Hitler revenu d’entre les morts

Il est de retour : tout comme le bouquin de Timur Vermes, l’adaptation cinématographique signée David Wnendt a choqué en son temps. Il faut dire que le pitch est abrasif. Imaginez qu’un beau matin de 2011, Hitler se réveille dans le terrain vague berlinois où se situait jadis son bunker. On ne sait trop comment il est revenu d’entre les morts ; ce qui est certain, c’est qu’il n’a aucune connaissance de ce qui s’est passé depuis avril 45, et qu’il a bien vite la ferme intention de reprendre l’Allemagne en main. Et le pire, c’est qu’il va y parvenir.

Comédie noire, ricanements garantis au fil de ces pérégrinations dans une Allemagne moderne et cosmopolite pas si dénazifiée que ça. Certes on se marre quand on observe le Führer découvrir les barres de céréales, le GPS ou Angela Merkel … et engueuler les militants néonazis qui lui tombent sous la patte et leur manque d’ardeur ; on rigole beaucoup moins quand on voit comment réagit la population (la vraie population, pas des figurants mais Mr Tout le Monde) face à l’acteur Oliver Masucci travesti en Hitler arpentant les rues, moustache et mèche au vent.

Une indifférence goguenarde

Il faut avouer que la prestation est juste incroyable, jusque dans les intonations de voix, les attitudes, la manière de poser le regard, l’acteur est stupéfiant. Beaucoup sont étonnés, sidérés même, incapables de réagir, se demandant si c’est du lard ou du cochon. Certains se bidonnent franchement, demandent à faire un selfie, quelques-uns même expriment leur approbation … Sur les 116 minutes du film, seulement deux personnes auront l’audace de dénoncer le dictateur et de le virer manu militari en le traitant de tous les noms. Deux.

Les autres laissent faire, trouvent cela cocasse, une bonne blague. Ils applaudissent tandis qu’Hitler se pavane devant les caméras d’une émission de télé réalité façonnée pour lui seul par des producteurs avides de faire de l’audience. Pas de foule hurlant « Heil », pas de bras tendus, de croix gammées : la peur jaillit de la volonté médiatique d’exploiter une opportunité de succès couplée avec l’indifférence goguenarde d’un pays qui a oublié, ne veut pas se souvenir.

Ne pas rire avec le monstre

Il est de retour devrait tous nous faire trembler car il met en lumière l’effritement d’un réflexe de préservation, l’émoussement du dégoût. Gavée d’ironie et de distance critique, notre société a visiblement perdu sa capacité à désigner l’ennemi pour ce qu’il est, à savoir un danger ; elle préfère le trouver « clivant », « drôle malgré lui », « pas si faux sur certains points ». C’est très exactement le vocabulaire aujourd’hui utilisé dans les éditos qui essaient de « comprendre » le vote d’extrême droite plutôt que de le dénoncer. Le film, en creux, décrivait déjà cette périlleuse rhétorique de la normalisation.

Au travers de cette fable, on comprend que le nazisme 5.0 n’a plus besoin des uniformes, des défilés, de la propagande frontale pour séduire. Il lui suffit de miser sur notre incapacité collective à réagir à temps, paumés que nous sommes entre infobésité, fatigue démocratique et confortable conviction que « ça n’ira pas plus loin ». Or ça va plus loin, le vote de la Saxe-Anhalt le prouve grandeur nature ; les USA aussi. Et nous regardons, passifs. Sidérés, incrédules … déjà vaincus ?

Il est de retour n’est pas « juste » une comédie satirique allemande à recommander pour une soirée ciné borderline ; c’est un signal d’alarme dont on n’a visiblement pas tenu compte. A l’heure où l’Alternative für Deutschland, après la Saxe-Anhalt, compte bien remporter le prochain scrutin en Mecklembourg-Poméranie-Occidentale, ces images nous rappellent que rire avec le monstre, c’est le laisser nous apprivoiser. La question est de savoir s’il est déjà trop tard, s’il a déjà commencé à nous dévorer.

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C’était il y 75 ans, mais la question demeure : pourquoi autant d’indifférence face la Shoah ? Comment a-t-elle pu se produire et se poursuivre sans que personne ne réagisse officiellement ? Avec Amen sorti en 2002, Costa-Gavras aborde la problématique sous un angle qui dérange : c’est le silence crispé du Vatican et du Pape qu’il autopsie image après image. Sans concession, comme son habitude.

Effroi total

Adapté de la pièce Le Vicaire de Rolf Hochhuth (1963), Amen évoque le parcours pour le moins tragique de Kurt Gerstein. Joué avec une intensité émouvante par Ulrich Tukur, cet ingénieur protestant, promu membre de l’Institut d’hygiène de la Waffen-SS, découvre lors d’une inspection, les expérimentations sur le gazage des Juifs. Son effroi est total.

Immédiatement, il alerte son pasteur… qui ne l’écoute pas. Il va alors tenter d’avertir les autorités catholiques d’Allemagne… qui font la sourde oreille. Il se tourne aussi vers des diplomates qui ne bougent pas. Le seul qui l’entend, qui l’écoute, qui saisit l’ampleur du massacre en train de s’orchestrer est Ricardo Fontana (Mathieu Kassovitz), un jeune jésuite issu de la noblesse romaine et dont la famille est proche du Pape.

En travers de la gorge

A eux deux, ils font tout pour avertir Pie XII, collectant les preuves, tentant de freiner l’extermination en marche par tous les moyens administratifs dont ils disposent. Rien n’y fera. Quand les Nazis pénètrent dans Rome en 1943, ils raflent les Juifs dans la panique générale. Impuissantes, les autorités vaticanes n’ont comme solution que de cacher ceux qu’ils peuvent. Il est alors trop tard pour intervenir officiellement.

Fontana sera broyé par le système concentrationnaire, Gerstein arrêté par les Alliés se pendra quand il apprendra qu’on le soupçonne de crime contre l’humanité. Leur sort est d’autant plus atroce que d’autres nazis eux fuiront grâce aux réseaux catholiques mis en place pour les exfiltrer. La dernière séquence du film, qui illustre ce phénomène, reste de fait en travers de la gorge.

La mécanique du silence

Une fiction ? Le Gerstein historique est une figure réelle, dont le destin restera profondément ambigu. À la fin de la guerre, il se livre aux autorités françaises à Reutlingen, rédige ce qui restera connu sous le nom de « rapport Gerstein » — l’un des premiers témoignages directs sur les chambres à gaz. Il est néanmoins incarcéré à la prison militaire du Cherche-Midi à Paris, inculpé d’assassinat et complicité. Il y est retrouvé pendu le 25 juillet 1945, dans des circonstances qui n’ont jamais été entièrement élucidées. La justice n’avait pas voulu croire à sa bonne foi. L’histoire lui accordera, bien plus tard, une réhabilitation posthume — en 1965 seulement, vingt ans après sa mort.

