qu’un photobooth ? Convivial et totalement personnalisable, le photobooth est le garant d’une expérience inoubliable qui rapproche les êtres au sein d’une expérience créative commune. Que ce soit pour un mariage, un anniversaire, un évènement d’entreprise ou un festival, le photobooth captive, amuse et crée des souvenirs instantanés. Focus sur une animation qui séduit toutes les générations.

Spontanéité et créativité avec le photobooth

Un photobooth ? Mais encore ? Il s’agit d’une cabine photo interactive qui permet aux invités d’un évènement de se prendre en photo de manière autonome. Il peut s’agir d’une borne avec un appareil photo intégré et un écran tactile, ou d’un espace aménagé avec un fond décoratif et un appareil photo.

Bien plus qu’un simple appareil photo, cette véritable animation invite à la spontanéité et à la créativité. Comme l’explique le site Locphotobooth.com, spécialiste en la matière, petits et grands adorent se prêter au jeu, prenant la pose seuls, en duo ou en groupe, disposant dans certains cas d’accessoires et de décors. Les clichés deviennent ainsi des instants volés, drôles et sincères, capturant l’essence même de la fête.

Des souvenirs instantanés et une animation personnalisable

L’un des grands atouts du photobooth est de permettre aux invités de repartir avec un souvenir physique immédiatement après la prise de vue. Contrairement aux traditionnelles photos prises sur smartphone qui finissent souvent oubliées dans une galerie numérique, les impressions papier s’accrochent sur un frigo, se glissent dans un album ou se conservent précieusement comme un témoignage de l’évènement.

Loin d’être un simple accessoire, le photobooth peut s’adapter à tous les styles et ambiances. Du choix du fond à la personnalisation des impressions, tout est possible pour harmoniser cette animation avec le reste de l’évènement. Que vous organisiez une soirée rétro, un mariage bohème ou un lancement de produit sophistiqué, il y a toujours une solution adaptée à vos besoins et vos attentes.

Le photobooth pour toutes les occasions

Mariages, anniversaires et soirées privées : durant ces évènements intimes, un photobooth apporte une touche de légèreté et d’amusement. Les mariés et leurs invités peuvent immortaliser la journée avec des poses décalées ou romantiques. Pour un anniversaire, c’est une manière originale de capturer des moments de complicité entre amis et famille.

Le photobooth peut aussi s’inviter lors des évènements d’entreprise et des lancements de produits. C’est alors un outil puissant pour dynamiser l’atmosphère et favoriser les interactions entre collègues et partenaires. C’est aussi un moyen efficace d’intégrer le branding de l’entreprise sur les clichés, créant ainsi une visibilité durable.

Cette installation permet également d’animer un espace public. Dans un festival ou une foire, elle attire les foules et propose une pause divertissante, tout en renforçant l’image de marque de l’événement. Les clichés deviennent alors des souvenirs partagés sur les réseaux sociaux, élargissant ainsi la portée de l’évènement.

Une expérience qui ne demande qu’à être enrichie

Un photobooth sans accessoires, c’est comme une fête sans musique ! Chapeaux loufoques, lunettes XXL, boas colorés ou encore pancartes humoristiques, ces petits détails apportent une touche fun et personnalisée aux clichés.

Les options de personnalisation ne s’arrêtent pas aux accessoires. Certains photobooths proposent des fonds interchangeables ou des filtres photos intégrés, permettant d’adapter l’ambiance selon le thème de la soirée. Effet vintage, noir et blanc chic ou ambiance tropicale, tout est possible !

Avec l’essor du digital, il est désormais possible de partager ses photos instantanément sur les réseaux sociaux. Certaines installations offrent une option de connexion directe, permettant aux invités de publier leur cliché sur Instagram ou Facebook en quelques secondes.

Récapitulons. En plus d’être une animation originale, le photobooth est un véritable créateur de souvenirs. Facile à installer, ludique et adaptable, il s’impose aujourd’hui comme un incontournable des évènements réussis. En encourageant les interactions et en laissant aux invités une trace physique ou numérique de leur passage, il assure une touche mémorable à toute célébration. Alors, prêt à faire de votre prochain évènement un moment inoubliable grâce à un photobooth ?

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Initialement, le street art est une forme d’expression subversive qui s’est épanouie dans les rues des grandes métropoles américaines. Aujourd’hui, son langage graphique riche et engagé trouve un écho naturel dans l’univers sportif : la passion et la performance se conjuguent ainsi avec la créativité. Les « sports murals » découlent de cette rencontre. Aux États-Unis, ces fresques monumentales réalisées directement sur les parois des stades ou sur les terrains d’entraînement transforment le simple terrain de jeu en espace d’expression collective.

Après les USA, le monde

Aux USA, certains stades arborent des fresques réalisées par des artistes locaux qui immortalisent les exploits sportifs des équipes du cru. Ainsi le projet « Kaws Courts » à New York, inspiré par le travail du célèbre artiste urbain KAWS. Cette initiative a transformé un terrain de basket en une œuvre vivante, où les codes graphiques et l’esthétique reconnaissable de l’artiste se mêlent à l’énergie du sport. Ce projet, réalisé en partenariat avec la municipalité locale, a permis non seulement de dynamiser l’espace, mais aussi de renforcer le sentiment d’appartenance et la fierté des résidents.

Ce mouvement a petit à petit touché l’Europe comme l’Asie. De plus en plus de municipalités collaborent avec des street artistes pour redéfinir l’esthétique des infrastructures sportives. En France, l’idée d’unir art urbain et sport a pris une ampleur institutionnelle. Le ministère des Sports, en collaboration avec Paris 2024 et d’autres partenaires, a ainsi lancé l’appel à projets « Fresques Sportives » afin d’encourager la transformation des espaces publics sportifs par le biais du street art

Revitaliser le tissu urbain

Les collaborations entre street artistes et institutions sportives transforment radicalement nos espaces publics. Au-delà de leur impact esthétique, ces œuvres jouent un rôle essentiel dans la revitalisation urbaine. Elles transforment des structures parfois impersonnelles en lieux de rassemblement, où chaque fresque raconte une histoire locale et suscite l’émotion.

Les athlètes, par exemple, témoignent souvent d’un regain de motivation lorsqu’ils évoluent dans des environnements artistiquement stimulants. Un terrain décoré par une murale puissante peut devenir une source d’inspiration, une manière de se connecter à l’histoire et aux valeurs de l’équipe. De même, pour les supporters et les habitants, ces œuvres représentent des points de repère et renforcent le lien social, créant un sentiment d’appartenance à une communauté fière et innovante.

Dialogues interculturels

En invitant le public à s’approprier ces espaces, les fresques sportives deviennent également des vecteurs de dialogue entre générations et cultures. Elles témoignent d’une volonté commune de célébrer l’effort, l’excellence et la créativité, tout en donnant une nouvelle vie aux infrastructures sportives.

Plusieurs street artistes et sportifs se sont exprimés sur cette symbiose. Certains soulignent que le street art, par sa nature même, permet de repousser les limites de l’expression et de rendre hommage aux valeurs universelles du sport. L’avenir semble prometteur : ce type de collaborations se multiplient, intégrant des technologies innovantes comme la réalité augmentée pour enrichir l’expérience des spectateurs et des sportifs. Cette tendance pourrait également s’étendre à d’autres domaines, comme le design urbain ou l’organisation d’événements culturels et sportifs hybrides.

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Il est des œuvres d’art qui provoquent à la fois le malaise, l’incrédulité et la fascination. Cloaca en fait partie. Initiée il y a maintenant 25 ans ( la galerie bruxelloise Rodolphe Janssen lui consacre d’ailleurs une exposition hommage), la machine à déféquer pensée par Wim Delvoye a largement gagné ses galons de création subversive, déroutante et cynique. La « machine à caca », interroge avec une insolence rare notre rapport au corps, à la consommation et à l’art lui-même. Que nous dit cette œuvre provocatrice et pourquoi est-elle, en dépit de son aspect dérangeant, un chef-d’œuvre incontournable du XXIe siècle ?

Wim Delvoye : l’artiste derrière le scandale

Né en Belgique en 1965, Wim Delvoye s’est imposé à l’avant-scène de l’art contemporain pour son approche résolument iconoclaste. Mêlant art, technologie et humour grinçant, il aime explorer les limites de ce que l’on considère comme « art ». Fasciné par les contradictions de la société contemporaine, il joue sur l’absurde, le trivial, le sacré, brouillant les frontières entre le sublime et le grotesque. Delvoye est un véritable touche-à-tout : ses œuvres, qui vont des sculptures gothiques faites de pneus à des cochons tatoués, défient constamment nos perceptions de la beauté et du dégoût.