Ce que le film fait également en disséquant la mécanique du silence institutionnel du Vatican sous Pie XII. Costa-Gavras ne verse pas dans la caricature : il montre comment ce silence s’est construit, étape par étape, à travers des mécanismes parfaitement rationnels — calcul diplomatique, anticommunisme viscéral, peur de représailles contre les catholiques en zone occupée, préservation des intérêts de l’Église dans l’Allemagne d’après-guerre.

L’horreur bureaucratique

Cette lecture est historiquement fondée, même si elle reste débattue. La question de l’attitude de Pie XII pendant la Shoah a fait l’objet d’une historiographie abondante, ravivée en 2020 lorsque le Vatican a ouvert ses archives secrètes de la période. Les travaux de l’historien David Kertzer (Le Pape et Mussolini, 2014, prix Pulitzer) ont montré la profondeur des accommodements de l’Église avec les régimes fascistes européens des années 1930 et 1940. Le film de Costa-Gavras, réalisé sans accès à ces archives, n’en pose pas moins les bonnes questions, sans tomber dans le spectaculaire.

Le réalisateur opère un choix formel décisif, qui distingue Amen. de la majorité des films sur la Shoah : il ne montre pas les camps. Pas de reconstitution des chambres à gaz, pas d’images de corps, pas de violence directe à l’écran. Du génocide, on ne distingue, outre la réaction épouvantée de Gerstein, que des indices : bidons de Zyklon B soigneusement répertoriés, colonnes de chiffres dans des rapports administratifs, et ces trains qui partent pleins et reviennent vides, inlassablement, rythmant le récit, accentuant l’urgence, le sentiment d’impuissance.

La question des complicités

C’est l’horreur bureaucratique que Costa-Gavras met en images ; sa stratégie est d’une efficacité redoutable. La mise en scène joue sur la répétition et l’accélération : les mêmes scènes d’explication reviennent avec des interlocuteurs différents, les mêmes réponses évasives, les mêmes portes qui se referment. L’effet est celui d’un cauchemar éveillé, d’un engrenage kafkaïen dont on ne peut sortir. La photographie de Patrick Blossier — froide, contrastée, avec de longs plans fixes — renforce l’impression d’une machinerie administrative qui écrase les individus.

L’affiche du film, conçue par le photographe Oliviero Toscani (connu pour ses campagnes Benetton), représente la croix catholique dont le bras horizontal est remplacé par une croix gammée. Elle fera scandale en France avant même la sortie du film, et sera retirée de certains espaces publicitaires. Elle résume pourtant avec une brutalité iconographique pertinente ce que le film développe en deux heures douze : la question des complicités.

Ambiguïté dramatique et morale

La grande force d’Amen. est de ne pas distribuer les rôles de manière trop nette. Gerstein est à la fois le témoin courageux qui risque sa vie pour alerter le monde, et l’homme qui a livré du Zyklon B aux camps d’extermination. Il savait à quoi ce gaz serait employé. Il l’a quand même fourni, en espérant que son témoignage intérieur pèserait plus lourd que sa participation matérielle au crime. Cette zone grise morale est au cœur du film — et l’une des raisons pour lesquelles le personnage historique reste, encore aujourd’hui, l’objet de débats entre historiens.

Ricardo Fontana, lui, finira par accompagner les Juifs de Rome dans les wagons de déportation, en signe de révolte contre la passivité de l’Église — un geste de désespoir qui est aussi une forme de suicide symbolique. Rien d’héroïque mais la conséquence logique et tragique d’une situation sans issue : quand toutes les paroles ont échoué, quand tous les canaux institutionnels se sont refermés, il ne reste plus que le geste — inutile, irréversible, mais seul à ne pas être une trahison de soi-même.

Le crime institutionnel

C’est dans ce registre, celui de la conscience individuelle écrasée par la logique institutionnelle, qu’Amen. rejoint La Filière de Philippe Sands. Gerstein et Wächter sont des miroirs inversés : l’un a tenté d’exposer le crime depuis l’intérieur du système, l’autre a fui pour ne pas en répondre. Les deux ont utilisé les mêmes réseaux, les mêmes silences, les mêmes institutions. Et les deux ont fini par être rattrapés — l’un par la mort en prison, l’autre par l’enquête d’un avocat international un demi-siècle plus tard.

En cela, Amen. s’inscrit dans la continuité d’une œuvre entièrement dédiée à la question du crime institutionnel et de la complicité des appareils d’État. De Z à L’Aveu en passant par Missing, Costa-Gavras a fait de la dénonciation du mensonge d’État sa matière première cinématographique.

Amen. reçoit le César du meilleur scénario en 2003 — une reconnaissance qui ne surprend pas, tant la construction dramaturgique du film, coécrite par Costa-Gavras et Jean-Claude Grumberg, est rigoureuse. Le film est présenté en compétition officielle à la Berlinale 2002, où Rolf Hochhuth, auteur de la pièce originale, déclare en voyant le film : « Je n’avais que des mots, le cinéaste possède l’image. » Tout est dit.

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Pour celles/ceux qui nous lisent régulièrement, nos focales sur la soirée Velu.e ne sont plus une nouveauté vu que cela fait trois ans à la louche que nous évoquons la programmation de ce « cabaret viscéral changeforme et détonnant » pour reprendre les termes de l’équipe qui drive ce projet ô combien rafraîchissant. Un projet qui n’est pas sans évoquer l’Eldorado tel qu’il sévissait durant les années 20/30 à Berlin. Zoom sur un phénomène de société au travers du documentaire Eldorado : Le Cabaret honni des nazis que lui ont consacré Benjamin Cantu et Matt Lambert en 2023.

Un laboratoire des libertés

Direction Berlin des années folles. Le cabaret Eldorado est au coeur de la révolution queer en marche dans la foisonnante capitale allemande. Le mythique nightclub constitue alors une « safe zone » où gays, lesbiennes, personnes trans, drag queens et kings s’épanouissent sans crainte. Dans une Allemagne déchirée par la crise économique, les soubresauts de la république de Weimar, ce véritable laboratoire social accouche au quotidien d’une modernité audacieuse, où l’art, la transgression et la liberté sexuelle se déploient avec une vitalité inouïe.