Cloaca : une machine humaine, une réflexion sociétale

L’idée de Cloaca germe dans l’esprit de Delvoye à la fin des années 1990. Obnubilé par l’idée du processus digestif, il décide de créer une machine capable de reproduire ce que fait naturellement notre corps. Cette machine, complexe et ultra-technologique, digère littéralement de la nourriture pour la transformer en excréments humains. Le nom de l’œuvre, Cloaca, fait référence au cloaque, une ouverture commune à plusieurs systèmes dans le règne animal (reproduction, excrétion), une manière de renvoyer à cette fonction vitale et instinctive, mais souvent cachée et taboue.

Pour parvenir à ses fins et mettre en œuvre les nombreux plans et croquis qui ébauchent son projet, Delvoye engage une équipe de scientifiques. Objectif : fabriquer cette machine qui, à l’image du système digestif humain, transformera les aliments en déjections en passant par les diverses étapes que sont la dégradation des matières, la fermentation, la digestion. Pour nourrir Cloaca, on y injecte de la nourriture ordinaire, et quelques heures plus tard, la machine produit des excréments empaquetés qui seront ensuite exposés, parfois même vendus.

La mécanique de nos entrailles

La première présentation de Cloaca a lieu en 2000 au musée Museum Dhondt-Dhaenens à Deurle, en Belgique. Autant dire que le public ne sait pas vraiment quoi en penser. Certains crient au génie, d’autres au scandale ; personne ne reste indifférent. Cloaca soulève bien des questions : ce genre de trivialité aux accents de plaisanterie scatologique peut-il être considéré comme de l’art ? Jusqu’où l’artiste peut-il aller pour provoquer une réaction chez le spectateur ? S’agit-il vraiment d’une provocation ou d’un regard particulièrement lucide sur la consommation de l’art ?

En créant une œuvre qui reproduit une fonction aussi bassement humaine, Delvoye fait voler en éclats la distinction entre l’art noble et le corps grossier. Il y a un peu de Rabelais dans se démarche, le bonheur de vivre en moins. L’exposition provoque un choc, qui met en scène la mécanique de nos entrailles, cette intériorité défécatoire ce que la société préfère ignorer. L’esthétique industrielle de la machine, froide et métallique, contraste avec l’aspect répugnant de sa production. Le geste est radical, mais terriblement efficace : Cloaca nous met face à notre propre matérialité, à cette réalité corporelle que nous tentons d’occulter dans notre quête de raffinement et de beauté.

Produits dérivés

Wim Delvoye ne s’arrête pas à la simple création de sa machine. Cloaca doit aller au bout de la logique consumériste pour en dénoncer le caractère dévorateur. L’artiste va donc décliner toute une série de variantes et de produits dérivés, transformant Cloaca en une véritable entreprise, marketée, brandée. Il existe aujourd’hui plusieurs versions de Cloaca : Cloaca Original (2000), Cloaca Turbo (2003), Cloaca N°5 (2006), chacune avec des particularités technologiques et esthétiques.

Delvoye joue sur l’accélération du processus digestif, modernisant son processus avec de nouveaux dispositifs. Plus performantes, plus perfectionnées, ces machines sont également exposées dans des musées du monde entier, de New York à Genève en passant par Paris. L’artiste va même jusqu’à introduire une dimension commerciale à son œuvre : les excréments produits par Cloaca sont emballés sous vide et vendus comme des œuvres d’art, aux côtés de produits dérivés, notamment du papier toilette. Cette marchandisation du déchet se gausse de la société de consommation, tout en projetant un regard corrosif sur la merchandisation de l’art.

Un miroir tendu

De fait, Cloaca est une œuvre profondément réfléchie. Elle pose des questions essentielles sur la nature de l’art, son rapport au quotidien, au trivial. Delvoye ne se contente pas de provoquer pour provoquer. Il met en scène un processus naturel que nous préférons ignorer, et le transforme en une réflexion philosophique : si la machine peut produire ce que produit le corps humain, où est la différence entre l’organique et l’artificiel ? Où s’arrête la fonction humaine, et où commence la machinerie ? Cette réflexion sur la mécanisation de la société, sur le cycle de consommation et de production, fait de Cloaca une œuvre non seulement dérangeante, mais également visionnaire.

Certains critiques ont qualifié l’œuvre de « monumentale » et « absurde », d’autres y ont vu sur la fétichisation de l’art contemporain lui-même, où tout, même le rebut, peut devenir un objet de fascination et de commerce. L’œuvre est également un miroir tendu à l’industrie de l’art contemporain, où les objets les plus banals, les plus triviaux, peuvent acquérir une valeur incommensurable dès lors qu’ils sont exposés dans un musée. Cloaca joue sur cette ironie en rendant littéralement tangible l’expression « l’art est partout ».

Aujourd’hui encore, Cloaca fait débat. Beaucoup considèrent que Delvoye a, avec cette œuvre, poussé à son paroxysme la réflexion sur le corps humain dans l’art, tandis que d’autres la voient comme une simple provocation sans profondeur. Mais c’est bien là la marque des grandes œuvres d’art contemporain : elles ne laissent personne indifférent, elles interrogent, choquent, et poussent à la réflexion. Que l’on adhère ou non, Cloaca est une œuvre qui a bouleversé les codes esthétiques et philosophiques de l’art contemporain. En s’attaquant à une fonction humaine aussi triviale, Delvoye a réussi à faire de la digestion un sujet de haute réflexion artistique, prouvant que le sublime peut surgir du plus banal des processus.

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Ouh là, quel titre, mes aïeuls ! Un brin grandiloquent… mais finalement assez juste !

• Parce que le MaMA de par son cycle de conférences/débats/interventions décrypte l’actu du secteur des musiques actuels à chaque nouvelle édition.
• Parce que cette année, nous n’étions pas présents sur site, mais tant pis, on a quand même décidé d’en profiter et de vous aider à en faire autant.

Explications.

Short au niveau timing

Dans notre jargon ARTchemisien, nous appelons ça chroniquer à l’aveugle. C’est-à-dire rédiger un article sur un sujet/event/lancement sans y être vraiment. Bouuuuuuuuuuuuuuh, pas bien !!! Ouep mais tant pis.

1. Déjà, on n’est pas les seuls à pratiquer la chose, d’autres s’y adonnent sans vergogne.
2. Tant qu’à le faire, on le fait bien, avec un temps de documentation relativement long.
3. On écrit le texte avec nos petites mains et pas en copiant-collant le communiqué de presse comme cela se pratique habituellement.

« Mais pourquoi en êtes-vous réduits à semblables extrémités ? »

‘Mais parce que justement, nous sommes aux extrémités, en d’autres termes loin loin, paumés du côté de la province, et très occupés de surcroît, donc pas forcément le temps, le budget ni l’envie pour rallier Pigalle en bagnole/RER ce qui nous prendrait bien trois bonnes plombes ».

« Mais vous abusez, d’autres assistent à l’évènement trois jours durant ». « Oui mais nous on est un peu short au niveau timing, et en prime, on bosse à côté. Et puis on fait ce qu’on veut, on est encore dans un pays libre, enfin soi-disant. » Blablabla…

Profiter de la partie convention pro sans y être

La vérité, chers lecteurs, c’est que, comme beaucoup d’autres structures, nous devons gérer avec les moyens du bord. Public éloigné nous sommes, et nous assumons de l’être. Expérience intéressante du reste qui rappelle que la vie culturelle en dehors du Gros Paris n’est pas toujours ce qu’il y a de plus fluide. Mais ça j’aurai l’occasion de vous en parler dans un autre article que je fais actuellement mijoter à feu doux. Cette année donc, pour la 15ᵉ édition du MaMA dont, je vous le rappelle au passage, nous avons essuyé les plâtres en 2010 si ma mémoire est bonne (la vache, ça fait mal quand même), nous avons résolument pris le large avec une idée en tête : comment profiter de la partie convention pro sans y être ? Et surtout pourquoi ?

Pourquoi ? On a déjà abordé le sujet dans un compte rendu précédent : il se trouve que depuis quelques années, la version pro du MaMA prend des allures d’université automnale agrémentée de conférences, débats, worshops et autres rencontres. On y assiste comme on le ferait d’un cours magistral, avec sérieux et application. Au programme, plusieurs thématiques : musique enregistrée, musique live, artiste, management et édition, politiques culturelles et institutionnelles, tech, enjeux environnementaux, enjeux sociaux. Si vous n’avez pas imprimé que la musique est chose sérieuse, c’est maintenant le cas : on ne rigole pas avec, et cette industrie se doit de vivre avec un temps dont elle subit le contrecoup.