Parmi les dizaines de bars et clubs queer qui animent la ville, l’endroit se distingue par son ambiance inclusive et son public bigarré. Ici, la clientèle queer côtoie des hétérosexuels fascinés par cette effervescence, dans un élan commun de curiosité. Les spectacles de drag, les bals costumés, les performances artistiques se succèdent frénétiquement, fleurissant dans ce formidable terreau d’émancipation. À l’entrée, une phrase résume l’esprit des lieux : « Hier ist’s richtig » (« Ici, c’est juste »). Un manifeste en trois mots, une promesse d’acceptation inconditionnelle.

Portraits croisés : les visages de l’Eldorado

L’endroit attire les célébrités, donnant ainsi à voir les contrastes de la société allemande de cette époque. On y croise, entre autres :

• Magnus Hirschfeld, sexologue et militant infatigable de la cause LBGT, fondateur de l’Institut pour la science sexuelle, pionnier des recherches sur la diversité des genres. Son héritage, aujourd’hui célébré, fut violemment réprimé par les nazis.
• Charlotte Charlaque et Toni Ebel ; considérées comme deux des premières femmes trans à avoir subi une opération de réassignation sexuelle, ces véritables icônes incarnent la visibilité et la résilience de la communauté trans sous Weimar. Leur histoire, à la fois lumineuse et tragique, illustre les possibilités offertes par cette époque — et leur brutale interruption.
• Ernst Röhm, chef de la SA et bras droit d’Hitler, et son lieutenant Karl Ernst, tous deux homosexuels. Leur fréquentation assidue du cabaret révèle une hypocrisie glaçante : ces mêmes hommes, piliers du régime nazi, seront assassinés en 1934 lors de la Nuit des Longs Couteaux, une purge visant à « nettoyer » le parti de ses éléments « indésirables », dont les homosexuels. Leur destin rappelle cruellement comment la communauté queer, y compris en son sein, fut trahie par l’idéologie qu’elle côtoyait.

La fin d’un rêve : répression et devoir de mémoire

Avec l’arrivée d’Hitler au pouvoir, le paragraphe 175 — qui criminalise l’homosexualité — est renforcé. L’Eldorado ferme ses portes en 1932. Ses clients sont traqués, déportés, assassinés. La Gestapo éradique méthodiquement la scène queer berlinoise, effaçant des décennies de progrès sociaux et culturels.

Eldorado : Le Cabaret honni des nazis est un miroir tendu à notre époque, un rappel que les libertés sont fragiles et que les espaces de résistance, comme l’était l’Eldorado, restent vitaux pour les communautés marginalisées. En redonnant voix aux survivants, en questionnant les experts, en honorant les disparus, le film accomplit un geste essentiel : il préserve une mémoire trop souvent effacée, et célèbre la résilience d’une culture queer qui, malgré tout, a survécu.

Pourquoi ce récit résonne-t-il aujourd’hui ? Parce qu’il nous parle de liberté, de courage, et des dangers de l’oubli. L’Eldorado fut bien plus qu’un cabaret : ce fut un symbole de ce que la tolérance et l’audace peuvent construire — et de ce que la haine peut détruire. À l’heure où les droits des personnes LGBTQ+ sont encore menacés dans de nombreux pays, ce documentaire est un appel : se souvenir, pour mieux résister.

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La Goûteuse d’Hitler ? Nous sommes en 1943, en Prusse orientale ; la jeune Rosa est réquisitionnée pour goûter les repas du Führer. Au cœur de la tanière du loup, la Wolfsschanze, elle et ses compagnes d’infortune risquent leur vie à chaque bouchée pour préserver celle d’un Hitler vieillissant et piégé dans sa démence. Avec cette intrigue, Rosella Postorino pénètre et ausculte les entrailles d’un pouvoir tyrannique jusqu’à la folie, paranoïaque intrinsèquement, à bout de souffle mais fanatique jusqu’à la destruction totale.

Une femme ordinaire dans l’ombre du tyran

« Nous sommes entrées une par une. Après plusieurs heures d’attente debout dans le couloir, nous avions besoin de nous asseoir. La pièce était grande avec des murs blancs. Au centre, une longue table en bois déjà dressée pour nous. Ils nous ont fait signe de nous y installer.

Je me suis assise et j’ai croisé les mains sur mon ventre. Devant moi, une assiette en porcelaine blanche. J’avais faim. »

Secrétaire berlinoise, Rosa Sauer a vu sa vie bouleversée par la guerre. Envoyée chez ses beaux-parents après la perte de sa maison et l’absence de son mari envoyé au front, elle n’a guère d’autres choix que d’entrer au service des nazis en tant que goûteuse. La voici incorporée à un groupe de femmes forcées de tester chaque plat qu’Hitler pourrait avaler. La mission est ambiguë, mêlant privilège matériel et angoisse permanente de mourir empoisonnée.

Une conscience ambivalente

Cette ambiguïté transpire dès les premières lignes du roman. Narré à la première personne, le récit laisse transparaître les pensées intérieures de Rosa : ses peurs, ses doutes, ses souvenirs, sa culpabilité de « mauvaise Allemande ». Nullement acquise à la cause nazie, elle se sent complice par le simple fait de survivre, de s’alimenter via cette fonction pourtant dangereuse. Les restrictions pèsent alors sur ses concitoyens ; Rosa, elle, mange à sa faim, quitte à en mourir.

Postorino dissèque ainsi la conscience ambivalente d’une femme soumise à un système dont elle devine le caractère atroce puisqu’elle en subit l’impact jour après jour. Pour ce faire, l’autrice s’inspire du témoignage réel de Margot Wölk, la seule goûteuse survivante, un témoignage tardif, 70 ans après les faits ; mais Rosa, elle est inventée de toutes pièces, pour incarner une vérité narrative plus profonde, une intensité psychologique rare.

Climat de défiance

Le rythme du récit est mesuré, le langage très tenu, très sobre. Loin des bombardements, des scènes de combat ou d’extermination, l’accent est mis sur l’ennui oppressant des jours, la contradiction entre manger à sa faim et craindre la mort à chaque bouchée, la sensation de normalité qui se fissure peu à peu. Ironie subtile, lucidité glaçante : le plaisir du goût devient une torture morale, vécue différemment par chacune de ces femmes qui s’affrontent au quotidien dans un climat de défiance insupportable.