Action pédagogique

Pour éviter le contre et rester dans le coup, (ma pauvre Padmé, tu baisses au niveau des jeux de mots, c’est pathétique), rien de mieux que de parcourir l’ensemble des events organisés sur ces différents sujets, rassemblés sur des plannings qui donnent le tournis. Comme vous pouvez le constater, il y a de quoi faire avec, pour l’année 2024, des problématiques spécifiques :

• la question de l’IA, ou comment l’intelligence artificielle est en train de s’infiltrer dans le business, pour le meilleur et le pire, ça reste à déterminer ;
• comment vivre de sa musique aujourd’hui, entre aides et diversification des activités
• quid d’une industrie plus verte, plus eco-friendly, et durable, surtout dans le domaine des festivals ?
• comment orchestrer des événements sécurisés, inclusifs et préventifs ?
• zoom sur d’autres marchés, Grande-Bretagne, Afrique, Ukraine, Chine surtout (« Comment développer une communauté de fans en Chine », très intéressant)…
• la question des addictions dans le domaine de la musique…

Le tout enregistré et restitué sous forme de podcast, autant d’épisodes passionnants que je vous invite à écouter, car c’est une mine d’informations, de conseils, de réflexions. Là, c’est le côté pédagogico-médiatique du MaMA qui émerge. Celles/ceux qui n’ont pu être présents pour différentes raisons peuvent néanmoins tirer parti de cette manne d’enseignements en écoutant religieusement chaque enregistrement.

Histoire de ne plus chroniquer à l’aveugle ? Exactement. Et aussi pour préparer l’avenir, anticiper les chocs, continuer à créer, repérer des jeunes talents, promouvoir la diversité, protéger une filière essentielle et pas seulement au niveau du divertissement, du loisir. Il s’agit ici de culture commune, d’un patrimoine à partager, à porter dans le futur. L’actualité de l’industrie musicale décortiquée et éclairée par des pros, le tout à explorer depuis votre fauteuil : faites-en d’autant moins l’économie que c’est gratuit, et que pour le coup, vous n’en êtes pas le produit, mais l’acteur potentiel, la courroie de transmission en devenir.

Pour écouter les conférences du MaMA 2024 (et celles d’avant aussi), consultez le podcast du festival.

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C’est quand même un peu l’idée à la base. Aller au MaMA = repérer des musiciens, des groupes, valeurs montantes, jeunes pousses prometteuses. Et artistes venus d’ailleurs, 40 % en moyenne pour cette édition 2024. L’ensemble est réparti en catégories, disons rap, rock, folk, chanson française (parce que quand même la francophonie, quoi !).

Foire à la saucisse musicale ?

À partir de là ? Foire à la saucisse ? Que nenni. Chacun va chercher non pas son chat, mais sa pépite mélodique, le cocktail qui lui fera chavirer le cœur, bouger le popotin et filer des grosses envies de programmation. Je n’échappe pas à la règle ; quand je passe le line-up du MaMA au crible, je suis en quête DU coup de cœur.

Désespérément, devrais-je ajouter, moi qui aurais tendance à me lamenter sur la platitude plancheàpanesque du paysage musical international. PMI dont il faut quitter d’urgence les autoroutes mainstream pour parcourir les chemins de traverse et autres maquis créatifs où prospèrent dans l’ombre des champignons musicalo-hallucinogènes de très grande qualité.

Dénicher la perle rare

Champignons qui quelquefois se retrouvent embarqués dans l’aventure MaMA par la grâce des muses, des dispositifs de repérage de talents et autres festivals, labels, SMAC aussi désireux que moi de dénicher la perle rare. Question donc : combien de perles rares pour cette 15eme édition ? Pas évident de se repérer dans cette fourmilière.

Une centaine d’artistes ont pris d’assaut le festoche trois jours, investissant salles et bars de Pigalle pour autant de lives qui frénétiques, qui concentrés, qui recueillis. Des lives auxquels du reste je n’assiste pas, étant coincée dans ma cambrousse (public éloigné/empêché qu’ils disent au ministère, je traduis 1h30 de Paris en RER, la cinquantaine + 20 kg bien que toujours dynamique, et un peu ras-le-bol de me niquer les chevilles à galoper d’une salle à l’autre).

Primo playlist et échantillons coups de coeur

Résultat : écoute dans mon home sweet home, qui débouche sur un premier tri et pas de recalés, mais une primo playlist où vous découvrirez l’ensemble de la prog moins mes crushes (et vous apprécierez au passage l’ampleur de l’affiche) :

Bon, cela étant acquis, évoquons ceux qui ont retenu mon attention, ce qui revient à 1/6eme de la prog initiale (un ratio plus qu’honnête) dont voici les noms balancés dans le désordre, avec un petit échantillon musical en prime. C’est parti !