Et sans jamais se rebeller, ou alors pas de manière concrète. Ainsi, La Goûteuse d’Hitler interroge le lecteur sur la manière dont des individus ordinaires sont absorbés par des systèmes totalitaires, comment ils sont contraints, soumis, exploités, manipulés. À travers un regard féminin et intime, l’histoire révèle la complexité de ces choix imposés. Lauréate de prestigieux prix littéraires en Italie et en France (Campiello, Jean Monnet…), Rosella Postorino réussit à rendre palpable l’irréalité du quotidien sous un régime extrême : c’est à la fois poignant et percutant.

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Une ligne de basse glaciale, un beat qui tape sec comme une claque dans une cave berlinoise, une voix qui tremble à peine, mais qui saigne beaucoup. Minuit Machine nous engloutit dans la darkwave comme dans un bain de chrome tiède. On danse certes, on s’exorcise un peu au passage. Parce qu’avoir mal, c’est quelque part prouver qu’on est vivant ?

Le point de départ : deux meufs, une machine

L’histoire commence en 2013, quelque part dans les bas-fonds de la scène coldwave française. Hélène de Thoury (ex-Phosphor, future Hante.) cherche une voix. Elle poste une annonce. Amandine Stioui répond. Deux cerveaux, une âme commune : celle de la nuit électronique. Très vite, Blue Moon, premier EP, pose les bases : son synthétique, minimal, lyrics au scalpel, poésie désespérée, glamour charbonneux.

Live & Destroy : premier uppercut

2014 : Live & Destroy déboule. Coup de poing dans le circuit. Ça sent l’underground européen, les clubs moites, les afters en ruines. La voix d’Amandine plane entre Siouxsie et une Patti Smith sous opiacés. Les nappes de synthé sont sèches, chirurgicales. On danse les poings serrés, les larmes sèches, les cuirs huilés.

Violent Rains : romantisme noir en désintégration

Une année passe. Deuxième round. Violent Rains, toujours aussi dark, mais plus dense. Plus intime. Une sensibilité crue, presque gothique, une fragilité transformée en force de frappe. Les filles tournent partout. Puis : silence radio. Split ? Burn out ? Le duo se met en veille. Pas mort. En veille.

Infrarouge : l’art de la métamorphose

Come-back et non des moindres. Infrarouge est une métamorphose. Plus techno, plus musclé. Les morceaux cognent. Les lives sont bestiaux. On sent que quelque chose a muté. Le projet devient plus visuel, plus radical. Le revival synthwave ? Hélène et Amandine le dépassent en traçant leur propre route, entre EBM, new wave et hématomes sentimentaux.

24, Queendom : le règne d’Amandine

Hélène part vers Hante. Amandine continue. Seule. Elle incarne maintenant le monstre. 24 (2022) puis Queendom (2025) : elle explore, elle ose. Voix plus présentes, plus théâtrales. Synthés plus gras. Rythmiques plus technoïdes. Et toujours ce même fond de douleur élégante, de rage enfouie. Une prêtresse dark qui ne prêche que pour les damnés.

Un son, un style, une claque

Minuit Machine, pas à pas, continue d’imposer son esthétique, sa philosophie de vie artistique. Un cri. Une façon d’être vulnérable sans se soumettre. D’être électronique sans devenir froide. C’est la bande-son des insomniaques sentimentaux, des clubbeurs solitaires, des goths qui dansent encore — parce qu’ils n’ont pas d’autre choix. Et Amandine, seule en scène, le sait : elle ne fait pas de la musique pour les algorithmes. Elle fait des morceaux comme des messages codés que chacun.e comprend à sa manière.

Pour en savoir plus et suivre l’actu de Minuit Machine, consultez son compte Instagram ainsi que sa page Bandcamp.

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Les jours raccourcissent, les esprits aussi. On suffoque dans la chaleur, on s’engourdit dans la répétition. Et pourtant… sous la surface tiède et léthargique, ça crépite. Pas une explosion, non. Un tison. Une tension sourde, électrique, un éclat d’émotion contenu prêt à griffer. Les dix morceaux de cette semaine vibrent d’une urgence feutrée, entre rage rentrée, solitude stylée, et éclats de grâce retenus. Rien de spectaculaire ici, mais tout est brûlant.

Les 10 artistes à l’honneur ?

Herman Dune – « Sneakers on the Telephone Line »

Une scène anodine – des baskets suspendues à un fil – devient prétexte à une ballade mélancolique. Herman Dune fait du Herman Dune : folk déglinguée, voix traînante, poésie désabusée. C’est du Jarmusch en musique, du souvenir de vacances en noir et blanc. On se laisse porter, nostalgique et lucide.

Shrink the Giant – « We’re Both Idiots »

T’as déjà aimé quelqu’un au point de devenir con ? Shrink the Giant, oui. Et ils en font un hymne indie pop rageur, qui passe de la tendresse à la colère en un clin d’œil. C’est sale, c’est sincère, c’est le genre de chanson qui résume une rupture mieux que six séances chez le psy.

Ozibut – « Créature »

Un cri venu d’un autre monde. Électro cold, paroles murmurées, ambiance à la fois clinique et organique. Créature est un malaise fascinant, une plongée dans une intériorité fracturée. Ozibut capte l’angoisse contemporaine avec une élégance froide et perverse.

Pokey LaFarge – « End of My Rope » (live)

Du swing, du blues, du vieux rêve américain en mode déglingue. Pokey LaFarge, c’est la classe des crooners et la sueur des bars de campagne. En live, ça prend aux tripes : ça danse, ça pleure, ça sourit. Une corde au cou, mais l’air de s’en foutre.

BRDN – « Up and Down » (live)

Un morceau qui ne tient qu’à un fil. BRDN nous balade entre apesanteur et chute libre, voix posée, groove lent, tension qui monte en silence. Une perle brute, captée dans l’intimité d’un live sans filet. On retient son souffle jusqu’à la dernière note.

Lobsterbomb – « Nightbird »

Ça sent le cuir, les néons, l’errance. Lobsterbomb signe un bijou post-punk new wave qui fait hocher la tête sans qu’on s’en rende compte. Nightbird, c’est une fuite nocturne à travers Berlin, un oiseau blessé qui s’obstine à voler. Stylé et sincère.

Tune Amok – « Night Mare »

Attention, mirage toxique. Night Mare est un trip psychédélique halluciné, qui mélange textures électro, voix spectrales et pulsations inquiétantes. On pense à Massive Attack croisant Nine Inch Nails dans un rêve sous anxiolytiques. Tune Amok, troublant et addictif. Il y a de ça.

Blood Orange ft. Caroline Polachek, Lorde, Mustafa – « Mind Loaded »

Une dream team au service d’un spleen élégant. Devonté Hynes mêle les timbres avec brio, entre sensualité éthérée et tension sous-jacente. Le titre dit tout : Mind Loaded, cerveau surchargé, émotions en vrac. Hypnotique, vénéneux, magnifique.