Syqlone

Honnêtement, ça claque ! Syqlone n’a pas choisi son nom de guerre par hasard. La dame pratique le cyber-chaâbi comme d’autres, le sport de combat, et avec un talent, une maestria rares. Les musiques tradis maghrébines et arabes, elle les cuisine en mode electro bass musique et pas dans la tendresse. Bref j’adore !!!!

Getdown Services

Moustachus/dodus/velus : Josh et Ben, les deux potes de Getdown Services, savent booster une salle, la preuve en image et en son. A leur crédit, un sens évident du groove, un mélange bien dosé de rock, de pop, de Krautrock, des textes où ils rongent la nonchalance moderne comme des clébards un os. Franchement prometteur !

Baby Bersek

Amsterdam/Toronto : voici l’axe géographico-culturel qui a accouché du trio Baby Bersek. Electro, new wave, disco mais encore ? Le son du groupe est tout droit marqué au bon sens glacial des 80’s avec une touche glamour qui ferait craquer la banquise si elle n’était pas déjà en train de se disloquer. « Dansons sous les bombes » titrait Patrice Eudeline. Pour sûr, ce serait au rythme de Baby Bersek !

Joao Selva

Soleil dans la voix, lumière des accords, Joao Selva porte avec lui les merveilles d’une musique brésilienne où se mêlent des accents africains, caribéens. Douceur, douceur, chaleur, chaleur : on savoure, on se laisse porter, on apprécie : le cocktail coule tout seul, et ça fait beaucoup, beaucoup de bien.

Bibi Club

Poésie, quand tu nous tiens… le duo canadien Bibi Club puise son inspiration dans le quotidien, la puissance des sentiments, le mystère des attaches, l’attraction des êtres. Le tout se cristallise sur une ligne mélodique qui a tout de la ritournelle, de la comptine pour enfants déclinée en accents synthétiques d’un charme fou.

Théa

Pas facile d’être une gamine dans le monde actuel ? Théa a pris le taureau de la vie par les cornes et se lance dans une corrida musicale pensée comme un grand cri de rage. Si les gnons sont au programme, le public en prend son lot, autant que la chanteuse qui rend coup pour coup. Emo-core pulpeux, juteux, scabreux : la recette est d’une efficacité inouïe !

Soeurs Malsaines

Derrière ce patronyme pour le moins inquiétant, un collectif dont les membres sont répartis sur l’ensemble du territoire. A la clé une techno ultra-léchée et agressive pour des textes au scalpel qui dénoncent avec cynisme le mal-être ambiant, l’intolérance, la difficulté d’exister, quand on est femme, homo, hors normes. Forcément, ça fait beaucoup de monde. La musique de Soeurs malsaines s’érigent donc en porte voix pour nombre d’entre nous. Fédératrice, sans concession, entière. Engagée.

Rust

Le Liban et la Syrie rassemblé en un duo séjournant à Prague : plus cosmopolite que Rust, tu meurs ? Petra et Hani distillent dans leurs compos toute la beauté de la musique traditionnelle arabe, rehaussée de sonorités electro travaillées avec justesse et poésie. La voix, la langue, les mots se posent sur les cadences avec grâce et aisance ; la magie opère sans même qu’on s’en rende compte. Merveille…

Luana Flores

Le sens du rythme, du folklore, du théâtre : un set de Luana Flores, c’est un peu de tout ça et plus encore. Un shoot d’énergie pure et dure, une jolie folie qui hybride les influences, les genres sur un rythme dément. Brésil oblige, le croisement des cultures s’opère naturellement dans ce torrent musical fait pour hypnotiser ceux qui l’écoutent. Attention, sorcellerie à l’oeuvre pour vous envouter !

Meltheads

Militant pour un post punk résolument explosif, le quatuor anversois n’y va pas par quatre chemins pour vous coller ses tracks en pleine tronche avec la grâce d’un bourreau s’acharnant à coup de hache sur l’échine d’une comtesse. Allez savoir pourquoi, en écoutant Meltheads, je pense aux regrettés Von Pariahs. Comme quoi il existe encore des rock’n’rolla pour bradir haut et ferme l’étendard de la rébellion ! Ouf, me voici rassurée !

Madam

Trois petites minettes qui crachent leur rock épais et épineux comme d’autres balancent des pavés dans les vitrines : Madam occupe l’espace et ne compte pas déposer les armes, au contraire. Douées, c’est incontestable, ces demoiselles occitanes excellent à secouer la scène lors de lives consistants et généreux où il fait bon pogoter pour le meilleur du meilleur. Pourquoi s’en priver, que diable ?!