The Charlatans – « We Are Love »

Les vétérans ne lâchent rien. The Charlatans balancent un hymne solaire, presque naïf, mais porté par une sincérité désarmante. Ça groove, ça donne envie d’y croire encore un peu. Pas de cynisme ici, juste une lumière tamisée dans le chaos ambiant.

Bleary Eyed – « Easy »

Ironique, le titre. Parce que rien n’est “easy” ici : guitares saturées, voix noyée dans la reverb, ambiance pâteuse. Bleary Eyed joue la carte du grunge lo-fi pour décrire une léthargie moderne. C’est flou, c’est bancal, mais ça tape juste dans le cœur.

Allez bon appétit à vos oreilles et à la semaine prochaine pour de nouvelles vibrations mélodiques !

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Cette semaine, direction la Cité de l’Architecture et du Patrimoine qui évoque les réalités du tristement célèbre Mur de Berlin. Ce serpent de ciment long de 43,1 kilomètres balafra l’Europe pendant près de trois décennies. L’exposition Le Mur de Berlin. Un Monde Divisé dépasse la simple reconstitution historique pour proposer une analyse fouillée de cette construction emblématique et monstrueuse.

Le symbole le plus brutal de la guerre froide

Un petit rappel s’impose pour situer la chose.

Érigé dans la nuit du 12 au 13 août 1961 par les autorités de la RDA (Allemagne de l’Est), le Mur de Berlin avait pour objectif de stopper l’exode massif des Berlinois de l’Est vers l’Ouest. Long de 155 km, hérissé de barbelés, de miradors et de systèmes de surveillance, il est vite devenu le symbole le plus brutal de la guerre froide, matérialisant la fracture idéologique entre bloc soviétique et monde occidental.

Pendant 28 ans, il a séparé familles, amis, voisins, et a coûté la vie à des centaines de personnes tentant de le franchir. Le 9 novembre 1989, porté par les mouvements citoyens et l’effondrement du bloc communiste, le Mur tombe. Un choc mondial, un espoir immense, un moment d’histoire gravé dans les mémoires.

Un récit mondial dans un Mur

Cette exposition itinérante a pour ambition d’offrir un regard transversal, sensible et documenté sur ce qui fut bien plus qu’un mur : cette haute barrière de béton fut une matérialisation de la guerre froide, de ses terreurs et de ses fractures. Fruit de quatre ans de travail entre Musealia et la Fondation du Mur de Berlin, ce parcours est segmenté en quatre sections thématiques qui reflètent l’histoire complexe de la seconde partie du XXe siècle :

1. L’après-guerre et les débuts de la division du monde,
2. La tension croissante dans Berlin et la construction du Mur,
3. La vie quotidienne dans une ville coupée en deux,
4. La chute du Mur et la transformation globale des sociétés qui s’ensuivit.

Objets, archives, symboles

La force de cette exposition réside dans sa collection inédite et bouleversante. On y découvre 200 objets originaux, issus d’une quarantaine de prêteurs à travers le monde. Des objets du quotidien transformés en témoignages de survie : des fragments de tunnels, des faux papiers d’identité, des jouets d’enfants contraints à fuir, des bannières de manifestations pacifistes, un paquet CARE symbolisant l’aide humanitaire américaine, un ours en peluche, relique déchirante d’un déracinement imposé…

Chaque artefact raconte une micro-histoire, un geste de résistance, une stratégie d’adaptation, une tentative de fuite, ou tout simplement un souvenir d’un quotidien encagé. Et puis il y a ce moment, ce 9 novembre 1989 resté dans les mémoires européennes, marteau et burin en main, quand les Berlinois attaquent la paroi de leur prison à ciel ouvert. Ces outils sont là, eux aussi. Objets sacrés. Reliques de libération.

Une expérience politique et humaine

L’exposition ne se contente pas d’illustrer un événement passé. Elle interroge nos démocraties actuelles, leurs fragilités, les nouvelles lignes de fracture. Elle convoque la mémoire pour penser le présent, dans un monde où les murs n’ont pas disparu, mais ont changé de forme : murs numériques, murs idéologiques, murs migratoires.

En creux, on comprend mieux pourquoi des milliers de citoyens ont risqué leur vie pour franchir la frontière, ce que cela signifie de choisir sa liberté, de la conquérir, de la défendre. Et pourquoi ces récits doivent être partagés aujourd’hui, plus que jamais.

Une exposition nécessaire

Unique date française de ce parcours international, la Cité de l’Architecture devient le théâtre d’un dialogue essentiel entre architecture, histoire et mémoire. Car le Mur, c’était aussi un acte architectural total : un dispositif d’oppression, mais aussi un lieu d’expression, de graffiti, de contestation visuelle. Il était béton, mais aussi écran, support à projections politiques et poétiques.

En exposant cette matière grise devenue symbole, Le Mur de Berlin. Un Monde Divisé réussit à faire ce que toute grande exposition doit viser : émouvoir, instruire, éveiller. Et nous rappeler que l’Histoire n’est jamais un fardeau du passé, mais un outil pour construire l’avenir.

Pour en savoir plus et préparer votre visite, consultez le site de la Cité de l’Architecture et du Patrimoine.

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Cela va peut-être étonner les plus candides d’enter vous, mais le monde de la géopolitique n’est pas uniquement peuplé de tanks, de missiles, de discours onusiens et de négociations barbouziennes. Non, non, non, dans cette histoire il faut aussi compter avec le soft power. Vous avez peut-être déjà entendu le mot, sans trop capter de quoi il s’agit vu que la notion est assez retorse. Dommage car la logique est vraiment efficace, et que nous sommes tous.tes touché.es. Attachez vos ceintures, on plonge dans le monde fascinant du pouvoir doux !

Qu’est-ce que le Soft Power ?

Déjà une petite définition la plus claire possible : le soft power, c’est l’art de séduire et d’influencer sans recourir à la force brute. Concrètement ça donne quoi ? Imaginez une soirée où vous devez convaincre quelqu’un de choisir votre série préférée. Plutôt que de crier et de menacer, vous sortez vos arguments les plus subtils : les critiques élogieuses, les scènes marquantes, le charisme des acteurs. Eh bien, c’’est exactement ce que font les pays sur la scène internationale avec le soft power : ils utilisent la culture, les valeurs et les politiques attractives pour gagner des alliés, diffuser leur point de vue et influencer l’opinion mondiale pour aller dans leur sens.