Shobra Elgeneral

Chantre de l’electro-shâabi, l’Egyptien Shobra El General propose des mélodies ciselées comme les arabesques d’un palais qu’on aurait propulsé dans l’espace. Une sorte de Millenium Falcone qui fend les constellations pour revisiter les 1001 Nuits en mode rave party. Beaucoup, beaucoup de personnalité dans ces compositions où la voix fait écho aux instruments pour un effet de fusion sidérant.

Maya Kamaty

Pop urbaine créole ? Réducteur. Maya Kamaty dynamite les cases et les chapelles pour imposer sa royale attitude, son univers. Rien de dire que la dame a beaucoup de chien, une élégance innée, une énergie peu commune, la prestance d’une diva et le talent qui va avec. Le potentiel, éclatant, aveugle, qui envahit la scène tandis qu’elle enchante l’audience, la domptant comme le ferait une déesse d’un cheval en colère. Ouais, une déesse, je ne vois que ce mot-là.

JOUBe

Un amoureux des sons doublé d’un Géo Trouvetou avec l’âme d’un Raymond Poulidor : JOUBe milite pour une electro chargée d’émotion et d’originalité. Au centre de son univers, un vélo de course transformé par ses soins en platine/machina/table de mixage. Honnêtement, ça en jette, c’est innovant, surprenant, éco-friendly, engagé, onirique. En résumé, le genre d’expérimentation qui s’écoute, s’observe, se rêve.

Nathalie Froelich

Suissesse, rapeuse, et la langue bien pendue : Nathalie Froelich fonce dans le tas et ne fait pas de quartier. Break, bass, hip hop, le tout inondé de paroles à la TNT… gare à l’impact, vous serez à genoux… et vous risquez fort de supplier pour en remettre une couche. Car la sorcière a un p….n de talent, de l’abattage, des choses à hurler/renvendiquer. Bref, elle est taillée sur mesure pour cette mission et elle s’en acquitte avec les honneurs !

Jungle Sauce

Pas de MaMA qui tienne sans un power trio qui arrache. C’est Jungle Sauce qui s’y colle pour accoucher d’un electro rock servi en bleu de chauffe ! Fusion au poing, les trois loulous originaires des Hauts-de-France jonglent avec les sons, les tessitures, les rythmes, multipliant les cassures de cadence avec la virtuosité d’acrobates entre jazz cosmique et rock débridé. Un régal !

DVTR

Du nerf, du nerf, le punk des Canadiens DVTR ne fait pas dans la dentelle et n’a aucune pitié. Pas de froufrous donc, mais derrière le bordel apparent, la rigueur est de mise, comme en témoignent des compos structurées en mode brutaliste, sur lesquelles s’enroulent des paroles scandées comme des mantras, des riffs crus hurlés en pleine transe. Honnêtement, ça fait du bien par où ça passe !

Ikan Hyu

Bon, elles ont l’air tout choupi mignon vu comme ça, mais quand vous les lâchez sur scène, les Suissesses de Ikan Hyu ne s’en laissent pas compter. On a beau remballer le chocolat et la fondue, planquer les lingots dans les coffres, ces deux furies ont bien l’intention de commettre le hold-up du siècle, et elles, elles le font avec fougue, talent et panache. On croyait le rock moribond ? Ces dames lui ont appliqué un massage cardiaque des plus efficaces. On en redemande !!!!!

Bon si vous êtes arrivé.e jusque-là, bravo, votre courage et votre abnégation ne sont plus à prouver. Votre amour de la musique et des jeunes talents non plus ! Le MaMA 2024, commeses prédecesseurs, a rempli le contrat avec maestria. Du talent émergent, de l’artiste venu d’Ailleurs, nous avons fait le plein, convaincus que les musiques actuelles ont encore beaucoup de choses à nous dire. Tant mieux !

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Il y a 130 ans, un jeune et brillant capitaine de l’armée française était convié à un rendez-vous au ministère de la Guerre. Il n’en sortit que pour être incarcéré, jugé à huis clos par un tribunal militaire, condamné à la déportation en Guyane après avoir été dégradé. Son crime : haute trahison. Son nom : Dreyfus. Cette affaire allait diviser la France des années durant. On en connaît les temps forts, le contexte, les retombées, nombres d’ouvrages, de documentaires, de films en attestent, le célébrissime « J’Accuse » de Zola étudié dans tous les lycées de France. Mais qu’en fut-il de Dreyfus lui-même ? De sa femme ? De leurs proches ? La pièce Je suis Dreyfus dans l’affaire explore la face intime de cette tragédie qui fut celle d’un homme avant tout.