Le terme a été forgé à la fin des années 1980 par le politologue américain Joseph Nye, professeur à Harvard, dans son ouvrage Bound to Lead: The Changing Nature of American Power (1990). Nye y conteste le déclin annoncé de la puissance américaine après la Guerre froide, en proposant une nouvelle grille de lecture du pouvoir : selon lui, la capacité d’un pays à influencer les autres sans contrainte, par l’attraction plutôt que par la coercition, constitue une forme de puissance à part entière. Nye oppose ainsi le hard power, fondé sur la force militaire et les pressions économiques, au soft power, qui repose sur la culture, les valeurs politiques (liberté, démocratie, droits humains) et la légitimité de la politique étrangère. C’est une puissance plus diffuse, souvent moins visible, mais redoutablement efficace dans un monde interconnecté où l’image et la narration jouent un rôle crucial.

Dans ses ouvrages ultérieurs, notamment Soft Power: The Means to Success in World Politics (2004) et The Future of Power (2011), Nye affine sa pensée et introduit l’idée de smart power : une combinaison stratégique du hard et du soft power. D’autres chercheurs, politistes et spécialistes des relations internationales ont enrichi le concept :

• Pierre Bourdieu, sans utiliser le terme « soft power », a largement exploré la notion de violence symbolique et de domination culturelle, qui préfigure certaines réflexions sur l’influence douce dans un cadre global.
• Le sociologue Manuel Castells a travaillé sur le pouvoir des réseaux et l’économie de l’image dans la société de l’information, en lien avec l’idée d’une influence par la communication.
• Dans une perspective critique, des auteurs comme Edward Saïd (avec le concept d’orientalisme) ont souligné que le soft power peut aussi masquer des dynamiques néocoloniales, lorsque la séduction culturelle sert des objectifs de domination.

Soft power in real life

Ok mais sur le terrain, in real life, ça donne quoi ? Comment se décline le soft power ? Quelle tournure ? Quelle logique ? Voici quelques exemples géographiques pour mieux cerner la chose (vous allez voir, en fait vous connaissez bien le concept sauf que vous ne le saviez pas mais heureusement The ARTchemists sont là).

Les États-Unis : Hollywood et McDonald’s

Ah, les États-Unis ! Pas pour rien que l’idée vient de là. Les Américains ont compris depuis longtemps l’importance du soft power. Hollywood, c’est un peu la machine à rêves mondiale. Les blockbusters américains envahissent les écrans de la planète, façonnant les imaginaires et les aspirations de millions de personnes. Ajoutez à cela des marques comme McDonald’s et Coca-Cola, des réseaux sociaux comme Facebook ou X et vous avez un cocktail explosif de soft power. Ces éléments véhiculent une image de liberté, de succès et de prospérité, mais au finish il s’agit d’implanter les valeurs made in USA un peu partout dans nos petits crânes.

La Corée du Sud : K-pop et K-dramas

Qui aurait cru il y a vingt ans que la Corée du Sud deviendrait une superpuissance culturelle ? Avec la montée en puissance de la K-pop (merci BTS !) et des dramas coréens, le pays a su s’imposer comme une référence mondiale en matière de divertissement. En 2020, par exemple, le film Parasite a remporté l’Oscar du meilleur film, une première pour un film non anglophone, illustrant parfaitement cette ascension fulgurante.

La Chine : les routes de la soie culturelles

La Chine n’est pas en reste, au contraire. Elle utilise le soft power pour améliorer son image sur la scène internationale, notamment à travers des initiatives comme les Instituts Confucius, présents dans le monde entier afin de promouvoir la langue et la culture chinoises. De plus, elle investit massivement dans des productions cinématographiques internationales,organise des événements culturels de grande envergure, comme les Jeux olympiques de Pékin en 2008, et prête des pandas en leasing aux zoos les plus célèbres de la planète.

Soft power : facettes stratégiques

Les avantages du soft power ? Innombrables et bien pratiques. Tout principalement, cette méthode d’influence :

• évite les coûts humains et financiers des conflits armés,
• crée des alliances durables fondées sur l’admiration et le respect mutuel plutôt que sur la peur ou la coercition.

Bref c’est juste génial, ça évite de s’égorger. Et ça donne une excellente image du pays qui soft powerise. Ainsi, la France s’est imposée au fil des années comme un modèle de culture et de sophistication grâce à son cinéma, sa cuisine, son art de vivre, ce qui renforce son influence mondiale sans un seul coup de fusil.

Allons un peu plus loin dans cette analyse. Quelles sont les composantes d’un soft power abouti ?

La diplomatie culturelle

Les musées, les expositions et les festivals internationaux sont autant d’outils de diplomatie culturelle. Les pays organisent et sponsorisent ces événements pour partager leur culture et renforcer leurs liens avec d’autres nations. Par exemple, l’Inde organise à Paris depuis 2010 le festival Namasté France — une initiative de diplomatie culturelle portée par l’Ambassade d’Inde et l’ICCR, en partenariat avec l’Institut français. Ce festival pluridisciplinaire (musique, danse, artisanat, ateliers, gastronomie) a rassemblé plus de 20 000 visiteurs en 2023, illustrant un engagement durable dans le dialogue interculturel.

L’éducation et les échanges académiques

Les bourses d’études et les programmes d’échange académique sont des moyens puissants de soft power. Les étudiants étrangers sont exposés à la culture du pays d’accueil où ils partent faire leur cursus ; ils peuvent ainsi devenir des ambassadeurs culturels lorsqu’ils rentrent chez eux. Exemple type et particulièrement abouti, le DAAD, service allemand d’échanges universitaires, est l’un des plus puissants programmes de soft power éducatif au monde. Il finance des milliers de mobilités d’étudiants, d’enseignants et de chercheurs chaque année, dans une logique de coopération scientifique et culturelle. L’Allemagne s’affiche ainsi comme un pays ouvert, rigoureux, moderne, cultivant une image de partenaire fiable, particulièrement dans le monde universitaire.

Médias et divertissement

Les films, les séries télévisées, la musique, les jeux vidéo, mais aussi les formats courts ou les webtoons, sont aujourd’hui parmi les vecteurs les plus puissants du soft power culturel. Ils façonnent les représentations, véhiculent des styles de vie, font rayonner des langues, des esthétiques, des récits nationaux. Grâce aux plateformes de streaming comme Netflix, YouTube, Spotify ou TikTok, les contenus culturels circulent à une vitesse inédite et touchent des publics mondiaux — souvent bien au-delà des intentions initiales. La cinématographie indienne, avec ses codes visuels, ses récits mélodramatiques et son ancrage dans les mythologies locales, s’est imposée comme un pôle culturel majeur en Asie, en Afrique et au Moyen-Orient. Bollywood ne vend pas seulement des films, mais aussi une certaine image de l’Inde : festive, colorée, spirituelle, moderne et profondément enracinée dans ses traditions.

Soft power : un atout pour l’art et la culture… ou une menace ?

L’art et la culture ont toujours circulé, inspiré, ému au-delà des frontières. Mais dans un monde où l’image d’un pays constitue un levier stratégique, ils sont de plus en plus perçus comme des outils d’influence. Le soft power s’infiltre désormais dans les logiques de production culturelle. Est-ce une chance pour les artistes et les institutions ? Ou un risque d’instrumentalisation, voire de formatage ?

Un levier de rayonnement… et de soutien

Le soft power a indéniablement ouvert des portes à la création artistique. Dans certains pays, les politiques culturelles intègrent cette dimension stratégique pour mieux soutenir leurs artistes à l’international. La Turquie, par exemple, a misé massivement sur l’exportation de ses séries télévisées (« dizi »), devenues des succès populaires dans les Balkans, au Moyen-Orient, en Afrique et jusqu’en Amérique latine.
Des productions comme Diriliş: Ertuğrul, épopée néo-ottomane portée par des valeurs traditionnelles et une imagerie nationale forte, participent à façonner une image valorisante et influente de la Turquie contemporaine. Ce succès, aussi sincère soit-il sur le plan artistique, incarne une forme de soft power parfaitement orchestrée, mêlant récit national, nostalgie impériale et stratégie culturelle régionale.

En France, l’action culturelle extérieure repose sur un écosystème d’aides, de festivals, d’instituts et de subventions, qui favorise le rayonnement international d’une culture diverse et plurielle. Ce soutien permet à des cinéastes, des auteurs, des musiciens de faire entendre leur voix bien au-delà de l’espace francophone.

Quel est le prix culturel du soft power ?

Lorsque la culture devient un vecteur stratégique, elle risque de s’aligner sur des critères de visibilité, de désirabilité ou de conformité à une image souhaitée. Certains projets sont favorisés parce qu’ils « représentent bien » une esthétique ou un récit national, tandis que d’autres sont relégués car jugés trop critiques, trop dérangeants.

C’est le cas du cinéaste iranien Jafar Panahi, plusieurs fois emprisonné, censuré, puis interdit de tourner dans son propre pays. À l’international, ses films sont célébrés, primés à Berlin, Cannes ou Venise. Ils participent à l’image d’un Iran culturellement raffiné et intellectuel, tout en étant condamnés par les autorités qu’ils dérangent. Cette récupération paradoxale témoigne de la manière dont une œuvre dissidente peut renforcer le prestige culturel d’un pays malgré lui.

De façon inverse, certains artistes critiques sont progressivement neutralisés par la reconnaissance institutionnelle. C’est ce qu’a connu le musicien nigérian Fela Kuti, dont la musique radicale et militante a longtemps été rejetée par le pouvoir, avant d’être célébrée comme symbole de fierté nationale, une fois sa figure iconique stabilisée.

Les artistes, des ambassadeurs malgré eux ?

Beaucoup de créateurs ne se pensent pas comme des instruments diplomatiques. Leur œuvre naît d’une démarche intime, esthétique, politique. Mais dès qu’ils rencontrent le succès à l’international, ils deviennent, volontairement ou non, des symboles de leur culture d’origine.
C’est le cas de Studio Ghibli, au Japon, dont les films porteurs d’univers oniriques, d’écologie douce et de spiritualité subtile ont projeté dans le monde une vision apaisée, poétique et positive de la culture japonaise. À l’opposé, des figures comme Ai Weiwei (Chine), dont l’art est frontalement politique, sont érigées comme icônes de la liberté d’expression à l’étranger, alors qu’elles sont effacées de l’espace public national.

Une tension féconde ?

La relation entre soft power et création artistique est donc profondément ambivalente. Elle peut être fertile, lorsqu’elle offre aux artistes des moyens, une visibilité, une reconnaissance. Mais elle peut aussi être limitante, lorsqu’elle oriente les productions vers ce qui est « exportable », « positif », « non dérangeant ».

Pour préserver la vitalité artistique, il est essentiel de maintenir des espaces de création autonomes, à l’abri des impératifs diplomatiques ou des logiques d’image. Car le rôle profond de l’art n’est pas seulement de séduire ou de représenter : c’est aussi de troubler, de questionner, de résister — et c’est en cela qu’il reste, paradoxalement, l’un des vecteurs les plus puissants du soft power véritable.

Le soft power n’est ni bon ni mauvais en soi. C’est un outil, une stratégie, une énergie culturelle en mouvement. Reste à savoir qui l’emploie, dans quel but, et avec quelles limites. Car derrière la séduction douce se joue parfois une partie d’échecs bien plus rude.
Alors la prochaine fois que vous chantez un tube de BTS, regardez une série turque ou écoutez un auteur exilé à la radio, demandez-vous : suis-je juste un public ? Ou déjà un pion sur l’échiquier du pouvoir ?

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« Le ventre est encore fécond d’où a surgi la bête immonde » prophétisait un certain Bertold Brecht qui savait de quoi il parlait puisqu’il avait dû fuir le nazisme en 1933. Publié en 1972, Le Dossier Odessa (The Odessa File) confirme les dires du dramaturge berlinois dune manière magistrale. À la croisée du roman d’espionnage et de l’enquête journalistique, le livre de l’auteur Frederick Forsyth met en lumière les ramifications secrètes du nazisme APRÈS la Seconde Guerre mondiale, alors que les sbires survivants d’Hitler entretiennent la flamme de leur idéologie mortifère dans une Allemagne de l’Ouest refusant obstinément d’affronter son passé.

Quand un journal intime fait basculer une vie

Hambourg, 1963. Jeune journaliste ambitieux et solitaire, Peter Miller entre en possession du journal intime d’un vieillard solitaire qui vient de se suicider. Ce survivant juif des camps y a relaté, outre le calvaire subi durant sa déportation, l’existence de l’Organisation der ehemaligen SS-Angehörigen. Le réseau clandestin ODESSA a, selon lui, conçu afin de protéger les anciens SS de poursuites judiciaires en les exfiltrant vers des pays comme l’Argentine ou l’Égypte pour ensuite leur fournir de nouvelles identités et couvrir leurs crimes.