Deux êtres qui s’aiment

Une tragédie mise en mots par Nathalie Ganem qui s’appuie sur la correspondance d’Alfred et Lucie pour y saisir leurs émotions, leurs réactions face au sort qui les frappe. Alfred injustement accusé, prenant conscience progressivement que ce qu’on lui reproche vraiment, c’est d’être juif, exposant lettre après lettre le calvaire qu’on lui fait subir, continuant de clamer son innocence malgré les brimades, les pressions, la menace. Lucie, impuissante, rongée d’angoisse pour son mari qu’elle adore et qu’elle sent s’étioler à des milliers de kilomètres. C’est cela que donne à voir la pièce.

Un dialogue constant entre deux êtres qui s’aiment envers et contre tout, qui vont lutter côte à côte malgré la séparation, que chaque seconde d’éloignement rapproche, fusionne. Si Alfred tient physiquement, psychiquement, c’est parce qu’il y a Lucie ; si Lucie tient, c’est parce qu’elle sait que si elle s’effondre, Alfred s’effondrera également. Pourtant, chacun de son côté se voit infliger les pires épreuves. Alfred, incarcéré dans des conditions abjectes, traité comme un moins que rien, un paria, insulté, mis au secret, isolé, coupé du monde. Lucie, harcelée par les accusateurs de son mari qui tentent de la briser psychologiquement, évoquant la double vie d’Alfred, ses prétendus mensonges.

Faire face à la brutalité du sort

Il faudra énormément de courage, de ténacité, de conviction à ce couple pour ne pas craquer. Le sens de l’honneur et de la dignité, la foi commune en la justice humaine aussi. Des valeurs partagées dans un seul état d’esprit au sein d’un dialogue amoureux constant. Sur scène, deux espaces, la cellule d’Alfred, le bureau de Lucie. Thierry Simon prête son calme, sa lucidité, sa placidité même à un Dreyfus un temps sidéré par ce qui lui arrive, qui reprend le dessus pour clamer son innocence, avant tout devant sa femme, ensuite aux yeux du monde. Sarah Denys, Lucie douce, fidèle, inébranlable dans son affection et sa confiance, lui fait face, le contemplant avec tendresse et passion.

La mise en scène signée Nathalie Ganem et Xavier Giannoli donne à voir et à entendre un dialogue extrait de la surface plane des lettres pour prendre corps sous nos yeux de spectateurs, ébahis par la violence subie, la brutalité du sort et des hommes qui s’acharne, mais jamais n’abat ces deux héros aux accents romantiques, presque raciniens. Si Je suis Dreyfus dans l’affaire aborde le déroulé des événements, en explore la logique mortifère, l’expression d’un racisme rampant, puant, intolérable, c’est par les yeux de ces deux victimes principales, qui s’érigent devant l’adversité en amants de légende. À cette différence prêt que nous ne sommes pas dans un conte. Les Dreyfus ont vraiment subi ce chemin de croix.

Et si nous étions à leur place ?

Et c’est cette authenticité des ressentis, cette indignation, cette impuissance face à l’injustice flagrante de la situation qui nous touchent. En regardant la pièce, nous comprenons, et c’est cela qui est redoutable, que nous pourrions, nous aussi, être emportés par cette tourmente. Il suffit de peu, une méprise, un contexte, et c’en est fini de la quiétude, de la liberté. La question alors se pose : aurions-nous, face à pareille situation, la résistance, la ténacité d’Alfred et Lucie ? Ne serions-nous pas broyés ? Cathartique, le texte actualise le récit en nous amenant à nous identifier au couple.

Et si nous étions à leur place ? Puissance des échanges verbaux, poids des silences, intensité des regards, la pièce dépasse le devoir de mémoire pour faire ressentir la douleur de la séparation et de l’absence, la dureté de l’épreuve physique, psychique et morale, la lutte face à des institutions fragiles au mieux, corrompues au pire, face à la haine de l’Autre qui soudain s’ébroue et frappe. Je suis Dreyfus dans l’affaire, en mêlant ainsi l’intime au politique, s’enracine dans les esprits, rappelant la réalité des choses, et la nécessité absolue de demeurer vigilant face aux déviances qui autorisent pareil scandale.

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