Désireux d’en savoir plus, Miller décide de mener l’enquête. Il s’infiltre dans ce réseau obscur avec l’aide d’un agent israélien du Mossad et d’un ancien SS repenti. Son objectif : retrouver Eduard Roschmann, surnommé le « Boucher de Riga », et le confronter à ses crimes. Mais plus Miller avance, plus il découvre un monde où la justice, la politique, l’industrie et le silence s’entrelacent dangereusement. Ce qui va le pousser à bien des extrémités, sachant qu’il est aussi en quête de justice.

Une fiction ancrée dans la réalité

Si le roman est une œuvre de fiction particulièrement bien menée, il s’appuie aussi sur des faits historiques avérés. L’organisation ODESSA a bien existé, même si son ampleur exacte fait encore l’objet d’investigations historiques De nombreux anciens nazis ont effectivement échappé aux procès de Nuremberg grâce à des complicités au sein même des institutions allemandes, du Vatican, et via des filières d’exfiltration comme la Ratline.

Le personnage de Roschmann est inspiré d’un véritable criminel de guerre, dont le passé a été révélé grâce à l’enquête de Simon Wiesenthal, célèbre chasseur de nazis. Forsyth, lui-même ancien journaliste et correspondant de guerre, a mené une investigation minutieuse, en consultant des archives, des dossiers confidentiels et en interrogeant des survivants de la Shoah. Ce travail documentaire confère au roman une puissance glaçante de réalisme.

Un style nerveux et journalistique

Le Dossier Odessa ne se contente pas de divertir, il éclaire une zone d’ombre de l’histoire européenne d’après-guerre. Frederick Forsyth se distingue par son style précis, quasi journalistique. Son écriture se veut factuelle, rythmée, tendue, évitant le pathos pour laisser parler les faits. L’intrigue avance à un rythme soutenu, alternant scènes d’action, dialogues tendus et passages d’analyse historique. Chaque détail compte, chaque révélation relance le suspense.

Le roman est aussi traversé par une réflexion sur la mémoire, la justice et la vérité, dans une Allemagne encore marquée par l’ombre du Troisième Reich. Il interroge : que faire des bourreaux restés impunis ? Jusqu’où aller pour obtenir justice ? La vengeance peut-elle être un moteur légitime ?

Comprendre, dénoncer, réparer

Dès sa sortie, le roman a été salué pour sa capacité à mêler thriller haletant et rigueur historique. Il s’inscrit dans une veine littéraire post-Seconde Guerre mondiale qui cherche à comprendre, dénoncer, parfois réparer. Dans la lignée d’auteurs comme John le Carré ou Robert Harris, Forsyth s’impose comme un conteur engagé, capable d’utiliser la fiction pour mettre au jour des vérités dérangeantes. En 1974, Le Dossier Odessa est adapté au cinéma par Ronald Neame, avec Jon Voight dans le rôle de Peter Miller et Maximilian Schell dans celui de Roschmann.

Le film a connu un succès relatif, n’égalant guère la profondeur et la complexité du roman. Plus qu’un roman d’espionnage, Le Dossier Odessa explore les zones grises de l’Histoire, dans un récit tendu et lucide sur la manière dont les démons du passé peuvent hanter le présent. Frederick Forsyth y déploie tout son talent de narrateur pour offrir une œuvre à la fois captivante et profondément engagée, qui continue de résonner aujourd’hui à l’heure où les questions de justice, de mémoire et de vérité restent plus que jamais d’actualité.

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Bimboumbadaboum : la Discoslut s’apprête à envahir les salles du Klub en mode fièvre du vendredi soir ! Pour la team Bragi Pufferfish, mars 2025 se terminera dans une ambiance boule à facette et col pelle à tarte (Travolta, ne sors surtout pas de ce corps), avec une prog resserrée mais d’extrême qualité.

Trois pour faire tanguer le dancefloor

Moiteur disco, quand tu nous tiens ! Bien calés derrière leurs platines, ils seront trois à faire tanguer le dancefloor. J’ai nommé :

Fabisounours

Loki Starfish

Paaul Sud

Trois noms, trois approches, trois styles. Et une problématique : la survivance du disco, sa déclinaison à l’heure du tout numérique et de l’IA. Sans sombrer dans la nostalgie, en méditant sur les nouvelles déclinaisons de ce genre si spécifique. Ce qui nous amène à faire un peu le point sur ce qui vous attend.

Tendances disco et modernes déclinaisons

Sans trahir une prog dont nous ne savons encore rien vu qu’elle est en phase de gestation dans la tête et sur les ordis de nos trois DJ, cela vaut le coup de faire un petit récap sur les tendances disco qui les inspirent et dont vous entendrez plusieurs cocktails au fil de cette folle nuit (donc autant revoir votre conjugaison disco, ça ne fera pas de mal).

Nu-disco : le revival chic et smooth

La nu-disco (ou new disco) est née dans les années 2000 en Scandinavie, en Angleterre et en France (coucou Daft Punk, Yuksek, Breakbot, L’Impératrice…). C’est un remix moderne du disco originel :

• même groove funky,
• grosses lignes de basse,
• mais avec des sons électroniques propres, des synthés vintage,
• et une vibe beaucoup plus léchée.

Ambiance : rooftop à sunset, paillettes mais version 2025, champagne et moiteur élégante.

Dark disco : le côté obscur de la piste

La dark disco garde la rythmique dansante du disco mais y injecte une bonne dose de noirceur.

• C’est plus lent, plus lourd, presque hypnotique.
• Les sons sont crades, acides, parfois un peu EBM (electronic body music), post-punk, techno.
• Les ambiances peuvent être cold wave ou industrielles.

Ambiance : club berlinois à 3h du mat, cuir, fumée et sueur noire.

Italo-disco : le kitsch qui claque

L’italo-disco, c’est le disco version italienne des années 80, ultra synthétique, bourré de boîtes à rythmes, de synthés cheap, de voix trafiquées et d’une énergie euphorisante.

• C’est flashy, naïf, parfois même un peu ridicule, mais complètement jouissif.
• Les grands noms : Gazebo, Ken Laszlo, Ryan Paris, Savage, et les tubes qu’on n’oublie pas (Tarzan Boy, I Like Chopin, Dolce Vita…).

Ambiance : néons roses, scooter Vespa, clip kitsch sur VHS, déhanché assumé.

Bon maintenant que vous avez revu vos classiques, à vous de jouer. Mettez-vous dans le mood en attendant d’être dans le moove. Et préparez-vous à pénétrer le safespace de la Discoslut comme on le ferait d’un terrain d’expérimentation, un labo où combiner les sons disco pour assurer leur longévité !

Pour préparer votre soirée, consultez le compte Instagram de la Discoslut party.

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